Movimientos artísticos contemporáneos

Arte. Siglo XX. Pintura. Fauvismo. Henri Matisse. Expresionismo. Cubismo. Picasso. Futurismo. Abstracción. Bauhaus. Dadaísmo. Surrealismo. Miró. Salvador Dalí. Expresionismo abstracto. Pop Art. Andy Warhol. Liechestein

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APUNTES “MOVEMENTOS ARTÍSTICOS CONTEMPORÁNEOS”

4º CURSO PUBLICIDAD 2º PARTE

TEMAS DEL FAUVISMO AL POP-ART

FAUVISMO (1904-1908)

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.

El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.

Madame Matisse (LA RAYA VERDE) (1905)

El intenso colorido se convierte en el protagonista, aplicado con largas y empastadas pinceladas que recuerdan al impresionismo. Los colores son arbitrarios, rompiendo con la estructura habitual del color, siguiendo a Cèzanne. Así, en el rostro de la dama apreciamos toques de color lila, verde, azul o amarillo. El resultado es una obra cargada de elegancia e intensidad, en la que el espectador disfruta de la estridencia tonal que identifica el estilo fauvista, y especialmente de Matisse. En su cara traza una bisectriz de color verde dividiendo el cuadro en dos mitades. Su lado derecho repite el color verde que la divide, mientras que el izquierdo repite los tonos de su vestido. Esta Línea actúa como una sombra divisora artificial formando un lado más claro y otro mas oscuro, en términos cromáticos un lado mas fresco y uno mas caliente. La Luz natural esta dirigida directo a los colores y las gruesas pinceladas le dan una imagen dramática.

Para Matisse Para él el color es el que da entidad a la pintura, el color puede desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva, de sombra de volumen. Observa que la vida es color y lo plasma en su pintura. La supresión de sombras y su sustitución por colores puros hace que la pintura brille más que nunca. Matisse dibuja con el color y lo distribuye en el espacio de modo que éste quede sugerido sin que se produzcan las deformaciones de la perspectiva. Matisse trabaja a base de amplias áreas de color, mostrándose con ello heredero de Gauguin. La pintura se hace presente a través del grumo y del empaste, sentimos la pintura como materia. La mancha plana de color provoca en nosotros un valor plástico y figurativo. Matisse construye sobre el color.

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ARMONÍA EN ROJO Henri Matisse Pintura Fauvista (1908).

En 1908 pinta su famosa obra Armonía en Rojo, una escena de interior con naturaleza muerta, figura y paisaje visto a través de la ventana, donde Matisse trata de dar a este tema la grandiosidad que normalmente sólo se reservaba a los desnudos; el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del paisaje en el fondo, que se presenta como un preludio de los que más tarde realizaría en África. Este arabesco y su influencia en la distribución de la composición nos recuerda claramente al Ukiyo-e, la estampa japonesa, que estiliza los elementos vegetales y los utiliza con valores de disposición y ordenación compositiva. Como podemos observar el colorido es vivo, y no refiere en absoluto a la realidad, es un color expresivo, subjetivo, liberado de la forma.

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EXPRESIONISMO (1905-1925)

Los primeros artistas del expresionismo desarrollan su actividad en un período anterior a la eclosión de la escuela expresionista alemana (Die Brücke y Der blaue Reiter). Munch y Ensor son las cabezas visibles de este “pre-expresionismo” vinculado al norte de Europa.

Hacia 1905 se funda en Dresde el 1º grupo expresionista formado por estudiantes de arquitectura que desean ejercer conjuntamente actividades artísticas. Su nombre es “Die Brücke”. Sienten devoción por Van Gogh y por la pintura de los primitivos alemanes (Durero,Grünewald,…), y rechazan el arte de su tiempo. Son característicos sus grabados caracterizados por la angulosidad y la trazas negras, fruto de la utilización de técnicas de xilografía artesanales y primitivas. Formaron parte de este grupo: Kirchner, Heckel, Schmidt-Rottluff, Nolde y Pechstein.

De modo casi simultáneo nace en Münich “Der blaue Reiter” (el jinete azul). Exponen por 1ª vez en 1911. Kandinsky, Marc y Macke son sus componentes más destacados.

