INDICE

Contexto histórico…………………………………………………………2,3

Características de la pintura flamenca…………………………………….4,5

Temática……………………………………………………………………..6

El autor : Van Eyck………………………………………………………….7,8,9

Análisis de su obra………………………………………………10,11,12,13,14,15

Bibliografía…………………………………………………………………….16

La pintura Flamenca

CONTEXTO HISTÓRICO

Para entender la pintura flamenca debemos situarnos dentro del contexto histórico.

La pintura flamenca se inicia al mismo tiempo que el primer renacimiento en Italia, a mediados del siglo XV, en los Países Bajos y concretamente el reino de Flandes, región que se encuentra en una época de gran esplendor económico gracias a las relaciones comerciales que tienen con otros países cercanos, entre las ciudades más destacadas encontramos Gante y Brujas, se difundió por el resto de Europa durante la segunda mitad del siglo.

En la edad media se inició una transformación política, social y económica de Europa que finaliza en el XV con la aparición de la burguesía, de desarrollo económico de la ciudad, aumento en la población... Encontramos también un desarrollo a nivel comercial, aparece una nueva agrupación social, los gremios formados por grupos de artesanos, gracias a estos gremios los artistas encontraran un apoyo económico para realizar sus obras.

Aunque más adelante este concepto cambió pero en un principio el artista era considerado como un artesano y, por lo tanto, con un nivel de consideración bajo al no valorarse como oficio intelectual, es por ello que muchos de estos pintores no fueron reconocidos en su época, puesto que bastantes no firmaban sus obras hasta bien avanzado el siglo XVI. Tampoco se entregaron demasiado a la reflexión sobre su arte por lo que son escasas las biografías, así como las explicaciones sobre las técnicas, tampoco suelen teorizar sobre el movimiento como si lo harán los artistas italianos, aunque al final de la época algunos autores como Van Eyck empezaron a firmar obras.

La burguesía y la Iglesia se enriquecieron convirtiéndose en los mayores impulsores del arte, ya que eran estos quienes encargaban sus obras a los pintores pertenecientes a los gremios, la gran cantidad de encargos hizo que los talleres aumentaran en tamaño así como en número de trabajadores. Las técnicas empleadas fueron evolucionando, en número de artistas se fue incrementando, así como el nivel adquisitivo, algunos de ellos incluso tuvieron la oportunidad de formarse fuera del territorio.

La Iglesia también utilizó la pintura como medio para dar a conocer la religión entre la población ya que era en su mayoría analfabeta y por lo tanto les resultaba mucho más fácil de comprender.

París que hasta entonces era considerada como la capital del arte debido a la guerra de los 100 años dejó de serlo, así que muchos de los artistas que antes emigraban hacia allí por no tener recursos dejaron de hacerlo, ya que conseguían sus ingresos a través de la burguesía o la iglesia, el arte era cada vez más apreciado.

En cuanto al desarrollo de la pintura gótica en España encontramos que a mediados del siglo XV las relaciones comerciales con Flandes, inician el desarrollo de la pintura flamenca en nuestro país. Jan van Eyck, realiza una estancia en Barcelona y Valencia, introduciendo las formas flamencas en la península. Lluís Dalmau , es enviado a Flandes por Alfonso V el Magnánimo, para formarse en la nueva pintura burguesa. Su obra Virgen dels Concellers representa la influencia de las obras flamencas. Sin embargo en Cataluña se mantendrán con gran fuerza la pintura gótica y la influencia italiana. En Castilla la influencia de pintores flamencos es determinante, pintores como Jorge Inglés o Fernando Gállego son sus mejores representantes y sus principales obras son una buena muestra de las influencias flamencas recibidas.

El estilo flamenco se inició en las cortes de los duques de Berry y de Borgoña. Las principales aportaciones de esta escuela, que profundizaremos más adelante, son la utilización de la técnica al óleo, que permite una mayor viveza del color y el enriquecimiento de la gama cromática, la realización de veladuras, que se trata de una tinta transparente que se utilizaba para dar un matiz más suave al tono y la obtención de colores compuestos. Otro de rasgos más definitorios que también aporta esta escuela es del estilo flamenco el mayor naturalismo, el gusto por el detalle a través de una técnica minuciosa y, en ocasiones, la codificación simbolista de ciertos objetos. Los iniciadores de la escuela flamenca son los hermanos Huberto y Jan van Eyck, la primera obra más iporntate fue el retablo de El cordero místico de la iglesia de San Bavón de Gante. De Jan van Eyck es una de las mejores obras del arte flamenco Giovanni Arnolfini y su esposa (1434, National Gallery, Londres).

