EDAD MEDIA

Con sus palabras describa en un párrafo qué es la Edad Media

La edad media es la época de la historia comprendida entre el siglo V y XV en occidente. Comienza gracias a la validación del cristianismo por parte de Constantino en el 300 d.C., generando el dominio del cristianismo durante la edad media. Las figuras geométricas priman contrastando con la herencia de la antigüedad generando que el concepto de belleza sea dado por el significado de la obra más que por su belleza en si. El arte era usado más que todo para educar sobre el arte y era importante por esto más que por el hecho de ser arte. Los mecenas eran los religiosos, quienes encargaban las mejores obras encontradas de aquella época.

¿Cuáles son los estilos artísticos más importantes que se dieron en esta época?

Los estilos más representativos son:

• Bizantino: Muchas imágenes religiosas, especialmente talladas sobre tabla. Las representaciones eran sublimadas, con mucho uso del dorado, de los astros, espiritualidad y divinidad. Se representaba mucho a María, los mártires, los santos y, por supuesto, Cristo.

• Románico: Aunque hay más arquitectura que pintura, ambas son muy importantes históricamente. Se usa mucho el arco de medio punto, los monasterios son fuente de trabajo para muchos artistas y se caracterizan por tener muros gruesos, pequeñas ventanas, techos altos y suelen ser muy fríos y lúgubres. A Cristo suele pintársele rodeado de los 4 evangelistas, representados como personas y animales en otras ocasiones.

• Gótico: En la arquitectura, el arco apuntalado u ojival es el más usado y se desarrolla un nuevo concepto en los monasterios en los cuales la luz, el color y la aplicación de los avances físicos y matemáticos son característicos. Se puede clasificar en Gótico Sencillo, Clásico y Flamígero.

Realice un escrito en el que se describa la pintura, escultura y arquitectura de los dos estilos más importantes de este periodo histórico. Ilústrelo con ejemplos.

Es muy difícil para mí decir cuales de los estilos artísticos son los más importantes, así que escribiré sobre los que más me han gustado, los cuales son el Románico y el Gótico.

Empecemos por hablar de la arquitectura, la cual fue mucho más representantiva en estos periodos que la pintura o escultura. Durante el Románico la arquitectura era utilitaria, se construyeron grandes ciudades y fortalecieron los imperios. Los materiales más usados fueron ladrillo, piedra, hormigón, entre otros. Uno de sus usos fue el ámbito militar, para lo cual construyeron fuertes murallas, otro uso fue el civil, aquí vemos los acueductos y calzadas, finalmente está el uso político y propagandístico, aquí encontramos los arcos del triunfo. Se usaron complejas estructuras como los arcos de medio punto, bóvedas de cañón y cúpulas. Aplicaron y modificaron el aprendizaje de los griegos, como ejemplo tenemos el Orden Toscano y Compuesto.

La arquitectura gótica es bastante naturalista, genera iluminación en los interiores y las construcciones son bastante altas para simular la cercanía al cielo. Tiene Elementos Constructivos como el arco ojival que aminora las tensiones a los lados, la bóveda de crucería que concentra el peso en los ángulos (esta evoluciona en bóvedas estrelladas, florales o reticuladas), los muros de piedra, las columnas, pilares en el interior y los arbotantes y Elementos Decorativos como las ventanas y rosetones grandes decoradas con vidriería y los elementos naturales en las decoraciones. Aunque las catedrales son las más representativas de esta época, también fueron construidos hospitales, universidades, ayuntamientos, edificios civiles, etc

La escultura románica fue antinaturalista, pues buscaba expresar el carácter religioso, alejado de nosotros los mortales. La arquitectura tenía un carácter simbólico por lo que prevalecía el tema religioso. Eran figuras primitivas, simples, geométricas, rígidas, sin reglas de proporción o equilibrio, sin mucho volumen, sin movimiento, y solemnes. Los desnudos eran inmorales y por tanto evitados, además de realizar cambios en las características humanas adrede para generar impacto emocional, como alargar las figuras religiosas para aumentar su superioridad.

En el Gótico se usaron piedras, metal, madera y marfil. Las figuras son naturalistas, expresan los sentimientos, idealizadas, tienen movimiento y voluminosas, igual que en el anterior periodo buscaban enseñar por medio de las esculturas los dogmas de la iglesia, a pesar de existir temas profanos. Eran los teólogos quienes daban las bases para la realización de las obras, se empezó a trabajar figuras de santos y marianos. La escultura puede clasificarse en Monumental como el Juicio Final y el Pantócrator y Funeraria en la cual se solía representar al difunto.

