ÍNDICE

ARTE DEL RENACIMIENTO

ARTe DEL RENACIMIENTO

INTRODUCCIÓN

Situación cronológica y espacial. Cambios:

• políticos:

• Desarrollo de la monarquía autoritaria.

• Formación de Estados unificados modernos.

• económicos:

• Inicios del capitalismo.

• ideológicos:

• Humanismo, el hombre es centro del universo frente a la teoría medieval. Espíritu crítico: avances científicos, reformas religiosas.

• Afán de conocimientos: descubrimientos geográficos.

• Concepto de Renacimiento: nueva concepción del hombre y de la naturaleza.

Cultura del Renacimiento.

CARACTERES GENERALES

Término utilizado por primera vez por VASARI en el siglo XVI bajo la forma de “Rinascitá”. A fines del siglo XVIII aparece en la Enciclopedia Francesa el término “Renaisance“. Fue MICHELET en 1885 quién utilizó el concepto de Renacimiento en sentido histórico.

Surge en Florencia en el siglo XV extendiéndose por el resto de Europa y adoptando algunas particularidades exclusivas de las distintas nacionalidades.

Causas de su aparición en Italia: tradición grecorromana, escaso arraigo medieval, desarrollo urbano tanto político como económico y social.

Representa una nueva concepción del hombre y de la naturaleza con respecto a la Edad Media.

Los dos rasgos más característicos del Renacimiento son:

• Humanismo:

• Antropocentrismo: todo se estudia con referencia al hombre.

• individualismo: el hombre se define por su individualidad frente a la idea de colectividad de la Edad Media.

• El nuevo ideal humano es el hombre completo, armónicamente desarrollado.

• Racionalismo: frente al sobrenaturalismo medieval, el hombre renacentista confía en la razón humana como fuente autónoma de conocimientos.

• Se produce una separación entre cristianismo y la cultura laica que no es necesariamente anticristiana.

• Estuvo alentado por la formación de colecciones de la antigüedad, la difusión de la cultura clásica, las excavaciones arqueológicas y la formación de los centros de estudios humanísticos (academias).

• Naturalismo.

• Se valora a la Naturaleza en si misma, no en cuanto creada por Dios.

• Vuelta hacia la realidad de las cosas.

• Vuelta a la antigüedad prestando especial atención al estudio metódico de los clásicos grecorromanos: de Grecia adoptan el espíritu y de Roma las formas artísticas.

• Invención de la imprenta: juega un papel destacado en la difusión de los tratados teóricos.

• Desarrollo de las investigaciones científicas y técnicas: descubrimientos geográficos, teoría del heliocentrismo, etc.

• Juegan un papel decisivo, los Mecenas: protegen el arte para demostrar y acrecentar su poder, y despertar la nueva conciencia humanista. Destacan los Medici en Florencia. MONTEFELTRO en Urbino, los SFORZA en Milán, JULIO II en Roma, etc.

• Adquiere una dimensión la consideración social del artista que pasa a ocupar un puesto destacado en la sociedad.

• Las obras dejan de ser anónimas, fruto de los gremios, sino que se individualizan y de las demás mediante la firma del artista, a diferencia de los gremios medievales.

• En torno a los grandes artistas se forman talleres: el único responsable de la obra era el maestro que determinaba libremente su labor.

• Visión unitaria: es fundamental para la armonía y belleza de las obras renacentistas subrayando los valores eminentemente espaciales.

• Nuevo concepto de belleza: se considera al arte más como pura recreación del espíritu que como expresión del pensamiento religioso. L belleza de las formas sustituye al expresionismo medieval. Lo auténticamente bello es, sobre todo, el hombre en todas sus facetas. El ideal de belleza está basado en la armonía entre las distintas parte, en la medida, en la proporción, el número y el orden.

• Fue importante en el Renacimiento el papel desempeñado por la “teoría”: esto presupone una formación científica en el artista y que el pensamiento precede a la ejecución. Destacan teóricos como ALBERTI (De re aedificatoria), VIGNOLA (Reglas de los cinco órdenes de la arquitectura civil), PALLADIO (Los cuatro libros de la arquitectura).

• Importancia de la perspectiva: conjunto de reglas gráficas y matemáticas que permiten representar con exactitud científica la realidad. Se usa no sólo en la pintura sino también en la escultura y en la arquitectura, ya que es un medio de racionalizar la visión de la naturaleza.

• Para la “maniera greca” (el arte de la antigüedad) el espacio tenía un valor trascendente y simbólico; en el Renacimiento, mediante la perspectiva, se destaca el valor del individuo frente al mundo.

• También es importante el desarrollo de un sistema de proporciones y de los estudios de anatomía.

• En Italia hay dos etapas principales (adaptación de los elementos clásicos, mezcla de elementos)

• Siglo XV. Quattrocento o Primer Renacimiento.

• Centro: Florencia.

Periodo de planteamiento de problemas. La arquitectura abandona la verticalidad gótica; la escultura se independiza y busca un canon de belleza humana: en pintura se logra el dominio del espacio y del volumen.

• Siglo XVI:

• Primera mitad: Cinquecento o Alto Renacimiento.

Centro: Roma, pleno dominio de las formas ajustadas a cánones de belleza ideal.

• Segunda mitad: Manierismo o Renacimiento tardío.

Nombre aportado por VASARI con un sentido peyorativo pero ha sido rehabilitado por la crítica moderna. Se cuestiona el concepto de belleza clásico, se busca la representación subjetiva de la realidad.

Se produce una crisis generalizada representada por la consolidación de las monarquías absolutas, el avance de la reforma protestante, etc.

• En el resto de Europa el Renacimiento se extiende desde fines del siglo XV y abarca todo el siglo XVI.