Otros pintores destacados son el maestro de Flémalle (Robert Campin), Rogier van der Weyden, Hans Memling, Dierick Bouts y Hugo van der Goes. Sin embargo, dentro de la escuela destacó el pintor Hieronymus van Aken, llamado el Bosco, conocido por haber pintado uno de los cuadros más famosos de la historia , “ El Jardín de las delicias” que actualmente se encuentra en el museo del Prado.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA FLAMENCA

Una de las características más importantes es la utilización de la técnica del óleo, los pintores flamencos no inventaron ésta técnica, el descubrimiento llegó cuando Ene o Hubert mezclaron el aceite en las pinturas que ellos estaban usando, en lugar del uso del huevo que constituyó la pintura al tempera, el problema era que la pintura al óleo tenía un proceso de secado tan lento que no lo hacía demasiado útil, pero gracias a las evoluciones técnicas se permitió conseguir un sistema mucho más rápido. Los flamencos lo utilizaron habitualmente en sus cuadros, ya que les permitía dar una mayor luminosidad y tratar con un gran realismo la imagen, así como una mayor gama cromática, de esta forma podían pintar con mucho más detallismo. Además Utilizaban pinturas fluidas y transparentes para sombrear delicadamente o para dar matiz al color del fondo.

También se solía mezclar con la técnica del temple, muy característica del románico, se formaba mediante la mezcla de agua como disolvente y grasa animal, o de otras materias orgánicas.

La primera capa, normalmente al temple, se usaba para definir el dibujo y el modelado con sus luces, también se representaba el color. La siguiente capa, al óleo, servía al artista para representar con detalle la imagen.

Gracias a la utilización de ambas técnicas los cuadros adquirieron un mayor realismo. Sin embargo aunque surgieron nuevos métodos aún se conservaban rasgos góticos como por ejemplo el uso de la traba en vez del lienzo como ya se estaba empezando a popularizar en Italia.

La simbología es otro de los rasgos más importantes, el autor no busca una mera interpretación de la realidad sino que a través de la representación de los objetos, colocación de las figuras, inscripciones…Trata de representar conceptos o ideas de forma sutil que en apariencia podrían pasar desapercibidos de no conocerlos, por el espectador, muchas de estas simbologías que aparecen tienen un carácter religioso o moral, por ejemplo la representación de la manzana como símbolo de la fertilidad, el mono como símbolo de la lujuria…Especialmente los de tipo espiritual son los más comunes.

Algunos de los cuadros tienen una clara función moralizante, tal y como ocurre en el “cuadro de El Bosco”, en el que se explican las consecuencias negativas de los pecados que ha realizado la humanidad a lo largo de la historia, desde la creación del mundo, la pérdida de los valores eclesiásticos, con la corrupción existente en el clero, la locura de los hombres con relación a la religión…

Otra de las características de la pintura flamenca es que se representan los detalles con gran minuciosidad, se basa en imitar la realidad de la forma más verídica posible, como si se tratara de una fotografía, tales como la representación de cabellos pintados uno a uno, el detallismo en las vestiduras...Se llega a tal extremo que algunos de los detalles incluso deben ser observados con lupa.

Es muy habitual en un cuadro flamenco encontraremos una escena que aparece un paisaje, bien sea a través de una ventana, (como por ejemplo en el cuadro de la virgen del Canciller Rollin del pintor Van Eyck,) bien porque se desarrolle al aire libre. Pero estos paisajes no eran reales sino que se trataba de paisajes inventados, por ello sus elementos no eran tal y como en la realidad, esto puede comprobarse por ejemplo en la forma de las rocas, aristadas y sin vegetación, las ciudades en la lejanía, con torres y de colores, que parecerían ser sacadas de un cuento, los árboles en forma de pluma, con troncos delgados y largos…

Al mismo tiempo que ocurrió en Italia descubrieron la perspectiva, tanto lineal como la aérea, aunque de forma empírica, esto significa que no realizaron ningún estudio matemático sobre esta, sino que se basaba en experimentos, ensayos para intentar captar la tercera dimensión, bastante conseguida.

