Literatura española del siglo XX

Tema 1

PROSA ANTERIOR A 1936

1. MODERNISMO Y 98: CUESTIONES PREVIAS

• TEORÍA NARRATIVA E IDEOLOGÍA

• RETÓRICA

• AUTORES Y OBRAS: VALLE INCLÁN.

• TEORÍA NARRATIVA E IDEOLOGÍA

• RETÓRICA

• AUTORES Y OBRAS: ÁNGEL GANIVET, UNAMUNO, PÍO BAROJA, “AZORÍN”, RAMIRO DE MAEZTU.

2. NOVECENTISMO: GENERACIÓN DEL 14

2.1 TEORÍA NARRATIVA E IDEOLOGÍA

2.2 RETÓRICA

2.3 AUTORES Y OBRAS

• AUTORES PRÓXIMOS AL 98: GABRIEL MIRÓ, RAMÓN PÉREZ DE AYALA.

• AUTORES DEL VANGUARDISMO: RAMÓN GÓMEZ DE LA SERNA, BENJAMÍN JARNÉS.

3. VANGUARDIAS Y NOVELA SOCIAL: GENERACIÓN DEL 27

3.1 PROSA DE VANGUARDIA: GRUPO “NOVA NOVORUM”.

3.2 NOVELA SOCIAL: AUTORES Y OBRAS

4. OTRAS TENDENCIAS NARRATIVAS EN PROSA ANTERIOR AL 36

MODERNISMO Y 98

La transición del s. XIX al XX que ocupa de 1898 a 1910 (más ó menos) estuvo marcada por la aparición del Modernismo.

La crítica ha distinguido en este periodo 2 grupos que, dependiendo de factores ideológicos, han sido representados como opuestos. Las causas de la oposición obedecen al fin del sistema colonial, pues el Modernismo es un movimiento que se origina en América e influye en los autores españoles cambiando así el sentido de Metrópoli Cultural.

Como argumento contrario podemos esgrimir la evolución de la obra de Rubén Darío (gran introductor del Modernismo en España). Su obra se obedece a una evolución que pasa en un primer momento de la influencia dominante del Parnasianismo en los libros Azul y Prosas Profanas, para pasar a una influencia dominante del Simbolismo en Cantos de Vida y Esperanza (1905).

Esta evolución es observable en el periodo Modernista que arranca desde los planteamientos parnasianos para evolucionar hacia una concepción simbolista.

Distinguimos 2 momentos: Modernismo Esteticista e Intimista.

PARNASIANISMO Y SIMBOLISMO

Son movimientos poéticos de mediados del s. XIX en literatura francesa. El Parnasianismo surge en torno a 1860 y define la finalidad del arte en su valor estético (“El arte por el arte”). El objeto de la literatura es “lo inequívocamente bello”, lo que marca al movimiento con un carácter tradicionalista, culturalista y estetizante. El sentido del arte es el goce, y por ello lo sensorial resulta predominante. Introducido por Theophile Gauthier.

El Simbolismo surge como evolución del Parnasianismo, debido a la “Teoría de la Correspondencia de las ideas” desarrollada por Arthur Rimbaud. Defiende que los sonidos del lenguaje, sometidos a ritmo, poseen un carácter evocador de intuiciones, que sumado al mensaje lingüístico permiten un conocimiento ó acceso al mundo trascendente de lo racional.

- TEORIA NARRATIVA E IDEOLOGIA: hay un predominio de influencia Parnasiana que hace concebir la narración como placer estético, tradicionalismo que se corresponde con una ideología restauracionista (RESTAURACIONISMO: los autores frente al modelo burgués reinante mantienen un proyecto de restauración de la moral aristocrática).

Automarginación: aislamiento aristocrático (Bohemia y Dandismo): los autores se consideran seres especiales, señalados por encima del común y ajenos a una realidad mezquina que les ha tocado vivir.

Individualismo egocentrista: autobiografismo.

Abulia: es el hastío, ausencia de voluntad, rechazo de lo inmediato, forma de lograr felicidad.

Literatura como comunicación y predominio de lo sensorial.

- RETORICA:

*Planteamiento lírico- descriptivo de la novela (interesa más el ambiente)

*Ruptura de la fábula y estructura abierta

*Protagonista individual que conserva el carácter de héroe y autobiografismo (las novelas esconden historias de los personajes). El nombre del héroe esconde el del autor.

*Retoricismo: Barroquismo formal: acumulación de recursos retóricos asociados a las formas, horror al vacío, predominio de lo descriptivo, tendencia a la amplificación, uso de la sinestesia, preferencia por cultismos y arcaísmos.

*Tópicos temáticos: el Escapismo (huir de la realidad como tema, la huida se produce en 3 direcciones: clasicista (huida al universo greco- latino), historicista (huida al pasado histórico) y exotista (huida hacia culturas remotas, preferentemente China)), el Culturalismo (las artes plásticas, la arquitectura y la música se convierten en temas. Los autores pretenden traducir al lenguaje literario la emoción estética de estas obras), el Decadentismo (elogio del pasado aristocrático en decadencia connotado siempre por la ideología restauracionista y el distanciamiento aristocrático), el Cosmopolitismo (búsqueda de ambientes y escenarios en las grandes ciudades culturales. Los autores pertenecen a todos ó a ningún sitio)

- AUTORES Y OBRAS: el único autor es Valle-Inclán (1866-1936); hombre polémico y aislado (Bohemio) con una estética rompedora (perdió un brazo a causa de una pelea).

Su obra se divide en 3 etapas:

- MODERNISTA: protagonizada por el Marqués de Bradomín (su heterónimo). Corresponde al ciclo llamado Sonatas, cuatro libros publicados entre 1902 y 1905. Cada uno corresponde a una etapa vital asociada a un ambiente y una estación: Sonata de Otoño(1902, Navarra), Sonata de Estío(1903, El Caribe), Sonata de Primavera(1904, Florencia) y Sonata de Invierno(1905, Galicia). (Otoño y Estío: decadencia y máxima exaltación; Primavera: adolescencia; Invierno: decadencia final y muerte).

Barroquismo formal y contraste como forma lingüística basada en la mezcla de registros cultos y regionales (exuberancia léxica)

- PERIODO INTERMEDIO: en prosa es representado por la obra Las Guerras Carlistas (trilogía formada por los libros: Las cruzadas de la causa, El resplandor de la hoguera y Gerifaltes de antaño.)

Rasgos: evolución temática hacia el historicismo, aparición del tema de España como preocupación, se conservan ideologías modernistas (restauracionismo, pesimismo, sentido romántico de loa causa perdida), crea su propio universo de personajes que comparten presencia en su teatro, la deformación grotesca se utiliza como forma de reflejar la barbarie.

- ESPERPENTICO: utiliza mecanismos retóricos semejantes al modernismo esteticista, pero de una estética luminosa pasa a una de lo negro. Se presenta como un nuevo género y él lo veía más como una postura poética. Es una superación de comedia y drama, una nueva relación moral entre personaje y autor, una deformación de los clásicos que permite el conocimiento de la realidad trascendente.

La mejor obra es Tirano Banderas(1926), primera novela de dictador (subgénero narrativo), la segunda aportación es la creación de una coiné (lengua artificial que aglutina variedades lingüísticas) literaria del español en América. Con esta obra aparece el recurso simbólico cabalístico de la división en partes y capítulos. Temática: se somete a crítica la figura del dictador, en una isla imaginaria, un sistema político se convierte en tema.

El Ruedo Ibérico: proyecto inacabado que pretendía abordar el periodo histórico anterior a la Segunda República. Formado por La corte de los milagros, Viva mi dueño y Baza de espadas.

- TEORIA NARRATIVA E IDEOLOGIA: los autores del 98 parten de la concepción literaria simbolista. Entienden que la literatura es conocimiento.

Unamuno declara que escribir novelas es para abrir los ojos al lector.

El objeto de la literatura es el conocimiento y por ello lo formal queda supeditado a lo conceptual.

El simbolismo en España se convierte en una teoría poética y una aplicación retórica sometida a las corrientes ideológicas que vive la sociedad española en un periodo muy convulso(marasmo cultural).

No suelen hablar del desastre del 98.

Idea regeneracionista: la Generación del 98 es heredera de la visión del atraso cultural de España que comenzó en el s. XVI como reacción a la Contrarreforma. Su mejor representación es “El Grupo de los Tres” formado por Pío Baroja, “Azorín” y Ramiro de Maeztu

Escriben en 1902 un manifiesto en el que señalan un programa de regeneración cultural.

Filosofía crausista: adaptación de los modelos empiristas para hacerlos compatibles con los dogmas católicos. El mayor responsable es Krausse (en España es Sanz del Río). Hace compatible ciencia y religión.

Intrahistoria: concepto unamuniano. Galimatías léxico. “Es la historia por de dentro”, define así la sustancia de la historia. Según él lo que llamamos historia es lo externo y perceptible de lo intrahistórico que son las corrientes ideológicas, modos de ser y carácter de un pueblo. Esencia de la historia. El paisaje está ligado. Se ve bien en la vida rural. Ligado al problema de España y su esencia cultural.

Influencias filosóficas: el Marxismo y el Anarquismo son influencias no políticas, sino filosóficas, de actitud vital. Muy importante es la influencia de Nietzsche y el Vitalismo (superación por rechazo de los condicionamientos culturales). Schoppenhaver es nihilista, esto es, una corriente filosófica que evalúa la vida como sin sentido, un pesimismo vital y una postura estoica que deriva en la Abulia: Ataraxia (posición en que se anula la voluntad). Los Noventaiochistas entienden que España es una nación abúlica y proponen el modelo nietzschiano.

Kierkegaard adopta el concepto religioso como superación del nihilismo.

Otras corrientes:

• Anticlericalismo: reacción contra las instituciones religiosas. Los Noventaiochistas creen que el atraso de España se debe a la religión católica.

• Educación: está en manos religiosas y por ello condiciona a los individuos en su formación.

• Institución libre de enseñanza: creada por Jiner de los Ríos. Pretende una enseñanza laica de inspiración socrática.

- RETORICA:

• Novelas de estructura abierta, con ruptura de la fábula y narración episódica

• Autobiografismo y heterónimo (José Martínez Ruiz = Antonio Azorío)

• Renovación de técnicas narrativas cuyo objetivo es eliminar el retoricismo potenciando el carácter puramente narrativo. Depuración de recursos formales

• Concepción de la novela como género expositivo- argumentativo: valor docente o educativo de la narración

• Temas de la novela:

* “España como problema”:

+ análisis del problema

+ temas intrahistóricos: paisajismo, Castilla, costumbrismo, ambientes rurales,...

+ lenguaje vinculado al costumbrismo

+ religión: anticlericalismo, educación religiosa

+ proyecto regeneracionista: actitud vital, acción y rechazo del sistema moral (búsqueda de una nueva forma de comportamiento)

+ discusión filosófica (El árbol de la ciencia de Pío Baroja)

* “La sociedad”

+ la vida social analizada desde posturas empiristas

* “Problemas existenciales”

+ la muerte y su superación

- AUTORES Y OBRAS:

• Ángel Ganivet (1865-1898): su obra vincula la narrativa dialéctica ó prosa didáctica de los autores inmediatamente anteriores al 98 (el mejor representado era Silverio Lanza (Regeneracionista)) y la renovación narrativa que supone el 98. Parte de posturas simbolistas para incorporar los tópicos temáticos que se generalizan durante el 98, estos se encuentran ya en su ensayo Idearium español en el cual aborda el problema de España como tema de reflexión. Desde el análisis intrahistórico aporta las siguientes ideas:

- aislamiento cultural producto del aislamiento peninsular

- sistema moral basado en el estoicismo senequista

- descentralización del esfuerzo por una política colonial expansiva

Propone una regeneración basada en:

- concentración en el problema nacional

- europeización de España

Su obra literaria avanza el uso de heterónimos y autobiografismo como tema, rechazo de lo descriptivo concentrándose en el diálogo como fórmula narrativa. Sin embargo sus obras tienen un carácter satírico como fórmula de crítica y exposición doctrinal, lo que le aleja del sentimiento noventaiochista.

Escribió 2 obras: La conquista del reino de Maya y Los trabajos. El protagonista es su heterónimo Pío Cid. En la primera utiliza el argumento de la colonización del buen salvaje con resultado contrario al esperado, y en la segunda pretende regenerar España repasando las clases sociales y poniendo de manifiesto los tópicos del atraso cultural.

- Miguel de Unamuno (1864-1936): se convirtió en el líder ideológico del período, opuesto a la dictadura de Primo de Rivera por la que fue desterrado a Fuerteventura de donde se escapó y volvió a España, se le restituye el doctorado en Salamanca.

