TEMA 1.1 CRETENSE

El arte greco-romano comienza en Creta, geográficamente se da en la Europa insular (isla de Creta), produciéndose un traslado de las capitales artísticas de Asia y África a Europa, lo que conlleva a una tendencia de los historiadores a valorarlo mas por ser occidental.

Pero Creta no puede estudiarse sin tener en cuenta el ámbito al que pertenece, arte prehelénico del Egeo.

Civilización Pueblo Arte	Geografía	Cronología	Estilo
Cicladas (islas griegas)	Grecia insular	3000-2000 aC	Arcaico esquemático
Troyana (excavada por Schlieman)	Asia menor Turquía	3000-1000 aC	Arcaísmo
Creta o Minoica	Grecia insular Creta, al sur del Hélade	2000-1400 aC	Cretense extraordinariamente personal
Micenas o Aquea	Grecia peninsular	2000- 1400/1200 aC	Cretense extraordinariamente personal

Troya fue excavada por niveles. El nivel inferior era una aldea neolítica pero el siguiente nivel era ya una fortaleza militar, siendo este punto de Asia menor el que creará una fortaleza-palacio que luego transmitiría al pueblo aqueo o micénico.

Creta se inserta en la edad de bronce en la que, a diferencia de la edad de piedra, se descubre la aleación de cobre para armas. El metal desencadena cambios culturales importantes respecto al neolítico. Surgen ciudades de tamaños importantes respecto al neolítico, por ejemplo Cnossos (80.000 habitantes). Desaparece el jefe del clan y tribu y aparece la monarquía y con él el Estado, con todos sus estamentos: aristocracia, ejército reducido (en el caso de Creta), la clase sacerdotal, que a veces fusiona al soberano con el sumo sacerdote. Para alimentar a estas clases de élite debe darse un excedente en agricultura y ganadería pero que genere también riquezas ya que son clases parásitas de la sociedad, integradas por campesinos pero también por marineros, dada la intensidad de navegación que tuvo la isla.

¿Puede decirse que Creta es un imperio agrario? No, es una cultura determinada por dos factores:

· el bronce

· la Talasocracia: dominio del mar a nivel económico (pesca) y comercial con Egipto y Próximo Oriente. Esto explicaría los intercambios culturales y artísticos. Dominio diplomático pacífico del Mediterráneo oriental. De los imperios agrarios comparte la base agrícola de la ganadería eclipsada por el sector comercial y también el régimen monárquico.

Respecto a los Imperios agrarios y otras civilizaciones del bronce, la isla de Minos va a acusar una personalidad propia muy específica: ciudades de gran tamaño, cada una con su palacio como centro, autonomía de ciudades. Los monarcas, que llevan el nombre genérico de Minos, parecen menos autoritarios que en Egipto y Mesopotamia. La mujer parece desempeñar un papel de mayor protagonismo que en los Imperios agrarios. Las creencias superiores oprimen.

Tenemos un pueblo vitalista, hedonista, alegre. Entran en contacto con múltiples culturas artísticas, las asimila y modela hasta crear un arte propio, auténtico.

Creta es una civilización de síntesis a efectos artísticos, trasmitidos a Grecia, que parte de las leyes arcaicas. Es una sociedad preecológica por el estrecho contacto del hombre con la naturaleza reflejada en el arte: pintura cerámica y mural.

- Breves apuntes mitológicos-

El toro (animal mágico, tótem) ocupa un papel primordial y aparece formando parte de rituales religiosos e incluso civiles (Tauro catarsis en la que los jóvenes saltaban sobre el toro) Aparece en pintura, ofrebería.

Minos, rey legendarios cretense cuyo nombre sobrevivió a la manera de título monárquico. Su símbolo son los cuernos muy estilizados que aparecen en pintura y decoración arquitectónica, lo mismo que la doble hacha aparece como culto al sol practicado ya en los imperios agrarios pero se especula que funcionó también como escudo monárquico. Pasifae, minotauro, híbrido de Imperios agrarios. Ariadna. Teseo.

Dédalo, inventor del laberinto que resultaría muy parecido al palacio minoico. Dédalo, pasa a ser considerado por los artistas griegos como el primer artista y también su patrón.

Arte De Las Cicladas

El arte de las Cicladas son figurillas de mármol, antropomorfas, esquematizadas, precedente del prehelénico y que influyen en el arte contemporáneo.

El esquematismo es síntesis pura, ahorro formal. Tiene apoyos en la prehistoria pero los Imperios agrarios pronto lo superarán a favor de las formas arcaicas plenas.

ArcaicoAntiguo (lenguaje para hacer cosas)

Arquitectura Cretense

Es una de las principales aportaciones. Se crea un nuevo tipo de palacio: el mediterráneo, a su vez precedente de los renacentistas. Como pueblo de síntesis toma préstamos de otras culturas arcaicas de Egipto, las piezas columnadas y con pilares; de los acadios, la multitud de habitaciones y de Troya formas constructivas: propíleos, megaróm.

Escultura

El repertorio es tan inferior respecto al de otras artes que podría romper el eslabón egipcio y de la escultura griega. Son figurillas (30-50 cm) con un canon físico personalísimo que responde a esa escuela nacional minoica. Figuras antropomórficas, ligeras de peso, esbeltas con el característico hundimiento lumbar. Iconografía que luego penetran en Grecia (Hoscóforo). Interés por captar el movimiento, constante de las artes cretenses. El Hoscóforo tiene precedentes en la prehistoria:

· Guerrero cuya cintura se acentúa por el cinturón (Grecia también).

· Muchacho protegiéndose del sol: canon esbelto que también aparece en pintura. Intento de captar el movimiento porque existen juegos de hombres saltando toros.

· Diosa de la fertilidad cuyos atributos son las serpientes; canon físico igual con variantes en el atuendo, similar al actual europeo. Feísmo en el rostro debido a los ojos extremadamente grandes, de visionario, repetido en Mesopotamia y no tanto en Egipto.

La arquitectura cretense es admirada e inspira el arte de las primeras vanguardias, nada tiene que ver con el egipcio o mesopotámico, que practican un arcaísmo plano y geometrizado.

Pintura

Producción extraordinaria que supera y poco tiene que ver con la Egipcia.

La cerámica cretense es la primera cerámica artística de la historia pues la neolítica no tiene hasta el minoico denominación de arte.

Arquitectura. Palacios

Pautas para analizar palacios:

1· Análisis funcional o programa de usos.

2· Planta interior y exterior.

3· Dependencias.

4· Técnicas y materiales.

5· Decoración

El palacio minoico tiene una dimensión administrativa pues constituye el epicentro que lo rodea y que junto al palacio perimetral constituye ciudad autónoma.

Se excavaron palacios Fastios, Hagia Tríada y Haba.

Los primeros son de bronce medio.

Hubo dos palacios en Knossos: uno fue victima del terremoto y el otro, del bronce reciente, se estudiará como modelo representativo de los demás.

Es posible que el palacio tuviera en una primera fase planta cuadrada, en una segunda fase, las viviendas se aproximen al perímetro hasta adosarse a él. Para esta fase también el palacio hizo ampliaciones de cuerpos que le dan perímetro irregular, favoreciendo el contacto.

1-Análisis funcional o programa de uso.

A diferencia de los actuales palacios no sólo es una residencia, es un palacio multifuncional y polifuncional: hay aposentos de viviendas reales (función residencial) y de sirvientes de palacio; el uso político concentrado en el salón del trono pero también en oficinas despachos; función económica (talleres y almacenes) para lo que se producía en palacio; espacios religiosos que amplían los lugares naturales de cuevas y montes (sala de los pilares, inspirada en Egipto, y sala de las hachas dobles, nº 12)

El punto neurálgico de Knossos II es el patio más o menos central, es la estancia de mas superficie. En ella se llevarían a cabo otras funciones: festejos agasajos al rey (nº2).

Para entrar a palacio el acceso principal es el 7 y recorriendo pasillos en ángulo recto, acodados, se llega al punto 14, que son los propíleos o entrada natural, a través de ellas se llega al salón del trono o el patio. Hay también una calzada escalonada para llegar (1º)

Fuera del perímetro queda el nº6, un espacio teatral, posiblemente el 1º de la historia sin disponer todavía de la planta curva de los grecorromanos.

El palacio es un espacio multicomportamiento en habitaciones siempre ortogonales (ángulo de 90º) siguiendo los ejes que se cruzan en el patio central, esta multiplicidad crea una sensación de laberinto que contrarrestan invisiblemente los dos ejes: unas habitaciones son cuadradas, otras oblongas y también las hay rectangulares. Hay pasillos de circulación horizontal y dependencias de circulación vertical, dado que el palacio tiene mas de una altura. Hay estancias hípetas sin techo de origen egipcio y el teatro, el patio mayor y otros patios reducidos que funcionan como patios de luz para airear habitaciones internas. Hay habitaciones de paso, cámara tras cámara que no tienen privacidad se diferencian de las habitaciones con dependencias llamadas también de estancia.

Atendiendo a otros criterios: habitaciones constituidas por muros de cierre (apoyos continuos) y las que tienen pilares o columnas (apoyos discontinuos).

2- Composición de las estancias en planta

El palacio cretense describe una figura perímetro irregular que no encaja ni en el modelo de planta cuadrilátera ni central. Para ordenarla se puede decir que se inscribe en un rectángulo imaginario marcado por esos rectángulos en cruz que recorren el patio. Teniendo en cuenta la posición central del patio puede decirse que también hay composición levemente centralizada.

a) Circulación

Nada debe en ella a Egipto ni Grecia la utilizará en arquitectura pues tanto en Egipto como en Grecia la circulación se desenvuelve por el eje compositivo, siendo una circulación lógica y rápida. En cambio en Creta la circulación es acodada inspirada en los recorridos arquitectónicos de Mesopotamia. Ello crea laberintos, circulación que actúa por rodeos, circulación irracional, espontánea.

Dos significados de laberinto:

a) en Creta era un mito y también una materia real, el palacio.

b) se puede entender metafóricamente como una espiral que se cierra sobre sí misma desde un punto inicial hacia el centro. El recorrido por el interior de palacio puede verse como una espiral rectilínea que discurre entre la periferia de palacio y el patio más o menos central. La espiral es el elemento decorativo favorito de Grecia.

3- Técnica y materiales

El palacio minoico pertenece al sistema de estructura denominado muros cortantes o de carga, es decir, los paramentos evitan que los edificios se vengan abajo al descansar los pisos superiores en ellos (palacio minoico de tres alturas). El muro es muy resistente. El apoyo del muro forma una línea. En cambio, el apoyo de volumen y pilares no es continuo.

Los muros minoicos son pétreos a diferencia de las cerámicas de Imperios agrarios. En el grueso del edificio los muros son de mampostería sin labrar, de forma irregular que no forman hiladas. Sobre esta mampostería se aplica una primera capa gruesa de mortero (revoco o carga) y finalmente una segunda capa de acabado a la base de yeso, en el interior todavía se procederá a una tercera cuando se aplique pintura mural al fresco. En puntos estratégicos de palacio, sobre todo los ángulos, se sustituyen por piedras o sillares.

Son dos básicamente los apoyos ininterrumpidos:

· el pilar (sección cuadrilátera retomado de Egipto)

· la columna, creación original conocida como minoica.

Arquitectura adintelada que recurre a vigas horizontales que descansan sobre muros y acaban la azotea en terraza (plano horizontal)

4- Volumen y fachadas

No presenta volumen regular sino que es volumen quebrado por cuerpos que sobresalen respecto a otros cuerpos de la fachada. Volumen de entrantes y salientes que no escandalizó dado al conocimiento de la arquitectura de los Imperios agrarios que recurrían a apilastramientos. Se cree que estos salientes son recrecidos posteriores que llegarían a juntarse con el caserío circundante. La irregularidad afecta también a las alturas del volumen pues según en que punto hay uno, dos o tres pisos. Las fachadas exteriores que componen este volumen junto con el tejado en terraza no constituyen las fachadas y no reciben ese nombre. Al no tratarse de fachadas se abren a ellas como vanos.

Las fachadas auténticas son los paramentos que dan al patio exterior en Knossos fundamentalmente. Al colocar fachadas principales al patio adaptan un sistema de patio muy mediterráneo con trascendencia para el futuro.

Se pueden distinguir dos vanos: ventana cuadrada u oblonga y la puerta ventana para salir a la terraza. El tratamiento de la fachada lleva implícito además la utilización de ornamento.

Hay dos tipos de elementos arquitectónicos que emplean apoyos interrumpidos: el pórtico y la galería (logia, tribuna), desde entonces activos en la historia de la arquitectura. El pórtico, en el piso inferior, precede a la entrada y la monumentaliza.

5- Ornamentación

Creta es un pueblo de tendencia ornamental muy acusada. En el siglo XX el arquitecto Laves considera el ornamento como propio de una cultura primitiva.

Los motivos decorativos mas repetitivos son círculos seguidos formando fajas, es un motivo constructivo, eludiendo a la nobleza de los troncos que formaban las vigas en construcciones más antiguas; la espiral, formando cenefas, es un motivo genuinamente cretense que parece inspirarse en el mar, bien en los remolinos naturales o formados con el remo; las medias rosetas parecidas, motivo que procede de lo vegetal aunque muy geometrizada y que se incorporó a la historia de la decoración desde los Imperios agrarios; serie de cuernos estilizados que se convierten en motivos escultóricos apoyados en las cornisas, aludiendo a la monarquía minoica emparentada con el toro.

La Columna Cretense

Creta sólo emplea el orden minoico, los pilares los retoma de Egipto. El orden minoico no es el primero de la historia de la arquitectura. Egipto ya había editado por estas fechas mas de media docena de apoyos interrumpidos. Al prototipo minoico se le considera origen del dórico griego junto con la columna egipcia protodórica.

Es un orden muy original que apenas se empleo con posterioridad. Sólo en el s.XX los arquitectos pudieron inspirarse en estas columnas. Es original porque aparento un problema estructural: el diámetro en la base es menor que en el capitel, fuste liso de tronco cónico, parece que apenas puede sujetar la estructura horizontal superior, pero con el paso del tiempo se ha confirmado su estabilidad.

Tiene una base de poco relieve, fuste...., capitel formado por moldura principal a la manera de cojinete, lo que podría ser un toro en vocabulario de capitel, sobre ella se coloca una placa cuadrada, lisa. En época de los primeros palacios parece que las columnas eran de madera, en realidad, todos los apoyos verticales comienzan siendo de madera, evolucionando luego a piedra. Invariablemente se pintan con tres colores: rojo, negro y blanco. La columna minoica también pudo ser elemento de culto e incluso escudo de la monarquía.

Pintura minoica

La pintura es una de las joyas del arte cretense. Es pintura mural o parietal, que se coloca sobre los muros e palacio y viviendas de clase pudiente. No existe en la antigüedad pintura que no fuera mural a excepción de los estandartes romanos.

La abundante pintura en palacios está justificada por un volumen muy grande de muros derivados de la densa compartimentación. Habrá otra pintura que incluso puede llamarse mural que decora los vasos cerámicos.

Volviendo a palacio, se observa que las propuestas pictóricas de Creta poco tienen que ver con la egipcia que conocieron a la perfección.

· Efecto espejo / efecto cristal transparencia

Cuando en un muro aparece un grupo de cortesanos charlando podemos decir que la pintura funciona como espejo. Pero cuando aparece una figura animal o vegetal tenemos el efecto cristal que sustituye al muro del palacio y capta lo que ocurre en plena naturaleza.

Las invariantes (puntos constantes que perduran) están dominadas por la línea curva, hermanada con el art noveau. La línea curva da sensación de movimiento y de agrado psicológico. Lo vivo, además de decorar, comunica la personalidad del pueblo. Tendencia al decorativismo, producto de una sociedad poco opresiva. Es un pueblo de mar, culto y cosmopolita. La decoración embellece una estancia pero no es esencial.

· Variedades de pintura

1.- No artística propiamente (de brocha gorda) aplica colores intensos en el zócalo superior.

2.- Decorativa pura repetición mecánica de un elemento formando fajas que se sitúan para separar el zócalo en lo alto del muro tocando el techo, alrededor de los vanos a título de enmarque. Esta variedad no transmite nada a la mente, sólo embellece. Los motivos decorativos mas frecuentes eran los que se ligaban a la arquitectura.

3.-Pintura escenificada o figurativa nos ofrece la figura humana con su canon específico solo o acompañada por un fondo de naturaleza. Otras veces la naturaleza aparece independiente de la figura humana.

· Técnica pictórica

Se ejecuta el fresco auténtico siendo Creta el 1er que empleó dicha técnica. Consiste en aplicar una fina capa a base de yeso sobre la pared y cuando está aún húmeda, ejecutan la pintura. Ésta va penetrando desde la superficie hacia las partículas inferiores. Al deshidratarse los colores pierden la vivacidad pero ganan en resistencia.

En ocasiones se emplea una técnica mixta cuando a la capa fresca se le incluyen abultamientos o relieve que ayudan a crear un efecto de 3 dimensiones, ya que el color en sí mismo es plano, color que se contrapone al valorado, claroscuro que finge el volumen en 2d. La pintura minoica como la egipcia es considerada dibujística por la importancia de la línea de contorno y de intorno y por el empleo de color plano.

En cuanto a la paleta, unas veces se aplica el color red o propio de lo representado pero hay otros criterios: color decorativo y esteticista; color simbólico (rojo: alusión al toro); color convencional, de acuerdo con pintar del oscuro al hombre y de claro a las mujeres.

Como pintura arcaica comulga con muchos convencionalismos o leyes de la misma y coincidentes de la misma: combinar el punto de vista frente-perfil; posición andante de la figura de forma estereotipada y antinatural con forma de tijeras; diferenciación sexo por piel; representación selectiva de la anatomía humana; idealización manifiesta en la edad de las figuras, en su plenitud biológica, rasgo compartido con Egipto y Grecia.

Pero la pintura también recoge peculiaridades: el canon de la figura aparece representada con elegancia y distinción pero no solemnidad. Destacan dos puntos de la anatomía: la curva lumbar y el perfil sin puente de la nariz, el perfil pregriego. El peinado y el atuendo también sirven para identificar cada cultura. En Creta el hombre aparece con un faldellín similar Egipto, pues en ambos pueblos se evita el desnudo implantado por Grecia. La mujer viste una prenda hasta los pies que deja al descubierto los senos. El varón lleva cabellos rizosos y largos como los Kouroi y la mujer recoge el pelo en peinados complejos.

Cerámica minoica

Extremando demasiado la cerámica minoica puede equivaler a las pirámides en el antiguo Egipto. Es la 1ª cerámica artística de la historia, sucediendo a la meramente funcional del neolítico y precedente griega. El valor de esta producción se debe a la calidad técnica de la pieza, perfectamente centradas, paredes finas para la época, en la belleza de los vasos al margen de la decoración. Decoración muy estudiada previamente asegurado a cada motivo un modelo previo. Manejó tres modelos.

Sólo avances técnicos pueden explicar este nacimiento de cerámica artística:

1· Invención torno en edad bronce Figura perfectamente centrada, paredes mas finas, piezas mas altas, mayor producción en general de piezas.

