GRECIA

ENCUADRE HISTÓRICO Y CRONOLÓGICO

IX y VIII a.C. recuperación de Grecia tras el hundimiento micénico. A este periodo se le llama arte geométrico por las cerámicas. En esta época se comienza las olimpiadas, vive Homero, colonizaciones: van a fundar colonias en el mediterráneo. Se inician las bases del sistema democrático. Se definen las polis que eran territorios y la comunidad de ciudadanos que vivían en esos territorios que giran en torno a un…

S. VII y VI a.C. sus colonias se enfrentan a los fenicios y dominan el mediterráneo oriental.

V es el siglo de Pericles. Máxima brillantez y triunfo frente a los persas en las guerras médicas. Atenas es la cuna del poder. Empiezan las guerras del Peloponeso

S. IV a.C. comienza la decadencia y se ve la necesidad de unir a los griegos y lo hará

Filipo de Macedonia. Su hijo Alejandro Magno (356-323) unifica a los griegos. Vence

a los persas y se extiende por todo el mundo conocido. El periodo helenístico

comienza con su muerte y Grecia se divide en tres estados: Macedonia, Siria y Egipto.

II Roma conquista los estados Helenísticos y Grecia es integrada en el imperio romano

ARQUITECTURA GRIEGA

El arte griego aunque hereda del prehelénico algunas formas especiales no puede considerarse como sucesor. La invasión de los elonios, jonios y dorios a fines del segundo milenio pone fin al arte prehelénico y solo después de cuatro s. de ensayos y esfuerzos crean un nuevo estilo, en los que se distinguen tres periodos:

1.- Arcaico: anterior al S.V a.C.

2.- Apogeo: S.V y S. IV a.C.

3.- Helenístico: Hasta los días del imperio romano.

En Egipto y mesopotamia gustan de construir edificios de proporciones colosales, pero los griegos prefieren crear conjuntos proporcionados. Para el griego la belleza es proporción, medida.

La arquitectura es de SILLERIA UNIFORME O ESODOMO. El material es el mármol blanco. Conocen el arco pero renuncian a utilizarlo. La arquitectura es ADINTELADA ARQUITRABADA O RECTA. Sus edificios son bellos y completos en la fachada del templo. El resto son habitaciones sin interés artístico.

Los griegos se inspiran en la cultura MICENICA “EL MEGALON “ templo prehelénico.

En las portadas de los templos se crean los ordenes.

ORDEN : sucesión de las diversas partes del soporte y de la techumbre adintelada.

Hay tres estilos diferentes: DORICO, JONICO Y CORINTIO (de los pueblos jónicos dóricos y corintios ).

LOS DORICOS: se caracterizan por la sobriedad. Los primeros eran de madera.

LOS JONICOS: son más lujosos, costas del Asia menor.

DORICO

Es el más sobrio de proporciones, más robustas la decoración de máxima austeridad. Las fábulas de Doro hijo de ELLEN y de OPTICA quien al construir el templo de Heras fija los cánones de orden DORICO.

El orden Dórico descansa sobre gradas que se elevan sobre el terreno, no tiene base , el ultimo escalón es el ESTILOBATO.(donde se apoya el fuste o columnas).

El FUSTE es estriado y esta formado por tambores o varias piezas en el S.V a. c. (en los tiempos arcaicos era monolítico ), sus aristas en vertical son vivas o cortantes, y en horizontal unidas por 3 por anillos rehundidos llamadas ASTRAGALOS. Tienen un ligero ensanchamiento en la parte central o ENTASIS. CAPITEL consta de dos piezas: EQUINO es almohadillado tanto más acusada cuanto más antígüo, en los monumento del s. V casi es recto la curvatura. ABACO un paralepípedo que corona el capitel. El paso del fuste al capitel se llama COLLARIN (moldura cóncava ). TECHUMBRE: consta de tres cuerpos ARQUITRABE, FRISO Y CORNISA .

ARQUITRABE descansa sobre los ábacos es liso y entre el y el friso un estrecho filete.

FRISO: consta de TRIGLIFOS Y METOPAS.

TRIGLIFOS rectángulo surcado por tres canales verticales. Existen debajo las seis gotas.

METOPA : un vano que se cierra con tableros y tiene historias en relieve.

CORNISA: carga en saledizos sobre el friso. Consta de una estrecha moldura curva llamada SIMA en la cara inferior de esa sima y correspondiente a los triglifos hay seis gotas.

CUBIERTA: inclinada a dos aguas formando un frontón con el fondo llamado TIMPANO donde hay figuras en relieve . La cornisa es rematada por figuras o ACROTERAS y canalones o GARGOLAS.

JONICO

Su origen es ITITA. Tiene mayor esbeltez y riqueza decorativa. Descansa sobre una base molturada, base cuadrada y de tres cuerpos circulares. Las BASAS constan de TOROS y ESCOCIA.

FUSTE: carece de énfasis (grosor de la parte central del fuste), veinticuatro estrías verticales que están terminadas en redondo (matadas).

CAPITEL : especie de EQUINO con decoración de OVAS Y FLECHAS, sobre el equino una almohadilla con BOLUTAS.

ARQUITRABE: consta de tres fajas coronada la ultima por una decoración de ovas y perlas.

FRISO: es liso o decoración animada continua.

CORNISA: tiene todas las partes del dórico SIMA, FRONTON, TIMPANO, GARGOLAS Y ACROTERAS.

CORINTIO

Es un capitel más que un orden, el edificio que lo utiliza sigue las formas de JONICO excepto el capitel. Es de creación tardía, en los últimos tiempos del arte griego. Lo usan los romanos en el s. II a. c. El cesto son hojas de acanto y es el cuerpo tronconico del capitel. Se reparte el capitel en hojas de agua las primeras, tallos en los extremos y en el centro rosas hojas de acanto. La obra más antígüa es monumento de ISICRATES. Además de estos tres tipos de soporte aunque excepcionalmente también se emplea el fuste con figuras femeninas que se llaman CARIATIDES, y en forma masculina ATLANTE o TELAMONES.

DECORACION

Emplean el MEANDRO o curvas CINTAS ENTRELAZADAS Y ONDAS y los temas vegetales (palmeta, loto ), pero la gran aportación es la hoja de ACANTO o cardo gran papel en el CORINTIO (capitel).

TEMPLO

Es el monumento capital de la arquitectura y se definen los monumentos constructivos. No tiene las dimensiones del templo egipcio ni el cristiano. Solo custodia la imagen divina, son proporciones medianas. El ALTAR se encuentra en el exterior del templo. El templo griegos nace como una evolución del MEGARON prehelénico. Planta rectangular, tan simple que se reduce a la capilla y otras tres naves separadas por columnas en su interior con varias subdirecciones (la NAOCELA ) capilla del Dios

PRONAO vestíbulo abierto.

INANDIS antepone otra fila de columnas

El pórtico puede tener un número determinados de columnas con diversos nombres: columnas en una fachada PROSTILOS

En varias fachadas ANFIPROSTILOS

Cuando esta rodeado de columnas en todo su perímetro PERICTERO.

Según el numero de columnas: OCTALTILO ocho columnas

Existen después del s. V a. c. otros templos de planta circular TOLOS.

El templo tiene policromía de colores, colores planos (in gradación ) TRIGLIFOS en azul ESTRIAS en negras y el TIMPANO en rojo o negro.

PRINCIPALES TEMPLOS

PARTENON Y POSEIDON (orden dórico )

PARTENON

Esta en la acrópolis de Atenas en la zona alta de la ciudad. Epoca clásica griega segunda mitad del s. V a. c. Cuando Grecia sale de las guerras Médicas contra los Persas con Pericles es la época más importante . Pericles empieza en el 447 a. c. dos arquitectos Ictinos y Calicatres y Cilias se encargo de la decoración.

Fue Iglesia cristiana, fe Mezquita, fue residencia y fue polvorín (esta muy deteriorado). Con independencia de Grecia en el s. XIX d. c. se inicia la preocupación por su conservación en la actualidad se conserva insitu el pórtico de echo columnas pero sin techumbre, no tiene frontones. El material es el mármol rosado de la cantera de Pentelico. Los muros y columnas fueron cinceladas como esculturas fue pintado las ACROTERAS de muchos colores, las METOPAS de blanco y negro, TRIGLIFOS azules, COLLARINES de rojo.

Las ordenes es ARQUITRABADA (recta) orden dórico.

Es un gran templo las dimensiones no están motivados por razones del culto sino por grandeza. Las columnas alcanzan 10.43m de altura y el diámetro en su base 1.90m de diámetro. Se diseño con proporción y armonía entre las partes del templo y del hombre. Todo esta calculado numéricamente.

El centro de los ENTABLAMENTOS y del ESTILOBATO tienen unos centímetros de elevación convexa parecen horizontales pero no lo son. Para eliminar este efecto se le da una ligera inclinación hacia el interior.

DECORACION: una geometría y otra figurada escultórica. La escultura figurada fue realizada por Filias y su escuela, (apenas se conserva) se encuentra en las METOPAS (luchas mitológicas, guerra de Troya, guerra de centauros)

En los frontones dedicados a la diosa Atenea. En un FRONTON Atenea y Poseidon que luchaban para ver quien es el guardián de la ciudad y en el otro FRONTON el nacimiento de Atenea

Función del edificio es albergar a la diosa Atenea y los griegos oran individualmente.

Tiene un pórtico de columnas (octástilo ) y 17 columnas en los laterales es un templo PERICTERO. En el interior sucesión de habitaciones (cella, nao )

TEMPLOS JONICOS

El ERECTEION en la acrópolis de Atenas se termina a finales del s. V a. c. forma rectangular, tiene un pórtico

hexastilo (6 columnas ) las columnas en una galería son remplazadas por CARIATIDES (formas femeninas). Las columnas formadas por tambores y estrías matadas. La base (TOROS Y ESCOCIA). ARQUITRABE con tres franjas y la ultima de decorada con OVAS Y FLECHAS. FRISO con esculturas corridas.

Templo de la VICTORIA ACTERA O ATENEA NIQUE, fue tratado por CALICRATES construido 427 por PERIPLES. Entrada de la acrópolis después de las puertas el interior una minúscula CELIA (habitación). Cuatro columnas de sus pórticos para producir efecto de mayor monumentalidad son más gruesas que los del EDECTERIO. El FRISO son corrido (son luchas médicas contra Persas)

TEMPLO CORINTIO

Templo de Zeus en Atenas fue mandado construir por Antioco Epifanis y no fue acabado. Es circular o TOLO.

En la época helenística (muerte Alejandro Magno) El templo al aire libre el de Zeus de Pergano (polis del Asia menor ). Consta de una amplia y elevada gradería que desemboca en un pórtico Jónico continuando en dos cuerpos laterales que encuadran en esta galería. El BASAMENTO esta decorado en altorrelieve (casi toda la figura muy sobresaliendo).

OTROS EDIFICIOS PUBLICOS

Los griegos crean otros prototipos no menos influyentes en épocas posteriores. LA CASA DEL CIUDADANO es más importante que el palacio del monarquía. La casa es mediterránea su patio es lo más importante con pórticos de columnas y al fondo del patio la sala principal o ANTROCEO en el lugar menos accesible el GINECEO (habitación).

• SEPULCRO

Es de escasa monumentalidad hasta la época helenística pero en el s. V (Pericles máximo apogeo). Sepulcro de las NEREIDAS.

MAUSOLEO DE ANICARINASO: Situado en Asia Menor (Alicarnaso) museo Británico. Lo construyen para los ATRAPAS (gobernadores civiles del imperio Persa). Lo mando construir su viuda (335 a. c.) Artenisa lo mando construir. Tiene un BASAMENTO el cuerpo principal esta PORTICADO de orden jónico. Tiene encima un elevadísimo remate piramidal de gradas y rematado con una cuadriga dirigida por Mousolo. Tiene 25 m de alto el monumento y las esculturas de los cuatro frentes se encargan a Escopas (escultor s. IV a. c.).

• TEATRO

Creación griega al final de la vendimia dedican a el dios del vino DIONISIO hacen el teatro. Los teatros de actualidad siguen con las normas del teatro griego.

ESCENA: es más importante la escena romana y se encuentra a nivel de tierra, se emplean decoraciones giratorias, en forma de prismas triangulares.

ORQUESTA: Planta circular (coro) y tiene en el centro un altar para el dios DIONISIO.

GRADERIO: Planta ultrasemicircular rodea en gran parte a la orquesta.

El teatro más importante EPIDAURO Y OLIMPIA

• ESTADIO

Es la pista para contemplar las carreras de carros y ejercicios gimnásticos. Se llama estadio por que significa distancia y es 200 m. Es de forma rectangular y con graderías en los lados mayores y un testero semicircular.

• HIPODROMO

Análogas características del estadio carreras de caballos y carros pero de mayores proporcione.

• PALESTRAS

Lugares donde se luchan o se celebran certámenes literarios públicos.

• GIMNASIOS

Baños y pórticos

• ESTOAS

Pórticos de dos naves decorados por cuadros y cerrados en un testero (cabeceras). Las utilizaban para charlar y filosofar.

• ODEON

Audiciones musicales.

• PUERTAS DE LAS POLIS GRIEGAS (PROPILIOS)

Pórticos interiores y exteriores, la entrada de la acrópolis de Atenas (dóricos y jónicos)

• MONUMENTOS CONMEMORATIVOS

LA LINTERNA DE ISICRATES: Corintio en el exterior. Consta de un elevado pedestal para exponer el TRIPODE ganado por ISICRATES en un certamen teatral, cilíndrico, macizo, decorado por un entablamento con un friso corrido con medias columnas, remate para colocar el trípode, monumento dedicado a DIONISIO (lo ilustran con historias de piratas convertidos en delfines por DIONISIO)

EL FARO DE ALEJANDRIA: Descripciones Arabes maravilla del mundo antígüo

• ACROPOLIS (CIUDAD SAGRADA)

Los grupos de edificios monumentales construidos por los griegos en las alturas donde estuvieron emplazadas sus antígüas ciudades, que al descender al llano se convierten en Acrópolis o ciudad antígüa. En los grandes santuarios nacionales. Santuario de OLIMPIA Y DELFOS. ACROPOLIS DE ATENAS: fueron destruidos durante las guerras médicas y el pueblo hace su reconstrucción por PERICLES (Filias, Ictinos… los constructores)

• SANTUARIOS

Son las ciudades sagradas de todo el pueblo helenístico que acude a DELFOS (APOLO) ha celebrar las olimpiadas, representaciones teatrales, palestras, odeones. Junto al gran templo del dios titular y bajo su protección esta cada uno de sus pueblos (templo pequeño). Todos ellos quedan comprendidos en el PERIBOLO (recinto sagrado).

ESCULTURA GRIEGA

CARAZTERISTICAS GENERALES

Es la más brillante del arte de los griegos. Utilizan el mármol y el bronce aunque también la madera (las más primitivas LLOANAS) Y TERRACOTA (barro cocido). También utilizan el oro, el marfil y piedras preciosas (CRISELEFANTINAS) sobre una armadura de madera. Las de bronce aspecto metálico natural y luego se ponían verdosas con el tiempo. Se conservan copias romanas en mármol. Las de mármol solían pintarse. La escultura griega responde a dos principios básicos:

Fija un tema: el hombre, que es la medida de todas las cosas.

Ideal de belleza: el tipo de hombre perfecto, para ello se elimina lo individual, accesorio, se fija un CANON (sistema de relaciones matemáticas entre todas las partes del cuerpo).

EVOLUCION DE LA ESCULTURA GRIEGA

• EPOCA O ESTILO GEOMETRICO (S. XI AL XVIII A. C.)

Arte ornamental y geométrico, escasas esculturas, figuras de marfil, personajes masculinos y femeninos con rasgos esenciales, esquematización. Arte abstracto. Esculturas femeninas en madera XOANAS.

• ESTILO ARCAICO

Influjo del arte oriental (Mesopotamia o Egipto). Paulatinamente va hacia un naturalismo. Predominio de la figura humana sobre animales (arte oriental), esculturas de tamaño natural el desnudo en la escultura masculino como exaltación de la belleza física. Se somete aun convencionalismo de frontalidad, estáticas, hieratismo (rígido). Las dos representaciones de bulto redondo (se puede rodear la escultura). Los KUROS esculturas masculinas y las KURES esculturas femeninas.

KOROS: el material es el mármol, restos de policromía, ojos(policromía) esculturas de bulto redondo de grandes dimensiones 1.94 m. complexión atléticas. Su posición es frontal FRONTALISMO (de frente al espectador). HIERATISMO (compacto), rígidos y los miembros pegados al cuerpo, mirada al frente. ESTATISMO (estáticas). Desplazan la pierna izquierda un poco para dar sensación de movimiento. Representación precaria y ruda. Tórax excesivamente abombado y gran anchura que contrasta con el abdomen muy reducido. Difícil representación de la rodilla y lo resuelven dándole forma de trapecio invertido. CABEZA: larga cabellera, pelo de formas geométricas y los rizos encuadran la frente, cinta o diadema en la cabeza, ojos almendrados (para dar expresividad), sonrisa arcaica o eginética arqueando los labios hacia arriba.

El escultor representa el cuerpo humano tal como lo ve en la realidad un primer avance hacia el naturalismo. La escultura transmite fortaleza y plenitud física.

KORES: siempre vestidas. Sonrisa arcaica o eginética ojos almendrados. No sabemos si son ESBOTOS o servidoras del pueblo.

MOSCOFORO escultura de un hombre con un carnero en los hombros.

RELIEVES DE LOS FRONTONES EL TEMPLO DE AFAIA: polis de Egina esta frente a Atenas 490 A. C. Representan presididas por el dios Palas luchas mitológicas entre Ejinetas y Troyanos para exaltar la participación de los Ejinetas en las guerras Médicas. La figura se adecua al marco (triangular como el tímpano). La configuración anatómica ha progresado y también en cuanto la posición y la flexión del cuerpo. CABEZA: rasgos arcaicos y geométricos del peinado, ojos almendrados, sonrisa arcaica y inexpresividad del rostro.

En la transición entre la época arcaica y la clásica AURIGA DE DELFOS: vestiduras que caían con elegancia con estrías como las columnas jónicas.(estrías verticales y sus vértices matados)

• ESTILO CLASICO

Escultores:

MIRO: dentro de la edad de oro de la escultura griega cuerpo humano en movimiento “EL DISCOBOLO”. Representa el instante fugaz que precede al lanzamiento del disco. Representación anatómica muy avanzada respecto de la época arcaica. Parece que se agarran al suelo los dedos, tensión muscular del hombro y piernas. ROSTRO: desapareció la sonrisa arcaica, ojos almendrados y ha ganado en realismo pero resulta inexpresivo no se refleja en el momento de máximo esfuerzo físico.

POLICLETO: escultor del Peloponeso (capital de Esparta). Prefiere trabajar el bronce. “EL DORIFOR” se cree que representa a Aquiles representa un CANON de belleza. La cabeza debe ser 1/7 parte del cuerpo, el rostro en partes iguales (frente, nariz, y la distancia entre la nariz y el mentón). La posición: pierna derecha soporta el peso del cuerpo comprimiendo la cadera, la pierna izquierda no soporta carga y esta retrasada tocando el suelo con la parte anterior del pie. Brazos : derecho no realiza ningún esfuerzo y cae relajado a lo largo del cuerpo. El brazo izquierdo se dobla para sostener la lanza. A este ritmo cruzado se le llama COSTRAPOSTO. En el DORIFONO la cabeza no esta frontal se vuelve hacia abajo se rompe el estatismo de la época arcaica y hay contención de movimientos. Se va ha ver en el renacimiento.

DIADOMEN: atleta vencedor con cinta del triunfo en su cabeza. De formas más blandas, actitud algo más movida en fondo es el mismo ideal de belleza.

FIDIAS (escultor Ateniense consejero artístico de Pericles): decorador y supervisor del PARTENON. Conquista la belleza ideal y crea un mundo de se seres plásticamente perfectos y de un equilibrio expresivo perfecto sus personajes son los verdaderos prototipos y de manera imperfecta se reflejan en los mortales. Frente a el la escultura griega anterior tiene algo de esfuerzo por la perfección en el rostro.

La posterior a Fidias es para valorar lo transitorio no va ha tener el equilibrio espiritual del clasicismo de Fidias.

Como decorador del PARTENON: sus FRONTONES (Atenea) y las METOPAS son cuatro luchas mitológicas la centauromaquia, guerra de Troya, Amazonomaquia (amazonas) Gigantomaquia. FRISO esta en la parte superior del muro del Partenón y representa “el desfile del Panateneas” tiene 159 m de longitud hasta llegar a la entrada del Partenón. Representa a las ERGANTINAS (bordadoras y tejedoras del manto de la diosa Atenea), los ARCONTES (senadores) están de espaldas indicando el ritmo. Es un medio relieve pero de gran calidad. Lo que sobresale de relieve (5 cm). El modelado de los ropajes son muy abundante de pliegues dan una gran amplitud y bajo el ropaje están modeladas las formas corpóreas (sólidas y redondeadas) equilibrio de cuerpo y de vestido. La escena esta desarrollado sobre un solo plano pintado en liso, para que sobresalgan más las figuras los personajes masculinos rompen la monotonía. Plasma el espíritu de serenidad, respeto y paz interior (equilibrio clásico).

Sus estatuas: “diosa Palas” Atenea en el Partenón: virgen esculpida para el Partenón y la hace crisolefantina (oro y marfil) los ojos una esmeralda, de gran tamaño, media más de 10 m. hay copias y descripciones literarias . “Zeus”: sentado lo hace para el santuario de Olimpia.

• ESTILO POSTCLASICA

CARAZTERISTICAS

Realismo y cultivo del retrato mayor expresión de los sentimientos humanos, tratamiento más común de los dioses. Perdura el idealismo clásico. Nuevos cánones de belleza ideal.-->[Author:P0]

PRAXITELES (escultor): “Hermes y el niño Dionisio” ve a los dioses como hermosos seres humanos desprovistos de formas de majestad anteriores, y logra una expresión vaga y soñadora. En sus figuras se fe la curvas Prasitelianas (cadera sacada), que dan al cuerpo una postura lánguida, esfumado del rostro. Suele pulir la superficie de mármol en los ojos y cejas. Nos transmite melancolía y ensueño y el tema son dioses captados en actitudes cotidianas.

“Apolo Sauroctono”: Apolo ha sorprendido a un lagarto en el tronco del árbol

“ la Venus de Cenido”: ideal de belleza clásica femenina, esta desnuda al salir del baño es un tema nuevo en las artes plásticas griegas y perdurara hasta la época helenística. Esta escultura pudo ser Frine (su modelo y mujer) con un suave movimiento que manifiesta las blandas formas femenina. Toma el paño de ánfora a su izquierda. La estatua estaba ligeramente coloreada y el cabello rubio. Museo del Vaticano. Los paños son modernos.

LISIPO (escultor): la obra más representativa “ACOXIMENO”. Lisipo reacciona frente al cano de Policleto y prefiere las proporciones más esbeltas y cabezas más pequeñas, se desvirtúa el frontalismo. “ACOXIMENO”: crea aquí un nuevo canon de belleza más esbelto que Policleto, la cabeza 1/8 del cuerpo. Alargamiento de las piernas . la forma de representar al atleta lo representa en el momento menos heroico. Limpiando el polvo de la palestra, cambio de actitudes, pesimista. Crea una nueva dimensión espacial. La frontalidad ha desaparecido. Invita al espectador ha girar entorno suyo. Subraya lo relativo e incompleto de la visión. ARES LUDOVISI, HERCULES.

SCOPAS (escultor): es un escultor de la escuela Atica pero que trabaja en el Peloponeso (Asia Menor).Contemporáneo de PRAXITELES

Expresa estados del alma como en “LA MEDANE”. Muestra a la sacerdotisa de DIONISIOS en pleno delirio religioso, agitada en movimientos compulsivos y dejando buena parte del cuerpo al descubierto, en una mano el cuchillo y en la otra un cabrito.

También hace varias cabezas MELEAGRO. Arcos superficiales muy pronunciados, ojos cerrados y hundidos MAUSOLEO DE ANICARNASO. Hace la estatua de AUSOLO Y ARTENISA, coronamiento del sepulcro.

