ESCULTURA BARROCA EN ITALIA

• Stefano Maderno (1.576-1.636).

• Francesco Mochi (1.580-1.654).

• Gian Lorenzo Bernini (1.598-1.680).

STEFANO MADERNO

Es una escultura que nos afecta al sentimiento, a base de diversos recursos, lo que característico del Barroco y es llamado como “afetti”. En la Iglesia de Santa Cecilia ¿Trasterevi? de Roma se encuentra la tumba de esta santa. El cuerpo de la muchacha apareció en la misma postura en la que se encuentra representada en la escultura. Se necesita una escultura para provocar una emoción a los fieles. Es una escultura yacente en la que se plasma una acción que acaba de ocurrir, es decir, acaba de morir. Se representa el momento álgido, es el drama.

FRANCESCO MOCHI (1.580)

Realizaba obras muy manieristas, pero supo muy bien evolucionar y entender el nuevo lenguaje barroco. Su promotor fue la Familia Farnese.

La Virgen aparece como una mujer normal, sacrificando la típica belleza clasicista, pero ganando en la expresión de asombro y de sorpresa. El mensaje que quiere dar a l iglesia es que en cualquier momento puede llegar la anunciación. Tiene una posición forzada, provocada por el asombro. Se capta el momento álgido de la acción. No se busca la belleza, pero transmite emoción y sentimiento. Esta escultura pertenece a un grupo escultórico donde también aparece el ángel.

Ángel: destaca la línea diagonal en profundo que se percibe, característico del Barroco. Hay también una línea auxiliar que cruza la anterior (de la rodilla al ala). Tiene un gran giro de cuerpo.

Las dos estatuas producen un escenario muy teatral, donde no es sólo las esculturas sino también el espacio que las rodea, introduciendo así al espectador.

Está en la ciudad de Piarenza. Es una escultura ecuestre, que subido al caballo es símbolo de poder. El caballo tiene una posición estable con gran movimiento. El pelo del caballo ondea al viento, plasmándose la velocidad. Se da más valor al dinamismo que a la pose tranquila. Farnesio está tratado con los mismos principios de velocidad y movimiento. Se capta el momento en que el jinete se fija en algo mientras cabalga, por lo que introduce al espectador.

Participa con Bernini en San Pedro, junto a más escultores. Realiza una de las cuatro estatuas de los nichos de los machones. La Verónica es la que limpia la cara a Cristo con un paño, en el que queda reflejado su cara. Se representa el momento en el que percibe el rostro de Cristo en el paño, no a entendido el milagro todavía. Se le representa corriendo. Hay una composición en diagonal profundo, quiere salir del nicho y huir. Se representa en el momento en que la acción está al máximo. Se quiere dar el mensaje de que en cualquier momento puede ocurrir un milagro y a cualquier persona. La obra se realiza después del Concilio de Trento, cuando el arte debe de servir para la comprensión de aquellos fieles que no saben leer.

GIAN LORENZO BERNINI (1.598-1.680)

• 1.620: Formación al lado del padre.

• 1.620-1.624: Etapa mitológica (Borghese).

• 1.624-1.640: Estapa de obras religiosas (Urbano VIII).

• 1.640-1.660: Estapa creativa.

• 1.660-1.680: Etapa de madurez.

Etapa de formación. Es un retrato muy psicológico, puede verse su carácter. No hay idealización, tan sólo quiere captarse al individuo. Utiliza en la vestimenta el trepano. Aparece representaciones del Papa con una iconografía de San Pedro. Sabe manifestar las calidades táctiles de diversos yeneros.

Etapa de Formación. Aparece San Lorenzo en el momento en que se le quema en la parrilla. Puede recordarnos a Miguel Ángel, por la exageración de la musculatura.

Se representan a tres personajes en una composición giratoria, típico del manierismo.

Etapa mitológica. Se refleja el contraste entre el cuerpo masculino y femenino. Se asemeja al rapto de Las Sabinas. Es una composición muy dinámica. Bernini pretende impactar al espectador. Ya no es una composición para ver en varios puntos de vista. El desnudo es migelesco, lo que contrasta con el cuerpo delicado femenino. Existe la composición en diagonal profundo.

