Cronología.

1727: John Schulze mientras experimentaba con fósforo, se dio cuenta de que el compuesto más próximo a sus ventanas se volvió púrpura. Llego a la conclusión de que les sales de plata se oscurecían si eran sometidas a la luz intensa.

1816: Nicephore Niépce logra las primeras imágenes sobre papel. En este año preconiza el empleo del diafragma. Había logrado fijar las imágenes de la cámara oscura sobre papel tratado con cloruro de plata mediante el ácido nítrico.

1823: basándose en las técnicas de la litografía, tuvo la idea de aplicar las proyec-ciones de la cámara oscura para suplir la ausencia del dibujante.

1826: aparece la primera fotografía llamada `Punto de vista desde la ventana del Gras'. El tiempo de exposición fue de 8 horas e hizo servir betún de Judea como compuesto fotosensible.

1829: Daguerre y Niépce formaron una sociedad en la que se reconocía a este último como el inventor. Muerto Niépce, pasa a manos de Daguerre el invento de forma casi completa.

1833: William Henry Fox Talbot persiguió la misma idea de Wedwood, Nièpce i Daguerre. Talbot utilizó el calotipo, con el cual se obtenía un negativo. Sucesivamente, se obtiene un positivo colocando un papel sensible encima del negativo y exponiéndolo a la luz. Se podían hacer tantas copias como se quisieran.

1837: Daguerre, amigo de Nièpce, crea el daguerrotipo, fijando las imágenes mediante una solución de sal comuna. Eran imágenes positivas, pero no se podían reproducir, eran frágiles y difíciles de ver.

1838-1839: lanzamiento del Daguerrotipo. Daguerre se convierte en una eminencia reconocida y premiada. Inmediatamente comienza a fabricar una serie de material fotográfico haciendo demostraciones en público; una de ellas quedó reflejada en un librito de doce páginas de gran rigor, publicada y descubierto el secreto que encerraba.

1840: William Fox Talbot inventa la colotipia. Ahora ya se pueden conseguir copias de la fotografía original.

1842: el fotógrafo Carl F. Stelzner saca con daguerrotipo la que será la primera fotografía de un suceso, un barrio de su ciudad, desolado por un incendio.

1851: Sir Frederick Scott Archer, escultor y fotógrafo, proponía en la revista inglesa The Chemist, el método del colodión. El colodión o algodón-pólvora, es un explosivo cuya base es la celulosa nítrica. Este invento representaba un paso decisivo para la fotografía, al acercarse a la imagen instantánea con una exposición 15 veces inferior a la del daguerrotipo.

1854: André Adolph Disdèri, utilizó una cámara de objetivo múltiple, que permitía hacer ocho negativos en la misma placa de cristal. De esta manera el retrato se hizo asequible a todas las capas de la sociedad.

1858: se realiza la primera fotografía aérea.

1861: la fotografía moderna aparece a raíz de un descubrimiento que hizo Sir James Clerk Maxwell. Demostró que cualquier color podía conseguirse mezclando luces; estas eran rojas, verdes y azules.

1873: se considera al Dr. Maddox el inventor de la emulsión de gelatina, mejorada y llevada al mercado por John Burguess. Mediante placas de gelatina secas se podían tomar imágenes con exposiciones de 1/25 de segundo, tiempo suficiente para prescindir de los trípodes. Esto hizo que las cámaras fuesen más pequeñas.

1878: Muybridge realizó la serie de fotografías al galope de una yegua con 24 cámaras colocadas en hilera, cuyos obturadores eran accionados por unos cables que rompía la yegua al pasar. El resultado demostró que los cuatro cascos de un caballo al galope despegan del suelo a la vez.

1882: se inicia la fabricación de placas con material ortocromático.

1884: empieza la fabricación de objetivos.

1888: George Eastman inventó la famosa cámara Kodak. Tenía todas las cualidades para la producción masiva y el atractivo popular: era ligera, compacta y el fotógrafo no tenía que revelar las fotos. Por primera vez una cámara podía cargarse con película de rollo y con una capacidad de 100 exposiciones.

