Historia de la fotografía

TEMA 1: Orígenes de la fotografía

El origen de la fotografía está relacionada con Aristóteles. Éste nace en el 384 a. C. y fue el primero en darse cuenta que la imagen de un original puede ser proyectada en una superficie plana. El fenómeno óptico fue hallado por Aristóteles mediante un eclipse solar; un fenómeno que no podía mirar directamente, pero que sí lo observó en el suelo. De tal forma, Aristóteles es el que contempla el concepto filosófico físico de la fotografía.

Sobre esta base trabaja Alhazen en 1039 en el sur de Irak. Será él el que descubra y piense sobre la cámara oscura; una habitación cerrada con un minúsculo agujero por el que pasa la luz y en la otra pared se reflejará la imagen que está fuera delante del agujero. Alhazen no le encuentra mayor aplicación.

Leonardo da Vinci, en 1452, describe cómo se crea esa cámara oscura. Será el primero en relacionar el funcionamiento del ojo humano y de la cámara oscura, aunque dicho nombre se lo dará un alumno suyo que trabajó sobre ella. En 1550, Gardano, para mejorar la nitidez (brillo y resolución) de la imagen que se reflejaba en la superficie plana de la cámara oscura (ya que ésta era mínima), coloca en el pequeño agujerito de la cámara una lente biconvexa. Más tarde, Bárbaro inventa el diafragma, lo que permite que esa pequeña cavidad sea más pequeño. El diafragma se sigue utilizando en la actualidad.

Hasta 1589, con Della Porta, no se le dará una aplicación práctica a la cámara oscura. Se plantea su uso como un instrumento para dibujar, siluetear la imagen reflejada en la pared. A partir de sus escritos comenzaron a fabricarse las primeras cámaras oscuras portátiles (una especie de tienda de campaña, con un tablero y un sistema de espejos). También se derivan, a finales del S. XVIII y XIX las cámaras lúcidas y los fisionotrazos, que se desviaron hacia la pintura y el dibujo. Hasta aquí queda sentado el camino óptico que se tendrá que unir a la química para que surja la fotografía.

En cuanto al principio químico, comienza con un profesor alemán de química, Shulze. En 1727, durante una clase en la que estaba explicando un experimento (ácido nítrico con tiza), Shulze colocó la disolución en la ventana, sin saber que la disolución contenía plata. La plata, al contacto con la luz, se quema y se pone negra, de manera que la parte de la botella que había estado expuesta a la luz solar se queda negra. En la mezcla, la tiza no es importante, sólo sirve de contraste. Shulze no llega más allá en su experimento de saber que si le pones a la botella una pegatina con unas letras recortadas, y lo expones a la luz, cuando retiras la pegatina las letras se quedan negras en la botella. No obstante, tras unos minutos toda la botella se pone negra, porque le da el sol a la plata restante.

Shulze muere tan sólo habiendo descrito el experimento. Es Schelle, un científico sueco, veinte años después (1747), quien anotará que el nitrato de plata se quema con la luz y se reduce. La plata son pues las sustancias negras.

A principios del S. XIX, en 1802, el hijo de un ceramista inglés, Wedgwood, une las dos técnicas: la óptica y la química. Había leído a Schelle y Shulze, conocía el uso del fisionotrazo y trabajaba con la cámara oscura portátil. Sin embargo, en lugar de un tablero, utilizaba un pergamino de cuero, barnizado con la sustancia fotosensible de Shulze, donde proyectaba la imagen. El problema, al igual que le sucedía a Shulze, era que la imagen, tosca y rudimentaria, no era perdurable, cuando el lienzo recibía la luz solar se quemaba y la imagen se perdía. Wedgwood consiguió obtener un dibujo de la realidad sin usar las manos, sólo con la química y la óptica, aunque no consiguió que fuera perdurable.