CARTEL DE “DIE BRÜCKE” ERNST LUDWIG KIRCHNER (1911)

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En esta obra se aprecia perfectamente la técnica de grabado de este grupo expresionista alemán ejemplificada en Kirchner que introdujo desde la Alemania meridional la xilografía, que él, atraído por los viejos grabados de Nuremberg, había rescatado .

En este cartel encontramos representado uno de los temas favoritos de los expresionistas alemanes,el desnudo. Destaca en esta concepción del desnudo la angulosidad y el trazo negro, identificativo de este grupo impresionista y derivado de la utilización de técnicas de grabado arcaicas.

CABALLO AZUL FRANZ MARC (“DER BLAUE REITER”) (1910)

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Este es un ejemplo de la producción pictórica de Marc. Su temática favorita son los animales, en especial los caballos. El caballo azul es una constante en su obra. Los colores, vivos, tienen un significado: por ejemplo el azul representa lo espiritual y la austeridad masculina, el amarillo la alegría, etc. Intenta simplificar las formas de tal manera que se parezca a la visión de un animal.

CUBISMO (1907-1914)

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado en Francia y encabezado por Picasso, Juan Gris y Georges Braque.

El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es un momento claramente vanguardista ya que rompe con una de las grandes tradiciones de la representación pictórica y escultórica: la perspectiva.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles.

Picasso y Braque crean dos tendencias del cubismo. La primera es el cubismo analítico (1910-1912), en donde la pintura es casi monocroma. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo.

El segundo período que es el cubismo sintético (1912-1914). El cubismo sintético lo inició Braque al poner papel collé pegado directamente en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a poner periódicos y esto evolucionó en lo que es hoy en día el collage. Estas obras son más sencillas y parecen estar ensambladas, formadas por diversos materiales cotidianos como tiras de papel de periódico, cajetillas de cigarros o cajas de cerillas.

LAS SEÑORITAS DE AVIGNON PICASSO (1907-1908).

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Picasso no ponía nombre a los cuadros. Empezó a conocerse como las Señoritas de Avinyó, zona de Barcelona donde frecuentaban las prostitutas. Sin embargo, con el tiempo se confundió con Avignon, por lo que el título varió de esa forma. La descomposición y esquematización de los cuerpos y del espacio que los rodea se debe principalmente a un deseo de expresar la idea última que hay en ellos. Por esto, las figuras se despersonalizan, se deforman, y el espacio también. Ya no hay perspectiva, el fondo es completamente plano y fragmentado, los colores no se corresponden con la realidad (como se observa en los cuerpos). Los rostros de todas las figuras se representan de frente y de perfil a la vez, como si viéramos a la persona en dos posiciones simultáneamente. Con esto conseguía representar múltiples puntos de vista en una misma figura y darle cierta profundidad a un espacio completamente plano. inauguró con esta obra una nueva manera de concebir la pintura. En ella realizó transformaciones revolucionarias que provocarían el nacimiento de una nueva estética de vanguardia: el Cubismo.

En origen, la composición de las Señoritas está relacionada con las últimas Bañistas de Cézanne y con obras de él derivadas, como las de Matisse Alegría de vivir y Lujo, calma y voluptuosidad, a la que trata de oponerse conceptualmente; pero sobre todo está influida directamente por la estética antiacadémica de la escultura arcaica griega, egipcia, ibérica y negroafricana. Durante 6 meses el pintor estuvo haciendo dibujos previos, cada vez más simplificados, eliminando lo anecdótico para quedarse únicamente con el espacio y las figuras; después lo transformó con violencia, y al fin lo dejó inacabado. Del lienzo original pintado en la primavera de 1907 sólo quedan los desnudos centrales que miran al espectador. Es patente la norma del antiguo Egipto en la figura de la izquierda, mientras que el arte ibérico influye en el modelado de las cabezas, algunas de las cuales fueron violentadas en el otoño, tras el contacto de Picasso con las esculturas africanas. El bodegón que aparece es claramente Cézanniano, las frutas aparecen geometrizadas y las pinceladas que utiliza recuerdan a la técnica del facetado.

