Francisco

de

Goya

3ºE.S.O. Grupo :D

INDICE

Etapas Pictóricas.......................................................................................Pag6

1ª Ficha Técnica.......................................................................................Pag7

1ºComentario............................................................................................Pag8

2ª Ficha Técnica.......................................................................................Pag9

2º Comentario...................................................................................Pag10-11

3ª Ficha Técnica.....................................................................................Pag12

3ºComentario.....................................................................................Pag13-14

Conclusiones...........................................................................................Pag15

Bibliografía.............................................................................................Pag16

ETAPAS PICTORICAS

Posiblemente Goya sea el pintor, más importante del rococo español, el pintor maño a lo largo de su carrera tuvo unas etapas muy definidas, tanto por los temas que trataba, como por los colores que utilizaba en sus obras y sobretodo por lo que intentaba transmitir al espectador de sus obras. Estos cambios en el estilo venían propiciados por los diferentes acontecimientos que surgían, como podían ser los cambios políticos, las enfermedades que padecía, y sin quitarle importancia por lo que las autoridades, los altos cargos y nobles le encargaban.

En la obra costumbrista de Goya sobresalen los cartones para tapices, que tuvieron un gran relieve a finales del siglo XVIII, en toda Europa las clases elevadas gustaban imitar maneras y formas de vida de las populares ; de hay el interés por las representaciones de la vida del pueblo. Así las escenas de ambientes de los cartones de la Real Fábrica constituyen la crónica gráfica de la vida cotidiana, como pueden ser las romerías, las ferias, los juegos. Goya toma sus elementos de luz y paisajes de los maestros barrocos españoles especialmente de Velázquez.

En los retratos, Goya por exigencias de su clientela es en el tipo de obra en el que tuvo más constancia. Destacan por su penetración psicológica, puesto que no se limitan a captar rasgos físicos sino que traspasa la apariencia, para estructurar los rasgos anímicos y mostrar su antipatía o simpatía por el personaje y lo que representa socialmente. El pintor tuvo una especial predilección de los retratos femeninos, se pueden destacar los retratos de las majas.

Guerra de la independencia esta etapa se podría decir que es el final de la obra y vida del pintor Aragonés, en la cual se nota sus sentimientos y su malestar en sus pinturas. Durante esta etapa las pinturas de goya abarcan tres temas o las tres mayores inquietudes y aficiones del pintor :

-Las Pinturas Negras : Reciben este nombre los frescos que realizo el pintor en su etapa final, en la casa de manzanares, donde vivía solo, amargado y evocando fantasmas de su pasado. Allí permanecieron hasta que el Barón Emile d'Erlanger adquirió la casa y mando pasar a lienzo, fueron retocadas y corregidas por Martínez Cubells y finalmente cedidas al Museo del Prado.

-Tauromaquia : Son las pinturas que realiza entre el exilio en Burdeos y las esporádicas visitas a Madrid, como su nombre indican, su tema es la feria nacional, los toros. Son pinturas muy difuminadas, en las cuales se muestran la forma de torear de la época, son realmente impresionantes por la forma en la que trata los de talles (las muertes de los caballos de los picadores).

-Autorretrato : Son los cuadros finales en los cuales se retrata con pocas ganas de seguir viviendo, también pinta otros retratos como La lechera de Burdeos y Don Juan Bautista de Muguio.

FICHA TECNICA

1ª Etapa : Tapices

Autor : Francisco Goya y Lucientes.

Obra : Las cuatro estaciones.

Estilo : Rococó.

Año : 1786 - 1788.

Soporte y Técnica : Cartones 1º(2,77 x 1,92) 2º(2,76 x 6,41) 3º(2,75 x 1,90) 4º (2,75 x 2,93) , Oleo.

Tema : Las cuatro estaciones del año, los sucesos típicos de las estaciones.

Dibujo : El dibujo, es decir predominan las formas a los colores.