Paralelamente, en Francia, Niepce trabaja en la sustitución de la plancha de piedra por la de metal, plancha de peltre, más liviana. Niepce tiene que demostrar que en la plancha de peltre se puede grabar una imagen y para ello realiza el siguiente experimento. Unta la plancha con betún blanco que, al recibir la luz, se endurece; después se lava con aceite de espliego que retira el betún que no está duro. Niepce fue el primero que consiguió fijar una imagen de la realidad, por lo que se considera el padre de la fotografía. En 1826 aparece lo que Niepce llamó la primera heliografía. Su procedimiento no tuvo ningún desarrollo, no pudo llegar más lejos. Niepce se puede considerar como el padre de la fotografía, aunque no lo es ya que su procedimiento no tiene nada que ver con ella y además no es el primero. Su descubrimiento fue fruto de la casualidad.

La nitidez y la resolución de la imagen fue una revolución a principios del siglo XIX. Es no dibujar para aquellos que no poseían tal habilidad (botánicos, científicos…)

Niepce tiene un familiar en Londres, le visita y cuando vuelve a su casa en el valle del Loira, pasa por París para comprar lentes u ópticas para su cámara oscura a los hermanos Chevalier, que también le suministran a otro parisino, Louis Jacques Daguerre que trabajaba con el Diorama ( iluminar una serie de paneles o pantallas de telas en las que se habían grabado motivos y se iluminaba y daba sensación tridimensional) ! el cine de la época.

Es a través de los Chevalier como Niepce se pone en contacto con Daguerre y forman una sociedad, peor la alianza no triunfa. Niepce está obsesionado con su procedimiento y Daguerre se da cuenta que no va a ninguna parte. Niepce muere. Es más, Daguerre comienza a trabajar en las emulsiones sensibles (agua salada con nitrato de plata) con nitrato de plata siempre con soluciones salinas y que son de fácil aplicación.

Las imágenes no se fijan bien y las pocas que salen no tienen calidad. Hasta que un día se encuentra una placa en un armario que se ve perfectamente a consecuencia de un termómetro de mercurio roto; y es que el vapor de mercurio ataca la solución salina expuesta y lo hace en forma de depósitos blancos y grises e igual que el procedimiento de Wedgwood. Surge así el daguerrotipo, una imagen fijada.

En 1837 comercializa su procedimiento, que además se coloreaba con un pincel. En 10 años, en 1847 en París ya hay 100.000 daguerrotipos. Y es que causa furor entre la clase media y además nacen los daguerrotipistas al universalizar la técnica que se aproxima a la fotografía. La imagen es un positivo.

Pero el Diorama arde, encuentra capital para sobreponerse por lo que dona la paténtela Estado francés a cambio de una pensión para él y el hijo de NIepce. Cuando se produce esto es cuando se produce la explosión antes dicha.

Los primeros negativos (calotipos y placas húmedas)

En el Reino Unido a la vez que Daguerre, William Fox Talbot de familia aristocrática que vive en Witshire, muy atraido por la ciencia, la naturaleza… Necesitaba dibujar. Utiliza un ingenio, la cámara lúcida (bastante complicada para dibujar con lentes) pero le resulta tedioso. Conoce todos los avances de Daguerre y compañía.

Él quiere dibujar plantas y trabajar con papel, que lo moja con sal y cuando se seca le da nitrato de plata y forma cloruro de plata (indisoluble al agua). Obtiene así un papel sensible. Ahora coge la cámara oscura, la pone sobre el papel sensibilizado y encima le pone una hoja de una planta y le aplica la luz del sol ! cuando levanta el papel la plata se ha quemado excepto la silueta blanca de una hoja que ha puesto con el papel sensible y queda opaca. Es el negativo. Utiliza esa primera imagen que ha obtenido para realizar el resto.

Con cera derretida hace el papel semitransparente y lo blanco del papel de antes queda gris claro semitransparente y vuelve a colocar otro papel sensibilizado. Coloca el negativo y el otro papel pegado a él sensibilizado y deja pasar la luz a través de la silueta y quema lo semitransparente entre grises con muy poca gradación. Consigue una imagen de una hoja.

El problema del positivo directo daguerrotipo es que es único y original, y lo de Talbot permite hacer muchas copias positivas a partir de una negativo original. Talbot abre el camino al calotipo, el arranque de la fotografía.

Sir John Herschel, un amigo de Fox va a mejorar el procedimiento de fijación de imágenes con el hiposulfito de sodio y va a acuñar los términos de positivo y negativo.