• ESTILO HELENISTICO

CARAZTERISTICAS

Secularización del arte. Es más mundano más elegante, refinado. Hay más realismo esculpen la vejez, tendencia al barrroquismo, cuerpos musculosos , actitudes teatrales, composiciones apretadas y desbordantes. En la época clásica y arcaica se hacen mitos y en esta época se esculpen hechos tradicionales. Se tiende al realismo con una crisis de valores de la sociedad griega. El retrato supone el triunfo de las nuevas tendencias. Perdura un poco lo clásico pero la expresión más patética. NIÑO DE LA ESPINA, GALO MORIBUNDO, BAILARINA ENANA, VIEJA EBRIA, LUCHADORES, EL PUGILISTA.

Es una mezcla de la tradición clásica, el orientalismo y una concepción nueva de la vida. Temas patéticos, crueles, delicados, tiernos, escenas de género callejero. Temas triviales (de lo tierno a lo jocoso). Realismo en los retratos sinceros. Se inspiran en la explosión de vida que les rodea.

TANAGRAS: figuritas pequeñas de barro cocido de tema de genero. Pareja en un banco, el río Nilo con sus afluentes (un hombre, el Nilo, con sus hijos, los afluentes).

VENUS DE MILO: un hermoso desnudo femenino. Grandiosidad majestuosa si la comparamos con la Afrodita del Nilo. Apasionamiento de Escopas. El brazo izquierdo sostenía el manto que cubre sus piernas y el derecho ofrecía una manzana. Aparecieron inscripciones con el nombre de un escultor Alesandro (pero no corresponde). Museo de Lubre.

EL TORO FARNESIO: escorzos retorcidos, esfuerzo (copia romana). Museo de Nápoles. Representa a los dos hijos de ANTIOPE atando a VIRCE a un toro salvaje por el ultraje inferido a su madre. El trozo de paisaje de la base es buen ejemplo de lo pintoresco.

VICTORIA DE SAMOTRAFIA: es de una grandiosidad y elegancia, parece que avanza en la proa de la embarcación con las alas extendidas dejándonos ver (tras sus vestiduras impulsadas por el viento) uno de los cuerpos más hermosos de la escultura griega.

EL TORSO DEL VELVEDERE: fue muy admirado por Miguel Angel (renacimiento). Cree que es Polifemo sentado en una roca esperando a GALATEA.

EL LACONTE Y SUS HIJOS: es un grupo escultórico s. I a. c. por escultor de Rodas, AGESANDRO Y SUS HIJOS. Se descubrió en el s. XVI y va a influir mucho en el Renacimiento Italiano. Representa al LACONTE, que es un sacerdote de Apolo, (fue condenado con sus hijos a morir). Es la lucha a muerte con las serpientes. Un grupo en mármol de BULTO REDONDO. Esta esculpido par ser visto defrente como si fuera un cuadro. Los cuerpos de LACONTE e hijo menor se desplazan por presión de las serpientes hacía un lado la figura del hijo mayor sirve de contrapeso. La imagen de mayor tamaño del padre y la de menor tamaño de los hijos podía dar una simetría y equilibrio. Pero el BARROQUISMO del helenismo hace que las líneas ejes sean diagonales:

1º DIAGONAL: cabeza del hijo mayor pasa por las serpientes enroscadas en su brazo más las serpientes enroscadas en el brazo del padre y termina en el brazo izquierdo del padre.

2º DIAGONAL: pierna izquierda de LACONTE hasta la cabeza y hombros del hijo menor y es un movimiento retorcido.

Y su MODELADO: estudio anatómico del cuerpo en su suprema tensión y los hijos cuerpos adultos pero no infantiles. Expresión de dolor en la boca abierta de LACONTE, y su cabeza es anticlásica. Las cabezas de los hijos son más clasicistas. La expresividad del hijo mayor es pedir ayuda a su padre.

ROMA

CRONOLOGIA

Va del S. VIII A. C. AL V D. C.

En el s. VIII A. C. fundación de las siete colinas.

En el s. V A. C. ciudad dominada por los ETRUSCOS (reyes orientales). “LOBA AMANTANDO A ROMULO REMO”. MONUMENTOS FUNERARIOS (bóveda y arco). ARCOS DE TRIUNFO.

En el s. VI A. C. la República hasta el s. I D. C. (Patricios y Plebeyos ; Cónsules y Senadores). Máxima expansión de Roma. S. IV Y III A. C. guerras Púnicas (Cartagineses )y conquistan hasta el río Rinh (imperio de occidente). S. II A. C. guerras con los helenistas (imperio de oriente). Del S. I D. C. (primer emperador) al S. III D.C. (alto imperio Romano). S. III D. C. AL S. V D. C. (bajo imperio romano).

ARTE ROMANO

ARQUITECTURA

ARQUITECTURA

MATERIALES Y ORDENES: El pueblo romano son más prácticos que los griegos pero de sensibilidad menos fina. Lo mismo que los ETRUSCOS del S. VII A. C. siguen los modelos de Grecia. Aunque tratándose de época más tardía los romanos siguen los modelos del periodo HELENISTICO (S. II A. C.). Algunos llegan a considerar el arte romano como una escuela helenística con personalidad muy destacada. Es sin embargo por su practicidad, lo más importante la arquitectura.

En contacto con los movimientos MESOPOTANICOS, el ARCO y LA BOVEDA DE CAÑON.(arco de medio punto seguidos) y van ha tener un papel de primer orden. En el imperio S.I D. C. la bóveda es grandiosa y su riqueza extraordinario. Distinta a la griega. A comienzos del S. III A. C. el arte ETRUSCO es desplazado por el helenístico (república). Asimila las formas griegas pero se dan pasos para el estilo romano. Antes de terminar el S. I A. C. se construyen puentes y acueductos (dominio del arco y de la bóveda), muy superior a Oriente (mesopotamia). Se emplea el arco y el dintel consecuencias para la arquitectura posterior. Este empleo de arco y dintel característica de la diferencia entre el templo romano y el griego.

En el imperio en contacto con oriente se transforma en edificios lujosos y grandiosos. Lo que más contribuye el nuevo aspecto de la arquitectura LA GENERALIZACION DE LAS CUBIERTAS ABOVEDADAS y su empleo en edificios muy amplios.

MATERIALES

Arquitectura romana en construcción e ingeniería, alcanzan un perfecto dominio de materiales. En la sillería variados aparejos: el mortero, muy fuerte con cantos rodados o piedras pequeñas una vez fraguado convierte la obra en el labrada de consistencia pétrea. El ladrillo cocido: opus cuadratun, sillería tizón (aprendida de los Etruscos). Opus incentrun, el muro de mampostería revestido con pirámides de base cuadrada.

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EL ARCO DE BOVEDA

Los romanos aprenden de los Etruscos y tanto el arco como la bóveda elementos de primer orden arco semicircular o de medio punto. Bóveda de arista (dos bóvedas de cañón que se cruzan). Bóveda semiesférica o de media naranja.

El sistema de adosar la columna y el entablamento al muro que es de gran efecto decorativo, sirve de base al arquitecto para una innovación: encajar entre las columnas y bajo el dintel un ARCO. Simultaneando dos sistemas constructivos la columna y dintel (recto ) y el arco (curva). Son los signos opuestos entre dintel y arco. Los triángulos que se forman se llaman ENJUTAS (parte exterior del arco, entablamento y columnas. La superposición del dintel y el arco se utiliza en el TEATRO DE MARCELO S. III A. C.

Los elementos constructivos (columna, dintel ) con fines decorativos.

LA BOVEDA

Gran número de variedades. Se utiliza con gran perfección técnica en la 2º mitad del S. II A. C. las grandes construcciones por bóvedas gigantescas no aparecen hasta el imperio en el S. I D. C. bóveda de arista, bóveda de cañón, semiesféricas. Bóveda de aristas (TERMAS DE CARACALLAS) apoyan la bóveda sobre columnas adosadas aparecen incipientes PECHINAS.

Pese a la variedad y magnitud de las bóvedas no utilizan la cúpula excepto en las provincias orientales. Los sistemas abovedados exigen muros muy gruesos.

ORDENES:

DORICO: la columna de fuste liso y termina en la parte superior en un TORO muy estrecho llamado ASTRAGALO que sirve de transición al CAPITEL . transforma la sección parabólica del EQUINO en un cuarto BOCEL adicionándole por debajo un breve cuerpo cilíndrico de orden TOSCANO.

JONICO: preferencia romana del empleo de todas las columnas de capitel JONICO DE ESQUINA (volutas en las cuatro esquinas)

CORINTIO: es el más les gusta por su riqueza.

CAPITEL COMPUESTO: es jónico más corintio columnas del ARCO DE TITO

En tiempos posteriores introducen las figuras humanas como HERCULES.

ENTABLAMENTO (triglifos y metopas)

METOPAS del orden dórico con discos y rosas. La mayor novedad es la libertad de los arquitectos interpretan las diversas partes del entablamento. Si los griegos han utilizado alguna vez en el interior un orden y en exterior otro distinto, los romanos no tienen inconveniente en SUPERPONER UN ORDEN ENCIMA DE OTRO en la misma fachada

LA CIUDAD ROMANA

Es de forma cuadrada o rectangular con una puerta en el centro de cada lado con dos avenidas (la longitudinal o cardo y la transversal o decumana). Aunque las puertas son sencillas otras se conciben con gran monumentalidad. Donde se cruzan las dos calles se llama EL FORO (es donde están los templos y edificios de administración pública) es la parte más importante y monumental de Roma.

• EL FORO: esta situado al pie del PALATINO (una de las siete colinas de la fundación de Roma) y en el se encuentran los monumentos públicos, los edificios de la administración, estatuas y los monumentos conmemorativos más importantes de la ciudad. Son tan numerosos que la vía triunfal que atraviesa el FORO solo mide 4 m de anchura. Los monumentos son de épocas muy diversas están restaurados y forman un conjunto impresionante. Templo de JUPITER, LA BASILICA JUNIA, ARCO DE SECTINIO SEVERO ARCO DE TITO COLUMNA TRAJANA, ARCO DE CONSTANTINO….

Es intransitable con tan gran número de monumentos. Es inútil a sus fines primitivos con lo que aparcan este foro y se construye otro el de JULIO CESAR, AUGUSTO Y TRAJANO.

En el aspecto humano en la ciudad romana lo más importante son los PORTICOS y las ciudades de provincia. Origen de ciudades helenísticas de Siria y Damasco. PORTICO DE METELO que es el más antígüo. Se terminan convirtiendo en museos. Las ruinas de ciudades romanas mejor conservadas son la de POMPEYA Y HERCULANO. Otras ciudades en España son: ITALICA (Sevilla), AMPURIAS, OSTIA.

OBRAS PUBLICAS:

• LA BASILICA: es un edifico dedicado a la administración de justicia y tratos comerciales. Muy importante en el mundo cristiano. Es de planta rectangular y tiene una nave central y dos laterales más bajas cuyo desnivel sirve para iluminar el interior en la cabecera donde se encontraba el TRIBUNAL DEL MAGISTRADO. BASILICA JULIA de tiempos de Cesar consta de una nave central y dos laterales de dos plantas superponiéndose en su alzado el dintel sobre el arco. BASILICA DE MAGENCIO: abovedada, testero semicircular, naves laterales, bóveda de arista.

• LAS TERMAS: son baños públicos que tienen salas de reuniones, bibliotecas y se completan con alojamiento para los atletas y todas las partes de un Estadio Olímpico ( baños de vapor, de masaje, piscinas de agua fría, de agua caliente).

TERMAS DE CARALLEN, TERMAS DE TIVOLI. Son las más representativas de la arquitectura romana imperial.

MONUMENTOS CONMEMORATIVOS

Son deseos de gloría terrena.

ARCO DE TRIUNFO: puerta de ciudad aislada de la muralla, en los foros, ARCO DE TITO, ARCO DE CONSTANTINO. A la entrada de los puentes, cruces de las calzadas. Es un arco de un solo vano. Los PARAMENTOS son relieves conmemorativos que suelen ser de rigor. Al que se le dedica el arco desfila triunfal en el que sale guiando su cuadriga. El más antígüo es el de Orange 46 d. c. consagrado a Cesar que conquista Marsella y luego a Tiberia.

• ARCO DE TITO: es de un solo vano de gran elegancia levantado en el foro romano año 81 d. c. conmemora el triunfo sobre los judíos. La decoración se hace en una gran lapida en el Atico . Esculpidas dos victorias en las ENJUTAS (triángulos que se forman entre los arcos y el arquitrabe) en actitud de coronar al emperador. En el interior del arco relieves alusivos a la conquista de Jerusalén.

• ARCO DE DICTERIO SEVERO: 203 D. C. es de tres vanos el central mayor que los laterales de gran monumentalidad.

• ARCO DE CONSTANTINO: la mayoría de los relieves se arrancan de monumentos anteriores.

• En España carecen de decoración ARCO DE VARA, MEDINACELE, CAPARRA

COLUMNAS La columna ROSTRAL DE CAYO DUILIO 260 A. C. esta decorada con ROSTRAS (proas de las naves que lucharon y que conmemoran un triunfo naval ).

-COLUMNA TRAJANA: contiene en su interior una capilla funeraria en su pedestal. Y un relieve que nos muestra por la victoria contra los Dafios. Estuvo coronada por la estatua del emperador, tiene una escalera de caracol en su interior .

-LA COLUMNA DE MARCO AURELIO: que fue el triunfo contra los germanos

-TROFEOS DE GUERRA: ancha y maciza construcción cilíndrica de hormigón con friso de relieve muy tosco y sobre su coronamiento cónico descansa un segundo cuerpo prismático rematado por el trofeo.

LOS ACUEDUCTOS

De carácter puramente utilitario. Monumentos que expresan la grandeza de Roma. Servían para aprovisionar a Roma de agua abundante sobre todo para las termas y las fuentes. Hacen que los arquitectos tengan maestría en la conducción de agua.

EL ACUEDUCTO DE SEGOVIA: es de unos 700 m de longitud, en granito, de 30 m de altura y esta construido en tiempos de Augusto.

ACUEDUCTO DE LOS MILAGROS: en Mérida. Alternan hiladas de piedra con ladrillo convirtiéndose en fuente de inspiración de la Mezquita de Córdoba.

LOS PUENTES

La parte occidental de Europa desde Italia hasta el río Rinh y el imperio romano de oriente desde Italia a el Danubio se comunica todo el imperio con CALZADAS ROMANAS conservándose hoy en día. Fundamento más sólido del imperio. Los puentes de longitud y altura extraordinaria. En España los puentes son numerosos y los que mas abundan son los puentes de Trajano. Puente de Alcántara con arco de triunfo en el centro es el de proporciones más esbeltas con 50 m de altura, un templo a la entrada. El arquitecto es Cayo Julio Lacer.

EL TEMPLO

La diferencia principal del templo romano y el griego es en que el estilobato esta sobre un PODIUN con BASAMENTO y con gradas de acceso en su fachada posterior. Cuanto mayor sea el podium mayor es la antigüedad tiene el edificio. El PROSTILO esta en una fachada y es SEUDOPERICTERO. Los pórticos tienen relieve empotrado en el muro. De la época republicana y de Augusto: templo de NIMES (corintio) de tiempos de Augusto

Templo de la FORTUNA VIRIL (jónico) de la república.

Templo de VESTA (planta circular) es de estilo corintio

ARA PACIS: (altar de la paz) fue hecho construir por Augusto en Roma para conmemorar la pacificación de Hispania y la Galia. Tiene 13 m de lado, es de planta cuadrada, muro de 6 m de altura y esta decorado exteriormente y en su interior (róelos de acanto). En la parte superior se celebraba cada año la procesión y para hacer ofrendas en el pequeño altar en el patio.

TEMPLO DE AGRIPA (o panteón): planta circular, es una gran edifico, sin más columnata que el de entrada. Se cubre con una gigantesca bóveda de media naranja. Tiene 32 m de diámetro se cuida más el interior que el exterior, decorada la bóveda con grandes casetones. Esta iluminado por una anchísima claraboya. Los arcos descargan su peso sobre el hormigón recubierto de ladrillo. Al concentrarse el peso de la bóveda permite abrir en los espacios intermedios profundas capillas, par dar culto a todos los dioses.

TEATROS

Imitación del griego. La novedad es la menor importancia del CORO. La orquesta es semicircular con el natural reflejo de la gradería o cavia. Se distingue en ella el tercio inferior, tercio medio y tercio alto. Se denomina prima, media y supra pavia. Tiene una rica nomenclatura precintiones - pasillos , vomitorias - puertas. Los primeros teatros por orden de Ponpeyo 55 A. C. Los griegos se aprovechaban de los montículos naturales para hacer los teatros en cambio los romanos hacían edificios para los teatros.

TEATRO DE MARCELO: siglo I A. C.

TEATRO DE MERIDA: la escena esta más elevada y más amplia que los griegos. TEATRO DE TUNEZ.

EL ANFITEATRO

Edificio para espectáculos, luchas de fieras, gladiadores. Es de planta elíptica, rodeada de graderíos es un doble teatro. El espectáculo se produce en la parte central que esta constituido por arena. En la gradería o cavia esta dividida como en el teatro por: la prima, la media y la suma cavia. El más grande es el construido por Vespasiano en el año 80 D. C. para 50000 espectadores EL COLISEO ROMANO. Presenta la superposición de arquerías: primer piso dórico, en el segundo piso corintio y en el tercer piso corintio.

ANFITEATRO DE MIMES.

EL CIRCO

Dedicado a las carreras de caballos y ejercicios atléticos y se corresponde con el estadio griego. Planta estrecha y larga. Rodeado de gradas se levanta a lo largo del eje central LA ESPINA con decoración de columnas conmemorativas. Se termina por uno de los lados con forma semicircular mientras en el otro arco de circulo. Los compartimentos de donde salen los carros se llaman CARCELES.

LA CASA ROMANA

La parte más típica es el patio con una claraboya el hueco esta formado por tejados de donde cae el agua hacía el interior del patio COMPLUVIO y la parte central o piscina donde se recoge el agua IMPLUVIO. En el ATRIO de estilo TOSCANO el compluvio esta sostenido por vigas horizontales. El patio tetrasilo (de cuatro columnas) y el corintio de más de cuatro columnas. La sala de recepción y comedor se llama TABLINIUM se abre al ATRIO y comunica con una alcoba en su origen dormitorio del padre. En el S. II A. C. por influencia griega se introduce el PERISTILO o patio de columnas que agrupa entorno así la parte de la vivienda. En la fachada de las casas se ponían las tiendas llamadas TABERNAES.

LAS RESIDENCIAS IMPERIALES el palacio de DIOCLECIANO solo nos figura en textos.

SEPULCROS

La familia patricia continua practicando la imnumación (enterrar). Lo corriente en Roma es la cremación (quemar) . hasta que en tiempos de TRAJANO se vuelve la IMNUMACION. El sepulcro excavado. Consiste en una o varias cámaras para los ritos funerarios. Para depositar en nichos en paredes las urnas con las cenizas COLUMBARIOS.

Los enterramientos a veces son grandes monumentos SEPULCRO DE CECILIA METELA. Con forma de torre coronada como los etruscos con un montículo de tierra con árboles. SEPULCRO DE ADRIANO. Justamente con este tipo de sepulcro cilíndrico de tradición etrusca se introduce en el S. II A. C. el modelo griego de torre cuadrada de varios pisos. En España el atribuido a los ESCIPIONES con estatuas de ATIS(diosa compañera de la muerte.) Otros con forma de pirámide, de templo.

LA ESCULTURA ROMANA

La escultura tiene su origen en la griega, también como en ella un importante capítulo helenístico S. II A. C. integrado por artistas griegos y romanos formados en Grecia, que viven en Italia. La sensibilidad artística es menos dada a los idealismos es más dada a la gloría terrena. No tardan en imponer su personalidad en esta escultura aprendida de los Griegos .

EL RETRATO

Los romanos buscan lo específico lo actual representan a cualquier persona que tuviera medios económicos. Querían una imagen precisa de la persona representada. Los griegos que trabajaban en Roma modificaban los retratos para que parecieran más bellos, pero nunca sacrificaron las características especiales del retrato(como verrugas)

• En la época de LA REPUBLICA: se cultiva de cuerpo entero, de pie, sentado, ecuestre o sólo de la parte superior, el busto solo hasta el cuello.

En el s. I D. C. se va alargando hasta comprender parte del pecho y los hombros. Los retratos romanos tenían policromía hasta el S. II D. C. a partir de esta época monocromía. Al quedar el globo del ojo en blanco se rehunde la pupila. La importancia del retrato se relaciona con una parte del funeral. Los Patricios hacían mascarillas de cera de sus difuntos conservándolas en los ATRIOS de las casas. Los llevan a las ceremonias funerarias. El retrato de esta época esta hecho por artistas griegos habiéndose reconocido algunos bustos. El retrato femenino es escaso los que existen de este periodo es la mujer cubierta por el manto.

• En el IMPERIO: El papel predominante del emperador tiene su inmediato reflejo en el arte del retrato. La influencia del retrato del emperador ejerce en los ciudadanos que se manifieste en los días de Augusto. Los retratos de Augusto son los más bellos e importantes de época y representan tipos bastante uniformes.

Augusto tiene varios retratos que nos muestran sus rasgos finos y distinguidos, expresión pensativa y su constitución nada robusta, cabello liso y mechones sobre la frente. Los retratos de su edad madura nos los representan como:

Definidor de la ley (rollo del edicto en la mano y envuelto en la toga)

Como pontífice máximo (museo Vaticano y las termas)

En calidad de Cónsul (arengando a las tropas con coraza, con el dios EROS cabalgando sobre un delfín nos recuerda su descendencia de Venus). Con esta imagen queda creado el tipo de emperador romano.

En el año 19 A. C. el AUGUSTO DE PRIMA CORTA: es el DORIFORO con su figura ideal (Policleto) los escultores cambian la cabeza con los rasgos de Augusto, pero se hicieron los suficientemente bellos par reflejar las formas puras del DORIFORO. Estaba desnudo y a Augusto se le viste con una armadura y el manto. La armadura se ajusta tanto que se veía el modelado del torso. El doríforo carecía de enfoque (tenia expresión soñadora) y en cambio el de Augusto domina a los espectadores modificando: la cabeza levantada, con un giro para mirar hacia delante. Brazo derecho levantado en posición de mando y así Augusto dominaba. Se coloco contra la pared y por eso todo se concentra en el plano delantero. La armonía del torso se pierde con la armadura y el manto. El equilibrio y el ritmo de lo clásico (griego) se pierde creándose un nuevo ritmo, autoridad imperial. Así el Doriforo fue transformando en Augusto. La escultura clásica fue romanizada.

El poder absoluto del emperador desemboca en su divinización sobre todo después de muerto. Es un nuevo tipo de retrato semidesnudo y coronado de laurel. Esta divinización del emperador no lleva a la idealización de su rostro. El tipo de retrato de emperador creado en tiempo de Augusto no muere con ellos pero la principal novedad es la forma del cabello que se adapta a las épocas de la vida del emperador. Peinado bajo y mechones regularmente en la frente hasta la época de Trajano. Rasurados (sin barba) los romanos es a partir de Adriano y en la segunda mitad del S. II D. C. ( a partir de Adriano) es corta aunque aumenta de tamaño y la cabellera más voluminosa y rizada.

Se orada el mármol con el trepano par crear puntos de sombra intensa RETRATO DE MARCO AURELIO A CABALLO.(Estatua ecuestre del emperador en bronce conocida en el renacimiento).

EMPERADOR CARACALLA: principios del S. III D. C. tiene el rostro vuelto hacía un lado, con expresión de crueldad y violencia. Es la obra antígüa más importante. Comienza a transformarse en un sentido anticlásico a partir del S. III D. C. desaparece el fino modelado anterior y se subrayan los rasgos de la fisonomía, expresión del rostro intensa. Constantino y sucesores. Empieza con este retrato el arte BIZANTINO. El afán de gloría terrena y el deseo de eternizar el aspecto de su persona, difunde el retrato monumental. Se generaliza en los comienzos del imperio el levantar una estatua pública a las personas importantes que restauren edificios públicos. Las esculturas más frecuentes son los guerreros con coraza y toga. Talleres donde se labran los cuerpos para exportarlos a las provincias romanas y sólo tener que esculpir la cabeza del interesado. Lo que más abundan son los retratos de particulares.