Rasgos de su ideología:

- superación de la muerte como motivación vital

- dialéctica de la afirmación de contrarios

- vitalismo como teoría del conocimiento: sólo se comprende ó comparte lo que se siente ó se cree

- crisis espiritual que divide su obra en 2 períodos: regeneracionismo material (europeizar España) y regeneracionismo espiritual (“españolizar Europa”: pretende aplicar la base católica a la Regeneración nacional)

- liberalismo moral y político frente a Democracia y Totalitarismo.

Teoría narrativa: posición simbolista y concepción de la novela como fórmula para el conocimiento intuitivo.

Retórica: destaca su concepto “Nivola” debido a la reducción de recursos narrativos de corte expresionista. Características de la “Nivola”:

- supresión de lo descriptivo y selección como material de ensayo

- promoción del diálogo y monólogo como fórmulas narrativas

- narración episódica elíptica (elipsis frecuentes y amplias) en la que la estructura es abierta y la fábula desaparece

- simbolismo acentuado por los paralelismos culturalistas

- uso frecuente del léxico regional (palabras terruñeras) como forma de reflejar la esencia cultural de España.

- búsqueda de lo sentimental como vía de reflexión (figuras retóricas patéticas)

- acumulación de material no narrativo que permite una orientación interpretativa del texto

- estructura de novela en la novela

- discusión del concepto de realidad frente a ficción

Temas: el problema de la existencia (maternidad, inmortalidad, creación artística), la conciencia extinguida (alude a los problemas relativos a la conciencia del individuo y asociados a la contradicción), la realidad como ficción y el vitalismo (la vida como impulso opuesto y que triunfa sobre otros condicionantes culturales).

Obras:

- Ensayo: como todos los autores del 98, lo concibe como un género literario, lo que supone eliminar un tratamiento excesivamente técnico de los temas y favorecer los recursos literarios y el sentimiento como fórmula de argumentación, todo ello en busca de un receptor amplio, no exclusivamente profesional. Entornan 4 temas: filosófico (desarrollo asistemático. Del sentimiento trágico de la vida), religioso (Mi religión), paisajista (libro de viajes. Por tierras de España y Portugal) y crítica filosófica (Lengua y Patria y Vida de Don Quijote y Sancho).

- Prosa narrativa: Paz en la Guerra (1898) es la única novela que corresponde al período de Regeneracionismo material, de tema autobiográfico, intentó una narración en 2 planos: histórico (sitio de Bilbao por los carlistas) e intrahistórico (protagonizado por Zabalbide, su heterónimo). Amor y pedagogía (1902) presenta el tema de la oposición entre vida y educación, la obra gira en torno al proyecto de engendrar y educar al “superhombre” (se enamora y luego se suicida). Niebla (1914) es su obra maestra por el tratamiento de la realidad y la ficción como tema, se adelanta a las corrientes europeas, su protagonista es Andrés Hurtado, quien toma conciencia de su existencia ficticia y visita Salamanca para hablar con su creador. El título tiene que ver con la relación entre realidad y ficción. Abel Sánchez intenta representar la envidia y el cainismo como males de la cultura hispánica, el protagonista es Joaquín Monegro quien, pese a sus métodos, observa que los reconocimientos van para Abel Sánchez. La Tía Tula trata el tema del mundo femenino y la maternidad.

- Novelas cortas: Tres novelas ejemplares y un prólogo (formada por San Manuel Bueno, mártir, La novela de Don Sandalio y Pobre hombre rico. Son obras de medios seres, es decir, los protagonistas están en actitud agónica por completar su condición).

- Pío Baroja (1872-1956): forma junto con Maeztu y Azorín el “Grupo de los Tres” y representan el Regeneracionismo material más característico del 98 (Documento de los Tres(1902)).

Teoría narrativa: es el más vinculado a la visión naturalista; concibe la novela como reflejo de la vida por lo que rechaza artificios que alejen la obra del realismo.

Entiende que existen 2 tipos de escritores y de obras: ovíparos (obras de estructura cerrada y argumento pensado y trabado antes de la escritura) y vivíparos (obras de estructura abierta en las que creación literaria y argumento se desarrollan espontáneamente, como la vida. Se incluye él mismo).

Ideología: ha pasado como el “anticasitodo”: misógino, antisemita,... Conciencia crítica.

Retórica: autor más vinculado al modelo narrativo naturalista; su renovación se orienta hacia una simplificación del retoricismo que permita aligerar las formas como medio de atracción del lector. Según esta teoría, la narración ha de apoyarse en 3 componentes básicos:

- ambientes: el espacio narrativo ha de ser cambiante de manera dinámica. Las topografías han de reducirse de un modo selectivo, reduciendo la amplificación de lo descriptivo a la llamada descripción impresionista.

- personajes: el protagonista individual constituye el único vínculo de unión como testigo presencial entre todas las escenas que componen la narración. La consecuencia de un gran número de personajes, de los que una gran mayoría son tipos curiosos y anecdóticos, es otro de los elementos de atracción a la lectura.

- situaciones: se identifican con temas debido a la narración episódica; dichas situaciones se suceden de estructura temporal lineal y suponen un cambio constante que elimina el carácter troncal de densidad temática en la novela.

El lenguaje busca la sencillez expresiva próxima al habla estándar; sintaxis oracional de periodos breves. Pueden encontrarse algunos rasgos arcaizantes, como la construcción del pronombre enclítico y el uso de cultismos y arcaísmos. Realismo en los diálogos.

Temas: 2 rasgos básicos: concepto de héroe como hombre de acción (acción en sentido externo ó interno) y concepto de acción como aventura (un héroe en un camino lleno de obstáculos que debe superar).

Obra: el autor clasificó su obra en trilogías (algunas de 4 libros) temáticas, de las que hay que destacar los libros escritos hasta 1912, como período creativo. Destacan: La Tierra Vasca (formada por: La casa de Aigorri, El mayorazgo de Labraz, Zalacaín el aventurero y La leyenda de Juan de Alzate. La unidad temática es el análisis intrahistórico del País Vasco), La vida fantástica (formada por: Aventuras, inventos y mistificaciones de Silvestre Paradox, Camino de perfección y Paradox, rey), La lucha por la vida (formada por: La Busca, Mala hierba y Aurora Roja. Plantea la aplicación práctica de análisis del modelo Darwinista a lo social), La Raza (formada por: La dama errante, La ciudad de la niebla y El árbol de la ciencia (1911-1912?)) y Memorias de un hombre de acción (colección de obras autobiográficas, protagonizadas por Eugenio de Aviraneta, su heterónimo)

- José Martínez Ruiz “Azorín” (1874-1967): nació en Alicante.

Teoría narrativa: recibe el nombre del subjetivismo realista porque pretende reproducir en el lector los estados anímicos del protagonista, situando para ello al lector en la misma circunstancia que aquel.

Retórica: para conseguir el subjetivismo realista utiliza un modelo de descripción detallada que permita reproducir la influencia ambiental. El problema es que el tiempo de percepción resulta mucho más corto que el tiempo de lectura. Como solución se propone un trabajo en 2 planos: descripción selectiva (se eligen exclusivamente los elementos esenciales del ambiente) y selección estilística (la estructura lingüística, el léxico, se trabajan hasta encontrar la fórmula exacta).

Sus novelas son las más descriptivas del periodo.

Obra:

- ensayo: casi todos se publicaron como artículos periodísticos, por ello es predominante lo descriptivo, el carácter literario más que investigador (más como género literario) y la busca de un receptor genérico. Los que le dieron mayor crédito fueron los de temas paisajístico vinculados al análisis intrahistórico. De ellos destacan: Los Pueblos, Castilla y La ruta de Don Quijote.

Fijó el tópico de Castilla como representante de del paisaje español, sobre todo en Los Pueblos destaca la insistencia en el atraso cultural, en el carácter de la “España profunda” que preludia un componente de crítica social.

- prosa: dividida en 4 etapas:

* puramente noventaiochista: Diario de un enfermo, La voluntad, Antonio Azorín y Confesiones de un pequeño filósofo

* características próximas al novecentismo sobre todo en el juego con la perspectiva temporal y la reinterpretación y actualización del mito clásico. Destacan: Don Juan (1922) y Doña Inés (1923).

* experimentalismo centrado en el problema del tiempo y la interrelación del plano real e imaginario. Superrealismo

* búsqueda de modelos narrativos para recuperar el éxito: Diario del enfermo y Salvadora de Olbena (intento de novela rosa)

- Ramiro de Maeztu (1875-1936): fusilado por la guardia republicana. Su obra se desarrolla sólo en el ensayo que es más intelectualizado y de tema específico socio- político. 3 períodos en su evolución intelectual marcados por otras tantas obras:

- propiamente noventaiochista: ideología regeneracionista, representada (en “El documento de los Tres”) por la obra Hacia otra España. Parte de posturas próximas al socialismo.

- marcado por el ensayo La crisis del Humanismo, publicado en inglés y traducido al castellano, que revela la crisis ideológica de Maeztu, que analiza las posturas totalitaristas como fórmula de organización social en la guerra.

- marcado por un apoyo ideológico al fascismo basado en el concepto de nación y España del período imperial tomando como modelo la España de los Reyes Católicos. Destaca también la recuperación de los mitos de la cultura castellana que ejemplifican el potencial de la esencia cultural hispana: Don Quijote representa el idealismo, La Celestina la acción y Don Juan el heroísmo.

2. NOVECENTISMO: GENERACIÓN DEL 14

2.1 INFLUENCIAS E IDEOLOGIA: el término Novecentismo lo acuña Eugenio D´Ors, para señalar el movimiento como el primer movimiento del s. XX. Este filósofo, junto con Ortega y Gasset, constituyen los principales ideólogos. El Novecentismo presenta un carácter más racionalizador, más intelectualizado, aunque se admite la intuición como medio de conocimiento. Esta debe ser razonada, elaborada racionalmente según las leyes de la lógica.

El perspectivismo de Ortega y Gasset induce a una visión relativa de los valores éticos y estéticos. El raciovitalismo es el sistema que propone Ortega, frente al vitalismo.

Aunque se mantiene la reflexión sobre el problema de España, ésta tiene un carácter más universalista. En la mayor parte de los casos se abandona la tradición popular como forma de ahondar en la cultura hispánica. Esta pasa a ser a veces criticada.

Posición antitaurina en general.

La formación universitaria de los autores parece facilitar el intelectualismo de lo literario y es al mismo tiempo la causa de que el ensayo sea concebido como un género más profesional, es decir, de desarrollo investigador para iniciados en contra de la divulgación general que tuvo en el ´98.

El universalismo, intención de los autores de escribir obras con carácter universal, no restringido exclusivamente a lo español, es consecuencia del europeísmo como deseo de la generación.

Nacionalismos: los autores buscan identidades regionales concretas. Concepción del arte como un objeto cuyo goce es puramente racional.

2.3 AUTORES Y OBRAS: los autores pertenecientes a este grupo se dividen en dos grupos: cercanos al ´98 (viejos) (Gabriel Miró y Ramón Pérez de Ayala) e inmersos en las vanguardias (jóvenes) (Ramón Gómez de la Serna, Benjamín Jarnés y otros)

- AUTORES PROXIMOS AL ´98: Gabriel Miró (1879-1930): este alicantino es considerado por buena parte de la crítica como un continuador del Modernismo Esteticista, debido a su concepción narrativa centrada en los aspectos formales, e influenciada por Azorín, con quien mantuvo amistad. Pretende, como aquél, el realismo psicológico, pero, en lugar de emplear una descripción selectiva, pretende reproducir en el lector las emociones del protagonista por el uso de la expresión exacta, lo que supone una selección minuciosa de la estructura sintáctica, de la figura retórica y del léxico. La descripción se amplía y diluye el argumento en un continuo tiempo estrófico descriptivo: el narrador en primera persona, su corriente psicológica, sus emociones, etc. constituyen el hilo narrativo.

Obra: ciclo de dos obras de influencia noventaiochista protagonizadas por su heterónimo Sigüenza, caracterizadas por el autobiografismo y temas regeneracionistas: El libro de Sigüenza y Años y leguas.

Ya en su libro Las cerezas del cementerio (1910) aparecen los rasgos característicos de su narrativa, aunque la descripción aquí se centra en lo sensible, lo que lo emparenta con el esteticismo. Sus obras más importantes son las situadas en Oleza, ciudad simbólica que representa su Orihuela natal, obras en que analiza el comportamiento humano a través de la burguesía rural: El obispo leproso y Nuestro padre, San Daniel.

Por su influencia en autores extranjeros hay que destacar Figuras de la pasión de nuestro Señor. En ella, por medio de cuadros descriptivos, se realiza una descripción detallada que incluye terminología científica- médica, lo que le da un carácter realista cercano al informe forense de los episodios Pasión y Muerte de Jesucristo. Es influencia de obras de autores como Mauriac y Giovanni Pappini.

