TEMA 55: “TEORÍA Y FUNCIÓN DEL ARTE. ANÁLISIS E INTERPRETACIÓN DE LA OBRA DE ARTE”

La nueva política educativa, empeñada en una profunda reforma del Sistema Escolar, nos hace pensar en mejores tiempos para la aceptación por nuestra sociedad del Arte como componente cotidiano de sus intereses y por ello, como factor determinante de la cultura. Una sociedad que ha logrado un grado de bienestar material suficiente, termina por demandar satisfacciones inmateriales en las que lo artístico ocupa un lugar privilegiado.

En consecuencia, esta nueva disposición para la estimación del Arte tiene una dimensión social que perfila alcances históricos. Me refiero a la valoración del Patrimonio artístico de la humanidad y particularmente del canario y del español. Es por ello, que la obra de arte ha de ser entendida como un lenguaje plástico que no sólo es la expresión de un artista individual, sino que comunica múltiples aspectos de su época, de la sociedad en la que aparece.

Abordaré primero el estudio de la Teoría y Función del Arte, para profundizar a continuación en el Análisis e Interpretación de las obras de Arquitectura, Escultura y Pintura, describiendo tanto los elementos técnicos como plásticos de las mismas.

Dar una definición al concepto de arte no es nada fácil dada la complejidad y amplitud del mismo; no obstante, de una manera muy sencilla se puede afirmar que el arte es el acto por el cual valiéndose de la imagen, del sonido, de la palabra o del movimiento, el hombre imita o expresa lo material o inmaterial y crea copiando, evocando o inventando. Para Herbert Read es “el modo más perfecto de expresión que ha logrado la humanidad”.

1.- La Creación Artística:

La creación artística es una función esencial del ser humano; arte y hombre son inseparables. El hombre, para transmitir sus ideas y sus sentimientos, ha creado unos códigos basados en sistemas de signos: el lenguaje articulado, el lenguaje matemático, y el lenguaje artístico, ya que el arte es, además de una forma de conocimiento, un medio de comunicación con el que el artista expresa imágenes de la realidad física y humana, y de las vertientes del psiquismo.

No se trata de un lujo de la civilización sino de una innata tendencia de la especie humana y de una necesidad de expresión; asimismo, no hay que considerar la creación artística como una actitud trivial, un mero apéndice en las funciones esenciales del hombre, sino un impulso identificable con la fuerza vital que hace del arte un instrumento clave del conocimiento de la realidad.

Pero el artista no se limita a la representación, sino que transforma los datos de la naturaleza y los ordena diferente. El autor de una obra de arte no es un descubridor sino un creador, y con la misma plenitud con la que nos referimos a un descubrimiento científico, podemos hablar de una creación artística. Por lo tanto, en esta dimensión creadora o transfiguradora de los datos y de las formas visibles radica la esencia de la actividad artística y la prueba de la grandeza de una Obra de Arte se halla en su capacidad de sublimación. Por encima de las fronteras del espacio y del tiempo, el Arte aparece como un lenguaje universal en el que se expresan las dimensiones eternas del espíritu del hombre.

2.- Naturaleza de la Obra de Arte:

En una obra de arte inciden y se resumen una serie de componentes:

1.- Individuales: La obra de arte, en primer lugar, es un reflejo de una personalidad creadora. ( Picasso)

2.- Intelectuales: Es decir, el mundo de pensamiento y sentimientos que impregna la época en que el artista trabaja. Puede ocurrir que el rigor del elemento mental proporciona a la obra un sentido de anticipación, entonces diremos que el artista se adelanta a su época y defiende fórmulas de sensibilidad que sólo comparte la posteridad, a veces, siglos más tarde. (Leonardo)

3.- Sociales: Las circunstancias sociales inciden sobre el artista, sobre todo, cuando éste trabaja por encargo. En la Arquitectura es más determinante este factor social. (El Greco, Miguel Ángel)

4.- Técnicos: Finalmente, en la medida que la actividad artística exige destreza manual, las posibilidades y características y del material sobre el que se trabaja y los conocimientos técnicos que se tienen influyen en bastantes rasgos de la obra. Aunque la historia del Arte no es acumulativa en la medida que un estilo no supone un progreso sobre el anterior sí lo es en el sentido técnico, en cuanto que los medios de trabajo se van descubriendo y perfeccionando sucesivamente.