Está en el museo Boryhese. Apolo corre detrás de Dafne y ésta como se niega a su amor se convierte en árbol. Se capta el momento en movimiento más álgido de la historia. Son figuras muy bellas, heredadas de la antigüedad clásica. Destaca la presencia del viento y de la composición en diagonal. Apolo no sabe todavía lo que está ocurriendo, está confuso. Utiliza el trepano en las pupilas de los ojos y en la boca de Dafne, entreabierta. La historia continua fuera del mármol.

Se representa el momento en que lanza el hacha, está en máxima tensión. El David está pensando, símbolo de inteligencia, a lo que se le llama momento heroico. El espacio compositivo es abierto, algo típico del Barroco. La escultura está preparada para ver desde un solo ángulo, muy típico del Barroco. La escultura está preparada para ver desde un solo ángulo, muy típico de Bernini.

Gran tratamiento de las texturas.

Etapa religiosa. Bernini perfora los machones para colocar los nichos y los balcones superiores. Como son cuatro espacios lo normal hubiese sido la representación de los cuatro evangelistas, como en las pechinas. Sin embargo, se colocaron en esos nichos a cuatro santos:

• San Longino (Bernini).

• La Verónica (Mochi).

• San Andrés (Duquesnoy).

• Santa Elena (Bogli).

Esto fue exigencia del propio Vaticano. Se realiza esto por existir en San Pedro las reliquias de estos cuatro santos. Tras el concilio la actividad de peregrinación se fomenta, demostrando la existencia de los santos a base de estas reliquias. Los protestantes no creen en ellos. En los balcones de los machones se colocan allí las reliquias de estos cuatro santos, en su día señalado. Esos balcones poseen relieves relacionados con cada santo.

San Longino: posee una expresión de asombro, con una cierta incomprensión. Tiene la típica composición en diagonal profundo. Como punto de inspiración tiene la escultura clásica. Está ataviado con una supuesta túnica, que no parece tener forma, ondea al viento. Esto es muy típico de Bernini, el ropaje cobra vida y transmite el estado psicológico del personaje.

Está en la Iglesia de Santa Bibiana. Se reconstruye la iglesia por haber sido encontrada en este lugar esa reliquia. Está en movimiento, con una pierna en alza. La mano derecha señala al altar mayor, su cabeza mira hacía la entrada, guiando al fiel hacía el punto más importante de la iglesia. Tiene una composición en diagonal suave, no muy marcada. En cuanto al ropaje, hay un excesivo pliegue.

En esta obra influyó:

• Tumba de Los Médicis, obra de Miguel Ángel ! Composición triangular, donde destacan las dos figuras musculosas que se resbalan por un frontón curvo.

Bernini, por tanto, se inspira en la obra de Miguel Ángel. La figura principal del conjunto es la representación de Urbano VIII, que aparece bendiciendo a los fieles. No aparece pensativo, como en obras anteriores, sino triunfante. Esto puede deberse a que cuando Urbano encargó la obra era muy joven y estaba en el momento más álgido de su carrera.

Los materiales utilizados son mármol (figuras de los lados) y bronce (para el Papa). Con el bronce Bernini ya había tenido mucho éxito (el Baldaquino). Se crea un gran contraste visual. Las estatuas laterales son las virtudes (justicia y caridad), imágenes alegóricas. Son una alabanza al Papa, ya que, representan las propias virtudes del Papa. El color blanco hace que psicológicamente las figuras vengan hacía adelante, dejando a Urbano hacía atrás en un lugar más reservado.

El sarcófago está rematado por un frontón curvo roto, en el que se apoyan las virtudes. Éstas tienen unos ropajes con muchos pliegues. En la parte rota del frontón se coloca un esqueleto que simboliza la muerte.

Es un cardenal, sobrino del anterior Papa (Pablo V). Rompe el molde con el retrato inicial que se hacía en este momento. Introduce características personales en el retrato. Bernini capta un momento puntual, parece mirar de pronto. Lleva el atuendo característico de un cardenal, donde se aprecia el trabajo táctil de Bernini.