RETRATOS DE EMPERATRICES

Existen numerosos retratos y sirven para conocer la evolución del retrato femenino y para ello el peinado es lo más valioso. LOLIVIA, mujer de Augusto, sedente y de pie. De peinado bajo raya en el centro y muy ondulado a los lados. El más bello es el de MIRAFIA PALA. Inspirándose en los griegos el retrato femenino sedente es del ultimo tercio del S. I D. C. bajo los FLAVIOS. El peinado es rizado Julia hija de Tito. A manera de nido en torno al rostro persiste bajo TRAJANO. Mediados del s. II con la mujer de MARCO AURELIO Justina la joven lleva un peinado bajo de nuevo y se recoge en la nuca con un moño o se recoge en forma de trenza. A fines del s. II y comienzos del III el peinado sigue cayendo hasta cubrir las orejas.

RELIVE HISTORICO ROMANO

La costumbre de conmemorar el triunfo guerrero de un CAPITAN es antígüa en Roma. El deseo de eternizar en la piedra esos triunfos guerreros es el RELIEVE HISTORICO.

Este relieve en tiempos de Augusto esta ya formado bajo su inspiración una obra maestra de la escultura romana. Aunque la mayoría de los releves históricos son guerreros hay algunos de otros temas como EL ARA PACI (la paz con Galia e Hispania) conmemoran una paz.

EL TEMA: El de la procesión (los griegos ponían siempre divinidades) en cambio en Roma son retratos de personajes de la época. Son dos filas: la primera fila esta en alto relieve y la segunda fila esta en bajo relieve.

Es una procesión de la familia real. Van a ofrendar al altar de un templo la paz. El orden del desfile es un crecido número de personajes. Se distingue a los magistrados y senadores por que llevan coronas de laurel en las cabezas. Con cada magistrado los APOLITOS (servidores), y en otra parte va la familia imperial (Lidia, Augusto, hijos, Tiberio). Los niños van haciendo gestos infantiles en el desfile. No falta la anécdota de que una mujer, con el dedo en la boca, va pidiendo el silencio. Contribuye a ese sentido pictórico que los personajes no desfilen en solo plano. Lo que allí es un fondo liso (en Grecia) aquí una segunda fila de personajes dan profundidad a la escena.

• RELIEVE EN EL ARCO: en el año 71 d. c. el relieve histórico es una gran obra con escenas que decoran el arco de TITO. Dos releves en las ENJUTAS (dos victorias que simulan coronar al emperador al cuando este pase por debajo del arco). El desfile del emperador con su cuadriga guiada por Roma y coronado por la victoria después de la destrucción de Jerusalén. También aparecen soldados romanos llevando el CANDELABRO DE LOS SIETE BRAZOS (símbolo de los judíos), mesa de oro, trompetas…Se puede advertir bien el escalonamiento de planos (alto relieve en la primera fila, y va descendiendo hasta casi liso en la ultima fila). Nos hace sentir la ilusión del aire, el espacio entre los personajes.

En días de TRAJANO: en el ARCO TRAJANO es menos fino el estilo aunque sean análogos con el arco de TITO. El tono es guerrero sin homenaje a la paz.

La columna TRAJANA: esta en el FORO romano. Son las victorias de Trajano con los Bafios, rematadas por la figura del emperador. Esta decorado el pedestal con trofeos, victorias y águilas. En un relieve continuo desarrollado en espiral nos muestra las campañas contra los Dacios. Se inicia con el paso del puente de Barcor en el Danubio, continua con un consejo de guerra, después talando árboles para construir el campamento, desfile del ejercito…

en el interés narrativo no hay ilusión del espacio.

MARCO AURELIO levanta en el tercer cuarto del s. II otro arco de triunfo y otra columna. Del arco sólo poseemos varios relieves y algunos fueron a parar al de CONSTANTINO. En la COLUMNA se narra las campañas de Marco Aurelio con los germanos. Es más alta que la columna de Trajano. Abunda la narración de los dioses (Júpiter ahogando a los enemigos, decapitación de los jefes apresados.)

ARCO DE CONSTANTINO: es de la última etapa. El hecho de que para enriquecer este monumento se despoje de el de Trajano significa que se agota la escultura romana. La escultura de Constantino es monótona, personajes yuxtapuestos, acusa una ISOCEFALIA(cabezas a la misma altura), pobrísimo modelado y unos duros pliegues. Estos relieves representan el inicio de un nuevo estilo el PALEOCRISTIANO.

SARCOFAGOS

El triunfo del cristianismo en Roma termina por generalizarse. En los días del imperio se generaliza la imnumación. Son grandes sarcófagos que suelen carecer de plinto y de cornisa y esta adosado al muro con lo que sólo esta decorado por tres de sus frentes. Son de planta rectangular terminada en cuatro ángulos pero no falta el tipo de sarcófago de frentes menores curvos. Hacen alusión al culto de DIONISIO en ultratumba. En el s III d. c. se decora con leones devorando animales tímidos y se llama SARCOFAGO DE LEONES. En un principio decoración sencilla (pilastras, guirnaldas, figuras de sátiros, victorias y una franja con la dedicatoria al difunto en la frontal del sarcófago. Bajo los Flavios los retratos del busto del difunto se tallaban en un medallón. En el s. II d. c. relieve continuo (como en el friso jónico). Las escenas mitológicas sin que nada nos indique donde acaba una y empieza la siguiente. Pertenecen a los CICLOS DE BACO (dios del vino). Otros con dioses como Hércules, Orestes. Se representan también batallas y cacerías (las del león principalmente) se consideran como preparación a la vida ultraterrena. A mediados del s. II la moda de distribuir el frente del sarcófago en compartimentos formados por columnas coronadas por frontoncillos como si fuera una fachada. El relieve deja de ser continuo y se acomoda en cada comportamiento una escena SARCOFAGO DE COLUMNAS O NICHOS (se fabrican en Asia Menor y se comercializan en Occidente). Aunque pasa de moda a mediados del s. III sirve de modelo a los sarcófagos cristianos del s. IV. Decoran los sarcófagos de escenas menores (ornamentales ), relacionados con la vida de ultratumba (la hiedra, la vid, la nave), debajo de las columnas. Alusivos a la travesía del alma por el océano. Al mismo tiempo que este tipo de sarcófago con escenas situamos otro más sencillo con decoración geométrica llamada ACANALADA. Más frecuente por la semejanza de estos temas con el instrumento utilizado por los atletas para quitarse el polvo. Estos sarcófagos son los ESTRIGILOS. En el estilo de los relieves puede seguirse la misma evolución que el relieve romano general. Desde el punto de vista técnico el frecuente empleo del trepano para crear los efectos claroscuros y facilitar la producción de sarcófagos en serie debido al carácter industrial. Esta técnica del relieve histórico se generaliza en el s. IV. SARCOFAGO DE ORESTES.

TEMA 3

ARTE PALEOCRISTIANO

INTRODUCCION

El arte paleocristiano supone la continuación de las formas artísticas del bajo imperio S. III - V D.C., pero a la vez es iniciación del arte de la baja Edad Media S. V - XV, en Oriente Bizancio y en Europa Occidental los Bárbaros S. V - X.

Dos periodos: Antes del 313 ANTES EDICTO DE MILAN cuando los cristianos son perseguidos, son muy pobres y se esconden en las CATACUMBAS. Después del 313 EDICTO DE MILAN Constantino firma la paz , da la libertad a los cristianos y construyen BASILICAS imitadas a las romanas como lugares de reunión. Aunque utiliza temas y formas romanas las dota de un nuevo contenido y de unas nuevas funciones acordes con las exigencias cristianas (de las formas paganas se las pasa a cristianas). Se inicia el interés de la utilización del arte como medio didáctico. Ese carácter se va a mantener durante mucho tiempo en el cristianismo europeo. Este arte íntimamente ligado a los acontecimientos políticos y religiosos, ya que pasa de ser una religión perseguida a oficial y de un arte oculto a un arte público. Este cambio hace posible el inicio de un edifico monumental LA IGLESIA y la utilización de las artes figurativas como fines doctrinales.

En el arte cristiano a diferencia de los templos clásicos (Griegos) el templo cristiano es ala vez morada de Dios, recinto para el culto y lugar de reunión par la comunidad. Este nuevo carácter exige la construcción de edificios nuevos LA BASILICA romana es la arquitectura a imitar.

En la mitad del s. I eran muy pocos, se reunían en las casas. En el s. II se reunían los elementos más cultos, mientras los campesinos (PAGANI) siguieron con sus religiones ancestrales(elementos de la naturaleza etc.).

Sufrieron persecuciones, los primitivos locales se parecían a las casas. Este arte es fuente entre dos culturas occidentales, la clásica y la cristiana.

ANTES 313 ANTES DEL EDICTO DE MILAN

CATACUMBAS

Las únicas manifestaciones arquitectónicas de los primeros cristianos son subterráneos y artísticamente muy pobres, era en los cementerios o catacumbas. Valiéndose del derecho de hacer tumbas o enterramientos corporativos concedido por las leyes romanas, los cristianos excavan aprovechando las galerías de las canteras abiertas en las afueras de la ciudad. Consisten en una complicada red de interminables galerías en cuyas paredes se encuentran los nichos cubiertos con una lápida con dedicatoria a los difuntos (la paloma, el pez…) Las partes arquitectónicas de estas catacumbas son los CUBICULOS lugares donde se cruzan varias galerías. Con frecuencia los enterramientos en ellos emplazados representan un nicho semicircular o ARCOSOLIO donde esta enterrado algún mártir importante que sirve de mesa de altar para celebrar los oficios. (Santa Inés, Santa Priscila, San Calisto.) En época algo más avanzada cuando es necesario contemporizar con los cristianos se construye encima de las catacumbas en el exterior o CELLA MEMORIA, construcción que no prospera, puesto que Constantino concede la libertad para edificar templos de grandes dimensiones.

DECORACION EN LAS CATACUMBAS: sólo pintura y de siempre de una gran sencillez. Se limitan a temas paganos que pueden prestarse a una interpretación cristiana: EL MOSCOFORO, SIQUIS, ORFEO, LAS GUIRNALDAS. Mas tarde a mediados del S.II un repertorio nuevo, los asuntos se toman del antígüo testamento “Daniel con los leones “ “Jonas”. Empieza esto no solo como valor precedente de la vida de Jesús sino que a ser

temas de los cristianos. Figuran los más antígüos, “la adoración de los Reyes Magos”. Del nuevo testamento “el pastor con la oveja descarriada” “milagros de Jesús” “sermón de las siete palabras”. Una figura femenina sentada con su hijo en las catacumbas de Santa Cristiana s. III, no es fácil adivinar si es una cristiana devota o la Virgen. “el Pez” “el pan eucarístico”.

DESPUES DEL 313 HASTA EL S.V DESPUES DEL EDICTO DE MILAN: E. edicto de Milán tiene repercusiones en los destinos de la pobre arquitectura cristiana. El monumento que sirve de modelo es la Basílica pagana.

BASILICA: estructura de tres naves separadas por columnas y arquerías. Un TESTERO semicircular y este sistema de apoyar el arco sobre el capitel de la columna heredado del imperio se generaliza en el arte Bizantino. Entre el arco y el capitel un ABACO grueso apiramidado que da lugar al CIMACIO bizantino.

El templo cristiano es un lugar de reunión se establecen distinciones entre ellos, en las ceremonias de culto. Dejando huella en la organización de las ceremonias. CATECUMENOS, los no bautizados. El CLERO, clero mayor y clero menor. Las mujeres, los peregrinos (que se les proporciona alojamiento).

El TESTERO dedicado en la basílica pagana al magistrado se cambia en la cristiana por el ABSIDE donde se coloca el altar adosado a la pared. El clero mayor en el asiento semicircular adoso al muro en el ABSIDE. El clero menor en el centro del ABSIDE. Aprovechando el desnivel entre las nave central y las laterales se construye sobre las naves laterales otro piso que tiene una galería que da la nave central llamado el TRIFORIO y donde se colocan las mujeres. La Basílica se contempla en los pies la puerta principal donde hay un ATRIO o patio con galerías. La inmediata al templo se llama NARTEX dedicad a los CATECUMENOS o los no bautizados, y las tres restantes a los peregrinos.

• BASILICA DE SANTA MARIA LA MAYOR: es una arquitrabada y la cubierta decoración cuadriculada como el Partenón. Parece de una basílica pagan convertida en templo cristiano. Hay teorías de que estos templos cristianos no se consideran edificios paganos sino que se hicieron nuevos copiados de la basílica romana. Adintelada.

• BASILICA DE SAN PABLO: columna y arco, es de arquería y de CIMACIO que separa la columna del capitel.

• BASILICA DE SANTA SABINA: abside semicircular

• BASILICA DE SAN CLEMENTE: arquería

LOS MAUSOLEOS a partir del S. IV: planta circular que en varios casos ocupan el lugar del ABSIDE de la Basílica LOS SANTOS APOSTOLES DE CONSTANTINOPLA con el mausoleo del emperador aunque no se conserva el santo sepulcro.

EL SANTO SEPULCRO DE JERUSALEN: no se conoce con seguridad la parte del templo primitivo. En ruinas en la ciudad de Roma el MAUSOLEO DE SANTA ELENA.

MAUSOLEO DE SANTA CONSTANZA hija de Constantino: planta circular de paredes organizadas mediante nichos con un pórtico anular en torno salvo en la puerta principal donde se construyo un porche. En el interior gracias a una arquería sostenida por columnas se articuló en forma de Basílica haciendo de modelo de todos los edificios de planta principal. Tanto como el Mausoleo como los BATISTERIOS son para el culto cotidiano y normal.

BATISTERIO: se labran como edificios independientes son de planta circular o poligonal de varios ejes de simetría. La pila de grandes proporciones en el centro para hacer el bautismo de sumersión. Su origen es de los NINFEOS o baños de los palacios romanos BATISTERIO DE ADETRAN.

Del S. V y por tanto anterior al estilo Bizantino, el sepulcro de GALA PLACILIA Y EL BATISTERIO DE LOS ORTODOXOS (planta circular)

SEPULCRO DE GALA PLACILIA: esta en Rábena lugar donde se refugian la hija de Teodoxio al sentirse insegura en Roma. Puede contener en sus sarcófagos los restos de los hijos de Teodoxio. Panteón abovedado de planta de cruz alargada y debe su lujo a los revestimientos de mármol y mosaico. Un mausoleo de las mujeres de la familia imperial. Es una de las primeras muestras del reempleo de estructuras del imperio romano. Esto nos indica una señal de decadencia de las artes.

ICOGRAFIA (escultura romana primitiva)

La fecha tardía dentro de la evolución del arte clásico en donde se inicia la escultura cristiana y la modestia de los artistas hacen que su nivel artístico sea muy bajo. Su interés para la historia del arte cristiano es grande. Desde el punto de vista iconográfico, por el gran repertorio de temas interpretados en siglos posteriores, se puede seguir técnicamente el reflejo de la escultura romana del S.IV- V.

Cultiva exclusivamente el relieve, salvo algunos de pequeño tamaño labrados en marfil en los sarcófagos. La composición de esos relieves es muy variada. Algunas veces toda la altura de su frente ocupa el relieve y otras para contener más temas se divide el frente del sarcófago en dos fajas llamadas FRISO DOBLE. En algunas se suceden los personajes. En otras se introducen columnas con frontones y con arcos alternados que forman una serie de intercolumnios para separar las escenas, a esto se les llama SARCOFAGOS DE COLUMNAS. En el S. IV las columnas son árboles que al unirse forman nichos o ORNACINAS. Un sarcófago más sencillo con ESTRIGILOS y en la que la decoración sepultórica se reduce a la parte central y los extremos, en la parte central un medallón circular con la media figura del difunto y su familiar más inmediatos. Los más antígüos igual que las primeras pinturas de las catacumbas eran paganas. El periodo de la separación del Antígüo y nuevo testamento termina en el S. IV. Hasta la segunda mitad del S. IV no son frecuentes que predominen la vida de Jesús, la pasión de Cristo. Todo esto tiene una gran importancia para el futuro del arte cristiano: LA ANUNIACION, EL ANGEL(un joven sin alas), EL NACIMIENTO (animales tras la cuna), ADORACION DE LOS REYES(que visten con bragas largas, con gorro y están haciendo la genuflexión), EL SALVADOR EN LA GLORIA (apoyando los pies sobre la bóveda celeste). Otros la decoración sor corderos que acuden a una cruz en el centro. El numero de sarcófagos llegado a nosotros es considerable. Hasta fines del S. VI se fabrican en Roma. Hay una uniformidad de tipos y se exculpen en las provincias a donde van destinados. El más antígüo es el de JONAS, NOE CON EL ARCA, MOISES, RESURRECCION DE LAZARO. De la época de Constantino que se llama DOGMATICO (después de la creación de Adán y Eva por la trinidad presenta el pecado original, la milagro de CANNA.)

Las únicas esculturas de bulto redondo de este periodo son las de JESUS representando LA FIGURA DEL BUEN PASTOR (Jesús esta imberbe con el cordero sobre los hombros, el mejor ejemplo es del S. IV) Y DEFINIDOR DE LA LEY CRISTIANA(Jesús sentado y enseñando su doctrina como un filósofo, tipo barbado es la imagen que se perpetua, no aparece hasta el S. IV).

ARTE BIZANTINO

INTRODUCCION

Imperio romano de oriente, el primer emperador es Arcadio. En el s. IV en el 476 desaparece el imperio romano de occidente. El emperador Teodosio dividió el imperio romano en dos partes. La que sobrevivió fue la de oriente que durara desde el S. V hasta el S.XV ( que es derrotada por los turcos en 1472).

El desplazamiento del imperio romano hacía oriente se consuma bajo Constantino en el año 30 d. c. con la capital en Bizancio o Constantinopla. Se convierte en la edad media S. V AL S. XV en la mayor y más rica de toda Europa. La proximidad de Asia la va a diferenciar de Roma. En un principio Grecia pones su sello y la nueva capital adquiere el aspecto de una ciudad helenística pero con el paso del tiempo el influjo de oriente entra y al reconstruir los emperadores el imperio toman como modelo BAGDAD. El imperio Bizantino heredero del gusto por la riqueza al contacto con el oriente ve la necesidad de crear las obras con gran riqueza decorativa y Policromía. El concepto Bizantino con Constantino no se considera formado hasta el S. VI cuando las impresas artísticas de JUSTINIANO (527-565).

Aprovechando las enseñanzas de los edificios abovedados de Asia anteriores nos demuestra la existencia de una arquitectura nueva tanto por su organización como desde el punto de vista decorativo. Después de Justiniano, privado el imperio, por la conquista de los Arabes de las más ricas provincias orientales, la arquitectura Bizantina vive de los entonces creado. Después del S. VI el imperio queda privado de las provincias más ricas: Siria … y en los S. VII Y VIII llega la crisis. A mediados del s. IX hasta mediados del s. XI segunda edad de oro. En los siglos posteriores al s. XI escasa importancia en las novedades arquitectónicas. En el sur de Italia se crea una provincia en que el arte Bizantino se mezcla con el Arabe y otra influencia se va a Rusia, sobre todo en sus TORRES Iglesia de SAN BASILIO en Moscú. En el sur de Italia, en España en el valle del Duero LA COLEGIATA DE TORO, CUPULA DE LA CATEDRAL DE TOLEDO, CUPULAS GALLONADAS en Salamanca, COLEGIATA DE PLASENCIA.

ELEMENTOS ARQUITECTONICOS(CUPULA, CAPITEL Y MOSAICO)

Las principales novedades son el empleo de la CUPULA, CAPITEL y su relación con el arco y la decoración en particular el MOSAICO.

Es abovedada y su interés por la bóveda se intensifica con los contactos con Mesopotamia y Persia. La gran novedad respecto a Roma es el empleo sistemático de la CUPULA.

CUPULA: bóveda semiesférica, semielíptica que en ciertos edificios cubre una planta circular o poligonal.

BOVEDA: obra de fabrica de sección curva, arcos de medio punto puestos uno a continuación de otro, cubre el espacio entre dos muros o varios pilares.

Los bizantinos llegan a construir cúpulas tan gigantescas como la de SANTA SOFIA DE CONSTANTINOPLA de más de 30 m de diámetro, y NO contrarresta los empujes con contrafuertes o valiéndose de otros muros SINO poniéndole otras bóvedas. En el deseo de aligerar el peso de la media naranja y de disminuir los empujes laterales se emplean materiales que pesen poco como los LADRILLOS DE RODAS, unas doce veces más ligeros que los normales. Se preocupan de la decoración de la cúpula y la decoran a base de mosaicos. Después de la revolución ICONOPLASTICA se concede gran importancia al tambor que se decoran con ventanas, y se le corona en una moldura que al acusar el de las ventanas crea una cornisa cestoneada de lóbulos convexos

CAPITEL: es de ascendencia clásica (dórico, jónico, corintio). El follaje sigue el rumbo de toda decoración vegetal. Cuando se crea el capitel bizantino las hojas de Acanto terminan de perder su personalidad, en lugar de proyectarse hacia el exterior se funden en una superficie vegetal continuada y uniforme que recubre el cuerpo TRANCOCONICAS un tanto cúbicas que constituye el CAPITEL CUBICO. A finales del S. IV se emplea un capitel Teodosiano en que las hojas aparecen movidas lateralmente como impulsadas por el viento. El ABACO casi desaparece y aparece un segundo cuerpo en forma de pirámide truncada invertida que se llama CIMACIO.

En la arquitectura Romana no faltan ejemplos de arcos apoyados en el capitel y son arcos y columnas adosadas al muro. El cargar el arco directamente sobre la columna no por decoración sino con fines constructivos como en las basílicas de Constantino se generaliza en el arte Bizantino. Es importante porque representa una de las innovaciones que más contribuye a la ligereza y a la perspectiva de los interiores bizantinos.

LA PLANTA: el poner la cúpula con sus presiones laterales tienen como consecuencia la planta CRUCIFORME O CRUZ GRIEGA(los cuatro brazos son iguales), si un brazo es más largo que otro se llama de CRUZ LATINA. La planta es en el arte bizantino POLIGONAL.

1º ETAPA: ARQUITECTURA EN TIEMPOS DE JUSTINIANO

Con anterioridad al S. VI los monumentos más importantes son de Constantino y de Teodosio y los monumentos principales de la capital del imperio en Rábena (N. de Italia).

En Bizancio hace construir Justiniano: SANTA SOFIA, SANTA IRENE, LOS SANTOS SERGIO Y BACO, SANTOS APOSTOLES.

SANTA SOFIA DE CONSTANTINOPLA:

Constituye la obra maestra del imperio Bizantino y donde se refleja la mayor parte de Bizancio. Fue edificada sobre dos antígüas Iglesias, fue mandada construir por Justiniano a los arquitectos Antonio de Través e Isidoro de Mileto año 537. Su estado actual es excelente, apenas se ha tocado. Hundida la gran cúpula a los 20 años de terminada fue reconstruida casi igual. La decoración de las paredes y cúpula (mosaicos) esta muy machacados. En la lucha ICONOCLASTA cuando la conquistan los Turcos en 1452 fue convertida en Mezquita fue entonces cuando se sustituyo la decoración original por motivos abstractos y versículos del Corán. Perdió la función para la que fue hecha y hoy es museo.

Esta toda ella llena de significado litúrgico la decoración mediante signos nos cuentan las verdades eternas de la religión cristiana forma una pequeña unidad, ejemplo de unidad artística dedicad a las dos personas de la trinidad. Fue concebida como espiritual y político, se construyo en cinco años.

LA PLANTA: rectangular todo el edificio alrededor de una cúpula central, esta flanqueada al norte y al sur por dos semicúpulas. Estas semicúpulas están flanqueadas por dos nichos semicirculares y en el lado norte un tercer nicho que forma el ABSIDE O CABECERA. En los lados el casquete esférico esta flanqueado por bóvedas de cañón que cubren las naves laterales. En el lado sur tiene dos pórticos, el de acceso al edificio y el NARTEX. Unifican la planta rectangular que es la basílica paleocristiana y la planta central esta dedicada a los monumentos de los mártires. La iglesia de Santa Sofía es una representación simbólica del mundo y su gran cúpula al universo celestial que lo cubre. La cúpula central es la principal del edificio, de 31 m de diámetro y de 55 m de altura, construida con tejas de Rodas (que eran las tejas más ligeras). Su construcción plantea problemas. Las cúpulas romanas descargaban su peso por medio de los muros directamente del suelo, en Santa Sofía la cubierta esférica que sólo debía cubrir una parte del edificio y la planta ligeramente rectangular tiene dos problemas: conseguir un sistema que soportara el peso de la cúpula sin recurrir a los muros y conseguir un sistema de pasar de una planta cuadrada al anillo que marca la cúpula. Lo resolvieron con las PECHINAS (triángulos curvos que sostienen la cúpula y que hacen posible el paso de una planta cuadrada a la circular de la cúpula. La cubierta de cúpula sobre pechinas es lo más característico del arte bizantino. Lo adopto más tarde la arquitectura románica europea.