Ramón Pérez de Ayala (1880-1936): su caso ejemplifica las teorías de Ortega y Gasset sobre la novela como género agotado; es decir, Ortega señala que la novela no tiene posibilidad de renovación temática, sino solamente formal. Así, se entiende que Pérez de Ayala deja de escribir novelas en la década del ´30 por su incapacidad para la inventiva argumental. Su obra se divide en tres etapas:

• Noventaiochista: son novelas protagonizadas por su heterónimo Alberto Díaz de Guzmán, y caracterizados por los rasgos propios (ya señalados) del ´98: La pata de la raposa, A.M.D.G., Tinieblas en las cumbres y Troteras y danzaderas.

• Marcada por su evolución hacia la narrativa novecentista, formada por tres novelas cortas publicadas con el título Novelas poemáticas de la vida española, influencia del regeneracionismo desde una perspectiva intelectual. Las tres novelas cortas, Luz de domingo, La caída de los limones y Prometeo, recuperan el mito clásico y lo actualizan en un análisis intelectual desmitificador propio del Novecentismo.

• Belarmino y Apolonio inaugura una etapa en la que presenta al hombre dividido en dos arquetipos: el hombre filósofo, reflexivo (el zapatero Apolonio) y el hombre de acción, dramaturgo aficionado (el guardagujas Belarmino). Aparece el perspectivismo como forma de presentar dos visiones opuestas, irreconciliables, del mundo. El autor utiliza el tópico de los dos jóvenes enamorados como un modo de acercamiento de estas dos posturas, ironizando sobre el extremismo en ambas. El resto de las novelas de esta etapa se organizan en dos ciclos: en el primero la temática gira en torno a la educación sentimental, protagonizado por Urbano y Simona en novelas como Luna de miel, luna de hiel y Los trabajos de Urbano y Simona; las novelas de Tigre Juan con los tópicos del matrimonio del viejo y la joven, problemas del matrimonio, la infidelidad, ... en Tigre Juan y El matrimonio de su obra.

- AUTORES DEL VANGUARDISMO: Ramón Gómez de la Serna (1888-1962): figura capital, introductor del Vanguardismo a través de su revista “Prometeo”, en la que publicó tempranamente el “Manifiesto futurista”.

En una tertulia que dirigía en el Café del Pombo se agrupó a una serie de escritores de inquietudes vanguardistas que culminaron con el Ultraísmo. Gómez de la Serna protagonizó el Ramonismo, su propio movimiento de Vanguardia. En esta nueva relación artística, el autor basa su construcción sobre la metáfora, como forma de establecer un sistema de referencias puramente ideal. A esta concepción metafórica del texto hay que sumar el humor como forma intelectual de alejar al mundo literario de la realidad. La greguería es el género inventado por Gómez de la Serna que mejor ejemplifica su concepción literaria. Según él, la greguería es una suma de metáfora y humor capaz de atrapar la espontaneidad de la vida cotidiana. Es un género breve que no ocupa más de una página, a medio camino entre prosa y poesía. Obra: en Total de greguerías (1935) publica una extensa selección de éstas. Su obra narrativa se desarrolla en dos frentes: el Frente vanguardista: precursor de una concepción narrativa de vanguardia, así como creador de nuevos modelos narrativos, son sus rasgos más destacados. Así con su novela El incongruente, a través de un narrador en primera persona, estilo indirecto libre, se reproduce la corriente de conciencia de este por medio de la yuxtaposición de imágenes que dotan al texto de una incoherencia de sentido que preconiza el surrealismo. Con su novela El dueño del átomo se declara precursor de la novela atómica y de la novela científica. La creación de dos modelos narrativos en esta línea de vanguardia, el relato greguería y la novela de nebulosa son obras en las que el plano real se mezcla con la imaginación y los sueños creando una indeterminación en la que es difícil delimitar qué es imaginario y qué es real. El doctor inverosímil; el frente costumbrista: Gómez de la Serna, también conocido por su habilidad para la descripción de ambientes urbanos (que comenzó utilizando en artículos periodísticos), escribe una serie de novelas de ambiente sainetesco, herederos del sainete de D. Ramón de la Cruz y Mesonero Romanos, retoma el ambiente castizo en novelas como La Nardo, Piso bajo y, sobre todo, El torero Caracho, en la que aborda la desmitificación del tema taurino.

Benjamín Jarnés pertenece plenamente a los “Nova Novorum”. Otros autores: Concha Espina /1867-1949): autora característica del naturalismo como forma narrativa, pero contagiada con el tema social como fondo ó los temas femeninos en novelas como La esfinge Maragata. También autora de novela corta, muy cultivado como género en este principio de siglo y durante la Guerra Civil. Se destaca en este periodo por sus relatos de ideología próxima al Nuevo Régimen. Ricardo León: autor de novela histórica, de tema hispánico y generalmente medieval, cuya ideología conservadora encajó con el programa ideológico nacionalista, lo que le valió el apoyo social en la posguerra. Wenceslao Fernández Flórez (1885-1964): su narrativa está enteramente basada en el humor como forma de racionalización crítica de la realidad. Este efecto humanístico se consigue por el contraste o el paralelismo entre el mundo ideal al que se accede por lo metafórico y el mundo real. Además de sus colecciones de relatos breves (Volvoreta), su obra más importante es El bosque animado (1943), donde aparece ya el realismo mágico propio de escritores gallegos como Álvaro Cunqueiro. Esta obra se sitúa en una fraga gallega en la que los animales, así como el mismo bosque, están personificados por medio de la metáfora. Al mismo tiempo, el plano de la superstición de la cultura gallega es incorporado como un plano real. Así, los personajes, arquetipos de las aldeas, conviven con las meigas, la Santa Campaña, penados,...

3. VANGUARDIAS Y NOVELA SOCIAL: GENERACION DEL 27

La prosa de vanguardia se desarrolla en España en torno a la colección “Nova Novorum” publicada en la “Revista de Occidente” por Ortega y Gasset, por medio de sus ensayos La deshumanización del arte e Ideas sobre la novela. Este grupo, el “Nova Novorum”, aborda una narración intelectualizada en la cual la renovación se reduce a estructuras y técnicas, pues la imposibilidad de renovación temática conduce a la novela a una concepción discursiva cercana al ensayo. El estilo indirecto libre, el realismo psicológico, el perspectivismo, son rasgos que obligan a la destrucción de la fábula. Esta, además, se refuerza por la ruptura de la linealidad espaciotemporal. La narración es no-descriptiva. Los temas se centran en ambientes urbanos y tienen como punto recurrente la alienación y la incomunicación.

3.1 PROSA DE VANGUARDIA: GRUPO “NOVA NOVORUM”: el “Nova Novorum” son los jóvenes de la generación del ´27, entre ellos Rosa Chacel, Francisco Ayala, Rafael Cansinos-Assens y principalmente Benjamín Jarnés.

Benjamín Jarnés (1888-1962): por nacimiento pertenece a la generación del ´14, pero publicó en esta colección y su obra se enmarca en las características propias del grupo: destrucción de la fábula y de la linealidad temporal, narrador perspectivista, uso del estilo indirecto libre como forma de introducir la corriente de conciencia de los personajes y uso de la cita como encabezamiento de los episodios de la narración, que permite una lectura más intelectualizada del texto. Entre sus obras más importantes cabe citar Locura y muerte de nadie y El profesor inútil.

3.2 NOVELA SOCIAL: al aproximarnos a la fecha de la Guerra Civil, comienza a imponerse un proceso de rehumanización de la concepción narrativa en el que sentimentalismo, la respuesta anímica y la solidaridad con el prójimo vuelven a ser las claves para buscar un acercamiento al lector, es decir, recuperar la lectura como comunicación. José Díaz Fernández con su ensayo La nueva sentimentalidad, abre una nueva orientación narrativa basada en el compromiso de los autores con la realidad inmediata, la denuncia de las injusticias sociales y el tratamiento realista del asunto narrativo. Entre los motivos de este proceso estaría la influencia del surrealismo y su doble programa de liberación del hombre: la primera parte del programa pretendía liberar al hombre de la cohesión social, y la segunda de su propio subconsciente. Otro motivo de este proceso está en las tensiones sociales, que hace que el proceso rehumanizador se encamine hacia el tema social. La publicación en 1930 del libro El nuevo romanticismo de José Díaz Fernández se considera el inicio de esta tendencia narrativa. En cuanto a técnicas narrativas, esta tendencia supone una vuelta al Realismo, al narrador en tercera persona, a la fábula y a la linealidad temporal. Por parte de los autores, se establece un compromiso de denuncia de la realidad social y política. La novela El Blocao de José Díaz Fernández es uno de los primeros ejemplos. El autor más destacado de la época es Ramón J. Sender.

Ramón J. Sender: con sus primeras obras acumuló dos premios nacionales de narrativa. Su primer libro, Imán, aborda el tema de la guerra de Marruecos. También en la línea de la novela social pública O.P., que aborda el tema de la represión policial. Progresivamente el tema social de su novela se va tiñendo de un barniz humanístico, satírico, que desemboca en su novela Mr. Witt en el cantón, que aborda el tema del cantonalismo. En esta línea también, La tesis de Nancy, que ironiza sobre la cultura hispánica donando como punto de contraste la cultura anglosajona. Tras la Guerra Civil su libro más importante es Crónica del alba, autobiográfica, protagonizada por José Garcés (heterónimo). Posteriormente su obra evoluciona hacia el Realismo mágico y el uso de técnicas narrativas vanguardistas, como en La isla de los jacintos cortados.

4. OTRAS TENDENCIAS NARRATIVAS

4.1 NATURALISMO EROTICO: se da durante todo este período anterior al ´36. Arranca con Eduardo Zamacois a finales del s. XIX, y en esta misma línea se incorpora el novecentista Felipe Trigo. Esta novela utiliza las técnicas narrativas propias de la concepción naturalista, pero interpretando la sexualidad como principal motor del comportamiento humano. En este tipo de narraciones, por tanto, las novelas cargadas de erotismo constituían uno de los principales atractivos de su lectura.

Tema 2

POESIA ANTERIOR A 1936

1.MODERNISMO ESTETICISTA

2.MODERNISMO INTIMISTA

2.1 POETICA

2.2 RETORICA

2.3 MIGUEL DE UNAMUNO

2.4 ANTONIO MACHADO

3. NOVECENTISMO

3.1 IDEAL DE PUREZA POÉTICA

- JUAN RAMON JIMENEZ: POETICA, RETORICA Y OBRAS

3.2 VANGUARDISMO (1914-1940)

• IDEOLOGIA Y ETAPAS

• FUTURISMO Y DADAISMO

• CREACIONISMO Y ULTRAISMO

• SURREALISMO

• OTROS MOVIMIENTOS POSVANGUARDISTAS

4.GENERACION DEL 27

4.1 POETICA E IDEOLOGIA

4.2 EVOLUCION Y ETAPAS:

• HASTA 1927: POESIA PURA, NEOPOPULARISMO, PRIMEROS VANGUARDISMOS

• 1927-1939: SURREALISMO, GONGORISMO, POESIA SOCIAL

• 1939-1999: EVOLUCION PERSONAL, EXILIO, TENDENCIA AL MISTICISMO

1. MODERNISMO ESTETICISTA

Destacan como fórmulas descriptivas la adjetivación colorista (adjs. cuya cualidad es sensorial) y la sinestesia (síntesis de los sentidos).

Temas:

- escapismo: adquiere la forma de historicismo y exotismo

- decadentismo: ideología restauracionista asociado al Cosmopolitismo y la Abulia

- distanciamiento aristocrático: asociado a una actitud dandista (Manuel Machado)

- reinterpretacion de otras artes en clave poética: se pretende desde la poesía reinterpretar la sensación artística.

En el último tercio del s. XIX surge un grupo de autores discípulos de Nuñez de Arce que aplica los procedimientos del Parnasianismo y del Simbolismo coetáneos de su desarrollo en Francia.

Como claves comunes hay que destacar la concepción lírico- descriptiva, el sensorialismo (búsqueda de un efecto sensorial de la poesía) y la preocupación por ajustar ritmos, metros y estrofas a los temas tratados.

Manuel Reina (1856-1905): adelanta múltiples rasgos del Parnasianismo en su primer libro Cromos y Acuarelas en el que destaca la descripción paisajística y el colorismo (1977). El segundo libro que publica, Andantes y Allegros, aborda el carácter musical de la composición. Antologías de autores de la tradición poética desde los clásicos latinos hasta el s. XIX: Robles de la Selva Sagrada.

Ricardo Gil (1858-1908): preocupado por la investigación sobre el ritmo, su concepción poética deriva del sentimentalismo becqueriano. Su obra más importante es La caja de música (1898).

Salvador Rueda (1857-1933): autor más destacado debido a su longevidad, lo que le permitió vivir el período modernista. Mantuvo una “polémica” con Rubén Darío respecto del origen de la renovación formal del modernismo, puesto que Rubén Darío se limitó a adaptar estrofas, estrofas, metros y ritmos de la poesía francesa, mientras que Salvador Rueda aborda su renovación desde las formas poéticas de la tradición castellana. Autor muy prolífico (muchas obras) lo que diversifica las orientaciones temáticas en su obra: tema lírico- descriptivo (En tropel, de temas diversos), retrato de personalidades, mitos literarios (Camafeos), tema geórgico (trata sobre los trabajos campestres asociados a las estaciones, Cantos a la vendimia) y de inspiración popularista (Poema Nacional).