• EN España EL Renacimiento se introduce a fines del siglo XV debiendo luchar contra las formas góticas y mudéjares que estaban firmemente arraigadas en la península. Otro factor que favorece esta lentitud en la adopción del Renacimiento en España es la gran fuerza de la Corte, de la Iglesia y de los nobles que controlaban el arte y la cultura recelaban de las nuevas formas de carácter humanista y racionalista, es decir, del paganismo renacentista.

No obstante, el Renacimiento se introducirá fuertemente en España siendo la nación, detrás de Italia donde primero se escribieron tratados sobre el arte renacentista. Por ejemplo: DIEGO SAGREDO, en 1526, publica Medidas del Romano.

• También existieron factores que contribuyeron a la implantación del Renacimiento en España: las relaciones políticas y económicas con Italia durante la Baja Edad Media.

• La presencia de artistas extranjeros, especialmente italianos en España.

• La formación en Italia de artistas españoles.

• la importación de obras italianas, sobre todo con Felipe II que representa el poder y el auge español

• La publicación de tratados y libros grabados con motivos decorativos renacentistas italianos.

Se suelen distinguir tres grandes periodos correspondientes a los tres tercios del siglo XVI, aunque en algunas ocasiones los dos primeros se agrupan en uno sólo.

arquitECTURA

CARACTERÍSTICAS

• La arquitectura renacentista es una creación típicamente italiana y presupone al arquitecto una sólida formación científica.

• Se apoya en los estudios humanísticos de la antigüedad, en las excavaciones arqueológicas y en el descubrimiento y difusión de los libros de VITRUBIO.

• Frente a la antigüedad de las, formas góticas oponen las formas y principios de la arquitectura clásica, pero no se trata de una copia sin más de los mismos, sino de una interpretación de las leyes en que se basaba el arte clásico.

• Van a tener muy presente la idea renacentista de belleza y perfección basada en un estricto racionalismo, creyendo en la validez universal de la forma absolutamente hermosa. El edificio es, de esta manera, el resultado de un estudio racional: proporción, concordancia, simetría y armonía.

• Se parte de la adopción de los órdenes arquitectónicos griegos y romanos pero no respetan sus proporciones sino que buscan una mayor esbeltez.

• Está estrechamente relacionada con los estudios matemáticos:

• Tiene un carácter racional y en ella prevalecen la armonía, la proporción y la simetría.

• Se basa en una serie de reglas que pueden ser estudiadas y perfeccionadas racionalmente.

• Toman como fundamento las formas básicas geométricas claramente perceptibles: círculo, cuadrado, cubo, etc.

• Muestran especial preocupación por las proporciones matemáticas de las construcciones, tanto en las estructuras como en las plantas: establecen unas relaciones simples de longitud, altura y profundidad, conseguidas a partir de módulos y de minuciosos cálculos matemáticos.

• Equilibrio entre las dimensiones de la planta y la altura: no debe predominar lo vertical sobre lo horizontal.

• Preocupación por conseguir la visión unitaria de la obra articulando armónicamente los distintos elementos entre sí y con el conjunto.

• La belleza para ALBERTI ésta fundada en una concordancia sistemática de todas las partes entre sí y con la totalidad, de manera que no se puede añadir, quitar ni alterar nada sin perjudicar al conjunto.

• Está presente también el antropocentrismo los arquitectos toman como modelo las proporciones del cuerpo humano para determinar las de un edificio. Esta referencia a lo humano ya se encontraba en VITRUBIO.

• El espacio se organiza de acuerdo con las leyes de la perspectiva considerada como método racionalizador de la visión. En este aspecto destacó el arquitecto Brunelleschi.

• ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS

Se parte de unos elementos básicos que después se modifican debido a la gran variedad de escuelas que surgen dentro de Italia.

En general, son elementos constructivos y decorativos tomados de la arquitectura romana clásica.

Recuerda su función de elemento representante y de cierre en una superficie perfectamente delimitada.

• Muro

Recupera su función de elemento sustentante y de cierre: es una superficie perfectamente delimitada.

• Órdenes arquitectónicos.

• Son los órdenes clásicos pero más esbeltos: el capitel preferido es el corintio el compuesto. Dórico-jónico, corintio-toscano. Conjunto.

• Con el manierismo se desarrolla el orden colosal que abarca varias plantas o pisos del edificio o incluso la totalidad de la altura del mismo.

• La columna puede tener el fuste liso o bien ser abalaustrada, es decir, constituida por varias molduras que forman ensanchamientos y estrechamientos.

• La pilastra adquiere tanta importancia.

• Arcos

Usan preferentemente el medio punto.

• Cubiertas

• Suelen utilizarse las abovedadas y adinteladas.

• Tipos: de, cañón con casetones, de arista, cúpulas rematadas por una linterna. Etc.

• Pocas veces cubiertas planas de madera también con casetones.

• 5. Decoración.

• Temas: clásicos: guirnaldas, medallones, bucráneos frutos, flores, etc.

• Se desarrolla un tema típico del Renacimiento: el grutesco, formado por seres fantásticos, vegetales y animales, enlazados formando un todo.

• Los grutescos están dispuestos geométricamente a partir de un eje de simetría: a esto se conoce como disposición a Candelieri.

• Contrastan el color blanco del enlucido en los muros y el gris de la piedra para dar un efecto de bicromía y al mismo tiempo resaltar los elementos constructivos.

• En algunas ocasiones emplean también los elementos constructivos con un valor puramente decorativo: columnas, pilastras, frontones, etc.

• TIPOS DE EDIFICIOS

• Templo

Se pierde la parte del simbolismo anterior en aras del afán racionalista y matemático.