La pintura románica era bidimensional, plana, no trabajaba la profundidad, tenía como base el dibujo y la línea. Tal como el resto del arte, busca realzar la superioridad de los santos, por lo cual es muy expresionista, daba poca importancia a la luz, el modelado, los fondos y los colores, pues usaba colores planos. La influencia bizantina y mozárabe es clave en la pintura románica.

La pintura gótica se da en tabla, lienzo, frescos, entre otros, la línea predomina sobre el dibujo jugando con contraluces, claroscuro, los colores irreales, simbolismos y el manejo de la luz genera volúmenes en las obras. La simetría, el espacio y la composición son elementos muy importantes en este periodo y se avanza mucho en el conocimiento y difusión de estos conocimientos. Los temas tratados en su mayoría son religiosos y algunos son paganos, por lo cual era muy usada para la educación religiosa.

Defina: arco de medio punto, arco ojival, bóveda de cañón, bóveda de crucería, rosetón, jambas, ábside, contrafuertes, arquivoltas, arbotantes.

Arbotantes	Arbotantes: Estructura fuerte y gruesa que sirve para soportar la fuerza de empuje de las bóvedas. Se usó mucho en las estructuras Góticas, aunque su existencia era anterior a esta época. Está compuesto por un Estribo en la parte superior y un pináculo decorativo.
		Arco de medio punto
Arco de medio punto: Este tipo de arco se usó bastante en la Edad Románica. Es un arco semicircular compuesto por dos líneas paralelas y en la parte superior un semicírculo o media circunferencia.
Arco ojival
		Arco ojival: Durante la Edad Gótica se dejaron un poco a un lado los arcos de medio punto usados en la Edad Románica. Es un arco con terminación en punta compuesto básicamente por dos líneas paralelas y en la parte superior dos ramas. Este se complementaba con otros arcos de este topo insertos dentro del más grande.
Arquivoltas: Es lado de la parte exterior de un arco se denomina arquivolta y muchas veces esta arquivolta es superpuesta una o varias veces de manera decorativa.	Arquivoltas
Bóveda de cañón
		Bóveda de cañón: Dentro de las bóvedas de cañón existen las de medio cañón o de cañón seguido y las de cañón apuntado. Todas estas tienen el mismo principio y es ser la cubierta curva de los diferentes diseños arquitectónicos. La diferencia entre los diferentes tipos de bóvedas de cañón es la misma de los arcos de medio punto u ojivales.
		Bóveda de crucería
Bóveda de crucería: También llamada de ojivas, la bóveda de crucería está conformada por varios arcos ojivales que se unen de la base hasta la parte superior. Esta unión forma la cubierta de algunas partes de las estructuras arquitectónicas, especialmente durante la edad Gótica.
Contrafuertes
		Contrafuertes: Son un tipo de columna externa que sirve para equilibrar las presiones interiores generadas por los arcos y las bóvedas.
		Jambas
Jambas: Son los dos costados, líneas laterales o columnas laterales del marco de una puerta, ventana u otra estructura hueca, hechos para sostener los arcos o los dinteles.
Rosetón
		Rosetón: Ventanales redondos usados durante la época Románica y Gótica con piedras, vidrios y figuras simétricas. Estos ventanales cumplían dos funciones, la de permitir la entrada de la luz y adornar.

Con sus palabras realice una reseña del pintor El Giotto.

El Giotto

Pintor, escultor y arquitecto italiano. Contribuyó mucho en el trecento a la llegada del Quatrocento, es decir el Renacimiento, principalmente con temas religiosos mucho más terrenales y con fuerza vital. Se le considera el artista más importante del siglo XIV. Representó la figura humana con líneas amplias y redondeadas a diferencia de la representación plana de los periodos Gótico y Bizantino. “Desde los frescos para la capilla Scrovegni de Padua, o la pintura mural de la capilla Peruzzi y Bardi, para la iglesia florentina de la Santa Croce, el maestro italiano da pruebas de la ruptura de su arte con respecto a las formulaciones anteriores”

Casi todo su legado ha tenido que restaurarse, principalmente frescos en diferentes capillas italianas. Se opuso a colores vivos y brillantes, y a las líneas largas y elegantes del Bizantino, con el fin de dar un aspecto más real a las obras, alejándose de una temática religiosa sobrenatural. Le daba un aspecto de realismo a sus obras. La mayor parte de sus seguidores no siguió su línea realista. Sería hasta Masaccio que se empezaría a difundir su arte. Murió en Florencia en 1337.