La primera aplicación del descubrimiento de Talbot es en 1849, el primer libro de la historia ilustrado con imágenes El lápiz de la naturaleza. Las imágenes iban cosidas. Esto permite a la comunidad científica no tener que recurrir al dibujo. Se va desarrollando poco a poco. Patentó el procedimiento y lo sometió a un férreo control.

Tenía un inconveniente: el frágil soporte del negativo, por lo que uno de los familiares de Niepce, Niepce de Saint-Victor sustituye el soporte de papel por una placa de vidrio a la que le aplica una clara de huevo (pegajosa y transparente, químicamente neutra) por lo que desarrolla el método de la albúmina (1847). Lo mismo que Talbot pero cambiando el papel por el vidrio.

La revolución llega en 1851 cuando en Londres un escultor llamado Frederick Scott Archer. Publica un artículo en la revista The Chemist. Cambia la albúmina por colodión (nitrocelulosa y éter, que se evapora en seguida). Mejora la sustancia aglutinadora con este pegamento vegetal que es diez veces más aglutinante al tener más concentración de sal y gana en resolución. Con ello reduce la exposición a 30 segundos. Cuando Archer publica no lo patenta. La fotografía es libre a partir del 1853, el resto de países también la desarrollan.

El fotógrafo va haciendo mejoras en su método. Hay que revelarla minutos después de hacerla, hay que bañarla en otra solución para fijarla (la plata húmeda obligaba a revelar).

En 1887 Richard Maddox inventa la placa seca, que se compra, se expone y se revela cuando se quiera. El fotógrafo puede ir a un establecimiento donde puede comprar y revelar cuando quiera. Antes lo hacía todo el fotógrafo. Además permite exposiciones de un cuarto de segundo.

En 18888 llega la fotografía para los aficionados con George Eastman, el padre de Kodak, que saca la Kodak Número 1. Ve que hay mucha demanda de fotografía y de hacerlas. Se dirige a que el público sea quien haga la foto. Carga un rollo de 6Mx70 mm. Vuelve al papel, coge una tira de papel sensible de forma que dispara y va tirando de él con una palanca. Cuando termina, la tienda Kodak le da los negativos, las fotos y el rollo cargado. El lema de la campaña es “usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto”.

En 1889 Edison aporta el 35mm, el fotoperiodismo. Reduce el tamaño y el peso porque era muy grande. Corta la película y la taladra para que los rodillos de la cámara la arrastren. El va más por el cine ya que la fotografía ya estaba descubierta.

TEMA 2: Pioneros de la fotografía

2.1 La fotografía se hace arte: nace el retrato.

Nadar

Julia Margaret Cameron.

2.2 La fotografía va a la guerra

1855 - Roger Fenton

1858 - Felice A. Beato

1861-65 - Brady / Gardner / O`Sullivan

2.3 Exploraciones y foto mecánica

1867 - O`Sullivan, Exploración paralelo 40º

1870 - William Henry Jackson, Expedición geológica y geográfica de los territorios

2.3.1 Fotografía mecánica

1858 - Francis Frith

1862 - Bedford

1863 - Bourne y Bisson

2.4 Enfoque documental

1873 - John Thompson, transición fotográfica mecánica (China and it's people)

1885/1904 - Adam Clark Vroman

1907/1930 - Edward Sheriff Curtis (The North American Indian)

2.5 Fotografía y periodismo

1890 - Jacob A. Riis (How the other half lives)

1923 - Lewis Wickes Hime

1930- Walker Evans/ Dorothy Lange

2.1 La fotografía se hace arte: nace el retrato.

Nadar

En los años 50 del siglo XIX con la aparición del colodión encontramos, en 1951, a Felix Gaspar de Tourmachon, más conocido por su seudónimo Nadar. Se encargaba de realizar entrevistas a personajes destacados de la época. Abarcaba los perfiles de pintor, dibujante de tiras cómicas y escritor, además de su pasión por la fotografía, de hecho comparaba la fotografía con el dibujo.

Nadar descubre que la fotografía tiene algo más que representar la realidad y llamar la atención, descubre su capacidad “marketeriana”, aspecto bastante ligado a su personalidad, era muy extravagante vestía de rojo y tenía un estudio con un letrero luminoso. Vende fotografía de manera distinta al resto: quien no pasara por su estudio no podía considerarse de la alta sociedad francesa de los años 50.