Cada una de las siete artes que hoy se conocen, se definen por el uso de un medio específico: la Arquitectura es la creación de espacios, la Escultura es el arte de las Formas, la Pintura el de los colores, la Poesía el de las palabras, la Música el de los sonidos, la Danza crea belleza mediante movimientos, el Cine mediante imágenes móviles, sin embargo, en ocasiones se olvida este medio específico y así se estudia la arquitectura por sus valores plásticos (en vez de analizar sus valores espaciales).

Asimismo, es necesario aclarar el equívoco de que el arte es creación de objetos bellos. Efectivamente la búsqueda de la belleza es una constante en la historia del arte y un elemento motor, no obstante debemos entender la belleza artística no sólo en el sentido de esplendor de la forma sino en otro sentido más profundo, que puede asimilar lo que coloquialmente designamos como feo. Más que la forma bella, el arte procura la forma significativa y un claro ejemplo de ello lo conforma “Las Brujas” de Goya, “Los Viejos” de Rembrandt y un centenar de ejemplos más, que no son muestras de belleza y, sin embargo, despiertan una respuesta espiritual.

3.- Función del Arte:

Por todo lo dicho hasta ahora, el arte posibilita y favorece:

1.- Estudiar la evolución de las sociedades humanas a través de las formas artísticas.

2.- Aproximarnos al Conocimiento de la Supraestructura de una civilización o sociedad determinada.

3.- Formar estéticamente al contemplador de la Obra de Arte enriqueciendo su personalidad. Esta es la función más precisa y concreta, al ser un instrumento de “Educación”.

4.- Los Estilos Artísticos:

En Arte el Término “Estilo”, es un concepto fundamental, ya que sin él careceríamos de los elementos que distinguen a todas las creaciones de una misma época y del sentido de la evolución de las formas. Aunque en el S.XVI se habla de manera poco concreta de estilos no se aplican definitivamente a las artes plásticas hasta los estudios que en el S. XVIII efectúa Winckelmann sobre el arte. Sobre el supuesto de que existe un arte Clásico, que se destroza o se respeta sucesivamente, se estableció una seriación de estilos: Clásico, Posclásico, Románico, Gótico, Renacentista, Manierista, Barroco, Rococó y Neoclásico, añadiéndose más tarde los “Ismos” de finales del S. XIX y de principios del S. XX.

La idea de que en cada época una serie de rasgos comunes de tipo artístico pueden encontrarse en tan diversas manifestaciones (arquitectura, escultura y pintura) es la base de la obra de Wölfflin, pudiendo hablarse con toda propiedad de arquitectura barroca, pintura barroca, música barroca, etc. No obstante, esta tesis que otorga a cada estilo una morfología común, deja sin explicar el proceso de evolución y desintegración de los estilos. Hay quienes lo han basado en innovaciones técnicas, pero esto es una de la explicaciones posibles porque también puede deberse a cambios sociales, ideológicos, religiosos y políticos.

Con cierta frecuencia se ha analizado un estilo con criterios biológicos o psicológicos, la forma artística de una cultura nacería, encontraría su plenitud y finalmente degeneraría en un período de cansancio. Así encontramos Tres Fases: Arcaica en que se inician las formas, Clásica o de madurez y Barroca, momento en que se intenta enmascarar el agotamiento formal con un aumento de la ornamentación. Pero no se puede generalizar esta secuencia, pues en la Pintura barroca del S. XVII, no puede hablarse de un período de cansancio o agotamiento creador con figuras estelares como Velázquez, Rembrandt o Rubens.

