ARTE CONTEMPORANEO

Movimiento artístico que se da a finales del S.XIX hasta nuestros días, propagado tras el “impresionismo”, es muy Vanguardista ya que los artistas van por delante de la sociedad.

En 1850 se inventa la fotografía, y entonces la pintura se vuelve más fiel a la realidad, por ello desaparece en el arte: el retrato, temas religiosos, pinturas por encargo, etc.

Aparece lo que se denomina “EL ARTE POR EL ARTE”. El primer pintor vanguardista es GOYA.

FAUVISMO

Es el movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908) que revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo.

Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado, carente de dramatismo en luminosidad.

El término fauves, literalmente `fieras', fue una etiqueta peyorativa aplicada por la crítica con motivo de la primera exposición, en el Salón de Otoño de 1905, aunque los miembros del grupo ya pintaban en ese estilo con anterioridad a esta fecha. Sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz y Henri Matisse, su principal exponente. El término fauves nunca fue aceptado por los propios pintores y, de hecho, no describe de ningún modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes.

OBRA DEL MUSEO

En España el fauvismo tarda en venir, pero uno de los más representantes pintores es Juan De Echevarria el cuál en 1919 hace la obra “ITURRINO”, una pieza de óleo sobre lienzo, lleva el color al límite, desaparece el tema, también pierde la perspectiva.

ITURRINO

EXPRESIONISMO

Expresionismo, corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. Nace en (1905-1906) en Alemania.

El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. Los pintores deciden dibujar a gente de la calle, marcando así la diferencia de clases.

OBRA DEL MUSEO

En el museo se puede observar una pieza del pintor francés “NONELL”, del año 1909, se da la técnica con: pinceladas largas.

Es una figura abstracta, perfilada en negro que contiene inestabilidad. De ella se puede intuir que es una mujer recogida en una manta, y que se encuentra tapada debido al frío de la calle, donde seguramente vive.

NIEBIT

LA TERTULIA DEL CAFÉ DEL POMBO

Obra de José Gutiérrez Solana creada en 1920.

En esta pieza se pueden ver a 9 hombres sentados en las famosas cafeterías de principios del s.xx. Entre ellos se encuentra Ramón Gómez de la Serna. Estos hombres están hablando de la crisis económica y política de la época. En la parte trasera no se sabe si lo que hay es un espejo o un cuadro, con un hombre y una mujer. Todos toman ron traído por aquella época de Centroamérica, y en el ángulo superior derecho una lámpara ilumina la escena principal.

CUBISMO

Movimiento artístico cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920.

Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía.

Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba que “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro” y está influido por el afán constructivo y geometrizante de George Seurat.

La expresión más frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas subyacentes. Otra fase de la pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva.

Para evitar todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante su primer periodo una paleta muy restringida de grises, marrones, verdes y amarillos, (el color tiene que ser plano) recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color. Después de 1914, durante el periodo sintético, muchos cubistas introdujeron colores más brillantes en sus obras.

Es también muy importante la superposición de las formas en las imágenes. Además se inventa por esta época la técnica del “collage”.

OBRAS DEL MUSEO DE PABLO GARGALLO

Gargallo decide de introducir el vacío dentro de sus piezas.

Por ello en la máscara del mechón de Greta Garbo creada en 1930, decide introducir una nueva forma con materiales de forja y recortado en chapa de hierro forjada, recortada y patinada. Esta es una pieza única., hecha a en honor a la famosa Greta Garbo en sus momentos más importantes como actriz.

Máscara Mechón de

Greta Garbo

EL GRAN PROFETA

Obra creada en 1933 por Pablo Gargallo.

Dimensiones: 236 x 75 x 45cm

Técnica y Materiales: Fundición a la arena en bronce patinado.

PABLO PICASSO (1881-1973)

Nacido en Málaga (pintor y escultor español), considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético, fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber.

Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco.

Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos; los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su alter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas.

De él se dice también, que utilizó a sus 5 mujeres como musas y que solían ser personas importantes.

Fue un artista que utilizo muchos estilos pictóricos a medida que evolucionaba a la modernidad: protocubismo, cubismo sintético, realismo y surrealismo.

OBRAS DEL MUSEO DE PICASSO

GUERNICA

El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española, la aviación alemana, por orden de Francisco Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. El cuadro no retrata el acontecimiento en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como: el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. Es una pieza que costa de unas dimensiones de 8m de largo x 3m de ancho.

Es un óleo sobre lienzo. Picasso realizó más de 60 bocetos preparatorios.

Cada elemento tiene un significado:

-Toro: España unida y fuerte.

-Caballo moribundo: Le atraviesa una espada, da significado de dolor y de traición.

-Guerrero caído: Da a intuir la cantidad de soldados que murieron en defensa de su pueblo.

-Madre con su hijo muerto: Evoca a la desesperación del momento, y la desolación.

-Mujer atrapada en llamas: Daba a pensar que la muerte quemado, es la más dolorosa y por ello mostraba los fuegos de los bombardeos.

-Figura Fantasmagórica

-Lámpara: Hay una teoría que dice que podía ser el ojo de Dios, y otra que dice que es la representación del bombardeo.

El cuadro permaneció en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981, año en el que regresó a España; aquí se emplazó en el Casón del Buen Retiro, junto al Museo del Prado, en Madrid, hasta que en 1992 se trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también en Madrid.

CABEZA DE MUJER LLORANDO CON PAÑUELO

LA MUJER DE AZUL

(1901)

JOAN MIRÓ (1893-1983)

Pintor español cuyas obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se encuentran entre las más originales del siglo XX. Entre sus obras del museo más destacadas se encuentran: “Mujer, pájaro, y estrella”, “Danza española”, “Paisaje”……

Miró también ha realizo entre sus piezas el logotipo del banco La Caixa.

LOGOTIPO LA CAIXA

“MUJER, PÁJARO Y ESTRELLA”

SALVADOR DALÍ (1904-1989)

Nació en Figueras, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista, del que más tarde fue relegado por sus ideas comerciales.

La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.

Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como: Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la

Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.

SUS OBRAS:

- El Hombre Invisible en 1930

Muchacha en la ventana de 1925.

-ARLEQUÍN (1927)

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