ESTE ES EL COLOR DE MIS SUEÑOS

Didáctica de la Educación Artística para Primaria

A lo largo de la historia y gracias al trabajo continuado de los artistas se han configurado las denominadas disciplinas artísticas, amplios campos de investigación dentro del arte. ¿Qué caracteriza a cada una de ella?

Objetivos de aprendizaje

• Descubrir y analizar cómo los distintos lenguajes pueden configurar diferentes modelos de creación.

• Reconocer y caracterizar el lenguaje y el dibujo y los conceptos, materiales y técnicas que frecuenta.

• Explorar diferentes concepciones del dibujo y la pintura como medios expresivos.

• Reconocer los conceptos fundamentales de la escultura y las posibilidades creativas que surgen de los distintos materiales y técnicas.

• Descubrir nuevas formas de arte y los principios que la sustentan como modelos de creación y Educación Artística.

• Aprender a apreciar y comunicar a través de medios plásticos el impacto y las sugerencias que nos producen las obras de arte realizadas de desde cada disciplina.

• Descubrir los aspectos limítrofes de cada disciplina, lo que le es propio y lo que comparte con otros modelos expresivos.

Contenidos

La forma de creación más antigua es el dibujo. Sus orígenes son inciertos. Ha evolucionado y se ha transformado, adoptando modos, técnicas y funciones diversas.

• El concepto de dibujo

El concepto de dibujo está presente en la esencia de muchas actividades humanas. El dibujo es el vehículo para expresar ideas, sensaciones, describir algo con detalle, comunicar.

La representación a través del dibujo surge por el deseo del hombre de aprehender la realidad, de conceptualizarla, representándola o interpretándola mediante imágenes. Forma parte de su esencia el carácter de provisionalidad o preparatorio para la realización de otra obra mayor.

El concepto actual de dibujo es abierto y ecléctico. Pervive en los modos clásicos y se integra en formas multilenguajes (net-art, multimedia...).

• El dibujo a través de la historia

Los primeros dibujos aparecen en la prehistoria. Son marcas y huellas de manos, a las que siguieron dibujos y escenas de caza esquemáticas con sentido mágico. En el Neolítico, se centran en figuras geométricas y ornamentales, que aparecen en los utensilios domésticos. El nacimiento de la religión da al dibujo un matiz simbólico. En Egipto, los dibujos murales obedecen a una religión centrada en el culto a la muerte. La base de estas representaciones es la línea o contorno, que posteriormente se colorea. Los pictogramas se encuentran en la fase de transición del dibujo a la escritura.

De la cultura griega nos queda el dibujo de decoración. Las grandes obras de arquitectura tuvieron un planteamiento previo en forma de dibujo. Algunos de los conceptos básicos de la representación aparecen en esta época: el canon de Policleto para la representación humana, la proporción áurea.

La Edad Media se caracteriza por el dominio del dibujo de línea en las representaciones. Las pinturas románicas y góticas se apoyan en el dibujo delimitado, como en las pinturas sobre tabla y las vidrieras.

El Renacimiento fue la época de florecimiento del dibujo y nos ha dejado dibujos más naturalistas, abordándose importantes investigaciones en el campo de la representación. Otro gran descubrimiento es la perspectiva lineal, que genera una percepción de espacio en la superficie bidimensional, junto con la técnica del claroscuro. El dibujo consigue su independencia como expresión autónoma con sus propias características.

La emancipación definitiva se produce en el siglo XIX. El Neoclasicismo aportó grandes dibujantes, apoyados en la técnica de representación realista basada en la copia. Los impresionistas elevan el dibujo a disciplina autónoma. A principio del siglo XX muchos artistas se interesan por las posibilidades expresivas del dibujo.

La aparición de vanguardias artísticas trajo consigo el cuestionamiento de las formas tradicionales de arte. Pero el dibujo será la base de todas las obras surrealistas. El impresionismo abstracto introducen un nuevo concepto de dibujo: se trata de atender a la espontaneidad, a la gestualidad, a la frescura del trazo.

Actualmente, el dibujo es una presencia fundamental en las manifestaciones artísticas, del diseño, la publicidad, arquitectura...

• Fases en la creación de una obra de dibujo

Cada artisa-dibujante sigue un proceso particular. Estas son algunas generalidades:

• Dibujo y abstracción

Las líneas, los trazos, las marcas, nos brindan la posibilidad de expresar emociones, sentimientos e ideas sin necesidad de tener un referente.. se considera fundamental el ritmo, el equilibrio, las tensiones, las direcciones. Los tipos de líneas utilizados nos transmiten diferentes sensaciones.