En sus diarios escribe: “La fotografía es una arte que excita a las mentes más astutas…”. “Lo que no puede enseñarse es la sensación de la luz”. Si no se cree en la profesión no se consigue nada, ya que la fotografía es algo más que apretar un botón y encuadrar.

Nadar fue el primero en fotografiar las cloacas de París, la luz eléctrica de la ciudad, las catacumbas, el cadáver de Víctor Hugo y desde un globo aerostático, entre otros.

Con la luz se muestra el gesto del personaje, y hay que utilizarla para extraer un efecto que él quería generar con su posterior fotografía. Por ejemplo: para evitar arrugas y rejuvenecer utilizaba una luz frontal, y una oblicua para acentuar la vejez. En las fotografías busca transmitir ambientes, bien sean íntimos, duro, jóvenes, etc. Transmite sensaciones. Trabajaba el gesto con el personaje.

Julia Margaret Cameron

Fue una de las primeras mujeres fotógrafas. Era británica nacida en Ceilán, criada en la India, que al regresar a Reino Unido conoce a Herschel. Es entonces cuando empieza a interesarse por la fotografía. Se dedica a hacer retratos, le gustaba la pintura y tiene influencia rafaeliana, romántica, le encantan los posados y los desenfoques. Hace composiciones de retrato muy laboriosas. Quiere mostrar una imagen fresca pero no espontánea, aún así no hay sensación de tensión en sus fotografías.

2.2 La fotografía va a la guerra

Roger Fenton (1855)

La fotografía se va haciendo patente y tiene buena aceptación en la burguesía media. La gente busca imágenes del mundo. La guerra de Crimea se produce y Thomas Agnew & Son junto con el gobierno deciden enviar un fotógrafo para mostrar lo honorable que es morir por su majestad, realizar un canto a la guerra. Esta misión se la encargan a un abogado aficionado a la fotografía que ya había realizado retratos a la familia real, Fenton.

En 1853 los colodiones precisaban un laboratorio, y Fenton se veía obligado a llevar un carro con cuatro caballos para realizar su trabajo. El acuerdo era buscar lo “bonito” de la guerra, pero cada vez que se acerca al frente se ve obligado a hacer fotos a los soldados, ya que éstos quieren ver su imagen en fotografía. Roger Fenton consigue hacerse con imágenes de la vida en la retaguardia de un conflicto. Para avanzar de un lado al otro le piden fotografías de la vida y retratos de los soldados.

Realizó una foto del “Valle de la sombra de la muerte”, de un campo de batalla tras el conflicto, con restos de balas de cañón. Fue la foto más famosa porque era la primera vez que se veía un campo de batalla. Fenton regresó a Londres porque enfermó de cólera. Después sacaron algunos grabados de sus fotografías en el Ilustrated London News y una exposición.

Felice A. Beato (1858)

Beato continúa la línea de fotógrafo de conflicto, pero empotrado en el ejército británico. Este veneciano fue a la guerra del Opio. La Revuelta de los Cipayos, en la que algunas tropas se revelan contra el ejército británico en la ciudad de Lucknow y que fue reprimida, es fotografiada por Beato. Muestra los huesos calcinados de los que defendían la ciudad.

Además fue el primero en mostrar las desgracias de la guerra y el horror de la batalla. Después de la guerra del Opio mostrará los cadáveres tras el conflicto.

La cobertura de la Guerra de Secesión (1861-1865) fue la primera que se realizó de la misma manera que se hace hoy. Hay un equipo dedicado a cubrir cada frente de la batalla y mostrarlo todo. Aunque Beato lo abre.

Mathew Brady realiza retratos a personajes importantes y famosos, como Abraham Lincoln. Pasa a la historia por fotos en la India. Monta un estudio en el que enseña a otros jóvenes entre los que destacarán Alexander Gardner y Timothy O`Sullivan. Brady era tan famoso en el ejército que los soldados le conocían por “What is it?”. Gardner obligaba a los otros dos a firmar bajo el nombre de Gardner y éstos deciden en 1863 trabajar por separado (se reparten por el campo de batalla). Cada uno va alcanzar un punto de vista. O`Salivan y Gardner serán los que más se arriesguen.

