GOYA

Obras

Retrato de Gaspar Melchor de Jovellanos

Fecha: 1798

Tema principal: La espléndida efigie del escritor, político y jurista, cuyas ideas tanto influyeron en Goya.

Técnica: - Sutilísima gama cromática

- Capacidad de representar la calidad de las telas de una manera exquisita.

Representa: -La responsabilidad que tenía Jovellanos en su Ministerio, que aparece con carácter melancólico y pensativo, apoyándose en la mesa que sostiene la estatua de Minerva, diosa de la sabiduría y protectora de las artes.

-Sobre la mesa vemos papeles y plumas, que indicarían la frenética actividad del político.

Otra información: - Relación con Goya muy estrecha, admirando sus obras y compartiendo ambos el interés por la pintura de Velázquez.

- Goya firmó en el papel que sostiene el personaje.

La gallinita ciega

Fecha: 1788

Tema principal: El conocido juego popular entre gente noble.

Técnica: - Una de las imágenes más colorista del maestro, al utilizar el blanco puro, amarillo y gris.

- Utiliza las pinceladas sueltas, aparentando una minuciosidad en los detalles inexistente.

Representa: - Perfección con la que ha sido captado el movimiento y el ritmo de las figuras, algunas en unos preciosos escorzos.

- La alegría y la vitalidad envuelven la escena, que puede representar al amor ciego.

Otra información: - Se basó en el boceto que había sido presentado a Carlos III. Las escenas debían servir como modelo para los tapices destinados al dormitorio de las infantas en el Palacio de El Pardo, pero el encargo se paralizó por el fallecimiento del monarca.

- Describe la escena como figuras jugando al cucharón, pero ha pasado a la historia con el título de la Gallina ciega.

La familia de Carlos IV

Fecha: 1800

Tema principal: La Familia Real

Técnica: La luz irrumpe desde la izquierda arrojando grandes sombras sobre el suelo, ilumina los rostros y produce brillos y destellos en los trajes, joyas y condecoraciones, realizadas todas ellas con una factura especialmente suelta y con sabios toques de pincel.

Representa: - De izquierda a derecha: el infante don Carlos María Isidro; Goya pintando un gran lienzo; el príncipe de Asturias futuro Fernando VII; la infanta doña Ma Josefa, hermana soltera del rey; una joven no identificada; la infanta doña Ma Isabel; la reina Ma Luisa; el infante don Francisco de Paula; el rey Carlos IV; el infante don Antonio Pascual, hermano del rey; a su lado asoma la cabeza doña Carlota Joaquina, hija mayor de Carlos IV; don Luis, príncipe de Parma ; y su mujer, la infanta doña Ma Luisa con su hijo Carlos Luis en brazos. Consigue retratar la personalidad de cada uno.

- Estancia del palacio, con las paredes pintadas de verde y adornadas con dos grandes cuadros.

Otra información: Fue el último cuadro que hizo de las reales personas. Goya los retrató simplemente "como eran", mientras otros pintores de corte representaron siempre a los reyes "como éstos deben ser”.

La condesa de Chinchón

• Fecha: 1800

• Tema principal: María Teresa de Borbón y Vallábriga embarazada de su primera hija, la infanta Carlota.

• Técnica: - La luz ilumina plenamente la delicada figura, resbalando sobre el traje de tonos claros, creando un especial efecto atmosférico que recuerda a las últimas obras de Velázquez.

- Forma los volúmenes con manchas de luz y color, como se observa en las rodillas que se intuyen bajo el vestido.

- La gama de colores cálidos con la que trabaja otorgan mayor delicadeza y elegancia a la figura.

• Representa: - La Condesa con 21 años.

- Sentada en un sillón de época, lleva una corona de espigas en la cabeza - símbolo de su preñez - y un anillo camafeo en el que se intuye el busto de su marido.

- A su alrededor no hay elementos que aludan a la estancia, reforzándose la idea de soledad que expresa el bello rostro de la joven.