2· Uso hornoEn tanto en que en el Neolítico las piezas secaban al sol ahora lo hacen en hornos, gran beneficio, pues el barro cocido se hace mas duro y resistente, se petrifica.

3· Empleo para decoración de óxidos, sustancias mímicas de la naturaleza que dejan en las vasijas aspecto lápiz grafito. Gracias a los cocidos Creta ofrece cerámica policromada. El decorar con color surge desde Creta en el propio color del barro, incisiones en el barro tierno o material decorativo en el propio barro.

A la hora de examinar un vaso cerámico debe hacerse aludiendo a las siguientes partes de que consta:

Sobre los tres estilos de cerámica minoica

· Kamarés, el mas antiguo, lleva el nombre de una posición céntrica de Creta donde surgieron la mayor parte de ellos. Coincide en época de los primeros palacios o Bronce Medio. Se la denominó como cerámica de cáscara de huevo por la finura de sus paredes que asombró. Nunca antes ninguna cerámica había alcanzado tanta finura. Se identifica a través de colores: fondo (en marrón negruzco) con motivos en blanco y en rojo. Trozo grueso de las formas, espontánea pero muy calculado y con precisión. La figuración es de los tres tipos que maneja Creta: animal, vegetal y abstracta.

· Marino o naturalista se desenvuelve hacia 1500 por lo tanto en los 2os palacios o Bronce reciente.

· De palacio a sólo 50 años del estilo marino (1450 aC)

Ambos comparten y a la vez sirve para diferenciarlos de Kamarés, el fondo claro color natural del barro y decoración monocroma en un ácido oscuro. En cuanto a motivos ornamentales, el marino no sólo trabaja fauna marina sino elemento vegetales. Este estilo decora con una pincelada gruesa, rápida, espontánea, en tanto que palacio aparecen geometrizados los motivos decorativos. El trozo es mas fino y como confeccionado con elementos de dibujo geométrico.

Se pueden hacer clasificaciones además de por estilos según sea el vaso figurativos (fragmentos de toros) o abstracto. Según su capacidad y destino estarán los pitlor phitos, vasos para almacenar; el resto vasos domésticos.

TEMA 2. MICENAS

Cronología arte micénico-aqueo

Se desarrolla dentro del prehelenismo del Egeo en el 2º milenio paralelo a Creta, Troya y Egipto Imperio Medio y Nuevo.

Se denomina civilización aquea porque la región de Acaia constituyó el 1er lugar de asentamiento. Se denomina Micenas porque Micenas figuró como capital del Imperio. Se trata de indoeuropeos asentados en el Noroeste de Europa que van a descender al Hélade y otros puntos del mar Egeo. No es la 1ª inmigración que llega a Grecia en el Neolítico pueblos orientales lo ocuparon ya que tampoco va a ser la última invasión de la época antigua ya que se sucederá la invasión de los dorios y se concentran en artífices del pueblo griego.

Tres fases:

· 2200-1600 constituye el momento de llegada lenta que en goteo al futuro territorio griego.

· 1600- 1400 apogeo de Creta, los micénicos empiezan a despertar como pueblo poderoso.

· 1400- 1200 hacen realidad el ansia imperialista y expansiva, formando un Imperio en torno al Egeo insular peninsular: la península del Hélade (capital); Anatolia, dominando Troya; isla de Creta, sometida; Chipre, Cicladas y Sicilia.

Si trazáramos una línea ficticia de Noroeste a Sureste será una mitad derecha, el espacio ocupado por los aqueos. Las principales ciudades con Micenas, Tirinto, Argos y ciudades de la región de Mesenia. (en el 2200 cuando se produce el movimiento de los aqueos desde el nordeste en vez de ocupar el Hélade ocupan Asia menor)

Bases económicas

Economía de base agrícola y ganadera que sirve para subsistir.

Comercio en el Egeo al que suplanta a Creta.

Laboreo de minas de oro y metalurgia. El oro generará piezas artísticas de gran valor que figurarán como ajuares funerarios de los monarcas y clases poderosas.

Sobre todo, viven de los botines de guerra. Estas cualidades le corresponden lo mismo que a Creta pueblo cosmopolita, abierto, alegre.

Balance artístico

Pintura y cerámica

No aportan nada, quedan ocultos por las habilidades cretenses. Se las apropian, pero la geometrizan evitando el naturalismo minoico así como la figuración naturalista (vegetal y animal).

En orfebrería debido a que es una de sus actividades económicas despliegan un repertorio artístico considerable.

Arquitectura

Se aprovechan de temas constructivos, tipologías cuya fuente esta en Anatolia, en Troya y que ya aparecieron algunos dentro del palacio cretense, el merito de la arquitectura micénica no es el ser original, crear nuevas plantas, sino el de desarrollarla hasta que alcancen su plenitud y luego transferirlas a Grecia, el helenismo, medievo, etc. Entran en estas pautas los siguientes temas y tipologías:

1· Megaron de Asia menor, matriz templo griego.

2· Propileos (entrada monumental en 3D) a diferencia de la portada que es en 2D. Propileos y megaron aparecían en palacio de Knossos II.

3· Fortaleza- palacio elevada sobre un otero que dará una forma de barrio alto, dentro ciudad que seguirán empleando los dorios, Roma y el medievo.

4· Tumbas en tholos con las que logran erigir los primeros edificios de planta central (abovedada) pura.

La arquitectura es siempre en piedra con unos aparejos que también proceden de Troya los muros contrastes se elaboran en sillar o mampostería de gran tamaño. En cuanto apoyos discontinuos emplea columna minoica de la que aborda una función especifica. La cubierta puede ser adintelada o falsa abovedada.

Fortaleza- Palacio

Tema constructivo mixto y polivalente porque incluye tres programas de uso:

1· arquitectura civil- residencial

2· militar- castrense

3· pieza urbanismo en cuanto a barrio alto

En la fortaleza reside el monarca en varios o uno megarones y también las clases altas: funcionarios, militares... viviendo también en megarones, elevados en los alto de la cabina constituye el palacio micénico, muy diferente al minoico. Ocasionalmente, en guerra, dentro fortaleza, en una o mas explanadas al aire libre se instala población civil, recurriendo a elementos de cobijo precarios (tendejones, tiendas). Una vez acabado el asedio, la población desciende a sus casas.

Las construcciones militares y la ciudadela son el testimonio de un pueblo guerrero que debe proteger las tierras conquistadas al enemigo de otros adversarios. Las partes militares de la fortaleza incluyen las explanadas para el pueblo civil, las murallas que rodean y delimitan la ciudadela, los caramotas, corredores dentro murallas con uso bélico y los cuarteles donde reside la tropa. Aquí elementos constructivos que cuestan económicamente. Para que el gasto no sea mayor se buscas aprovechar el máximo recursos de la naturaleza (cerro aislado de unos 25 m de altura), con mejor visión, rodeada por un modo natural: río, talud natural.

Todas las ciudades aqueas adoptaron este sistema urbanística y los dorios las retomaran. Todo el medievo occidental organizó en parte de esta manera.

Fortaleza de Micenas

Dado que era la capital del imperio se esperaría fortaleza palacio de grado capital. Sin embargo demoliciones y reconstrucciones en Antigüedad la dejaran convertida en restos arqueológicos.

1· el emplazamiento es el típico con pueblo a sus pies.

2· nos informan de cómo cuando se quedaban pequeña se levantaba una nueva muralla trabada en el exterior.

3· las murallas ejemplificaban las de todas las naturalezas, no solo para defender sino para que el enemigo crea que resulta inexpugnable. Siempre utiliza piezas de piedra de gran tamaño con dos aparejos: sillar megalítico que se dispone en las zonas mas nobles (portada) o donde se precisa mayor seguridad constructiva. Un aparejo ciclópeo, por creerse trabajado por los míticos cíclopes, personajes de gran tamaño y fuerza, no con fuerzas paralepipédicas sino irregulares y no formar hiladas definidas podemos entendernos como opus de mampostería muy singular a título de formo entre las piezas mayores se colocan piezas menores. El aparejo ciclópeo sobrevive actualmente.

El origen de estos opus parece proceder de Troya. Las murallas de Tirinto indican el gran grosos de las mismas entre 10 cm de ancho y 6 m de altura.

4· Existencia y buena conservación de la puerta principal (puerta de las Leones)

· Arte constructivo puerta con un vano de 3x3 m. Formada por 4 piezas que la aseguran y que se abren paso dentro de un tramo de muralla dominado por pesadez. Son piezas monolíticas que parecen perseguir y dominar carácter de pesadez. Dos de las piezas son jambas, hay un dintel y un triangulo llamado de descarga porque los pesos de la muralla que hay por encima si cayeran sobre los puntos centrales del dintel lo fraccionarían. El triángulo logra entonces desviar esas presiones superiores hacia los puntos extremos del dintel allí donde no es vulnerable por estar apoyándose sobre las jambas, equivalente al arco de descarga romano que pasa al medievo.

Artístico se caracteriza por composición rigurosamente simétrica y adoptada al marco.

Dos figuras que parecen leones en pie flanquean por derecha e izquierda adorando una columna de orden minoico con su entablamento. Este testimonio apoya la tesis de que la columna cretense fue objeto de culto. El par de leones parecen tener función de guardias de seguridad, prohibiendo acceso al enemigo. Interpretase esos animal como híbridos o monstruos en casos o acéptense son leones, en ambos casos, protegen la ciudadela. Constituyen uno de los 1os escudos de armas para otras hipótesis, también se contempla este triangulo como el 1er tímpano decorado de la antigüedad (función decorativa muy improbable)

Ciudadela de Tirinto

La mejor conservada. Se instala en un altanazo en unos 25 cm por encima del plano circuncidante. Colina estratégica que no tiene tantos recursos naturales como Micenas.

Tiene planta irregular atada morfología terreno. Es como un puñal que tiene la hoja quebrada respecto a la empuñadora.

Dos ejes la atraviesan con distinta dirección. Son en total 300 m x 60 de promedio de ancho. El 60% aproximadamente está destinado a suelo libre a explanadas o refugio de la población. Hay dos explanada, la mas alta y mayor para el pueblo, y la mas baja y menos para monarcas y allegados. La muralla ofrece poternas (puerta menor) o puertas principales como la A. En algunos tramos medios se practican casamatas, corredores abiertos por un lado de uso militar.

· Recorrido

La entrada principal A esta situada al Este. Una vez traspasada giro de 90º hacia el sur por un corredor anexo a la muralla que desemboca en el 1er patio exterior que funciona como cuartel. Hacia el centro de este patio hay un codo hacia el oeste al que pasa al 2º patio exterior (E) al que dan también zonas de cuartel. El paso de un patio a otro tiene lugar por un propileo que se repite para pasar al patio interior. Los propileos, ya como portada, aparecieren en Knossos II. Se trata de un pabellón terrero (una sola planta), de paso, pero que enaltece. Al margen de las variantes este pabellón describe una “h” en planta formada por dos muros paralelos y un tabique transversal en el medio en línea con las paredes extremas en la que suelen colocarse columnas. Tienen simetría diaxial. Por el 2º propileo se accede al patio interior elegante columnado porque a él va a dar la fachada del Megaron del rey. Volviendo al patio exterior si se hubiera ajustado más los propileos y se hiciera ajustar con el eje del megaron real tendríamos una ordenación más lógica que la de la realidad. En suma, codos de 90º en la circulación como en Mesopotamia que como en Creta, pues son mas ordenados, nada de laberinto, mas cercana con el espíritu racional griego.

Megarón

Es la célula del palacio aqueo y la vivienda altoresidencial para reyes y aristócratas, los antecedentes se sitúan en Troya y de allí se difunden a prehelénicas del Egeo: Knossos II (Creta) y cultura aquea integrando la zona palacial de la fortaleza. El tema constructivo del Megarón no es un elemento micénico si no que lo eleva a su forma madura. La plenitud no la alcanza en Troya sino en Micenas. La trascendencia de esta tipología es que se constituye en la matriz del templo griego de los dorios. Se trata de una construcción terrera de planta cuadrilátera rectangular y se techa con cubierta plana o terraza. Algunas veces sobre la azotea se instalaba un cubo de evacuación de humos del hogar.

Visto en planta consta de 2 ó 3 estancias. La mas profunda como en Egipto es la que da nombre al Megarón donde esta el fuego del hogar y cuatro columnas en torno a él que ayudarían a sostener el techo. Fue cocina, salón del trono e incluso dormitorio a base de camastros. La otra habitación es la opuesta, la que está a los pies que hace de fachada. Suele tener tratamiento externo sin el paramento de la fachada pero manteniendo paredes laterales que se prolongan desde las paredes laterales, donde frecuentemente se colocan un par de columna. Puede haber una tercera dependencia entre éstas.

Las variedades del Megaron son múltiples: con cuatro columnas o sin ellas; en horquilla con cabeza curva, cabeza recta; megaron con pórtico sin columnas o con un par; megaron cerrado (habitación porticada tapiada con paredes); megaron con 2 ó 3 habitaciones.

Es una propuesta constructiva que guarda similitud arquitectura egipcia, pirámide y mastaba: planta longitudinal, sucesión habitaciones eslabonada; único eje de simetría que coincide con circulación en línea recta, excepcionalmente la circulación en el megarón hace codos lo mismo que en Creta. En suma, más parecido con arquitectura egipcia que con la cretense pese a proximidad física y temporal.

Tumbas en Tholos

Tholos en griego significa espacio de planta circular. También se pueden llamar tumbas de planta circular; en colmena porque la sección se asemeja a ellas; templo parabólico porque el perfil en un corte vertical es de parábola; en túmulo porque una vez construida la cúpula se echa tierra encima, templo en falsa cúpula porque el metro de construcción se le llame así porque antecedentes:

Esta tumba circular precedida por un pasillo ya en Neolítico y Mesopotamia, II milenio se conocieron chozas de planta circular precedidas por pasillo.

Forma tardía de enterramiento aristócrata aquea. Se exhumaba bajo el suelo de estas tumbas con riquísimos tesoros funerarios a base de oro que explican a donde iba a parar la recolección de riqueza así como la fuente económica de la minería del oro y las dotes de orfebre.

Construcción rupestre de una forma peculiar respecto a la egipcia:

Se elegía un lugar con pequeña elevación tipo túmulo (de ahí el nombre). Esa elevación se vaciaba por movimiento de tierras y dentro se construía el espacio circular con falsa cúpula y el corredor que la precede. Finalmente se cubría toda la cúpula con una cubierta vegetal manteniéndose el túmulo y ocultando construcción y logrando una cúpula sin extradós (volumen).

La obra mas importante es el Tesoro de Ateo o Tumba de Agamenón, rey aqueo que en la Iliada promueve expedición troyana.

Consta de un dromos (35 cm) pavimentado y flanqueada por muros de sillar megalítico no cubierto. Al final del dromos hay un estrechamiento, el estomio donde se implanta una portada que según representaciones se considera portada monumentalizada por vía decorativa en dos niveles marcados por columnas minoicas. El 1er piso es tipo puerta egipcia, estrecha en el dintel. El piso superior va impregnado de un decorativismo de fajas horizontales sacados del lenguaje cretense medias rosetas emparejadas, círculos, espirales... en la sala circular el diámetro de 13,5 m aproximadamente muy similar a la altura. Además de esta sala puede haber otras para enterramiento y tesoros. Comienza en el suelo, careciendo de paredes propiamente. Confeccionada con piedras pequeñas en posición muy calculada para que la cúpula se mantenga. La llamada falsa cúpula se logra lo mismo que el falso arco por aproximación de hiladas. En la autentica bóveda, cúpula y arco se colocan por simetría radial.

El interior de la cúpula apareció con restos azules que parecen asemejarse con el cielo además de anclajes de hierro como estrellas. Al final se cubría con vegetación, gozando de espacio arquitectónico pero no volumen.

- Conclusiones: es la 1ª cúpula técnicamente muy estudiado y calculado. El edificio constituye el 1er precedente serio de planta central hasta que se levanta el panteón de Agripa es el espacio circular cubierto con cúpula de la historia.

TEMA 3. AQUITECTURA GRIEGA DEL PERIODO ARCAICO

1.- Elementos constructivos

En una 1ª época el templo griego se edificó con materiales precarios: madera y barro. Los pies derechos eran de madera pero en este momento no se puede hablar de órdenes arquitectónicos hay que esperar a la llegada de la piedra, aprendiendo a separar roca de la tierra, labrarla en sillar (forma regular) e incluso pulimentarla como los egipcios. En una 2ª época del templo se construirá en piedra íntegramente en piedra (1ªs piezas calizas y cerámica; luego mármol) surgen los órdenes, los elementos mejor conocidos que incluso se les asocia a los distintos estilos de templo griego.

Los órdenes griegos no son los únicos elementos constituyentes del templo se pueden agrupar en dos:

· piezas función estructural y constructiva (columnas muro perimetral)

· exclusivamente decorativos (casetones, palmetas)

Otra clasificación divide las piezas del templo que se disponen verticalmente (muro, columna); horizontalmente (entablamento); oblicuas (caballete de la cubierta).

Volviendo a los órdenes de la antigüedad se pueden agrupar en:

· preclásicos los egipcios, cretenses

· clásicos o grecorromanos griego (dórico, jónico y corintio); helenismo (compuesto); obra romana (toscano) si bien utilizó el compuesto y los órdenes griegos con profusión.

El compuesto es una síntesis del jónico y del corintio pero mas esbelto que ellos pues alcanza una altura de 22 módulos. El capitel hace síntesis del jónico al incorporar las volutas y del corintio al incorporar los caulículos.

(los órdenes dórico y jónico se preparan por fotocopias)

El orden corintio es el mas tardío. Hacia el 430 aC se cree que ya estaba introduciéndose. Se trata de un orden figurativo, no abstracto como lo fueron el dórico y el jónico y los pilares egipcios. Base y fuste estriado replican al jónico con la diferencia de que el corintio es mas vertical en consonancia con la tendencia a ala estilización que progresivamente se adoptó. Se construyó el dórico con 16 módulos; el jónico con 18; corintio con 20 desde la base inclusive hasta el término del capitel incluido. Un módulo era la mitad del diámetro del fuste de la columna justo donde nace el fuste. La noticia mas antigua nos la ofrece Pansorios en su obra da noticia de una sola columna corintia que conoció en el templo de Apolo en Basare (datado en 430 aC y cuyo arquitecto fue Ictino). El capitel no se conserva pero antes de su pérdida fue dibujado con detalle. El dibujo corresponde con el primer estadio del capitel.

Pansanios describe en su libro el que se considera mas antiguo capitel corintio en el interior de la olla del templo de Apolo en Basare. Hoy está desaparecido pero queda un buen dibujo del mismo que se tomó antes de la desaparición. Tiene volumen campaniforme que lo vincula con su homólogo egipcio, denominado por los griegos cálato: el tercio interior del cálato estaría integrado por dos filas superpuestas de hojas de acanto que se parecen a la del carbayo pero enroscada va compuesta de una forma muy precisa de forma que cada hoja se coloca sobre la junta de las dos hojas de abajo, ordenación llamada Tresholillo. Las dos terceras partes mas altas incorporan unas hojas enroscadas llamadas caulículos o helicoi que recuerdan los helechos enroscados. Además hay lugar para dos formas espirales (Creta) enfrentados y coronándolas, una palmeta.