Entre sus obras más representativas está La Capilla de Scrovegni, La Vida de San Francisco, La Santa Croce de Florencia, entre otras.

Mencione y explique los aportes del Giotto a la pintura y en qué consiste la revolución que causó con sus frescos.

“El hazaña de Miguel Ángel de decorar toda una pared y el techo de la Capilla Sixtina en Roma con escenas de la Creación y el Juicio Final, ya había sido superada 200 años antes del nacimiento del artista renacentista por Giotto y su capilla Scrovegni.”

Giotto fue uno de los primero en utilizar la técnica Al Fresco, además de ser uno de los primeros artistas en revelarse al estilo usado en la época medieval. Fue un gran precursor del renacimiento y aunque no tenía los conocimientos del cuerpo humano o de la persectiva, sus conocimientos iban mucho más allá de sus contemporáneos.

Sus pinturas causaron estragos en su época por su realismo y la gran cara de sangre que tenìan, a pesar de especializarse en temas religiosos. Este artista fue una gran influencia para la siguiente generación de artistas.

¿En qué lugares se encuentran sus principales trabajos?

“El anuncio a Santa Ana (1305)

Descripción: Fresco. 200 x 185 cm.

Localización: Capilla Scrovegni. Padua

Autor: Giotto di Bondone”

“Llanto sobre el Cristo muerto (1305)
Descripción: Fresco. 200 x 185 cm.
Localización: Capilla Scrovegni. Padua
Autor: Giotto di Bondone”

“El festín de Herodes (1314)
Descripción: Pintura mural.
Localización: Iglesia de Santa Croce. Florencia
Autor: Giotto di Bondone”

“El sueño de Inocencio III (1300)
Descripción: Fresco. 270 x 230 cm.
Localización: Basílica San Francisco de Asís. Asís.
Autor: Giotto di Bondone”

“Capilla Scrovegni (1305)
Descripción: Frescos.
Localización: Capilla Scrovegni. Padua
Autor: Giotto di Bondone”

“Bóveda de la cubierta (1328)
Descripción: Fresco.
Localización: Iglesia de Santa Croce. Florencia
Autor: Giotto di Bondone”

Explique cómo es la técnica al fresco y busque un ejemplo para ilustrarlo.

“A menudo, el término «fresco» se usa incorrectamente para describir muchas formas de pintura mural” Esta técnica para pintar se realiza en las paredes húmedas y debe pintarse de manera rápida, si no, la pintura no se logra adherir. ¿Por qué? Esta manera de pintar usa como base los cambios químicos ocurridos durante el proceso de secado de la cal, la cual es el un inicio hidróxido de calcio y al contacto con el aire se convierte en carbonato cálcico cristalizándose en la pared.

La cal debe ser pura, por lo cual debe mantenerse húmeda y bajo condiciones específicas por un periodo de 2 años. La arena debe ser pura también, sin sal o mica. La pared debe estar seca, no tener contacto con el soy y ser perfecta para poder ser mojada. Luego de lo cual se aplicarán tres capas de argamasa, la trusilar (más pobre en cal) tiene 12 mm de espesor, la arricciato (más rica en cal) tiene 6 mm de espesor, el intonaco (la más rica en cal) tiene 4 mm de espesor.

Al ser una técnica que necesita rapidez, todo debe ser planeado antes de empezar a trabajar, las pinturas a usar, las técnicas, el esquema a seguir, los pinceles, etc. y empezar de lo más claro a lo más obscuro, pues es imposible borrar algo que quedó mal hecho.

El mejor ejemplo de esta técnica son las obras hechas por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina que vemos en la imagen. Aquí la bóveda completa y al fondo, El Juicio Final, son hechos totalmente con la técnica al fresco.

Taller # 2

Con sus palabras y después de elaborar una investigación escriba una cuartilla sobre el renacimiento, teniendo en cuenta los siguientes aspectos:

Humanismo

Cultura Clásica de griegos y romanos

Neoplatonismo

Mitología

Belleza Ideal

Médicis

Durante el Renacimiento se retomas muchas de las ideas y estilos artísticos clásicos, especialmente los grecorromanos. Uno de los conceptos más evidentes era el concepto de belleza ideal, el cual se vio evidenciado en la tendencia a humanizar a Dios, santos, ángeles, mártires y en general a recrear de manera naturalista todos los elementos que eran representados.