1902: se funda el movimiento Photo-secession inspirándose en el movimiento sece-sionista de los pintores en Munich. Este grupo reúne a notables fotógrafos, todos ellos liderados por el norteamericano Alfred Stieglitz. Su finalidad fue desprenderse de la tendencia pictorialista e imponer la idea de una foto pura y libre.

1904: primera fotografía que hicieron llegar los hermanos Lumière cuando patentaron la placa auto croma. Esto provocó la comercialización de la fotografía en color.

1906: se introdujo la placa pancromática, sensible a todos los colores del espectro.

1907: aparecen las primeras placas autocrómicas de Lumière.

1913.- se fabrica la primera película de 35 mm.

1914: muchos fotógrafos buscaron la simplificación del procedimiento con la placa seca y luego el carrete, consiguiendo la reducción del tamaño y peso y la instantánea.

1937: el desarrollo de la imagen sobre papel empezó con pequeñas ideas. Hay que destacar a dos personajes: Bayard y Talbot.

1962: Leith y Upernicks de la universidad de Michigan lograron un holograma perfecto utilizando un rayo láser.

1963: último avance fue con la cámara Land Polaroid, que producía automáticamente copies en color.

1981: primera aparición práctica con la invención de una cámara en color hecha por Frederic Ives.

1994: primera cámara integral de vídeo y fotografía de 35 mm.

Determinantes que hacen posibles la aparición de la fotografía.

En 1839 se hace público el invento del daguerrotipo, siendo su primera aplicación práctica la producción de retratos. El resultado de estos retratos fue decepcionante. ¿A qué se debía este resultado? El problema era que el tiempo de exposición requerido era muy largo, por lo que los modelos aparecían movidos. Así, se intenta, por un lado, que los tiempos de exposición se hagan más cortos y, por otro, utilizar un invento que consistía en mantener inmóvil al modelo mediante unos soportes y artilugios. La manera de reducir el tiempo de exposición era incrementando la intensidad de luz del sol. Pero es la técnica la que va a ser quien resuelva finalmente este problema con la aparición de los flashes, que van a generar luz suficiente como para captar el sujeto en el menor tiempo posible. De esta manera, el retrato se convierte en un boom.

El nivel de calidad del retrato cambia. Los pintores mediocres van desapareciendo y muchos de ellos se dedican a la fotografía, quedando sólo como pintores los grandes retratistas. Consecuencia de esto es la vulgarización del retrato. Anteriormente, sólo se retrataban las familias de clase alta, con mayor poder adquisitivo. En este momento la fotografía es más barata por lo que se puede retratar a más gente (vulgarización). Este proceso se da con más intensidad en Francia debido a todos los grandes cambios que sufre esta sociedad a finales del siglo XVIII. La clase social que mayor afición tiene por el retrato es la burguesía, que lo considera como una manera de afirmación en la sociedad. Esto dura poco tiempo, ya que la técnica avanza y se abren cada vez más estudios de fotografía en cada vez más ciudades, lo que hace que el retrato llegue a las clases más bajas. Se expande a un número mayor de gente.

Un factor muy importante son las cartes du visite del fotógrafo Disderi, que eran pequeñas fotografías de regalo que se hacían a la vez que el retrato.

Este tipo de retrato tenía poco valor desde el punto de vista fotográfico. Eran retratos de cuerpo entero, las posturas eran muy forzadas y el rostro tenía un tamaño muy pequeño, por lo que era difícil diferenciar un sujeto de otro. Los posados aún eran largos, por lo que las posturas eran muy rígidas, poses muy tiesas y altivas.