En algunos cuadros puede encontrarse lo que actualmente hoy en día conocemos como perspectiva “a vista de pájaro , en la que se reproduce la escena como si el pintor se hubiera situado en un punto de vista elevado, así mismo el espectador visualiza los objetos de mayor tamaño en la parte más cercana al mismo y se van haciendo más pequeños a medida que nos alejamos de la imagen, superponiéndose uno a otro en el plano vertical , normalmente se dibuja la línea del horizonte para separar la imagen. De esta forma se empieza a tantear con lo que hoy en día conocemos como perspectiva, apareciendo de esta forma la tercera dimensión, permitiendo la representación del mundo real de forma completamente naturalista.

La perspectiva también se captaba a través de objetos, tal y como más adelante analizaré en el cuadro de “El matrimonio Arnofini”, se utilizan por ejemplo espejos convexos para representar espacios y la colocación de las figuras.

LA TEMÁTICA

Entre los temas, predomina la temática religiosa, se basan en temas de pasajes de la Biblia, se representan figuras de santos, escenas de la virgen María…En una época en que la religión tiene una gran importancia en la sociedad, que gira entorno a ésta.

Otro de los temas principales que encontramos en la pintura flamenca son los retratos que surgen impulsados por la burguesía para demostrar su poder.

Gracias a la utilización de las nuevas técnicas, los retratos se llegaron a perfeccionar, estaban representados con gran verosimilitud. Buscan además la captación psicológica de los personajes, no sólo se trata de representar con el mayor realismo al personaje sino también de mostrarnos su personalidad, carácter… El dibujo tiene una gran importancia y la línea pero sin dejar de lado la importancia e la luz y el color, que sirve para resaltar el volumen de las figuras.

El personaje a menudo aparece un poco inclinado hacia uno de los lados, hecho que permite mezclarlo en el espacio, este no se representa mediante ningún tipo de elemento arquitectónico en el fondo sino que el volumen aparece solamente con la presencia de la figura. Se trata normalmente de un fondo neutro. Los retratos más perfectos son los de Roger van der Weyden, los hermanos Van Eyck, Hugo van der Goes, Petrus Christus o Dieric Bouts. Estos autores interpretaron de forma muy real a los personajes, pero también añadieron a la realidad un aspecto espiritual.

El paisaje por otro lado es muy frecuente, aunque a veces aparezca como elemento secundario como ya he comentado anteriormente, en su mayoría las representaciones son irreales, paisajes traídos de otros paisajes lejanos, antigua Grecia o Venecia que poca relación tienen con los personajes.

VAN EYCK

Escasos son los datos tenemos sobre el autor, salvo algunos archivos con textos en los que lo describían como el pintor más grande de la época, poco después de su fallecimiento. Aunque por sus contemporáneos no fue valorado como se merecía, más adelante se hicieron infinidad de estudios para tratar de esclarecer detalles sobre su vida, sobre sus cuadros, simbología utilizada…

Cada una de sus pinturas ha sido estudiada con minuciosidad a través de microscopio, mediante radiografías, analizando cada uno de los detalles, para tratar de esclarecer cada uno de los elementos que la componen.

Poco conocemos sobre su vida, se cree que posiblemente nació en la ciudad de Maaseik , próxima a Alemania, sobre el año 1400 , en una época en que París aún era la ciudad del arte, aunque como he comentado anteriormente no por mucho tiempo, en un principio muchos de los artistas se trasladaban hasta allí, dónde encontraban el empuje económico y social para seguir con sus obras, aunque este panorama estaba empezando a cambiar, se estaban empezando a crear nuevos centros, Van Eyck, vivió esa transformación. Los artistas que antes iban a París se integraron dentro de las agrupaciones gremiales que ahora

Retrato de Van Eyck

se habían establecido en ciudades nórdicas para así poder trabajar para burgueses y aristocráticos como sucedió con algunos de los mercaderes extranjeros instalados en las diversas ciudades, como veremos en el caso de Van Eyck.

Creció en una época en que el estilo internacional se encontraba en su primera etapa de desarrollo, durante su adolescencia llegará a su máximo desarrollo, se trata de un arte refinado y casi manierista, propio de un gusto de corte, brillante de color, amable y cruel al mismo tiempo. Aunque no en todas partes se desarrolla del mismo modo.

