Arte

Expresionismo alemán

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“EL
, OTRA CORRIENTE ARTISTICA DEL MUNDO”

Expresionismo alemán

“el grito”, de Munch, el padre del expresionismo.

surgido en los últimos años del siglo XIX y primeros del siglo XX como reacción frente a los modelos que habían prevalacido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias del Bellas Artes.

El artista trata de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación del artista.

El término “expresionismo” no se aplicó a la pintura hasta 1911, sus características se encuentran en el arte de casi todos los países y periodos.

Los artistas de la Europa medieval exageraban sus figuras en las catedrales románticas y góticas para intensificar la expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante la distorsión aparece también en el siglo XVI en las obras de los artistas manieristas como el pintor español El Greco y el alemán Mantthias Grünewald. Sin embargo, los auténticos precursores del expresionismo vanguardista aparecieron a finales del siglo XIX, en especial el pintor holandés Vicent Van Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego Eduard Munch, que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión más intensa.

BOQUIABIERTOS ANTE LA NUEVA ERA.

El siglo XX llegó acompañado de un gran número de inventos en el ámbito técnico e industrial así como de nuevos conocimientos decisivos en las ciencias humanísticas y naturales. La teoría de la relatividad de Albert Einstain, el desarrollo del psicoanálisis de Sigmund Freud, el descubrimiento de los rayos x o bien la primera fisión nuclear obligaron al hombre a pensar de una forma diferente, más abstracta. Los nuevos conocimientos pusieron de manifiesto que detrás de la realidad se esconde mucho más de lo que puede percibirse mediante el sentido de la vista; la idea de que el ojo humano podía percibirlo todo se desvaneció por completo. Si bien los impresionistas confiaron en que se podía concebir todo el mundo con la vista, en esta época. La

nueva generación de artistas criticó ferozmente este realismo tan superficial.

Los jóvenes deseaban arrancar el velo de la percepción visual a la realidad y, tal como ellos lo expresaron, “mira detrás de la apariencia de las cosas” con el fin de conseguir pintar así una imagen real del mundo. Para conseguir este objetivo se hizo necesario desarrollar un nuevo lenguaje pictórico.

Esta situación se acentuó a causa de los cambios que se produjeron en la propia percepción de los sentidos, puesto que la invención del automóvil, del avión, del telégrafo y de muchas otras cosas concedieron una nueva dinámica a la vida cotidiana. La rapidez y el tiempo obtuvieron una nueva dimensión y ahora requerían percepciones mucho más “acelerada. El mundo se presentaba totalmente diferente, incluso nuevo, visto desde un coche en marcha, cuando hasta entonces únicamente se conocía la velocidad de los carruajes o de los peatones.

Sin embargo, todos estos cambios tan revolucionarios que se sucedieron a partir de 1900 no fueron aceptados con tanta euforia por la joven generación de artistas como en su día lo hicieron los impresionistas. La cara oculta de la modernización (alienación, aislamiento, y masificación) quedó al alcance de la vista, sobre todo en la metrópolis. La desgarrada disposición de ánimo de toda una generación, que buscaba valores nuevos tanto en la vida cotidiana como en el arte, se desgarró en un catastrofísmo finisecular y en utópicas visiones de un mundo nuevo. Los artistas, en su función de apasionados reformadores del mundo que deseaban derrocar el orden establecido, buscaban

“un arte nuevo para un mundo nuevo”.

Erich Heckel, El estanque.

Cuadros cargados de emoción debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. Con una pintura orientada en Van Gogh y Gauguín, cargada de sentimientos y concepciones, deseaban reactivar las necesidades más esenciales del hombre, que habían quedado enterradas ,y con ello indicarle el camino hacia un futuro mejor.

“Con la fe puesta en el desarrollo y en una nueva generación de creadores y consumidores, hacemos un llamamiento a la juventud, y como juventud portadora del futuro, queremos procurarnos la libertad de vivir y actuar frene a las fuerzas tradicionales. Todo aquél que refleje en sus obras espontánea y verídicamente su propia fuerza creadora es de los nuestros”.Esta profesión de fe ha hecho historia en el arte. Esta emocionante exaltación de la juventud, de la libertad y del futuro, tan en consonancia con su tiempo, es el preludio del expresionismo alemán: el manifiesto de fundación del movimiento

artístico Die Brücke (El Punte).

Die Brück

Compuesto por Ernst

Ludwing Kirchner, Erich

Heckel, Karl Schmidt-Rottluff ,

Fritz Bleyl, Max Pechstein y

Otto Müller.