La filosofía clásica trajo consigo el surgimiento del neoplatonismo, el cual procuró unificar las ideas cristianas y las ideas de Platón. De la mano de estos nuevos modelos de pensamiento se recrearon escenas mitológicas y religiosas, mezclando unas con las otras. Así pues, tenemos temas mitológicos, donde las deidades son representadas como los personajes del cristianismo y viceversa.

El humanismo entra a contrastar con la fe cristiana vivenciada en la edad media. Si antes, todos los temas eran de carácter cristiano y el centro de estudio, filosofía y manera de vivir era la religión, durante el renacimiento el hombre pasa a ser el centro de atención de los filósofos, estudiosos y artistas, es así como surge el hombre ideal u hombre virtuoso según Leonardo Da Vinci (Ver imagen).

En esta época los Médicis son personajes significativos a la hora de fomentar el arte. Los Médicis se pueden clasificar en dos tipos, por un lado tenemos a los religiosos, quienes contratan a muy buen precio a los artistas más famosos para que realicen obras religiosas y personales de ellos y por orto lado se encuentran las familias adineradas que desean ya sea inmortalizarse por medio de un retrato o son amantes del arte y generalmente coleccionistas que también pagaron muy bien por las obras.

Compara y explique las diferencias filosóficas y religiosas que se dieron en la edad media y en el renacimiento.

TEMA	EDAD MEDIA	RENACIEMIENTO
FILOSOFÍA	La fe y la razón eran dos temas de constante disputa. El conocimiento y la libertad eran temas fundamentales	El humanismo se convirtió en parte importante. Leonardo Da Vinci muestra que “el hombre es la medida de todas las cosas”
RELIGIÓN	La existencia de Dios era algo que estaba en duda.	El cristianismo dominó toda la época.

Elabore una reseña para cada uno de los siguientes artistas:

a. Sandro Botticelli b. Leonardo Da Vinci c. Miguel Ángel d. Rafael

Sandro Botticelli

Su nombre de pila Alessandro di Mariano Filipepi, pintor italiano, nacido en Florencia, dedicado especialmente a pintar para las grandes familias florentinas como los Médicis. “Desarrolló un estilo personalísimo, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas”. Se caracterizó especialmente en el Quattrocento italiano, es decir en la época temprana del renacimiento. Entre sus obras más destacadas están La Primavera (1478) y El Nacimiento de Venus (1485), en pintadas especialmente para la villa de Lorenzo di Médici.

Entre sus temas sobresalían los paganos, ilustrados en obras como Hoguera de las Vanidades. Sin embargo, era muy religioso y él mismo quemaría algunas de sus obras. Uno de sus legados a la humanidad fue a partir de una petición del Papa Sixto IV; una parte del fresco en la Capilla Sixtina.

Leonardo Da Vinci

"He ofendido a Dios y a la humanidad porque mi trabajo no tuvo la calidad que debía haber tenido" (Leonardo da Vinci)

Un hombre multifacético, este artista, inventor e investigar italiano, representa el ideal de ser humano renacentista. Se formó como artista en Florencia en el taller de Andrea Verrochio pero se desarrolló también en Milán donde, bajo el mecenas Ludovico Sforza, desarrolló gran parte de sus obras. Su legado como arquitecto y escultor quedó en potencia, nunca hecho realidad, evidencias en sus notas y bocetos personales.

Se concentró en experimentar con la pintura siendo precursor del Barroco, imponiendo el sfumato, prescindiendo de los contornos nítidos de la pintura del Quattrocento, difuminando los perfiles; y usando el claroscuro para muchas de sus obras.

El legado de Leonardo Da Vinci ha sido a través de los detalles curiosos en sus obras, sus escritos de derecha a izquierda y sus expresiones públicas. "No existen conocimientos más elevados o más bajos, sino un conocimiento único que emana de la experimentación".

Miguel Ángel

"Vivo cansado a causa de los formidables trabajos y perseguido por mil angustias" (Miguel Ángel).

Arquitecto, escultor, pintor y poeta, nació el 6 de marzo en 1475 en Caprese aunque su alma fue siempre florentina. Junto con Leonardo Da Vinci, fue la figura más destacada del renacimiento italiano. En sus primeros años fue digno de admiración de los Médicis, familia que lo patrocinó, en especial Lorenzo de Médicis, su mecenas, en sus primeras obras; a los 16 años ya había terminado dos esculturas y era bien visto como artista.