El fotógrafo ya tiene conciencia, entiende que su misión es dar testimonio de lo que está ocurriendo, sin juzgar si es bueno o malo, humano o inhumano. Por ejemplo fotografió la ejecución de espías.

Accedían al campo de batalla antes y después, el durante técnicamente no les era posible porque la exposición duraba varios segundos. Como para revelar se necesitaba un equipo grande tenían que ir con su carro a todos los lados. Se hace popular con él en el Ejército. Casi muere en el intento.

A partir de 1863 empieza a tener diferencias con Gardner y O'Sullivan, porque les obliga a firmar como “Brady” (porque es un equipo) y quieren firmar por su propio nombre. Se separan en la mitad de la contienda.

Son parecidos trabajando Gardner y O'Sullivan, sus formas pero con características propias. Ambos se arriesgan más. Intentan reflejarlo todo más o menos (“Lo que su cámara ve que lo vea todo el mundo”) Protagonistas, lugar, consecuencias…Pero tenían unas limitaciones como la técnica antigua y pesada y lenta.

En 1865 Gardner publica su “Photographic Sketch Book of the war” (libro de apuntes de fotografía), en la que se encuentra “la Guarida del francotirador” polémica porque en ella que se ve un francotirador sureño abatido.

2.3 Exploraciones y foto mecánica

Gardner y O`Sullivan viven con la fotografía en carromato. Brady se arruina.

Gardner y O'Sullivan no pueden concebir otro modo de vida distinto, por lo que acabada la guerra se realizan exploraciones al mando de militares, de corte militar, que también tienen conocimientos de geografía y otras ciencias.

Gardner se encargó de la construcción del ferrocarril del este al oeste que retrata con otro fotógrafo.

O`Sullivan se encarga de la exploración del paralelo 40º, río Colorado y los indios norteamericanos (típico de las películas del oeste).

William Henry Jackson, “Exploración geográfica de los de los territorios”. Un equipo de militares geólogos, botánicos, fotógrafos, etc. Condiciones y clima extremos. Tenía un estudio con su hermano pero los retratos no le llenaban. La expedición es sobre todo de lo que es hoy Parque Natural de Yellowstone. Gracias a una exposición, “Time exposure”, y un libro sobre su trabajo nombraron a esos territorios parque natural unos años más tarde.

2.3.1 Fotografía mecánica

1858 - Francis Frith

1862 - Bedford

1863 - Bourne y Bisson

Desde Beato van a surgir una casta de fotógrafos aventureros (grandes viajeros sin partir de la fotografía de guerra o expedición) que se van a dedicar a retratar al mundo en sus viajes por Oriente Medio, lejano Oriente, algunos en el Himalaya, Bourne se dedica a los paisajes y los hermanos Bisson en los Alpes franceses. Todos son contemporáneos de Beato, pero nunca han pisado la guerra.

Frith viajó a Egipto y Tierra Santa y Bedford, que viajaba con el príncipe de Gales a Oriente Medio.

Entre ellos no tienen nada en común: ni formación, ni lugares… Pero hacen el mismo tipo de fotografía: mecánica.

Abren una rama que se llama fotografía documental, una nueva concepción en la que demuestran lo que ven añadiendo mucha información.

Sus fotos no dan aspecto de sensibilidad, no tienen una carga artística, por ello se llama mecánica, siempre se hace de la misma manera, no busca personas (toda aquella persona, objeto o animal que moleste en la foto recibe el nombre de “bicho”).

Beato se encarga de retratar culturas diferentes, como la china o la japonesa. Intenta retratar la cultura japonesa a través de sus personajes (por ejemplo los Satsuma, un clan de samurai que conquistó Okinawa). Ésta es otra faceta de Beato distinta al corresponsal de guerra.

2.4 Fotografía mecánica a enfoque documental

Contemporáneamente a Beato aparece la fotografía mecánica, viajeros como él (Frith o Bedford, Bourne o Bisson).

A John Thompson (1873) se le considera el mayor exponente de la fotografía mecánica, pero supone también el paso al enfoque documental. Los anteriores estaban desprovistos de calidad artística, sólo se centraban en edificios, en mostrar la realidad.