A partir de la segunda mitad del siglo XIX avanza la técnica y se consigue una mayor naturalidad en el retrato. Uno de los retratistas que mejor aprovecha esta técnica fue Nadar. Descubrió la capacidad que tiene el rostro humano para reflejar la personalidad. Intenta que sus modelos tengan carácter, que digan algo. Nadar le pone un sello artístico al retrato. Hay que tener en cuenta que este fotógrafo era además caricaturista y provenía del arte, y llegó a la fotografía con una edad avanzada (30 años). Además, era investigador de la fotografía y es el primero que hace fotografías aéreas en 1870. La investigación más interesante que realizó Nadar fueron las relacionadas con la luz artificial en la toma fotográfica. Instaló una batería de 50 pilas a un foco y posó él mismo junto a sus empleados para comprobar el resultado, que fue negativo. A ese foco le añadió otro con luz más suave para matizar la anterior, y fue añadiendo otros elementos como espejos, difusores de luz,... para reflejar la luz donde él quería. Así, consiguió retratar como con luz solar pero sin depender de la climatología. Tenía su propia fuente de luz dentro del estudio, un estudio ya moderno. Todos los retratos que hacía Nadar eran a amigos. Se sentía más inspirado cuando conocía al modelo. Decía que a quien mejor retrataba era a quien mejor conocía. Este es el mejor momento de Nadar, haciéndose cada vez más famoso. Empieza a retratar a todo el mundo y a retocar las fotografías, colocando a los modelos como él quería, cambiando las luces,... de manera que va perdiendo su sello artístico. Entre 1850 y 1875 el retrato conoció una época muy buena gracias a Nadar.

Acontecimientos o hechos que proyectan y reafirman la fotografía.

En el 300 a.C. Aristóteles utiliza la cámara oscura para estudiar los eclipses de Sol.

Leonardo Da Vinci, en el siglo XVII, se da cuenta que las imágenes recibidas en el interior de la habitación son de tamaño más reducido e invertido, conservando su propia forma y colores.

En el siglo XVIII la sensibilidad a la luz de ciertos compuestos de plata, particularmente el nitrato y el cloruro de plata, era ya conocida antes de que los científicos británicos Thomas Wedgwood y Humphry Davy comenzaran sus experimentos a finales del siglo XVIII para obtener imágenes fotográficas. Consiguieron producir imágenes de cuadros, siluetas de hojas y perfiles humanos utilizando papel recubierto de cloruro de plata. Estas fotos no eran permanentes, ya que después de exponerlas a la luz, toda la superficie del papel se ennegrecía, con lo cual nunca pudieron llegar a conseguir el fijado de las imágenes.

A principios del siglo XIX nace la fotografía, en el año 1816, que es cuando el físico francés Nicéphore Niépce consigue una imagen mediante la utilización de la cámara oscura y un procedimiento fotoquímico. Niépce bautiza a su invento con el nombre de heliograbados, pero no es hasta el año 1831 cuando el pintor francés Daguerre realizó fotografías en planchas recubiertas con una capa sensible a la luz de yoduro de plata, después de exponer la plancha durante varios minutos. Daguerre, empleó vapores de mercurio para revelar la imagen fotográfica positiva. Estas fotos no eran permanentes porque las planchas se ennegrecían gradualmente y la imagen acababa desapareciendo. En las primeras fotografías permanentes conseguidas por Daguerre, la plancha de revelado se recubría con una disolución concentrada de sal común. Este proceso de fijado, descubierto por el inventor británico Fox Talbot, hacía que las partículas no expuestas de yoduro de plata resultaran insensibles a la luz, con lo que se evitaba el ennegrecimiento total de la plancha. Con el método de Daguerre se obtenía una imagen única en la plancha de plata por cada exposición.

