EL RENACIMIENTO.

Se llamó Renacimiento a la recuperación de los valores espirituales y formales de la antigüedad clásica. Entre los valores destacaron el estudio de las humanidades que perfeccionaban la naturaleza humana y preparaban al individuo para la vida política. Entre los formales exaltaron el arte grecorromano, aproximándose a los descubrimientos arqueológicos. Todo ello se inicia en Florencia, donde los filósofos y artistas la convierten en la capital del Renacimiento, al resucitar el antropocentrismo, la teoría de proporciones y las leyes de la perspectiva. Fue un arte humanista con prioridad hacia la figura humana y a sus dimensiones. El canon ideal de proporciones será de 8 cabezas y la altura total, será igual a la longitud de los brazos extendidos.

EL QUATTROCENTO:

Cobran importancia los Medici en Florencia, grandes mecenas. Que tenían el gusto por el aparato y por la belleza monumental, el lujo en las vestiduras y en las viviendas.

La arquitectura: Brunelleschi y Alberti:

-Brunelleschi:

Comenzó siendo orfebre y escultor. Se destaca la construcción de la cúpula de la Catedral de Florencia. Que consiste en cubrir el tambor octogonal con 2 cúpulas superpuestas, encofrando una dentro de otra y dejando 1 cámara de aire entre ambas, así, el peso de los materiales disminuía y su altura podía crecer. Trata de conjugar en sus proyectos elementos y las proporciones de la tradición romana con las perspectiva renacentista, que él inventó. Entre los elementos clásicos se decanta por las columnas de fuste liso cuando construye pórticos y basílicas, y por las pilastras estriadas cuando edifica capillas de planta central; usa los capiteles corintios de 8 volutas,tramos de entablamento que actúan de cimacio y arcadas de medio punto. La proporción se marcará por la distancia de separación entre los soportes, y las perspectiva, armoniza visualmente las masas en el espacio, graduándolas según las leyes ópticas. También se destaca la basílica de San Lorenzo, donde levantó la sacristía vieja cubierta sobre una cúpula sobre pechinas. En 1429 diseñó la capilla Pazzi para uso funerario. El pórtico exterior sobre columnas y la cúpula interior volteada sobre pechinas, juega con el color de los materiales, al utilizar la piedra gris para los elementos arquitectónicos y la cal para el revoque de los muros que proporciona claridad.

-Alberti:

Es un teórico que representa el saber universal del genio renacentista. Su misión será la de concebir mentalmente el edificio, confiando su ejecución material a los maestros de obras y albañiles. Realizó el palacio de Rucellai, que se inspiró en el coliseo romano, fragmenta la fachada en 3 pisos de órdenes superpuestos, cobijados por una amplia cornisa en saledizo. Sus primeros trabajos, consisten en remodelar edificios medievales, emascarándolos con portadas renacentistas, como la basílica de Santa Maria Novella de Florencia, le añadió una fachada de proporciones perfectas, dotada de sentido musical, asumiendo como módulo compositivo el cuadrado, o como el convento de San Francisco, que lo tapizó con un arco de triunfo romano, además lo estuchó con mármoles. Pero la construcción religiosa más importante fue San Andrés, donde introdujo elementos de la Antigüedad en su fachada, concebida nuevamente como un arco de triunfo y apeada sobre un podio, en cuanto a la planta, es de nave única con capillas entre contrafuertes.

La escultura: Ghiberti y Donatello:

-Ghiberti:

Orfebre de gran virtuosismo técnico, que se destaca por la ondulación en los pliegues y la delicadeza con que trata los detalles, que hará que gane el concurso para construir las Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia, las primeras las realizó Pisano, por lo que Ghiberti tuvo que fragmentarlas en 28 tréboles de 4 hojas y desarrollar en estos compartimentos 20 escenas del Nuevo Testamento más 8 imágenes de los evangelistas y doctores de la Iglesia que sitúa en el zócalo. También realizó las Terceras Puertas, que suponen la asimilación de planteamientos clásicos. Los cambios afectan al diseño, al tratamiento técnico del relieve y a las fuentes de inspiración. En la subdivisión de las hijas prescinde de las pequeñas casillas lobuladas y opta por 10 espacios cuadrados con escenas del Antiguo Testamento. En la narración de éstos adopta la perspectiva lineal y los complejos efectos de profundidad. Finalmente en los marcos con reproducciones de esculturas griegas y festones de flores, frutas y animales, muestra el respeto con que el nuevo arte observaba la Antigüedad y la Naturaleza. También labró estatuas independientes en la fachada de su capilla de Or San Michele con santos patronos de San Juan Bautista y San Mateo.

-Donatello:

Sus cualidades son el dominio que ejerció sobre todas las técnicas y materiales, la profundidad psicológica con que expresa los sentimientos y su imaginación creadora para definir la tumba, el púlpito, la cantoría, el altar y el monumento ecuestre del Renacimiento. Se le distinguen varias etapas, en la fase inicial en Florencia; luego Papua; y por último el posterior regreso a Florencia donde desarrolla un arte expresivo y nervioso. Los primeros trabajos son estudios destinados a decorar los principales edificios góticos de la ciudad: apóstoles para la Puerta de la Mandarla de la Catedrla, profetas para el Campanile y patronos gremiales para la capilla de Or San Michele. En éste realiza al evangelista San Marcos que representa el ideal del ser humano serio, honesto y responsable, y a San Jorge, que desprende vitalidad además incorpora novedades técnicas en el relieve de la Muerte del dragón, situado bajo sus pies. Simultanea aquí la perspectiva lineal con el schiacciato, consistente en graduar la composición mediante una sucesión de planos aplastados. Más tarde se asocia con el arquitecto Micheliozzo, componiendo un equipo que dará forma a la tumba y al púlpito. Este tipo de monumento funerario consiste en adosar a la pared un arco de triunfo romano y superponer en su interior, de abajo a arriba, el sarcófago sostenido por Virtudes, la inscripción conmemorativa que alude a la fama del difunto, y un tondo con la imagen de la Virgen. La tumba más famosa es la del Cardenal Reinaldo Branacci cuyas piezas fueron transportadas en barco hasta Nápoles para instalarlas en la iglesia de Sant'Angelo a Nilo. También construyó púlpitos al aire libre, como el de la catedral de Prato, en la esquina sur de la fachada para exponer la principal reliquia del templo: el Cinturón de la Virgen, que tiene 2 novedades, la plataforma está colgada de la pared en vez de apoyarse sobre una columna con base en el suelo y que el antepecho se decora con relieves de niños danzantes son los putti. Más tarde, en la Cantoría de la catedral de Florencia, volvería a utilizar la arquitectura suspendida y la ternura infantil. Su siguiente apuesta plástica se centra en el altar de piedra o bronce como el tabernáculo de la Capilla en Florencia, con el tema de la Anunciación, y 3 años después labró e de la basílica de San Pedro y antes de abandonar Florencia, exalta el cuerpo del adolescente en el David, que constituye el primer desnudo masculino europeo. Ya en Papua realiza los bajorrelieves con los Milagros de San Antonio donde triunfa el schiacciato. También, labró el monumento de la estatua ecuestre del caudillo Erasmo de Narni,” el Gattamelata”, donde resucita el modelo romano del emperador Marco Aurelio a caballo. Conjuga el naturalismo del caballo, sus arreos y la armadura clásica con la expresión abstracta del militar. En sus últimos años sufre una crisis religiosa anti-humanista, observable en la demacrada y temblorosa Magdalena penitente, símbolo de angustia.

La pintura: el Beato Angelico, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli:

La pintura italiana del siglo XV se caracteriza por poseer 2 direcciones: los artistas interesados por la línea y los preocupados por el volumen.

-Angelico:

Pintor de la línea, destacó como iluminador de manuscritos, cuya técnica dominará sus pinturas sobre tabla y frescos murales. Sus obras son herederas del gótico, utiliza colores rutilantes y fondos dorados, las imágenes se estilizan y la luz invade por igual toda la composición. Se destaca el retablo de La Anunciación, en la iglesia de Santo Domingo de Fiesole, también pintó 50 frescos con un arte minucioso y detallista para el convento de San Marcos.

-Masaccio:

Fundador de la pintura moderna y pintor del volumen, es el primer artista que construye con el color, preocupándose del volumen y de los efectos tridimensionales, sin ninguna concesión a la dulzura decorativa medieval. Se destacan los frescos de la capilla Branacci, con un ciclo iconográfico dedicado a San Pedro, siendo la historia más famosa El tributo de la moneda, que fragmenta en 3 escenas yuxtapuestas. En el centro Cristo es requerido por el recaudador de impuestos, el señor encarga a Pedro que pesque un pez, en cuyas entrañas hallará la moneda, este episodio está a la izquierda y el pago a la derecha. Los personajes presentan una gravedad psicológica y un carácter corpóreo. El fresco de La Trinidad para la iglesia de Santa María Novella es el primer documento conservado de la perspectiva matemática aplicada a la pintura. El Calvario, el Padre eterno y los donantes se recortan sobre un tabernáculo fingido, cubierto con una bóveda acasetonada, que crea un efecto de profundidad. Debajo pinta una falsa mesa de altar con un esqueleto y una tétrica inscripción.

-Piero della Francesca:

Pintor del volumen, combina la luz y el color en la construcción del volumen. Exalta estas intenciones en la capilla de los Bacci, situada en al prebisterio de la basílica de San Francisco que decora con la Historia de la Vera Cruz. Sus peculiariades son modelar al hombre, a los objetos y al paisaje mediante la fusión de luz y color; reducir la naturaleza a figuras geométricas; y usar la perspectiva con rigor matemático. Es uno de los primeros pintores cubistas.también es un retratista cortesano de príncipes y tiranos. Utilizará la técnica de veladuras al óleo como en la Virgen de Senigallia. Otra obra significativa es el Bautismo de Cristo.

-Botticelli:

Ha sido el mejor decorador lineal. La pintura que desarrolla es mitológica y tiene un contenido moralizante. Realizó 2 cuadros singulares: La Primavera y El Nacimiento de Venus, que simbolizan respectivamente el amor y la belleza. La Primavera fue destinado a celebrar las bodas de su propietario. Ante un bosquecillo de naranjos y flores, Venus, libera por una parte las Gracias, que bailan a su derecha junto a Mercurio, y por otra, a Flora, a la izquierda que es producto de la unión entre el viento Céfiro y la ninfa Cloros. Representó la gracia de las artes liberales y los vientos de la pasión en un paisaje de ensueño. El viento, la ninfa y Flora vuelven a aparecer en el Nacimiento de Venus. El modelo femenino de graciosa postura y armoniosos bucles se repite en Palas domando al centauro. Palas representa la sabiduría al haber nacido de la cabeza de Júpiter y los anillos que decoran su vestido son emblema de Lorenzo “el magnífico”. A partir de 1492, las siluetas flotantes, los vestidos de gasa y los tocados complicados desaparecen. Todo el encanto de la línea caligráfica se torna en nerviosismo dramático. Sus últimas obras están empapadas de un fuerte sentimiento religioso, que enlaza con la espiritualidad gótica.