EL GUERNICA PICASO (1937)

El bombardeo de la población de Guernica el 26 de abril de 1937 por parte de la aviación alemana despertará la conciencia política de Picasso. Guernica será el tema de su obra maestra, realizada para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937.
El lienzo mide 8 metros de largo por 4 de ancho y en la parte superior cuelga una bombilla eléctrica que arroja una fría luz aserrada. Como si esta luz eléctrica no fuera suficiente, una mujer porta en su largo brazo un candil de petróleo, iluminando así hasta el último escondrijo del cuadro. En el lienzo aparecen otras tres mujeres: bajo el toro que aturdido mira a su alredor, posible símbolo de la República, una que porta un niño muerto representación del horror nos recuerda a una Piedad; en el extremo derecho, otra que levanta los brazos ante el fuego de su hogar; en primer plano, una tercera mujer arrodillada, presumiblemente embarazada, con los pechos desnudos y unos llamativos pezones en forma de chupete.
Bajo la luz eléctrica se encuentra el caballo malherido, que es elemento más cubista del cuadro, relincha y a sus pies se hallan los restos descuartizados de un hombre-estatua, en cuya espada rota renace una flor como símbolo de esperanza, esta figura es símbolo de la barbarie de lo inexpresable. Un pedazo de suelo con baldosas alude al recinto del pabellón español donde se ubicaba el cuadro.

Otras figuras simbólicas de la obra son: Una figura como un fantasma llega desde una ventana abierta con una vela en sus manos. Se dice que podría ser una representación de la República, que entra desconsolada para mirar la escena. Las llamas que representan otra forma de dolor. La herradura (suerte), en el candil encendido (razón) y la flor (esperanza). Picasso dibuja una paloma con un ala rota y el pico abierto, símbolo de que la paz se ha roto, de la guerra y una bombilla que podría aludir a las bombas que cayeron en la ciudad.

La ausencia de color no es un hecho fortuito. El horror de la violencia está reflejado de forma triste en los colores, que se vuelven grises y negros. Tanto las formas como los colores del cuadro expresan la emoción que el propio Picasso sintió al leer las noticias del bombardeo. Es un horror interior.

Guernika es un manifiesto contra la guerra y cualquier tipo de brutalidad humana. Por eso estamos ante un cuadro universal que contrapone la capacidad de creación del artista y la capacidad de destrucción de la guerra.

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FUTURISMO (1908-1918)

En enero de 1909 el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti publica el Manifiesto de Fundación del Futurismo, que proclama el rechazo frontal al pasado, a la tradición y la defensa de un nuevo orden moderno, dominado por la máquina, la velocidad y la ciudad. El futurismo surgió en Milán y desde la ciudad lombarda se difundió con rapidez por algunos países de Europa, siendo en París donde se establecerá el otro núcleo de producción futurista. En 1910 se puede hablar ya de un grupo (de esta época data el manifiesto propio del grupo). Liderado por Marinetti trabajan artistas como los pintores Russolo, Carrà, Boccionni y Balla.

A comienzos de 1913 el Futurismo está en su esplendor, tienen incluso su propia revista, "Lacerba" y han publicado su manifiesto técnico.. El presentimiento de la Primera Guerra Mundial es saludado con entusiasmo por los futuristas que confían en que una destrucción total permita hacer tabla rasa y construir desde cero la nueva cultura occidental.

DINAMISMO DE PERRO CON CORREA GIACOMO BALLA

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Balla intenta representar a un tiempo el movimiento y la velocidad, algo que los futuristas consideraban como la esencia de la civilización moderna. Intenta captar el movimiento en secuencias como se hace con la fotografía. Esta obra es un retrato de la vida urbana símbolo del progreso de la civilización moderna por la que sentían tanta devoción estos pintores.

ABSTRACCIÓN (1910-1925)

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales.

Surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo.

Podemos distinguir dos tendencias: LA ABSTRACCIÓN LÍRICA y LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA.

La abstracción lírica se desarrolla entre 1910 y 1912 y Kandinsky es su máximo representante. Desarrolla una tendencia figurativa basada en el sentimiento e impregnada de su filosofía espiritual.