Mientras Daguerre perfeccionaba su sistema, Talbot desarrolló un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar un papel negativo a partir del cual podía obtener un número ilimitado de copias. Talbot descubrió que el papel recubierto con yoduro de plata resultaba más sensible a la luz si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico, disolución que podía ser utilizada también para el revelado de papel después de la exposición. Una vez finalizado el revelado, la imagen negativa se sumergía en tío sulfato sódico o hiposulfito sódico para hacerla permanente. El método de Talbot, llamado calotipo, requería exposiciones de unos 30 segundos para conseguir una imagen adecuada en el negativo. Tanto Daguerre como Talbot hicieron públicos sus métodos en 1839. Ese mismo año John Eilliam Herschel da el nombre de " fotografías " a las imágenes fijas.

En un plazo de tres años el tiempo de exposición en ambos procedimientos quedó reducido a pocos segundos.

La fotografía ante las nuevas tecnologías.

Este nuevo número es significativo tanto por sus contenidos como por el momento en que aparece. Estamos viendo cómo se desarrolla la fotografía digital a tal ritmo que parece poner en peligro la fotografía de base fotoquímica. La venta de cámaras digitales está aumentando tanto en los últimos tiempos como para alcanzar o superar las ventas de cámaras convencionales. Como todo crecimiento, éste, también, lleva aparejado una crisis; así, aunque el número total de cámaras vendidas esté aumentando, disminuye la venta de cámaras de tecnología tradicional. Y lo más importante que está ocurriendo es que la mayor parte de ellas son adquiridas por el aficionado medio que es, en definitiva, el principal comprador de películas. Están surgiendo nuevos fabricantes de cámaras y se producirán más imágenes porque a este mercado se incorporan nuevos fotógrafos. Pero aquí está la clave de la crisis; las nuevas cámaras no necesitan película para captar las imágenes. Esto indica la decadencia de unas industrias; y, por ende, el desarrollo de otras, pues son necesarias memorias de cámaras, memorias auxiliares, discos compactos, ordenadores, etc.

Hemos de dar las gracias a los grandes fabricantes de materiales fotosensibles que han permitido, mediante sus controles de calidad, el uso de películas y papeles de una gran consistencia de resultados, cada vez mejores en cuanto a la resolución y la respuesta cromática. Pero no nos engañemos, todo no son ventajas; junto a la calidad y estandarización de los materiales hemos perdido la gran diversidad de procedimientos que permitían el uso de otras formas de representación y sobre soportes de papel de calidad como los destinados al uso en acuarelas o en grabado. Con estos procedimientos también ha sido posible utilizar elementos como formantes de la imagen que toleran el paso del tiempo mejor que la tradicional plata, como son los pigmentos. Estos procedimientos, a veces llamados nobles o de control y que, en algunos casos se han podido recuperar gracias a pequeñísimos fabricantes impulsados por un amor loco a la fotografía, son más lentos en poner en práctica pero, sin embargo, ofrecen una amplia gama de posibilidades para la creación, aparte de un acabado de apariencia no industrial, como suele ser la norma. Este momento maravilloso que vivimos, de esplendor de los materiales fotosensibles tradicionales, parece, pues, condenado a extinguirse. Es posible que todo esto sean exageraciones y no llegue a ocurrir, que podamos disfrutar de una gama de equipos y materiales más amplia que nunca; pero la historia de la fotografía nos ha mostrado que esto no es así. Dependemos exclusivamente de la industria (y ésta de nuestra demanda) y los materiales tradicionales irán, poco a poco, encareciéndose, después de que pasemos la época de los descuentos y la rebaja del precio de los materiales que los fabricantes proponen para distanciar el momento, no por melancolía, sino para amortizar las últimas inversiones en equipos y en investigación. Un proceso que necesita material especial, como el carbón, desapareció; es cierto que en los últimos años se ha intentado su recuperación más bien testimonial. Así, el carbón, uno de los procedimientos más estables y controlables de fotografía en blanco y negro y color desapareció en pos de materiales de producción masiva. El bromó leo siguió el mismo camino, por la dificultad no sólo de su control, sino por la escasez de papeles convencionales de blanco y negro fabricados sin la capa protectora superior. El último de los grandes procedimientos que tanto ha ayudado a alargar la vida de las copias -y encarecerlas-, el Dye Transfer, también ha seguido ese camino, recientemente, por voluntad de su fabricante, la casa Kodak. Hace unos años esta fábrica estuvo a punto de hacer lo mismo con los materiales de blanco y negro: dejar de producirlos. Las protestas en Estados Unidos fueron tan grandes que llegaron a parar el proceso, pero ¿por cuánto tiempo? Curiosamente, fue el inicio de una época de esplendor y desarrollo de nuevos materiales de blanco y negro de calidad en todo el mundo.