Una cúpula sujeta sobre cuatro puntos da más ligereza y simboliza la base celestial. La masa arquitectónica se eleva hacía la cúpula. La base de la cúpula formada por un ANILLO O TAMBOR, esta horadado en su base por cuarenta ventanas de una altura de 1/3 del total de la cúpula y cuya función es además de la luz enmascarar la ligazón entre la cúpula y el resto del edificio. Este sistema de cubierta sostenida por cuatro puntos permiten a las paredes estar horadadas dando luminosidad al edificio.

Hay una unidad que se consigue por la armonía espacial lograda por el ritmo ascendente de las líneas curvas que a la cúpula que cubre la nave central. Crean un espacio amplio gracias al sistema de cúpulas, semicúpulas y simicupulillas; que alejan a los muros del centro del edificio. El gran número de ventanas con tanta luz amplia el espacio. En Santa Sofía la arquitectura es anticlásica, aun con técnicas utilizadas por los romanos (cubierta abovedada, mosaicos). No respetan las proporciones clásicas, las columnas no tienen ni el mismo tamaño ni los mismos capiteles y hay mucha decoración con los mosaicos, que los romanos los utilizaban para los suelos y el arte bizantino lo utiliza en las paredes. La luz y el color predomina sobre la masa arquitectónica.

El significado de Santa Sofía: es el símbolo de la arquitectura Bizantina, persigue impresionar al fiel. Usa los elementos frecuentes de su tiempo son combinados de tal forma que le da la originalidad que tiene. Lo complejo de Santa Sofía sus dimensiones no se adecuan al rito litúrgico, todo eso hizo que no fue imitada. De planta de cruz latina. Solo diez siglos después los Turcos Otomanos imitaron la estructura de Santa Sofía para hacer las grandes mezquitas de Constantinopla o Estambul.

OTROS EDIFICIOS

De menor tamaño de Santa Sofía la iglesia de los Santos Sergio y Baco es obra de Justiniano de planta octogonal de bóveda GALLONADA y la capilla mayor semicircular, en su interior es poligonal.

Los Santos Apóstoles era de planta de cruz griega con cinco cúpulas una en el crucero y otra en los otros brazos.

San Marcos de Venecia.

En RABENA a orillas del Adriático hay tres obras:

La iglesia de San Vital 530 por el arquitecto Juliano es como Santa Sofía de las más bellas de Justiniano. Y como San Sergio y Baco es de planta octogonal pero esta si se manifiesta al exterior la forma. No es sólo un edifico de gran belleza por el movimiento perspectivo de su planta y las columnas, sino por el lujo y calidad de sus mosaicos “Justiniano y su séquito” “Teodora y su séquito”, “San Vital”, “San Apolinar Inclase” “San Apolinar el Nuevo”. Son de tipo basilical de Constantino de tres naves. Los capiteles son de modelo Teodosiano y las torres de la ciudad de Rábena son cilíndricas.

MOSAICO

El arte pobre de las catacumbas cambia cuando gozan los cristianos del favor imperial. Los cristianos tienen deseo de riqueza y cubren sus muros y bóvedas de mosaicos. Todo lo contrario a la roma pagana que sólo usaba mosaicos en los pavimentos. Las TESELAS, cada pequeña pieza de consta el mosaico. Los Sumerios son los primeros en utilizar el mosaico. Los Sumerios, que transmitieron a los sucesivos pueblos que ocuparon esta parte del mundo. Los griegos, los romanos, el arte paleocristiano y el arte bizantino. El bizantino prefirió el mosaico a la pintura mural. Los bizantinos perfeccionaron al máximo esta técnica consiguiendo una rica gama de colores brillantes en el s. VI. Los mosaicos más importantes son los de las iglesias de la zona de Rábena al sur de Italia.

Los mosaicos de la iglesia de SAN VITAL DE RABENA: mosaicos deslumbrantes que convierten al monumento en un joyero donde el oro de los fondos y el verde, azul y rojo de las vestiduras brillan con intensidad. En el ABSIDE se representa el salvador imberbe sentado sobre la bóveda celeste acompañado por don Angles y dos Obispos uno el mártir San Vital y el otro el obispo que mando construir y que le ofrece el templo. “Justiniano y su séquito” y “Teodora y su séquito” decoran la capilla mayor.

“Justiniano y su séquito”: el emperador Justiniano es el personaje central, vestido de oscuro, tiene corona y aureola, esta dando ofrendas a la nueva Iglesia. Acompañado por el obispo Maximianus y algunos sacerdotes a su derecha, y las figuras de la izquierda son altos dignatarios del emperador con un grupo de guerreros. El tema del mosaico es cortesano. El emperador jefe laico y cristiano. Su poder los basa en el clero, en la burocracia administrativa y en el ejercito. Un tema profano en templo religioso. Es gemelo de su esposa “Teodora con sus damas”.

La composición: enmarcadas en un rectángulo con dibujos estilizados parecen un tapiz. Aparecen una serie de figuras del mismo tamaño mirando al espectador, entre las figuras no hay espacios intermedios. Se ha renunciado a ser personajes en un marco real. Obtando por estos colores brillantes. Las figuras se diferencian unas de otras por el color negro de sus perfiles. Esto acentúa el movimiento vertical y forman un bloque compacto, ninguna parte de las figuras se sale y anulan el movimiento. Están sobre un fondo abstracto un grupo de figuras rígidas firmes que miran al centro, constituyen un ejemplo de la tradición antígüa y las reglas que rigen la representación humana del are bizantino. Se ve una tradición humana. La figura humana es el tema principal y cada una de las figuras esta individualizada. Los rostros tienen una fijeza solemne y la profundidad de los ojos, grandes muy abiertos. Además la tradición oriental en la ausencia de un entorno real, figuras planas, sin movimiento están ordenadas según una regla de horizontalidad (inmóviles, hieráticas ) importancia a la decoración. Enmarcados como si fuera un tapiz, con todo lujo de detalles (corona, corazas, sandalias…). Contraste de colores y hay una contraposición entre rostros expresivos y cuerpos rígidos. La idea cristiana, un cuerpo perecedero y un espíritu que se transmite por la mirada. Nos produce una sensación de lejanía. Los pies parecen que flotan. La escena es una propaganda política (jefe militar y religioso). Estas figuras parecen que están más allá de la simple humanidad.

OTROS MOSAICOS

SAN APOLINAR EL NUEVO de gran monumentalidad. Se conservan los de la nave mayor. Representan dos procesiones que avanzan hacía el ABSIDE del templo

“La de los Santos” San Martín a la cabeza que sale de la ciudad envuelto en blancas vestiduras para ofrecer las coronas de su martirio al salvador que espera en el trono. La procesión va precedidas por los Reyes Magos (a la manera oriental). Es de gran elegancia van marchando parsimoniosamente. Entre las ventanas en grandes retratos, figuras aisladas de profetas y patriarcas. En tercera fila historias del antígüo y nuevo testamento que contribuye ha hacer más grandes las figuras más bajas, su fecha es del S. VI, para otros sólo las de la tercera fila. Los profetas aislados y la procesión del S. IX.

SAN APOLINAR DEL PUERTO Se conserva la decoración del ABSIDE. El rebaño cristiano guiado por Apolinar que va avanzando hacia la cruz. Entre las ventanas santos obispos de las diócesis. Están bajo BENERAS (conchas) enmarcadas por cortinajes.

ICONOGRAFIA DEL ARTE BIZANTINO

MONASTERIO DE DACMI Bendice al mundo con la mano derecha y el libro de la vida cerrado en la izquierda. Esta enmarcado por dos anillos que es el circulo eterno. Larga melena, barba partida, pequeño mechón de pelo en la frente y edad madura. Es contraria al de las catacumbas (sin barba y joven). Este Cristo helenístico fue cambiado por la figura siria. En oriente es como un símbolo ultraterreno, inalcanzable. Bizancio lo transmite al arte románico europeo. La influencia del bizantino al románico se hace a través de Italia, se construyeron en el S. XII catedrales como MORREALES donde confluye la arquitectura románica, decoración islámica y mosaico bizantino.

El PANTOCRATOR en el románico ocupa el ABSIDE que señala el altar mayor y no la cúpula. La razón es que lo románico utiliza la planta de cruz latina más que la griega. El PANTOCRATOR de DACMI sostiene el libro de la vida y cerrador. En cambio los Pantocratos románicos lo tienen abierto y escrito “Yo soy la luz del mundo”.

ARTE PRERROMANICO

INTRODUCCION

Mientras el arte Bizantino produce en oriente los espléndidos monumentos en época de Justiniano s. VI, en las antígüas provincias de Roma Occidental y tomando las construcciones clásicas como modelo, un arte mucho más sencillo de base al estilo románico. Europa inicia un nuevo tipo estilístico que hasta el S. XV evolucionara par morir hacia el 1500 no por agotamiento sino de forma violenta al Renacer el estilo clásico. Este arte del S VI se denomina PRERROMANICO. Arte ingenuo y pobre de técnica que no sólo imita los viejos monumentos romanos y los bizantinos sino que introduce temas decorativos de origen bárbaro. Incapaz de labrar columnas, capiteles, cornisas y tableros decorativos como los romanos no dudan en tomarlo de los monumentos romanos y aprovecharlo en sus construcciones. La arquitectura prerrománica en su primera etapa arquitectónica estaba labrada con materiales de segunda mano y como la bizantina la no quiere la decoración naturalista. Influye la tosquedad y empleo de temas de origen bárbaro. Las esvásticas de brazos curvos, estrellas, labor de cesto. El arte de los pueblos bárbaros al establecerse en el imperio romano aportan su sencillez.

EL ARTE HISPANICO (PRERROMANICO)

Hay dos etapas separadas por una crisis tan transcendental como la llegada de los árabes en el año 711.

ANTES DEL AÑO 711 propiamente visigoda y comprende los siglos V AL VII .

DESPUES DEL AÑO 711 con la llegada de los árabes dos escuelas el ASTURIANO S. IX y el MOZARABE S. X.

ANTES DEL 711 LOS VISIGODOS. Los visigodos son el pueblo más civilizado de los que entran en el imperio romano. Al establecerse en nuestro país se rigen por leyes romanas pero a pesar de tener mayor cultura sus manifestaciones artísticas propias son de carácter decorativo. Son pueblos nómadas con lo que aportan muy poco en el arte.

El arte visigodo es el de los hispano - romanos. Al quedar a principios del S. V privados de la influencia romana viven de su propia tradición de modelos bizantinos y del norte de Africa. Los templos son continuación de los del periodo paleocristiano. Como en las escuelas prerrománicas los soportes romanos y los capiteles cuando no son aprovechados son todos imitaciones de los clásicos. Las hojas de Acanto se sustituyen por simples PENCIAS. Pero los más característico de esa arquitectura es el arco de HERRADURA, cuyo peralte sobre la línea de su centro no suele pasar del tercio del radio. En la evolución de la arquitectura visigoda hay dos etapas:

La primera mitad corresponde a los S. V Y VI y otra segunda mitad la del siglo VII que queda interrumpida por la invasión árabe. A esta segunda mitad pertenecen los principales templos conservados.

S V y VI: a la primera mitad del siglo V unas ruinas de la Iglesia de CABEZA DE GREGO (cuenca) que solo conocemos por los planos levantados en el siglo XVIII. Lo más interesante su cripta con ábside, de planta cuadrada, de arco de herradura muy cerrado y también con esta forma el arco de la puerta de ingreso, con dos brazos de crucero que se utilizan par enterramientos.

S VII: Los templos principales que corresponden a la segunda mitad del siglo VII esta cuidadosamente labrados en sillería, sentadas las piedras a hueso (sin relleno). Y tienen ábsides rectangulares, arco de herradura, de planta basilical muy cuadrada “SAN JUAN DE BAÑOS”. 3 Abside rectangulares. Mandada construir según se lee por Recesvinto en el 661 es pues una obra de algún arquitecto al servicio de la corte de Toledo. Aunque ha sufrido alteraciones conocemos su planta primitiva de tres naves con arcos de herradura sobre columnas y la parte más singular es el abside. Los tres ábsides están aislados lateralmente entre sí y sólo se conserva el central, guardan relación con monumentos bizantinos poco conocidos. El vestíbulo la puerta principal es adintelada y la puerta de entrada una arco de herradura. Esta disposición de arco en el exterior del vestíbulo y adintelada la puerta más interior tiene su precedente en Siria y Mesopotamia. Los fustes y las basa de dos capiteles son clásicos y el resto imitaciones visigodas. Decoración abundante. De los mismos años son “SAN FRUCTUOSO DE MONTELOS (Portugal). Fue construida por el santo para el propio enterramiento más bella y más bizantina de la arquitectura visigoda. Es un templo funerario de planta de cruz griega con cúpulas y a pesar des diminutas proporciones tanto en la capilla del ábside como las laterales, pequeña columnata que crea una minúscula nave lateral. El arco de herradura persiste en lo hispano - romano. Los mejores ejemplares de planta alargada son: “SANTA COMBA DE BANCE (Orense): planta alargada de gran riqueza decorativa últimos años del S. VII.

SAN PEDRO DE LA NAVE (Zamora): el tipo de cruz latina se inscribe en un rectángulo. Sobresale la capilla mayor y a las puertas del crucero se anteponen sendos vestíbulos y a los lados del tramo que precede a la capilla mayor existen dos habitaciones que se abren a la nave principal por una estrecha puerta, y ventana de triple arco, y a los pies dos naves laterales separadas por pilares pero insuficientemente comunicadas con la nave del crucero. Tanto interés como la composición arquitectónica es la decoración, que incluye escenas figuradas, “Daniel y los leones”, “sacrificio de Isacc”. Es de los últimos años del S. VII.

“QUINTANILLA DE LAS VIÑAS”(Burgos): la cabecera en relieve muy plano y a bisel sobre el arco de triunfo. Aparece Cristo bendiciendo en las IMPOSTAS (punto de arranque de un arco). La figura del sol en un CLIPIO (circulo) y elevados por ángeles. En la rosca del arco temas SASANIDAS (Persas) de aves afrontadas y árboles dentro de círculos conocidos a través de modelos bizantinos. También estos temas bizantinos aparecen en fajas horizontales que recorren el muro exterior.

Los monumentos visigodos escultóricos son escasos si se prescinden de los sarcófagos que son de origen romano y oriental. Los relieves de figuras humanas de San Pedro de la Nave, Quintanilla de las Viñas s. VII. Y escultura de bulto redondo ninguna.

La PINTURA ningún monumento pero suponemos que si hubo pintura visigoda y de su continuación son las miniaturas de los BEATOS del siglo IX Y X

ORFEBRERIA: gracias al hallazgo de las coronas BOTIVAS (para colgar de las Iglesias) según la costumbre de los emperadores bizantinos. Este tesoro que estuvo en la armería real y ahora está en el museo nacional.

Son dos coronas ofrecidas por el rey Recesvinto y el rey Sumutila (esta fue robada).

La corona de RECESVINTO: un cuerpo cilíndrico doble una cadena de eslabones en forma de corazón, el cuerpo cilíndrico con piedras preciosas en CABOJONES, que son grandes perlas y de este cuerpo cilíndrico están suspendidas una serie de letras que forman el nombre y la ofrenda del monarca y terminan en unos PINJANTES, de esmeraldas, zafiro, perlas (piedra que cuelga al final de un colgante). Y diez coronas menores.

Además de estas coronas BOTICAS, las FIBULAS Y BROCHES de cinturón en forma de águilas, cuadradas o circulares todas tienen ALMANDINA (granates), vidrios que están incrustados en las celdillas.

ARQUITECTURA ASTURIANA

Obligados los cristianos por los Arabes a refugiarse en las montañas del norte el núcleo más fecundo artísticamente es el asturiano. Aunque tropezando con dificultades de muy diversa índole y con el enemigo crean un modelo arquitectónico original y gran belleza que llega a su máximo desarrollo a mediados del s. IX. Tiene diversa denominaciones ROMANO - BIZANTINO influencia clásica y bizantina.

NEOVISIGODO una variante del arte de la meseta.

RAMIRENSE del rey Ramiro I se construyen los tres grandes edificios SANTA MARIA DEL NARANCO, SAN MIGUEL DE LILLO Y SANTA CRISTINA DE LENA.

A partir del s. XIX se consagra el nombre de ASTURIANO fue dado por JOVELLANOS. La arquitectura asturiana aunque deriva con la visigoda pero a falta de contacto pierde alguno de sus elementos más característicos mientras el poderío del reino Franco hace que tenga influencia del arte Carolingio más la influencia hispano - romana.

NOVEDADES: desaparición del arco de herradura es sustituido por el ARCO DE MEDIO PUNTO PERALTADO. El empleo del muro compuesto en el que para dar mayor fortaleza se le adicionan ARQUERIAS CIEGAS. CAPITELES toscos, imitaciones del tosco clásico. Toscos con la técnica funicular o de cuerdas que habían sido empleadas esporádicamente en monumentos visigodos del noroeste.

Lo que le hace singular es el empleo de la BOVEDA DE CAÑON arcos de medio punto continuados y en los muros hay contrafuertes o estribos por las fuerzas de empuje de la bóveda de cañón. Al contrario de la arquitectura visigoda emplea materiales pobres (sillarejo, mampostería) no obstante gracias a sus muros compuestos y estribos, crea una serie de monumentos abovedados cuyas esbeltas proporciones compensan los malos materiales.

Los comienzos se conocen muy mal el primer monumento es SANTIANES DE PRAVIA fue mandado construir por el rey SILO sólo poseemos parte de los muros y descripciones era de tres naves y otra de crucero, con tres ábsides rectangulares en la cabecera. Sin embargo el aparejo es e mampostería o sillarejo, arco de medio punto peraltado. Trasladada la corte a Oviedo empieza a construir Alfonso II edificios públicos.

PRIMERA ETAPA, PRIMERA MITAD DEL S. IX: Parte de la Cámara Santa (edificio adicionado a la catedral de Oviedo)

-SAN JULIAN DE LOS PRADOS: que tiene tres naves de pilares y otra de crucero muy amplia, con triple ábside rectangular y vestíbulo en los pies. Un ábside central, una cámara alta comunicada con el exterior por una ventana tripartita. Capilla central con arquerías ciegas y abundan los estribos y contrafuertes, elementos heredados de la arquitectura visigoda y otros nuevos elementos que no sabemos interpretar como reflejo de tradiciones regionales o clásico.

SEGUNDA ETAPA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO IX: edificios RAMIRENSES con Ramiro I. a la llegada de algún arquitecto genial conocedor del arte oriental y occidental y aprovecha las formas tradicionales. Edificios abovedados y de esbeltísimas proporciones, con decoración labrada esproceso, con sentido unitario que había desaparecido desde los romanos.

CARAZTERISTICAS

Abovedamiento de los espacios, tribuna de fabrica sobre el pórtico, arcos de dovelas de piedra. arquerías murales interiores que unen los apoyos de los arcos FAJONES (refuerzan la bóveda de cañón). Innovación decorativa ( motivos orientales, figura humana y animales), capiteles cúbicos piramidales, medallones, fajas ornamentadas (unas con releve de la cruz griega, con la letras griegas, y figuras humanas a pie o a caballo.

-SANTA MARIA DEL NARANCO

Palacio de fiestas inaugurado por Ramiro I en el año 848 s. IX se convierte en iglesia llamándola Santa María del Naranco. Es de base rectangular muy alargada. Consta de dos plantas. Ambas distribuidas en el gran cuerpo central. La planta inferior de menor altura que la superior esta cubierta por una bóveda de cañón y en los extremos dos cámaras techadas de madera una de las cuales sirve de baño. La planta principal o salón de fiestas con tres puertas en sus frentes que comunican a los miradores de los extremos. Se cubre con una bóveda de cañón (que es de origen Sumerio) que se apoya sobre los muros con lo que se refuerzan con contrafuertes. Esta bóveda de cañón termina en MEDALLONES, pendientes en la unión de los arcos. Los arcos cabalgan en aces de cuatro columnas entregadas en el muro (incrustadas), con los capiteles de soga. El acceso a esta planta superior se hace por una escalera exterior doble. Aunque el autor de Santa María del Naranco se inspira en la Cámara Santa, este tipo de palacio parece derivar de las villas romanas con pórtico.

-SAN MIGUEL DE LILLO

Construido por Ramiro I y el autor de Santa María del Naranco. Es de las misma esbeltez de toda la época ramierense. Recorrida por numerosos estribos. Tuvo triple ábside al mismo nivel. En interior las bóvedas de las naves laterales están dispuestas en sentido transversal al eje del templo y la tribuna a los pies o entrada. Las Jambas de las puertas están con relieves que son copiados de un DICTICO CONSULAR (de dos hojas las jambas) de principios del S. VI de Leningrado.

En cuadros diferentes se representan las escenas del cónsul dando la orden de comenzar los juegos y debajo los juegos mismos (equilibrista sobre un bastón y domador de leones). Desde el punto de vista decorativa las CELOSIAS (piedra calada en las ventanas).

-SANTA CRISTINA DE LENA

También de Ramiro I es de mediados del S. IX. El arquitecto es Tioda. Y esta en el concejo de Lena. Tiene gran esbeltez es de mampostería y sillarejo y reforzada con gran cantidad de estribos. Ventanas pequeñas, la ventana de la cabecera tiene Celosía. En su interior es de planta única, rectangular basilical con cuatro pequeños en los extremos. El vestíbulo de la entrada es como un NARTES paleocristiano y el cuerpo de la cabecera cobija el altar con una pequeña elevación con acceso lateral. Tres airosas arcadas separan el presbiterio del resto y entre los fustes de las columnas un murete o antepecho ICONOSCASI origen oriental perforado. Este murete pone el sello oriental, esta revestida con vegetales y círculos tangentes. Sobre los arcos hay CELOSIAS CALADAS. La cubierta es de medio cañón reforzada con arcos fajones peraltados y acabados en medallones o CLIPIOS. En las columnas fustes Funiculares o Sogeados, casi siempre dobles y los capiteles de tronco piramidal divididos en triángulos por una especie de cuerdas con relieves graciosos e ingenuos (la figura humana y un cuadrúpedo estilizado).

TERCER PERIODO ALFONSO III

-SAN SALVADOR DE VADEDIAS 893

Construida por Alfonso III se llama también el CONVENTIN de tres naves con gruesos pilares muy sencillos.

PINTURA

Los templos visigodos labrados en buena sillería en forma de hueso pueden prescindir de la pintura decorativa. Es natural que lo asturiano con materiales pobres oculten su pobreza con grandes murales. La iglesia de SAN JULIAN DE LOS PRADOS conserva alguna pintura, que son de la primera mitad del S. IX. Esta distribuida en grandes zonas, representan edificios, patios, cortinajes, bajo los cuales aparecen casa y monumentos en escalas menores tomadas en puntos de vista diferentes.

ORFEBRERIA

-CRUZ DE LOS ANGELES año 808. Brazos iguales con gruesas piedras en CHATONES (piedra preciosa gruesa que esta incrustada). El fondo es de filigrana de hilo de oro laminado. Tanto por su forma como su técnica difiere de la visigoda. Es ora de artistas ambulantes del norte de Italia.

-CRUZ DE LA VICTORIA año 908

Más valiosa y fue mandada labrar por Alfonso III y además de las piedras en Chatones, tiene alvéolos (orificios) en forma de palmetas rellenas de piedras y esmaltes (animales, flores) que se relacionan con trabajos carolingios del norte de Italia. Esta en la Cámara Santa de Oviedo (catedral).

-CAJA DE AGATAS

Es de oro y esmaltes es como un joyero.

ARTE MOZARABE

Son los cristianos que tras la invasión árabe en la península se quedan en el territorio conquistado por los árabes conviviendo con ellos.

Gracias a la tolerancia de los árabes, los cristianos que permanecen bajo su dominio conservan su religión y el arte visigodo. Aislado este arte de las escuelas cristianas contemporáneas y más floreciente. El estilo HISPANO - ARABE con la influencia islámica continua con el arco de herradura que habían abandonado en la arquitectura Asturiana. Este arco de herradura lo enmarcan en el ALFIZ. De origen árabe el empleo de bóvedas cuyos nervios no se cruzan en el medio queda un espacio. También usan las bóvedas GALLONADAS.