1.4 AUTORES

Manuel Machado (1874-1947): nació en Sevilla. Se formó en la Institución Libre de Enseñanza con su hermano. Es visible en ambos la influencia del trabajo de Antonio Machado y Álvarez (su padre) que era folclorista y el primero en realizar una antología de poesía popular andaluza.

Concepción narrativa y retórica: representa la imagen del esteta decadente. Sus primeros libros reflejan las concepciones tópicas del esteticismo. Se habla de influencia de Gabrielle D´Annunzio.

Temas: destacan por un tratamiento egocentrista en el que lo sensorial es buscado como efecto. Destaca Adelfos. Su obra evoluciona hacia preocupaciones formales, entre las que destacan la asociación del ritmo al tema tratado y la reflexión casticista. La fiesta nacional (describe la fiesta nacional) ajusta ritmos y metros a cada una de las fases. Es también importante en su obra el intento por traducir la emoción de la pintura al lenguaje poético (Apolo, es teatro pictórico: sonetos que describen pinturas). Influencia del folclorismo que se desarrolla en varios poemarios en los que reproduce temas y formas de la poesía popular (soleá, seguidilla,...): Cante hondo.

Francisco Villaespesa (1877-1936): autor esteticista que mejor presenta la estética historicista y de vertiente exotista. Junto con Salvador Rueda, Manuel Machado y Juan Ramón Jiménez su poesía fue nominada por la crítica como “Colorismo Andalucista” debido a la descripción sensorial del paisaje andaluz. Desarrolla en su poesía los tópicos del modernismo en el libro Tristiae Rerum. Sin embargo, el género que más fama le dio fue derivado de la vinculación entre historicismo y exotismo en el tema de la España medieval musulmana con su obra de teatro El Alcázar de las perlas, éxito que extrapoló a la poesía pidiendo como tema el de los vestigios de la España árabe: Nocturnos del Generalife, La fuente de las gacelas y El patio de los Arrayanes.

Eduardo Marquina (1878-1946): modernista catalán. Su obra se caracteriza por un fuerte componente restauracionista de corte novecentista. En especial hay que señalar la influencia de Garcilaso de la Vega. Compuestos en tercetos los libros: Elegías y Églogas. Destaca el tema geórgico que trata, al igual que Salvador Rueda, en 2 obras: A la vendimia y Vendimión.

Juan Ramón Jiménez (1888-1958): introducido en los círculos madrileños por Villaespesa. Su primer libro presenta una orientación intimista: Arias Tristes. Sin embargo, sus primeras obras famosas son los poemarios modernistas Ninfeas y Almas de Violeta. Poeta barroquista que interpretó el esteticismo en una clave personal de temática intimista en la que sólo las formas reflejan el predominio del Parnasianismo. Entre los poemarios destacan: Jardines Lejanos, Elegías, La Soledad Sonora, Estío y Los Sonetos Espirituales.

2. MODERNISMO INTIMISTA

2.1 POETICA: el predominio de la poética simbolista y la teoría de la

correspondencia de las ideas influye en estos autores para determinar una concepción idealista de la poesía, es decir, la poesía permite acceder al mundo intuitivo en que pensamiento y sentimiento están vinculados. Sin embargo para los autores intimistas es primordial la comunicación de estas intuiciones, por lo que la construcción poética se convierte en una búsqueda del equilibrio entre poesía como comunicación y poesía como conocimiento.

2.2 RETORICA: frente a la retórica esteticista, los simbolistas proponen un proceso de depuración del retoricismo cuyo límite está en el habla estándar. El símbolo, es decir, los valores simbólicos, que adquiere términos habituales dependiendo de los contextos se convierte en clave de significación poética, se elude la metáfora por lo que tiene de formalización conceptual, lo que aleja a la poesía de lo sentimental. El ritmo y los efectos fónicos son esenciales puesto que son responsables del valor intuitivo de lo poético. Temáticamente conservan el carácter egocentrista pero eliminando en gran medida el componente decadentista y de distanciamiento aristocrático a favor de la introspección personal que da nombre al movimiento. La temática es principalmente humana, de tema metafísico en la que aparecen como componentes simbólicos el paisaje y otros tópicos ideológicos del 98.

2.3 AUTORES:

Miguel de Unamuno: presenta una concepción poética que ha sido considerada como decimonónica por la crítica. Sí hay que hacer notar que en su concepción formal métrico- rítmica utiliza esquemas tradicionales (soneto, romance,...). Sin embargo, en su poema del libro Poesías titulado “Cuadro poético” declara como objeto de la poesía el vínculo entre pensamiento y sentimiento y como forma densidad temática acompañada de un estilo que se aproxima al lenguaje normativo. Su poesía es predominantemente expositivo- argumentativa. Su obra comienza con el libro Poesías que es un conjunto de poemas escritos entre 1898 y 1907. A este sigue Rosario de sonetos líricos (1911), estos sonetos son composiciones sugeridas por citas de otros autores de los que hay que destacar sonetos de Shakespeare. Tras el libro de sonetos escribe Teresa, un poemario apócrifo (aunque él es el autor, que es de otro) de tema lírico- amoroso. En el período del destierro escribe 2 libros: De Fuerteventura a París y Romancero del destierro, del que destaca la recuperación de la fórmula del romance facilitada por las tendencias neopopularistas de la Generación del 27. Su mejor obra es El Cristo de Velázquez (2538 endecasílabos blancos en los que partiendo de la técnica parnasiana de asociación de artes plásticas a la poesía, elabora una obra en la tradición de la cristología en la misma línea que De los nombres de Cristo de Fray Luis de León).

Antonio Machado (1875-1939): poeta en que se una vida y obra poética. Se educa en la Institución Libre de Enseñanza. Nació en Sevilla. Su primer gran paso está en la cátedra que aprueba para el Instituto Francés en Soria (1907). A partir de aquí se marca su período castellano, más vinculado al 98 por el paisaje castellano. En Soria se casa con Leonor. Le conceden una beca para estudiar Filología Francesa. Bergson influye en su poética. Leonor enferma en Francia y muere en Soria. Mantuvo una relación con una mujer a la que nombra en un libro llamándola Guiomar. Apoyó a la República. Cruzó la frontera con su madre, quien muere en un pequeño pueblo francés en el que también morirá Machado 3 años después.

Poética: define la poesía como “palabra esencial en el tiempo”.

Retórica: como rasgo general se preocupa por aproximar el lenguaje poético a la

lengua de uso estándar como una primera fórmula para facilitar la comunicación. Sin renunciar al componente fónico- musical del poema que considera clave para la dinámica temporal de los temas, realiza una reducción basada en la aproximación a las formas de la tradición popular. La canción en cuartetas y redondillas, el romance, la silva arromanzada y la soleá revelan su intención de buscar formas estróficas que permitan una mayor libertad en la construcción al tiempo que mantienen la familiaridad musical con la tradición popular.

Aspectos formales: su concepción es lírico- descriptiva, pues parte del valor simbólico del paisaje como geografía del alma. Estos paisajes son concebidos como sucesión de impresiones ó instantáneas sensoriales, clave de la descripción es la adjetivación que suele tener carácter sensorial ó sinestésico. Podemos distinguir 2 tipos de calificación de un sustantivo: mediante el adjetivo (Machado dota al sustantivo de una referencia atemporal, de ahí las construcciones fijas, alude a una referencia intrahistórica) y el sintagma preposicional (señala una cualidad circunstancial del sustantivo, alude a una referencia histórica). La supresión verbal, la reducción de nexos, es un recurso utilizado para hacer prevalecer al sintagma nominal, acentuando así la yuxtaposición de impresiones y el valor simbólico de las mismas. Otro recurso frecuente es la personificación de elementos paisajísticos con valor simbólico, en especial aspectos cronológicos, como la mañana ó la tarde, con los que el autor establece un diálogo como metáfora de un proceso de introspección. Las personas y los tiempos verbales se utilizan como claves interpretativas. En su primer período existe un predominio de la primera persona del singular debido al solipsismo (tendencia de que el mundo se explica a partir del yo que conozco). Los tiempos verbales permiten dinamizar los paisajes y las sensaciones, hay que señalar el predominio del presente como medio de actualización de las impresiones. Los recursos retóricos parten de su oniroscopia (es una imagen ó visión a través del sueño). Según este concepto lo soñado se convierte en material de la intuición no racional, por lo que en su obra es frecuente encontrar símbolos relacionados con este campo semántico. La clave principal de significación en su poesía es el símbolo, a través del cual pretende reflejar los “Universales del sentimiento”, es decir, intuiciones esenciales válidas para todo individuo. Entre los símbolos utilizados los predominantes son los relativos a la descripción paisajística: los árboles y sus variedades, los elementos que suponen proceso ó transcurso (ríos, caminos,...), las construcciones generalmente aisladas, los fondos paisajísticos (montañas,...) que representan las tonalidades emocionales. La fuente tiene 3 componentes: la materia (piedra) (que es el símbolo de lo esencial), el agua (que es el símbolo de la vida) y el vaso (el agua estancada significa la muerte). Es un símbolo de eterno retorno (continuo paso del tiempo) y adquiere diferentes modificaciones según la talla de la piedra. Símbolos que tienen que ver con lo temporal: tiempo cíclico (relacionado con lo circular; noria, tiovivo,...), tiempo cronológico y climático (las partes del día y las estaciones del año). Rechaza lo metafórico por ese intento por buscar una expresión sencilla. Es frecuente el desarrollo conceptual del poema con final en el epifonema.

Obra: se inicia con el libro Soledades (1903). En este primer poemario son más frecuentes los versos de arte mayor y la rima consonante. Aparece fijada la concepción intimista, el libro se amplía y corrige en 1907 como Soledades. Galerías. Otros poemas. Se amplía la composición de arte menor, rimas asonantes, se evitan cultismos, aparece el símbolo de las galerías como proceso de introspección. En 1912 publica Campos de Castilla en el que aparecen componentes del Regeneracionismo. Especial análisis intrahistórico del paisaje y la cultura castellana/ española. En él aparece también la recuperación del Romancero, antecedente del neopopularismo en “La Tierra de Alvargonzález”; así también en el apartado “Proverbios y cantares” Machado toma el papel de consejero moral utilizando estructuras poéticas propias del de la poesía popular y del refranero. Sus publicaciones en poesía se convierten en complemento de textos en prosa como Juan de Mairena y El cancionero apócrifo de Abel Martín en el cual se hace recopilación de obras poéticas de distintos autores imaginarios en los que se desdobla Antonio Machado. Su siguiente obra es Nuevas Canciones, en la cual progresa lo popular, las formas del cante popular andaluz y genera una tendencia a la síntesis. Teme lírico- amoroso en Canciones a Guiomar. Las canciones de Guerra es un volumen que recopila todas sus poesías comprometidas con la causa republicana.

3.1 IDEAL DE PUREZA POÉTICA: el concepto de pureza poética surge como evolución extrema de las posturas simbolistas. Según esto, si la poesía permite un acceso a la realidad esencial es preciso identificar poesía y esencia fomentando una construcción formal que corresponda de forma exacta a esta identidad. Esta radicalización del concepto de poesía como conocimiento implica una racionalización del objeto poético, una deshumanización del tema y un consiguiente hermetismo de los significados que suponen un receptor elitista.

Juan Ramón Jiménez (1881-1958): define la poesía como una triple aspiración a lo absoluto: belleza, esencia y eternidad. Belleza como abstracción idealizada, correspondencia con la idea; Esencia en tanto que debe designar la realidad esencial; Eternidad, valor atemporal por corresponderse con un universal del conocimiento.

Retórica: el principal rasgo es la aplicación del principio de depuración formal, que supone una reducción de recursos estilísticos cuya única constante es el símbolo. Paralelamente se reducen los recursos expresivos del lenguaje, suprimiendo lo ornamental, adjetivación, nexos, formas verbales, complementos circunstanciales y adverbios son eliminados ó reducidos para favorecer un discurso poético basado en la yuxtaposición del sintagma nominal y construcciones elípticas. Se generaliza el uso del verso libre como medio para adecuar la forma a la idea y no al contrario. El collage y el grafismo, así como tímidas estructuras morfosintácticas, se utilizan como recursos para establecer la significación del texto adelantándose a las Vanguardias. El poema tiende a la síntesis. Los temas se abordan desde el egocentrismo (que en Juan Ramón Jiménez es egotrismo, hasta el punto de que al final de su poesía tiende a identificar poesía pura y pensamiento) y de la experiencia personal para, a través del símbolo, adquirir valores universales. Es preciso destacar el rechazo del sentimentalismo como vía de interpretación poética, es la intuición racional la que convierte a su poesía en un arte de la designación de lo esencial.