La otra tendencia la abstracción geométrica, tiene gran repercusión en Rusia, dónde toma la forma del Constructivismo y Suprematismo (Malévich) y en los Países Bajos con el Neoplasticismo (Van Doesburg y Mondrian). Estas tendencias geométricas se basan en el uso de las figuras geométricas, las líneas, las cuadrículas y los los colores primarios.

PRIMERA ACUARELA ABSTRACTA KANDINSKY (1910)

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Parece ser que en la época en que Kandinsky estaba pintando en Baviera, volvía un día de pintar al aire libre cuando vio un cuadro suyo colocado al revés que le fascinó, porque no podía ver en él ningún tema, ni figuración, sólo una hermosa armonía de líneas y manchas multicolores. A partir de ese momento comienza una serie de improvisaciones y estudios donde ya no hay referencia alguna a la realidad objetiva, sólo pintura, aunque eso sí, buscando siempre a través de ella la expresión del sentimiento.

En este momento se llega a decir que de esta forma la pintura se aproxima más que nunca al mayor de los artes, la música, porque lo mismo que las notas musicales, que en sí mismas son abstractas, en su disposición armónica nos producen sensaciones y sentimientos diversos, así los colores y las formas (que en sí mismos también son abstractos) en un cuadro, dispuestos igual de armónicamente, han de provocar en el espectador sensaciones y sentimientos. Que como las notas musicales y las formas y los colores, son también abstractos.

BAUHAUS (1919-1933)

La Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausurada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa”.

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela.

Primera época 1919-1923 (Se incorporan Klee y Kandinsky como profesores).

Segunda época 1923-1925 (incorporación como docente de Moholy-Nagy).

Tercera época 1925-1933 (Mies Van der Rohe la traslada a Berlín).

SILLA WASSILY DE MARCEL BREUER (1928)

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Ejemplo de la actividad de la Bauhaus en el campo del diseño industrial. Esta silla se inspira en el funcionalismo arquitectónico del 1º tercio del siglo XX, así como en la industrialización (utilización de barras de acero). Nuevos materiales y nuevas formas adaptados a unas nuevas concepciones arquitectónicas dónde la funcionalidad prima en el mobiliario.

BAUHAUS DE PAUL KLEE (1923)

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Se trata de un cartel de la escuela Bauhaus. Aquí vemos una clara influencia de la abstracción geométrica en el uso de figuras geométricas, trazos negros y colores primarios. Hemos de señalar que la Bauhaus en este momento tiene relación con Theo Van Doesburg creador de la corriente abstracta llamada “Neoplasticismo”.

DADAÍSMO (1916-1922)

El dadaísmo fue un movimiento antiarte que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916 iniciado por Tristan Tzara. Fue una oposición al pasado violento de la Primera Guerra Mundial.

La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York.

La máxima expresión del dadaísmo es el ready-made: Término utilizado por Marcel Duchamp para designar objetos de uso cotidiano que convenientemente descontextualizados se convierten en una obra de arte.

RUEDA DE BICICLETA SOBRE TABURETE DE MARCEL DUCHAMP (1913)

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Es el primer ready-made. Se trata de una rueda de bicicleta montada sobre un taburete de cocina. Se convierte así en obra de arte, una obra de arte en el que los objetos prefabricados, fruto de la industrialización cambian de significado y función. Es una acción más propia del dadaísmo que incide en ese afán de negar el arte, esto que observamos no puede ser arte, pero si lo convertimos en arte, negamos la propia existencia de este.

FUENTE DE MARCEL DUCHAMP (1917)

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Un urinario, descontextualizado, otro ejemplo de ready-made. En este caso Duchamp enfatiza su conversión en obra de arte incorporándole fecha y firma.

SURREALISMO (1924-1940)

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentesmáquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.

Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

EL CARNAVAL DEL ARLEQUÍN DE MIRÓ (1924-25)

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Es un ejemplo del lenguaje característico de Miró. Son formas abstractas que sufren un proceso de metamorfosis, que se alejan del referente del que partieron, la naturaleza. A pesar del aparente desorden en el que se sitúan los diferentes personajes, hay un orden cromático. Siguiendo el colorido pasamos de un personaje a otro, sin un recorrido definido. Todos tienen la misma importancia, no hay una jerarquía establecida.