Aunque los árabes son tolerantes con los cristianos hasta el s. X, salvo periodos de persecución. La única iglesia mozárabe en tierra islámica es la de BODASTRO templo excavado en la roca de tres naves, con arcos de herraduras sobre pilares. La planta de la capilla mayor es ultracircular. Las restantes iglesias de que hay noticias, de mozárabes emigrados a tierra cristiana huyendo de la persecución de los árabes se encuentran en tierras leonesas. Las fachadas más antígüas son de comienzos del S. X.

-SAN MIGUEL DE ESCALADA año 913

Es una iglesia de tipo basilical, pórtico lateral de arcos de herradura sobre columnas y capiteles aprovechados de monumentos visigodos, asturianos y bizantinos. Es de tres naves. Los ábsides son ultra semicirculares. Al exterior no se manifiesta su cabecera termina de forma plana. Tiene nave de crucero que tampoco se nota al exterior, en el tramo central esta cerrada por una ICONOSTASIS de tres arcos

- SAN CEDRIAN DE MAZOTE

Principios del siglo X y más monumental del arte mozárabe, cruz latina que acaba en un ábside, tiene nave crucero. Se refleja en los tres capillas la influencia de la iglesia visigoda de San Fructuoso de Montelio.

- SANTIAGO DE PEÑALBA

Doble ábside, bóvedas gallonadas de una sola nave.

- IGLESIA DE CELANOBA (Orense)

- SAN BAUDELIO DE CASILLAS DE BERLANGA (Soria)

Es del siglo XI. Se distingue por la organización de una sala cuadrada con presbítero rectangular. Cubierta por bóveda con arcos de herradura que como hojas de palmera parten en una columna central y acaba en el muro. Sobre esa columna y entre los arcos se produce un CAMARIN con una ventana cubierto con una bóveda de tipo califal (los nervios no se cruzan ). Una tribuna con columnillas que defrente al presbiterio cubre la mitad del cuerpo. Las pinturas son de estilo románico (son posteriores al templo). Están en el museo del Prado y en el de Boston.

MINIATURA MOZARABE

Continuadora de la pintura visigoda la ultima etapa se distingue en España por su originalidad respecto a la de Europa contemporánea. Los monumentos principales son del s. X coincidiendo con la inmigración mozárabe. No todas de este periodo son de artistas mozárabes. Uno de los rasgos característicos es el arabismo, resulta razonable y práctica la denominación de Mozárabe.

-LA BIBLIA HISPALENSE (Sevilla) vinculada a la iglesia de Sevilla desde el 998. Las restantes obras en tierra cristiana. Son de dibujo incorrecto nos atrae por su expresión un poco barbara de intenso dramatismo y todo queda subordinado al deseo de manifestar que el tema es lo más transcendental. Las escenas producen misterio y grandeza que persiste en la románica. No existe perspectiva y desaparece el naturalismo clásico. Los edificios en los que abundan los arcos de herradura tienen sobre todo un valor simbólico. Para caracterizar un templo (el altar con un cáliz gigantesco).

- BEATO DE GERONA

Es la Apocalipsis de San Juan. La figura humana esta cubierta por ropajes y pierde su valor, el interés se concentra en los ojos que reflejan la tensión espiritual. Los personajes aparecen sobre la hoja del códice sin encuadrarse en ningún sitio. Los colores vivos e intensos. El origen en la pintura visigoda, agrega la influencia árabe de motivos decorativos, e inscripciones árabes. Pese a este carácter español de la miniatura mozárabe hay influencias del norte de Europa EL LAZO.

Los textos con miniaturas son Biblias, colecciones de Concilios y Beatos “exposición de la Apocalipsis del Beato de Liebana” (seleccionar y ligar textos de otros comentaristas de la Apocalipsis. El gran artista se llama MAGIUS es el autor del Beato que fue pintado para el monasterio de San Miguel de Escalada. Los nombres de miniaturistas no faltan. Entre los Beatos del S. XI el del rey Fernando I en Burgo de Osma. La Biblia Hispalense, la Biblia de la catedral de León año 920.

- CODICES DE CONCILIOS Los Albeldenses y Emilianense son del S. X y de autores desconocidos. Pinturas murales en la Iglesia catalana de San Quirce de Pedret.

ARTE HISPANO MUSULMAN

Cuando el arte ha creado ya obras maestras de la época de Justiniano y los pueblos bárbaros establecidos en el imperio romano de occidente han recorrido su arte prerrománico aparece un nuevo arte el musulmán. Los árabes nacen en Siria, tienen influencia del imperio Bizantino (cuando conquistan Siria, Macedonia al imperio bizantino). Se extiende con gran rapidez y en poco tiempo alcanzan un desarrollo geográfico impresionante. Los monumentos islámicos desde la India hasta los Pirineos, y como parte integrante del mudejar llega hasta los Andes. La arquitectura árabe es romana y barroca, de mayor amplitud geográfica. Una carencia de un estilo propio hace que el arte árabe se deje influir por los pueblos conquistados, varias escuelas con caracteres comunes.

Los preceptos del Corán impiden las artes figurativas (pintura y escultura) y las representaciones icónicas se reducen a las artes menores (orfebrería y miniaturas). Los rasgos más generales su gran amor por la decoración que forma un vivo contraste por su poco interés por los problemas constructivos. Esa decoración no se labra sobre el sillar, suele poner grandes placas que se prestan a la decoración (yeso y piedra poco grosor). El gusto por la policromía hace que las formas decorativas se realicen con vivos colores y un papel destacado es la cerámica vidriada y la madera que se enriquece con temas menudos. Derivada de la decoración bizantina lo árabe es antinaturalista salvo en algunas escuelas excluye los temas animados reduciéndose a una decoración vegetal de ATAURIQUE. La geométrica de LAZO O LACERIA que no alcanza su desarrollo hasta una época posterior. Esta decoración es reiterativa, su decoración no varia. Tiene decoración también a base de prismas geométricas que cuelgan el intrados del arco (parte de dentro del arco) y las bóvedas y se llama MOCARABES (prismas geométricos). Decoración EPIGRAFASIS (letra árabe) o CUFICA. Aunque las portadas se decoran con riqueza el resto de las fachadas sorprende por la simplicidad. El monumento capital de la arquitectura árabe el la MEZQUITA (templo de oración ) para el musulmán tiene pocas exigencias arquitectónicas. Espacio de terreno libre de impurezas y sin cubierta alguna donde el seguidor de Mahoma hace sus oraciones con el rostro dirigido hacia la Meca. Pero las primeras mezquitas de Siria no tardan en crear un tipo monumental de planta rectangular compuesto de una parte cubierta o sala de oración precedida de una gran patio, rodeado de arquería y una torre o ALMINARO O MINARETE, ASSOMA desde allí el ALMOHACIN llama a la oración. En el centro de la QUIBLA (muro del fondo de la sala de oración siempre dirigido hacia la Meca ), se abre el MIRAH O SANTA SANTORUM tiene forma de capilla diminuta. El espacio inmediato al MIRAH es el dedicado al Califa y lo mismo que el MIRAH con la máxima riqueza decorado llamado el MAXURA. El púlpito cerca del MIRAH y decorado con lujo se llama MIBAR.

La rama más vigorosa del arte islámico occidental es la HISPANO- ARABE. En su evolución distinguimos las siguientes etapas durante los 8 siglos.

1º etapa Cordobesa o Califal del S. VIII AL X

2º etapa Reinos de Taifas. El de Zaragoza S. XI

3º etapa Dinastías Africanas. Los ALMOHADES S XII Y XIII

4º etapa Nazarita o Granadina S XIV Y XV

1º ETAPA ARQUITECTURA CORDOBES

GOTICO

CARACTERES

El absurdo nombre de gótico con que se conoce al estilo que como consecuencia de la evolución del románico impera durante los últimos siglos de la edad media. Su nombre se lo da un historiador del S. XVI llamado VASARI de origen germano.

El estilo gótico se extiende más que el románico. Los cruzados llevan sus fronteras hasta tierra Santa y Chipre. En el S. XV los españoles lo llevan a América. Cronológicamente comprende desde fines del S. XII hasta bien entrado el S. XVI excepto Italia que en el S. XV empieza el Renacimiento.

El gótico es la consecuencia lógica de la evolución del románico desde el punto de vista estético una actitud espiritual y un gusto completamente distinto en algunos aspectos opuesto. Si las características del Románico es dominio de la MASA sobre el VANO y en los interiores la SOMBRA sobre la luz. El gótico es el ansia de elevación y de luz con lo que domina el vano sobre la masa.

El afán de luz hace prescindir del muro en un grado no superado en occidente hasta que se emplea el hierro y el cemento que revolucionan la arquitectura contemporánea.

El muro pierde su función esencial de soporte y como solo sirve de cerramiento se reemplaza por vidrieras. Los ventanales son totalmente opuestos de las ventanas románicas.

Los arquitectos romanos y bizantinos construyen edificios de no menos altura que el gótico, pero para ellos la altura es un factor más de la monumentalidad. Para el arquitecto gótico lo primero es la elevación (ansia de Dios). Las columnas pierden materia (se adelgazan), se espiritualizan hasta transformarse en finísimos BAQUETONES. Los arcos apuntados de las bóvedas nos señalan el camino del cielo, y en el exterior del edificio una serie de elementos arquitectónicos nuevos PINACULOS nos llevan a ese mismo fin la altura.

ELEMENTOS ARQUITECTONICOS DEL GOTICO.

Las innovaciones son consecuencia de las innovaciones introducidas en la bóveda. EL ARCO APUNTADO OJIVAL. Nace con capacidad de transformación comparable a la del arco Arabe. En el S. XV se generaliza el arco apuntado CONOPIAL o cóncavo o convexo de cuatro centros, dos dentro en las IMPOSTAS y otros dos en el exterior. Mas tarde de tipo CAMPANEL, dos por encima de las impostas y uno por debajo. Otro el ESCARZANO, arco MISTILINEO trozos rectilíneos dentro del arco.

BOVEDA de CRUCERIA o de OJIVAS se deriva de la bóveda de arista romana pero se desvía. Se descompone en dos elementos arcos que cruzan diagonalmente. Son arcos cruceros o ojivas los formeros y los fajones todos los cuales constituyen el esqueleto de la bóveda. Los suplementos son los paños o témpanos que cierran la bóveda apoyándose en el esqueleto. Resuelta la organización de la bóveda sobre dos arcos cruceros en diagonal y cuatro exteriores gracias a que la carga se concentra en cuatro puntos, no tardan en introducirse novedades que enriquecen su trazo. Al agregársele un nervio que unte las claves de dos arcos laterales con bóveda se forma la bóveda SESPARTITA llamada así por los seis suplementos en que resulta dividida. Cuando para subrayar la continuidad de la nave se dispone un nervio en el sentido del eje de esta que une las claves de todas sus bóvedas NERVIO COMBADO. Bóvedas estrelladas, de abanico. Los precedentes de la bóveda de ojivas son varios y bastante antígüos es el grupo de bóvedas con nervios de Armenia y en Europa SAN DENIS 1104(Francia) catedral de SENS 1140.

LOS PILARES consecuencia inmediata de multiplicar los nervios secundarios de la bóveda de crucería es la transformación del pilar. Las columnas adosadas (capitel, basa) conservan su personalidad la sección semicircular, a medida que se multiplican para recibir los nervios se transforma su sección circular en APUNTADA. Se pierde la personalidad de las columnas adosadas y al convertirse en delgados BAQUETONES desaparece el capitel individual y su fusión en una estrecha faja es el llamado CAPITEL CORRIDO DEL PILAR. Las basas no llegan a esta fusión pero se labran a diversa altura. La gran elevación del templo gótico y el deseo de crear interiores impide utilizar los estribos empleados por el románico. El arquitecto gótico reduce la bóveda románica de cuarto de circulo a un arco llamado ARBOTANTE O BOTAREL, que apoyado en su parte superior en el arranque de la bóveda conduce su empuje lateral a un contrafuerte situado en el muro de la nave inmediata. No resta luminosidad al ventanal abierto en el muro de la nave. Para evitar sin elevarlo en su totalidad se le corona con un PINACULO o pilar terminado en forma APIRAMIDADA. El ARBOTANTE además de esta función mecánica sirve para conducir al exterior a traes de los pináculos el agua de las bóvedas. Cuando por la altura de la nave se4 p9onen dos arbotantes superpuestos el superior hace la función de recogida de agua. Las bocas o cañones de desagüe se decoran con figuras de animales GARGOLAS.

DECORACION DEL GOTICO Mientras en lo constructivo, el gótico es consecuencia de la evolución del románico, en lo decorativo esa continuidad no existe. Los temas geométricos son los que nacen del arco mismo por la combinación de curvas de uno o varios centros. El dibujo geométrico comienza yuxtaponiendo círculos o triángulos curvos. Están decorados en su interior por arquillos de medio punto o apuntados. El empleo del arco CONOPIAL con su doble curva, abre una nueva etapa en la decoración geométrica gótica. El entrecruzamiento de sus líneas crea una serie de curvas y contracurvas que por semejar el ondulante movimiento de la llama se le da el nombre de FLAMIGERO. Los temas decorativos que hasta el S. XV se transforma en óvalos apuntados de las más diversas proporciones, donde se advierte la preferencia contra el románico, decoración vegetal San Francisco predicando el amor a la naturaleza y se plasma en los edificios.

LOS TEMAS Las hojas de hiedra, las hojas de vid, las de roble, trébol y la hoja de cardo (en Castilla hoja de berza o cardina) es un tema corriente para decorar las arquivoltas, jambas, capiteles. Los animales se distinguen por el naturalismo, animales fantásticos aislados o en grupos LAS GARGOLAS. La decoración gótica como la románica en las puertas y ventanas y los claustros. Los capiteles menos importantes en el gótico. En el interior del templo tres campos: vidrieras, retablos y la sillería del coro

-LAS PORTADAS Las portadas góticas son abocinadas, el tímpano del gótico dividido en varias zonas horizontales y también la decoración escultórica de las arquivoltas siguen el sentido del arco. Las esculturas de las jambas suelen protegerse con DOSELETE (corona) o CHAMPRANAS. La forma apuntada de la portada suele completarse con el GABLETE (moldura que sirve de coronamiento). Las ventanas ofrecen problemas inexistentes en el románico. Se levantan una o varias columnillas o BAQUETONES unidos por arcos sobre los que descansa una tracería en los primeros tiempos uno o dos OCULOS circulares y luego se enriquece con arquillos. Los vanos de la TRACERIA se cierran con vidrieras de colores.

TEMPLO GOTICO

LA PLANTA: Las novedades son debidas a la cubierta desaparecen las formas curvas debido a las dificultades de construir ventanales. En la parte de la cabecera los ábsides, girolas y capillas dejan de ser semicirculares y se hacen poligonales. Los arbotantes hacen innecesarias las bóvedas laterales para contrarrestar los empujes, pierde importancia la tribuna y la convierte en galería o TRIFORIO a través del grosor de los pilares. Este TRIFORIO se continuo en la fachada principal en catedrales francesas. La TORRE se renuncia a conservar la misma planta en toda la altura, en cubo o parte inferior y el campanario. En el campanario la parte cuadrada se hace octogonal, e incluso tiene un cuerpo de forma piramidal y se llama CHAPITEL. En algunas catedrales terminan en terrazas.

LA EVOLUCION DEL GOTICO S XIII XIV XV

Como es natural en los tres siglos hay una evolución arquitectónica, se realiza en el sentido de una complicación y su riqueza decorativa. Hay una etapa transitoria entre el románico el gótico el CISTERCIENSE, después tres periodos en el gótico.

-EN FRANCIA: Una primera fase inicial, las iglesias con tribuna en Francia aparecen en la segunda mitad del S. XII.

La segunda fase S. XIII Y XIV triforio con ventanas al interior de la nave y fondo de vidrieras hacia el exterior de la nave.

La tercera fase finales del S. XIV se suprime el triforio y el ventanal cerrado de la vidriera ocupa toda la altura de la nave mayor.

Durante el S XIII las columnas de la nave conservan toda su naturalidad capiteles independientes, es el tipo de capitel formado por dos COGALLOS angulares uno central. En esta primera etapa también hay las bóvedas que no pasan de seis nervios, y las tracerías de las ventanas son un circulo casi liso sobre un arco apuntado.

En el S. XIV es transitorio, las formas se complican y hay más decoración.

En el S. XV las columnas fusionadas en el pilar. Las basas individuales y a distintas altura. A veces los baquetones no se continúan en un nervio de la nave. Hay bóvedas de abanico, arcos colopiales, campanel, el escarzano y la decoración vegetal la cardina. También introducen la granada.

LA CIUDAD GOTICA

A partir del S. XIII época nueva hay tres procesos que señalan la ruina de la vida feudal:

- Crecimiento de la población, la mejora de técnicas agrícolas, más alimentos. Los GREMIOS (Artesanos y comerciantes de un mismo oficio se unen para controlar los precios y el mercado)

- Desarrollo del comercio: el feudo tenia una autosuficiencia económica. Ahora aparece el intercambio de productos (la burguesía) y empieza a utilizarse la moneda.

Las ciudades reaparecen, crecen y sirven de lugar de intercambio y las miniaturas retratan el mundo burgués y gótico igual que el feudal y románico. Los planos y dibujos de las ciudades nos ayudan a acercarnos a la baja edad media. En algunas ciudades se conserva la CITE (ciudad amurallada). Los nombres de las calles conservan los oficios. En Barcelona el barrio gótico conserva los palacios, iglesias, lienzos de la muralla. La burguesía que se instala fuera de los muros de la antígüa ciudad son los BURGOS. El ayuntamiento dirigidos por los burgueses. Comercio a larga distancia. Europa recorrida por hombres que llevan productos de un lugar a otros. Los cruzados lo estimulan con las cruzadas a tierra santa. En su aspecto físico altamente característico, las calles importantes partían del centro y radialmente hasta las puertas de las murallas, otros secundarias unían las radiales formando círculos con el centro, este patrón radiocéntrico en estos casos el perímetro es circular o elíptico y resultaba más económico y fácil de defender. El centro de la ciudad es la catedral gótica. La ciudad tiene un carácter espiritual. La plaza de la catedral era el mercado y en ella se elevaban los edificios más característicos, ayuntamiento, casa de los gremios. En aquellas ciudades florecientes había adquirido gran desarrollo, aun se conservan monumentos de este género en el norte de Francia, la catedral Nothedran verdadero centro de la organización. De ese templo salían las calles radiales más importante. Las secundarias para uso de peatones. En Flandes los monumentos de carácter civil son consecuencia natural de la intensa vida municipal y gremial de los industriosos Flamencos (Brujas).

LA LONJA DE IPRES planta rectangular cubierta a dos aguas muy pendientes se levanta e n la parte central una gruesa torre con cuatro torrecillas en los ángulos. Típicas las casas góticas de los diversos gremios.

LOS AYUNTAMIENTOS que son también de planta rectangular de dos aguas muy apuntadas y las torres desempeñan un papel de primer orden 1455. Con esbeltísima torre central y se repite el esquema de la composición de la LONJA de IPRES. En el de LOVAINA 1448 desaparece la gran torre, pero la de los ángulos adquiere mayor tamaño. La casa del gobernador.

LA CATEDRAL GOTICA

La catedral en el gótico es el monumento más importante. Se levanta en el centro de la gran ciudad y cuya altura y magnificencia cifran su orgullo los vecinos. En el románico es el monasterio (pequeña ciudad en sí). La catedral es el templo de las grandes masas burguesas formadas en los últimos siglos de la edad media. Manifestación plástica más perfecta de cuanto hay de espiritualidad en la edad media.

LA PLANTA es basilical una nave central más importante y flanqueada por colaterales. Es la nave central más ancha y más alta, cuanto más alta más luz se remarca su importancia. El cabecero, ábside o testero deriva de las iglesias románicas de peregrinación. Hay una girola o deambulatorio donde se abren capillas poligonales y radiales. Esta forma semicircular de la girola con problemas de cobertura pero la bóveda de crucería los resuelve. El crucero o transecto puede tener dimensiones variadas, estar muy cercano a la cabecera o más alejado. La planta tiene a los pies unas torres en la fachada (la planta más perfecta es la de CHARTES). En el interior el alzado es una unidad y continuidad para que la luz se distribuya uniformemente. La luz elemento mediador entre los hombres y Dios. Predomina el vano sobre el macizo y como los ventanales son altos sentido ascensional. Elemento consustancial a la arquitectura de las catedrales góticas. Los pilares se corresponden con las bóvedas. Al principio pilar cilíndrico, después el pilar con columnillas adosadas, después el pilar fasciculado con baquetones o molduras en donde prácticamente desaparece el capitel. En el exterior se suelen poner grandes contrafuertes gracias a los arbotantes (lo que antígüo era la tribuna). En una primera fase se establecen cuatro niveles en los paramentos interiores:

S. XII las arcadas y soportes

Galería o tribuna

triforio

gran ventanal

En el S. XIII desaparece la tribuna o galería

Y en el S. XIV, XV desaparece el triforio

El arco apuntado y la bóveda de crucería o de ojiva a través de su esqueleto de nervio convergen en la clave de la bóveda se pueden canalizar las tensiones en puntos concretos, arcos FAJONES transversalmente y arcos FORNEROS longitudinalmente. Dos ojivas entrecruzadas que dan lugar a cuatro paños o plementos llamándose bóveda cuatripartita. Luego surgen nervios intermedios y es la bóveda estrellada, bóveda de abanico. Se llama ARCOS COLUMPIAL Y ARCOS CAMPANEL a los arcos muy estrechos ALANCETADOS.

El arco ARBOTANTE Y BOTAREL es el que lleva el empuje de las fuerzas de los muros hacia los estribos.

En el exterior las TORRES en la fachada a los pies con flechas caladas y otras en terrazas. Torres en el crucero CIMBORRIO. El exterior los muros no son extensiones lisas predomina el claro - oscuro.

LA TRACERIA CALADA va evolucionando en un principio dos lancetas coronada por rosetón o trifolio. Mas tarde más curvas y contracurvas (gótico flamígero). Las fachadas modelo abocinado del románico. El tímpano se divide en espacios horizontales decorados, lo mismo que jambas y arquivoltas. Las figuras de las arquivoltas siguen la dirección del arco. Se pone también un GABLETE (molduras triangulares encima de las esculturas).

ARQUITECTURA GOTICA EN ESPAÑA

Protegidos los Cistercienses por los monarcas como habían sido los del Cluny, levanta numerosos monasterios “huelgas de Burgos” de fundación real y panteón de los monarcas castellanos. El estilo cisterciense influye en las catedrales. La catedral de Avila comenzó en 1172 por el maestro Fucho. Girola muy austera. En el S. XIII la arquitectura gótica es de notables catedrales y en el S XV lo civil. El S. XIII sus principales catedrales en Castilla son Burgos, León y Toledo, en el S. XIV en la zona de Levante Barcelona, Palma y Gerona. Y en el S XV se vuelve a Castilla, también la de Sevilla, Salamanca y Segovia. Escuelas en Burgos y Toledo. En Levante las LONJAS S. XV de Barcelona, Valencia y Palma y numerosas casas. Burgos y Toledo en el segundo cuarto del S. XIII aunque algunos portadas de esas catedrales y las torres en época muy tardía. En lo esencial las dos catedrales son de trazas muy primitivas. Son de primer orden dentro de la arquitectura de su época, con rasgos muy definidos.

CATEDRALES CASTELLANAS

-LA CATEDRAL DE BURGOS 1221-1260 deseos del obispo y gran viajero San Mauricio y Fernando III el Santo. Maestro Enrique aunque no es probable que haya hecho su traza primitiva. Es de tres naves con brazo de crucero muy largo tiene girola de tramos trapezoidales. Tiene triforio y arbotantes dobles. Las fachadas de los brazos del crucero tupida arquería con estatuas. Las dos puertas sarmental y coronería rica decoración escultórica. La portada del claustro de 1300 con historia de estatuas y ajedrezado de castillos y leones. Las caladas agujas de sus torres son del S. XV.

-LA CATEDRAL DE TOLEDO 1227-1234 por la influencia Arabe que existe en la arquería de su TRIFORIO y por la honda huella dejada en la posterior más española. Es de cinco naves más dos capillas y otra de crucero que no sobresale en planta, anchura uniforme, en lo que se diferencia de la de Burgos y León. La girola es doble. De sus torres sólo se termina una. Sus portadas corresponden todavía las tres de la fachada principal con decoración ajedrezada de castillos y leones. La portada del León con tímpano distribuido en fajas y profusa decoración escultórica. El arquitecto es el maestro Martín. La girola sirve de modelo del S. XV a la iglesia de Santiago de Bilbao y a la de Granada del S. XVI.