Color : Los colores son simples ya que no podían ser muy rebuscados debido a que luego tenían que pasarse a hilo, los tonos dependen del tema de la estación.

Luz : La luz esta en los tres tapices enfocando en el centro de la imagen resaltando los personajes y dejando de lado los paisajes.

Composición : La composición de los tapices esta alrededor del grupo de gente más nutrido, es decir enfoca directamente al grupo con más gente.

Profundidad : Muy realista e inteligente por medio de la degradación de la luz, mas intensa en el centro de atención, y más apagado en los alrededores de los protagonistas.

Localización : Los comedores del Pardo.

Primer Destino :Los comedores del Pardo.

COMENTARIO

En Las Floreras (La Primavera) se advierte cómo el artista que madura en las composiciones, más hábiles y diversificadas, con personajes agradables y de asombrosa, la mujer arrodillada, la expresión del bromista que aparece con el conejillo, o la niña , y en los colores de gran sentido lírico , suaves y sutilmente armonizados.

La Era (El Verano) es un prodigado de tonalidades sobre la que predominan las variantes del amarillo. La composición piramidal y los tiempos populares, incluso los rasgo de anormalidad de uno de ellos y burla en las expresiones de los otros anticipan obras posteriores.

La Vendimia (El Otoño) contrasta por su exquisito refinamiento al hacer protagonista de un tema cotidiano de la época a personajes elegantemente vestidos, hasta el punto de el grupo casi un conjunto de decoración en porcelana.

La Nevada (El Invierno) esta es muy distinta a los demás la gama de colores especialmente grises y blancos evidencia el estudio de las obras de Velázquez a la vez que el asunto casi parece una critica social, al mostrar la dureza de la vida en las clases modestas ante las inclemencias del tiempo.

FICHA TECNICA

2ª Etapa : Retratos de la Corte

Autor : Francisco de Goya y Lucientes

Obra : La familia de Carlos IV

Año : 1800

Estilo : Rococó

Soporte y Técnica : Oleo sobre lienzo 2,80 x 3,36

Tema : El retrato de el rey Carlos IV con su familia y sus ayudantes.

Dibujo : En el dibujo predominan los formas a los colores aunque el cuadro de la sensación de lejanía se notan los detalles de cada persona perfectamente.

Color : Los colores del cuadro son muy realistas sin darle más presencia a algunos personajes que a otros

Luz : El estudio de la luz es realmente notorio, la luz procede de una ventana situada en la izquierda de los espectadores, ligeramente elevada ya que da sombra a los que están mas al lado

Composición : Lógicamente la composición el cuadro esta hecha al rededor del rey dándole mayor presencia y robustez que a los demás retratados.

Profundidad : Al igual que en los tapices Goya inteligentemente le da más luz al protagonista y a su mujer que dando más oscuros el reto de los retratados

Localización : Madrid, Museo del Prado.

Primer Destino : Palacio Real de los Borbones

COMENTARIO

El lienzo fechado en 1800 es una de sus pinturas más conocidas y de fama internacional. Goya para la composición no escogió el mas mínimo efectismo barroco y expone los trece miembros de la familia real linealmente en forma de friso, paralelo a la longitud del lienzo y resaltando sobre un fondo plano que tan solo se animan por unos cuadros que están colgados de la pared.

El escenario simple y la disposición de las figuras son propios de el movimiento neoclásico que se daba en Europa pero el resto de detalles impiden clasificar esta obra en el estilo internacional.

La luz y el color triunfan sobre le posible sentido escultórico y sobre su hipotética definición lineal ; además individualiza cada personaje se despliegan una serie de contrastes múltiples, haciendo brillar telas y joyas, condecoraciones y símbolos jerárquicos de los atavíos.

La visión es cruel, sin artificios y muy directa, semeja una recepción palatina en la que los miembros vivientes de la jerarquía se muestran ante la corte sus tajes oficiales.