EL GRAN MASTURBADOR DE SALVADOR DALÍ (1929)

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Es una composición llena de implicaciones autobiográficas, mitos, miedos, ideas fijas en donde aparece la forma expresiva del joven Dalí. Es el tema de la masturbación, muy poco conocido en la historia de la pintura. Existen algunas en el expresionismo europeo en dibujos y el único precedente es el de Goya en sus pinturas negras. El tema central es una masa viscosa dentro de lo blando, que es entendido como lo sentimental y lo duro. En la izquierda aparece una cabeza, el autorretrato de Dalí, cuyos orígenes comienzan en el año 1927 con sus cabezas desdobladas, como en la obra Naturaleza muerta al claro de luna malva, donde el retrato de Dalí está visto de perfil, como germen de donde saldrá el caricaturizado "gran masturbador".El perfil se reduce a una gran nariz, ojo y ceja; en el lugar de la boca aparece el saltamontes como animal repulsivo, idea de la muerte, desintegración de la materia ya que lleva hormigas en el abdomen. El peinado es muy marcado y en la cabeza está pinchada un ancla que podría aludir a las exigencias de su familia del año 1929. La otra figura, a la izquierda, puede ser también Dalí cortando las redes con su familia. Es la huida del contexto español, familiar y catalán a la vanguardia surrealista parisina.El modelo de la mujer pertenece a un cromo modernista que procede del prerrafaelismo inglés y alude a Gala. Es el dilema del mundo que le abre Gala; el lirio representaría la idea de purificación. El escenario crea una atmósfera desolada, un paisaje extenso que remite a la metafísica del italiano Giorgio de Chirico. La pareja abrazada debajo del saltamontes hace referencia a Gala y a Dalí. Por su parte, la mujer modifica su sustancia con carácter rocoso, aludiendo a sus primeros encuentros con Gala en las rocas de Cadaqués.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO (AÑOS 40)

El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.

DRIPPING JACKSON POLLOCK (1947)

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El dripping o chorreo es una técnica propia del expresionismo abstracto, creada por Pollock, consiste en chorrear la pintura de tal manera que queden formas abstractas. Es una técnica de automatismo pictórico es decir no se pinta conscientemente sino que se busca que la forma y el color den lugar a una composición creada de forma aleatoria y casual.

SIN TÍTULO DE MARC ROTHKO (1949)

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Rothko representa otra tendencia frente a la pintura de acción (action painting) de Pollock. El pertenece al “color field painting” tendencia que se caracteriza por las grandes superficies planas de color sin elementos sígnicos ni gestuales que generan gran amplitud de espacio.

POP ART (FINALES DE LOS 50- AÑOS 60)

El Arte Pop (Pop Art, "Arte Popular") fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.

El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adicción. El máximo exponente del movimiento en EEUU es Andy Warhol mientras que en Inglaterra es Richard Hamilton.

También destacan Liechestein (EEUU) y Hockney (Inglaterra).

SILLAS ELÉCTRICAS DE A. WARHOL (1964-1965)

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En esta obra Warhol hace referencia al espíritu americano, reflejando uno de los temas más polémicos en la sociedad americana, la pena de muerte.

En este caso Warhol simboliza la pena de muerte a través de la silla eléctrica convirtiéndola en icono y elevándola a la categoría de imagen de la cultura popular. Lo hace con un afán crítico, porque en sus obras intenta mostrar lo peor y lo mejor de la sociedad americana.

La técnica utilizada es la serigrafía, con ella contribuye a acercar la obra de arte al gran público.

CRYING GIRL (1964) LIECHESTEIN

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Liechestein recurre al cómic y a la imagen de las pin-up americanas para crear una imaginería totalmente pop y adaptada a los gustos de la época.

La técnica utilizada es el grabado litográfico que nos recuerda al puntillismo pero es una técnica contemporánea que permite su reproducción de manera ilimitada.

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