El estadio dos ofrece el capitel mas evolucionado. Lo que varía es que las dos hileras de acanto paran u ocupan las dos terceras partes inferiores del cálato manteniéndose los helechos, las espirales y el remate entre las dos espirales una palmeta, una roseta, etc. Los romanos idolatraron este orden y aportaron versiones del mismo pues su pensamiento artístico no era tan estricto.

¿Por qué los griegos hacen surgir este orden?

1· Porque el corintio ofrece un orden mas alto, mas esbelto igual a 20 medio diámetros de columna frente al jónico y al dórico. La tendencia en la arquitectura griega era ganar esbeltez en sus edificios y elementos.

2· Se enfrenta el corintio con el jónico, corrigiendo su defecto al estar situada en una esquina del peristilo sus dos alzados eran asimétricas. En cambio la campana del corintio ofrecía cuatro vistas iguales presentándose idóneo para las columnas en esquina.

El corintio para ser el mas figurativo de sus órdenes se vincula a los objetos artísticos de bronce pues favorecía su parecido con la naturaleza.

2- Teoría del arte en Grecia. Gran teoría

La teoría o pensamiento de los griegos sobre el arte se denomina Gran teoría por ser la teoría artística que más se puso en práctica a lo largo de la Historia, transmitiendo lo que pensaban los griegos contemporáneos del mismo:

· ¿Principal objetivo del arte? La belleza Teoría esteticista.

· ¿Cómo se puede alcanzar belleza en arte? Estudiando y bebiendo en la fuente de la naturaleza, la maestra belleza natural sobre la artística.

· El artista debe de aprender a analizar casi científicamente la naturaleza y describir en qué puntos concretos se encuentra: symmetría (proporción); simetría según nuestra atención; orden; claridad (si la obra no es clara no es obra de arte); ritmo; sencillez (menos es igual a más); unidad. Todos estos principios se presentan como criterios objetivos.

Hay un componente mas, la ética:

a) Todo el arte bello es bueno para el hombre.

b) El arte griego cuenta, transmite para educar, edificar sobre todo las virtudes divinas. Dentro de estos dos polos, la belleza y la ética, se desarrollan los pilares del arte griego.

Esta teoría está muy influenciada por los contactos de la Grecia temprana con los egipcios pero también de la influencia de los presocráticos, que desarrollaron una filosofía más científica que humanista.

Dentro de la Gran Teoría ocupa un lugar privilegiado la symmetría o proporción que consiste en una relación numérica por un lado entre la totalidad de ser un objeto y una parte del mismo (cabeza x 7 = altura del hombre) pero también a la relación interna de cada uno de los elementos de ese cuerpo entre sí (longitud dedo índice = ð nariz)

· Módulo unidad de medida. En Egipto era el cúbito (longitud antebrazo)

· Canon modelo que se propone como perfecto a través de las medidas.

3.- Correcciones ópticas.

En relación con el tema de la Gran Teoría aparecen las correcciones ópticas. Se dieron cuenta que aunque construyeran bien un edificio, la mirada humana lo deformaba así que lo deformaban físicamente para verlo con perfección. Vitrureio nos abrió la pista de las correcciones en su libro. El Partenón es la obra maestra de las correcciones. También se trato en cerámica y pintura (skiagrafía) al pintar con todos nítidos de lejos se veía borrosos por tal motivo se aplicó a las escenas una pintura suelta impresionista que en la distancia se consolidaba con nitidez de formas.

La aparición contraria al defecto es la corrección óptica.

		DEFECTO	CORRECCIÓN
1
2
3

4.- El nacimiento del Templo Griego

Obliga a detenerse como mínimo en tres civilizaciones y cronología:

· Cultura aquea. Prehelénico del Egeo. 1400-1200: el megaron: arquitectura en piedra sillar; volumen pasado a una piedra sola, paralepípedo; construcción terrera; sucesión de 2 ó mas estancias eslabonadas; eje recto de circulación y simetría y habitaciones de mayores dimensiones e importancia, el megarón que equivaldrá a la naos o casa propiamente dicha de los dioses.

· Territorio griego. Periodo arcaico. Siglo VIII. Una maqueta de reducidas dimensiones confeccionada en barro conocida como la cabaña de Argos aparecida en un templo como exvoto. No se sabe a ciencia cierta si se trataba ya de la maqueta de un templo o de una casa de los dorios, tercera inmigración que llega a Grecia. Transfiera al templo griego específicamente la cubierta a dos aguas, propio de climas lluviosos sin sentido en el Mediterráneo. Esta cubierta de unos 60º de inclinación sería muy apropiada de la zona norte a la que llegaron. Había un proceso de adaptación en el Mediterráneo rebajando inclinación hasta dejarla en 25, 30º. Otro elemento que pudiera haber aportado es el pórtico: que en el templo griego es empotrado en la prolongación de los muros laterales, solución que toma del megarón.

La maqueta de Argo presenta un tono rústico y popular que parece haber acompañado al templo griego en sus raíces.

· Arquitectura egipcia en general conocida por los dorios vía contactos estrechos. Se tomaría de la arquitectura monumental egipcia era monumentalidad: imagen cuidada, artisticidad. Aprendería también el uso de la piedra sillar, la existencia de órdenes y las abundantes salas con columnas.

5.- Templo Pre-arcaico

Se pueden establecer dos estadios antes de que alcance forma canónica:

1· Templo arcaico reconstrucción por hipótesis. Aire popular en parte por los materiales y forma utilizada: materiales pobres, efímeros (barro, madera en el caballete de la cubierta y en los pies derechos que preceden a las columnas en los peristilos). Los pies derechos unían calzadas en piedra para defenderse de la humedad. Volumen único sobre el que descansa una cubierta a dos aguas quizá no muy inclinada.

6.- Templo Arcaico

Tanto en el estadio I como en el II, el templo griego se inspira en dos arquitecturas residenciales: megarón y cabaña doria. El templo sigue siendo en parte arquitectura residencial pero rápidamente guiará hacia otras formas superiores propias de la arquitectura religiosa.

En el estadio II el templo ya es de piedra sillar (s.VI aC) más a la manera griega que aquea. El templo ya es monumental, es un edificio duradero. Nacen los dos primeros órdenes y se alza sobre un zócalo muy particular.

El templo griego arcaico ya puede contar con cinco dependencias, número estándar:

· peristilo o perístosis

· naos

· pronaos

· opistodomos

· adyton

· Peristilo.

Envoltorio columnar, un anillo o corona de columnas que rodea al templo por los cuatro alzados. Pasillo que por un lado está flanqueado de columnas por el opuesto estancias del templo. Data de una cierta igualdad formal un edificio cuyos cuatro alzados en nada se parecen dos a dos, es decir, parece quitar prioridad a dos fachadas respecto a dos e infundirlas homogeneidad.

- Orígenes parecen corresponder exclusiva a Grecia si bien Egipto y Creta fueron preparando el terreno. En Egipto se vieron volúmenes de pórticos de tres lados o por uno. Estos pórticos son peristilos incompletos. Creta también empleó pórticos pero es que además en Egipto se trabajaba el patio porticado, peristilo que rodea un espacio hípeto. Incluso en Grecia se habla de un tipo de templo de naos hípeta.

- Explicaciones formalistas objeto que se ve desde fuera, al envoltorio columnar otorga elegancia, distinción, proporción.

Las columnas crean un juego de ritmos de intercolumnio y columnas iluminadas. Un efecto plástico es el efecto de tono.

La perístasis sería la parte pública del templo aunque no se cree que funcionara como albergue, papel desempeñado por estos.

- Simbólica representación de peristilos para ennoblecer el templo. Fue el elemento que mas revolucionó la parte externa del templo respecto al megarón y a la cabaña de Argos. Importancia visual del peristilo conlleva a que ser visto desde fuera que de manera censurada dice que es escultura a lo que se añade su sencillez espacial.

· La naos (significa nave).

Las que contiene el templo. Término vigente hasta hoy en arquitectura templaria. De forma que no puede darse templo sin esta construcción. Equivale al megarón prehelénico. Es la habitación jerárquicamente superior. En la naos vive la divinidad en forma de estatua. Los fieles no pueden acercarse a ella. Sólo hay un contacto visual recíproco a través de la puerta que comunica la naos con la portada o pronaos. La divinidad percibe los sacrificios que se desarrollan en su honor sobre un altar al aire libre y a los pies del templo.

Los dioses olímpicos son múltiples (religión politeísta. Se agrupan en generaciones. Zeus, Poseidón, Atenea, Apolo.

Los dioses griegos no sólo manifiestan forma antropomórfica sino que también tienen defectos humanos. Pese a ello los griegos tenían en su mano su destino, como tal lo aceptaban. Los mitos griegos no tienen versiones únicas. Según quien los transcriba varía la tradición ya que al contacto de los musulmanes carecieron de un texto dogmático (Corán, Biblia).

La forma de orar era de pie y brazos y palmas elevados al cielo; procesiones en honor a un dios, por antonomasia, en Grecia, la procesión de las grandes panatinaicas; procesión en honor a Dionisios con valor litúrgico; los juegos tenían también un aspecto sacro. Pero lo mas importante eran los sacrificios de sangre y de fuego, sacrificándose en el altar y se quemaban las grasas y las vísceras. Alcabo de ello se asaba la carne y se hacía un banquete. Para las clases populares, era una de las excepcionales ocasiones en que tomaban carne.

· Pronaos

Etimológicamente, precede a la nave. Es un tipo de habitación que prácticamente aparece siempre acompañando al templo. Cuenta con el precedente aqueo del megarón. Es una habitación abierta por el frente, como un pórtico, con 4 ó 6 columnas permaneciendo en laterales por la antis o prolongación de los muros de costado del templo. Por el fondo otra puerta en la que se guarda contacto con la naos, puerta con barrotes.

Se dice que en ella se guardaban exvotos cuando no cabían en el opistodomos, la naos, etc. La función mas específica era la de actuar como pórtico tanto por enaltecer habitaciones posteriores como por su forma columnada. Si un templo tiene pronaos se le califica como anfipróstilo añadiendo por numero columnas adjetivos de dístilo, tetrasilo y se dirá dístilo, in antis, pseudo in antis o dístilo a secas. Otro cometido fundamental de esta pieza aparte de la de majestuosidad era la de servir de barrera entre fieles y dios, en el que se proyectaría una teoría del doble muy matizada.

· Opistodomos

Elemento opuesto a la naos, al otro lado de la pronaos. Lo mas peculiar de esta dependencia es que aparece incomunicada con la naos, haciendo dudoso su cometido. Uno de los que se barajaron es que aquí, cerrados por una verja, se guardarían objetos de gran valor. Es una forma como forzada que parece otorgar simetría diaxial al templo griego lo que es muy propio del espíritu griego. El opistodomo suele tener la misma fisonomía que la pronaos. Cuando se presenta con columnas, el templo es anfipróstilo.

· Adytos

En griego, oculto, inaccesible. No se prodiga. Se cree que esta habitación, que ya se da en el templo arcaico, guardaba relación con la celebración de los oráculos; la pieza formaba parte del área del opistódomos, al fondo del templo, cerrada por paredes, que se comunicaba con la naos y con el peristilo.

Invariantes del templo arcaico. Estadio II, mediados VII. 480 aC

Dificultades para hallar características pues por cada característica que creemos haber hallado aparecen tres, cinco variantes distintas. En el arte clásico, sin embargo dominan las características.

Discurre mucho tiempo, casi 200 años, hasta que el templo se regularice. Ya en la época arcaica hay tres escuelas arquitectónicas: Élade, Jonia y Magna Grecia. Además hay dos órdenes en activo: dórico y jónico. Es un periodo experimental, de formación, no de logros conseguidos.

No se estudian templos arcaicos separados sino visión general por fotocopia.

1.- Análisis intramuros

·Naos variantes

En la época arcaica hay muy pocas naos sin columnas (9 y 2); dos o tres hileras de columnas, naves sin divisiones; naos con una sola hilera de columnas que perjudica la colocación y visualización de la imagen divina. Con tres naves se forman tres espacios iguales presto a extinguirse por probeza espacial; las de dos espacios tienen la nave central mas ancha, mas propio del arte clásico.

·Columnas

En el 7 hay dos hileras de columnas que están adosadas a un contrafuerte interior creando espacios cerrados como si fueran capillas.

La 3, la pronaos no es columnada como suele ser sino cerrada por muros.

En 2 y 4 las columnas no son in antis

En 5, número impar de columnas

En el 11 y 10 bosque de columnas en la pronaos

Opistódomos y pronaos simétrico

·Opistodomos

(en el nº6 hay una especie de megarón. Es un templo de doble naos. La proporción más correcta es la de la izquierda ya que la naos cuadrada no se prodiga)

2.- Análisis extramuros

·Peristilo

Unos templos tienen dos filas de columnas. Sin peristilo el nº8 (anomalía, templo muy arcaico). El nº1, por el trozo del dibujo se supone que tuvo peristilo de madera. Con nº irregular de columnas según el lado del peristilo (irregularidad horroriza estética griega). Una hilera de columnas, lo canónico en el templo clásico del hélade. En el 2 y 7 la línea de separación de columnas puede ser del estilo del dibujante.

·Basamento, zócalo, podio

Tiene tres escalones, estereóbato, krepis y . La plataforma superior es el estilóbato.

En el templo arcaico, parece sin zócalo el nº8, con un solo escalón, el 9; el 11 pero algunos no podemos ver si tienen 2 ó 3; el 4, 5 y posiblemente el 2 con dos escalones. El podium de tres escalones sólo se impone en el clasicismo excepto en colonis donde se pueden adoptar otras formas: colocar al frente del zócalo una escalinata que engrandece el frontis del templo. En la época clásica que presume de clasicismo simila al Partenón mantiene el estereóbato pero al frente mantiene una rampa de acceso muy de recuerdo egipcio. Y es que el basamento tripartito del templo tenían tal altura que la pierna del hombre no podía subirlo, era por tanto un basamento no funcional sino estético, simbólico, todo objeto que se levanta crea sucesor. Para solucionar el acceso al estilóbato se colocaba entre plataforma y plataforma unos peldaños a la medida del paso humano.

Templo de Zeus en Olimpia

El estereóbato, a efectos de interpretación, se baraja da tesis de que tiene su origen en el templo arcaico cuando era de madera el templo y peligraba si se mantenía en contacto con el suelo húmedo. Los zancos que se insertaban en las bases de las columnas podrían considerarse antecedente del templo.

En su 1er estadio se colocaba sólo el piso inferior, progresivamente aumenta, hasta lograr solución- tipo tripartita. Si la persistáis es la principal definidora del templo griego en su interior, el estereóbato no cumple un papel inferior, al igual que el tímpano, principales elementos de la artisticidad del templo griego

Trascendencia del templo Griego

La forma templo griego se aplica a edificios que tienen otro programa de uso. Se reaprovecha no tanto no toda la forma del templo como fragmentos importantes. Este fenómeno ocurre ya en el arcaísmo. Desde la época arcaica cada bien que se usa en el templo para configurar sarcófagos, altares, fachadas de edificios de reunión.

El alzado principal es uno de los dos estrechos, es el que mira al este.

TEMA 4. ARQUITECTURA DEL CLASICISMO Y HELENISMO I

· Templo y santuarios

Cronología para el clasicismo griego

El clasicismo se desarrolla entre 420 aC, fin de la II Guerra Médica y 333 aC, muerte de Alejandro Magno. Se divide en tres etapas, este periodo de 150 años, duración muy breve si se tienen en cuenta los dilatados periodos del arte egipcio. Los especialistas emplean otros subperiodos dentro de cada cual.

· 1er clasicismo o periodo severo (480- 449, redondeando 450). Artistas como Polignoto, Mirón... fue decisiva puesto que preparan el camino del naturalismo idealizado pese a que este período se desarrolle en guerra continúa con los persas ni el salto del estilo arcaico al naturalista.

· 2º clasicismo, pleno, por antonomasia, para Winckelman, el centro del arte griego que a partir de entonces empezó a devaluarse. Se desarrolla entre tres fechas pues no hay consenso. En 430 se hincan las guerras del Peloponeso (ligas de ciudades-estado para lucha contra enemigos que luego entran en contienda contra ellos). Su fin ya se evidencia antes de la guerra del Peloponeso en el primer. Por lo tanto no es la guerra la causa de los cambios en la época fidiaca. Los que prolongan la crisis hasta el 400 pensando que los efectos de la guerra se utilizan ahora y prolongando el clasicismo pleno más que otra teoría cronológica.

Este clasicismo dos se desarrolla en dos situaciones diferentes: el primer término es una época de esplendor y orgullo (Pericles); en el segundo tramo ya se sentirían los daños sufridos con el Peloponeso. Esta etapa incluye la época de los clasicistas por excelencia: Fidias y Policleto. La capital continua estando en el Hélade, se construye la acrópolis de Atenas obra arquitectónica, simbólica-política.

· 3er clasicismo o postclasicismo, transición, tendencias artísticas del s.IV (400/430.323). en estos momentos el Hélade ya no es la capital artística sino que comparte prestigio con Asia Menor.

En el Hélade se restauran los daños del Peloponeso, se acaban proyectos de la época glorina (Eredeon) y muy discretamente comienza alguna obra de innovación. El báculo pasa a la Grecia clásica y prácticamente desaparecen las obras públicas y surge una arquitectura privada basada en la existencia de una clase social alta, los gobernadores de provincias, que ponen en marcha la máquina de la construcción.

-Invariantes del templo clásico

La planta del templo griego evoluciona más desde el arcaico hasta clasicismo que alzado pero a decir verdad ambos cambiaron, es decir, el templo arcaico final hizo una gran evolución llegando ya al clasicismo.

El Krepis del templo griego tiene ya tres escalones, es tripartido.

Las dimensiones medias de la cella son 30x60, (concretamente el templo de Zeus, 27x64m y el Partenón 34x60. el 1º da una proporción de 1x2,3 y Partenón 1x2). En proporción la 1ª cifra es el símbolo del ancho de un templo, y el 2º el de la longitud del templo. Las proporciones se relacionan con la gran teoría. Al ancho del templo siempre se le da el 1 y el 2ª nº se da a las veces que se da esa proposición en el nº1.

El templo arcaico maneja unas proporciones que oscilan entre 1x6 y 1x3, es más longitudinal más pobre espacialmente y más difícil de hacer convivir sus diferentes piezas. En cambio, el templo clásico buscó una planta mas oblonga cualificando con ello el espacio. Sus proporciones oscilan entre ½ y 1/3, dándose valores internos. Cuanto más se aproxima a la proporción ½ más clásico es un templo.