Con las limitaciones que el encuadre del Arte supone, y a pesar de las protestas de algunos creadores contemporáneos que se sienten encasillados, el estilo permite el análisis de los elementos comunes, técnicos y de sensibilidad, ha influido en los artistas, a los que estimula la conciencia de estar integrados en un movimiento o escuela y permite buscar en la Historia del Arte un sentido.

B) ANÁLISIS E INTERPRETACIÓN DE LA OBRA DE ARTE

El lenguaje plástico está sustentado en un conjunto de elementos materiales cuyos significados mínimos es necesario tener presente. En el arte, el conjunto de elementos, procedimientos y técnicas es enorme y por eso me referiré a los medios de expresión más notables:

1.- ARQUITECTURA:

Es importante considerar el hecho arquitectónico como la creación de espacios interiores ( existen distintos tipos de plantas: basilical, cruz latina, cruz griega, centralizada, circular, etc.) que resulten adecuados al uso al que se quiera destinar. La elaboración de estos espacios sólo presenta una verdadera dificultad técnica: la cobertura superior. El elemento sostenido no sólo presenta las mayores dificultades constructivas sino que depende de él toda la estructura arquitectónica y llega a condicionar todo el estilo. Los elementos sustentantes, en general, son consecuencia estricta de los elementos sostenidos.

a) Elementos Sustentantes: Entre los elementos sustentantes nos encontramos los muros (de aparejo regular o irregular), puertas y ventanas en las que el elemento diferencial lo constituye la parte baja ( umbral y alféizar, respectivamente), los laterales , jambas( reviste especial importancia en la Edad Media con los abocinamientos) pilares, que presenta diversas variantes (cruciformes, pilastras, de estípite) y finalmente las columnas formadas por basa, fuste (éntasis) y capitel.

b) Elementos Sustentados: Nos encontramos con el dintel, elemento horizontal y construido de una sola pieza. En la Arquitectura Clásica se denomina entablamento a todo lo que se encuentra sobre las columnas. Sus partes constitutivas dintel, friso, cornisa y frontón, se mantienen en todos los estilos, pero de uno a otro hay grandes variaciones en los componentes del friso. La arquitectura adintelada suele ir rematada con tejados a dos o más vertientes; el elementos fundamental de esta cubierta son las cerchas, armadura triangular, que reiterada cada cierto espacio, cubre todo el techo.

En cuanto al Arco, tiene una configuración curva y está constituido por varias piezas llamadas dovelas. Encontramos una variada tipología: de medio punto, apuntado, carpanel, de herradura, conopial, mixtilíneo, peraltado, etc. El arco origina dos tipos de cubiertas: la Bóveda, que es la cubierta de perfil curvo que cubre el espacio delimitado por los muros. Su tipología es muy variada, así encontramos la bóveda de cañón, la de arista, la de crucería, etc. La complicación de los nervios de la bóveda es un indicador de la cronología de la construcción. La Cúpula, que se crea por el movimiento rotatorio de un arco. Toma en general el nombre del arco que la engendra, excepto cuando éste es de medio punto, en cuyo caso se llama de media naranja. Los problemas técnicos que presenta son su asentamiento en espacios cuadrados y los empujes oblicuos. El primero se resuelve colocando triángulos esféricos en los ángulos (pechinas y trompas). Normalmente se asienta sobre un tambor y en su clave se abre la linterna que ayuda a la iluminación interna. Los empujes oblicuos se resuelven con cuartos de esfera ocupando los cuatro arcos que la sustentan, o mejor aún, aligerándola de peso y fajándola interiormente como hiciera Brunelleschi en la cúpula de Santa María de las Flores en Florencia..

2.- ESCULTURA:

En este arte figurativa, lo representado se hace mediante moldeado, tallado, vaciado o esculpido. La tipología está en relación tanto con la obra en sí misma como con la finalidad y lugar en la que se sitúa. Del primer aspecto hay que considerar el Bulto Redondo, en el que la obra se ofrece en tres dimensiones. El Relieve, por su parte, sólo ofrece dos por lo que sólo admite una vista frontal. El material es fundamental en la consideración de una escultura, ya que en cierta manera, impone sus características a la forma artística.