La línea horizontal, sosiego, tranquilidad, equilibrio.

La línea vertical, espiritualidad, dominio.

La línea oblicua, inestabilidad, dinamismo.

La línea ondulada, ritmo cadencioso.

La línea quebrada, violencia, ruptura.

• Concepto de pintura.

Ha sido el medio de expresión más idóneo para la representación bidimensional de la realidad tridimensional. A lo largo de la historia ha sufrido importantes transformaciones que supusieron una evolución o una ruptura radical con lo anterior.

En el Renacimiento se introdujeron nuevas técnicas y procedimientos como el esfumato, la perspectiva o el óleo. En el siglo XX, con la aparición de las vanguardias artísticas, se quiso despojar a la pintura de todo lo que no le era propio, buscando la pureza absoluta y la libertad formal.

• Fases en la realización de una obra de pintura

La planificación establece dos momentos:

• Elección del tema o motivo, que obedecerá a la intención expresiva del pintor, entre dos posibilidades: pintar tomando como referente la realidad, o realizar una obra abstracta de nuestra invención.

• La elección de los procedimientos y el soporte, condicionados por el tema elegido.

El planteamiento inicial

Antes de comenzar a pintar se hacen unos bocetos en pequeño formato, que representas distintas alternativas. También en el caso de obras abstractas se hacen bocetos, aunque los artistas suelen improvisar y expresarse de manera intuitiva.

Desarrollo de la pintura

Primero realizamos una mancha general aplicando colores diluidos y tapando el fondo del lienzo. Los colores iniciales deben ser suaves y claros, para ir intensificándolos y oscureciéndolos.

Después procedemos a trabajar por empastes, veladuras, restregado, húmedo sobre húmedo.

El acabado dependerá de la intención del artista, algunos lo interrumpen en el momento antes de que pierda su frescura y otros realizan acabados con mucha definición de detalles.

Diferentes técnicas y materiales

Comenzó con el Renacimiento. El óleo está compuesto de pigmentos en polvo mezclados con aceite de linaza. Su secado es lento y los colores presentan una gran riqueza de matices que ofrecen cierta transparencia a la luz. Los impresionistas trabajan con pinceladas de colores puros para que la mezcla la realce la retina del espectador.

Los colores básicos son tierras y ocres, violetas, rojo cadmio amarillo medio y azul cobalto, blanco y negro. Entre todos los soportes, el más utilizado es el lienzo o tela de lino, aunque también se pinta sobre tabla, cartón, plásticos duros... Los pinceles pueden ser de pelo natural de animales o sintéticos, y de forma redonda, cuadrada o filbert. La paleta cumple la función de organizar los colores y disponerlos para su mezcla. El aceite de linaza disuelve el óleo. Los disolventes eliminan los restos de los pinceles. Los barnices protegen la obra acabada.

Se puede abordar una obra de pintura mediante un procedimiento elaborado, trabajando con capas de pintura sucesivas muy finas y veladuras. O bien alla prima, aplicando la pintura con rapidez y seguridad, mezclando los colores antes de que se sequen.

Es muy utilizada en la pintura de paisajes, para apuntes y bocetos preparatorios para el óleo. Están compuestas de pigmentos molidos muy finos y un aglutinante que suele ser goma arábiga. Se disuelve muy bien en agua y se adhiere con facilidad al papel. La técnica se llama lavado, que consiste en aplicar capas finas de color. Los pinceles son redondos terminados en punta o cincelados en el borde.

Están compuestos por pigmentos y resinas sintéticas. Pueden aplicarse sobre una gran cantidad de superficies mientras no hayan sido preparadas con una base oleosa.

El término escultura designa aquellos trabajos en los que el volumen, el espacio y la materia juegan un papel decisivo. Una escultura es un objeto o composición tridimensional. Hacer una escultura es jugar con los tres elementos primarios: el espacio, la luz y la materia.

Se dice habitualmente que existen tres técnicas básicas en torno a la escultura: restar materia o técnica sustractiva, sumar materia o técnica aditiva y yuxtaposición de elementos prefabricados o técnica constructiva.

• La materia

La materia forma parte sustancial de los significados de una obra escultórica. La escultura recoge e incorpora los valores de los materiales que la componen.