Es una obra privada. Parece ser que fue una amante de Bernini. La retrata con absoluta libertad. Se representa a la mujer totalmente natural, que gira en un momento dado la cabeza.

Etapa de Plena Madurez de Bernini (1.640-1.650 aprox.)

Memoria Sor María Raggi (1.643)

Capilla Cornaro (1.647-1.652)

Constantino (1.654)

Cátedra de San Pedro (1.656-1.666)

Capilla Chigi (Daniel, 1.655-1.657)

Tumba Alejandro VII (1.655-1.678)

Retratos / Fuentes

Se representan los hábitos de la monja sobre los que se coloca el retrato de ella misma, sostenido por angelillos. El monumento funerario está colgado sobre uno de los pilares de la iglesia.

Es una de las capillas laterales. El promotor es la Familia Cornaro, que tienen el derecho a enterrar allí a sus familiares. Actualmente la capilla está muy iluminada, viéndose un gran colorido. Sin embargo, en aquella época había una luz muy tenue, a base de velas y candiles. Aún así la escultura resalta siempre por ser en color blanco.

En el techo de la capilla lateral se coloca un fresco donde se representa el espacio celeste. Todo es un escenario teatral. En el punto central se coloca al Espíritu Santo. La arquitectura parece desaparecer convirtiéndose en cielo infinito, es una pintura ilusionista, típicamente Barroca.

• Éxtasis de Santa Teresa ! Está introducida dentro de un templete sostenido por columnas y un frontón triangular quebrado (de líneas curvas). Tras el templete hay un espacio elíptico (con movimiento típico del alto Barroco romano), donde se sitúa la escultura. Tras ella se colocan unas ráfagas de luz de metal dorado. Sobre todo esto hay una ventana que ilumina esas ráfagas doradas y la escultura. Este recurso de luz (escondido) se usa mucho en la arquitectura de Bernini. Es un espacio escénico. En la escultura se percibe el fuego de diagonales (una principal y otra secundaria formada por el cuerpo del ángel). Tan sólo hay un punto de visión. Está concebido prácticamente como un alto relieve. La escena representada es el momento más álgido de la historia, cuando recibe el flechazo divino. Teresa lleva una vestimenta con unos pliegues muy complejos y prácticamente antinatural (característica de Bernini). La expresión de Teresa: boca entreabierta, éxtasis y emoción, dolor divino. El ángel dispone un tratamiento de pliegues de su vestimenta diferente, de líneas más sinuosas y finas. Esto se hace para que el espectador diferencie bien a los dos seres, que además pertenecen a dos mundos distintos. Los dos personajes tienen un tratado muy pulido, sin embargo las nubes en las que se asientan no (diferentes calidades táctiles). En las paredes laterales de la capilla se disponen unos balcones con personajes (miembros de la Familia Cornaro), a modo de palcos, que contemplan la escena principal. En el fondo se dispone un relieve arquitectónico ficticio e ilusionista.

Está colocado bajo una ornacina en San Pedro. La composición es diagonal y el aporte de la luz es en diagonal. La figura de Constantino dirige su mirada con expresión de sorpresa a la luz. Se representa el momento en el que Constantino ve la luz divina y se convierte al cristianismo. Como el arco en el que se coloca es enorme, se utiliza un recurso típico del Barroco que es disponer de un gran cortinaje.

Se realiza bajo el Papado de Alejandro VII Chigi. Este conjunto escultórico está al fondo de la Basílica de San Pedro, además se ve a través del baldaquino. Está hecho en el mismo material, bronce dorado. Entre dos pilastras se coloca una silla, supuesta reliquia de la cátedra o silla de San Pedro (es un cacho de madera). La silla parece flotar y a cada lado se colocan cuatro papas, que son los que la levantan de manera irreal. Tras este conjunto se coloca un gran coro celestial en yeso y pintado en dorado. En el centro coloca una representación del Espíritu Santo en alabastro, que deja pasar la luz a modo de vidriera.

Está en la iglesia de la Plaza de Popolo. Se representa a Daniel pidiendo la ayuda divina. Tras sus pies se coloca una cabeza de león, atributo principal. El nicho en el que se aloja es muy pequeño y parece no poder albergar la escultura. Bernini utilizó un nicho estrecho para enfatizar la idea de que Daniel desea salir de allí (sensación de angustia). Las líneas diagonales siguen estando presentes.