Obra: es preciso destacar como ejemplificación del proyecto de pureza poética la continua reelaboración y corrección a la que sometió su obra, que llega a una preocupación editorial, la poesía era libro, edición. Según su propia clasificación, su obra se divide en 4 etapas:

- Poesía verdadera: representa el primer contacto espontáneo e intuitivo con la poesía, que es visto por el autor como la forma inmediata de enfrentarse con el concepto de poesía pura. El libro Arias Tristes (1903) es formalmente clasificable como modernismo intimista, de temática lírica y orientación becqueriana.

- Poesía esteticista: la interpreta como una contaminación por las formas del modernismo. Sus dos primeros libros, Almas de Violeta y Ninfeas, ya pertenecían a este estilo (referencia al modernismo esteticista)

- Poesía pura: se inaugura con el libro Diario de un poeta reciéncasado (1914), la experiencia personal del viaje de bodas le sirve como material para abordar la aplicación del concepto de poesía pura. El periodo se completa con otros libros como Eternidades, Esencias, La estación total,...

- Poesía suficiente: la influencia de Zenobia Camprubí condiciona la evolución poética hacia el misticismo connotado con planteamientos filosóficos orientales. Dios deseado y deseante y En el otro costado (poema en prosa reproduciendo la corriente de pensamiento como identidad con la idea pura)

3.2 VANGUARDISMO (1914-1940): conocemos con el nombre de Vanguardias o “ismos” a la serie de movimientos artísticos que se sitúan en el período de entreguerras. Todos estos movimientos tienen al menos dos rasgos comunes:

- estética de la sorpresa: búsqueda de lo nuevo como criterio formal

- tradición de la ruptura: todos los movimientos surgen con la intención de romper con lo precedente, lo que llega a institucionalizar el recurso del manifiesto

En cuanto a la concepción poética, las vanguardias son una consecuencia de la posición idealista del novecentismo. La definición que Ramón Gómez de la Serna hace de su Greguería ilustra esta postura (Greguería = metáfora + humor). A través del humor se propone un análisis racional intelectualizado que deshumaniza el objeto artístico. Mediante la metáfora se consigue trasladar la realidad artística a un mundo conceptual independiente de la realidad material.

Podemos distinguir los siguientes períodos en su evolución:

- PRIMER PERIODO: movimientos que consolidan la ruptura entre realidad material y realidad artística rechazando el arte como mimesis de la naturaleza.

*FUTURISMO (1909): ideado por Marinetti y conocido en España gracias a Ramón Gómez de la Serna en la revista “Helios”, se define como el arte del progreso y pretende erigirse en la expresión propia del mundo moderno, para ello es necesario romper con la tradición artística, ruptura que puede resumirse en los siguientes frentes:

- antirretoricismo: búsqueda de una expresión funcional, retórica utilitarista

- ruptura del tópico estético: el deporte, las máquinas, lo urbano, el desarrollo industrial son objetos bellos, artísticos.

- ruptura morfosintáctica: romper las leyes del lenguaje para liberar los significados. Sustitución por otros recursos como grafismo, caligrama,...

Este movimiento influye en los autores del ´27, que parte de una visión de la poesía pura pero contagiada por planteamientos de vanguardia, entre ellos destacan Pedro Salinas y Rafael Alberti.

*DADAISMO: fue divulgado en 1914 por Tristán Tzara, surge bajo el lema “escandalizar a los burgueses” como reacción contra el sistema burgués que propició la Guerra Mundial. Su retórica busca una ruptura de todo tipo de convencionalismo moral y estético que llega al irracionalismo, por ello la violencia, el sexo, lo antirreligioso, y todo aquello que por estar descontextualizado provoque una reacción de incomodidad, se convierte en orientación temática.

- SEGUNDO PERIODO: movimientos que conciben la realidad artística como entidad conceptual superior a la realidad material. Son movimientos que se dan entre 1915 y 1924.

* CREACIONISMO: fue concebido por el chileno Vicente Huidobro, que completó la teoría con Pierre Réverdy. Concibe el poema como medio para nombrar lo imperceptible, en otras palabras, cada poema constituye el nombre de una realidad jamás percibida. Para conseguir esto, los creacionistas, proponen los siguientes recursos:

• ruptura morfosintáctica: implica romper una relación lógica entre lenguaje y pensamiento. La jitanjáfora, que consiste en el uso de fonemas con un valor musical sugestivo (por ejemplo: Trilce- Trilcedumbre)

• imagen múltiple: eliminar elementos contextuales a las metáforas para favorecer asociaciones de ideas varias

• inventario ó “rapport” de imágenes: establecer un vínculo racional mínimo entre todas las imágenes múltiples del poema

• grafismo y título como recursos de interpretación gramatical

Por la aplicación de este proceso, el poeta creacionista, entiende que accede a una suprarrealidad por medios racionales.

Las obras de Huidobro, Horizonte cuadrado y Altazor, se convierten en manuales del Creacionismo para autores de la generación del ´27 que desarrollan su poesía en estas claves. Los más destacados son Gerardo Diego, con Manual de espumas e Imagen de tu huella, y Juan Larrea, con Versión celeste.

*ULTRAISMO: movimiento de vanguardia específicamente español ideado por Guillermo de Torre, propone en el manifiesto de 1922 una concepción poética basada en alcanzar el “ultra”, es decir, trascender la utilidad y el objeto tradicional de la poesía utilizando, para ello, cualquier metodología de vanguardia que queda autorizada por la consecución del fin. Esta falta de un soporte retórico consistente condujo al Ultraísmo al juego formal como síntesis de recursos de vanguardia y experimentación de fórmulas retóricas. El libro Hélices es uno de los más representativos en un movimiento que hay que destacar a autores como Juan Chabás (El ala del Sur) así como algunos poemarios del ´27, Yo era un tonto y lo que he visto me ha hecho dos tontos de Rafael Alberti.

- TERCER PERIODO: movimientos que superan la división arte-realidad. Se trata del SURREALISMO, cuyo primer manifiesto publica en 1924 André Bréton, quien, junto con Louis Aragón y Paul Elovard forma el primer núcleo surrealista. El Surrealismo se define como un movimiento de rehumanización del arte cuyo programa consiste en la liberación del hombre según dos planos de aplicación: 1°el plano social: liberación de los oprimidos mediante la militancia en el Partido Comunista; 2° la liberación individual: liberando al individuo de las cadenas del subconsciente. Es este el que centra la finalidad del arte.

Con este planteamiento, el Surrealismo presenta la actitud del compromiso social “engagement”, que sin embargo no afecta a la concepción artística para conseguir la liberación del hombre de su propio subconsciente.

Los autores del Surrealismo proponen dos recursos como planteamientos principales:

• automatismo ó escritura automática, es decir, eliminar del proceso creativo los estados conscientes

• metáfora hiperreal: consiste en el uso de la metáfora entre términos cuyos significados no presentan semejanza por denotación, si no por asociación automática (por ejemplo: Perfume de flor de cuchillo)

El Surrealismo es una corriente que influye decisivamente a partir de 1925, fecha en que Elovard dio la conferencia en la residencia de estudiantes.

En la generación del ´27 supuso el inicio de la rehumanización de la poesía y marcó varios autores como fórmula retórica que caracterizaría su obra, es el caso de Vicente Aleixandre ó Luis Cernuda; para otros, el Surrealismo supuso una etapa de transición como en Lorca ó en Rafael Alberti; y en otros autores un procedimiento retórico que aparece en síntesis con lo popular como Manuel Altolaguirre.

Aunque el Surrealismo tiene sus mejores libros en estos autores, jamás practicaron ni la escritura automática ni el irracionalismo propio de otras lenguas. Tras la Guerra Civil, algunos autores continuaron con la producción surrealista en la inmediata posguerra, como Miguel Labordeta ó Juan Eduardo Cirlot, aunque su uso queda muy limitado con las orientaciones de la poesía social, el experimentalismo de los años ´70 recupera el uso de la metáfora hiperreal en la generación de los novísimos; ejemplo de ello es la obra de Pere Ginferrer, pero más acentuado está en la obra de sus continuadoras de la década de los ´80 Blanca Andreu y Luisa Castro.

4. GENERACION DEL 27.

4.1 POETICA E IDEOLOGIA: con el nombre de “Generación de la Amistad” es conocido el grupo de autores de la Generación del ´27:Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Luis Cernuda, Emilio Prados, Manuel Altolaguirre y Miguel Hernández. Su principal característica en común es su relación personal que permitió que concepciones individuales e influencias personales se contagiaran, si bien todos ellos presentan una fuerte personalidad poética y una concepción personal que presenta rasgos individuales y no una concepción colectiva. Es por ello que la teoría poética del Grupo del ´27 se ha definido tradicionalmente como oscilación ó eclepticismo entre posturas enfrentadas, definiéndola así como entre el conocimiento y la comunicación, entre lo culto y lo popular, entre la vanguardia y la tradición, entre lo místico y lo social, entre lo formal y lo humano, entre la poesía pura y la poesía sin pureza.

4.2 EVOLUCION Y ETAPAS:

- introducción: es preciso señalar, según Cernuda, 3 autores de la Generación del ´14 que influyeron en las distintas corrientes que forjaron las tendencias del ´27, dejando atrás, por supuesto, el liderazgo indiscutible de Juan Ramón Jiménez y su poesía pura como punto de partida de la Generación, se trata de Ramón Gómez de la Serna, José Moreno Villa y León Felipe.

Ramón Gómez de la Serna influye a través de su proyecto vanguardista, su concepción de poesía como juego aportando tópicos estéticos y procedimientos de raíz futurista.

José Moreno Villa presenta por primera vez una síntesis entre tradición y vanguardia, poesía popular y culta en su obra Jacinta, la pelirroja, lo que sirvió de modelo de la tendencia neopopularista en el ´27.

León Felipe se convirtió en un modelo perfecto para el proceso de Rehumanización de la poesía en los años del 27 al 39. El concepto de poeta como guía espiritual del pueblo, el tono profético y el uso del verso libre, inspirado en los libros poéticos bíblicos. Salmos y Cantar de los cantares fueron modelos utilizados para la aplicación de la retórica surrealista, lo cual permitió un surrealismo de corte racional frente al irracionalista que en lengua francesa debe su origen al Dadaísmo.

- etapas y evolución: la evolución del Grupo se sintetiza con la expresión “del yo al nosotros”, puesto que los autores parten de posturas egocentristas para desembocar en posturas solidarias propias de lo social, podemos distinguir 3 etapas:

* hasta 1927 (homenaje a Góngora): los autores se inician en distintos tipos de corrientes poéticas, de las cuales la más generalizada es la poesía pura de Juan Ramón Jiménez. Esta visión formalista e intelectualizada es la que caracteriza la obra de Jorge Guillén, el cuál fue extremadamente fiel a esta concepción poética, si bien definió su personal teoría poética con la expresión “poesía pura pero no tanto que no sea humana”, otro rasgo de su obra es su visión optimista, su presentación del mundo como obra bien hecha consecuencia de su religiosidad y postura burguesa. Sus libros Cántico, Clamor y Homenaje (exilio) son consecuentes con su concepción poética y sólo en el tercero se puede observar una evolución que acerca su poesía al misticismo. En esta línea de pureza poética arranca el primer libro de Vicente Aleixandre titulado Ambito. Otros autores parten de posiciones que mezclan el concepto de poesía pura con tendencias de vanguardia, Futurismo y Ultraísmo principalmente, entendidas como procedimientos retóricos asimilables, es el caso de Pedro Salinas, el cual, en sus primeros libros Presagios, Seguro Azar y Fábula y Signo.

El caso de Gerardo Diego presenta una ligera diferencia, y es que él dividió su creación poética en dos bloques independientes: poesía creacionista, que caracteriza este periodo con libros como Imagen, Manual de espumas y Fábula de equis y zeda; y poesía de corte tradicional, que en esta primera etapa arranca de lo neopopular (ej. El Romancero de la novia).