• Planta:

• Basilical o de cruz latina en el Quattrocento.

• Centralizada (circular o de cruz griega) en siglo XV: responde mejor al racionalismo y al afán de simetría del renacimiento.

• Alzado:

• Espacios diáfanos, claros, uniformemente iluminados.

• Gran cúpula sobre el crucero; iluminación más fuerte del altar, simbolismo religioso.

• Fachadas:

• Dos prototipos debidos ambos a Alberti.

• Modelo de Santa María Novella, sólo la fachada.

• Dos cuerpos rectangulares: más grande el inferior que está rematado por un frontón.

• Ambos cuerpos unidos por dos grandes volutas o aletones.

• Todo el conjunto se puede inscribir en un gran cuadrado: el cuerpo inferior está constituido por dos cuadrados más pequeños, cuyo lado es la mitad del cuadrado general; el cuerpo superior equivale a otro cuadrado semejante a los del piso inferior.

• Precedente de las iglesias jesuíticas del Barroco.

• Modelo de San Andrés de Mantua.

• Se inspira en los arcos de triunfo romanos.

• La parte central se remata con un gran arco que pone de manifiesto que la cubierta de la nave es una bóveda de cañón.

• Toda la parte central está comprendida en un orden colosal y rematada por un frontón.

• Palacio

Modelo de palacio se desarrolla fundamentalmente en Florencia.

Pierde su carácter de fortaleza y se convierte en un edificio urbano.

• Planta.

• Aspecto macizo y cerrado.

• Planta cuadrada con un patio central (Cortile).

• Fachadas

• Interiores: tres galerías o “loggias” abiertas, la superior se cerrará más tarde.

• Exteriores. Hay tres tipos:

• 1er tipo:

Tres pisos separados por una cornisa decorada.

El piso inferior con nichos, los superiores con ventanas.

Paramento, almohadillado en el piso inferior.

Ejemplo: Palacio Medici-Ricardi de Michelozzo en Florencia.

• 2º tipo:

Tres pisos separados por entallamiento del mismo orden que las pilastras del piso inmediatamente inferior.

Ventanas geminadas en los pisos superiores y pequeños vanos en el inferior; las ventanas están separadas mediante pilastras de distinto ordenen cada piso.

Paramento almohadillado de menor resalte en cada piso, llegando a ser totalmente liso en el superior.

Coronado todo el edificio por una gran cornisa.

Ej. : palacio Rucellai en Florencia.

• 3er tipo:

Propio ya del Cinquecento.

Pisos separados sólo por una franja decorativa.

Ventanas enmarcadas por columnas que mantienen la superposición de órdenes y de un frontón.

Coronada por una gran cornisa.

Ej. : Palacio Farnesio de Sangallo el Joven

• Villa

Residencias campestres, a imitación de las romanas, que demuestran el poder de la nueva clase burguesa.

Plenamente integradas en el paisaje, no lejos de las ciudades.

• Bibliotecas

Alcanzan gran importancia debido al nuevo concepto humanista de la cultura.

Se desarrollan fundamentalmente en el siglo XVI: una sola nave alargada frente a las bibliotecas de tres naves de los antiguos monasterios.

• ARQUITECTURA italiANA

• CUATTROCENTO (siglo XV)

Características

Centro principal: Florencia, bajo el mecenazgo de los Medici.

Se caracteriza por los estudios científicos basados en la perspectiva y en la idea de la proporción.

La arquitectura goza de supremacía sobre la escultura y pintura.

La arquitectura busca crear un nuevo lenguaje que rompa con el goticismo medieval.

La segunda mitad del siglo se distingue por la abundante y menuda decoración

• FILIPPO Brunelleschi (1377-1446).

• Iniciador de la arquitectura renacentista.

• Presta especial interés a las proporciones.

• Compagina lo monumental con la minuciosidad decorativa.

• Con el fin de conseguir columnas mas esbeltas introduce entre el capitel y el arco una porción de entablamento para dar mayor altura (algunos arquitectos españoles como GIL de SILOÉ también lo utilizarán)

• Cúpula de santa María de las Flores en Florencia.

• Basílica de San Lorenzo. Florencia.

• Capilla Pazzi. Florencia.

• Basílica del Santo Espíritu. Florencia.

• Palacio Pitti Florencia

• Hospital de los Inocentes. Florencia.

• MICHELOZZO(1396-1472).

• Concede gran importancia a la decoración.

• Palacio Medici-Ricardi Florencia.

• LEON BAUTISTA ALBERTI (1404-1472).

• Prototipo de los humanistas: es uno de los principales teóricos del arte del Renacimiento.

• Para Alberti la belleza radica en los principios matemáticos, en las proporciones de sus partes y en las formas geométricas (círculo y cuadrado).

• Crea diversos tipos arquitectónicos: la iglesia de nave única con capillas entre contrafuertes (precedente de las iglesias jesuíticas barrocas), la fachada inspirada en los arcos de triunfo romanos, etc.

• Templo Malatestiano. Rímini.

• Fachada de Santa María Novella Florencia.

• Iglesia de San Andrés de Mantua.

• BENEDETTO DA MAIANO (1442-1497) .

• Introduce la gran cornisa como remate de las fachadas de los palacios.

• Ej. : Palacio Strozzi. Florencia.

• GIULIANO DE SANGALLO.

• Une la herencia de Brunelleschi y Alberti

• Ej. : Santa María de las Cárceles. Prato.

• JUAN ANTONIO AMADEO (1447-1522)

• Trabaja principalmente en la zona de Lombardía, caracterizándose la arquitectura por la exuberancia decorativa: la decoración recubre casi totalmente las superficies.

• Influirá en la arquitectura plateresca española.