Este grupo desarrollo un

estilo colectivista y de

revelación contra la concepción

burguesa y tradicional de que el

artista es un genio individual.

Se caracteriza por emplear pocas formas, que han sido reducidas a lo esencial, cuerpos deformados y saturados que, se encuentran engastados dentro de un fuerte contorno, concediéndole a los cuadros un carácter vigoroso.

Concentrados en la intensidad del efecto , del contraste y de la deformación de objetos con el fin de representar la “realidad real”, lo esencial de las cosas.

“Der Blaue Reiter”

Surgido de la predisposición personal por el color azul y de la debilidad por los jinetes de Franc Marc y Vasily Kandinsky.

Otros participes de este grupo fueron Alexei Yaulensky, Marianne Werefkin, August Macke, Gabriele Münter y Paul Klee.

El estilo que adquirió este grupo fue más subjetivo y espiritual.

Su finalidad era mirar más allá de lo superficial. Se interesaron por pintar cuadros que “pusieran en movimiento las almas”.

La preocupación máxima era el cómo de la presentación que el qué.

La siguiente fase del expresionismo se llamó Die neue Sachlichkeit ( nueva objetividad) y surgió de la desilusión subsiguiente a la I Guerra Mundial. Fundado por Otto Dix y George Gras, se caracterizó a la vez por su pesimismo existencial y por una actitud ante la sociedad sumamente satírica y cínica. Mientras tanto, el expresionismo se había convertido en un movimiento internacional, y la influencia de los alemanes ya se podía apreciar en los trabajos de artistas foráneos.

Expresionismo abstracto, apareció en EE.UU. al finalizar la II Guerra Mundial.

Sus mejores representantes fueron Marck Rothto, Willem de Kooning, Franz Kline y Jackson Pollock, que intentaron representar las emociones básicas mediante la pintura abstracta. Para ello utilizaron colores vivos, formas atrevidas y métodos de trabajo espontáneos como el dripping.

Literatura, teatro y cine.

Los objetivos del expresionismo en el campo de la literatura, particularmente en la novela y el teatro, responden a las mismas características que las artes plásticas. Los personajes y la escenas se distorsionan intencionalmente para producir un fuerte impacto emocional.

El pintor alemán Alfred Kubin, miembro de Der Blaue Reiter, escribió una de las primeras novelas expresionistas, Die Andere Seite (la otra parte), que ejerció una profunda influencia en el checo Franz Kafka y en otros escritores de la época.

Los primeros dramaturgos expresionistas, August Strindberg en Suecia y Frank Wdekind en alemania ejercieron una fuerte influencia internacional sobre la siguiente generación de autores dramáticos, en los que se destacan Georg Kaiser y Ernst Toller, por ejemplo.

La obra TRES JUECES muestra mediante la distorsión de las figuras, mostrar lo deformada que estaba la justicia.

El teatro expresionista también introdujo nuevas formas de representación. El objetivo consistía en crear un cuadro escénico globalizado que incrementara el impacto emocional sobre el público. Entre los directores más destacados estuvieron, Max Reinhardt y Erwin Piscator.

La influencia de este movimiento expresionista llegó hasta el cine, como se aprecia en El Gabinete del doctor Caligari (1919) y en Nosferatu (1922), una sombría adaptación de la novela Drácula de Bram Stoker.

Expresionismo alemán

Música

La música expresionista alcanzó su apogeo en el periodo de entreguerras, buscó la expresión de las ansiedades, los terrores ocultos y el cinismo de la sociedad contemporánea.

Para ello empleo composiciones cuidadosamente estructuradas y emocionalmente intensas, deformando las técnicas convencionales y reemplazando las armonías tradicionales por otras más complejas y disonantes. La música es a menudo atonal o producto de la distorsión, la polifonía (simultaneidad de líneas melódicas) es con frecuencia densa, y la melodía, prácticamente irreconocible

Algunos interpretes son:

Richard Wagner, Gustav Mahler y Arnold Schönberg

El cine alemán adoptó muchos de los principios de este movimiento pictórico y literario, al tiempo que conectaba con la tradición romántica del siglo XIX. Esto se manifestó en el empleo expresionista de los decorados, las luces y la interpretación, así como en la recurrencia a historias fantásticas de locos, vampiros, asesinos, etc., que para algunos autores significaron una premonición del nazismo en la turbulenta Alemania de la posguerra. Directores como Robert Wiene (El gabinete del doctor Caligari), Fritz Lang (M, el vampiro de Düsseldorf) o Friedrich W. Murnau (Nosferatu, el vampiro) son ejemplos de cineastas influidos por el expresionismo.

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