Las medidas y proporciones de un templo pueden hallarse de dos formas:

a) midiendo estilóbato

b) midiendo extramuros

Si las proporciones clásicas estriban entre ½ y 1/3 las columnas laterales del peristilo se multiplicarán por 2 o por 3, habiendo estados intermedios. En los laterales se multiplicar por tres.

Mezcla de órdenes se da pero no con frecuencia no constituía una herejía. Los órdenes heterogéneos podían convivir en el interior (templo Apolo Basde) o podrían combinarse entre interior y exterior del templo (Partenón II) o sólo en el exterior (Erecteion).

Santuario lugar sagrados. Dos opciones:

· construido, arquitectónico.

· lugar natural.

En Grecia el santuario al aire libre constituía un espacio en el que se asentaban varios edificios de tipo religioso.

Naos la clásica tiende a abandonar la longitunalidad del arcaísmo y a acortarse haciéndose oblonga. Ello se considera espacialmente templo evolucionado. Favorecería la mejor relación entre la naos y las otras habitaciones del templo pero Grecia no tiró en esta dirección por razones funcionales (los espacios oblongos más útiles que alargados) sino por razones estéticas, en concreto las proporciones, uno de los principales fundamentos de la belleza y de la teoría del arte en la que se buscaba una perfección y belleza mayor.

El espacio alargado arcaico incita a circularEl espacio oblongo clásico invita a permanecer.

· Modelos de naos: en la época clásica pueden seleccionarse tres. Unos son deuda del arcaísmo pero otros son de la modernidad clásica.

1

La naos cuenta con columnas en el interior que se arriman a los muros formando columna adosada y columna arrimada a contrafuerte. Fórmula que ya se trabajó en arcaico y tiene la ventaja de dejar una especie de salón a la que se articulan los muros como adosados. Estos apoyos generan un efecto de espacios estancos tipo capilla si bien no parecen haber tenido este cometido en el templo griego y a la manera del santuario cristiano posterior.

2

Subdivisión en 3 subnaves por medio de dos hileras de columnas exentas. La composición viene del arcaísmo, reformada en el sentido de que aporta más espacio en la nave central frente a las laterales en pro derecha la figura del ídolo de crearle un espacio desahogada para observación fiel y supuesta vida de la divinidad.

3

La única solución innovadora netamente clásica es la que se aplicó no en vano en el Partenón II. La cella no se libra de dividirse en hileras de columnas, distribuidas inteligentemente formando “u” con ello se logra crear y diferencia un deambulatorio (1ª vez) que rodea a la imagen si bien puede que no fuera practicable. Sobre todo logra un salón para la imagen de

la divinidad que queda potenciada por acercarse más al ojo del espectador, lo que no se habría logrado, las columnas del fondo no existen y la imagen divina se trasladará más atrás, a la pared del fondo de la cella. No emplea las medida de la naos, sino la distribución de sus columnas. Se crea además un telón de columnas como un semianillo, mejora la escenografía de la imagen.

En planta, desde el arcaísmo hay una tendencia a lo oblongo pero en alzado, se alargan.

En alzado la naos no introducía un solo orden sino dos órdenes superpuestos. El inferior de menor tamaño que el más alto. ¿Por qué dos órdenes diferentes? Porque por problemas de simetría un mismo orden crearía en el centro un diámetro excesivamente ancho que ahoga el espacio de las naves.

·Órdenes dórico, jónico, corintio y cariátide, variante del jónico ya en época arcaica con formas muy personales.

Los órdenes, como producto de la esbeltez, alcanza 16 módulos dórico, 18 y 20, proporciones clásicas.

Las estrías tienden a separarse y en pro de una verticalidad mayor, los intercolumnios se estrechan. A simple vista a través del capitel se aprecia la evolución del dórico arcaizante al clásico. Siguiendo el equivalente podemos inscribirlo en un trapecio diciendo que la diferencia de sus dos bases es muy notable. Además sobrevuela en gran medida el equino a la línea superior del fuste, se le puede denominar “efecto de plato llano” en tanto que el equino clásico sería un planto hondo porque mengua las medidas de las dos bases y su altura crece, apenas sobrevolando la base del fuste.

Marco 1 2 Clásico

En el jónico arcaico la línea exterior de sus volutas casi es tan ancha como el fuste en tanto que el clásico las volutas sobrevuela mucho más.

·Iluminación del templo griego la escasa luz natural de la puerta con barrotes de la naos. Ventana al estilo egipcio. Iluminación artificial de llama en torno a la base de la estatua. En los templo de mayor empresa se colocaba un estanque con la llama. Naos hípetra, solución que parece ser muy reducida, casi siempre de la Grecia jónica.

No hubo iluminación por naos “ad hoc”, “ex professo” como el del megarón o templo egipcio.

Generalidades del templo griego

Apoyo escultura y pintura en el templo griego. No se habla de pintura y escultura como arte independiente, sino subordinada arquitectura o pintura y escultura monumental. La arquitectura fue gran promotora de otras artes, con el antecedente egipcio si bien el templo griego reduce la cantidad de decoración limitándola a una mas concreta del templo: la naos alta, sobre todo exterior. Cuando estos artes confluyen en arquitectura se dice que se suman y se implican en un mismo objetivo. Posiblemente sea el afán por atenuar el tono geométrico, abstracto y monótono una de las justificaciones para acudir a este arte que ampliarán aún más el valor del propio templo.

Iba pintado exterior/interior. Con colores fuertes, estridentes que todavía no aceptamos, asociándolo con la blancura mas perfecta. Esta imagen falsada empieza a desmoronarse en el XIV cuando los trabajos arqueológicos detectan pigmentos en algunos puntos del templo.

Algunos elementos del mismo ofrecían un blanco como punto de contraste. La teoría en que punto se aplicaba:

· estris negro

· triglifos azul

· fondo tímpano negro o/y el rojo, según otra el azul (bóveda celeste donde habitaban los dioses).

En cuanto a la escultura no se conciben como tal los capiteles a pesar del efecto escultórico del corintio. De las columnas el orden cariátide la inscribe en escultura. Escultórico es el friso, corrido, tímpano y metopas. El tímpano es la parte escultórica del templo por excelencia tiene buena visibilidad pero no tiene forma cuadrilátera, marco por excelencia de la escena artística. El problema residía en los ángulos de los extremos. Del arcaísmo al clasicismo fueron dándose varias soluciones diferentes suscitadas por qué figura y cómo introducir en ese espacio estrecho y en cuña.

1· La más antigua, con gran ingenuidad recurría a reducir el tamaño de las figuras hasta que cupieran. Así no se puede hablar de tamaño jerárquico, hay jerarquización por ubicación.

2· Otra solución arcaizante consistió en tumbar las imágenes empotrando la cabeza en el ángulo, fuera del guión.

3· Consistía en buscar figuras mitológicas cuya anatomía los adaptara al marco.

4· Solución madura y clásica más extendida situaba las figuras humanas encajadas de forma realista y agradable a partir de la postura.

La evolución que experimentó el templo clásico se radicó en el Hélade al contrario que el templo arcaico, cuya principal geografía y carrera evolutiva se desarrolló en la Magna Grecia. Sin embargo desde entonces quedó congelada su evolución manteniéndose en las formas arcaicas de un origen. El 3er clasicismo conoce un desplazamiento hacia la Grecia Jónica en el protagonismo del desarrollo de los templo que continuará durante todo el 3er clasicismo en el que la escuela templaria del Hélade aparece mortecina.

El templo griego y concretamente técnica y materiales, ya se lograron a finales del arcaísmo por lo que se puede decir que un templo de cronología arcaica puede ser clásico por morfología.

En cuanto a materiales constructivos hay que recordar que el templo prearcaico se edificaba con madera y en el arcaico ya en piedra: caliza y la toba, muy porosa estilo piedra pómez. Con estos dos materiales los arquitectos quedaban insatisfechos porque, como los egipcios, ......dían superficie base. En materia de arista la perfección consistía en una especie de filo cortante.

A partir del 2º clasicismo se introduce con fuerza un nuevo material, el mármol. Desde el arcaísmo se había introducido en el templo como incrustaciones para labrar relieves. Los mármoles de excelente calidad y sus efectos (lisura pulimentada y arista tipo filo) hicieron que los templos que por escasos fondos no pudieran introducir mármol aplicaron sobre piedras más basta capa de estuco (yeso con cola) y con este revestimiento lograron unos acabados en gran medida equiparables al mármol.

Método Análisis Templo Griego

1· Estudio monográfico de género templos clásicos.

2· Observar método comentar cada autor

Propuesta de comentario pormenizado

0· Dibujo de la planta- Bosquejo, boceto mínimo.

1· Ficha de clasificación/ Datos básicos.

2· Comentario/ Análisis.

3· Valor, importancia o singularidad.

Síntesis, conclusión

· Arte de la antigüedad clásica

1 · Arquitectura templaria griega

· Templo de...... (en honor de......)

Datos · Templo en ...... (geografía)

generales · Cronología Clasicismo, fecha aproximada

· Arquitecto

· Orden

· Material

· Sentido / significado

· Cuadrilátero o central (tholos)

· Regular o irregular y/o raro y atípico

· Esterobato / estilobato : medidas ð (deducir propor)

· Peristilo o perístasis (pseudoperíptero, áptero...)

Datos · Pronaos clasifica ej. Próstilo tetrástilo in antis

formales · Opistodomos x lo general morfología gemela a pronaos

· Naos estudio espacial, distribución

· Adyton

· Complemento escultórico

· Orientación: eje simetríaeste-oeste

entrada naoseste

2. Comentarios

Se desarrollará cuanto más pero de una forma flexible suprimiendo aquellos de los que no se tiene noticia:

· Examen detenido 5 piezas del templo

· Materiales, sobre ello

· Escultura aplicada y escultor

· Proporciones, correcciones ópticas, gran teoría

· Elementos decoración

· Orden

· Biografía de la divinidad, sobre santuario

· Iluminación (material genérico)

· Espacio

3. Importancia y personalidad

Atenea Niké

Arte de la antigüedad clásica, arquitectura templaria griega. Templo de Atenea Niké Ápteros (sin ala). Las Nikes, tenían alas, personajes mitológicos de 3ª fila que trabajaban a las órdenes de Zeus servía a Atenea, trasladando al campo de batalla la victoria de los griegos. Una estatua de Atenea caracterizada como Niké fue trasladada al templo, las alas le fueron cortadas para que en la II Guerra Médica (436) que acababa de comenzar no abandonara al pueblo griego. He aquí una mutación de la construcción del templo: templo monumento a la fresca victoria griega, para que recordara esos hechos históricos los griegos evitando que se borrara de su memoria dada la naturaleza pétrea del edificio. Parece Atenea con una de las varias caracterizaciones de la Acrópolis: Atenea Promachros (guerrera) al aire libre de la acrópolis, Atenea Pártenos (Partenón), Atenea Poliada (doncella), Atenea Xoana (vieja estatua de madera de época arcaica en el interior de Erecteion).

· El templo se sitúa en el Ática, capital de Atenas que en estos momentos vivía un periodo de máximo esplendor y prestigio político por ser su gobierno fundamental para la derrota de los persas. Se sitúa dentro de un santuario: Acrópolis, atípica por ser urbana además de por la extraordinaria calidad de escultura y arquitectura de este 2º clasicismo, situada en esquina suroeste.

· Cronología a caballo entre 2º y 3er clasicismo dependiendo de donde se coloque la frontera, pero mejor el 2º clasicismo. Por su carácter tan occidental se manejan dos fechas: 449 años triunfo griego. Se hace el proyecto por parte del arquitecto Calicrates (arquitecto del grupo conservador del gobierno, quienes lo encargan con esa intención de monumento al triunfo. Pericles, más progresista, mostró oposición a la obra dejando dormir el proyecto un cuarto de siglo para que se edificara tras su muerte entre 425-423. en tales circunstancias Calícrates edificaba su proyecto en otro punto del Hélade. Entre 449 y su monumento de edificación varias construcciones se adelantaron a esta obra pionera: un ala de los propíleos ocupará el terreno que Calicrates pensó para Niké, motivo por el que cuando se edifica debía modificarse sustancialmente el proyecto inicial. Se deduce de todo esto que hay también una motivación política de rivalidad y que por lo mismo justificará la forma rara del templo, una de la construcciones que se les anticipa.

· Orden jónico. Los historiadores se plantean por que en el momento mas clásico de todos se recurre a un orden de origen y de aplicación dominante en jonia: el jónico se había impuesto en la época de los tiranos, al traslado al Niké (época democrática) se despojara a los déspotas del dominio del orden; cada vez se manifiesta más el gusto por lo vertical y el jónico más que el dórico, orden genuinamente del Hélade; dada las proporciones reducidas acogedoras y el carácter monumental del templo, el jónico parecía más apropiado.

· Materia mármol-

· Motivaciones se desgranaron

· Esterobato o Krepis canónico: tres escalones, inferior resalte.

· Estilobato, carece de perístais porque se quedó sin terreno cuando fue edificado hubo que hacerle una parcela sobre bastión o tortea artificial. Mide 5,5 x 8 m, y de altura 5 (dimensiones raras propias de un templete o de un tesoro). Proporciones 1 x 1,5 (raro) se trata del templo más oblongo.

· Pronaos. Es próstilo tretrástilo jónico pero no in antis sino pseudo in antis porque el antis es muy reducida y además adosada al muro lateral del templo.

· Opistodomos. Con misma morfología pronaos (anfipróstilo)

· Naos pecularísima por proporciones casi cuadrada; dimensiones en que apenas cabía el ídolo; no hay subdivisión (porque no hay espacio); la puerta va acompañada por 2 ...................

Es un templo raro porque:

1· Condición de templo-monumento pues era casa de la diosa Atenea y a la vez un elemento como monumento conmemorativo de una gesta colectiva y gloriosa.

2· Trasfondo político en la lucha entre los conservadores y demócratas del 1º y 2º clasicismo. Esta tensión explica el retraso de las obras y como consecuencia la pérdida del solar previsto en un principio para el templo que hubo de reducirse y conseguirse a la manera de la acrópolis. Este espacio artificial gana en perspectiva así como su presencia constante.

Para sus dimensiones es muy alto, esbelto. El orden jónico, procedente de Jonia, era un orden arcaico que penetró en el 3er clasicismo, anticipando al Helenismo.

Partenón II

Arte antigüedad clásica, arquitectura templaria griega, templo del Partenón en honor y casa de Atenea Partenos. Acrópolis de Atenas, santuario que en un principio funcionó como fortaleza micénica y q partir de la Grecia arcaica los griegos lo convirtieron en santuario de las guerras médicas. Situado al sur de la Acrópolis en el tramo central. Varias intenciones de construcción:

1.- de 1ª necesidad y naturaleza religiosa de data a la diosa de una casa perdida durante las guerras médicas.

2.- culturales promovidos por Pericles con la intención de convertir Atena en la capital cultural de todo el mundo griego. También por mano de Pericles se pretendió convertirla a través del proyecto de la Acrópolis a Atenea como líder de la confederación de ciudades estado victoriosas sobre persas. Usó Pericles las obras para crear empleo y ganar seguidores y votantes.

3.- económicos. El proyecto del santuario llevaría a la ruina a Pericles haciéndolo pasar por un malversador de fondos, quizás exiliado. Empleó los fondos de la liga de ciudades que lucharon contra los persas para engrandecer una ciudad que tenía hacienda con que pagar dichas obras.

· Cronología:

Hay un pre-Partenón templo dedicado a Atenea, el principal que marca en muchos aspectos al nuevo Partenón que se inclina por mantener la tradición. Data del periodo arcaico, data del 489,cuando fue víctima de los ataques de la 1ª guerra persa.

Autor: anónimo, piedra caliza, templo cuadrilátero y regular, es decir con simetría y cuatro lados, canónica de eje y puerta principal, períptero de 6 x 15 columnas y medidas no mucho menores, lo que arroja una proporción de 1,2 x 7 que, situándose dentro de los clásicas aparecen muy próximas a la proporción 1 x 3 arcaica.

· El Partenón tiene dos fases:

1· 465-449 en este momento se hacen muy pocas cosas, solo movimientos de tierras para desplazarlo directamente al sur del viejo. Sería autor del proyecto y director de la obra Calícrates, afín al grupo conservador.

2· 448/47-430 bajo el control de Pericles. Su materialización se inserta en los años de mandato de Pericles quien lo vio terminado un año antes de su muerte. Proyecto, dirección y fin de obra recae en Ictinos que posiblemente admitió como ayudante a Calícrate de que no hay tanta certeza como de que Fidias colaboraría estrechamente en calidad de coordinación y escultor y no exclusivamente de este templo sino de la Acrópolis.

Templo cuadrilátero, regular con eje de simetría, orientación este/oeste. Estereóbato correcto con tres plataformas, estilóbato períptero de 8 x 17 (proporción de 1 x 2), mide 70 x 34, proporción de 1 x 2 proporción exacta más clásica.

Es un templo regular pero singular.

El pórtico este funciona como pronaos de la cella mayor y el otro como opistódomos. Se trata entonces de un doble templo que arroja un templo anfipróstilo, hexástilo, dórico y pseudo in antis, solución heredada del viejo.

La naos mayor aporta una distribución original de tres hileras con planta en “u” que afecta positivamente a la espacialidad de las naos pues adelanta la pared de fondo hasta la cortina de columnas que parece muy influenciada por Fidias siempre en beneficio de las perspectivas de la magnifica estatua de Atenea Partenos.

Las naos oeste sigue los pasos de la del Prepartenón pues es oblonga, sin distribuir pues únicamente se componen cuatro columnas en el centro altamente antiguo por remontarse a la tradición aquea pues retoma los dos pares de columnas (que son jónicas aunque la elección del orden no sea por modernidad sino por lucir en honor del jónico arcaico) del megaron. Esta sala se bautiza como Partenón pero rara vez se especifica si se trata de una naos o de un opistódomos, la tesis que domina es la de segunda naos y en consecuencia templo-doble, muy frecuente ya en el periodo arcaico.

· Materiales:

se dice muy rápido que íntegramente es de mármol pentélico, que surgen en el 2º clasicismo. De mármol son los muros, los órdenes... excepciones: el caballete de la cubierta con sus vigas es de madera si bien queda oculto por casetones interiores y tejas exteriores.

El hierro tiene aparición mínima pero importante en forma de grapas en los lugares estratégicos. La policromía hace que se empleen colores vivos y primarios si bien el amarillo se utiliza como oro, todo el templo está coloreado: partes altas y zonas escultóricas, concretamente los fondos de los relieves de los tímpanos y frisos.

El Partenón se debate entre la tradición de mantener elementos de su predecesor y la vanguardia, dominante. Tradicional es su condición de templo doble, repetir la nos de cuatro columnas y jónico a la antigua en la sala Partenón. La vanguardia se detecta en el tamaño y dimensiones, en las proporciones, en la nueva espacialidad. Téngase en cuenta que el espacio arquitectónico es uno de los principales puntos en la arquitectura.

· Órdenes: conviven dos:

jónico en naos Partenón y en un friso exterior que recorre parte alta de los muros exteriores de la naos.

dórico purísimo que abarca el resto de la obra. Comparte su rango en parte con el dórico de los propíleos.