La tumba está dentro de un nicho. El Papa aparece en posición orante. Lo acompañan cuatro virtudes y un agitado manto o cortinaje. Entre éste último aparece un esqueleto, símbolo de la muerte, con un reloj de arena.

Está muy cerca del Palacio Barberini. Es un monumento civil público, pero promovido por los Barberini (aparece su escudo). Se representa a Tritón sobre una concha y debajo de la misma se colocan peces.

Se encuentra en la Plaza Navona. Se le pidió a Borromini que hiciera el diseño de la fuente, pero no gustó. Éste trabajaba en las obras de Santa Inés. Bernini planteó el diseño ante Inocencio X y éste no dudo en construirla. Bernini colocó una fuente principal en el centro de la plaza y otras dos auxiliares para compensar la largura de la plaza. La fuente principal tiene una gran verticalidad por la colocación de un obelisco. Los cuatro ríos son el Nilo, Danubio, Indio y Plata. Simboliza el mundo entero, los cinco continentes, simbolizando el triunfo de la iglesia sobre el mundo. Se representa a los cuatro ríos de forma alegórica. Esto es un lenguaje clásico, pero con expresión barroca. Aparecen como hombres fuertes de estética miguelangelesca, están en desequilibrio constante y parecen deslizarse. El mármol está muy pulido y trabajado y contrasta con la roca en la que se colocan las figuras. Aparece representado el símbolo papal, la llave de San Pedro y la boina. Se representan también animales del mundo entero, algunos exóticos. La fuente está remata por un obelisco, que es símbolo de luz de Cristo o de la Iglesia. Realizó diversas maquetas en barro. Las fuentes auxiliares o laterales se colocan por la forma alargada de la plaza. Una de ellas es muy similar a la de Neptuno.

Se representa el triunfo de la Iglesia.

Se le representa con armadura militar y sobre él un paño que envuelve que el busto. Destaca el uso del trépano. Bernini plasma el modelo a seguir de retrato oficial barroco.

No se llegó a realizar y tan sólo conservamos el boceto. No gusta, tal vez por tener demasiado movimiento. Finalmente se transforma y se coloca como una deidad en el jardín de Versalles.

Última Etapa de Bernini

Se intensifica mucho en sus obras el valor religioso.

Tienen en común el ser penitentes y además en tener la misma postura. Destaca el típico tratamiento del ropaje de Bernini.

Se acompaña con una serie de estatuas, que son ángeles. Se encuentra frente al Castillo de San Ángelo, donde en ocasiones el Papa residía allí de revuelta. A los ángeles se les representa llorando por la pasión de Cristo, cada uno con un símbolo de pasión. Sin embargo, hay dos ángeles donde Bernini trabajó personalmente y no su taller. Más tarde se bajaran esas dos esculturas y se llevaran a una iglesia.

El espectador se convierte en un elemento integrado en la escena. La estatua es horizontal, sobre un lecho. Por tanto, es una composición lineal y horizontal. A pesar de esto, Bernini consigue plasmar el movimiento y el momento justo de la muerte. Para el basamento utiliza otro tipo de mármol (marrón) veteado. La escultura se aloja en un nicho de una capilla. La escultura está iluminada por un foco lateral que no vemos, lo que da una gran teatralidad al conjunto.

FRANÇOIS DUQUESNOY (1.597-1.643)

Es un artista perteneciente a la corriente clásica, que es otra corriente independiente al alto Barroco Romano.

Es una obra en mármol, donde se percibe la curva contra curva. Destaca el tratamiento del paño mojado (recuerdo de la antigüedad clásica), con un plegado más natural y sereno.

Es su obra más importante. Es una de las cuatro estatuas que forma parte de la Loggia del Baldaquino de San Pedro. Nos recuerda al San Longino. Sostiene una cruz en aspa, lo que genera una composición en diagonal típico del Barroco. La estatua es potente y fuerte, lo que nos recuerda a una representación de Júpiter o de algún otro dios poderoso. Se percibe, por tanto, el clasicismo. Los brazos abiertos dan teatralidad (Barroco), pero pesa más el clasicismo. El ropaje no es muy clasicista, pero se parece menos a San Longino, es más natural.