Miguel Ángel fue capaz de penetrar en las rocas con una libertad desconocida hasta entonces, valorando la piedra por su permanencia.

Los elementos se relacionan entre sí. Para realizar una obra en tres dimensiones utilizamos diversos materiales teniendo en cuenta su relación visual y plástica para que sea coherente con el propósito del escultor. Los diferentes materiales son:

ARCILLA. Podríamos definir la cerámica como el conjunto de productos basados en la arcilla ó el caolín transformados por la acción del fuego. Otra definición podría ser la masa o cuerpo formado por una o más arcillas y que posee los requisitos necesarios para ser trabajado a mano, al torno, con moldes, mediante estampado o a presión.

PIEDRA. El mármol debe trabajarse restando materia. El bloque es ilimitado por dentro y limitado por fuera. La talla directa representa una de las modalidades clásicas de esculpir. El golpe ha de ser certero. Sólo se necesitan tres golpes para saltar la lasca. Es el material más perdurable de todos.

MADERA. Es la materia noble y cálida que se talla, se pule, se pinta, se corta... Las formas naturales en que se presenta sugieren al artista modos diferentes de aprovechar sus cualidades matéricas. Admite múltiples texturas, incrustaciones. Se talla con cuidado, siguiendo su cuerpo, de acuerdo con sus vetas.

ESCAYOLA. Es un material que en poco tiempo pasa de estado líquido a sólido. Se usa para realizar moldes. Es adaptable y moldeable.

METALES. Son dúctiles, duraderos, pueden fundirse y laminarse, forjarse, soldarse, admiten aleaciones y gran cantidad de aspectos, pueden ser oxidados, pulidos. Las piezas persisten.

VIDRIO Y PLÁSTICOS. La temperatura de estas obras suele ser fría, los acabado industriales, las formas rotundas, los límites precisos. Configuran un tipo de objeto que se relaciona con el modelos cultural posterior a la revolución industrial.

CARTÓN, PAPEL Y FIBRAS VEGETALES. El cartón y el papel son versátiles, pueden recortarse, pegarse, son económicos. Los tejidos vegetales toleran ser trabajados como superficies para separar espacios o determinar formas. Son materiales cálidos.

• El espacio

Una estatua concentra el espacio o utiliza el que hay en su beneficio. Son obras cerradas, van hacia adentro. Por ello la mayor parte de las obras religiosas usan este concepto en sus representaciones. La estrategia espectadora correspondiente al objeto de atención es la admiración, la contemplación pasiva.

Las instalaciones son mezclas de objeto, sujeto que habita y lugar habitado. La obra se instala en un entorno con un determinado carácter. La instalación debe ser coherente. Algunas obras irradian espacio alrededor suyo.

• Cómo se hace una escultura

Para hacer una escultura es preciso querer hacerla. Se parte de una parte de una imagen decidida, crear en ella y conocerla, buscar el material adecuado y la técnica conveniente para darle cuerpo visible. Se trata de visualizar la obra en su forma final antes de verla físicamente.

La estrategia es trabajar el cómo hacerlo, dándole valor emocional y expresivo a los materiales.

Gracias a la transformación del concepto de obra de arte surgen nuevos modos de expresión que llegan a convertirse en modelos de creación.

• Body art

Los artistas de siglo XX comenzaron a utilizar su propio cuerpo y el de sus espectadores de forma diferente a la usual: la acción, el dolor, el frío, la temperatura corporal, el uso del desnudo o del gesto. El cuerpo se valora como materia que responde al entorno, se interviene en él para mostrar contenidos estéticos y no para decorarlo.

• Performance y happening

No es hasta la década de los 70 cuando, de la mano del arte conceptual, se reconoce a la acción ejecutada o interpretada como medio de expresión artística. En la perfomance, el interprete es el artista y no representa un personaje.

En los happening, el público coopera con el artista en la acción o acciones a desarrollar.

• Híbridos

El artista de hoy dispone de un amplísimo abanico de posibilidades para expresarse y reflexionar acerca de la realidad. Nacen formas híbridas de creación en las más diversas técnicas, los materiales más insospechados y los conceptos menos afines.

Los límites son cada vez menos precisos, pero no todo vale.. existen reglas intrínsecas que ponen en funcionamiento la obra propuesta.

• Virtualidades

El arte en red es un concepto que nace con Internet. Se trata de espacios lúdicos, interactivos, que el visitante puede recorrer sintiéndose protagonista más que espectador.