· Conclusiones:

proporciones perfectas, máximo exponente del dórico clásico, el templo más popular de la Grecia clásica, nueva espacialidad, el templo más grande del Peloponeso, el mejor conservado hasta el s. XVIII ya que se empleaba como polvorón, el ídolo medía 11 metros de altura, dato que habla de la altura del templo, la naos combate el espacio corredor- alargado propio del arcaísmo creando un espacio que se desarrolla a lo ancho en vez de a lo profundo y que fusiona e íntegra muy bien el corredor del peristilo, la pronaos y el corredor del peristilo que se abre a la estatua. Las medidas de la naos se asocian a las proporciones del templo.

Los lugares para los exvotos eran la naos, el opistódomos.

Conserva el orden y el arranque de la cubierta.

Hubo que hacer modificaciones en el techo para introducir la estatua.

Ejemplo: perístasis sur del Partenón.

Templo de Poseidón Erecto

El Erecteion es un templo doble con dos patronos: Atenea y Poseidón. El templo conmemora la lucha que mantuvieron ambos por el patronazgo de Atenas. Un patronazgo decidió elegir como patrona la divinidad que lograra mayor prodigio. Poseidón arrojo el tridente a la roca y surge agua salada. Atenea levanta un olivo sagrado de vida eterna. El tribunal concede victoria a Atenea. Poseidón se revela, viéndose obligado Zeus a poner paz que cumple la victoria. No solo se sitúa al lado de estas reliquias sino a otra muchas más y lugares santos: Xocna de Atenea (estatua de madera muy tosca procedente del arcaísmo pero que era el destino de un manto ricamente bordado que con motivo de los festejos subían a la Acrópolis a un grupo de jóvenes vírgenes. El Erecteion también guardaba escenas sagradas (Hefaistos; rendía homenaje en lugar sagrado a Cecrope y finalmente a su hija Pandrosos) concentración de numerosas reliquias y santos. Este es el motivo central que explique los formas tan irregulares y atípicas de este santuario

· Cronología: también aquí existió un pre- erecterion: templo regular, períptero y doble naos. En las Guerras Médicas sufrió grandes desperfectos y en los años 20 del s.V se reconstruye con la forma actual. Es la ultima obra importante de la Acrópolis.

Se ejecuta entre 420-409 (en medio de las Guerras del Peloponeso. Fin de Pericles, Atenas está en declive). Para unos estos 15 años se insertan en el 2º clasicismo pero para la mayoría ya empieza el 3º, más helenístico que clásico (prehelenismo).

Esta en el tramo central, más o menos opuesto a donde se había levantado el Partenón II. Recurre a dos órdenes que guardan relación entre sí:

- jónicoel más perfecto y de más calidad, equivalente a la perfección del dístico en Partenón y propileos. El friso jónico combina dos materiales en una conjugación magnifica: el fondo de los relieves, caliza de Eveusis (azul-negro) en tanto que los relieves contrastan sobre el mármol negro.

- cariátide en parte derivación jónico pero elevado sobre un podium para corregir desniveles del terreno.

· Materiales: mármol.

· Autor: se tiene certeza de Mnesicles y se sabe que colaboro con otros, anónimos.

El nuevo erecteion se desplaza sensiblemente al norte respecto al antiguo. Sabiendo que trataron de tocar lo menos posible las reliquias y lugares sagrados. El antiguo albergaría unas reliquias y otras al aire libre, en capillas. El nuevo erecteion cobija a otros y se arrima a puntos sagrados que deja fuera.

Es un templo de la familia cuadrilátera pero densamente irregular, con 10 lados y tiene dos ejes de simetría (uno de este a oeste; el otro que hace una T con el anterior se orienta norte sur). Carece de peristilo pero si se alza sobre el zócalo convencional, al ser doble, la mitad este esta dedicada a Atenea en forma de Xoana, un atípico pues su eje corre invertido, carece de distribución interior, cuenta con ventanas (helenismo). El templo de Atenea se concluye con un pórtico hexastilo, pseudo in antis. La otra mitad o templo de Poseidón consta de una naos irregular como..... para arquitectura academistas griegos porque aparece abierto por cuadro lados: al este unía a los olivos y templetes, la pared ciega se abren con numerosas ventanas en las que se abren ............ de muro en la que se colocan columnas jónicas (helenismo). La naos por el este comunica con dos habitaciones a naos llamadas adyton y otras capillas sin más de Bustas y Hefasito. Al norte, un gran pórtico hexástilo pero con cuatro columnas al frente y dos retraídas. Al sur de la naos, el pórtico de las Cariátides.

* Erecteo fue uno de los 10 monarcas legendarios que con sus tribus pueblan Atenas. Durante su mandato se disputó el patronazgo de Atenas.

La irregularidad supera todas las vistas. Además de rarezas atípicas explicaba:

· devoción de los griegos: no se podía las reliquias por lo que hay que construir un templo subordinado a ello.

· en clave: muy accidentado. El olivo de Atenea estaba en una roquedal y la huella del tridente más arriba.

· fechas alcanzadas en los que está ya. Libertad y novedades constructivas que anuncian o que son ya el Helenismo.

Los historiadores ponen en la mesa como los griegos se rindieron a los sagrado frente a la racionalidad y lógica que los caracteriza. Esta tesis fue respondida de diferentes formas siempre en defensa del racionalismo griego que hay irregularidad, tiene elementos reguladores, el eje que forma una T, si el pórtico grande se hace girar 90º y se coloca en el muro tendríamos templo regular (el pórtico de las cariátides no distorsionaría al orden).

· rarezas del templo: fachadas desiguales (cada fachada distinta altura y nivel del suelo), planta articulada, numero de pórticos, cellas sin dividir, dos habitaciones sin identificar, cellas con muros abiertos, no peristilo.

· datos básicos clasificación: no períptero, dos cellas, jónico cariátide, tres pórticos, dos capillas.

Templo de Apolo en Dídima

Dídima estaba en Asia Menor, primer eje de la escuela de provincias con características jónicas, principal templo de toda la Grecia Jónica. Templo exponente de la arquitectura greco-asiática de la que sitúa el helenismo. Se comienza en el 300 y se acaba durante el Imperio Romano, sucede a un antiguo templo.

Templo cuadrilátero oblongo, basamento de tres metros de altura. Pronaos profunda, la sala intermedia con columnas que es oráculo. En la pronaos los fieles recibían el oráculo.

Hay dos túneles abovedados descendentes desde la pronaos hasta el templete de Apolo. La bóveda es producto de los descubrimientos de Alejandro en Asia.

La nos hípetra se daba en la Grecia-jónica. Al fondo, templete dedicado a Apolo, templo dentro de templo, licencia propia de provincias. Esta nave tiene formato de cella hípetra.

Fue una de las siete maravillas del mundo antiguo, soluciones propias del helenismo, único templo hipetro en teoría

· Repercusiones del templo griego cuadrilongo

Aun en el s.XX los edificios incorporan partes más representables del templo griego. El fenómeno comienza en la misma Grecia, en 2º y 3er clasicismo, durante helenismo es un indicador de la trascendencia visual y simbólica del templo. De él no se reproduce al pie de la letra ni todo él sino su himafronte al este. Pueden repetirse los elementos principales: basa escalonada, columnata y tímpano. Hay un elemento que si se pusime pierde la identificación . estos frontes se aplican a edificios con diferentes usos que proliferaron en el 2º 3er clasicismo surgiendo de la necesidad que de ellos se tenía: monumentos, frente de tumbas en forma de capilla e incluso sarcófagos.

De estos ejemplos se puede pedir un análisis doble:

1· Explicar donde reside la componente del templo griego y su grado de pureza.

2· Búsqueda de los rasgos propios de la arquitectura helenística.

ESQUEMA PARA COMENTAR LA ESCULTURA EXENTA

• Era, civilización

• Repertorio artístico

• Autor de las esculturas. Anónimo

• Cronología

• Altura aproximada

• Material (caliza o mármol)

• Original / no

• Tema.

• Clasificación en géneros: mítico-épico, heroico...

• Tema concreto de la obra

• Momento exacto que se narra

• Breve identificación de los personajes

• Análisis individual de las figuras.

• Simetría

• Punto de vista

• Posturas abiertas o cerradas

• Dinámica o estática

• Tratamiento anatómico.

• Tratamiento del ropaje y del cabello.

• Expresión de la cara.

• Finalidad. Función

• Valor. Importancia, interés de la obra.

ESQUEMA PARA COMENTAR LA ESCULTURA RELIVARIA

• Arte de la Antigüedad ....arcaica....

• Escultura relivaria griega

• Edificio en el que está situada. Templo de....

• Autor de las esculturas. Anónimo

• Cronología de la parte esculpida

• Piezas decoradas de este edificio

• Altura aproximada de esas piezas

• Material (caliza o mármol)

• Técnica. Bajo, alto, falso relieve.

• Tema.

• Clasificación en géneros: mítico-épico, heroico...

• Tema concreto de la obra

• Momento exacto que se narra

• Breve identificación de los personajes

• Análisis de la composición

• Simétrica o no.

• Fórmulas de la adaptación al marco

• Ver si hay relación interna entre los personajes de la escena

• Ver si hay algún intento de expresar la tercera dimensión o profundidad.

• Análisis individual de las figuras.

• Punto de vista

• Posturas abiertas o cerradas

• Dinámica o estática

• Tratamiento anatómico.

• Tratamiento del ropaje y del cabello.

• Expresión de la cara.

• Valor. Importancia, interés de la obra.

Escultura Romana

Por comparación el más idealizado que el griego, el romano fue considerado menos por movimiento clasicista del XVIII y que el arte romano es utilitario. Se negó la posibilidad de valorarlo de forma autónoma, fue percibido como realista, cotidiano, histórico. Reflejo pálido del griego, considerado intelectual, abstracto, filosófico.

Estas diferencias pueden apreciarse en representaciones de batalla:

a) Griego: mitos. El más civilizado, el elemento positivo. Batalla entre gigantes y dioses

b) Roma: realidades concretas, ilustradas en una serie de relatos en las columnas triunfales.

El arte romano experimenta gran dificultad para lograr una reacción netamente estética, sin connotaciones sociales o políticas.

Tanto en República como Imperio chocó contra el Helenismo, fuente de inspiración que se desarrolla simultáneamente. Grecia posee mayor capacidad de perdurar, relacionado con la tradición y la religión (sustrato religión romana). Este fenómeno iconográfico procedente de Grecia tiene repercusión durante la etapa romana representativa y la tardoantigüedad así como la época medieval: la Niké (Victoria para Roma; ángel para los cristianos), Orfeo (Cristo), filósofos (apóstoles). Roma invade los territorios griegos y asimila su arte.

Hay un anhelo por poseer obras de arte griego. Los patricios suelen tener un precepto de origen griego, poseen una de estas piezas es seguro de prestigio. Se generan muchas copias romanas. Actitud de coleccionista. Surge también un sentimiento autóctono de rechazo del producto extranjero porque políticamente ven en peligro tradición moral. Cicerón atestigua la existencia de auténticos expertos en arte griego (Villa de Adriano en Tiboli).

Aparte de esculturas exentas, encontramos escultura superditada a arquitectura en Grecia. En Roma adquiere más importancia exenta. En Grecia es de cuerpo entero, en Roma se trata el tema del busto, la cabeza que expesa frente a la inexpresividad del cuerpo. Los ideales de armonía, belleza tienden a disiparse.

Cristo por el relieve narrativo, sentido decorativo, el lugar reservado a la escultura en la arquitectura, individualizacion del retrato.

Dos corriente esenciales que definen arte romano: a)Popular y b) Patricia.

La clase artistocratica es la que puede permitirse representaciones pero también se da en lo popular (Bustos de antepasados).

A partir del siglo III la corriente popular experimenta un peculiar desarrollo hasta la Edad Media.

Diferencia pública / privada. Urbana / rural. Exportaciones o manufacturas provinciaes. A veces los talleres elaboran estructuras y otras reelaboran las esculturas.

¿Por arte romano se entiende el arte de la ciudad de Roma o hay que ectender el término a la romanización? El arte de la Hispania es diferente a la de la ciudad de Roma. la fusión del arte de la capital con las proviciales crea un arte provincial original y diverso.

El estudio de la escultura romana se debe a la Edad Media y Renacimiento tomando como parámetro del arte romano. Los coleccionistas recopilan gran parte del arte romano. En el siglo XVI en Roma se transforman y reutilizan diversos elementos romanos y se comienza a proteger el patrimonio. Bramante excava el foro y no vacila en destruir el monumento para reutilizarlo. Lo que se pretende salvar son los elementos más hermosos de la arquitectura romana. Ya en etapa romana la reutilización es evidente.

La aficion prosigue en el siglo XVII con recompilaciones de Boscio o Ciompiem. Nacimiento de la arqueología en el siglo XVIII, cuando comienza una rendorización. Winkelman defiende la independencia del arte antiguo, sobre todo Grecia. Winkelman cataloga y su obra sobre arte clásico pasan al XIX, revalorando esa por encima de la pintura. Ejercen una influencia en el siglo XX aunque ha sido nocivo porque desprecia el arte romano. En el siglo XIX, se estabece un paralelo entre historia y arte.

Diferencias arte romano / arte griego en escultura basándose en el retrato.

Los orígenes del retrato en Roma en relacion con la tradición:

Tradición etrusca.

Retrato fisionómico griego del último helenismo.

Costumbre de la “maiorum imágenes”. Papel trascendental, imágenes del difunto metido en armarios. Era una máscara que en las funciones públicas se adormaban. Generalmente de arcilla. Las primeras debieron ser comunes a antigüedad de Italia donde no se trata de representan el semblante. El maternal, por lo general era la arcilla pintada o el bronce aunque no hay indicio de máscaras de oro. En el helenismo empieza a aflorar el realismo, la definición de rasgos. El “no imágenes”, derecho a tener representaciones de antepasados fue primitivo de la nobleza pero a fines del s.IV, Lisitrado, hermano de Lisipo fue el 1º de sacar del rostro de un vivo una máscara de yeso para realizar un molde de cera. No se consevan así como las de madera, sin embargo se conservan los de barro cocido.

Tras morir el pater familia, un escultor hacia un vaciado del rostro y un positivo del mismo en cera, mascarilla que se pintaba para emular a un vino. Se colocaba en el armario junto al “titulus”, especie de “curricula”. La mascarilla estaba destinada a figurar en todos los actos, llevada casi siempre por un individuo que se pareciese al difunto.

Carácter general de estos retratos: rigor mortes, enjuta chupas; pómulos salientes, nariz afilada, boca fruncida, piel rugosa, orejas en abanico, nuez prominente, mandíbulas descarnadas. Vaciado de un rostro consumido “facies hipocratica”.

Esto conduce al realismo, sobre todo a la reproducción casi exacta de los rasgos del retratado.

El retrato griego nada tenía que ver con el romano por el idealismo que poco a poco ira suavizando los rasgos cadavéricos del retrato romano. Simultáneamente se empleara mármol y bronce. Se distingue esencialmente de él por el realismo veroz mientras que el griego busca el interior y toma todo aquello que puede reflejar su interioridad. El romano capta un instante de la vida, el griego tiende a tomar tipos que van a la idealización. La pretensión es una estatua homofiva para la polis. Esta estatua sirve como contexto y paradigma. El romano tiende a realizar un retrato de carácter familiar, es popular y democrático. En Grecia nace de un ambiente político, civil y militar. El romano puede representar a cualquier persona, el griego solo a individuos, ejemplares, paradigmaticos. Por origen Roma pretende reproducir solo la cara con fidelidad para los griegos el retrato era la configuración del ser en su totalidad. Roma parte de la base que las facciones contenían toda la personalidad.

La ejecución de estos retratos en muchos casos covino a manos de griegos, paradójicamente. El artista griego asumía el gusto romano.

El soporte idóneo y digno para la cabeza. Los pocos exigentes se conformaban con un cuello cercenado pero en realidad van a buscar un tipo de busto estable sobre una peana, exigno y de corte convexo. Adoptarion de los griegos las soluciones de los Hermes.

Escutura romana: epoca de la republica. Características.

Cronología: 500 - 31 a.c. (no es tan importante las fechas)

Distinguir retrato imperio - retrato Republicana

1º epoca republicana

· Relaccionada plenamente con lo etrusco. En Lacio desarrollo del arte romano, en medio de la etruria del norte y del sur, de ahí las influencias etruscas.

· Antes del II ac es un mundo de influencia griega que le viene por etruscos, etruria:

rasgos de mascaras mortuorias: tipicamente etrusca.

Sarcófagos.

Apego romano a la vericidad; las mascaras funerarias son el inicio de un futuro retrato.

Hablamos de muchas hipótesis : variedad de posibilidades.

Aristocracia: pierde su poder y prestigio. Reacciona con manifestaciones artisticas muy notables. De ahí los ultimos años de la republica arte importante. El arte como propaganda.

El retrato es la publicidad de uno mismo. Se enuentra en la ritualidad respecto al culto de los muertos

Comienza a ser conocido en el 100 a.c.

Las tradiciones nativas no se olvidaron , gusto por el antepasado ; se desliga del aspecto final pero se sigue manteniendo; la tradición.

Se desarrolla el retrato individualizado; personas trascendiendo para la política del momento ; figuras de jefes militares. Series de retratos según su evolucion o permanencia.

Retratos de hombres importantes frente a los heroes griegos. Ahora lo representado tiene que ver con el mundo terrenal.

Retrato real, personalidad, carácter, nobleza, dignidad, más que la belleza como en grecia.

· 1º obra: inicio de esta nueva estetica.

La Arringatore: “El orden”: transmisión, inicio de una nueva estetica que apunta hacia la veracidad. Expresión y tipo romano. Retrato individual de cuerpo entero; no aspira a perpetuar al hombre en la plenitud de sus años.

Al romano le gusta representar todos los años de vida, no solo la juventud, la belleza, la armonia corporal de grecia.

Es una crónica veraz y sincera. Recoge el paso del tiemp o en el rastro del retrato: cicatrizes... avatares de la vida y del tiempo, luchas pasiones, exitos , fracasos.

- Preferencia por retratos de viejos: “verdaderas ruinas humanas”.

existe corriente patricia y aristrocratica que toma como base al helenismo: presente en la capas altas de la sociedad y de ahí un tipo de arte marcado por el ideal griego. Así el retrato esta controlado por estas clase.

Una corriente popular; propia de necrópolis (culto a muertos) , más abstracta e influenciada por la corriente patricia.

Las adaptaciones de la corriente popular es en relieve; grupos de familias mixtas; matrimonios entre libres y libertos. Estos retratos son de un mundo industrializado ; talleres con formulas que se aplican directamente.

Así relieves concretos y sarcófagos.

En etapa tardia evolucionan hacia la calidad ( estructura imperial, control de provincia) talleres provinciales ( hispania, galia) . Talleres estos con prestigio que abandona el formulismo.

Todo esto es un proceso de aculturacion; dado que desde el II a.c. marca el desarrollo del arte. Ejemplo : transformación de una cultura ej: colonicacion.