• Ej. : Cartuja de Pavía.

• CINQUECENTO

Características

Centro artístico: Roma, bajo el mecenazgo de los Papas (Julio II, León x y Sixto V).

Para demostrar el poder creciente de la Iglesia y el Estado se recurre al clasicismo: se utilizan con mayor rigor los órdenes clásicos.

La arquitectura pierde importancia frente a la pintura.

Es un arte solemne y monumental pero se huye de todo colosalismo deshumanizado.

Predomina la medida, el equilibrio y la proporción, alcanzando la idea de ésta una excepcional importancia.

Disminuye, prácticamente desaparece, la menuda decoración anterior. Se prefiere una decoración basada en los efectos monumentales de los elementos arquitectónicos.

Empleo de frontones triangulares y semicirculares en combinación.

Se impone el uso de plantas centralizadas con cúpula símbolo del orden divino existente en el universo.

Representantes:

• Bramante(1444-1514)

Se inicia bajo las formas anteriores pero cambia hacia un nuevo clasicismo.

Hace desaparecer casi totalmente la decoración.

Muestra preferencia por las estructuras simples: es lo constructivo lo que le interesa especialmente.

• Basílica de San Pedro del Vaticano. Roma.

• Antonio de Sangallo el Joven (1483-1546)

Creador del palacio del siglo XVI. Concede especial importancia al volumen y a lo macizo.

• Palacio Farnesio. Roma

• manierismo

Características

Época de crisis cultural: se manifiesta en la arquitectura poniendo en duda la validez de lo clásico.

Frente a la objetividad absoluta del ideal del Renacimiento se acentúa la individual del artista. La libertad se antepone a cualquier autoridad.

Los arquitectos no aportan nuevos elementos sino que combinan de una forma nueva los ya existentes: multiplican los elementos arquitectónicos empleando los de un modo arbitrario.

Se apartan del racionalismo renacentista: no se busca la proporción ni la armonía, se buscan efectos sorprendentes y pintorescos, los elementos aparecen y puestos, se introducen unos frontones en otros, etc.

Se utiliza el orden colosal combinándolo con otros de menores dimensiones.

Rompen con la serenidad y el equilibrio clásicos iniciando el dinamismo protobarroco.

Algunos artistas siguen, a pesar de estos cambios empleando los elementos clásicos con mayor rigor.

Representantes

• MIGUEL ÁNGEL (1475-1564)

Considerado como el iniciador del Manierismo en arquitectura es, sin embargo más clasicista en pintura.

Busca los grandes efectos espaciales

• Escalera de la Biblioteca Laurenciana. Florencia.

• Plaza del Capitolio. Roma.

• Sacristía Nueva de San Lorenzo. Florencia.

• VIGNOLA (1507-1573)

Autor de tratados de gran influencia posterior.

Crea el tipo de iglesia jesuítica siguiendo las ideas de Alberti: cruz latina, cúpula sobre el crucero y capillas laterales.

• Villa Farnesio. Caprarola.

• Iglesia del Gesú. Roma, copia de San Andrés de Mantua

• GIACOMO della PORTA (1539-1602)

Típico representante del llamado, arte de la Contrarreforma, es considerado como introductor del Barroco.

• Fachada de la Iglesia Gesú. Roma.

• ANDREA PALLADIO (1508-1580)

Tratadista: Los cuatro libros de la arquitectura.

Defiende la absoluta racionalidad frente al subjetivismo manierista.

Crea el llamado motivo palladiano: sucesión rítmica de arcos entre dinteles.

Corona las fachadas con esculturas que coinciden con el eje de las columnas adosadas al muro o con grandes frontones incrustados unos en otros.

• Basílica de Vicenza.

• Villa Capra (La Rotonda). Vicenza.

• Iglesia de San Jorge. Venecia.

• Palacio Chiericati, Vicenza.

• Teatro Olímpico. Vicenza.

• ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO en España

• Plateresco

Primer tercio del siglo XVI

Características

• Origen del término: Ortiz de Zúñiga compara la decoración de los edificios con el trabajo de los plateros u orfebres.

• Sustituyó lentamente al estilo hispano-flamenco o isabelino. A veces se mezclan elementos de ambos estilos: las estructuras de los edificios siguen siendo góticas pero la decoración ya es renacentista.

• Estilo eminentemente decorativo: tiene especial importancia la decoración de las fachadas que aparecen totalmente cubiertas por decoración dispuesta en forma simétrica, como si fueran pantallas que ocultaran el edificio.

• Temas decorativos: se mezclan los procedentes del Quattrocento italiano con otras de tradición hispánica; son frecuentes: temas de heráldica, medallones con bustos o cabezas, grutescos, columnas abalaustradas, hornacinas con estatuas temas vegetales, etc.

• Destaca no sólo la arquitectura religiosa sino también la civil: palacios, universidades, ayuntamientos, hospitales, colegios, etc.

• Centro fundamental es Salamanca, la perfección de su decoración se debe a la clase de piedra que empleaban; es muy blanda, por lo que se puede trabajar muy bien, pero después se endurecía adquiriendo un tono dorado característico.

• Recibe el nombre de estilo Cisneros el practicado por PEDRO GUMIEL mezclando los elementos platerescos con elementos mudéjares.

Representantes

• LORENZO VÁZQUEZ (+ 1513)

Influjo italiano: incorpora el almohadillado y los grutescos.

Trabaja para la familia de los Mendoza.

• Palacio de Cogolludo. Guadalajara.

• JUAN DE ÁLAVA (+1537)

• Fachada del Convento de San Esteban. Salamanca.

• Pedro GUMIEL (1460-1517)

Arquitecto del Cardenal Cisneros. Creador del estilo Cisneros: plateresco mudéjar.