- Concentra toda su atención en el carácter tímido y ausente de María Teresa.

• Otra información: - Posiblemente el más bello y delicado de los pintados por Goya.

- Sentía gran aprecio y cariño por la joven. Era la hija menor del infante don Luis, el primer mecenas del maestro.

La maja desnuda

Fecha: 1797-1800

Tema principal: Una muchacha de nombre desconocido con una mirada pícara y atrayente en un enorme deseo de satisfacer al enigmático cliente que encargó las obras.

Técnica: - Destacan los tonos verdes, en contraste con los blancos y los rosas.

- La pincelada no es tan larga como acostumbra el artista, a excepción de los volantes de los almohadones.

Representa: - Una muchacha que yace sobre una cama.

- Contrasta con el lugar tan exquisito donde se halla tendida, en el que brillan los blancos y azules con fina intensidad.

- Sorprende la extraña cabeza

- Es casi neoclásica por su sentido escultórico

Otra información: - Primera figura femenina de la historia de la pintura que muestra el vello púbico; originalidad.

- También se desconoce a quién representa y quién la encargó.

La maja vestida

Fecha: 1800-1805

Tema principal: Busca ser admirada y deseada valorándose el atractivo de su cuerpo, "desnuda" o "vestida", en detrimento del interés del rostro reducido a una pura máscara, esquemática y vulgar.

Técnica: - Técnica más abocetada, libre y avanzada.

- La pincelada empleada es más suelta.

- Los transparentes volantes de los almohadones, el breve bolero amarillo o la faja rosada, son dignos de mención por su riqueza cromática.

Representa: - La vibración de color, la delicadeza de los ropajes y la manera de acusar el cuerpo bajo las telas la hace más atractiva e incluso incitante.

- Una mujer de la aristocracia, por su traje de alto copete, tumbada en un diván sobre almohadones, en una postura claramente sensual porque se lleva los brazos detrás de la nuca.

Otra información: Se considera más atractiva que su compañera por lo ajustado de sus vestidos y la postura provocativa, ya se sabe que muchas veces resulta más erótico insinuar que mostrar.

Saturno devorando a su hijo

Fecha: 1820-1823

Tema principal: - Tema mitológico -sobre el dios Saturno o Crono-.

- Aquel dios devoraba, como el tiempo lo hace con todo lo que crea, los hijos que le iban naciendo de su esposa Cibeles: temía que uno de ellos le destronara.

Técnica: Utiliza colores oscuros, ya que pertenece a su última etapa.

Representa: - Una de las obras más desgarradoras y trágicas.

- Magnífica representación de como el tiempo lo devora todo. Una de las obsesiones del pintor.

Otra información: - En la última etapa de su vida, Goya se quedó sin amigos, su sordera fue en aumento, tuvo problemas con la inquisición y se volvió solitario y huraño. Es en esta etapa cuando realiza las llamadas pinturas negras, pintadas con colores oscuros y sombríos sobre las paredes de su casa madrileña.

El aquelarre

Fecha: 1820-1823

Tema principal: Reunión de viejas mujeres con rostros bestiales que rodean supuestamente al diablo, simbolizado como un macho cabrío.

Técnica: La violenta pincelada aplicada, a base de manchas de color, refuerza la sensación de terror que inspira la composición. Goya elimina todos los elementos ambientales para recortar la masa de personajes sobre un fondo pardo.

Representa: - El grupo se congrega en torno a una figura geométrica, el óvalo, donde cada uno de los elementos está en función de ese semicírculo que se recorta sobre un fondo neutro.

- Solamente destacan tres personajes: el gran sacerdote representado por el macho cabrío en contraluz, la bruja desfigurada y luminosa y, por último, esa joven vestida a la manera de la época que asiste algo apartada al ritual.

Otra información: - Forma parte de las llamadas “Pinturas Negras”.

- Numerosas interpretaciones: podría mostrar una imagen de la mente del maestro, que bulle con sus fantasmas