BIANCH: BONDINELLI : teorias : dos corrientes. Dos libros.

arte aulico: se conforma mediante modelos griegos desde el II a.c. y tendra su mejor expresión en la etapa de Augusto, sobre todo desde el punto de vista ideológico y formal.

Arte plebeyo: anticlasica junto a elementos helenisticos que influyen desde mediados epoca republicana.

Maestros y talleres: corrientes . No interesa el rollo cronológico

Un cuarto antes de siglo I a.c. ( dos talleres). Aumenta por parte de la clientela de obras griegas helénicas. Son mayormente talleres de maestros griegos. Esto evidencia influencia griega en arte romano. Tipo de obra adaptado a la clientela romana. Uno de los talleres coordina los rasgos del personaje a representar dando una expresión momentánea , energica , un arrebato de colora. Parece ser ek retrati de Aulo Postimio Alomo presenta rasgos propios de modelos de atenas.

Retrato del Mariscal de Tiuuli

A este taller se atribuye el retrato de Sila (dictador) , llegado a nosotros por las monedas con figies.

Algunos autores denominan a este taller “helenistico helenizante”.

El otro taller, concretamente, “helenistico latinizante”: caracterizado por marear más la fisonomia. Tiene rasgos como arrugas de la frente prolongadas por la sienes, patas de gallo, arranque del pelo en forma de “S”. Poseen lineas energicas que dan fuerza al retrato.

Al final de la decada de los 70 se establece una tercera corriente que reacciones frente a estas , frente al helenismo. Partidaria de una romanidad; se basa en la tradición de viejo cuño. Retratos que se corresponden.

Los ojos ahora pierden fuerza , lo feo , defectuoso se registran escrupulosamente.

El proceso a finales de la Republica vuelve a la helenizacion, hacia influencia griega, modelos griegos en la vida privada aristócrata romana. Ciceron viene a decir que los dirigentes romanos hacen una antitesis entre el negocio , trabajo y estado y los placeres. Ahora el retrato en boca ojos, entrecejo ( partes en las que se centra).

Retrato de Norbenus Sorex: actor preferido del dictador de Sila. Pertenece a la corriente que vuelve al helenismo (punto nº4) junto con otros: Sacerdote de Isis, Cabeza de terracota de Baston, Retratos de Pompeyo ( culmina tendencia pictórica potética), el artista trata ya de superar el helenismo junto con experiencia romana.

Retratos de Ciceron: hombre como persona, no como heroe mitico.

Ambitos y programas (hornamentales) : sin categorizar. A modo de ejemplos.

Ciceron: los hombres de Estado diferencian el ocio y el negocio.

Ocio : Vila romana. Ubicada : diferencia de otro ambito domestico, ubicación rural . diferencia con domus urbana. Estamos como el atrio o platium, estancias de carácter publico dentro de un ambito privado. La vila adquiere mediante modelos arquitectónicos y ornamentales helenisticos, más ecos de nuevos aires, una nueva fisonomia de lujo y sustentación. En la villa cultura, arte. Transformación de la arquitectura; nuevos ambientes en funcion a lo determinado, a lo destinado. En vilas de la Republica (porticos helenisticos). Abundan a partir de epoca tardo republicana. En la domus (casa domestica), patios porticados con espacios ajardinados y fuentes. Antes la vila era una explotación agraria ahora “la casa de fin de semana”, todo ello por el cambio de carácter, de mentalidad.

Casa desarrollo del jardín: sustituye al hortus o huertos. Se prefiere jardín ordenado , aborcable, con estructuras como partidos, berbedeles, triclimios estivales, fuentes , a veces estanques.

En este ambito de ocio : ornamentación: pictórica

Escultura : más destacada.

Esculturas estatua-frente y otras “libres” por el jardín (en mármol)

Cada ambito y estructura arquitectónica desarrollará elementos ornamentales definidas; destino según el propietario: marca su programa según su gusto de ahí que todo escultura, pintura y arquitectura según la funcion y gusto del propietario.

En epoca tardo republicano , antes de Augusto, bastantes programas de complejos ornamentaciones, significado ideológico y la interpretación intelectual.

Ciclos ornamentales: no programas teologicos, no religiosos. Si concepciones mistericas (clionisiaco, mitos, leyendas), con origen generalmente griego y compartido o sumado a poetica (Horacio, Virgilio, ovidio).

El modelo es el de la Vila Dei Papiri: amplio progescultorico. Compuesto de 65 copias elaboradas en mármol y bronce, situadas en el Ginnosiun, entorno a un gran estanque central. Dos temas:

Temática griega: incluia el mundo cultural y filosofico junto al mitológico : poetas, filósofos, políticos , atletas, principes helenisticos, devinidades y grupos mitológicos con influencia de griegos. En Atrio, Biblioteca, Peristilo o Gimnasio.

Temática dionisiaca: Baco junto con otros agregado, figuras de niños y animales. Zona ajardinada del Gimnasio. Tema itálico de ornamentación de jardines . Paraíso y paisaje sagrado.

No existen prototipos , sino temas con amplio abanico de posibilidades. Las claves para las preferencias eran la cultura , literatura, arte griego.

Las cartas de Ciceron a Atico: interes por adquirir esculturas para adornar villas.

La escultura romana se impone mediante estatuas publicas ( independientes; en arquitecturas .

Relieves en monumentos de prestigios o decoración vegetal y geomentricas.

El urbanismo , foro, grandes columnatas son elementos básicos de organización de la cuidad. Novedades arquitectónicos en desarrollo .

Foro : dos partes o formas (templo ; basílica)

Propaganda = escultura= dentro de la ciudad o en sus puertas = ideología imperante del momento.

edificios de espectáculo.

Edificios funcionales: estatuas , relieves en estuco, escultura (omnipresentes)

Teatro: escena monumental. Edificio representación dramatica. Decoración escultórica valorada.

Termas y baños: Caracalla: ornocinas (nichos) : de que existia escultura. Fueron edificios publicos: ultima morada ( tumba, mausoleo, sarcófagos, altares y estelas)

Las grandes monumentos funerarios con abundante escultura en vias sepulcrales.

Originales y copias: según un articulo.

Demandas de talleres, importación de modelos.

Debajo de Augusto de Prima Porta se esconde el Dorifodo de Policleto.

No copian literalmente sino que reconstruyen.

Arco de Trajano copia de Tito (arco).

Arrigaronte: carece del carácter idealizado de los griedos, es simplemente un orador. Personaje de cuerpo entero. Viste la toga con un plegado que le debe al helenismo, mano extendida arengalo. Rostro que empieza a reproducir los rasgos del representado. Es un arte enminentemente propagandístico.

Retrato de P.Postumio Albino. Tendencia hacia los griego en el pelo. Similar a los retratos fisionomicos griegos.

El mariscal de Tivoli. Constraste entre el cuerpo idealizado y el rostro cansado. Representa la madurez pero aún tiene atisbos de helenimos.

Rostros enérgicos, cabello pictócio más pegado a la bóveda craneal. Rigidez del rostro derivado de las máscaras mortuorias. Cabeza Stroganoff

Poco a poco van cediendo a una estilizacion. Aunque se siguen manteniendo orígenes griegos.

El viejo Torlonia. Un busto original cara y cuello. Representación característica mortuoria. Pliegues que son auténticos surcos, cejas hundidas, nariz ancha.

Cabeza de Terracota de Boston. Deriva de las máscaras mortuorias retocadas.

Retrato de Julio Cesar.

Augusto

27 a.C. - 14 d.C. Sobrino de Julio César. Lucho contra Marco Antonio. Cesar muere en el 44 aC, asesinado por Bruto. La lucha por el poder duró 13 años. Tanto las imágenes como las edificaciones van a desempeñar un papel importante sobre todo monedas y edificios, desde punto de vista propaga. La única baza Octavio Augusto para el poder era Julio Cesar y reclama los derechos de sucesión.

Desde un principio se hizo llamar César y llegó al poder el año 31 aC y lo 1º fue reconstituirla “republica” y por ello le concedieron el título de Augusto “salvador de los ciudadanos”. Augusto impuso el culto estatal a Cesar divinizado, veneración a un nuevo Dios.

Este echo le dio pie para que se hiciera llamar “divifilius”, por ser hijo adoptivo de un Dios. Comenzaron a erigirse altares y los monedas acuñadas, hacen directa o indirectamente referencia a Cesar.

La batalla de Accio y la toma de Alejandría, fueron un hecho fundamental y el ganador sería Augusto. A partir de hay los peregrinos y el culto al emperador son parejos. Incluso empezará a utilizar el sello de Alejandro Magno. Incluso Agripa plantea un panteón con Cesar y el “divifilius” junto con los dioses protectores. Las plegarias también serán hacia Augusto se ordenaron brindis hacia Augusto.

Las representación de Augusto hizo que se le representan de varias formas: una de líder revolucionarios en su juventud, también como el “general invicto”, por supuesto como el benefactor de los ciudadanos.

Para ello se le corona con la “corona cívica”. También se le hace representación como un héroe griego y también como cumplidor sacerdote. A sus rasgos van a cambiar muy poco en los 60 años.

Los retratos de la época están arrimados al patetismo griego, de ciertos talleres de Roma. Por supuesto estos retratos tienen un gusto incómodo, que representan la inconciencia que siente Octavio por no poder llegar al poder al disputárselo.

Uno de los retratos más famosos y conocidos es: El retrato de Augusto como general invicto. Se trata de copia en mármol de estatua de bronce, realizada en época posterior a la batalla de los Partos. Coincide con una época en la que Augusto trabajó con gran auge dotado su origen divino. El cliente dispuso que el monarca fuera representado como un general victorioso y destacará su descendencia divina. También en el cuerpo entero. En realidad tanto el rostro como el cuerpo fueran creados con las formas clásica del artista griego, con fin de elevar la figura del vencedor. Esto se inspira en algunos aspectos en el Doríforo, pero variantes por ejemplo el brazo derecho alzado, y la actitud de la pierna izquierda que es distinta a las del modelo policletiano. Viste túnica corta que sobre ella lleva el relieve de la batalla. Arriba el cielo y abajo la tierra.

Ara pacis: se consagra en 13 aC - 9 aC.

El emperador 50 años y salud se resiente. Fueron imputados de la vida imperial. Retrato de la emperatriz Lidia, siempre en juventud. De 2 tipos: 1 peinado nodus, tupé con trenza que llega a final de la cabeza. El otro tipo no lleva peinado nodus, sino raya al medio y recoge moño, peinado de Salus (personifica salud).

Augusto se preocupó de que sus herederos fueran representados perfectamente. Los herederos eran Gaio y Lucio Cesar. Se les da estos de princeps, y aparecen representados en mayor parte de relieves. Algunas veces con su madre Julia, que lleva la corona ática. Tanto Gaio como Lucio Cesar fueron sesgados.

Tiberio (Lipostro) gozó de muchos retratos, sin embargo, dos hitos como fecha de rehabilitación o adopción por parte de Augusto IV dC. Cuando Tiberio tenia 46 años.

Muerte Augusto: 14 dC.

1ª etapa: retratos como se encontraron en Fayon. Aparece en compañía de Augusto y Lidia.

2ª etapa: todos los retratos de Italia e Imperio.

Irradian majestad de que estaba dotado el Emperador. Se van a mantener hasta la época de Claudio. El rasgo más característico es la idealización.

Escultores: la mayoría procedía de Grecia. Algunos trabajaban de forma aislada como “Afrodisio de Tralles”, y otros en grupos, entre ellos los autores del “Ara Pacis”. Y también los autores de los deipìos y las cariátides que están en el foro de Augusto. El más célebre es Pasiteles, es muy conocido a través de Plinio y desde luego creó una escuela, no contamos de obra alguna firmada. Pero cabe relacionar su estilo por un grupo que está en el museo del Prado. En este grupo están reunidos 2 jóvenes, uno un joven atleta inspirado en el Doríforo de Policleto, y el otro inspirado en el Apolo Sauróctono de Praxiteles. Este grupo se completa con una estatuilla de una diosa de carácter arcaizante, de la escuela de Pasiteles.

Algunos como Stéphenos, se caracterizan de tipo de esculturas que deriva de la escuela helenística y periodo severo.

Estos escultores llevaran la batuta de la escultura aúlica en Roma. Con ellos apareció lo que es la belleza ideal.

Ara pacis: obra más significativa. Representa la culminación del helenismo republicano y culto álgido del arte de Augusto. Esta edificación fue erigida para celebrar la restauración de la pax en el mundo romano. El lugar fue consagrado en el año 13 aC y la estructura arquitectónica se terminó en el 9 aC. Se levanta sobre un alto pedestal escalonado dentro de un recinto cuadrado murado, con dos puertas. El altar está ornamentado con un friso muy pequeño donde aparece el sacrificio de un toro, un carnero y un cerdo “Suovotaurilia”. Aparecen cierto número de sacerdotes y vírgenes vestales que aguardan a Augusto que aparece como un magistrado oficiante. Estos relieves se caracterizan por el gran detallismo técnico que a veces recuerdan tallas de los camafeos. En las esquinas aparecen gnfos decorativos y ramas de acanto que recuerdan ornamentaciones comunes en el último periodo republicano. Los largos laterales externos se dividían en dos partes. Las guirnaldas colgantes y los bucracia (cabezas de toro) recuerdan la ceremonia realizada en el lugar en el año 13, se levanto una valla temporal para ocultar a los sacerdotes de las miradas maléficas.

Parte inferior: representación de acanto con otras flores, que aparecen también pájaros es muy similar al tipo de decoración que representa el 3er estilo de pintura. También aparecen cisnes, consagrados a Apolo, encaramado en zarcillas. Aluden a la veneración que siente Augusto por el Dios Apolo. Por encima empieza el relieve de la procesión. Inspirada en las panateneas de Partenón de Atenas. Está modificado de acuerdo al carácter práctico de los romanos. Representa cosas de la vida cotidiana. No todos atentos a la ceremonia.

A las paredes externas tratamiento diferente por encima de franja de acanto se encuentran relieves neoáticos que han sido cuidadosamente reelegidos.

Los relieves mejor conservados son: el sacrificio de Eneas frente a un templo de los Penates, y el relieve llamado de Italia o de la madre tierra, que aparece esta personificación del aire y del agua.

Conjuga tendencias barrocas y de gran clasicismo.

Augusto tenía interés en realzar la “Pax Augusta”.

ESQUEMA PARA COMENTAR LA ESCULTURA RELIVARIA

• Arte de la Antigüedad ....arcaica....

• Escultura relivaria griega

• Edificio en el que está situada. Templo de....

• Autor de las esculturas. Anónimo

• Cronología de la parte esculpida

• Piezas decoradas de este edificio

• Altura aproximada de esas piezas

• Material (caliza o mármol)

• Técnica. Bajo, alto, falso relieve.

• Tema.

• Clasificación en géneros: mítico-épico, heroico...

• Tema concreto de la obra

• Momento exacto que se narra

• Breve identificación de los personajes

• Análisis de la composición

• Simétrica o no.

• Fórmulas de la adaptación al marco

• Ver si hay relación interna entre los personajes de la escena

• Ver si hay algún intento de expresar la tercera dimensión o profundidad.

• Análisis individual de las figuras.

• Punto de vista

• Posturas abiertas o cerradas

• Dinámica o estática

• Tratamiento anatómico.

• Tratamiento del ropaje y del cabello.

• Expresión de la cara.

• Valor. Importancia, interés de la obra.

ESQUEMA PARA COMENTAR CERÁMICA GRIEGA

Ficha técnica

• Título vaso (si lo tiene)

• Era, civilización y repertorio artístico.

• Técnica / estilo

• Tipología de vaso

• Autor/es / anónimo

• Cronología

• Geografía, lugar

La pieza cerámica (antes de decorar): el trabajo del alfarero.

• Descripción del vaso, análisis morfológico sintético, medidas

• Identificación de la pieza dentro del grupo de vasos.

• Usos

• Preexistencias o creación propia griega

.

La decoración, el trabajo del pintor

Técnica.

• Incisión

• Mixta

• Pictórica

• Nº de colores

• Color configurado mancha / linea o trama. Silueta o no

• Color mate, brillo o satinado

• Color plano, sólido o con tonos, clarooscurista.

• Si el color traza mancha tipo siluetas; mancha valorada con tonos, formas lineales...

Motivos. Formas

• Ornamentales

• Escenas

Composición, distribución de las formas / motivos

Estilo

• Prearcaicos: geométrico, esquemático

• Arcaico. Oriental, protocorintio, ática figuras negras

• Naturalista. Cerámica ática figuras rojas y vasos blancos

• Naturalista en proceso de cambio /evolución. Vasos del IV aC

Tema 8. Escultura de los clasicismos. III Clasicismo.

Cronología: 400/20 - 323

Denominaciones múltiples para el 3er clasicismo: 3er clasicismo (no se moja), tendencias artísticas del s.IV (neutro), del clasicismo al helenismo (empiezan a mojarse), Postclasicismo (es la línea de lo que pensaba en el s.XVIII Winckelman, decadencia o corrupción arte griego), protohelenismo, estilo dulce o bello.

3 grandes maestros:

Praxiteles: 340 - 20

Escopas: 350 - 30

Lisipo: 330 - 260

Tesis a mostrar: desde comienzos del siglo IV, con la muerte de los grandes maestros Fidias y Policleto, y aunque continuaron sus discípulos surge un nuevo estado de cosas en las artes figurativas del mundo griego.

Causas: · políticas (crisis Ática y Atenas, 420 "

· crecimiento de poder en otros puntos del mundo griego

· cambios económicos

· cambios de filosofía e ideas sobre la vida (afectan sobre dioses, rebajándolos un poco de valor haciéndoles hombres). Este cambio se resume en un nuevo naturalismo, que se contrapone en parte al naturalismo anterior.

Naturalismo I, II	Nuevo naturalismo III clasicismo
Pasado, tradición	Novedad, vanguardia
Dioses héroes más jóvenes más bellos	Dioses más héroes más desinhibidos más bellos pero humanizados, con sentimiento
Naturalismo idealizado	Naturalismo idealizado continuación pero con novedades
Continua la línea de trabajo policletiana y fidiaca (más representantes del periodo)	También continúan además se imponen lo praxiteliano, lo escopaico y el arte lisipeo

Innovaciones III clasicismo

Se pueden agrupar en dos: cambios en contenidos y cambios de forma (intrínsicamente unidos).

Materia formal:

1· materiales: tras bronce se retoma el mármol. Con tratamiento especial, máximo representante Praxiteles. Las carnes vistas permanecen color natural en anteriores clasicismo se pintaba). No se les da el pulimento tan esperado ni el encerado que tanto gustó y aplicaran los romanos. Praxiteles entre sus coetáneos introducen la policromía en puntos concretos de la obra (pupilas, labios, paños, el cabello...) Perseguía con el mármol y el tratamiento especifico que le infundió una mayor calidez y sensualidad en sus figuras desnudas.

2· pictoricismo: muy del gusto de la época. Reside en esa policromía, pero también sin ella en la presencia de fuertes claroscuros en el rostro y el cuerpo, que infunden un color dramático a la obra.