• Sala Capitular. Catedral de Toledo.

• obras ANÓNIMAS

• Casa de las Conchas. Salamanca.

• Fachada de la Universidad. Salamanca, Escuelas Menores. Salamanca.

• Hospital de Santa Cruz. Toledo.

• purista

Segundo tercio del siglo

Características

• Se introducen ya definitivamente las estructuras renacentistas.

• Bóvedas de cañón con casetones.

• La arquitectura se basa en la belleza y armonía de las proporcionasen, en la coherencia entre las diversas partes de un edificio.

• Se busca la monumentalidad, grandeza y equilibrio, dándose más importancia a lo arquitectónico que a lo decorativo, propio del Cinquecento italiano

• La decoración disminuye se hace más abultada y movida, se concreta en determinados puntos del edificio; se emplean elementos arquitectónicos con un valor decorativo.

• El foco fundamental es Andalucía

Representantes

• ALONSO de COVARRUBIAS (14881570)

Evolucionó desde lo decorativo hacia lo constructivo

• Patio del Hospital de Afuera, Toledo

• Alcázar de Toledo.

• Puerta de Visagra Nueva, Toledo

• DIEGO DE SILOÉ (+1563)

• Escalera Dorada. Catedral de Burgos. (Pervivencias platerescas).

• Interior de la Catedral de Granada

• RODRIGO GIL DE ANTAÑÓN (1500-1577)

• Fachada de la Universidad. Alcalá de Henares,

• Palacio de Monterrey. Salamanca.

• PEDRO Machuca (+ 1550)

Introductor de formas clasicistas muy puras.

• Palacio de Carlos V. Granada.

• ANDRÉS DE VANDELVIRA (1509-1575)

Introduce nuevas formas decorativas clásicas como atlantes y cariátides.

• Iglesia de El Salvador. Úbeda. Jaén. Catedral de Jaén.

• Escurialense

ultimo tercio del siglo XVI

Características

• Se desarrolla básicamente durante el Felipe II. Intensa intervención del rey en los asuntos artísticos. El Escorial, se convierte en el principal centro artístico.

• Se reacciona contra los excesos decorativos del plateresco dándose primacía a lo constructivo. Esto se debe, en parte, a las normas de austeridad dictadas por el Concilio de Trento,

• Como elementos decorativos se emplean cuerpos geométricos: pirámides y bolas.

• Destaca por su simplicidad, desnudez y sobriedad. Es el triunfo del clasicismo de Bramante.

• Las construcciones se caracterizan por su geometrismo:

• Predomina la monumentalidad los volúmenes están bien definidos.

• Relaciones matemáticas entre los elementos arquitectónicos.

• Elementos clásicos empleados en toda su pureza.

Representantes

• JUAN BAUTISTA de TOLEDO (+1567)

Inicia la construcción de San Lorenzo de El Escorial.

• FRANCISCO de MORA (1560-1611)

Divulga las características de El Escorial en los comienzos del Barroco.

• Galería de Convalecientes del Monasterio de El Escorial.

• Iglesia de El Escorial de Abajo.

• JUAN de HERRERA (1510-1597)

Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Madrid. Catedral de Valladolid.

• Tiene una triple función: palacio, iglesia-convento y panteón.

• Símbolo del poder de la Iglesia y del rey: relación con la Contrarreforma y absolutismo.

• Planta: rectángulo dividido en tres tramos:

• Eje central: iglesia de planta de cruz griega y cabecera plana.

• Patio de los Reyes.

• Dos zonas laterales subdivididas en patios entre los que destaca el Patio de los Evangelios (influencia de San Pedro in Montorio de Bramante).

• Alzado: sensación de monumentalidad.

• Predominio de la horizontalidad: ventanas, cornisas y buhardillas.

• Las únicas líneas verticales las determinan las cuatro torres de los ángulos y las torres y cúpula de la iglesia.

• Ausencia prácticamente total de decoración: queda reducida a la combinación de elementos constructivos (alternancia de muros y vanos) Pirámides con bolas, etc. Se concentra en la fachada.

• Predominio de la masa sobre el vano.

• Sobrevaloración de lo constructivo.

• riguroso plan geométrico

• Todo esto se aprecia igual en el exterior que en el interior.

• arquitectura del Renacimiento en Francia

Difusión del arte italiano por la presencia de artistas italianos y la importación de modelos de este país.

Fue importante el mecenazgo de los reyes Carlos VIII, Luis XII y Francisco I.

Predomina la incorporación de elementos decorativos.

• Palacio de Amboise.

• Palacio de Blois.

• Palacio de Chambord.

• Palacio de Fontainebleau (incorporación del Manierismo) .

• ESCULTURA

• CARACTERISTICAS

La escultura se independiza de la arquitectura, adquiere interés por sí misma.

Continúa siendo fundamentalmente cristiana aunque se subordine el simbolismo religioso a la consecución de la belleza. Centran su interés en la belleza formal de las figuras.

Abundan también los temas mitológicos.

El artista goza de más libertad en el tratamiento de los temas.

Acentuado naturalismo: buscan la representación de la realidad aunque a veces ésta se idealice.

Interés por el hombre: estudios anatómicos.

Preocupación por la expresividad.

Se intenta crear modelos ideales, que expresen el ideal humano tal y como se concibe en el Renacimiento.

Utilización de la perspectiva en los relieves.

Materiales: mármol, alabastro, bronce. En España se utiliza la madera (más expresividad)

Se practica tanto el relieve como la escultura exenta.

• ESCULTURA Quattrocento

• Florencia

Al principio permanecen algunos elementos goticistas (gusto por lo curvilíneo, elementos anecdóticos, etc.) pero pronto desaparecen.