Van Eyck fue influido por este arte así como otros artistas de la época como son Jean Malouel , y sus sobrinos, los hermanos Limbourg, miniaturistas, que también provienen de esta zona norte y van a trabajar en París y para el duque. Jean de Bery.

Son todos ellos los que marcan un camino nuevo de la pintura que conduce hacia lo que va a ser la escuela f1amenca y uno de sus grandes representantes, Jan Van Eyck.

No conocemos si tuvo maestro ni quienes fueron, pero posiblemente su hermano mayor incidió en su pintura. Aunque probablemente viajó a Paris antes del 1450, ya que en algunos de sus cuadros se demuestra el conocimiento de la obra de el maestro de las horas de Boricaut y algunas similitudes con los hermanos Limbourg.

Aunque se cree que Van Eyck viajó por España, en una o dos ocasiones, que algunas de sus obras más significativas estuvieron aquí durante mucho tiempo y en fechas posteriores a su muerte, así como también que Dalmau estuvo en Flandes en su estudio, sin embargo son informaciones que se han puesto en duda.

En 1422-1424, trabajaba en el palacio de la Haya, al servicio de del conde de Holanda, Jan de Baviera. En la documentación conservada de este período solo aparecen registrados pagos a él y a algún colaborador lo que quiere decir que durante estos años disfrutó de una situación privilegiada. Sin embargo no existen noticias sobre el tipo de encargos que el duque debió hacerle.

Hacia 1430 se instaló en Brujas, donde trabajó de funcionario tanto para la corte, como de pintor independiente para encargos. Murió allí el 9 de julio de 1441.

En cuanto a las características peculiares de su pintura cabe destacar, la minuciosidad con las que representa las escenas y los diferentes detalles de las figuras, así como el increíble tratamiento de la luz y de la perspectiva, así como el retrato de paisajes con una impresionante naturalidad.

Tanto su taller como el gozaban de gran fama, por ello optó por firmar muchas de sus obras algo muy poco común en aquella época, en algunas de sus pinturas como si fuera un epítafio, mostrando su voluntad de hacerse conocer entre la sociedad y de perduración de su obra, algo que era utilizado por la nobleza pero nunca por un pintor considerados simples artesanos.

ANALISIS DE SU OBRA

El matrimonio Arnolfini

Actualmente se encuentra en el National Gallery de Londres, se trata de un cuadro de 84cm x 57cm, según se estima fue pintado en el año 1434, perteneciendo al estilo del gótico flamenco.

Este cuadro se ha convertido en una de las obras más conocidas de la pintura flamenca, no se trata de una simple representación costumbrista de un hombre y una mujer como a simple vista podría parecer sino que va más allá, es la representación de un momento solemne, la consagración del matrimonio entre los dos protagonistas de la escena.

La técnica empleada es el óleo sobre roble, gracias a esta se hace un tratamiento de la luz de forma muy real, pudiendo representar de forma casi exacta la incidencia de la luz sobre las figuras, el reflejo sobre los distintos objetos, con gran naturalidad, captando las distintas texturas en las superficies más iluminadas, consiguiendo así transmitir una gran intensidad y armonía, con colores brillantes y

Cuadro del matrimonio arnolfini

profundos, ésta técnica en la forma de pintar del autor servirá como modelo para posteriores generaciones, los pintores franceses i los alemanes de la segunda mitad del siglo XV la emplearán. El reflejo de la luz se puede observar por ejemplo en el detalle del candelabro situado en la parte superior, parece estar pulido, la diferencia visual entre la textura de la túnica del hombre y la mujer, todo ello representado tal y como es en la realidad.

En la obra pueden verse reflejadas las características de la pintura flamenca, como son la minuciosidad con la que se trata la imagen, conseguida con el empleo de finos pinceles, se hace patente al observar el pelaje del perro. Debido a que las obras estaban destinadas a exhibirse en el interior de los inmuebles, eran pinturas de tamaño reducido así que algunos detalles son difíciles de captar sino es con un microscopio.

El tratamiento de la luz y de la perspectiva, dos elementos muy importantes plasmados en esta pintura, por una parte la luz que a

través de la ventana ilumina de forma suave

Detalle del pelaje del perro

las siluetas consiguiendo diferentes matices, la claridad se disuelve gradualmente, así como la construcción del espacio delimitada por las líneas de fuga.