Curiosamente al igual que en las merinas de Velázquez el pintor aragonés se autorretrato en una esquina de cuadro de modo que esta tapado por la sombra como en una especie de intento de pasar inadvertido, Hace esto como modo de homenajear al gran pintor sevillano, ambos cuadros son muy similares ; las habitaciones son muy claras, aunque él del barroco muestra la familia real de una forma muy rebuscada, y el maño solo los muestra.

Ya en el tema técnico cave destacar la pincelada magistral en toques de gran libertad que parecen vibrar en la distancia ; sobre la gama cromática variadísima se destacan los amarillos de multitonal riqueza, al lado de los blancos y las fuertes manchas de rojo, azul, naranja, marrón o gris en los atuendos de brillantez relampagueante .

LOS PERSONAJES

La reina María Luisa en el centro se yergue con altanería en una expresión de soberbia, de desafío los labios los tiene fuertemente cerrados mirando con descaro, para mi esta figura esta de un modo burlón ridiculizada por Goya, la pinta como una “mandona” que asumía el papel de reina como el papel de la protagonista.

Carlos IV al contrario de su mujer se puede ver con una expresión facial, que te muestra bondad, a la vez que debilidad, aunque se nota que era muy importante (claro el rey) ya que todos los personajes le guardan las distancias y le miran con un cierto respeto.

Francisco de Paula Antonio es el chiquillo vestido de rojo que se encuentra entre los reyes

Don Antonio Pascual el infante, aparece detrás de su hermano el rey Carlos, el cual le tapa todo el cuerpo solo dejando parte de la cara.

Carlota Joaquina hija de Carlos IV quien estaba casada con el que seria rey de Portugal Juan VI

Luis de Borbón rey de Eturia hijo del duque de Parma.

María Luisa mujer de Luis de Borbón, con el bebe e brazos, Carlos Luis hijo del matrimonio.

María Isabel futura reina de Nápoles.

María Josefa la infanta que al año siguiente moriría

Carlos María Isidro es el infante vestido de rojo que luego apartir de 1833 produjo las trágicas guerras carlistas.

Fernando VII por aquel entonces el príncipe Fernando, vestía de azul.

También hay una mujer sin identificar que podría ser la futura princesa de Asturias que no se la reconoce por que todavía no se había casado con Fernando.

FICHA TECNICA

3ºEtapa : Guerra de Independencia

Autor : Francisco de Goya y Lucientes

Obra : El coloso

Estilo : Rococó

Año : se ignora Antes del 1812

Soporte y Técnica : Oleo sobre tela 116 x 105.

Tema :La huida del pueblo

Dibujo : En este cuadro no predomina nada las formas están difuminadas y los colores son tristes y apagados

Color : Curiosamente este cuadro introduce el color en polvo como pigmento que se hecha en cima de la pasta, los colores son fríos representando el miedo.

Luz : La luz ya empieza a escasear, esta obra carece casi de ella, lo único especialmente iluminado es el cuerpo del coloso.

Composición : Lógicamente la composición de la pintura esta realizada alrededor del coloso, y la gente aterrorizada es un complemento.

Profundidad :Como gran genio de la pintura Goya fue capaz de darle todo tipo de detalles a esta pintura, el gigante parece aún más grande por las nubes, crea sensación de movimiento y pánico.

Localización :Museo del Prado, Madrid

Primer Destino :Uso propio del autor

COMENTARIO

Es una obra capital en la evolución del arte goyesco y aunque no se haya tenido muy encuentra en las grandes pinacotecas madrileñas, siempre situado en lugares con poca luz y en esquinas en que pueda pasar desapercibida.