No se elaboran tantas normas o cánones como en la arquitectura.

Profundo realismo que se aleja del espiritualismo gótico; esto no excluye cierta tendencia a la idealización.

Humanismo: preocupación por la figura humana, por el desnudo y la anatomía, per la expresividad.

El interés por el hombre queda patente en el desarrollo del RETRATO en el que se quiere individualizar a un personaje. Los retratos pueden ser: de busto, ecuestres, funerarios, etc.

En los relieves alcanzan gran perfección los estudios de perspectiva con la que se logra la sensación de espacio y profundidad.

Temas: cristianos, mitológicos, retratos, temas de la infancia. En España no se dan los desnudos por el enorme poder de la Inquisición.

Representantes:

• LORENZO GHIBERTI (1378-1455)

Autor de transición entre el Gótico y el Renacimiento. Continúa la trayectoria iniciada por los PISANO.

Destaca por la visión pictórica de los relieves:

• Gradúa el relieve desde formas casi imperceptibles en el fondo hasta casi un bulto redondo en el primer plano.

• Ordena las escenas en planos: aumenta el efecto de profundidad y perspectiva.

• Todo esto manifiesta una fuerte influencia clásica (Ara Pacis).

• Fondos de paisajes o arquitecturas sobre los que se dispone un gran número de figuras: perfecta relación figura-espacio.

• Formado como orfebre, de ahí su preocupación por los detalles y lo puramente decorativo.

• Sacrificio de Isaac (para el concurso de las puertas del Baptisterio de Florencia).

• Relieves de la Puerta Norte. Baptisterio de Florencia.

• Relieves de la Puerta del Paraíso. Baptisterio de Florencia.

• JACOPO della QUERCIA (1374-1438)

• Busca los efectos plásticos y la pureza de las figuras.

• Centra su atención en la figura humana: formas robustas, monumentales

• Prescinde de los paisajes, de los fondos arquitectónicos y de los detalles.

• Tumba de Ilaria del Carretto.

• Relieves de la puerta de San Petronio. Bolonia.

• Fuente Gaia. Siena.

• DONATELLO (1368-1466)

Es el escultor más importante del siglo XV.

Se caracteriza por el humanismo, realismo, naturalismo y expresividad.

• Representa al hombre en todas las edades, tipos y actitudes de ánimo.

• Introduce el tema del desnudo, abandonado desde la época romana.

• Difunde el retrato: quiere representar el carácter del individuo.

• En el relieve utiliza la técnica del aplastado. De manera que las figuras apenas se destacan del fondo; sin embargo, consigue sensación de espacialidad al colocar las figuras en planos superpuestos.

• Al final de su vida practica la técnica del inacabado para aumentar el carácter expresivo.

• Influirá en las obras de juventud de Miguel Angel.

• San Marcos

• San Jorge

• David

• El Zuccone

• Cantoría de la Catedral de Florencia.

• Estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata

• LUCA della ROBBIA (1400-1482)

• Sus figuras reflejan el lado agradable de la vida.

• Aspecto popular: temas femeninos y de la infancia.

• Usa una nueva técnica cerámica vidriada y policromada (figuras en blanco sobre fondo azul).

• Cantoría. Catedral de Florencia.

• Vírgenes con el Niño.

• ANDREA VERROCHIO (1435-1488)

• Parte del realismo de Donatello hasta alcanzar una gran expresividad.

• Figuras de actitudes nerviosas, violentas.

• Preocupación por la anatomía.

• David.

• Estatua ecuestre del Condottiero Colleoni.

• Cinquecento

• MIGUEL ANGEL BUONARROTTI (1475-1564)

Vida

Trabajó primero en Florencia en el taller del pintor GHIRLANDAIO y en el del l escultor BERTOLDO (discípulo de Donatello).

Bajo el mecenazgo de Lorenzo el Magnífico recibe una formación cultural neoplatónica, al mismo tiempo que estudia la escultura clásica en las obras de la colección de los Medici.

En 1491 viaja a Bolonia y allí recibe la influencia de JACOPO della QUERCIA especialmente en cuanto al sentido monumental de sus figuras.

En Florencia, los sermones de SAVONAROLA sobre la decadencia moral de Italia provocan en él una permanente angustia por el ansia de la muerte y de la salvación.

De 1496 a 1501 permanece en Roma: el mecenazgo de Julio II le permite ampliar sus conocimientos del arte clásico y le proporciona múltiples encargos pero también es fuente de continuos enfrentamientos entre Miguel Angel y el Papa.

Su vida oscila entre Roma y Florencia. Muere en Roma en 1564.

Características

• Practicó todas las artes aunque él se consideró, por encima de todo, escultor. En Miguel Ángel se realiza la idea universalista del Renacimiento italiano. En su obra se reflejan las tensiones y el dramatismo de su vida.

• Supera el realismo de Donatello para intentar alcanzar la expresión estética suprema: la IDEA de belleza.

• Influido especialmente por dos obras de la antigüedad clásica: Torso Belvedere y Laoconte y sus hijos.

• Reacciona contra el detallismo y as figuras suaves y amables de los artistas de fines del Quattrocento.

• Realiza formas monumentales, duras, llenas de tensión.

• Al final de su vida busca la manifestación de una profunda espiritualidad mediante formas desgarradas; a veces incluso deja las figuras sin terminar para que la expresividad sea mayor.

• Pone las bases del Manierismo y del Barroco.

• Crea arquetipos humanos gigantescos: grandiosidad, fuerza y vitalidad.

• Presta especial atención al desnudo resaltando una musculatura poderosa y exuberante (estudio anatómico).

• Posturas variadas, a veces de movimiento muy complicado.