El naturalismo que trata de representar con la mayor verisimilitud posible la realidad, las figuras sin apenas movimiento como si se tratara de una fotografía. Aparecen en la obra infinidad de objetos que parecen estar colocados al azar, sin sentido aparente, dibujados con gran realismo.

Así mismo como la simbología que aparece constantemente, y que más adelante analizaré con detalle.

La escena representa por una parte a Giovanni Arnolfini un comerciante de origen italiano que se trasladó a Brujas, no es en este en el único cuadro en el que aparece ya que encontramos otro retrato de media figura del mismo personaje en el museo Berlín Dahlem. Giovanni desempeñó cargos de importancia en la corte de Felipe el Bueno, duque de Borgoña, junto a él aparece su esposa Giovanni Cenami, que provenía de una familia italiana de un alto nivel adquisitivo y que actualmente residían e en la ciudad de París.

El cuadro parece ambientado en la estación primaveral, por la iluminación. La escena toma lugar en la habitación nupcial, cargada de elementos simbólicos, el cuadro viene a ser un certificado conforme la pareja llevó a cabo la celebración del matrimonio, plasmado de forma visual en el cuadro. Las figuras son las protagonistas del cuadro, Giovanni toma la mano de su esposa, simbolizando la unión entre ambos, la fusión y por otra parte, levantando la mano derecha haciendo el voto nupcial, un acto solemne. El hombre muestra una actitud más enérgica y autoritaria, cogiendo la mano a su mujer como si fuera el poseedor, en cambio ella tiene una actitud más sumisa, mantiene la cabeza mirando hacia el suelo. La posición de la mano de Giovanni durante la realización del juramento, tiene gran relevancia para el autor ya que según estudios posteriores mediante rayos infrarojos, se comprobó que el dibujo de la mano había sido modificado en varias ocasiones hasta resultar del agrado de Van Eyck.

La vestimenta nos refleja que pertenecen a una clase social alta, ella luce un ostentoso largo vestido verde propio de la época, símbolo de opulencia que se completa con complementos de oro como son las pulseras y el cinturón, el por su parte un larga túnica color marrón sobrio que revela su posición socio - económica.

La simbología también está relacionada con el acontecimiento que se está produciendo, al fondo de la imagen vemos la imagen de una cama símbolo del matrimonio, del proseguir de la especie humana, ya que este el lugar dónde se da a luz y donde se muere, por otra parte las naranjas que encontramos al lado de la ventana muy poco comunes en la zona nórdica eran importadas del sur, eran un lujo, sólo podían ser compradas por los sectores más pudientes, nos indican la clase social a la que pertenecían los personajes, y son símbolo de la fecundidad;  La alfombra también es muestra de su poder económico.

Ambos van descalzos, símbolo en aquella época de fertilidad y que emula el gesto sagrado que hizo Moisés cuando se descalzó para tocar tierra Santa

En la parte izquierda del cuadro encontramos unos zuecos que aparentemente no tiene ningún sentido su colocación en la escena, pero si los analizamos más a fondo nos damos cuenta que también tienen un significado, en realidad simbolizan, asimismo de la relación espiritual entre el suelo sagrado del hogar, sería una forma de mostrar que en este momento se está realizando una ceremonia sagrada.

Los de Giovanni están cercanos a la parte exterior, en un extremo al lado de la entrada, en cambio los de la mujer de color rojo se encuentran justo debajo de la cama.

Incluso si observamos la silla vemos dibujada en la madera la figura de Santa Bárbara patrona de las mujeres que van a dar a luz. El perro que aparece en la parte inferior de la imagen es símbolo de fidelidad entre la pareja y símbolo del amor terrenal. Los rosarios eran regalos habituales por parte del novio a su futura esposa. El rosario indica la obligación de ser devota. También el cristal del espejo refleja la pureza de la mujer que llega al matrimonio sin mancha.

Por su parte la lámpara tiene una de las velas encendidas, a simple vista no tendría ningún sentido ya que nos encontramos en el interior de un habitación iluminada además por la mañana, pero también tiene su contenido simbólico, simboliza el amor y la presencia de Dios durante la ceremonia, en aquella época era costumbre flamenca encender una llama el primer día de matrimonio.