3· materia de composición se introducen materiales extraños, rocas, paños, troncos, aparentemente supone una barroquización de la imagen, se trata de amenizar la visión, agrada al espectador la mirada sobre la imagen. La más poderosa parece ser la de que esos objetos casi siempre justificado por el argumento de la obra en cuestión, lo que es estructuras para soportar el gran peso de piezas de algo más de 2 metros de altura de mármol.

4· anatomía: aunque continua la línea de la anatomía angulosa y dura policletiana, la que se impone ahora es blanda, de formas suaves, redondas. Canon anatómico de mujer (afeminado). Los varones de Praxiteles serán un tanto andrógenos y afeminados pero hay otro registro para mujeres, para las venus de Praxiteles por ejemplo que aparecen con sobrepeso, carnosas de la cintura a las rodillas.

5· canon de proporción: se verticaliza, no en vano a este periodo y al siguiente pertenece el canon de ocho cabezas, una cabeza más de Policleto.

6· nuevas iconografías: las parejas en comunicación, Venus...

7· nuevas situaciones o momentos impensables hasta ahora: un joven tumbado abandonado, una venus pillada in fraganti cuando sale de la ducha.

8· nuevas posturas en las venus (Praxiteles). La llamada postura de pudor femenina, junta muslos y abre un poco las piernas abajo y la “s” praxiteliana. Versión del contraposto(periodo anterior Doriforo). Curva sensual inestable..

9· continua el naturalismo idealizado pese a todas estas novedades.

Novedades terreno ideas sentimientos

El 3er clasicismo se inclina netamente el pathos en tanto que el 2º lo hacia por el ethos. El pathos indica la expresión directa a través de cabeza y cuerpo de las emociones interiores de signo positivo o negativo. El ethos por el contrario contiene no dejar salir dichos sentimientos. El ethos se identifica con lo lógico, racional, frío, distante y el pathos a la inversa deja libre las emociones, los sentimientos primario, el corazón, lo humano, la comunicación. El ethos se identifica con Apolo y lo Apolíneo y el pathos con lo dionisiaco y dionisios, igual al desenfreno, la pasión, la embriaguez, etc. Pero el que fue aplicado tímidamente en el clasicismo severo o 1er clasicismo y luego reprimido en el 2º. Se impone en el 3er , con 2 variaciones: el dulce o positivo (Praxiteles) y el amargo o negativo (Scopas).

Praxiteles.

En cuanto al contenido de su obra nos regala con un pathos pero dulce, la obra traduce una forma riente o alegre de la vida, todo es gracia, dulzura, sonrisa, candor. Se centra en el afecto entre los personajes desdoblados en dos vertientes: lo pasional a través de sensualismo y cierto erotismo que rezuman sus figuras. Otra la ternura o cariño. Trata a los dioses humanizadamente, en consonancia con las ideas de la época que invitadas por el pesimismo de la crisis ática se comparan en un descrédito de los dioses. Adopta una manera de contar irónicamente pero también dulce, no mordaz. (la parte de la introducción del 3er clasicismo tiene aplicación casi íntegramente a Praxiteles en un comentario).

La venus justifica su desnudez por ser la diosa del amor y salir del baño.

Obras praxitelianas.

• Hermes y Baco: mármol. Algo más de 2 metros. Asunto mitológico. Hermes adulto enseña a Dionisios niño un racimo de uvas. Interpretación literal: las uvas aparecen en calidad de símbolo de Baco. Lectura crítica: Dionisios desde niño le gusta el vino. 1ª versión: el racimo puede funcionar como juguete (relación dioses hombres). Ejemplo de pathos dulce: relación afectiva de dos personas. La anatomía del niño es todavía arcaizante, pues al surgir en un momento muy temprano para representación infantil, el físico de los niños incumple el naturalismo pleno, representándose a los niños como hombres pequeños a escala menguada, no este caso concreto. Primeros niños Partenón, hasta entonces todo monopolismo jóvenes. Hermes, canon esbelto, anatomía aunque musculatura redondeada en línea con el gusto del 3er clasicismo. Elementos extraños en la composición: moderada “s” praxiteliana. Precedente y posible inspiración en Irene (alegoría de la paz) y Pluto (niño alegórico de la riqueza). Interpreta: paz-riqueza se asocian. Autor Cefisódoto el Viejo, posible padre de Praxiteles.

• Apolo sauróctono: el que mata al lagarto. Original era en bronce. Copia romana. Tema mitológico. Apolo joven, adolescente, con acusado eje en “s”. Se apoya en un tronco y con el otro brazo lanzaba un dardo al lagarto que asciende por el árbol. Humanización: 1ª lectura. 2ª lectura: irónica. Según biografía, Apolo mata a un dragón, pero lo que en realidad mato fue un lagarto. 1,50 de altura. Puntal con explicación estructural.

• Fauno niño: cosas Dionisiacas repetición niño, anatomía casi de niña, redondeada, suave, no atlética, transmite dulzura, serenidad, alegría: pathos dulce.

• Sátiro en reposo: praxiteliano por su postura. Eje rectilíneo se hace curvo en forma de “s”. Formas blandas, casi mujer.

• Venus Cnida: 2 metros (algo más). Mitológico. Gozó de más forma en su tiempo como el Zeus olímpico de Fidias o el doríforo de Policleto. Inagura tema del desnudo femenino y nace la iconografía de Venus, hasta este momento no había represión en las obras mayores del desnudo de mujer. Praxiteles se atreve poco con atenuantes: desnuda a Venus, lo que encaja con la sensualidad que desprende el desnudo femenino; lo justifica porque está en trance de tomarse un baño y es el espectador el que la sorprende en momento íntimo, este punto justifica que se acompaña de un vaso, ánfora y paño para el baño. Dos lecturas: baño sagrado o baño de higiene cotidiana: humaniza a los dioses. Al ser vista de improvisto ella despliega gestos de pudor: una mano delante del pubis y los muslos unidos abriendo las piernas (de rodillas hacia abajo). Otras versiones logran la protección púbica poniendo paño por la cintura, agachándola, lo que preserva no sólo la parte inferior, sino que también el busto. Canon de simetría en la línea que luego investigará Lisipo, esbeltez, modelo anatómico mujer sobrepeso cintura-rodilla. Mujer ruberiana irá por este canon. Las versiones más célebres tienen apellido (Venus de Medichi: representación de niño).

• Escanciador: Praxiteles. Bronce. Aunque trabaja en mármol también usa bronce como en Sauróctono.

Las obras de Praxiteles son sensuales, hedonistas, blandura. “s” praxiteliana. Amenazadas. El grueso de su obra son varones.

Scopas de Pharos

Casi exactamente contemporáneo de Praxiteles, pero enfrentado al preferir el pathos trágico, dolor, sufrimiento... de ahí que la escultura que refleje estos conceptos se le diga scopaica aunque no sea de su autoría directa. Scopas no es el inventor del pathos trágico, pero principal exponente. Arquitectura y escultura un tiempo. Trabaja en mármol y mucho en escultura arquitectónica con Briaxis y Leocarés participó en el mausoleo de Halicarnaso.

Prueba de que Scopas no es el creador de lo patético-clásico que había aflorado y luego abortado en el 1er clasicismo es el hecho de que aparece en el templo de Esculapio en el santuario de Epidauro, se esculpían frontones incluidos bajo este signo de lo patético. Son una cabeza de Príamo, cuyo cabello lo arrastra una mano, su rostro es patético y no es obra de Scopas. El cuerpo de un guerrero herido y moribundo, expresa como se expresa el pathos trágico en el cuerpo: cuerpo retorcido, tensión muscular, arqueamiento.

Templo de Atenea en Tajea: Hermes con cabeza de león télefo. Expresión del pathos trágico. Ojos muy abiertos, esfuerzo, la cabeza se levanta y gira con lo que se acentúa la tensión de los músculos del cuello. Claroscuro dramático en la boca entreabierta, en los orificios de la nariz y en las cuencas de ojos. La frente se arquea, el ceño se frunce, la boca se entreabre.

• Ménade: en trance, cuerpo ejemplo de pathos trágico en cabeza y cuello. Ejemplo de semidesnudo.

• Melagro: cazando jabalí. Naturalismo idealizado de dioses.

Lisipo

Domina su obra durante el helenismo. Se desarrolla su obra a lo largo de más de 50 años. Escultor longevo y prolífico en producción: 1500 obras. Destacable que fue escultor de cámara de Alejandro Magno. Su trayectoria será heterogenia con búsquedas en varias direcciones al contrario de Praxiteles y Scopas.

Poéticas sus búsquedas artísticas se centró en el canon de proporciones de figura humana (comparar con Policleto a fondo) siguiendo gusto del s.IV hacia esbeltez de la figura que ya se había perseguido en siglos anteriores, elabora un prototipo de 8 cabezas, con lo que alarga y da más elegancia que la figura acuadrantada de Policleto. Una frase suya: “Policleto representaba a los hombres en escultura como eran, yo los represento como parecen ser”. ¿Está hablando de que proyectó una corrección óptica sobre la figura humana; o que la muesa renunció a ella? El no creó canon, lo materializó.

Segunda etapa y preocupación de Lisipo. También materializada en el Apoxiomenos. Revolución mayor que la anterior y avances escultóricos bulto en general. (hablar sobre desnudo masculino en general, naturalismo y luego Lisipeo). Abre nueva época que se anticipa al renacimiento, no tanto por romper la simetría de los brazos (uno estira y otro adelanta para limpiarse con una rasqueta el barro de la composición) como por romper con la dimensionalidad de la figura arcaica, al adelantar ese brazo hacia el espectador, logrando un escorzo; en suma no tanto por dislocar la simetría, como por evitar la bidimensionalidad en base de la tridimensionalidad; logró Lisipo que esa obra tuviera múltiples puntos de vista, los que se van formando a lo largo del arco de media circunferencia. Se obtiene así una visión no en redondo, sino con 180º y todo ello por adelantar un brazo, necesitando el espectador mirar de frente pero también por los lados. Revolución espacial y ampliación de los puntos de vista que vienen arrastrando desde la prehistoria.

3er poética o búsqueda: en calidad de escultor de Alejandro recibió encargo de labrar un retrato del gobernante para ser copiado y trasladado a todo su imperio, precedido por sus súbditos. El retrato no es retrato de rasgos individuales, sino con rasgos divinos, heroicos, rasgos universales. Sin embargo, avanza en obra línea del retrato, retrato psicológico, al lograr imprimir en el rostro cierta dosis de carácter del gobernador que se buscaba y aparentara genio, temperamento, fuerza: este retrato no fue el primero. La novedad es, cierto temperamento recogido en el, este retrato ira evolucionando exaltando ese carácter del retratado, sin preocuparse por captar su parecido, pero no que mostrar apariencia divina. El pelo despeinado leonino, contribuía a imprimir fuerza temperamento. Tampoco Lisipo funda el retrato, precedente: “retrato” de Pericles, atribuido a Knesiles, s.V. Los griegos se les hacia insufrible esculpir fragmentos del cuerpo. Sus cabezas formaban parte de cuerpo desaparecido. Este retrato no lo es de parecido físico, sino idealizado dioses, ni retrato de temperamento, que comenzó a usar Lisipo.

4º episodio interesante, la serie de Hércules. Explicada porque s.IV el mundo griego era crisol de culturas y razas, difícil hablar y ser entendido, por eso los artistas y Lisipo buscaron soluciones como la sorpresa, contraste, paradoja. Ejemplo: Hércules que es tan fuerte está cansado = descrédito de los dioses, humanización. Hércules que es tan poderoso físicamente es enano (42 cm).

Tema 9. Escultura del Helenismo

Cronología: 323- muerte de Alejandro al 31 aC comienzo del Principado de Augusto y del esplendor del arte romano.

El Helenismo es un periodo dilatado:

cronológicamente: 3 siglos

geográficamente: el espacio del helenismo no se ciñe al mundo griego anterior, sino que se incrementa con Macedonia, lugar de origen de Alejandro y con las diferentes provincias del imperio alejandrino a cuyo frente colocó sátrapas y que en el Helenismo se convertirían en reinos y monarcas: Alejandría, Pérgamo, Rodas, Bitania...

dilatado en preocupaciones y logros artísticos, muchos y heterogéneos, además de innovadores.

Artísticamente convive tradición y novedad. La última no aplasta a la 1ª integrada por lo fidiaco, lo praxiteliano, lo lisipeo, lo scopaico, en materia de escultura. En cuanto a novedades, el surgimiento de nuevos estilos o tendencias contrapuestos al naturalismo idealizado y sin relación con la arcaica griega: el realismo, y el barroco.

Imponen nuevos géneros: el costumbrista, el alegórico, el exótico. Evoluciona el retrato sensiblemente y del retrato helenístico se pasará directamente a la gran retratística romana.

Nuevos temas: el sueño (figuras adormecidas), que puede representar el ámbito de lo irracional; lo erótico; lo sensual (ya desde el s.IV); los nuevos dioses de las pasiones (Venus, Dionisos y su corte de faunos y Eros).

Estas transformaciones artísticas no pueden entenderse sin los cambios históricos que en diferentes apartados se produjeron:

Políticamente, el mundo griego deja de ser la cabeza más culta y superior del mundo civilizado, para convertirse en una porción más de la geografía helenística.

Económicamente, la creación de inmensas fortunas, la creación de una clase de magnates, en parte creada por la monarquía. Fueron los promotores o clientes del arte helenístico.

Demográfica y socialmente se experimenta un crecimiento notabilísimo de la población respecto al mundo griego, por tanto crecen los consumidores del arte, pero también se diversifican a dos niveles:

- étnico: crisol de razas.

- cultural: con tanta heterogeneidad que hace difícil la compresión de

todos de la obra de arte.

Muy importante fueron las novedades filosóficas y religiosas. Estas describen un periodo laico, de desinterés y abandono de lo religioso. En filosofía el pensamiento de estoicos y epicúreos, hace comprensible inmensas novedades (ver Pollit), además las doctrinas de la mimesis de Aristóteles y la teoría de las ideas de Platón van a incidir sobre la producción artística. Aristóteles dice que el arte es una actividad de reconocido valor, porque reproduce inusualmente en la obra, la apariencia del original o modelo. Esto es la mimesis. Aristóteles está valorando la obra de arte, los valores visuales de apariencia y valores físicos de la misma.

Contrapuestamente Platón, dice que la obra de arte pertenece al ámbito de lo falso, de lo inferior, de todo lo real, visual y aparente, pero valora el otro nivel de la realidad, el de la idea, que es eterna, superior lo autentico. Las ideas de Platón estarán predestinadas a sobrevivir, al contrario que las de Aristóteles. Comenzaran a hacerse huevo en el s.IV, helenismo y luego en la época de disolución del imperio romano y retomadas en el arte medieval, donde se da importancia al concepto sobre lo físico, la apariencia.

Panorama artístico

El realismo se nutre de las ideas de estoicos y epicúreos, por ejemplo la de que la belleza física o exterior, tiene tanto valor como la interior o del alma de las personas, aun cuando tengan un físico normal o desagradable. También Aristóteles con la mimesis sostiene este realismo.

El realismo implica la representación del entorno de la forma más parecida a como la ven los ojos. Tal definición es equivalente a naturalismo pero la diferencia esta en que el naturalismo se dio en Grecia, idealizado, seccionando solo lo bello, los dioses, y en cambio el realismo que aparentemente no es selectivo pero en la práctica si, practicó una selección complementaria a la del naturalismo idealizado.

Esta selección, que no es antológica, no es elitista, es la siguiente: aumenta la representación escultórica incorporando edades biológicas desentendidas por los clasicismos (infancia, niñez, ancianidad); incorpora físicos no bien parecidos, producto de la edad avanzada, incluso deformes; amplia la escultura dignando de representar las clases sociales más bajas (esclavos, clase trabajadora; miembros de otras etnias): sociedad multirracial del helenismo.

También incluye a personas ambiguas sexualmente o censuradas sexualmente.

Un género estrechamente unido al realismo es el costumbrista que se centra en escenas y personajes cotidianas, también el genero retrato con antecedentes en Pericles y Lisipo (enlazarlos con esto). Ahora se aborda lo que se llama el retrato de transición en el que convergen ya en los rostros las dos búsquedas planteadas; ahora y en el futuro:

el parecido físico de las facciones.

La expresión psicológica o temperamental.

Encarnan estos logros siempre hombres públicos, pues el retrato hasta ahora lo estamos viendo en políticos, intelectuales, etc.

También ahora surge un retrato más avanzado que el de transición, por ir más a fondo en esos dos puntos, dejando con ello preparado el camino a la excelente retratística romana. Frecuentemente se encuentran estatuas en el helenismo, cuya cabeza parece pertenecer a otro cuerpo ya que el cuerpo se muestra atlético-apolineo y el rostro realista.

El barroco deriva del pathos escopaico o trágico. Escoge para la representación momentos de clímax, trágicos. Las figuras son tensas, retorcidas, en movimiento, abiertas en las escenas hay múltiples elementos: heterogeneidad, confusión frente a la unidad clásica. Domina lo pictórico, el claroscuro, frente a los valores lineales de los clasicismos. Ahonda en la profundidad frente a la plenitud clásica.

Estos rasgos contrapuestos entre Barroco y Clasicismo los publicó el historiador del arte, Wolfflin, para el barroco del s.XVII. Lo barroco es lo expresivo, de ahí que derive del pathos.

Genero alegoría. Vinculación o no con el barroco. Dar físico humano a una idea. Ejemplo: Irene y Pluto, s.IV.

En el Helenismo se ponen de moda alegorías de ríos, en forma de varones olímpicos, mayores, semiyacentes, rodeados en una confusión de figurillas encarnando los afluentes o los frutos de la tierra regada por ese río.

Género exótico (lo cultural distante). En correlación con el amplísimo territorio helenístico y el intercambio cultural que hay.

Escuelas escultóricas de Pérgamo, Alejandría y Rodas. (ver Blanco Freijeiro).

Estilo género tema: es el asunto; es lo que sucede. Por ejemplo: Venus. El tema del sueño es un acto cotidiano, vital. El sueño crea nuevos repertorios posturales; representar el hombre en el sueño es novedoso, no se había hecho antes, es un acto privado.

En el helenismo las pasiones, lo sensual, lo báquico no se reprime como en el I-II Clasicismo.

Los comentarios de las obras por Blanco Freijeiro o aplicando las características del III clasicismo o helenismo que correspondan.

Tema 10. Arte Etrusco

Civilización y arte etrusco forman parte del arte italiano prerromano, compuesto por el arte de otros pueblos pero muy inferiores.

Comienza en la Edad de hierro, s.VIII aC (Grecia: periodo geométrico) y alcanza s.I aC, cuando es liquidada por los romanos esta civilización, vía exterminios o concesiones de ciudadanía romana.

Comienza con un periodo orientalista, a través de contactos con civilizaciones del Próximo Oriente. También otra etapa geométrica, de influencia griega. Un periodo de estética arcaica, genuino y original. Finalmente una helenización que enterró sus propios valores artríticos, sustituyéndolos por un arte a la manera griega.