El neopopularismo se convierte en una tendencia poética de gran éxito en este primer período, recoge las distintas fórmulas de poesía popular que habían surgido en autores esteticistas e intimistas (Manuel y Antonio Machado) así como el interés por el folclore que despertó en el ´98 con el análisis intrahistórico de España. El neopopularismo propone una poesía a semejanza de la poesía popular, en especial en formas estróficas, ritmos y tópicos temáticos pero elaborada desde posturas cultas, lo que produjo una fusión de tradición y vanguardia del conceptismo y formalismo de la poesía pura y la simplicidad y naturalismo de la poesía popular. El autor que mejor representa esta tendencia es Federico García Lorca (1898-1936): ya en su primera obra Libro de poemas aparecen composiciones inspiradas en canciones populares, así como su concepción intuitiva de la poesía representada en la expresión “misterio poético”. Según Lorca, la poesía no admite una interpretación racional sino intuitiva, debido al papel de “desrealización” que tiene la metáfora, en otras palabras, la metáfora presenta la realidad ordenada de forma distinta a la perceptible, lo que supone entrar en una realidad intuitiva ó misteriosa. Tras el libro Poema del Cante Hondo, en el cual utiliza formas estróficas propias del folclore andaluz, escribe el libro Canciones, en el cual empiezan a aparecer temas y personajes que constituirán el núcleo de su mejor libro en esta tendencia, Primer Romancero Gitano, el cual es escrito como proyecto para dotar a la cultura andaluza de un universo mítico que represente sus componentes esenciales, lo gitano es elegido por Lorca como mejor representación del pueblo andaluz. A través del romance pretende identificar expresión popular con entidad cultural. El Romancero Gitano representa el primer impulso en la poesía de Lorca para hacer una poesía cercana a lo social, puesto que puede observarse un tono, en ocasiones, de denuncia de la opresión. Así también puede observarse una influencia del gongorismo en el uso del concepto barroco, que en ocasiones adelanta una metáfora surrealista.

El otro gran autor es Rafael Alberti (1903-1999): sus 3 primeras composiciones, de las que destacan Marinero en tierra, El alba del alelí y La amante se realizan en la clave neopopularista en cuanto a temas, pero utilizando estructuras estróficas cultas e incluso figuras retóricas de inspiración vanguardista.

En línea semejante de fusión de lo popular y las vanguardias se desarrolla la obra de autores como Altolaguirre y Prados. En los años próximos a 1927 puede observarse en los autores una influencia del conceptismo barroco que encaja, en buena parte, con el formalismo conceptual de la poesía pura y las vanguardias.

* de 1927 a 1969 (rehumanización): este período está marcado por la rehumanización de la poesía que culmina con la poesía social comprometida con el hecho de la Guerra Civil. El primer punto que supuso un cambio de orientación fue la influencia del surrealismo, aunque no se practique el automatismo, la imagen surrealista supuso una renovación de la expresión poética que permitió eliminar el distanciamiento de os autores por su aproximación al subconsciente. Para algunos autores se convierte en una vía de expresión perfecta de su propia personalidad, es el caso de Luis Cernuda en libros como Donde habite el olvido, Un río, un amor y La realidad y el deseo, este último se convierte en un libro recopilatorio al que va incorporando cada nueva obra, en él sintetiza la lucha entre individuo y colectivo, entre libertad individual y opresión social.

Un modelo semejante reproduce Rafael Alberti en libros como Sobre los ángeles y Sermones y moradas. Vicente Aleixandre adopta con el lenguaje surrealista la forma de expresión perfecta para su concepción poética basada en la visión del amor como fuerza de atracción y destrucción del individuo a favor de su fusión en el todo universal; los libros La destrucción ó el amor, Espadas como labios, Pasión de la tierra y Nacimiento último son dedicadas a esta personal concepción del mundo.

Federico García Lorca escribe Poeta en Nueva York, considerado el mejor libro surrealista, en él se concentra su poesía social, la ambientación urbana permite el tratamiento temático de la alienación, la soledad, la discriminación racial y la opresión social de los obreros. El resto de su obra social se desarrollará en el teatro por considerarlo un medio más directo y efectivo. Sobre 1930 la evolución hacia el “nosotros” se consolida con la aparición de Pablo Neruda, el cual propuso con el editorial publicado en la revista “Caballo verde para la poesía” el artículo “Sobre una poesía sin pureza”, en oposición a la poesía pura Juanramoniana. Propone una poesía impura, imperfecta, que rechaza el formalismo y busca la espontaneidad de lo conversacional, dando entrada a términos antipoéticos y realidades cotidianas que favorezca la denuncia de la situación social.

Es Rafael Alberti quien, por su compromiso personal, resulta más permeable a esta influencia, y tras la elegía Con los zapatos puestos tengo que morir centra su producción en el compromiso social, Trece barras y 48 estrellas.

En otros autores la poesía sin pureza fue aplicada como procedimiento retórico, que simplificó el barroquismo gongorista y permitió una reducción del formalismo de la poesía pura, así, por ejemplo, en las obras de Pedro Salinas La voz a ti debida y Razón de amor, poemarios lírico-amorosos, constituyeron la expresión lírica de mayor altura en el período.

En otros autores supone una apertura hacia tratamientos temáticos más personales, es el caso de García Lorca con El llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías, en el que continúa con la fusión de vanguardia y tradición en línea semejante a los libros Suites y Diwán del Tamarit. En los años próximos a la Guerra Civil se impuso una vuelta a los metros tradicionales inspirados en el período renacentista que fomentó el uso del soneto. Así Los versos humanos de Gerardo Diego, Los sonetos del Amor Oscuro de Lorca y, en especial, El rayo que no cesa de Miguel Hernández.

* de 1939 en adelante (evolución personal): tras la muerte de García Lorca, los autores del ´27 quedan divididos en 2 bloques: los exiliados y los que permanecieron (Vicente Aleixandre, Gerardo Diego y Dámaso Alonso), de ellos es Dámaso Alonso quien marca el nuevo rumbo de la poesía en España con el libro Hijos de la ira (1944), abriendo una nueva tendencia, el Tremendismo, que conducirá a una nueva poesía social.

El resto de los autores desarrollan sus vías personales; Gerardo Diego en su poesía de corte tradicional mantiene la línea de los garcilasistas con Alondra de verdad, abriendo posteriormente su obra a la recuperación de temas modernistas, la música y lo taurino, por ejemplo, La suerte ó la muerte y Elegía, aria y coda a Gabriel Fauré. Vicente Aleixandre lo cultiva con su proyecto poético de raíz surrealista. Su postura se interpreta como un aislamiento interior, si bien algunas de sus obras, como Sombra del paraíso, se ha interpretado como referencia a la España perdida. Su evolución desde 1960 hacia una concepción mística es paralela de la que se produjo en los autores del exilio, Poema de la consumación, Diálogos del conocimiento. Entre los autores que salen al exilio se generaliza en un primer momento el tema de la derrota de España perdida asociado a la frustración y a la condición de exiliado. En Rafael Alberti el tema se convierte en un motivo recurrente en libros como Entre el clavel y la espada, Canciones del alto Paraná y Roma, peligro para caminantes. En su obra se observa también la tendencia semejante a la de Gerardo Diego, en la que el mundo de la pintura, la música y lo taurino ocupan motivos estéticos en sus obras: Los nueve nombres de Picasso y El cordobés dilucidado. Hay que señalar como evolución común la tendencia a una poesía de lo absoluto, de concepción cercana a la mística, que resume la evolución del ´27 con una vuelta a la poesía pura según el modelo que desarrolla Juan Ramón Jiménez también en el exilio. Así los libros de Pedro Salinas El contemplado y Todo más claro, y de Luis Cernuda Las nubes y Desolación de la quimera.

Tema 3

TEATRO ANTERIOR A 1936

1. MODERNISMO

• INFLUENCIAS E IDEOLOGIA

• CONCEPCION ESCENICA

• AUTORES: EDUARDO MARQUINA,FRANCISCO VILLAESPESA, HNOS. MACHADO, JOSÉ MARIA PEMAN

• OTROS AUTORES

• INFLUENCIAS E IDEOLOGIA

• CONCEPCION ESCENICA

• AUTORES: JACINTO BENAVENTE

-SAINETE: AUTORES: HNOS. ALVAREZ-QUINTERO, CARLOS ARNICHES

- COMEDIA ASTRACANADA: AUTORES: PEDRO MUÑOZ SECA

1.4 LOS RENOVADORES: UNAMUNO, AZORIN. JACINTO GRAU, VALLE-INCLAN, RAMON GOMEZ DE LA SERNA.

2. GENERACION DEL 27

2.1 LA COMEDIA: JARDIEL PONCELA, MIGUEL MIHURA,

2.2 EL DRAMA: ALEJANDRO CASONA, MAX AUB, ALBERTI, MIGUEL HERNANDEZ, LORCA

1.MODERNISMO: dentro del largo período modernista se distinguen cuatro etapas: el drama histórico en verso, el drama burgués, la comedia y el grupo de los renovadores.

- influencias e ideología: es un género, en gran medida, correlativo a la poética modernista-esteticista. Como corresponde a esta poética, que es una evolución extrema de las poéticas del Romanticismo, en teatro se recupera un género, la reconstrucción histórica a través de la versificación de diálogos que tuvo su origen en el s. XIX

- concepción escénica: la ambientación histórica coincide perfectamente con el escapismo característico del movimiento. Además, permite una expresión práctica de la ideología restauracionista (recuperación de valores morales aristocráticos) de los modernistas. Así, los episodios de la historia seleccionados son tratados desde una perspectiva épica, ejemplificantes de unos valores que no se corresponden con la moral burguesa del momento. La renovación métrica y rítmica que, desde la retórica simbolista, los modernistas habían operado en el verso en castellano es la principal aportación formal a este género. Generalmente, en él se respetan las tres unidades. No renuncian, sin embargo, al cambio de escena debido al efecto que producía en el público. Del mismo modo se mantiene el monólogo como fórmula de cierre entre actos, en la que se acumulan expectativas de recepción.

- autores:

Eduardo Marquina (1879-1956): autor en el que la ambientación de sus obras se sitúa mayoritariamente en el medievo y el renacimiento, como corresponde a su origen catalán y como demuestra su primera obra Benvenuto Cellini.

Obra: su primer gran éxito fue Las hijas del Cid (1908), recuperando la figura reivindicativa en aquel periodo por los intelectuales del ´98, en especial Menéndez Pelayo. La obra dramatiza los hechos de la Afrenta de Corpes, pero siempre desde la perspectiva heroica de exaltación de tópicos como la honra, el honor ó la venganza. Esta obra también le vale la fidelidad de María Guerrero como actriz, sumando así un nuevo elemento para el éxito. También de tema medieval Doña María La Brava, sobre la figura de María de Padilla, personaje histórico que tuvo bastante extensión en este género. Otra obra del mismo tema medieval es En Flandes se ha puesto el sol. Marquina también intentó abrir la temática del drama histórico al tema hagiográfico (vida de santos), en obras como Santa Teresa. De estos intentos de abrir el tema para el teatro en verso quizá el más destacado sea el del drama rural, en su obra La ermita, la fuente y el río, en la que no consigue hacer compatible el lenguaje elevado necesario para la tragedia y el habla popular regional característico de ambientes rurales.

Francisco Villaespesa (1877-1936): nació en Almería. Su concepción modernista se enmarca en el “Colorismo Andalucista”, de ahí que la exuberancia sensorial, así como el escapismo hacia lo exótico sean rasgos que identifican su teatro histórico.

Obra: su obra de mayor éxito fue El alcázar de las perlas (1911), en la que utiliza el pasado arábigo-andaluz para ambientar la acción, lo que le valió la caracterización de autor de ambientes exóticos. Trata también la ambientación hispanoamericana en sus obras Bolívar y El sol de Ayacucho. Aparte de estas escribe también obras en la línea de recuperación del pasado medieval, como María de Padilla.

Hnos. Machado: realizaron su producción dramática utilizando una versificación como corresponde a la concepción poética de Antonio Machado más contenida, en busca de una visión poética más auténtica, cercana a lo popular.

Su obra se divide en 2 líneas:

*por un lado cultivan el drama histórico, pero dando una perspectiva ideológica alejada del planteamiento restauracionista. En primer lugar, la selección de los personajes históricos, que demuestran una preocupación por el drama personal, íntimo, alejado de la época de Marquina ó Villaespesa. Así, en Juan de Mañara, personaje perteneciente a la corte que abandona el mundo cortesano y elige la vida del ascetismo. En esta misma línea está la obra Julianillo Valcárcel, figura de un bastardo que hace d bufón en la Corte.

*en una línea de teatro de corte popular y carácter simbolista, destaca la obra La Lola se va a los puertos, que simboliza el espíritu del pueblo andaluz, que se disputan bajo la apariencia del requerimiento amoroso, los arquetipos de la sociedad andaluza. En esta misma corriente se sitúa Las adelfas.

José María Pemán (1898-1981):es el continuador más sólido de este género histórico, que lo llevara hasta la Guerra Civil. Por nacimiento pertenece a la Generación del ´ 27.

Obra: aunque su primera obra, El divino impaciente (1933), está ya muy alejada del período de más éxito del drama histórico, encuentra un público entusiasta en las corrientes conservadoras de oposición a la República. Su teatro representa, a través del modelo de ejemplificación heroica en la historia, los valores de la España imperial que constituyeron el programa ideológico del Nuevo Régimen. Destacan sus obras Cuando las Cortes de Cádiz, una crítica al Parlamentarismo, y Cisneros, que presenta a uno de los personajes históricos que junto con los Reyes Católicos fue ejemplo para el programa nacionalista.

- otros autores: sin duda la mejor obra de este género es Mariana Pineda, de Federico García Lorca. En ella, y siguiendo la tendencia de los Machado, se elige un hecho histórico que ejemplifica valores más acordes con el programa moral del s. XX.