Por otra parte la mujer que luce un largo vestido verde, símbolo de la fertilidad y del amor terrenal, parece mostrarnos su vientre señalándolo con su mano izquierda sugiriendo fertilidad, el vientre era considerada una de las partes más bellas de la mujer, aunque pudiera parecerlo no está embarazada; En el cabezal de la cama se ve el dibujo de una mujer con un dragón a los pies, es probable que sea Santa Margarita, patrona de los alumbramientos, su representación es el dragón pero por la escobilla que hay al lado podría ser Santa Marta, patrona del hogar, …Así podemos decir que está repleto de elementos simbólicos relacionados con la celebración del matrimonio.

Por otra parte nos podría resultar extraño que el acontecimiento se estuviera llevando a cabo en el interior de una habitación, en vez de en una iglesia y sin la aparición de ningún sacerdote que de fe de ello, pero debemos tener en cuenta que antes de las reformas del Concilio de Trento era perfectamente legal, sólo bastaba que los contrayentes estuvieran en presencia.

Al fondo de la imagen, en la parte central vemos representado un

Detalle del espejo

espejo convexo, en aquella época era muy común este tipo de espejos, según se pensaba espantaban a la mala suerte, la plasmación es perfecta, con 5 cm de tamaño está pintado con gran minuciosidad y astucia, para captar el gran detallismo puede ser observado a través de microscopio, en la imagen se ven reflejados dos figuras según parece se trata de los testigos presentes en la escena, seguramente se trata de un autorretrato del propio autor, este recurso será muy empleado a posterior en la historia del arte, recordemos por ejemplo el cuadro de las Meninas Velázquez lo utilizará.

En torno al espejo se muestran 10 de las 14 estaciones del Vía Crucis en las que se muestran las paradas del camino de Cristo hasta su muerte, su

presencia nos indica que la interpretación del cuadro debe ser cristiana y espiritual, recuerda el sacrificio de los esposos. En la parte superior del mismo vemos una escritura, firma del propio autor, Johannes de Eyck fuit hic significa literalmente «Juan van Eyck estuvo aquí», indicándonos que él estaba presente.

Recordemos que era muy poco común signar las obras, la caligrafía gótica según los expertos era la empleada para firmar documentos legales, como ceremonias religiosas. Podemos decir que Van Eyck estuvo presente tanto en cuerpo como en palabra (inscripción).

En cuanto a la función de la obra es fundamentalmente conmemorativa, los protagonistas de la escena quieren inmortalizar el momento de su unión , ordenaron la realización del retrato, que tiene asimismo una función decorativa, se podría interpretar que cumple con una función religiosa en querer dar a una escena de la vida cotidiana una profunda religiosidad.

En la composición cromática podemos destacar tres colores por una parte el verde, presente en el vestido de la mujer que contrasta con el rojo de la tela que cubre el mobiliario y el marrón en la túnica de Giovanni.

La escena se encuentra iluminada por la claridad que entra a través de la ventana situada en la parte izquierda de la imagen, esta claridad se va diluyendo a medida que se asciende hacia la parte superior de la habitación, por su parte la mujer permanece iluminada y que crea a la vez una zona de sombra entre ambas figuras.

Si analizamos la composición del cuadro vemos que éste se ve delimitado por unas líneas de fuga representadas por una parte en la parte inferior, por las tablas longitudinales de madera y por otra en la parte superior donde encontramos los travesaños representados en el techo, dando como resultado un efecto tridimensional, creando un nuevo concepto de perspectiva e involucrando al espectador a formar parte del cuadro, como si él también estuviera dentro de la habitación presenciando la escena.

En la construcción del espacio se busca la confluencia entre los tres planos observables desde el punto de vista del espectador, el de la pared del fondo, el del suelo i el de los dos laterales y para acabar de definir el espacio Van Eyck introduce el espejo, creando un nuevo plano invisible.

En este cuadro Van Eyck demuestra un gran dominio de la perspectiva,

introduce una representación tridimensional del mundo visible y renuncia a las representaciones planas de los miniaturistas flamencos como ocurre en el cuadro del jardín de las delicias. Además aplica en sus obras dos tipos de perspectiva la lineal y por otra parte la aérea, dando una profundidad y un detallismo nunca antes visto, por ello y por todos los detalles que he comentado anteriormente convierten a este pintor y a su obra como uno de los más importantes en la historia del arte.

BIBLIOGRAFÍA

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