Vemos, pues, un panorama contradictorio. La incorporación de nuevos fotógrafos y la venta masiva de cámaras digitales frente al clamor de aquellos que consideran que la fotografía digital está matando a la fotografía. Estas lamentaciones proceden, sin embargo, no de las personas que tienen miedo de que nuestros queridos materiales e instrumentos de siempre desaparezcan, sino de aquellas otras que consideran que la fotografía digital no es fotografía y se distancian de ella como si de una profanación se tratase. Todo esto nos hace recordar ese pánico a que la aparición de la fotografía acabase con la pintura, cuando verdaderamente supuso su liberación, el desarrollo de sus posibilidades. Lo mismo, curiosamente, ha significado la aparición de la fotografía digital para la fotografía; al ponerse en duda su valor documental ha quedado al desnudo ese otro aspecto que muchos se negaban a ver: su carácter de imagen. Y de esta manera la fotografía digital ha liberado a la fotografía de su condición de esclava de la memoria (con todo lo maravilloso, importante y digno que es esta capacidad de la fotografía). La distinción que he hecho entre fotografía digital y fotografía sólo ha sido para dejar claro el razonamiento; la fotografía digital es fotografía, tiene su misma naturaleza, la que nace de enfrentar un material fotosensible a la luz procedente de los elementos de una escena. Nada de esto ha cambiado. Es cierto que pueden surgir múltiples mixturas; pero seamos de mente ancha, porque lo básico no ha cambiado y, en cambio, se han ampliado las posibilidades de una manera generosa. En conclusión, la nueva fotografía es la misma de siempre y -esté seguro de ello- algunos materiales pueden desaparecer.

Es a la luz de esta evolución de las cosas y preocupados por ello que hemos sentido el miedo de que un medio de comunicación audiovisual y de creación artística como el diaporama (la multivisión) desaparezca. Está sometido a los mismos avatares que la fotografía y su soporte básico de imagen es la diapositiva. Los cambios producidos son tan profundos que queremos analizarlos para intentar averiguar cual será su futuro. En cualquier caso, -entiéndase como homenaje o como despedida-, nos hemos acercado también con cariño a su estudio. Un recorrido por la imagen tecnológica (Rekalde) desde un punto de vista artístico, sirve para enmarcar la situación del estado actual de la imagen. Este estudio no considera, sin embargo, el diaporama, porque sus aplicaciones expresivas han estado siempre reservada a círculos de iniciados (léase fanáticos o enamorados). Se han encargado de ello dos personas que conocen el diaporama porque han creado obras, uno desde el punto de vista de la realización (Palazón) y el otro desde el control de la imagen (Perea). Completan el número una propuesta de estética de la fotografía (Soulages) especialmente interesante y un trabajo acerca del sin sentido de fotografiar (Blanco) de lectura obligada.

Bibliografía.

Sougez, Marie-Loup. “Historia de la fotografía”.

Dossier de fotografía dado en clase

Internet

http://caminantes.metropoliglobal.com/web/fotografia/historia.htm

http://www.infonegocio.com/cameres/planes/historia.htm

http://html.rincondelvago.com/fotografia_historia.html

http://html.rincondelvago.com/fotografia_historia-y-evolucion.html

Índice.

Cronología

Determinantes que hacen posibles la aparición de la fotografía

Acontecimientos o hechos que proyectan y reafirman la fotografía

La fotografía ante las nuevas tecnologías

Bibliografía