Terminada en 1280 la más luminosa de las españolas. Las vidrieras ocupan amplísimas superficies. El maestro Enrique muerto en 1227 hizo tres naves. Las tiene también el crucero más otra transversal entre el crucero y el comienzo de la girola. El triforio que se aloja en el grosor del pilar con fondo las vidrieras. En la fachada principal de tres portadas sumamente abocinadas con arcos muy apuntados que separan cada una de las tres puertas. El cuerpo central que le sirve de remate es de invención moderna que fueron sustituidos por tres grandes glavetes. Las torres es una del S.XIV y otra del S.XV. las portadas del crucero son tres de rica decoración escultórica. La catedral semejante es la de Reimts. Muy conocida de principios del S. XIII es la catedral de CUENCA en el S.XV se le adiciona la girola actual. La nave central con bóvedas sexpartitas.

CATEDRALES DEL LEVANTE S. XIV

CATEDRALES CATALANAS Mientras los castellanos en el S.XIV terminan las grandes catedrales del S. XIII en levante se hacen las principales catedrales.

CARACTERISTICAS. El templo levantino inspirado en el sur de Francia gran anchura de la nave central. Aprovechamiento de los espacios comprendidos entre los contrafuertes para alojar las capillas. Su insuficiente iluminación y la escasa importancia a los arbotantes las hace macizas. Las torres poligonales y terminadas en plano.

-LA CATEDRAL DE BARCELONAS es de tres naves más dos alojadas entre los estribos y otra en el crucero que no sobresale de la fachada. La girola de tipo corriente. La nave central es más elevada que las laterales la misma altura que las grandes tribunas que descansan sobre las capillas. La distribución de sus torres símbolo de los clavos de la cruz de Cristo. Dos de ellas en los extremos del crucero y la central a los pies de la nave mayor. Todas ellas son poligonales. Beltrán Riquer en 1298. Las torres Jaime Frabre que se hace cargo de la obra en 1371.

-LA CATEDRAL DE GERONA no se comienza hasta 1312 sólo se construye de tres naves hasta el crucero y hasta el S. XV no se decide una nueva nave.

-LA CATEDRAL DE PALMA DE MALLORCA es de la segunda mitad del S. XII y se prolonga hasta el S. XVI. Es de tres naves con capillas entre los estribos y en la cabecera la capilla de Jaime I en cuyo fondo se abre la tribuna regia. La gran anchura de la nave central y la estrechez de sus tramos que tiene como consecuencia la gran proximidad de los estribos cuya masa contribuye a la imagen exterior.

-OTROS TEMPLOS Santa María del Mar 1328 Barcelona. Es de nave central muy ancha.

Con el S. XV la actividad arquitectónica cobra nueva vida. Las ultimas catedrales góticas. Al calor de las lujosas capillas familiares y viejas torres del S. XIII de Burgos y Toledo dos escuelas que producen varios monasterios, hospitales y casas de primera importancia en la arquitectura gótica. En Levante ya no se hacen nuevas catedrales. En la arquitectura civil las LONJAS cuyos interiores los más amplios de toda la Edad Media. El ultimo siglo de las catedrales góticas.

LA CATEDRAL DE SEVILLA 1402

Es de proporciones tan grandes que el cabildo no se atrevía al decidir su construcción. Manifiesta el propósito de una catedral tal y tan grande que en el futuro lo toman por loco. Es de cinco naves de dos capillas y una nave de crucero que no rebasa las fachadas laterales. Están cubiertas por bóvedas sencillas a pesar de la época no tiene GIROLA. La cabecera es plana. Las naves laterales dobles son de la misma altura. Las portadas más antígüas son las laterales de los pies con tímpano único norma del S.XV y un elegante GABLETE y las portadas del testero del S.XVI, proyectadas en torres resultaba un plano poco movido. En el S XVI un cimborrio elevado se hunde a los pocos años, pero se construye de nuevo y es el que tenemos en la actualidad.

No sabemos con seguridad el maestro pero deben ser Franceses o Flamencos el que aparece más es Isambrez. Hacia 1500 merece recordarse que Alfonso Rodríguez autor del cimborrio mientras se mantiene en pie disfruta de prestigio. Las otras grandes catedrales son del S XVI.

CATEDRAL DE SALAMANCA

Obra del arquitecto Juan Gil de Antoñan. De cinco naves se concibe con girola pero a fin del S.XVI se renuncia a esta, se termina en pleno como la de Sevilla. Parte de su decoración es renacentista, tanto la cúpula como la torre son barrocas (principios del S. XVIII). Al mismo arquitecto se debe las trazas de la catedral de Segovia.

LA CATEDRAL DE SEGOVIA

Proporciones más pequeñas. La obra termina en pocos años es rápida. El interior es muy semejante al de Salamanca.

LA CATEDRAL DE CORDOBA

En 1607 se termina. El arquitecto es Hernando Ruiz Vallejo por encargo del obispo y a cuenta del ayuntamiento se edifica en la Mezquita.

LA SEO DE ZARAGOZA

En 1490 se transforma en amplio templo de proporciones casi cuadradas, de cinco naves de igual altura, más dos capillas conservándose en la cabecera los tres ábsides del antígüo edificio románico. En 1498 se le pone un cimborrio obra del maestro Bonbai, esta cubierto por una bóveda de nervios que no se cruza en el centro (tipo califal).

ESCUELAS DEL GOTICO

-ESCUELA DE TOLEDO

A mediados del siglo XV se introduce el estilo flamígero con HANEQUIN Egas fue el que lo introdujo. Es autor de una de las puertas de la catedral de Toledo. Formado con Egas el gran arquitecto de la época es el francés Juan Guas cuya obra maestra es el convento de SAN JUAN DE LOS REYES DE TOLEDO. De una sola nave (al estilo catalán muy ancha). Tiene capillas entre los estribos. Usara la decoración HERALDICA (escudos) o la EPIGRAFIA y los MOCARABES en la cornisa. El claustro es de arquearías mistilíneas. La TRACERIA es ya complicada. Obra también de Guias es LA CASA DEL DUQUE DEL INFANTAZGO (Guadalajara). Su patio es de columnas ELICOIDALES, arcos mistilíneos riquísima decoración. Una de las creaciones más características del barroquismo gótico.

PLANTA DE LA CATEDRAL DE GRANADA: no se construye hasta el Renacimiento y la capilla real.

Los tres grandes hospitales edificados en tiempo de los Reyes Católicos en Toledo, Granada y Santiago (pertenece a Enrique Eges). Hospitales de planta cruciforme y patios en los ángulos.

El monasterio de SANTO TOMAS (1482-1492) fundado por los Reyes Católicos.

-ESCUELA DE BURGOS

Los maestros son Juan y Simón de Colonia. La introducción de la ultima etapa del gótico en Burgos se debe a Juan de Colonia 1491. Su principal característica son los CAPITELES OCTOGONALES CALADOS.

En España le sigue en importancia el capitel calado de la catedral de Oviedo. Juan de Colonia también hizo la CARTUJA DE MIRAFLORES con bóveda estrellada y calada en el crucero. La obra y el estilo tiene su continuación en su hijo Simón 1511. Su obra es LA CAPILLA DEL CONDESTABLE. Un problema aun no resuelto es si deben incluirse a una o otra escuela las fachadas de: EL COLEGIO DE SAN PABLO Y EL COLEGIO DE SAN GREGORIO (hoy sede del museo de escultura de Valladolid). Mandado construir por Fray Alonso de Burgos. Portada decorada con riqueza extraordinaria. Su decoración de labor de cesta, estatuas de salvajes cubiertas de pelo. El patio es de columnas helicoidales, decora su friso con una cadena corrida.

Casas con fachada característica. Enorme tamaño y losura de las DOBELAS del arco (de medio punto). El ALFIZ a veces encuadrada también el balcón con un escudo importante encima. En Salamanca CASA DE DOÑA MARIA LA BRAVA. En Zamora CASA DE LOS TLOMAS. En Burgos LA CASA DEL CORDON. En Salamanca CASA DE LAS CONCHAS con patio renacentista.

ARQUITECTURA LEVANTINA

LA LONJA DE BARNA 1380-1392 de tres naves con techumbre de madera.

LA LONJA DE PALMA DE MALLORCA 1426-1448 obra de Guillermo Saguera (también es escultor) cubierta por bóvedas de crucería de una misma altura, sobre esbeltos pilares helicoidales. Interior muy liso, decoración reducida a varias torrecillas octogonales que refuerzan las esquinas y divide en grandes paños el lienzo del muro. Ventanales con coronamiento. El ANGEL que decora el tímpano es obra del propio Segrera.

LONJA DE LA SEDA (Valencia) 1472-1498 arquitecto Pedro Comple. Tiene sala de pilares helicoidales.

CASA GOTICA CATALANA creada en el S XIV y en el S. XV los ejemplares más valiosos. El patio de escalera sobre alargadas columnas y con bellas galerías de finas columnas. De esta época es la fachada del ayuntamiento de Berna (Generalitat).

ESCULTURA GOTICA

CARACTERISTICAS GENERALES

El resorte que mueve al gótico en las artes figurativas es el creciente interés por la naturaleza. La escultura en los primeros tiempos S. XIII conserva el carácter monumental y el sentido de la grandiosidad heredado del románico. En los S. XIV Y XV el artista dota a los personajes de expresión humano. Estos personajes y a nos son seres inhumanizados, insensibles para el amor y el dolor pensados par la divinidad, sino que encargan el Dios del dolor el grandioso toma de PANTOCRATOR rodeado del tetramorfo termina por desaparecer hay un cambio de actitud de representar los dos temas LA VIRGEN CON EL NIÑO Y EL CRUCIFICADO. El artista gótico solo quiere ver el amor materno y el dolor humano. La impasible Virgen románica que es el trono de Dios, gracias al naturalismo gótico llega a convertirse en la madre que juega con su hijo, abandona el frontalismo e inclina su cuerpo para contemplar al hijo. Cuando esta sentada en vez de colocar al niño entre sus piernas y de frente lo sienta en una de ellas para hacer posible el dialogo. Por el influjo de la tradición románica pese a este cambio la Virgen continua durante un tiempo con el cuerpo erguido y MAYESTATICO, aunque no tarda en inclinar su rostro e intensificar el dialogo con vez más expresivo. El escultor se deleita entonces interpretando gestos maternales e infantiles (la Virgen acaricia al niño que a su vez juega con la mano). Y en los últimos tiempos del gótico el niño abraza la cruz que le muestran los ángeles. El dolor de la pasión cada vez más obsesionante para el artista y se carga de melancolía. La virgen como tema artístico adquiere importancia extraordinaria, no solo como madre de Jesús, sino en los momentos gloriosos (la asunción, el transito, la decoración). Se le dedican portadas de catedrales. En la de Reimts preside la puerta principal.

EL CRUCIFICADO el románico y el bizantino insensible al dolor, esta derecho con brazos horizontales no siento el peso del cuerpo nos contempla con expresión serena. En el gótico el artista ve en el crucificado al hijo del hombre que sufre en el calvario ya no tiene cuatro claves uno atraviesa los dos pies, esta superposición de los pies hace desaparecer el paralelismo de las piernas, el cuerpo abandona el verticalismo y se arquea desplazando las caderas, se crean unas formulas que imperan hasta fines del S. XIV. Hasta la cintura casi vertical mientras que las piernas aparecen dobladas hacia un lado. En el S. XV el cuerpo de Cristo recobra su verticalidad. Una típica creación del gótico en el S. XV el tema de LA PIEDAD el Cristo muerto trágico se pone la madre también trágica.

AGIOGRAFIA vida de los Santos.

Reflejo de este mismo deseo de humanizar las imágenes. Las jambas de las portadas se comunican entre sí (en el románico están aisladas) ahora parece que conversan entre sí. El gran afán expresivo lleva al artista en el S. XV se preocupa de lo anecdótico y secundario, antes considerado indigno. En la segunda mitad del S. XV se alcanza lo satírico y burlesco representando temas obscenos.

EVOLUCION DE LA ESCULTURA EN EL GOTICO

A lo largo de los tres siglos de vida evoluciona in la primera etapa del S. XIII CLASICISMO. Se reacciona contra los abundantes y retorcidos plegados del románico de ultima hora. Los ropajes más sencillos de escasos pliegues y de composición clara y grandiosa, se crea el tipo de rostro triangular de mentón agudo, ojos rasgados y expresión sonriente. Perdurara hasta mediados del S. XIV. A finales del S. XIV y principio del S. XV alargar las figuras con curvas y contracurvas cada vez más intensas. Ese amor por lo curvilíneo es sensible en los ropajes se pierde la sensibilidad primitiva. Los plegados pura curva es el gótico INTERNACIONAL. En reacción Borgoña y Flandes en el S. XV y en el resto de Europa desde mediados del S. XV se reacciona contra lo curvilíneo. La figura recobra el aplomo perdido, individualizar los rostros, verdaderos retratos. Los plegados de los ropajes se quiebran en ángulos y contraángulos como si fuesen materia rígida y no blanda. En esta última etapa del gótico Flandes fija el estilo.

RELIEVE

En los primeros tiempos se desarrolla como en la época románica, en una plano ante un fondo sin preocupación perspectiva ve nacer hacia 1400 el paisaje. A lo largo del S. XV en los retablos el relieve es más profundo y se ordenan en escala creciente según loa leyes de la perspectiva, montes, árboles, edificios y personajes. Los relieves bajos de la catedral de Toledo un ejemplo de finales del gótico. La escena gótica decora las portadas y los claustros.

EL RETABLO Es pequeño en el S. XIII se desarrolla en el S. XIV y más aun en el S. XV sobre todo en España que adquiere tamaño gigantesco. En el románico no hay vidrieras con lo que se coloca sobre el muro. En el gótico con las vidrieras se coloca en el retablo por falta de paredes. Consta de varias calles en vertical y varios cuerpos o zonas horizontales. La inferior de estas horizontales que sirve de pedestal se llama BANCO O PREDELLA. Y la escena de la calle del centro coronada por un calvario. Los múltiples compartimentos son rectangulares y reciben el nombre de CASAS O ENCASAMIENTOS. Y el marco superior oblicuo que encuadra el retablo GUARDAPOLVO O POLSERA. Aunque se hacen retablos en piedra, lo corriente es el de madera policromada y dorada sobre un fino revestimiento de yeso.

LAS SILLERIAS DEL CORO en el siglo XV tienen en el respaldo decorados con grandes relieves y los bancos y parte inferior de los asientos llamados MISERICORDIAS tienen figuras y grupos decorativos de carácter burlesco.

EL SEPULCRO se convierte en uno de los géneros escultóricos principales. En forma de TUMULO o lecho funerario rodeado de estatuillas o bien con arco reunido en el muro.

LA ESCULTURA EN ESPAÑA

Dos escuelas al calor de la decoración de las catedrales de León y Burgos.

LEON

Fachada principal, ofrece el grandioso conjunto escultórico de su triple portada y de las portadas del crucero. Estas estatuas son de varios escultores. LA DEL JUICIO FINAL, LA VIRGEN BLANCA en la puerta central del crucero. SAN FROILAN y en el lado opuesto LA VIRGEN DEL DADO.

Los SEPULCROS EL OBISPO DON RODRIGO el relieve del frente del sepulcro el reparto de pan a los pobres.

BURGOS

Las dos puertas del crucero LA SARMENTAL, LACORONERIA Y LA DEL CLAUSTRO

LA DEL SARMENTAL es la más antígüa y presenta en el tímpano el SALVADOR BENDICIENDO, mientras los evangelistas delicadas proporciones escriben en sus pupitres acompañados con sus signos, los apóstoles conversan en las jambas, la estatua del parteluz una de las mejoras de España.

LA CORONERIA en el tímpano con EL JUICIO FINAL anterior a 1257

LA DEL CLAUSTRO el estilo varia en uno de los lados de las jambas la Virgen y el arcángel y en el tímpano el relieve del BAUTISMO DE CRISTO S. XIV. En esta misma etapa las estatuas reales y la ADORACION DE LOS REYES del interior del claustro. Además de esta escultura de carácter monumental figuras de madera del crucificado y la Virgen con el niño.

ESCULTURA DE LEVANTE DEL S. XIV Y PRIMERA MITAD DEL S. XV

Es de escaso interés escultórico en Castilla. En Levante obras importantes en los últimos años del S. XIV. Monumentos funerarios como el de FERNADEZ DE LUNA en el ASEO DE Zaragoza obra de Pedro Morages 1382. El lecho funerario aparece cubierto por la comitiva fúnebre formado por numerosas estatuillas. Retablos de piedra. En 1366 el maestro Aloy en Tarragona el de la CAPILLA DE LOS SASTRES retablo. En los comienzos del S. XV influencia italiana y flamenca producen en Cataluña el llamado estilo INTERNACIONAL (alargar las figuras) principales escultores Guillermo Sagrera y Pedro Juan.

-GUILLERMO SAGRERA mallorquín de nacimiento y arquitecto de primera fila, autor de la estatua de SAN PEDRO de la catedral de Palma esta envuelto en un gran manto de grandes pliegues. EL ANGEL de la Lonja de Palma con grandes alas. Así como las rígidas estatuas del S. XV se convierten en manos de Sagrera en figuras humanas llenas de vida.

PEDRO JUAN hace retablos que se cubren con altos relieves y se mueven las miniaturas. EL SAN JORGE del palacio de la Generalitat de Barcelona 1416 RETABLO MAYOR catedral de Tarragona 1426 dedicado a Santa Tecla. Los relieves son inquietos y dogmáticos y quizá uno de los más bellos de la primera mitad del S. XV. Comienza el retablo del Aseo de Zaragoza y sólo hace el Banco esta hecho en alabastro 1436.

NAVARRA

En este periodo gran escultura con dinastía francesa, son franceses los principales escultores de la corte.

JANIN DE LOMME 1416 comienza el sepulcro de CARLOS EL NOBLE Y SU MUJER en la catedral de Pamplona. Estatuas yacentes de mármol blanco bajo LOCELETES. El lecho de mármol negro. Rodeado el sepulcro de mármol blanco. Se relaciona con el de FELIPE EL ATREVIDO en Dijon (Francia) terminado muy poco antes.

LA ESCULTURA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XV

El estilo internacional da paso al estilo FLAMENCO con influencia de Van Eyck y con él Castilla recobra la importancia artística que perdiera en el S. XIV y Burgos es un centro de escultura importante. El monumento EL SEPULCRO DE DON ALONSO DE CARTAGENA que empieza el estilo flamenco. El estilo rico de los grandes maestros de la escuela Gil de Siloe y el colaborador Diego de la Cruz.

-GIL DE SILOE 1486 aparece el sepulcro de JUAN II E ISABEL DE PORTUGAL planta estrellada de ocho puntas con escenas bíblicas en el frente y estatuillas sobre los ángulos. Los monarcas lujosamente vestidos y reposan su cabeza sobre ricos almohadones bajo DOSELETES. De análoga riqueza EL SEPULCRO DEL PRINCIPE ALONSO que esta ORANTE (rodillas) ante su SITIAL (silla)y también en la Cartuja.

EL RETABLO DE LA CARTUJA DE MIRAFLORES forma con enterramientos el conjunto más fastuosos de la escultura gótica del S. XV en toda Europa. Empezó por Siloe en colaboración con Diego de la Cruz en 1499. El cuerpo principal una corona de ángeles con el crucificado en el centro, rodeada por coronas menores. En el banco (base del retablo) esta Orantes Juan II e Isabel de Portugal. La otra gran escuela castellana es la de Toledo.

-TOLEDO Juan de Alemán es autor de las esculturas de la Virgen y los Santas mujeres, los relieves de los tímpanos de la puerta de los leones de la catedral 1495. Típicos los plegados angulosos pero sin el recargamiento burgalés. Los sepulcros no tienten el lujo de los burgaleses. Estos sepulcros son de gran interés. Representan al difunto medio incorporado en el lecho mortuorio, si es varón le acompaña una paje con casco y si es una dama la acompaña una dueña (siempre en escala menor que el personaje principal). En la catedral de Sigüenza MARTIN VAZQUEZ DE ARCE =EL DONCEL DE SIGÜENZA que muere en 1486 en la guerra de granada. También otro tipo los sepulcros TUMULARES (echados) ALVARO DE LUNA Y SU ESPOSA en la catedral de Toledo obra de Sebastián de Almonacid.

-EL RELIEVE el retablo mayor de la catedral de Toledo, la calle central coronada por un calvario, dividido en encasamientos (cuadros) Peti Juan el autor muere en 1507. La sillería baja de la catedral obra de Rodrigo Duque temas de la guerra de Granada.

-SEVILLA cuando en el tercer cuarto del S. XV un escultor Lorenzo Mercadante (Gran Bretaña) se formo en tierra de flamenca. Hace una serie de barro cocido en las portadas de la catedral con influencia de Van Eyck. La gran empresa del último cuarto del S. XV y principios del XVI es el RETABLO DE LA CATEDRAL DE SEVILLA inmenso subdividido en muchas calles, el último esta volado formando un enorme guardapolvo. El escultor es Dancart en 1482 y buena parte de los relieves de los últimos compartimentos son del S. XVI y el autor Jorge Fernández el escultor más activo de estos años en Sevilla.

ARTE MUDEJAR

MUDEJAR ROMANICO

Arte hispano - árabe mezclado con formas más toscas al servicio de los cristianos, también llamado Morisco. El contacto con el románico y con el árabe crea un estilo perfectamente definido ROMANICO MUDEJAR.

Pertenecen numerosos templos, sobre todo en León, Avila y Segovia.

Muros muy gruesos, formados por un esqueleto de arquerías ciegas superpuestas en varias zonas constituyendo una especie de muro compuesto. La columna pierde importancia, templos pesados de gran solidez. Tiene gruesa torre cubierta a cuatro aguas a veces con columnillas en los vanos. Los interiores son abovedados ábsides semicirculares y decoración con arquerías ciegas, la decoración se reduce a filas de ladrillos esquinados.

SAN TIRSO DE SAHAGUN 1184 y SAN LORENZO DE SAHAGUN las dos en León. LA LUGAREJA DE AREVALO (extraordinario grosor de su torre) Avila. LAS IGLESIAS DE CUELLAR en Segovia.

MUDEJAR GOTICO

En el exterior es de decoración almohade. En el interior tienen yeserías granadinas. Típicos los artesonados. Las tres grandes escuelas están en Toledo, Andalucía y Aragón.

-ESCUELA DE TOLEDO

El mudéjar de Toledo en su aspecto arquitectónico se relaciona con el ladrillo de los árabes, si bien concede un papel a la mampostería. Los muros de mampostería con esquinas de ladrillos son típicos de la escuela de Toledo. Y una de las iglesias SANTIAGO DEL ARRABAL con arcos lobulados un paño y enlazados, el capítulo más abundante son las torres. Tienen por lo general un cubo de mampostería y el campanario de ladrillo. Según el modelo almohade ancha faja de arquerías ciegas encima de columnillas de barro vidriado, arcos de herradura apuntados y cortados por alfices. La torre de SANTO TOME la torre de IESCAS, LA PUERTA DEL SOL que da paso a un camino de ronda y esta abierta en alargadisimo cubo de mampostería y terminado en semicírculo. Se compone de un cuerpo central de sillería (piedras grandes) y con bellos arcos de herradura apuntada y de ladrillo en la superior con arcos ciegos y enlazados, el resto de mampostería y ladrillo. Las decoraciones más ricas los interiores de SINAGOGAS Y CASAS. La Sinagoga más antígüa es la de Alfonso VIII 1200.

SANTA MARIA LA BLANCA tiene cinco naves arcos de herradura sobre pilares y se encuentra inspirada en las mezquitas almohades, capiteles decorados con piñas y en las ENJUTAS composiciones de LACERIA.EN 1357 LA SINAGOGA DEL TRANSITO una sola nave de planta rectangular con testero y la parte alta de sus cuatro muros cubiertas de ricas yeserías, se inspira en la Alambra, sus novedades son: inscripciones hebraicas sino que sobre el ATAURIQUE árabe aparecen tallos y grandes hojas que se identifican con el arte naturalista gótico. Esta mezcla del gótico y el árabe es una de las características de la sillería mudéjar de Toledo.