También en esta líneas de teatro histórico estarían algunas de las primeras obras de Valle-Inclán, centradas en conflictos locales y siempre con referencias al carlismo, como por ejemplo Voces de gesta.

Este estilo produce un género paralelo de deformación satírica, cuyo principal representante es La venganza de Don Mendo, de Pedro Muñoz Seca. En ella la forma poética es reducida al mínimo, y el argumento reproduce por hipérbole los tópicos del género que culminan en una acumulación truculenta de muertes sin sentido como desenlace trágico.

- influencias e ideología: consecuente con la ascensión de la burguesía del período industrial y paralelo al realismo en narrativa, el teatro de finales del s. XIX busca ambientaciones y temas más cercanos a la realidad social y moral de esta clase. Producto de ello es el teatro realista de Anton Chejov y Enrik Ibsen

- concepción escénica: estos modelos, que buscan en la ambientación burguesa un medio para dramatizar cuestiones propias de la edad moderna, son las utilizadas simultáneamente al drama histórico como una forma de innovar en el género dramático sin perder el efecto comercial.

- autores:

Jacinto Benavente (1866-1957): es el principal representante del drama burgués. Su teatro recibe un temprano reconocimiento. Obtuvo el premio Nobel. Su gran mérito en teatro consiste en traer a la escena española la ambientación burguesa y los personajes de la alta comedia basados en el tópico “discreto encanto de la burguesía” como fórmula de un drama que pretende identificar los intereses de la pequeña burguesía con los de la alta.

Obra: en El nido ajeno (1898) hizo pensar a sus contemporáneos que sería el representante de la Generación del ´98 en teatro, sin embargo, cede a la revisión crítica en busca de una fórmula más acorde con los intereses comerciales. Dentro del drama de ambientación burguesa, Benavente, utiliza dos tipos de obras:

*las de primer tipo son dramas basados en hechos de actualidad reflejados en la prensa del momento y que constituían un motivo de inquietud que aprovecha el autor. Así, obtiene su primer gran éxito con su obra La comida de las fieras, en la que aborda la caída en la ruina de una familia altoburguesa y su asedio por acreedores y subasteros. En esta misma línea estarían obras como Lo cursi, La noche del sábado ó La mariposa que voló cerca del mar.

*una segunda línea es la representada por los dramas situados en Moraleda, que representa una ciudad provinciana. En estos dramas el tema se centra más en el comportamiento individual frente a la presión por lo rígido de las costumbres en la sociedad provinciana. Obras como Las cigarras hormigas ó Pepa Doncel, en la que la protagonista vive como viuda respetable que con la visita de una antigua amiga comienza una transformación en la cual surge la verdadera Pepa Doncel, que esconde un pasado de vida comprometida.

Benavente también intenta dar con una fórmula para el drama rural, cuyo éxito venía avalado por La Dolores de Feliu y Codina, aunque se encuentra con los mismos problemas que su predecesor, Marquina, por el desfase que supone la ambientación realista y el lenguaje pulido. Las dos obras que escribe en esta línea son Señora ama, sobre el tema de la mujer en el matrimonio, y La malquerida, sobre el incesto entre hijastra y padrastro. En general, el teatro de Benavente busca el éxito del público sin excesiva carga ideológica, hecho que queda patente en sus obras Santa Rusia (1936), en la que el último acto se cierra con la Internacional y un escenario plagado de banderas rojas, y Aves y pájaros (1940), en la que se aporta una visión desde el lado de los vencedores de la Guerra Civil. Sin duda, su mejor obra es Los intereses creados, obra que queda un tanto al margen de su producción teatral, ya desde la ambientación que se sitúa en los siglos de oro. Utiliza en la estructura dramática las claves de la llamada “comedia dell´arte”, género característico de compañías itinerantes, sobre todo a partir del s. XVIII, que utiliza una serie de personajes fijos, arquetípicos, con personalidades bien conocidas por el público: el capitán Spavento ó Spagnolo (el bravucón), Arlequín (poeta enamorado), Colombina (joven amante), Sirena (prostituta alcahueta) y Polichinela (viejo rico jorobado). Estos personajes se someten a tramas fijas e igualmente conocidas. Benavente utiliza buena parte de estos personajes para reflejar arquetipos de la sociedad burguesa, aunque presenta un personaje geminado, Leandro (el enamorado), de moralidad aceptable, y Crispín, verdadero protagonista, pícaro que somete a los personajes a una red de intereses que le lleva a aceptar como reales sus falsas identidades frente al cumplimiento de la justicia. Es una crítica implícita a la moral burguesa, y para que sea aceptada por el público, el autor la pone en clave de farsa (personajes degradados), y en diálogo directo con el espectador.

En esta línea de teatro burgués, cultivada por otros autores, tiene en Gregorio Martínez Sierra a uno de sus principales representantes, reconocido como innovador, pero que la crítica defiende que sus obras fueron escritas por su mujer, María, y luego firmadas por él. La obra más importante es Canción de cuna.

- la principal fórmula para esta primera veintena es el SAINETE que, como corresponde al período, es una fórmula continuadora del sainete decimonónico iniciado por Don Ramón de la Cruz y Mesonero Romanos. Estas obras, desarrolladas como divertimento en un solo acto, utilizan la ambientación costumbrista popular y la deformación lingüística, desde el habla regional como fórmulas principales de su comicidad. Sobre esta misma fórmula se crean las zarzuelas, alternando escenas musicales con desarrollos en diálogo.

Autores:

Hnos. Alvarez-Quintero: de nombres Serafín (1871-1938) y Joaquín (1873-1944). Son los primeros en utilizar en escena, en el s. XX, el sainete. Por nacimiento pertenecen a la Generación del ´98.

Obra: en 1907 estrenan El ojito derecho y La reja, dos sainetes cuya principal novedad reside en su ambientación andaluza. Los personajes constituyen arquetipos deformados de la realidad social, aprovechando así la corriente ideológica popularista que tenía como principal motivo el folklore andaluz. Aunque han sido considerados por la crítica del momento como conservadores y depositarios de la esencia del andalucismo, la crítica actual ve en sus obras el instrumento de una ideología conservadora que presenta como modelos de comportamiento aquellos convenientes a la burguesía pujante. Otros sainetes de los Alvarez-Quintero: Las de Caín, Malvaloca ó Los milagros del jornal.

Carlos Arniches: es el continuador del sainete de ambientación madrileña.

Obra: con El santo de la Isidra inaugura dicho género, que desarrolla divertimentos cómicos en un acto recopilados en el libro Del Madrid castizo ó en sus obras extensas en tres actos. La trama argumental reproduce la estructura de dos personajes tópicos, el chulo bravucón, cobarde y vividor, y el joven honesto, sincero y honrado, que se enfrentan para conseguir el amor del personaje femenino, el joven ayudado por un personaje de edad, sentencioso, representante del sentido común popular. La ejemplarización sobre la figura del trabajador perfecto y la objetualización de la mujer como premio han sido argumentados como muestras de la ideología conservadora del género. Quizá, respecto del sainete, su mejor aportación fuera la creación de un lenguaje literario a partir de usos de las hablas populares en ambientes castizos, que a veces constituyó una influencia, sobre todo por medio de frases hechas, para el madrileñismo. A partir de la década del ´20, Arniches, aborda la creación de un nuevo género, que denomina “comedia grotesca”. Con una estructura dramática de tragicomedia, utiliza los planteamientos propios de la comedia, es decir, el enredo y los personajes tópicos (sin verdadera actitud humana, sino sólo con faceta cómica). Sin embargo, el desenlace revela la verdadera dimensión humana de los protagonistas, habitualmente a través de un monólogo que hace de la burla una crueldad y de la comedia un drama. La señorita de Trévelez, primera comedia grotesca, gira en torno al personaje de una solterona y al engaño de un novio tardío aderezado con los tópicos cursis del noviazgo, se desenlaza la tragedia personal del papel de la mujer en la sociedad. Otras comedias grotescas de Carlos Arniches son El tío Miserias, El señor Badanas,... Arniches también intentó una fórmula de sainete de ambientación andaluza con Gazpacho andaluz, así como de ambientación levantina en Doloretes.

- el segundo género cómico trascendente es el de la COMEDIA ASTRACANADA. También llamada “comedia de Astracán”, basa los aspectos cómicos en los juegos verbales, en especial el retruécano, sobre el cual se establece un equívoco que provoca un enredo cómico. Sobre esta estructura aparecen unos personajes característicos, emparentados con la picaresca y conocidos como “frescos”.

Autores:

Pedro Muñoz Seca (1881-1936): en su obra Las hijas del rey Lear utiliza un método característico de la comedia astracanada, basada en el uso de personajes clásicos degradados (de Shakespeare), así como el asunto de una obra clásica igualmente degradado.

Otras obras astracanadas: Los extremeños se tocan, La tonta del bote (de Pilar Millán Astray), El chanchullo,...

- en oposición al teatro levemente innovador sobre géneros decimonónicos como fórmula comercial aparecen concepciones teatrales puramente artísticas, cuya preocupación es la búsqueda de una fórmula dramática acorde con las corrientes ideológicas del siglo. En la mayor parte de los casos sin éxito de público, estos autores encuentran en la estética expresionista una fórmula escénica de relevancia al diálogo como principal elemento para el drama.

Autores:

Miguel de Unamuno (1864-1936): mantiene en su teatro los postulados retóricos e ideológicos comunes en toda su obra. Así, su principal característica es la desnudez escénica: se trata de eliminar los elementos superficiales, incluso eliminar el decorado, reducido a simbólicas túnicas, de tal forma que es la densidad del diálogo la principal responsable de crear la tensión dramática. En cuanto a la temática, es la superación de la muerte, la trascendencia vital y la dialéctica de los contrarios. Los personajes representan conceptos universales del comportamiento humano. No tienen verdadera dimensión personal, y en la mayor parte de los casos se encuentran divididos por impulsos alternativos que se contradicen. De aquí el nombre de “dramas de la conciencia escindida” para sus obras.

Obra: su teatro no tuvo especial éxito. Sus traducciones y adaptaciones de tragedias clásicas como Medea, de Séneca (que tradujo), y Fedra, de Eurípedes (que adaptó, y fue considerada “cristianización del mito”) que fueron las de mayor repercusión. Entre sus dramas destacan La esfinge, Sombras de sueño (titulada en un principio Tulio Macedo y Julio Montalbán y que representa el drama de un personaje de la independencia americana cuyo “yo humano” ó “intrahistórico” está siendo destruido por su “yo histórico”) y El otro (obra en la que, sobre el planteamiento de una investigación policial sobre un crimen, se plantea el tema del doble, pues el muerto y el asesino son gemelos. La obra gira en torno a la posibilidad de establecer la verdadera identidad de víctima y asesino).

Azorín (1873-1957): su teatro es considerado como un teatro de renovación formal sin su consiguiente renovación ideológica. En este sentido, su teatro mantiene la ideología conservadora característica del teatro comercial (basada en la identificación de los intereses de la pequeña burguesía con los de la alta burguesía oligárquica). Formalmente, puesto que casi la totalidad de sus obras se sitúa con posterioridad a la influencia surrealista, su teatro reproduce técnicas características del surrealismo, sobre todo por la preocupación compartida en cuanto al tema de la muerte y el tiempo. En muchos casos en el planteamiento de la obra la situación es de carácter onírico, si bien el desarrollo de la obra permite una lectura perfectamente racional.

Obra: en Old Spain se propone la renovación de la aristocracia a través de los valores económicos y morales de la burguesía americana, por el matrimonio entre la condesa y un rico indiano. En Brandy, mucho brandy la temática es la referencia a la cultura británica a través de la figura del albacea Mr. Frogg, quien debe asistir anualmente al cumplimiento de la cena ritual exigida en la herencia. La trilogía compuesta por las obras breves El segador, Dr. Death de tres a cinco y La arañita en el espejo tiene como temas la muerte y el tiempo, que aparecen abordados desde una perspectiva, al tiempo que estructural, simbólica. Del mismo modo, en Angelita un anillo funciona como máquina del tiempo. Con su obra La guerrilla (1936) se cierra su teatro. En ella la actitud heroica e irracional de los españoles es opuesta a la inteligencia estratégica de los franceses.

Jacinto Grau (1877-1958): su teatro no tuvo especial repercusión en España. Sin embargo, sus obras se tradujeron y representaron en Praga, París y E.E.U.U. Aunque fue influido en gran medida por el expresionismo, su teatro aborda el desarrollo psicológico de los personajes, debido a sus orígenes naturalistas, como principal técnica dramática. Su obra cultiva el drama histórico en prosa, como en El Conde Alarcos, aunque quizá sus obras más representativas sean aquellas en las que se revisa y actualiza un mito clásico en la línea característica del novecentismo, como en El señor de Pigmalión.