Thompson sigue con la fotografía mecanicista pero con un toque social, con algo más. Sale a la calle, busca retratar la realidad social de esas culturas que visita. Viaja por China y publica un libro que se llama “Ilustration of China and its people” (Ilustraciones de China y su gente), 1877. Tiene tan buena acogida que va a repetir sus pautas de trabajo con otra obra en 1877 en las calles de Londres, “Street life in London” (Vida callejera en Londres). En su libro de China toma aspectos de las dos escuelas (mecánica y documental) en el de Londres sólo de la documental.

Trabajan como sociólogos mostrando culturas y gentes, son documentalistas en ambas escuelas, pero en la documental es espontánea y social.

Aparecen los editores que buscan comprar las fotografías y exponerlas, al igual que la pintura.

Siguiendo este enfoque documental en 1895 un fotógrafo norteamericano, Adam Clark Vroman, va a hacer lo mismo pero con los indios del suroeste de los Estados Unidos. Va a vivir mucho con los indios, muy cautivado por su cultura, casi deseoso de pertenecer a ella o ser respetado por ellos. Trata mostrar la realidad tal y como es, sin alterarla, y para ello debe sumergirse en la cultura india y que su persona no interrumpa la vida cotidiana. Que no cause asombro, ya que un fotógrafo desde que se desenfunda la cámara se convierte en protagonista, y lo que hay que hacer es pasar lo antes posible a ser inadvertido en el ambiente que se quiere retratar para que no altere nada de éste.

Se siente muy atraído por el folklore. También hace retratos (como el del indio navajo). Apenas ha variado la fotografía documental de entonces con la de ahora.

El fotógrafo debe evitar ser el protagonista, debe estar preparado para cualquier situación y lugar.

Este mismo trabajo lo hace también Edward Sheriff Curtis, con la cultura indígena, pero lo trata desde el punto de vista de algo que desaparece, con una técnica más mecanicista. Lo que retrata es la cultura para que quede constancia de cómo era años atrás, ya que entonces no vestían de la manera que retrata en sus fotos. Hace rescatar las tradiciones indígenas para montar escenarios. Está preparado pero es distinta la manera de fotografiar. Su libro “The Northamerican indians” (Los indios norteamericanos), tiene más fama que el de Vroman, de hecho el prólogo está escrito por el presidente Roosevelt.

Como está convencido de que esa cultura se acaba quiere dar testimonio de lo que era. No sólo trata retratos, también hace fotos espontáneas de la calle. Hace que se saquen los trajes que ya no se usan. Es una línea más exhaustiva que la de Vroman, que era más creativo.

2.5 Fotografía y periodismo

En 1890, desembarca un danés, Jacob A. Riis, en Nueva York y empieza a trabajar como periodista en el Sun, como especialista en la crónica negra, social.

Hacia 1880 se va a imprimir por primera vez una fotografía en un periódico, “Half tone” (medio tono), Shantytown, una imagen de las barracas del extrarradio de Nueva Cork. No va a tener continuidad, hasta 1904. Entonces en Reino Unido el Daily Mirror todas las fotografías que va a publicar están impresas en su periódico. Hasta 1919 no hará lo mismo el Ilustrated Mirror? New York.

Riis es el que va a conseguir la convergencia, va a ser el primero que utilice la fotografía como apoyo al periodismo. Es periodista, no fotógrafo como Fenton. El trabaja con mentalidad fotoperiodista.

Tiene a acercarse a las clases trabajadoras y a las más desfavorecidas, al igual que Thompson. Va a publicar un libro con todas sus fotografías en 1890 “How the other half lives?” (¿Cómo vive la otra mitad?). Aquí muestra su obra, sus copias cosidas en un libro. Y será el primero en utilizar el flash, que en aquella época eran de magnesio, “polvo de relámpago”, original en alemán.

A principios del siglo XX, un sociólogo, Lewis Wickes Hime, va a seguir el trabajo de Riis, pero no es periodista. Se centra en las clases desfavorecidas, y gracias a él se crean las primeras leyes que regulan el trabajo infantil. Se va acentrar en el trabajo de los niños. Estados Unidos durante la época de la gran oleada de inmigración. Se mezclan ambas técnicas, posados y espontáneas.