Es un poco como el arte cretense, en parte síntesis de otros, pero haciéndolos propios; y un arte de gran personalidad. Constituyo una gran aportación al arte romano, el miso arte que puso en crisis el suyo.

Tema 11. Arquitectura Romana

Capitulo I . Aportaciones de arquitectura romana. Materiales y elementos constructivos.

I. Generalidades sobre arte y arquitectura romana.

El arte romano como expresión genuina de un pueblo comienza a desarrollarse sobre el s.I-II aC hasta el s.IV, cuando el pueblo romano por decisión de Constantino se fragmenta en oriental y occidental.

El artista romano no surge de oriente sino que arranca de una influencia, resumidas en 3:

Etrusca; pobladores de la península romana anteriores a la civilización romana.

Fuerte ascendencia griega, a la que llegan por diversas vías: a través de Etruria, que al final de su trayectoria serán fuertemente helenizados; vía las colonias griego establecidas en el sur de Italia; al extenderse el territorio romano por áreas del mundo helenístico; que como su nombre indica estuvo fuertemente helenizado; a través de las importaciones de numerosas obras de arte griegas que empezaron a llegar a Roma donde serían intrínsicamente imitadas.

Aspecto orientalizante: producto de la conquista romana de territorios orientales.

En suma de las tres influencias la más poderosa es la del arte griego, los romanos sublimaron las creaciones griegas, apreciándose ello en los 3 artes mayores.

La consideración que los romanos sintieron por estas artes, se muestra muy desigual, un resultado muy clasista y a la vez en pintura y escultura estuvo muy influenciado por el pensamiento griego sobre las artes figurativas.

De ello resulta que la pintura y escultura eran inferiores a la arquitectura.

Primero porque formaban parte de las tekné que implicaba para los griegos actividades inferiores, por desarrollarse en las manos; porque solo implicaba pericia técnica, según este legado griego, pintura y escultura eran artes o actividades inferiores.

Segundo, eran inferiores para los romanos, porque carecían del carácter funcional del que se valía la arquitectura.

En suma tanto para Grecia como para Roma eran actividades inferiores “tekné”.

La arquitectura en cambio gozó de mayor aceptación. Lo mismo que las artes superiores griegas, aquellas que implicaban el trabajo intelectual, poetas, músicos... y no todavía la arquitectura, si bien el arquitecto trabaja con la cabeza, con construye con las manos.

Las cualidades que elevaran a la arquitectura a roma son:

Utilidad y función (pragmatismo romano).

Capacidad ideológica (contener ideas políticas, el dominio de los romanos y el Estado romano allí donde se edifique). Esto conlleva a que la arquitectura romana le atribuya un valor semántico, es decir, transmitir significados a través de formas visuales que están en el paisaje, que gozan la larga vida.

Arquitectura monumental, valor artístico (no toda ni mucho menos) y goza de una dimensión pública, abierta a todos su comunicación.

Valoraban la arquitectura en su dimensión suntuaria, de lujo, si bien esta categoría solo alcanzó a alguna edificación que no monopoliza la arquitectura romana.

Tradicionalmente se considera que la arquitectura es la representante más genuina y propias del arte romano.

II. Balance arquitectónico

La arquitectura romana conoció un desarrollo extraordinario y espectacular:

Por su precocidad, debida tanto a las grandes conquistas técnicas y tipológicas abordadas en una edad tan remota como la antigüedad, como por desde muy temprano de su utilización aborda soluciones avanzadísimas y desenvolverán posteriormente.

Por la actividad febril, hiperactividad.

Por una actividad intensiva, o multiplicación de los edificios en un periodo de tiempo breve, respecto a la arquitectura griega y helenística.

Construcción extensiva, porque se expande por el dilatado territorio romano.

La rapidez con la que concluían las obras y se sumaban al parque de edificios.

Se habla de una revolución constructiva equivalente en proporción como en el s.XIX como consecuencia de la revolución industrial.

Las causas de esta situación aluden a la sofisticada y avanzada civilización romana, a las necesidades que se creo tanto en el ámbito territorial (imperio), como en el ámbito urbano, si toma expansión sus fronteras en este gran territorio se retomaban, por un lado obras públicas (fuentes, caminos, acueductos) sobre todo para las comunicación dentro del imperio. Y por otro lado la proliferación de ciudades, de numero de los habitantes urbanos se disparó en Roma respecto al griego. Por esta razón las numerosas ciudades y crecen por todos sitios, también suscitaron necesidades en materia de edificios, arquitectura y obras públicas.

Aunque el tema se titula arquitectura no todo lo que se verá ni fue aportación romana se ciñe estrictamente a este término.

Apuntes a agregar en tema mecanografiado.

El territorio romano arranca del mundo helenístico pero amplia sustancialmente más todavía por ejemplo: a España o Francia. No extrañe que aparezcan obras mismamente en Asturias, la periferia del mundo romano.

Apuntes Grecia con columnas poner : sistema estructuras.

Aparejos y materiales constructivos. Roma adopta algunos aparejos griegos y etruscos, pero sobre todo creará otros propios, algunos revolucionan la construcción y la arquitectura.

El opus alude a la composición de los materiales del muro y en más medida de la cubierta, así como a su naturaleza y forma de dispersarse.

Pero aparejo es distinto a argamasa o morteros, estos son una pasta aglutinante de los elementos del opus: pegamento.

Opus q.: es un conjunto de piedras labradas por las 6 caras: sillar. Que se ordena en hiladas o filas.

Las piedras usadas por roma en este opus eran: caliza, toba, y peperino, nada que ver con el mármol griego, que si usaron para revestimiento no para componer el muro.

Opus Ifertum: piedras irregulares sin labrar, o bien unidas por argamasa, llamándose mampostería a hueso, en seco.

Precedentes: Creta, Micenas versión ciclópea.

Opus la: ladrillo prensado, no huevas, precedente Mesopotamia.

Opus caementium: es desigual al cemento por la contemporánea. La composición de ese Opus, formada por 1º piedras pequeñas, incluso procedente de derribos, mezclados con 2º cal (cemento precontemporáneo) que aglutina y 3er elemento, agua. Resultado: pasta blanda de gran densidad, moldeable, en este 1er momento se la introduce en molde, que en construcción son encofrados de madera, donde se le da la forma deseada, perfectamente curva. En un 2º momento fragua, seca, alcanzando gran resistencia, por encima de la piedra. El caementium es una masa, como la del pan, pues introduce agua en un medio por lo común polvo. A este se denomino también concreto, término muy utilizado en Latinoamérica, deriva de una masa que reúne partículas por mediación del agua y que es moldeable.

El hormigón antiguo permitió: construcción más barata dada la rapidez de ejecución y utilizaba mano de obra no cualificada, excepto de un grupo pequeño de encofradores. Entraño una construcción única romana, todavía hoy no se sabe como pudo surgir ese milagro tecnológico. Transformo la espacialidad de los edificios, al posibilitar, la construcción de bóvedas y cúpulas, que sin el hormigón no hubiera sido viables en las dimensiones y numerosos en que se abordan en Roma, revolución espacial respecto a pobreza espacio templo griego y egipcio. Y renovación de la masa exterior o volumen de los edificios cuando se dice que arquitectura romana es masiva en parte es por el hormigón en masa, en parte también por los gruesos muros, elevado tonelaje de la construcción por limitado numero de huecos por fachada, por el efecto pesado que genera.

Cúpula, bóveda y arco: antecedentes, Mesopotamia, Helenismo aparece arco y bóveda, pero pocas veces llegando a Apolo en Dídima, 3er estructura. Aprendiendo de aristas, 4º será Roma dentro de la Antigüedad la artífice de la ejecución en obra de arco, bóveda y cúpula autentica, frente a Tesoro de Atreo.

Arco: tan pesada como la romana. El dintel sería muy vulnerable a los grandes pesos que caerían sobre él, sobre las partes superiores. Peligrando con fracturarse, en cambio el arco desplaza a los pilares o muros los pesos vertientes superiores, hacia los extremos o pilares. Además de solidez constructiva el arco posibilita expresión comunicativa frente al dintel. Se utilizó en la arquitectura funcional, o en la singular o representativa que no fuera religiosa. El arco apoya en pilar o muro, y rarísima vez en columna. Los romanos generaron numerosos arcos, siempre de medio punto.

Cúpula: esférica o semiesférica, variantes como la gajinada que recurre a nervios que la dan aspecto de gajos de naranja como la bóveda, la cúpula recurrió a nervios de ladrillo y arcos de descarga también en ladrillo, que permanecían ocultos dentro del casco de hormigón, pero también ocultos bajo el revestimiento noble. Cúpulas y bóvedas crean una nueva espacialidad mucho más artística y evolucionada que la de Grecia y Egipto.

Revestimiento: dada la pobreza de los materiales (ladrillo, hormigón) en las obras representativas sintieron necesidad de aparentar, genera lujo y por consiguiente revestir con materiales más nobles, mármol y ladrillos esmaltados, sobre todo. A diferencia de Grecia encontramos un divorcio entre materiales constructivos que componen el muro y la cubierta y materiales de revestimiento que solo embellecen y ennoblecen.

Órdenes en Roma

Se apropian de los ordenes griegos de la civilización que tanto veneran y los utilizan a la manera griega.

Sobretodo desarrollan versiones a la romana a base de la aportación griega.

El jónico griego apenas se utiliza, y romano no lo hay. El corintio apenas se utiliza, pero se aprovecha para romano. El corintio romano es el orden más asiduo, se elige por su especialidad más ornamental y es lógico que sea el más propio para edificación arquitectónica.

El compuesto fue una creación romana, solo se aprovecha el capitel, se suman las volutas jónicas y las hojas de acanto corintias. Quieto campo al corintio romano.

El dórico prácticamente no se utiliza, se aprovecha para toscano. Versión del dórico, alternativa, al contar con basa, fuste más esbelto y sin estriar y capitel más reducido.

En la época de Cesar Augusto, todavía no contaba Roma con técnicos que supieran labrar el mármol de las columnas, teniendo que traerlos de Grecia.

Las columnas en la arquitectura romana prácticamente nunca son sustentantes ni elementos de apoyo, sino por el contrario se les llama “orden ornamental”, que embellece, aporta nobleza a la fachada, pero a base de pegarse como media columna a ella, o adosándose la columna entera a la fachada, o incluso separarse unos cms de la fachada. Lo que fue todo un alarde y generó a crear voladizos en las cornisas dispuestas sobre tales columnas. Los órdenes infunden en la fachada en la que aparecen valor artístico, desde que Grecia hasta nuestros días.

Capitulo II. Vivienda (no toda ella es artística)

Existen 3 variedades:

• Domus: o casa Atrio (clases medias). Emplazamiento urbano, planta baja, si los tejados se elevan es porque una pieza cuenta con mayor altura. Prácticamente sin fachadas. De su planta longitudinal, sus dos muros largos son “medianeras”, la fachada posterior da a otras casas y sólo en la fachada principal se abren vanos (ventanas si es casa-tienda o taberna, sino sólo un hueco a la calle, puerta). Casa endogámica (vive hacia adentro). Precedentes casa helenística. Consecuencia decisiva: edificaciones claustrales (conventos, palacios, universidades); otra es la axialidad, compone a partir de un eje centrado o lateral. La puerta marca el eje compositivo de su vestíbulo, se pasa a desembocar en el atrio, patio Pietro, que se utiliza como comedor, hogar, altar de Dioses familiares. Su falta de techo favorece salida de humos. Alrededor dormitorios o cubícula entre ellos el tablinium es la gran sala de recibo. Desde el atrio hay un ingreso a la parte trasera, que bien puede ser un jardín sin más o un nuevo patio más noble con peristilo que le da nombre. Ignoran el pasillo, su función la suplen los patios y al no contar con fachadas las habitaciones respiran, se ventilan y se penetra en ellas desde el atrio. Jardín peristilo espacio lúdico.

• Ínsula: insulae en urbe regular griego. Manzana romana. Si la domos se asocia a clases medias urbanas. Clases populares, bajas rentas, extraordinario parecido con bajos comerciales, con esta unipluriformidad romana, que sitúa en el bajo tres soportales, tabernas (tiendas). Son una consecuencia literal de la fiebre urbanizadora que conoció el mundo romano, Roma llegó a alcanzar a un millón de habitantes, y las ciudades creciendo prodigiosamente, había que construir en vertical, para alojar a los inmigrantes, aunque los materiales eran perecederos, produciéndose catástofres y derribos que obligaron a intervenir a la administración.

De la dromos sólo se conserva como una fijación, el patio porticado, al que se proyecta algunos apartamentos, dentro de una planta convivían viviendas de 2 a 4 piezas, frecuentemente con respiración indirecta con planta además de varios apartamentos, se incluían escaleras y pasillos de distribución. Ejemplo de cómo la especulación constructiva ya se constata en el Imperio, 20-22 siglos antes de hoy. Especulación es beneficios rápidos perjudicando a terceros.

• Villa. Vivienda de clases altas y familia imperial. Raíces en la granja de la Antigua Italia que retomaran los emperadores (vivían en el campo),p ara pasar los veranos, como 2ª residencia en contacto con la naturaleza, posteriormente se imitará la conducta por clases adineradas. La villa de lujo puede contar o no con instalaciones agropecuarias. En el caso de la Imperial, el programa de habitantes y el espacio se ampliaba: zona de habitaciones privadas, zona de trabajo político (despachos), zona de ocio (piscinas, teatros, termas).

Diseño dividirse en 2: el superior racional simétrico, como un edificio principal que gira en torno a dos patios y dos alas laterales e inferior, la villa irregular producto de añadidos, topografía no plana, cuyo ejemplo es la Villa Adriana.

En el Renacimiento “Palladio”, retomará esta tradición de las villas de recreo romanas haciéndolas progresar formalmente.

Capítulo III. Templo Cuadrilongo. (por apuntes mecanografiaos)

Capítulo IV. Arquitectura de edificios de planta central y el Panteón.

• Justificaciones para los edificios de planta central:

• La utilización del hormigón para las bóvedas.

• La construcción del Panteón II que fue muy imitada.

• Usos:

• Templo, rara vez, sólo los tholos a la griega que carecen de cúpula.

• Enterramiento de lujo.

• Espacios de ocio: pabellones de jardín, determinadas habitaciones de las termas.

Tienen pues dos representaciones: como edificio exento o como estancias dentro de un complejo.

Panteón

Obra eximia de planta central. Dos teorías sobre su valor:

- Obra maestra de la construcción. Con el merito tecnológico le quita el artístico, pero cierto que es un prodigio técnico y que es un compendio que reúne todo los avances en técnica constructiva.

- Es obra de arte, arquitectura plena, pieza maestra:

Por las formas.

Por el significado simbólico muy denso.

En cuanto a las formas, no las exteriores neutras, sino las interiores: 1º es un hito espacial; una gran sala cubierta por cúpula, diáfana, sin apoyos intermedios, con gran metros cúbicos, con una luz tamizada que gira a través del óculo superior. Es un espacio sublime (grande, que impresiona), principio de la estética que tanto atrajo a los románticos.

En cuanto al significado:

En función de su uso: era un templo a todos los dioses, de ahí el nombre de Panteón (del griego ððσð ðððððσ ðtodo). Es infrecuente un templo dedicado a más de un dios. Esta idea se reflejaría formalmente a través del círculo, la forma más globalizadora, del que formaba parte la cúpula hemisférica.

La panteia, termino helenístico referido en Roma a reunión de dioses con el emperador y la familia, que desde Augusto se habían deificado. Celebración que tenia lugar en el Panteón. En las formas de dicha obra quedaría reflejada esta convivencia en la unión de la hemisfera (ámbito celeste) y el cilindro (ámbito de los hombres).

Trasfondo matemático- geométrico, sospechoso de ser mágico, esotérico o sobrenatural. Geométricamente hablando, dos piezas fundamentales y elementales: el cuerpo o tambor que es esfera, media esfera que si se prolonga en circulo se englobaría perfectamente en el tambor y el polo sur caería en el centro. Hay una relación 1:1. El edificio en alzado, pues, se inscribe en un cuadrado y en perspectiva en un cubo perfecto.

Mosaico

1. Cronología: desde el siglo II, plenitud en la republica. Continuada en Roma. Enlaza con medievo.

2. * Roma reinventa el mosaico

* Lo difunde por todo el territorio

3. Reviste para decorar (esteticismo), para aparentar (clasicismo), no funcional.

El revestimiento se separa del material constructivo, sea el hormigón o la piedra, lo oculta.

Posición sincera: el mismo material con el que se construye, queda visto al exterior.

Lugares: suelo, paredes, techo adintelado o abovedado, según localiza tiende en cuenta el punto de vista.

Edificios: villa de lujo, panteones, termas, estanques.

El mosaico se define como la elaboración de formas a partir de piezas pequeñas de diversos materiales, policromados, múltiples por su menudez, que se incrustan o pegan sobre una copa de argamasa de cemento.

En principio teselas grandes, luego de 1ó 2 cm², según materiales, muchos y diversos: desde guijarros, hasta sobre, teselas de terracota, vidrio, mármol... y revestidas de láminas de oro.

Forma pseudocribica. En opus musivun son de vidrio.

Sectile: las teselas tienen formas geométricas irregulares, debido a que son cortadas a la medida de la forma que van a dibujar.

Pintura y mosaico: consiguen formas a través de manchas valoradas de color. Para pintura emplea pigmentos en pasta como color, aplicados con pincel, y el mosaico utiliza como manchas cromáticas, grupos de teselas, con su policromía natural, y los ejecuta como 1 albañil: sobre la capa de argamasa fresca, recurriendo a una llana de madera, para incrustarlos y nivelarlos. En el mosaico hay claroscuro. Al estilo pictórico que se parece es el puntillista.

Debajo del agua los rayos luminosos y los brillos del agua, generas efectos espectaculares.

ESTILO	GENERO	TEMA - ASUNTO	FIGURA (prota)
Abstracto/ figurativo	Histórico	Muerte de Aquiles	Hombres
			Mitológico		Animales
	Decorativo/narrativo		Costumbrista		Vegetales
			Emblemático		Objetos

Al diseñar mosaicos se tenia en cuenta el punto de vista pero también el edificio y la estancia completa donde iba a colocarse, así tema de genero costumbrista tan acatados como reproducir en el suelo una paloma que picotea las migas que cayeron al suelo desde la mesa.

El mosaico paleocristiano del s.IV y V se traslada a un escenario casi único: el de los templos, alcanzando una dignidad suntuaria: teselas aeríferas.

Motivo decorativo más suntuario de los templos, entorno a Bizancio y a Roma.

Opus sectile: no solo aparejos tienen diferentes opus, también los mosaicos. El sectile es especialmente notable. Comparte el arte musino prácticamente todas sus premisas. Características:

· Colocación en paredes.

· Preferencia por el mármol y especialmente otras piedras.

· Forma irregular. La forma de las teselas irregular, debido a hacer sido recortadas a la medida de la forma concreta que se quiere dibujar.