MONASTERIO DE GUADALUPE (Cáceres) influencia de Toledo y Sevilla a fines del S XIV se construye el claustro de arcos de herradura con lujoso templete central para cobijar la fuente firmado por Fray Juan de Sevilla.

Más sencillo y arcos peraltados y muy semejantes al claustro de San Isidoro del Campo (Sevilla) es el claustro de LA RAVIDA Huelva.

-MUDEJAR ANDALUZ

EL ALCAZAR DE SEVILLA la arquitectura ofrece dos capítulos templo y casa. El tipo de templo se forma a raíz de la conquista. Formas muy sobrias se funden, el gótico con el almohade, tres naves sobre pilares, arcos apuntados y armadura mudéjar, los ábsides y portadas góticas manifiestan el mudéjar en la almenas y fajas de arcos entrelazados de las fachadas, en los templos den donde el mudéjar es más intenso, arco de herradura apuntada, las bóvedas sobre trompas y cubiertas de lacería. Derivan de las almohades nervios delgados y múltiples que se convierten en finas cintas de lacería y las estrellas con pinturas en azulejos. Estas bóvedas en capillas funerarias inspiran ellos modelos almohades.

EL ALCAZAR DE SEVILLA la influencia Nazarí que se mezcla con el renacimiento mediados del S. XIV en el Alcázar Alfonso XI realiza obras importantes en el viejo palacio almohade de las que se conserva el gran salón cuadrado de justicia, el gran Alcázar es construido por Pedro I, probablemente sobre el almohade valiéndose de artífices granadinos y artistas toledanos, tiene un rico alero una cornisa de MOCARABES. La puerta se cubre con anchísimo dintel adobelado la rica decoración vegetal es gótica. Un amplio vestíbulo da paso al patio de las doncellas, es el primitivo del palacio de don Pedro de cuyo tiempo los ricos alicatados. A los lados del patio dos grandes alas interiores con alcobas en los extremos. El TESTERO desemboca en el salón de embajadores y excesivamente restaurado es el patio de las muñecas que tiene capiteles de la época califal. Anterior al Alcázar de Sevillano esta el PALACIO REAL DE TORDESILLAS 1340-1344 tiene forma de artesa invertida, fue construido por Alfonso XI.

-MUDEJAR EN ARAGON

Mucha vitalidad gran afluencia musulmana. El prestigio y participación de los maestros de ese origen en monumentos es cosa bien sabida. En el mudéjar aragonés la decoración geométrica de ladrillo y azulejo invade el exterior en proporciones desconocidas en Sevilla. Se mezclan con las formas góticas y en la misma Zaragoza la parte de la cabecera del Aseo se termina de ladrillo y azulejo empezando en piedra. Sus TORRES lo más importante de planta cuadrada o octogonal en inferior y octogonal en superior y contrario de Andalucía y Castilla invade el Cubo, más antígüo la catedral de Teruel 1259 edificada sobre una bóveda que permite el trafico bajo ella.

TORRE DE SAN MARTIN pleno desarrollo en su decoración.

TORRE DEL SALVADOR Teruel paños apaisados de lazos y arcos superpuestos todo ello sembrado de azulejos S. XIV planta cuadrada, torre nueva octogonal en la de Zaragoza de sus cinco maestros tres son moros.

LA IGLESIA DE SAN PABLO, SAN ANDRES DE CALATALLUZ.

En el mudéjar hay tres importantes CIMBORRIOS catedral del Aseo Zaragoza, catedral de Tarazona bóvedas que no se cruzan en el centro (califal).

Lo mismo que la arquitectura el estilo árabe persiste las artes industriales.

CERAMICA en Sevilla cerámica arquitectónica la vajilla de loza dorada de Manises. En la zona de Manises el dorado a medida que avanza el tiempo se hace mar rojizo. El único color que en fondo blanco alterna con el azul de la decoración de atauriques. Cuero repujado pintados que recubren lao más diversos objetos, revestir paredes. Los cordobeses son los más famosos. Las alfombras de nudo.

LA PINTURA FLAMENCA SIGLO XV PRIMITIVOS FLAMENCOS

Cuando la pintura renacentista italiana cuenta con cerca de un siglo de vida se forma en lo que hoy es Bélgica y Holanda una escuela que producirá durante trescientos años artistas de primera calidad, inspirándose unas veces en ellos y otros en los italianos, vivirán las restantes escuelas europeas hasta bien entrado el S. XIX salvo en contados momentos de ella. No se producirá pinturas originales más que en Italia y Flandes. En Flandes y los Países Bajos lo mismo que en toda Europa se pierde la tradición de la pintura mural de los tiempos románicos. Los grandes ventanales de las iglesias góticas hacen desaparecer los amplios muros de las iglesias.

La pintura tiene que colocarse en los retablos. Los retablos medievales son pequeños, a los flamencos no les gusta como a los españoles multiplicar el numero de tablas. El más característico es el TRIPTICO (tres puertas). Tabla mayor central y de dos laterales móviles de la mitad de anchura que son las puertas. La exterior monocroma de color gris simulando esculturas. Se llaman GRISAREAS (monocroma realizada en diferentes tonos de gres y que produce la ilusión de relieve esculpido). La pintura flamenca es de caballete y para ser vista de cerca. Su factura es minuciosa y detallista, cultiva el arte de la miniatura, fino sentido de la observación tendencia naturalista, interpretan calidades de tela, piezas de orfebrería, vidrios, pieles y en géneros como el paisaje y retrato.

Los temas casi exclusivamente religiosos el artista flamenco los interpreta en un tono de vida diaria, muy lejano del idealismo. Los pormenores del interior que sirven de escenario a la historia merecen del pintor flamenco tanta atención como la historia misma. Trata con cariño la vida domestica, en las pinturas religiosas se adivinan las grandes escuelas flamencas holandesa con sus numerosos géneros de carácter profanos, hijos de su inclinación naturalista y espíritu observador. Amigos de buscar la poesía en la imaginación inmediata antes que en la creación. Pintura al óleo y aunque se tarda mucho tiempo en adoptar el óleo demuestran todo el horizonte que se abre a la pintura.

Surge en las ciudades de los Países Bajos (Flandes y Bramante) S. XV. Estas ciudades vinculadas políticamente al ducado de Borgoña pero generan un arte burgués. Son ciudades comerciales con un puerto importantísimo Brujas, pero nunca fueron muy pobladas Ipres (200000 hab.) Gantes y Brujas (50000 hab.). En el S. XIV estas tres ciudades sufren conflictos obreros y comerciante textiles. Los paños flamencos son sustituidos por los ingleses a fines del S. XV declive. Los pintores flamencos notarios de estas ciudades de esplendor y de su burguesía.

CARACTERES GENERALES

Obras de pequeño tamaño propias para decorar casas. Tres tablas TRIPTICO con GRISALLAS en los exteriores (imitan la escultura). Pintura sobre tabla técnica del óleo mayor detallismo y luminosidad. El efecto final es simbólico (de la pintura). Un gusto por la minuciosidad, obras para ser vistas de cerca, pintan pelo a pelo, pétalo a pétalo. Se pinta a plumilla, gusto por el naturalismo, representan de forma veraz la realidad sin idealizaciones e incluso con deformaciones reales (con un fondo simbólico). Amor al paisaje, por eso incluso cuando pintan interiores simulan ventanas y se ve a través de la ventana el paisaje (caminos, montañas, flores). Gusto por reproducir objetos cotidianos (habitaciones, calles, moredas, muebles). Buena técnica de calidades (materia del objeto). Temas religiosos como escenas de burguesas, se conciben con muebles, alfombras, etc. las figuras tienen una posición frontal, hacen buenos estudios de la luz y predominan los detalles sobre el conjunto. Los mantos de pliegues angulosos casi son como esculturas del S. XV.

PRINCIPALES PINTORES FLAMENCOS

VAN EICK hermanos. JAN VAN EICK es autor de obras maestras. Usó parte de los recursos de la pintura moderna, la luz, el espacio, la perspectiva. El retrato más descriptivo que de la parte psicológica. Desarrollo en concepto de cuadro (hace composiciones pictóricas individuales). Jan, Brujas, 1430 y hace obras como el TRIPTICO del CORDERO MISTICO (catedral de San Bavón de Gante). Gran belleza de las figuras riqueza de las telas, paisajes de fondo, profunda perspectiva con líneas convergentes a un punto lejano (cónico), formas geométricas. EL HOMBRE DEL TURBANTE ROJO destaca LAS VIRGENES DEL CANCILLER ROLIN

-EL MATRIMONIO ARNOLFINI 1434 es una obra simbólica y se disimula los elemento simbólicos tras realidades tangibles, esta en el nationalite Gallery. Se trata de un retrato de Gorbanny Arnolfini comerciante Italiano establecido en Brujas desde 1420 y su esposa. Se puede catalogar como un retrato de escena de ambiente y estudio de costumbres. Una alegoría sobre el carácter sacramental del matrimonio, maternidad. Fue pintado al óleo.

CARACTERISTICAS DE LA ESCUELA FLAMENCA DE ESTA PINTURA

Estudio detallado del ambiente (pliegues, cortinajes, cama adornos, muebles, lámpara, dibujo del vidrio, alfombra, zapatillas, el perro). Los ropajes tienen una amplitud ignorada por los artistas del gótico, recogidos de la tradición escultórica los personajes sirven a Van Eick para adoptar aptitud escultórica a sus figuras, este detallismo desde el rostro hasta las ropas. Creación de un espacio pictórico veraz, la luz llega sin brusquedad hasta todos los ambientes y da armonía orgánica a todos los componentes del cuadro (rostros, ropas muebles) es la luz quien define toda la atmósfera. Van Eick crea una sensación de profundidad no con el sombreado que daba volumen a las figuras, sino degradación de la luz en el aire. Espejo cóncavo para reforzar la profundidad. En el espejo se ven reflejados detalles que no lo hacen fragmentariamente en el resto de la figura (techo, pared del fondo y ventanal), se ve en el cuadro. La habitación se extiende por delante de nosotros el espectador es parte activa del cuadro. En el espejo aparecen reflejadas otras personas además de las del cuadro y el matrimonio de espaldas. Este cuadro 1434 se había dicho que es el retrato en el interior de su dormitorio (realista). Un experto llamado Panolski no dijo del cuadro que no es un retrato en el sentido naturalista sino un documento plástico de unos esponsales, es lo que hace el pintor (un contrato)y así se entendió la firma de Van Eick que es el testigo del contrato “estuvo aquí”. Se corrobora que Jan es testigo de los esponsales, dos testigos en el espejo. La atmósfera es la de los espacios sagrados (tema religioso como estancia burguesa). Los zuecos a un lado como Moisés se descalzo en el desierto. Dos símbolos de matrimonio el hombre levanta la mano derecha, como símbolo de juramento, y da la izquierda a su futura esposa. Significado religioso el candelabro tiene una sola vela y esta encendida, el espejo sin mancha símbolo de virginidad, el perro símbolo de fidelidad. La manzana, que en el paraíso se perdió la inocencia. La mujer es el símbolo d la Virgen María (medieval), es más gótica. Es un nuevo intento de representar la imagen sagrada.

La influencia de Van Eick fue grande por Europa y en especial pintura española del S. XV. Representación detallada de todo lo que nos rodea. Valoración del papel de la luz y el color todo flamenco peor buscando la representación de la realidad. Esta exigencia será máxima representación en el renacimiento (la realidad).

-ROGER VAN DER WEYDEN sobresale por el ritmo de sus composiciones y es además el pintor del dolor grandes composiciones mujeres con la frente muy despejada. EL DESCENDIMIENTO. Líneas verticales, horizontales y diagonales las estudia. Creando un cuadro de grandes proporciones cierran el cuadro dos figuras con forma arqueadas como si fueran dos paréntesis en las esquinas, el fondo de oro es gótico para que nada distraiga de los rostros de dolor obra de tristeza. UNA PIEDAD, UNA RESURRECCION, UN NACIMIENTO, con la vegetación y la ciudad al fondo.

EN BRUJAS hay otro grupo de pintores entre los que destaca:

GERARD DAVID se distingue por las formas verticales LA VIRGEN DE LA SOPA tema religioso tomado como burgués ADORACION DE LOS ANGELES

MEMLING destaca sus cuadros por el silencio y la quietud figuras serenas pensativas, ensimismados tranquilidad de la atmósfera, los Santos, Mujeres de Granada párpados semicerrados, frentes abombadas LA ARQUETETA DE SANTA VISULA.

Como PAISAJISTAS:

PATINIR: LA LAGUNA ESTIGIA cielos con luz blanquísima, altos horizontes rocas, lagunas, prados, concepción estática del paisaje, líneas verticales y horizontales LA HUIDA A EGIPTO

BRUEGHEL S. XVI: LOS PATINADORES EN LA NIEVE paisaje más movido (ondulaciones) más vitalidad, horizontes inclinados, ondonados. LAS ESPIGADORAS, LOS CIEGOS GUIANDO A OTROS CIEGOS, DANZA ALDEANA, EL CONVATE DE DON CARNAL Y DOÑA CUARESMA.

EL BOSCO (flamenco) Es de ascendencia holandesa, paisajes inspirados en PATINIR, crea mundos imaginarios, es el antecesor del surrealismo del S. XX.

EL JARDIN DE LAS DELICIAS es un TRIPTICO (tres hojas) con muchos símbolos, las figuras son hídridas tormentos musicales, espacios opresivos. EL CARRO DE HENO es un TRIPTICO es símbolo de los placeres prohibidos, critica a todos los grande de la época y todos los sectores del pueblo. PIEDRA DE LA LOCURA critica la medicina. Pintor ONIRICO (interpreta sueños) y es muy Satírico. Sus visiones responden a veces a realidades de la época, otro de incendios. Es un pintor que pinto a los hombres por dentro. LAS TENTACIONES DE SAN ANTONIO, LA MESA DE LOS SIETE PECADOS CAPITALES.

LA PINTURA HISPANO-FLAMENCA

Se trabaja poco la pintura mural se prefiere la tabla pero sigue vivo el gusto por el color y la naturalidad. En pintura e donde menos diferencias hay sobre el extranjero. Influye la escuela italiana y la flamenca.

-SEGUNDA MITAD DEL S. XV EN CATALUÑA LA INFLUENCIA FLAMENCA

un año antes de que Van Eick fecha el retablo de EL CORDERO MISTICO 1432 llega a Flandes un pintor Catalán Luis Dalmau y es un pintor del rey en Valencia y es enviado por el monarca para que aprenda el estilo de Van Eick LA VIRGEN DE LOS CONSELLERES 1443 museo de Barcelona. Salvo en la brillantez del colorido flamenco asimila Dalmau el estilo del maestro Van Eick hasta convertirse en un verdadero discípulo. A la ligereza de las Vírgenes Valencianas, de sus Angeles, de sus tronos sucede ahora un ideal en el que la masa y la monumentalidad triunfa las telas se quiebran al gusto de Van Eick. Dalmau no se limita a traernos el nuevo concepto estático sino que copia fielmente los modelos de su maestro Van Eick. El grupo de la Virgen y el niño sigue muy de cerca el gusto flamenco y los ángeles músicos que la rodean, muy parecidos a los del CORDERO MISTICO, sus rostros son los donantes del cuadro, los Concelleres de la ciudad verdaderos retratos al gusto de Van Eick que copian con rigurosa verdad los rasgos de los personajes. Dalmau en los comienzos de la pintura catalana hace concebir un futuro que no tiene realidad porque la pintura de la segunda mitad del S. XV no es tan exclusivamente flamenca como se creía con Dalmau.

JAIME HUGUET muere en 1492 es de una familia de pintores es la figura más importante de la pintura catalana del S. XV empieza a pintar antes de mediados del siglo. La admirable capacidad expresiva finura y capacidad de su temperamento, con frecuencia de solemnidad, elegantes rostros llenos de vida a veces melancólicos. Sin copiar los modelos de Van Eick no ofrece duda de que Huguet se incorpora decididamente al naturalismo flamenco. Sus rostros bastante alargados, huesudo de nariz arqueada, labios finos y altos y esto produce una distancia entre nariz y mentón. Los fondos de los cuadros y NIMBOS O AUREOLA y las piezas de orfebrería (cruz, corona, espada) son de oro con relieve. El de SAN VICENTE MARTIR la escena del santo en la hoguera (museo de Barcelona). Colecciones de cabezas más extraordinaria de la pintura catalana. Exquisita sensibilidad para los aspectos expresivos.

Retablo de SAN ABDON Y SAN SENEN (Santa María de Tarrasa 1460) sencillez y elegancia, aparecen en esta tabla los dos mártires persas aparecen en el proscenio de una amplia terraza elegantemente vestidos como dos caballeros catalanes conscientes de su destino (pensativos) SAN ABDON considera lo que significa la espada entre sus manos los rostros ligerísimamente modelados, sorprenden por la finura. Las tablas laterales son del martirio y estudio de rostros finamente expresivos. El retablo del Condestable don PEDRO DE PORTUGAL que esta en la capilla real de Santa Aveda. LA ADORACION DE LOS REYES tabla más importante retablo de San Agustín (Barcelona) pagado por el gremio de los curtidores. LA TABLA DE SU CORONACION muestra cabezas admirables. SAN ANTONIO ABAD retablo destruido en 1909. Tablas de la época juvenil aragonesa en Barcelona.

BARTOLOME BERMEJO actúa tanto en Cataluña como en Valencia y Aragón sin que pueda incluirse en la escuela de esas regiones exclusivamente. Es un pintor de primer orden hay que mencionar en la corona de Aragón. Es el más monumental de los pintores de su tiempo. Sus personajes son muy españoles, fuertes, de rostro rectangular, de facciones enérgicas y están modelados con pocos planos, la sensación de fuerza, energía y mas es esencial en Bermejo. A esa preocupación de monumentalidad y fuerza se une un deseo de riqueza, luz en los interiores y dominio del paisaje que muestra en el fondo de sus obras en Andalucía su formación es todavía un problema, es un artista amigo de viajar debe haber visitado los Países Bajos y estudiado a los maestros holandeses. SANTO DOMINGO DE SILOS 1474 (museo del Prado), esta en un rico trono de TARACEA (la labor de incrustación de madera y nácar) y un fondo de oro es la figura más monumental y la que produce efecto de estabilidad. El oro desaparece en LA PIEDAD (catedral de Barcelona) 1490 para dejarnos ver el paisaje de fondo más importante español. Aunque de estilo muy personal es influenciado por Van Eick en el transito de la Virgen tiene interés por los efectos de luz en interiores.

-PINTURA FLAMENCA EN CASTILLA

Sin haber llegado a formar una floreciente escuela propia de Castilla durante la primera mitad del S. XV Castilla al iniciarse la segunda mitad del S. XV se entrega al gótico - flamenco, varias escuelas que radican en Palencia, Valladolid, Burgos, León, Toledo y Sevilla. La pintura castellana su mayor aferramiento al estilo flamenco. Algún maestro renuncia al oro. Los fondos dorados se emplean como en el resto de la península. El maestro más importante es JORGE INGLES nada existe en su estilo que haya nada de su origen británico pero sí su formación flamenca. Pero no se precisa su parentesco completo con los Países Bajos. El retablo de LA VIRGEN DE LOS ANGELES esta encargado por el Marques de Santillana al encuadrar una escultura de la Virgen por el comprada en la feria de Mediana 1455, es la obra más antígüa del gótico flamenco, tiene dos tablas con ángeles que cantan gozos de la Virgen y consta de los retratos de este y su mujer acompañados por su paje y su doncella y también el Banco hay santos de medio cuerpo y los retratos son lo mejor del retablo y responde al estilo naturalista. De su escuela es el retablo de SAN JERONIMO (museo de Valladolid). Otro maestro es el maestro de SAN IDEFONSO llamado por la hermosa tabla de la IMPOSICIÓN DE LA CASULLA AL SANTO (museo de Lubre). Lo mismo que JULIO INGLES no le gusta el oro y tiene un tono fuerte que en algunos personajes una impresión de energía, rostros huesudos, mirada penetrante, ropajes que se quiebra con una intensidad típica de obras castellanas se le debe a varios Santos en Valladolid.

FERNANDO GALLEGO trabaja en Salamanca. Como su nombre no se pierde a él y su escuela se atribuye pinturas castellanas del S. XV primera magnitud en pintura gótica, como los dos maestros anteriores renuncia al oro de los fondos con lo que da amplitud al paisaje. El rasgo más destacado de su personalidad su temperamento dramático que le lleva a complacerse en lo trágico, visión crudamente realista, pinta figuras de verdugos, tipos populares de rasgos incorrectos pero expresivos, gentes contrechas y gestos de dolor y muerte, personajes altos y secos, el carácter general flamenco de su estilo sus modales humanos, su manera de plegar los ropajes descubre un contacto con pintores alemanes. EL RETABLO DE SAN ILDEFONSO catedral de Zamora. RETABLO DE SANTA CATALINA catedral de Salamanca. La tabla central se dedica a la Santa en su trono y en los laterales las historias de la vida. EL CAMINO DEL CALVARIO tabla y la gran amplitud concedida al paisaje se ve sobre todo en LA PIEDAD del museo del Prado.

La pintura de la antígüa biblioteca de la universidad de Salamanca donde vemos a los dioses paganos titulares de los planetas vestidos a la moda del S. XV. Una Salvador intrincado el todo poderoso en el centro del tetramorfo y le acompañan las figuras alegóricas de la iglesia triunfante y Sinagoga vencida. La obra que se atribuye tiene buena parte su taller y entre sus colaboradores:

FRANCISCO GALLEGO su hijo o hermano se ha querido adjudicar la parte más expresionista de su obra.

JUAN DE FLANDES entre los varios pintores flamencos que visitan Castilla en la época de los Reyes Católicos que muere en 1529 trabaja en Palencia donde pinta el retablo mayor de la catedral contribuyendo con esta y otra obra en unión con PEDRO BERRUGUETE la escuela Palentina del S. XVI. Pinta para Isabela Católica y tablas pequeñas de la vida de Jesús formado tal vez en el campo de la miniatura un excelente colorista de fina sensibilidad para crear efectos de luz y un paisajista que dota los fondos des sus historias de encanto poético

RENACIMIENTO

ESPACIO TEMPORAL (CUATTROCENTO S. XV Y QUINTTOCENTO S. XVI)

Se llama renacimiento desde finales de la edad media a finales del S. XIV poco a poco el termino renacimiento designa el arte italiano del S. XV primeros decenios del S. XVI y en el S. XVI para el resto de Europa. Renacimiento termino de volver a la edad clásica de la época romana y griega. Es un termino de origen francés lo acuño Balssat en 1829. El renacimiento nace en Florencia en el S. XV. Tiene dos fases CUATTROCENTO 1400 S. XV y el QUINTTOCENTO S. XVI clasicismo primera parte Italia y el resto en Europa. En 1520 aparece el MANIERISMO (en pintura) un grupo de artistas que imitan a los clásicos del S. XVI de Italia imitan a los grandes como Leonardo, Miguel Angel.

HISTORICO

Es un complejo de ideas políticas, culturales y lingüísticas, origen en el HUMANISMO (causa y componente del renacimiento) Petrarca propone la vuelta al mundo clásico (época de luz y esplendor) esta teoría pasa de la literatura al arte. Así surge el renacimiento de la antigüedad. Los humanistas son cultos que leen en griego y latín y discuten de Platón y Aristóteles. Se crea todo el lenguaje artístico de siglos posteriores de siglos posteriores, se dan ideales: restauración de los temas y formas de la antigüedad no es una copia es una manera de volver a interpretar.

Los temas mitológicos conviven con los cristianos, es un movimiento de renovación cultural. Retorno a la medida humana (Antropocentrismo) el arte es un medio de dominio porque capta la naturaleza sometiéndola a reglas y razones. El hombre es tridimensional pero se relaciona con las cosas en el plano horizontal denominando al plano vertical. La idea de belleza surge de la naturaleza y sus leyes. El hombre es la obra más perfecta surge la idea antropológica con un estudio de las proporciones que se centran:

• El canon del cuerpo humano (proporciones) no siempre se usan las mismas proporciones pero se han de justificar.

• La fisonomía no se debe buscar la exactitud del retrato sino los valores que se atribuyan al personaje. (la virtud, el carácter, el honor).

• El movimiento, se refleja el movimiento del alma a través del movimiento del alma a través del movimiento del cuerpo (elogian la danza).

• Se exploran las leyes generales de la naturaleza (vegetal) el paisaje es fundamental. Hay un paisaje simbólico (el paraíso, el edén). Hay un paisaje real o topográfico se ve en la pintura flamenca.