Una vez fallecido su mecenas, Miguel Ángel viajó a Roma donde se puso en contacto con las ruinas y estatuas de la antigüedad. Allí hizo su primera escultura a gran escala, el monumental Baco y también esculpiría La Pieta para San Pedro del Vaticano. La terminó a sus 25 años de edad y fue la única obra con su firma.

En poco tiempo Miguel Ángel se pondría al servicio de los diferentes Papas, “(…), el papa Julio II, quien le encarga un mausoleo que, (…), iba a constar de 40 estatuas, pero sólo realizó las de Moisés (iglesia de San Pedro ad Vincula, Roma); Dos esclavos (Museo del Louvre, Paris) y la del Genio de la Victoria (Palacio Viejo, Florencia). Los proyectos de este colosal mausoleo se fueron modificando hasta interrumpirse temporalmente en 1508, en que recibió el encargo de pintar la bóveda de la Capilla Sixtina (Vaticano, Roma), edificada en 1475 por Giovannino dei Dolci, bajo Sixto IV”.

En Roma se asentaría hasta su muerte en 1564.

Rafael

"El pintor no debe representar a la naturaleza tal como es, sino como debiera ser". (Rafael)

Vivió apenas 37 años pero es considerado uno de los representantes más destacados del renacimiento italiano. Pintor, arquitecto y escultor, formado inicialmente por su padre pintor, posteriormente después de quedar huérfano, por Pietro Perusino, entre otros. “En 1504 se fue a vivir a Florencia, donde estudió arte. Allí conoció a Leonardo y Miguel Ángel. Realizó "Madonas con el niño", el retrato "Joven con la manzana" y su obra maestra "Mujer encinta"”.

Fue escultor, arquitecto y pintor de obras religiosas en Roma. Elaborando para la Capilla Sextina y como jefe de antigüedades. “Sus exequias fueron celebradas en el Vaticano y asistió toda la aristocracia, que lo conoció como el "príncipe de los pintores", y el mundo artístico de la época. Fue enterrado en el Panteón de Roma”.

Con la ayuda de Internet, busque las siguientes obras y descríbalas en un párrafo para cada una:

La Pietá

La Pietá de Miguel Ángel Buonarotti es una de las obras más admiradas por su armonía, realismo y perfección. Los ropajes de la virgen parece que fuera en realidad tela, el cuerpo expuesto de Jesús parce el de un hombre realmente muerto, se puede observar las venas, los músculos y la presión generada en la musculatura se hace evidente en lugares como el costado y el muslo de Jesús. Como toda obra, fue sujeta a críticas, entre las cuales estaban el que el rostro de la virgen era demasiado joven, tanto que parecía ser más joven que el mismo Jesús y que esta obra no había sido hecha por Miguel Ángel, a lo cual él respondió tallando su nombre en la cinta que tiene María y con el argumento de que la virgen no tiene edad.

En las imágenes a continuación se puede apreciar la obra en su totalidad y algunos detalles que muestran lo aquí descrito.

Los pies de Jesús son tan reales que se logra ver las venas, el tobillo, las arrugas de las articulaciones, etc.

Las manos de la virgen María aprietan la piel del cuerpo muerto de Jesús generando depresiones el su piel. Las costillas de Jesús se notan perfectamente y los cabellos están caídos naturalmente por la gravedad.

La cara de la Virgen es la de una mujer bastante joven, no tiene las marcas naturales de la edad, ni la expresión que tendría una mujer que acaba de perder a su hijo, es una expresión más bien serena.

El David

Otra magnífica obra de Miguel Ángel Buonarotti es David, quien luchó contra Goliat con una enorme desventaja y le ganó al lanzarle una piedra, es por esto que aquí se muestra cargando el arma mortal sobre sus espaldas. El mármol con que se realizó esta obra era demasiado alto y delgado (mide 5.17 m de alto), por lo cual muchos artistas rechazaron trabajarlo, pero Miguel Ángel vio en esta pieza un reto que, afortunadamente, aceptó. Como sus otras obras, esta muestra a la perfección el conocimiento sobre el ser humano y el realismo que procuraba fijar en cada una de sus obras. Su expresión corporal y facial es admirable, pues a pesar de las enormes proporciones es tan real como cualquiera de nosotros.

La mirada, el ceño fruncido, las ojeras, todo en general muestra la búsqueda del realismo, pero la lejanía de la belleza ideal concebida como se tenía en la Grecia antigua.

Esta mano es el detalle más sorprendente para muchas personas por las venas expuestas, la aspereza de las mismas, las uñas que parece que fueran de un material diferente tal cual como las uñas de las personas.