Sin duda el tema encierra un simbolismo, hay muchos posibles argumentos que se atribuyen a esta pintura : Profecía del Pirineos poema de J.B. Arriaza que cuenta como el coloso esta para defendernos de los ataques de las tropas napoleonicas, otra teoría puede ser la expuesta por Glendinning que observa que el coloso que esta de espaldas a la muchedumbre y que huye, sobre tan precaria base forma la versión de un genio protector en vez de amenazador. Más plausibles parecen las versiones del gigante como símbolo de Napoleón, o simplemente la de los horrores de la guerra, y por ultimo la teoria de que hay otra caravana por el otro lado que huye despavorida con la que se completaria la sensacion de dispersion que se genera con la huida de carros y personas en una dirección y reses hacia otra, mi opinion es la siguiente : el coloso es un idealismo del mal, el miedo, las enfermedades, las muertes y las guerras que asolaban esta tierra haya por el siglo XIX. Solo un Asno permanece inmóvil, impasible en medio de la desbandada. Goya al asno y a los animales parlantes un simbolismo de cataclismo y de inversión de valores, da entender que lo único que no huye es lo menos sensible, lo menos valioso, lo que va a desempeñar un papel recto en una sociedad abandonada.

Si su simbolismo o tema tiene un gran interés debido a los grandes cambios sucedidos en esa época, el coloso constituye un paso intermedio en la transformación de la obra del pintor , se da el pistoletazo de salida al ultimo estilo, el de las pinturas negras que empieza aquí. Si se compara con las dos versiones de mayo de 1808, el coloso destaca por la mayor utilización del negro, por la agresividad de las manchas, lo que produce mayor descomposición de las formas.

La forma de aplicar color es ya revolucionaria ; por ejemplo en las nubes que envuelven la cintura del gigante empastes dados con pincel y extendidos luego con espátula, procedimiento entonces insólito. Las figuras llevan sobre la pasta pigmento ósea color en polvo, lo que les otorga fuerza dinámica ; la sensación de movimiento agitado se obtiene precisamente con estos toques que parecen despegarse de las formas sólidas. El pintor supo en algún momento obtener efectos intensos simplemente superponiendo masas cromáticas o cosas ; así primitivamente el bosque de la derecha era primitivamente, una montaña y algunas manchas de negro le han dado la apariencia de un bosque en tinieblas. El cuadro se debió hacer muy deprisa e tres o cuatro sesiones, en la primera sesión Goya pinto un fondo y lo cubrió todo con superficies enérgicas de pastas y diseño un paisaje sucinto, en la segunda procedió al acabado con mayor generosidad con los aceites, y en el tercero preparo varias gamas de colores y con toques sueltos consiguio las formas, el movimiento. El color es oscuro se reduce a negros, marrones y pardos.

La radiografía del cuadro nos permitió conocer los cambios que el pintor introdujo en su primer diseño. Goya coloco incisamente al gigante mirando al espectador con el brazo izquierdo apoyado en la cadera y al girarlo aumento su dramatismo y su identificación misteriosa. El bosquecillo de la derecha era un cumbre desnuda y nevada quizás los Pirineos, probablemente las modificaciones se concibieron para multiplicar su fuerza amenazaste.

CONCLUSIONES

Al terminar el trabajo sobre la vida, las etapas y los cuadros y tapices más espectaculares del maestro aragonés, me gustaría decir lo que pienso sobre la carrera de este pintor, que empezó como un don nadie y rápidamente, y con mucha inteligencia se caso con la hermana de un gran pintor, del cual aprendió mucho y se ayudo para ser pintor de Corte, empezó dentro de la corte como cartonista para tapices y siempre con ganas de progresar pintó las familias más importantes, después a mi forma de ver, vino su etapa más impresionante, cruel y la que más te hace pensar. Me parece corto este trabajo, aunque no me haya gustado tanto como el anterior, he disfrutado haciéndolo. Me parece un buena forma para que aprendamos a ver y a comprender el arte.

BIBLIOGRAFIA

Para realizar este trabajo me he que mover con muchas fuentes de información, como son el libro de texto Historia de Arte de la editorial Vicens-Vives, la guía del museo del prado, la guía de las obras de Goya, la enciclopedia Espasa Calpe, La enciclopedia multimedia Microsoft Encarta 99 .

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