Ramón del Valle-Inclán (1866-1936): su obra dramática tiene como principal característica su teoría dramática del esperpento, estética que define a partir de 1920, aunque varios rasgos (procedimientos retóricos) que caracterizarán al esperpento pueden encontrarse ya en sus primeras obras. En cualquier caso, la estética expresionista, en este caso desde la deformación más ó menos acentuada de los personajes, y el asunto dramático, es rasgo común de todas las etapas de su teatro.

Su obra teatral se divide en tres etapas:

- CICLO MITICO: tiene como rasgo común la situación en la Galicia rural en la que la superstición se convierte en algo real incorporado a la acción como realidad cotidiana. Está formado por la trilogía Comedias bárbaras (Aguila de blasón, Romance de lobos y Cara de Plata). Aborda la historia del terrateniente Juan Manuel de Montenegro (protagonista de las dos primeras, que datan de 1907). En ellas es presentado como un ser demoníaco, amancebado con su ahijada, que rechaza a sus seis hijos, quienes se disputan la herencia materna. En la segunda, Montenegro adopta a los pobres y desarrapados como verdaderos hijos y herederos. Cara de Plata (1922) aborda hechos anteriores a las otras dos, y está escrita por la necesidad de situar en un contexto el desenlace de las dos obras anteriores. El protagonista es Cara de Plata, hijo de Montenegro, que disputa a este el amor de la ahijada, de donde se desencadena la tragedia posterior. Presenta de forma explícita escenas cruentas y de violencia, por lo que se ha considerado un antecedente del surrealista “Teatro de la crueldad” de Antonin Artaud. El ciclo se cierra con Divinas Palabras (1920), dramatización simbólica de hechos históricos, que adelanta el código doble característico del esperpento. En ella, Mari Gaila y el Marica del reino se disputan a Laureaniño, un enano hidrocéfalo, para explotarlo en las ferias. La situación es una deformación de los Pactos de El Pardo de Alfonso XII, según los cuales, el conservador Cánovas (representado por Pedro Gailo, sacristán) y Sagasta (liberal representado por Marica, el vividor) se alternaban el gobierno de España, representada por el enano hidrocéfalo. La obra se desencadena por el adulterio en que es sorprendida Mari Gaila. El sacristán intenta detener su lapidación por el pueblo, y lo consigue al pronunciar las palabras en latín, símbolo de la incomprensión reverente del pueblo para el lenguaje de los políticos.

- CICLO INTERMEDIO: formado por las obras La cabeza del dragón, La Marquesa Rosalinda, Farsa y licencia de la enamorada del rey y Farsa de la reina castiza. Las dos últimas (1920) constituirán, junto con Divinas Palabras, los antecedentes inmediatos del esperpento, puesto que en ellas la deformación característica de la farsa presenta ya rasgos de animalización, munequización e igualación prosopopéyica.

- CICLO ESPERPENTICO: el esperpento es entendido por Valle-Inclán como algo más que una estética. Para él es un medio de abordar el conocimiento, la comprensión de la realidad trascendente, en sentido análogo a los movimientos artísticos que en este periodo ven en el arte un medio de trascender a la realidad aparente. La teoría poética del esperpento aparece reflejada en tres perspectivas: la primera de ellas en boca de Max Estrella en Luces de Bohemia, quien define el esperpento como una deformación de la realidad, así como una deformación del teatro clásico utilizando la metáfora de los espejos cóncavos del Callejón del Gato, deformación esta que es la única estética válida para el momento histórico de España. Según esto, el esperpento permite acceder, a través de la deformación de la realidad, a la verdadera realidad de España, más allá de la realidad aparente. El segundo punto de vista aparece en boca de Don Estrafalario en Los cuernos de Don Friolera; define el esperpento como una superación de la risa y el llanto, por encima de comedia y tragedia. Según esto, el esperpento elimina lo sentimental como forma de atraer al lector al asunto dramatizado, proponiendo una lectura intelectualizada relacionada con la concepción novecentista y vanguardista. Por último, y a través de declaraciones directas, Valle-Inclán define el esperpento en términos de “teoría de los géneros literarios”. Señala que según la relación entre el autor y los personajes tendríamos: la épica, en la que los personajes están por encima del autor, que los contempla de rodillas; la tragedia, en que los personajes comparten su condición humana con el autor, que los contempla de pie; y el esperpento, en que el autor se eleva por encima de los personajes, contemplando los hilos que los mueven.

Retórica lingüística del esperpento: los tres pilares del esperpento (presentación de lo irreal como verosímil, deformación sistemática de la realidad y código doble) se consiguen mediante los siguientes recursos:

- presentación de lo irreal como verosímil, a través de la selección y encadenamiento de escenas tomadas de la realidad que presenta elementos grotescos.

- contrastes violentos, desde la escenografía, escenas luminosas en ambientes elevados frente a escenas oscuras en ambientes marginales, contraste que atañe a la clase a la que pertenecen los personajes así como al registro lingüístico que utilizan.

- la muerte como personaje esencial, cumpliendo la función igualadora característica de las danzas de la muerte medievales.

- muñequización de los personajes, despojándolos de su condición humana de forma que constituyen, a veces, una deformación de personajes del teatro clásico, y se comportan como peleles a los que se impone la situación.

- animalización, caracterización de humanos con rasgos animales, que tiene como contrapartida la igualación prosopopéyica, humanización de los animales.

- desgarro lingüístico de los personajes. Aparecen usos lingüísticos contradictorios por su pertenencia a distintos registros. Así, un mismo personaje puede utilizar giros característicos de la lengua culta y citas, y al mismo tiempo expresiones de hablas vulgares y argots de los mundos marginales.

- libertad formal. Para la construcción del esperpento, Valle-Inclán rechaza lastres unidades adoptando la estructura que más conviene a la obra, en muchos casos incorporando prólogo y epílogo como fórmulas para una lectura intelectual de la obra.

Obra: Luces de Bohemia (1920-1924) constituye su primer esperpento, en el que se aborda como asunto un viaje a través de una noche en el Madrid de la época de Max Estrella, el escritor ciego y bohemio. La obra se divide en quince escenas, de las cuales la primera y las tres últimas constituyen el marco en el que se cumple como desenlace lo prevenido en la primera escena, el suicidio de Collete y Claudinita, mujer e hija de Max Estrella. Las escenas que van de la segunda a la doce están dispuestas como una deformación del asunto de la divina comedia, simbolizando un descenso a los infiernos en los calabozos de la Puerta del Sol desde la buhardilla en la que vive el protagonista. En este descenso, Max Estrella, es acompañado por su personaje geminado, Don Latino de Híspalis, que frente al romántico presenta el lado del superviviente práctico. En la obra aparece representado el mundo de la cultura, a través de Zaratustra y Rubén Darío, el mundo de la política, con la figura del Ministro, y, sobre todo, la represión, representada por el preso catalán.

Martes de carnaval, trilogía formada por La hija del capitán, Las galas del difunto y Los cuernos de Don Friolera, presenta el mismo asunto desarrollado en los tres asuntos genéricos que definió Valle-Inclán para el teatro. Son trece escenas: de la dos a la doce trata del esperpento. El teniente de la Guardia Civil, Don Friolera, es acusado por sus compañeros para que vengue el honor del cuerpo de la Guardia Civil. En la huida dispara y mata, por error, a su hija. En la primera escena se desarrolla el nivel de la tragedia. En ella Don Estrafalario y su compañero asisten a una representación pública, cuyo desenlace es la salvación de la mujer tras fingirse muerta. La escena trece y última aborda el nivel de la épica. Don Estrafalario y su compañero escuchan desde la cárcel un romance de ciego en el que Don Friolera venga su honor matando a su mujer, por lo que es condecorado. La obra presenta una deformación del asunto del Ottelo de Shakespeare, basado en una moral caduca y la presión social como fuerza muñequiza al protagonista. El último de los esperpentos es una tetralogía de obras en acto llamada Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte, formada por La rosa de papel, La cabeza del bautista, Ligazón y Sacrilegio. En ellos, avaricia y lujuria son presentados como motivaciones del comportamiento humano que culminan con la muerte.

Ramón Gómez de la Serna (1888-1961): su concepción teatral preconiza rasgos del teatro surrealista, así como del teatro del absurdo que se desarrollará a partir de 1950. Como en Valle-Inclán, su teatro fue un modelo sin éxito. Esta fórmula dramática tiene sus características especialmente significativas:

- ruptura con las convenciones sociales como punto de partida argumental y escénico, emparentado con el “épater les bourgeois” del teatro dadaísta-surrealista.

- intención antiteatral, concepto de “teatro para ser leído en la tumba fría”, teatro sin acción que enlaza con las técnicas de distanciamiento del teatro racionalista y el antiteatro del teatro del absurdo.

En sus obras La utopía, Los unánimes y Los medioseres utiliza una simbología en la escenografía de carácter onírico similar a la del teatro surrealista.

2. GENERACION DEL 27: pese a que existen rasgos, influencias y evoluciones comunes, el grupo mantiene sus peculiaridades individuales, que responden a concepciones dramáticas particulares, que se basan en teorías opuestas, similares a los expuestos en la “Poesía de la Generación del 27”. Distinguiremos comedia y drama.

2.1 LA COMEDIA: AUTORES

Enrique Jardiel Poncela (1901-1952): es el principal renovador del grupo, renovación que realiza sin romper con la ambientación burguesa realista sin establecer tampoco una crítica colectiva, sino particular e individual. Su comedia es un antecedente del teatro del absurdo, en ella el efecto cómico se basa en la solución disparatada de situaciones inverosímiles, muy en la línea de los Hermanos Marx. Para mantener el principio de verosimilitud divide a sus personajes en dos bloques:

- personajes altoburgueses de comportamiento extravagante en el tono de “los felices años veinte”

- personajes que mantienen actitudes racionales y consecuentes con la convención social, que conservan el vínculo social con el espectador.

Obra: en Un adulterio decente y Cinco corazones con freno y marcha atrás utiliza el recurso de la juventud para tratar el tema del conflicto generacional. Su mejor obra es posterior al ´36: Eloisa está debajo de un almendro.

Miguel Mihura (1905-1979): aunque desarrolló gran parte de su obra tras la Guerra Civil, su mejor obra es Tres sombreros de copa, que anticipó el teatro del absurdo de la década del ´50, fue escrita en 1932, si bien no representada hasta 1952. En ella no sólo la actuación, el movimiento y la escenificación de los personajes está culminado por el absurdo, sino también el lenguaje, utilizando este como una fórmula crítica de revelar las incongruencias de las convenciones sociales en la moral burguesa. Lo que caracterizará a su teatro anterior al ´36 así como al de la posguerra serán las obras escritas en colaboración con humoristas cercanos a la revista “La Codorniz”, con Tono, Gila,...

2.2 EL DRAMA: AUTORES

Alejandro Casona (1900-1965): es presentado por la crítica del momento como renovador del drama burgués. Su renovación no afecta a la concepción escénica ni a la concepción del teatro como drama individual. Sin embargo, aporta el tema característico de la generación: la oposición entre ideal y realidad.

Obra: su obra La sirena varada obtiene el efecto dramático por el desarrollo del universo individual idealizado que choca con la realidad, la cual se impone frustrando su mundo. Tema similar desarrolla en Otra vez el diablo (1935). Anterior a 1936 escribe Nuestra Natacha, en la que trata los abusos en los orfelinatos. Formó parte también del proyecto de las misiones pedagógicas con su compañía “La pájara pinta”, para la cual escribió una serie de obras en un acto de teatro infantil recopiladas en su Retablo jovial.

Max Aub (1903-1972): autor, en el marco de las “misiones pedagógicas” (grupos de cultura itinerante que actuaban en lugares poco cultos), de un grupo de obras en un acto, agrupadas en Teatro incompleto, en las que la influencia del teatro de vanguardia, sobre todo en la estructura escénica, es su principal característica. Así, la escenografía simbólica, el pespectivismo, el tema de la incomprensión y la alienación humana, así como un acento social latente ya en el proyecto de las misiones son rasgos comunes a estas obras: Crimen, que aborda el tema de la incomunicación por la imposibilidad de desvelar un crimen por las confesiones incompatibles de los testigos, y Una botella, que aborda el tema del pespectivismo y la alienación, con la presencia de una gran botella en el escenario, vista de forma distinta por cada uno de los personajes e ignorada en realidad por todos ellos.

Tras la Guerra Civil, en el exilio, su teatro profundiza en el compromiso social, adoptando una línea semejante al teatro racionalista de Bertold Brecht.

Rafael Alberti (1903-1999): su teatro presenta la misma variedad de estilos que su obra poética. Así, tradición y vanguardia, lo popular y lo culto, tiene cabida en su teatro.

Obra: El hombre deshabitado (subtitulada como “Auto sacramental sin sacramento”) presenta la escenografía simbólica característica del teatro realista, enlazando con la abstracción conceptual dogmático-religiosa del auto sacramental del s