Asimismo, en el análisis de una escultura hay que tener en presente su relación con la luz, tanto su dirección como la dirección lumínica bien en cuanto a su recepción, como en cuanto a los efectos de claroscuro. Es adecuado considerar la escultura en este sentido, en relación con su inserción en el espacio que le rodea. En relación con la luz, hay que tener en cuenta también el color.

Respecto a la tipología hay que destacar si se trata de una parte del cuerpo, si es exenta o adosada (relieve o bulto redondo9, así como su posición (sedente, orante, yacente). Un aspecto esencial es la anatomía, considerando si existe un canon y la relación con la realidad virtual. También es importante la valoración de la representación del movimiento.

Un aspecto interesantísimo lo constituye el acabado final, que puede variar desde el pulido hasta la policromía, pero en cualquier caso nunca será unaccesorio sino un componente integral del hecho escultórico.

3.- PINTURA:

Es el arte de representar el mundo sensible y de expresar ideas por medio de líneas y colores sobre una superficie. En la consideración de una pintura hay que tener presente:

El Tema: es esencial porque nos pone en relación con la cultura del período al que la obra pertenece. Puede ser mitológico, retrato, paisajístico, histórico, de género, etc.

El Dibujo: Junto con el color expresa la idea o proyecto del artista. Determina el contorno y las líneas interiores de los representado, lo que conduce a delimitar la forma pictórica en un espacio y su volumen correspondiente. En él se relaciona el claroscuro y es esencial para la ejecución de los bocetos.

El Color: Es el componente definidor de la Pintura. La gama cromática se ha clasificado en colores cálidos y colores fríos, que no sólo actúan sobre la sensibilidad (pasión, sosiego) sino que además contribuyen a modificar ópticamente el espacio (acercar-alejar).

La Luz: En función de la luz podemos distinguir el tenebrismo y el luminismo. Frecuentemente, el cuadro es una combinación de luces y sombras cuya proporción depende del pintor.

Profundidad: Aunque en el sentido estricto la pintura es un arte de dos dimensiones, la obsesión por la captación óptica de la tres dimensiones, es una constante. Desde el punto de vista de las figuras, es importante destacar los escorzos mediante los que se consigue la profundidad. La Perspectiva Geométrica es la gran conquista del arte moderno, perfeccionándose en el Barroco con la Perspectiva Aérea. Además hay que citar la Perspectiva Geométrica Invertida, característica de la Pintura Medieval y Contemporánea.

La Composición: Se refiere al orden que el artista sigue para descubrir los elementos del cuadro: figuras, objetos, luces, sombras, colores, etc. En ella tiene gran importancia la perspectiva. Desde el punto de vista del movimiento es importante destacar los escorzos, los contrapostos y el movimiento serpentino (forma de S, ejm el Moisés) tan característico de Miguel Ángel.

Son múltiples las técnicas pictóricas que se han utilizado a través del tiempo desde el fresco hasta la pintura de materia plástica utilizada actualmente. Durante la Antigüedad y la Edad Media, la técnica más utilizada fue el temple, pero a partir del s. XV la más extendida es la técnica al óleo, además de la acuarela y el pastel.

Finalmente hay que señalar que para comprender cualquier obra de arte es necesario ubicarla en sus correspondientes coordenadas históricas. Los factores que intervienen en su creación son la sociedad, que estimula la corriente artística, el artista, que interpreta las necesidades de su sociedad y responde a ese estímulo y el espectador, como el observador de la obra de arte.

El arte es, pues, una forma más de lenguaje, ya que es algo estructurado cuyos mecanismos y funcionamiento pueden ser comprendidos y explicados. El arte ofrece un código específico y propio que, al igual que la literatura o la música, puede ser estudiado y aprendido.