• Parte de esquemas piramidales, cerrados, para alcanzar formas alargadas, fusiformes, abiertas (como en la pintura de Leonardo).

• Los rastros expresan una gran variedad de sentimientos, especialmente los gestos dramáticos, patéticos; esto se conoce con el nombre de terribilitá.

• Su material más preferido es el mármol blanco de las canteras de Carrara.

Obras

• Etapa florentina (1488-1491)

• Virgen de la escalera.

• Batalla de centauros y lapitas.

• Bolonia (1491)

• Angel del candelabro.

• Roma (1496-1501):

• Baco.

• Pietá del Vaticano.

• Florencia (1501-1505):

• Virgen de Brujas.

• David, figura de tamaño colosal.

• Roma (1508):

• Tumba de Julio II: Moisés, Esclavos, Atlantes.

• Florencia (1520-1534):

• Tumba de los Medici: Julián y Lorenzo de Medici, El Día y la Noche, El Crepúsculo y la Aurora.

• Roma (1534-1564):

• Pietá de Florencia, Pietá de Palestrina, Pietá Rondanini

• Manierismo

Características

Ruptura con los ideales estéticos clásicos.

Los artistas toman como modelo a Miguel Ángel pero exagerando sus formas.

Caen en la artificiosidad.

Detallismo, acentuación del dinamismo, empleo de las formas helicoidales o serpentinatas haciendo girar antinaturalmente a la figura.

Representantes

• BENVENUTO CELLINI (1500-1571)

Gran habilidad técnica

orfebre: esto influirá en la minuciosidad con que realiza sus esculturas.

Imita y exagera el dinamismo de Miguel Angel.

• Perseo

• JUAN DE BOLONIA (1529-1608)

Principal escultor manierista y autor de la transición al Barroco.

Adopta un rapon de figura alargado y de perfiles ondulados, colocando a las figuras en un dinamismo acrobático.

• Mercurio.

• El rapto de las sabinas.

• Escultura del Renacimiento en España

Características

Lenta introducción de las formas renacentistas italianas debido al fuerte arraigo de las formas góticas, principalmente borgoñonas y flamenca, también influyó el enraizamiento de lo religioso frente al culto a la forma y a la belleza externa del Renacimiento.

Factores que ayudan a su asentamiento en España: llegada de artistas italianos, importación de obras, formación en Italia de artistas españoles y la protección de los revés y de familias nobles a estos nuevos valores de la cultura.

Realismo dramático, expresividad, movimiento pausado.

No busca plasmar la belleza ideal, excepto en la corriente clasicista, del último tercio del siglo XVI, Cinquecento italiano.

Predominan los temas religiosos: se quiere conmover al fiel mediante la expresión de sentimientos, a veces se intenta llegar incluso al patetismo.

Materiales

• mármol v bronce para los temas cortesanos

• Alabastro para los sepulcros.

• Madera, es el material más utilizado, especialmente para los temas religiosos. Sin policromar para los retablos y sillerías; policromada, con la técnica del estofado para la escultura exenta.

Junto a la escultura exenta destacan los relieves tanto en sillerías de coro como en los retablos en los que a veces se combinan los dos tipos.

Primer tercio del siglo XVI.

Persisten algunos goticismos sustituidos por elementos florentinos e incluso por influencias de Miguel Angel.

Escultores italianos.

• DAICO FANCELLI (1469-1519)

• Formas detalladas y minuciosas del Quattrocento.

• Introduce un nuevo tipo de sepulcro exento de origen italiano.

• Sepulcro del Príncipe Don Juan. Convento de Santo Tomás. Avila.

• Sepulcro de los Reyes Católicos. Capilla Real. Granada.

• JAPOCO FLORENTINO

• Entierro de Cristo. Granada.

• TORRIGIANO

• San Jerónimo.

Escultores españoles.

• VASCO DE LA ZARZA (+1524).

• Tumba de D. Alonso de Madrigal. Catedral de Avila.

• BARTOLOMÉ ORDÓÑEZ(+l 520)

• Muy influido por Miguel Angel: fuerza y dramatismo.

• Estilo exaltado y vigoroso, elegante y solemne.

• Sepulcro de D. Felipe y Dª Juana. Capilla Real. Granada.

• DIEGO de SILOÉ (1495-1563)

• Formado en Italia: mezcla la elegancia italiana con el dramatismo español.

• Composiciones claras y ordenadas.

• A veces exagera las formas retorciendo las figuras.

• Colabora con Bartolomé Ordóñez y Felipe de Bigarny.

• Retablo de la Capilla del Condestable. Catedral de Burgos.

• San Benito

• Sepulcro de Alonso de Fonseca.

• San Jerónimo de Granada.

• FELIPE DE BIGARNY

• Trascoro de la Catedral de Burgos.

• Retablo de la Catedral de Toledo.

• Sillería de coro de la Catedral de Toledo.

• DAMIAN FORMENT

• Retablo de la basílica del Pilar de Zaragoza.

Segundo tercio del siglo XVI

Epoca de mayor esplendor de la escultura renacentista española.

Formas clásicas pero dotadas del ascetismo y religiosidad propias del arte español.

Estilo agitado, cercano al manierismo

Centro principal: Valladolid

Representantes

• ALONSO BERRUGUETE (1490-1561)

• Formado en Italia.

• Doble influencia: Donatello le influye en el gusto por las formas estilizadas; Miguel Ángel le influye en el movimiento.

• Figuras de aspecto nervioso, huesudo, de expresión dramática y angustiosa.

• Movimiento impetuoso: inestabilidad.

• No se preocupa de la perfección técnica: buscaba más la expresión de los sentimientos. Rapidez de ejecución.