• Surge una estética matemática o geométrica y el espacio tridimensional sobre un plano es un problema de geometría y de óptica y surge así el estudio de la perspectiva. El inventor de la perspectiva fue BRUNELLESCHI. El pintor renacentista debe pintar las cosas como se ven no como son.

• El arte es considerado como una ciencia liberal. Los artistas pasan a ser trabajadores intelectuales libres. Y así el arte es una actividad intelectual y la enseñanza del arte se organiza en talleres que trabajan bajo un maestro surgen las academias los salones los museos y surge el MECENACGO. (MEDICi) no solo financian obra donde aparecían como donantes sin por la gloria y el prestigio personal.

• La Iglesia pierde su papel de ENCARGANTE único. El encargo supone ostentación y prestigio y se compite por ello. Se pasa de la artesanía medieval a la maestría del taller y se desemboca e n el artista que viaje se forma, surge el genio.

ARQUITECTURA RENACENTISTA S. XV ITALIANA CUATTROCENTO: FLORENCIA

CARACTERISTICAS

Nace en el CUATTROCENTO florentino. Se produce una tendencia a la teorización arquitectónica sobre todo en el urbanismo y la concepción de la ciudad ideal. Es abstracta idealizada a veces utópica. La arquitectura es lo más diferenciado con respecto a la edad media. Dos principios básicos:

1 el uso de elementos constructivos de la antigüedad.

2 la búsqueda de unidad espacial

1 EL USO DE ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS DE LA ANTIGUEDAD

Van a ser: las columnas, las pilastras, los capiteles, los ordenes (dórico, jónico...). Entablamentos (arquitrabe, friso, cornisa) arcos todos clásicos (medio punto). Este léxico es preexistente.

LA PLANTA surge la centralizada o circular la basilical (3naves). A veces la forma longitudinal permite crear capillas devocionales y altares. La cúpula en el crucero y la continuidad de naves laterales en la cabecera denotan la preocupación centralizante. BRUNELLESCHI (arquitecto S. XV), utilizo variedad de plantas, cruz latina basilical en SAN LORENZO. La circular o central que es el tipo más usado.

EL ALZADO imitación de las formas antígüas y los caracteres son: tradición de los ordenes antígüos la columna reemplaza al pilar gótico. Pilastra adosada con decoración. Los fustes pueden ser lisos o abalaustrados, los capiteles clásicos (corintio) el arco de medio punto y en el S. XV Florencia riqueza decorativa de tipo fantástico en la que el artista funde caprichosamente los diversos reinos de la naturaleza creando seres monstruosos animales humanos y vegetales en partes. Esta decoración se llama GROTESCOS por su difusión a raíz del descubrimiento de las pinturas murales de este tipo en el palacio imperial cuyos salones soterrados (bajo tierra) semejan grutas. Esta decoración esta ordenada con frecuencia en torno a aun vástago vertical que le sirve de eje y se llama de CANDELABRO o CANDELIERI. Además hay decoración basado en flores, frutos, trofeos, coronas medallones y también las VENERAS (especie de conchas).

LAS CUBIERTAS bóveda de cañón y de arista pero también la de madera plana con casetones. La autentica obsesión es la CUPULA “EL VATICANO”. Los exteriores tienten almohadillado (sillares en resalte), medallones y guirnaldas. Se estudian las proporciones haciendo módulos proporcionales. El tratamiento del espacio y proporciones logran claridad y coherencia. La más famosa “SANTA MARIA DE LAS FLORES” DE BRUNELLESCHI.

FACHADAS S. XV remarcan el espacio que hay detrás de ellas otras, la fachada es uan especie de retablo o estandarte independiente del interior. Fachada de la “UNIVERSIDAD DE SALAMANCA”. Nos encontramos pilastras, arcos (que sirven de marco a otros elementos) frontones, releves y bolutas.

LOS PATIOS el tipo monacal o claustro se mantiene durante el renacimiento. Tiene menos especie iconográfica. Destaca la galería del hospital de “LOS INOCENTES “ DE BRUNELLESCHI. Sobre los elegantes elementos simples como arcos sobre columnas que caracterizan los arcos toscanos se añaden en el S. XVI los arcos sobre pilares en la planta baja. En la galería alta hay pilares y columnas alternados con arquitrabe en España se suelen poner las columnas ABALAUSTRADAS los arcos rebajados y abundante decoración.

LA ARQUITECTURA CIVIL

El desarrollo espectacular sobre todo en la vivienda de nobles y burgueses. El palacio se une al a idea de señor urbano (burgués) el modelo es el patio rodeado de dependencias sin torres defensivas, suelen tener forma cúbica dividida en plantas con grandes ventanas alineadas, cornisa salientes que marcan la horizontalidad y una puerta en la fachada primero simple y más tarde en una estructura arquitectónica mayor, la forma cúbica del palacio rematada con una cornisa, molduras horizontales que señalan los pisos, sillar almohadillado que a veces decrece en altura. Se ponen ventanas alineadas que compensan la horizontalidad “PALACIO PICCI” DE BRUNELLESCHI o el “PALACIO RUCELAI” DE ALBERTI. También centros hospitalarios de “LOS INOCENTES” DE BRUNELLESCHI en Florencia, que da forma clásica a un tema tradicional hospital unido a un convento (la salud antes de la caridad que del servicio publico)

OBRAS MAS IMPORTANTES DEL S. XV

BRUNELLESCHI

Es el artista que sienta las bases del nuevo estilo y su actividad llena el segundo cuarto del S. XV es el que abre el capítulo de la arquitectura del renacimiento con la CUPULA de la catedral de Florencia. El construye las primeras Iglesias renacentistas y el palacio renacentista.

LA CUPULA de la ctedral de Florencia, su edificio esta por teminar le falta el CIMBORRIO, que debe cubrir la gran anchura de las tres naves. El diámetro debe ser como el diámetro de la media naranja del panteón de Roma. Al tener que resolver el aspecto técnico de su cúpula idea un sistema de contrarresto medieval. Hace una bóveda cuyos empujes laterales contrarresta con la carga de otra exterior si bien par mayor seguridad cincha aquella con anillos de madera gracias a su apuntamiento y el tambor octogonal en que cabalga la cúpula se distingue por su elegancia de proporciones. Donde BRUNELLESCHI se nos muestra en posesión del renacimiento en dos iglesias “SAN LORENZO” Y “LA DEL ESPIRITU SANTO” y la capilla de los PAZZI en todas ellas desaparecen las formas medievales. Y tanto los elementos constructivos (columnas, arcos) como los decorativos son clásicos, el pilar y el baqueton góticos ceden su puesto a los columnas y pilastras romanas, coronadas por capiteles corintios o compuestos, reaparece el entablamento, arcos de medio punto, bóvedas con casetones, estas iglesias toman por modelo las basílicas cristianas tres naves sobre columnas. La central cubierta adintelada (grandes casetones) lateral es abovedada arcos los arcos no descansan sobre las columnas sino se interpone un trono de entablamento a modo de capitel.

CAPILLA DE LOS PAZZI vuelve a la cúpula que sera una de las obsesiones de lso arquitectos renacentistas. La cúpula la asienta en una fabrica cuadrada. La capilla PAZZI es el primer templo renacentista de este tipo. Quiere disfrutar de las ventajas del templo de cruz latina sin perder las propias de la planta de cruz griega o planta central (ver desde el centro toda la planta).

PALACIO DE LOS PITTI ampliado en el S. XVI crea BRUNELLESCHI el nuevo tipo de palacio renacentista aunque al prescindir de la torre defensiva de las casa florentinas, le da al palacio un mayor carácter urbano, toma el almohadillado de la arquitectura romana y recubre toda la fachada y traza en la planta baja ventanas pequeñas a gran altura. Esta fachada con forma de fortaleza va ha hacer escuela. Los restantes palacios renacentistas van a ser modelo de los de BRUNELLESCHI. Un discipulo es:

MICHELOZO “PALACIO DE RICARDI” es la residencia de los MEDICI en el S. XV introduce novedades subraya la diferncia entre el almohadillado de las dos plantas y también enriquece los vanos (ventanas) con parteluces. LA LOGIA DEL HOSPITAL

ALBERTI

Muere en 1472 es conocedor de la arquitectura romana y sabe presentir mejor que BRTUNELLESCHI lo que es el futuro templo cristiano. La iglesia de SAN ANDRES DE MANTUA de una sola nave cubierta por bóveda de cañón con pequeñas capillas laterales, precedente de la iglesia VIGNOLA (Jesuitas). La fachada la corona con un gran frontón clásico como un siglo después lo hace PALADIO. Esta distribuida la fachada como un arco de triunfo romano. Otro templo SAN FRANCISCO DE RIMINI.

En cuanto a la arquitectura civil novedades en la fachada del PALACIO RUCCELAY donde reacciona contra la uniformidad del almohadillado de BRUNELLESCHI al poner pilastras entre los vanos de las tres plantas. EL TEMPLO DE MALATESTA EN RIMI.

EN LOMBARDIA se forma una escuela deseosa de formar grandes efectos decorativos no se contenta con emplear la columna cilíndrica sino que la usa en forma de balaustre ejercerá importancia en la arquitectura española LA CORTUJA DE PAVIA.

ARQUITECTURA RENACENTISTA DEL S. XVI

Al comentar el S. XVI Florencia deja de ser la capital artistica y va a ser ROMA el VATICANO el centro de los artistas. Los papas los mecenas el papa Julio II ordena la demolición de la antiquísima BASILICA DE SAN PEDRO. Julio II llama a Roma a rafael y Miguel Angel y a su muerte le sucede el papa León X tan amigo de las artes como su padre Lorenzo el Magnifico un Medici.

CARACTERISTICAS GENERALES

Los elementos constructivos son los mismos que el S. XV ordenes, vuelta a la antigüedad. Una diferencia: LA DECORACION que en el S. XV era abundante y menuda en el S. XVI apenas hay decoración, más austera. La de CANDELIERI en las fachadas desaparece y los arquitectos dan importancia a masa y volumen.

LOS ARQUITECTOS MAS IMPORTANTES

BRAMANTE

El arquitecto del papa Julio II no le interesan los temas ornamentales le atraen la grndiosidad de la arquitectura romana, la simplicidad y las mesas del COLISEO de Roma o Teatro Marcelo (romanos las enjutas, alvaneras). En 1499 labra este pequeño TEMPLETE que es el manifiesto de la arquitectura del S. XVI del QUINTOCHENTO “SAN PEDRO Y MONTORIO” creado por los Reyes Catolicos y se corona con una media naranja sobre unas gradas descansan las lisas columnas en su entablamento, el friso es dórico, también se dibujand objetos liturgicos. En el segundo cuerpo alternan sencillo nichos, cuadrados y semicirculares, ambos desornamentados, poco después Julio II le encomienda la obra de San Pedro del Vaticano. Tenia la obsesión de la cúpula como BRUNELLESCHI en SANTA MARIA DE Florencia. Concibe la planta de cruz griega. En la alternativa de cruz latina “SAN ANDRES DE MANTUA” O “LA CAPILLA PAZZI” de cruz griega. Coge la de cruz guega más en consonancia con las proporciones cuadradas de la cúpula, aunqud no definitivamente la curz guiega triunfa sobre la latina en este momento. Proyecta los lados terminados en ABSIDE semicercular y con pórtico exterior. En los ángulos formados por las naves e inmediatos a la cúpula central dispone otras cuatro cúpula menores y más al exterior otras tantas torres de gran altura.en el proyecto de BTAMANTE el tambor de la cúpula central estaba rodeado por una columnata, más tarde la obra se encomienda a varios arquitectos queintroducen novedades esenciales. A BRAMANTE se debe en Roma el claustro de “SANTA MARIA DE LA PAZ” de una admirable simplicidad.

MIGUEL ANGEL

El papa Pablo II decide en 1546 encomendar la dirección las obras de San Pedro a Miguel Angel tiene 60años y el gran Florentino (Miguel Angel) se resiste pero al fin acepta recabando plena libertad par introducir en el proyecot todas las novedades que considere oportunas que consisten en: desaparición de tres ingresos laterales con porticos y desaparecen las saciristias alojadas en las torres, y para transformar la cúpula y educadoen la contemplación de la cúpula BRUNELLECHI la hace de proporciones mucho mayores más elegantes y la eleva hasta alcanzar los 131 metros. Gracia a él la cúpula del Vaticano se convierte en el rago más caracteristico del perfil de la ciudad de roma decor el tambor con columnas pareadas, frontones trinagulares y alguno curvilinos, y a este tema de frontones, de dos tipos juntamente con la ORNACINAS DE BRAMANTE reduce la decoración de las fachads exteriores, recorridas por gigantescas pilastras lisas, la influencia de la cúpula de Miguel Angel en los arquitecots posteriores sera reducida, merece recordarse “LA FACHADA DE SAN LORENZA de Florencia y “LA ESCALERA LAURENCIANO” “CAPILLA DE LOS MEDICI” para ella los famosos supulcros.

ANTONIO SANGALO

Y sin la genialidad de Miguel Angel, nacido en Roma deja huella en la arquitectura. Formado en las normas del arte austero y grandioso de BRAMANTE. Es el creador del tipo de palacio del S. XVI “EL PALACIO FARNESIO” para el futuro papa Paulo III renunica al almohadillado de Brunelleschi, limitando el claro oscuro excepto en el encuadramiento delos vanos. Cubre las cornisas bajas con una cornisa horizontal. En la planta principal alterna los frontones triangulares con curvilineos. La enorme cornisa que cubre el edificio es de Miguel Angel. En el patio se superponen los ordenes y el arco se encuadra en su sistema adintelar. Las grandes familias romanas no se reducen a construir casa monumentales, sino también casa de recreo VILLA MEDICI.

En Venecia el principal representante. SAN SOVINO quien a pesar de formarse con BRAMANTE no olvida la riqueza decorativa del S. XV. La LIBRERIA DE SAN MARCOS, LA LOGGETA Y EL PALACIO CORRER.

EL BAJO RENACIMIENTO

BRAMANTE

Muere en 1514 y San Galo ante de mediar el antes de mediar el S. XVI y aunque Miguel Angel vive hasta 1564 sus coetaneos hace mucho tiempo que desaparecieron. Inicia su carrera una nueva generación que da sus frutos antes de 1560 es la que llena estos añosa del siglo. Durante esta etapa se pierde esa claridad en la composicón esa simplicidad grandiosidad que distengueel S. XVI DEL S. XV y se multipilacan los elementos de la decoración no es ni más rica ni mas profusa pero tiende a subdividir la superficie de la fachada en varios campos independientes y aislados.

VIGNOLA

Discipulo de Miguel Angel ceador del primer tipo de iglesia renacentista original. Iglesia de “FESUS DE ROMA” (Jesuita) 1568 hecha par la recien fundada compañia y en vez de colocar la cúpula sobre un templo de cruz griega lo hace sobre uno de cruz latina. Los brazos del crucero poco profundos y la nave central se ensancha a costa de los laterales que se reducen a dos filas, capillas bajas pequeñas y comunicados entre sí, muy apropiadas por su recogimiento y oscuridad para la oración. La luz inunda la capilla mayor y el crucero y la escasa altura de las capillas laterales permite disponer tribunas desde las cuales la comunidad puede asistir a los oficios. Es el prototipo de iglesia Jesuita que tanto se generaliza en el Barroco. La portada la hace un discípulo de VIGNOLA.

DELLA PORTA

Inspirándose en ALBERTI la corona con un gran frontón y establece el transito entre cuerpo alto y bajo por grandes MENSULONES. Otra obra de VIGNOLA es “LA VILLA JULIA

ANDREA PALLADIO (1508-1580)

Discipulo de Miguel Angel trabaja en el norte de Italia y hace la fachada de la basílica de Vicenza con gran sobriedad. Empleo simultaneo en su fachada de clumnas de dos escalas unasbajo los arcos y otras que recorren tda la plantaa y que al contacto de aquellas resutan mayores de lo que realmente son. “EL TEATRO OLIMPICO” resucita el modelo clásic y las villas de recreo semejan templos gradas de Acceso, grandes columnones. “VILLA CAPRA “ en Vicenza pra un empleado pontificio. “VILLA ROTONDA”

En los PALACIOS se multiplican las columnatas, frontones y áticos paraser monumentala y dar aspecto de tranquilidad. “EL REDENTOR” Y “SAN JORGE”.

La infuencia de PALLADIO muy intensa en Inglaterra y EEUU donde perdura casi todo el S. XIX. Por su simplicidad y reposo de lineas fuente de inpiracion para los arquitectos Neoclasicos.

OBRAS ARQUITECTONICAS RELIGIOSAS MAS IMPORTANTES DEL RENACIMIENTO

“BASILICA DE SAN LORENZO” (Florencia) BRUNELLESCHI

Fue BRUNELLESCHI el arquitecto de Florentino que plasmo los rasgos del renacimiento sin romper con la Edad Media. Adapto las nuevas ideas (orden, rigor y claridad) a los edificios medievales (cruz latina).

PLANTA nave central y dos laterales con capillas y nave transversal, todo ello rematado por una cabecera plana al exterior. Pefecta planta de cruz latin. Disposición típica de la Edad Media. Sin embargo hay una diferencia:

En los edificios góticos la cruz latina que daba enmascarado por las numerosas partes del edificios (claustros, arbotantes, contrafuertes) y aque BRUNELLESCHI, hace que quede claro el esquema de la planta en el interior y exterior. La parte del edificio que marca los distintos sectores de la cruz es más alta y con techumbre plana de madera solo interrumpida por la cúpula del crucero. En el interior el resaltar tanto la cruz se hace por los elementos ajenos al gótco, arcos de medio punto, columnas corintias, entablamento, cornisas, lo aximila de Roma con antiguo. Somete el espacio de la planta como el interior es matemático entre la anchura de las naves. Nave central doble que las laterales y las naves laterales dobles que las capillas. Las naves laterales de menor anchura, cubiertas de bóvedas. Crea un espacio donde la aplica la teoría de la perspectiv. Esta basada en la piramide visual, que supone al ojo del espectador colocado en la base de una hipotética piramide, siendo el vertice el punto de fuga al que convergen todos los puntos del espacio. La moldura del techo, la baranda, la cornisa que va por encima de los arcos, el entablamento el trozo de entablamento entre el capitel y el arco. Las basas de la columna e incluso el suel o se divide en lineas, que un trazo oscuro divide la nave central y otras más pequeñas delimitan las basas de la columna y cortadas por otras lineas transversales. Una persona mirando al infinito tiene la impresión de que las cosa cuanto más lejos más pequños y que acaban en un punto. Para BRUNELLESCHI lo más importante el ojo el espectador. Medidad proporcionales, el orden,el rigor con que fue creado, crea un espacio armonico y el espectador puede recrrelo mentalmente con el simple hecho de situarse en el centro de la nave principal. Esa sensación de abarcar el espacio vene dada por la observación clara de la estructrua del edificio y complementada por el papel qu desempeña la luz. Partiedo de la tradicción medieval crea un nuevo espacio concebido a la medida del hombre. Sin embargo la utilización de la planta de cruz latina creaba dificultades con el espectador en la nave central plercibiera el crucero. De ahí crea un edificio abarcable de una sola vez un edificio de planta central. el ideal de planta central, en el siglo XVI con otro arquitecto BRAMANTE.

“SAN PEDRO Y MONTORIO” (Bramante)

Es el edificio ideal del S. XVI realizada en 1502 por BRAMANTE, construido en Roma por la cas real española dentro de unf pequeño patio en el lugar de la crucifisión de SAN PEDRO. Esta obra se puede considerar como el manifiesto de la estetica del S. XVI. Renuncia a lo ornamental. Vemos un lenguaje arquitectónico grandioso y monumental se consigue gracias al riguroso estudio de las proporciones de las partes del edificio que forman un todo perfectamente articulado. Se consigue con la valoración de elementos estructurales en vez de los decorativos destacan las formas estructurales, los detalles pasan al segundo plano. La decoración es limitada contribuye a la austeridadd del edificio. Crea un espacio arquitectónico completo cerrado en si mismo, el ediificio ideal renacentista, PLANTA CIRCULAR el circulo como forma simple y perfecta, el edificio estructurado que domina el eje vertical queva desde el remate de la cúpula hasta una camara subterranea donde fue clavada la cruz del martirio de San Pedro. Sobre el eje dos estructuras concentricas.

1 cuerpo cilindrtico mural (las paredes) esta cubierto por la cúpula sobre tambor decorado en su exterior por pilastras y vanos.

2 cuerpo exterior concentrico que rodea el cilindro sobre gradas un pórtico de orden dórico apoyado en un basamento que permite elevar la altura del conjunto rematado por una balaustrada que ciñe al cilimdro. Los elementos decorativos reducidos en favor de los estructurales que tienen función decorativa. Los vanos abiertos para iluminar el edificio. El escudo continua una linea vertical entre el vano y la puerta inferior. El friso decorado con triglifos y metopas (aluden al martirio del apostol) sostenido por la colunata de la parte inferior y a su vez sirve desoporte de la parte inferior y a su vez sirve desoporte a la balaustrada superior. Esta mayor austeridad decorativa suponía una ruptura con la excesiva decoración de la arquitectura italiana del S. XV. Tiene gran monunmentalidad aunque es de pocas proporciones. Pensado como centro de un patio también redondo. Las paredes del patio rectangular oprimen al edificio. BRAMANTE plasmo en esta obra el edificio prototipo que corresponde a una forma regular el circulo con elementos de arquitectura clásica y con una cúpula cubriendo el confunto e integrado en él.

ARQUITECTURA CIVIL es un producto del crecimiento urbano ydel auge de la burguesía, conoció un gran desarrollo que no se limito a la creación de palacios, sino también villas extraciudanas. El arquitecto estudio la ciudad, la HISTORIA DEL URBANISMO (la ciudad ideal) aunque en la practica no se realizó mas de la plaza, la aportación teórica fue importante para el urbanismo.

PALACIO DE MEDICI-RICCARDI (MICHELOZZO)

Florentino S. XV 1444,1447 CUATROCHENTO

Disposición general en un volumen cerrado se establece la forma de CUBO, constituido por cuatro cuerpos con un patio central es decir un cubo con un vacio en el centro. Esta disposición le da al palacio en su interior aspecto de fortaleza a pesar de las ventanas de sus fachadas, recuerda la estructura de los palacios góticos italianos pero ha perdido la torrre defensiva. Esta disposición supone tener en cuenta la s exigencias de intimidad de una vivienda que quedan garantizadas plor el patio central al cual se habrían las puertas de las habitaciones que se comunicaban entre si por galerias del patio. Por una parte se concibe la vida de los palacios hacía el interior, pero también se tiene en cuenta las exigencias de representación de los moradores a traves de las fachadas podian tener un imponente panorama hacía la calle y dejar contancia de su poder y prestigio. La fachada tiene un sentido horizontal.

El renacimiento en su evolución no adopto un esquema único aunque se puede generalizar la disposicíon es horizontal en pisos claramente discernibles y con ventanas repartidas uniformemente. La articulación de la fachada se consigure mediante la división en tres plantas, las dos plequeñas cornisas que se extienden por debajo de las ventanas del segundo y tercer piso diveden el edificio en tres plantas. El desigüal tamaño de cada piso. El primero mayor que el segundo, el segundo mayor que el tercero. Las cornisas no señalan el principio y fin de los pisos interiores sin oque estan utilizadas como elemntos para dividir el muro y conseguir el efecto optico de los tres pisos interiores que no se corresponden exactamente en el interior con su altura en el exterior. Decoración sometida a esta división en pisos y así los mismos efectos decorativos, ventanas almohadillados se repiten rítmicamente en cada planta. La gradación del aparejo almohadillado, en la planta baja los sillares salen de manera desigual produciendo efectos de claro - oscuro. También hay muro almohadillado en la segunda planta pero los sillares están delimitados y en la tercera planta el muro totalmente liso. Las ventanas se ordenan horizontalmente correspondiendo a cada planta un tipo distinto. En la primera amplio arcos de medio punto. En el S. XVI cegados y pusieron ventanas con frontones. En la segunda con arcos dobles separados por un parteluz e inscritos en un arco más ancho empequeñecimiento de las ventanas de un piso a otro y se corresponde con el aparejo y la aparente disminución de los pisos. La gran cornisa en el remate del edificio que contribuye a la horizontalidad del mismo.

LA EVOLUCION DEL PALACIO RENACENTISTA pag84

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