Para realizar sus imágenes fotografia a los niños junto a las enormes máquinas para que se vea la desproporción. Hará trabajos para la Cruz Roja. También realizó un libro “Men at work”, en el que se muestra su convivencia con los trabajadores del Empire State Building. Como Vroman va día a día a mezclarse con los encofradores para que le dejen subir a los pisos superiores.

Posteriormente los economistas encargarán trabajos a los fotógrafos.

Dorothy Lange??.

TEMA 3: SIGLO XX. El esplendor del reportaje

En el contexto histórico, la I Guerra Mundial tuvo para Alemania unas terribles consecuencias, sobre todo económicas. Estamos en la República de Weimar, que se convirtió en un caldo de cultivo para una nueva cultura de artes y letras. Y es que el shock que provocó la inflación hace que florezca un mundo de cultura que se adapta mejor a las condiciones económicas en los jóvenes no la clase conservadora. Es la época de Freud, Kafka y Mann. Esto también empapa a la prensa, nace entonces el “Berliner Ilustrierte” y el “Müncher Illustrierte Presse” que por esa época vendía 2 millones de ejemplares.

Se inicia pues una Edad de Oro en el periodismo ilustrado. Aparece una nueva generación de fotógrafos cultivados que se relacionan con otras clases sociales.

En esta época aparece una figura clave para el desarrollo de un tipo de fotografía. Es Erich Salomón. Nace en Berlín; es hijo de banqueros que pierden todo su capital por lo que tiene que trabajar. Es abogado, se encarga de revisar los contratos de publicidad de su empresa con los agricultores para ver si se cumplen. Pero un día de tormenta, cae un árbol y mata a una mujer con lo que lleva a un fotógrafo para fotografiarlo y le pone un texto y le pagan un sueldo con el que puede vivir un mes. Entonces decide hacerse fotoperiodista.

Está bien relacionado, por su educación sabe moverse por unos entornos que la mayoría de periodistas no podía. Su primer trabajo es un asesinato en un internado ! saca fotos de un juicio, las coloca en el periódico y a la gente le empieza a interesar. Se cuela también en la Conferencia de la Haya (Chamberlain) y además aprovecha que la cámara no tiene flash para hacer fotos más espontáneas.

Una vez se cuela, consigue fotos espontáneas de los mayores líderes mundiales. Le hacen internacionalmente famoso. Además crea un estilo: LA CÁMARA CÁNDIDA. Todos estos trabajos los recopila en el libro “Contemporáneos célebres fotografiados en momentos inesperados” y lo publica. Todas sus fotografías iban firmadas si eran publicadas.

También en Alemania, un redactor jefe del Münchner Illustrierte, Stephan Lorant marca las pautas del reportaje fotográfico, ve sus posibilidades. Es el precursor del reportaje fotográfico. Busca que las fotografías se integren en un ambiente para contar una historia con imágenes. Uno de sus fotógrafos, Hans Baumann le hace un fotorreportaje a Mussolinni. Es el primer gran reportaje “un día en la vida de Mussolinni”.

Con Hitler se termina esta eclosión. Salomón muere en Holanda en un campo de concentración. Lorant en 1938 funda en Inglaterra el Picture Post, un soporte para dar cabida a los reportajes gráficos en los la fotografía tiene la misma importancia que el texto.

En Francia, Lucient Vogel funda la revista “VU” en 1928. Es muy famosa. Aquí arranca el concepto de reportaje fotográfico Y es que a la fotografía se la comienza a concebir como el gancho para vender.

En el año 1936 en EEUU nace la revista LIFE pensada para temas que gusten a todos independientemente de la categoría y la edad. Henry Luze cree en una prensa educadora de masas de un país y lo inicia en LIFE (8.000.000 de suscriptores). Aquí la revista se organiza por departamentos en cuya cabeza se encuentran un documentalista y un director (que contrata y despide a los fotógrafos) También existe un jefe de fotografía que además es un buen psicólogo para la presión a que somete a los fotógrafos.

Esta revista no escatima en medios. Satisfacer los gustos de la gran familia americana. Luze es conservador. En el 72 esta revista desaparece hasta 2004. Con la llegada de la tv desaparece.