ALESSANDRE ALGARDI (1.598-1.654)

Fue adversario de Bernini y también pertenece a la corriente clasicista.

Tiene formación clasicista, pero le influye mucho Bernini. Esto se percibe aquí. Sin embargo, la postura es tranquila sin composición complicada (más clásica).

Desde 1.644 hasta su muerte pasa a ser el escultor de Inocencio X. Aparece la escultura del Papa y flanqueado por dos alegorías (caridad y justicia) de las virtudes. Entre ellas un sarcófago de tradición clásica. Además se percibe la composición triangular, típico del Renacimiento más tranquilo.

Es en bronce. El Papa aparece con dinamismo, bendiciendo a los fieles. Se percibe la influencia de Bernini (Estatua de Urbano VIII).

Se representa el encuentro de Atilo y León I. Es una etapa histórica cuando los bárbaros saquean Roma. El Papa sale parando esa violencia. En el cielo se representa a San Pablo y a San Pedro. Es una escultura promocionada también por Inocencio X. Es un relieve de distintas alturas. Los personajes de la parte inferior parecen bulto redondo. Utiliza el mismo recurso de Ghiberti en Las Puertas del Paraíso. Es un relieve de 7 metros de altura aproximadamente. Tiene factores barrocos, como la captación del momento más álgido de la historia.

Se representa el momento antes de que San Pablo fuera degollado. El verdugo posee un gran movimiento que va a cometer el martirio. Sin embargo, San Pablo tiene una composición tranquila y calmada. Se percibe un gran contraste entre ambas figuras. El verdugo debe mucho a Bernini.

Es el sobrino del Papa, que era cardenal. Se le representa con una expresión serena. Desaparece esa captación momentánea y la agitación, todo ello típico de Bernini. Por tanto, es busto muy clásico.

Fue una mujer muy importante en la época e influyó mucho en el Papado de Inocencio X. Cuando muere Inocencio, el siguiente Papa (Alejandro VII) la expulsa de Roma. Va vestida a la moda de aquel entonces, con una capa almidonada que se engancha en la parte superior de la cabeza. Ésta es tallada de manera muy fina.

NÁPOLES (2ª mitad del siglo XVIII)

En el siglo XVII, Nápoles es bireynado de España. Cuando en el siglo XVIII se cambia a la dinastía de los Borbones, Nápoles deja de ser bireynato de España pasando a ser un reino independiente. Será Carlos (futuro Carlos III de España) el rey de Nápoles. Cuando muere Fernando VI de España (su hermano), Carlos es llamado para sucederle.

Se hace en la época de Carlos III como rey de Nápoles. En su interior se encuentran una serie de estatuas ejecutadas por varios autores:

• Cristo Velado: fue ejecutado por el artista Sanmarino. Cristo aparece yacente cubierto por un sudario.

• La Caridad: Realizada por Corradini. Todas las esculturas destacan por su virtuosismo, intentado superarse unos a otros.

• El Engaño: Realizada por Queirola, destaca la famosa red del pescador.

Posee un jardín estilo al de Versalles. El arquitecto fue Luigi Vanviteli, realizando también los diseños de las estatuas recurriendo a la mitología clásica.

FRANCIA

Se encargó de realizar las estatuas cariátides de la torre del reloj del Louvre, con una clara herencia clásica. Se realizaron en torno a 1.640.

Fue el escultor preferido de Richelieu.

• Estatua Funeraria de Richelieu: se coloca delante del altar mayor mirando hacia él, en medio de la nave central. Se le representa en un lecho acompañado por dos virtudes. La composición es original y las composiciones en diagonal se perciben bien. Pero las expresiones son serenas, típicas del clasicismo. Richelieu aparece recibiendo de manera serena la muerte.

Trabaja en Versalles. Realiza un relieve circular para el salón de los espejos. El hecho de que sea circular es un aspecto renacentista. Fue el escultor preferido por el Cardenal Mazarino.

Realizó el conjunto escultórico que mandó hacer la reina tras el nacimiento del Rey Sol.