La Mona Lisa

Cualquier comentario acerca de la Monalisa de es redundar sobre lo que ya se ha dicho, pues esta obra ha sido analizada por muchas personas expertas en diferentes áreas. Pero de tantos análisis, hay algunas cosas que están claras y son irrefutables. Esta obra es una de las más representativas de Leonardo Da Vinci. De la Gioconda se dice que estaba embarazada, también que logró enamorar a Leonardo, que su sonrisa es la evocación de la sonrisa que Leonardo recordaba se su madre, se dicen tantas cosas que sería muy extenso nombrarlas a todas, lo realmente claro es que genera muchas y diferentes sensaciones en el colectivo a individualmente.

La Última Cena

La última cena de Leonardo Da Vinci fue una grandiosa obra, y lo sería todavía de no haber sido por la idea de probar una técnica nueva, en la cual Leonardo no trabajaría un fresco, sino que haría una mezcla más consistente y que le permitiera trabajar más tiempo en la obra. Este experimento no fue bueno, pues según los escritos, aunque en un inicio parecía que la obra fuera una extensión del refectorio, al pasar el tiempo se cayó a pedazos. Leonardo se caracterizó por poner elementos extraños en sus obras u esta no fue la excepción, pues se puede apreciar una mano con un cuchillo que nos e sabe de quién es y uno de los discípulos ha sido confundido en varias ocasiones por María Magdalena.

La Primavera

Las obras de Sandro Botticelli se dividen en las religiosas y las paganas, esta pertenece al segundo grupo. La historia que cuenta esta obra no existe en la mitología conocida, y es una historia que se ha sido inventada por Sandro. Aquí se encuentra la primavera; sobre ella se encuentra Cupido apuntando con su flecha hacia Las Gracias, que son las tres mujeres que se encuentran danzando a la izquierda; a la izquierda se podemos ver a Céfiro, Dios del viento, intentando raptar a Cloris, quien al gritar expele flores por su boca y es allí cuando nace Flora. El hombre a la izquierda se llama Mercurio y se encuentra corriendo las nubes para mantener bien el espacio donde están todos.

Las tres gracias parece que estuvieran flotando y además muestran una de las grandes características de este artista y es el movimiento en las figuras y estas aparecen posando.

Esta obra llega a tal punto de detalle que el vestido de flora y el resto del especio se encuentra cubierto por flores de varias especies. Recordemos que Sandro era un amante de la naturaleza.

El Nacimiento de Venus

La sensual y bella Venus llega desnuda a la playa, pues su gestación fue generada por la mezcla de los genitales del dios Urano con la espuma del mar. Ella llega gracias a la ayuda de Cloris y Céfiro, quienes han soplado a Venus en su Concha. A la derecha se encuentra una ninfa esperándola con una manta para tapar su desnudez. Los cabellos y el hermoso rostro de Venus son dos de las características más dominantes del cuadro.

Estos dos dioses muestran la imponencia de un dios, la belleza y la armonía, pero no se alejan del naturalismo que los hacen cercanos a las personas y no deidades inalcanzables.

Uno de los rostros más hermosos de este periodo. Los crespos cabellos tapan la intimidad de la Diosa y le dan movilidad.

Las Madonas (escoger 2)

LA MADONA DEL LIBRO

Sandro Botticelli pinta aquí a la virgen, junto al niño mientras tiene con su mano un libro abierto. Esta obra se caracteriza por ser poco naturalista y pone a la virgen y a Jesús distantes de las personas, gracias a las aureolas de color dorado y el gran significado del mismo. El libro es claramente un libro de horas, el cual es muy importante y exclusivo. Jesús tiene en su mano la corona de espinas, símbolo de su Futura pasión. Esta obra tiene muchos elementos con diferentes significados, lo cual muestra el interés educativo del arte.

Madonna Adoring the Child with Five Angels

Su nombre es una perfecta descripción para esta obra en la cual Sandro Botticelli continúa con el mismo tipo de arte, usando muchos dorados para exaltar la divinidad de los Ángeles, el niño Jesús y los Ángeles.

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Ibídem.

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http://www.abm-enterprises.net/artgall1/botticelli-primavera.jpg

http://www.hegel-system.de/de/gif/botticelli-venus.jpg

http://madonnan.files.wordpress.com/2008/03/botticelli_birth_venus_2.jpg

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/8a/Sandro_Botticelli_065.jpg

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Universidad de La Sabana

Facultad de Comunicación

Historia del Arte Universal