• Cierto manierismo: canon alargado, perfiles, helicoidales, cuerpos agitados e inestables.

• Realiza preferentemente retablos mezclando esculturas exentas y relieves.

• Retablo de La Mejorada. Olmedo.

• Retablo de San Benito. Valladolid. Retablo de la Epifanía.

• Sillería alta de coro Catedral de Toledo

• Transfiguración. Catedral de Toledo.

• Sepulcro del Cardenal Tavera, Toledo.

• JUAN DE JUNI (1507-1577)

• Origen borgoñón: fuerte dramatismo.

• Figuras de canon más bien corto.

• Rostros dramáticos y patéticos.

• Ropajes abultados que manifiestan la influencia borgoñona.

• Cuida mucho la elaboración de sus obras.

• Santo Entierro. Valladolid.

• Retablo del Santo Entierro. Catedral de Segovia.

• Virgen de los Cuchillos o de las Angustias.

Último tercio del siglo XVI

Centro artístico: El Escorial, corte de Felipe ll.

Se cuida mucho la técnica: arte académico, grandioso pero frío e impersonal.

Monumentalidad y serenidad: regreso a la belleza ideal del clasicismo frente al dramatismo anterior.

Material: mármol v bronce.

Representantes

• LEON (+1590) y POMPEYO (+1608) LEONI

• Grandes retratistas

• Carlos V venciendo al furor.

• La familia de Carlos V orante.

• La familia de Felipe orante.

• GASPAR BECERRA (+1568)

• Retablo de la Catedral de Astorga.

• JUAN de ANCHIETA (+1588).

• Su influencia perdura hasta la entrada del Barroco.

• JUAN de HERRERA (1530-1597).

• Colabora en el retablo de la iglesia del monasterio de El Escorial.

• pintura

Características

Interés por la figura humana, por la representación del espacio y de la luz.

Abandono de los rígidos esquemas medievales y búsqueda de composiciones racionales, científicamente calculadas, de las que se deriva la armonía y el equilibrio de las partes en el conjunto de la obra.

Búsqueda de tipos ideales de representación.

Los temas reflejan el creciente interés por el hombre y la naturaleza: temas religiosos (con una nueva interpretación) y profanos (retratos) enmarcados en fondos arquitectónicos o paisajísticos.

De todas las manifestaciones del Renacimiento, la pintura es la que evoluciona con mayor intensidad a lo largo de los distintos periodos.

• PINTURA en Italia Quattrocento Escuela de Florencia

Características

La pintura se independiza de la arquitectura.

Los artistas gozan de gran libertad.

Se refleja el amor por el hombre y la naturaleza.

Manifestaciones

• Pintura mural: se mantiene la tradición fresquista pero va perdiendo importancia, poco a poco.

• Pintura de Caballete: irá ganando importancia; sobre tabla y, en menos ocasiones, sobre tela; se emplean las técnicas del temple (primera mitad del siglo XV) y del óleo (a partir de la segunda mitad del siglo XV).

Temas

• Religiosos:

• La pintura sigue siendo la más importante pero deja de ser exclusiva.

• Los temas religiosos tradicionales se interpretan con el nuevo espíritu renacentista, se humanizan.

• La Virgen con el Niño es uno de los más frecuentes.

• Surgen nuevos temas como La Sagrada Conversación que representa a la Virgen entronizada acompañada de Santos.

• A veces se representan anacronismos en ambientes y vestidos.

• Mitológicos

• Son temas específicamente humanistas: los artistas se inspiran en descripciones literarias y en las obras de la antigüedad clásica.

• Se quiere exaltar los valores que representan estos temas mitológicos.

• Se da importancia al desnudo.

• Se mantienen los anacronismos igual que en los religiosos.

• Retratos.

• Alcanzan gran importancia por la influencia del humanismo e individualismo renacentista.

• Se representan los rasgos físicos y psicológicos del personaje aunque existe una cierta tendencia a la idealización.

• La figura se representa normalmente de perfil o de tres cuartos (ligeramente vuelta hacia el espectador); primero se representa sólo el busto pero más tarde será representado el cuerpo completo.

• Las figuras se colocan sobre distintos tipos de fondos: monocromos y neutros, celajes ambiguos, paisajes que no guardan relación con los personajes.

• Estilo.

• Existe entre los artistas un deseo de verdad en la representación de la Naturaleza.

• Se concede tanta importancia al tema como a la belleza de las formas.

• Se concede gran importancia al dibujo; predomina la línea sobre el color. El dibujo refleja el carácter del pintor: sereno en Fra Angélico, nervioso en Botticelli,

• Preocupación por la perspectiva: mediante ella pueden conseguir una mejor representación de la Naturaleza. Primero se utiliza una perspectiva central, de tipo lineal, con el punto de fuga excéntrico e incluso se intenta despertar la ilusión de espacios fingidos.

• A fines del siglo XV la perspectiva lineal es sustituida es sustituida por la aérea.

• Otro elemento básico es la luz y su influencia en la composición, en la perspectiva y en el color. Mediante la luz refuerzan el efecto de las líneas y los volúmenes (intentos ya realizados por Giotto).

• La figura humana es el centro de la representación: los estudios anatómicos, el intento de establecer un canon ideal de las medidas del cuerpo humano, importancia del desnudo, afán de dotar a las figuras de volumen y relieve.

• El paisaje va ganando importancia aunque lentamente. Se busca el naturalismo, pero el paisaje sigue apareciendo como un telón de fondo con una total desconexión entre él y las figuras. Sin embargo, se procura que exista una correcta proporción entre el tamaño de las figuras y el ambiente. El paisaje sirve para obtener los efectos de profundidad y para enmarcar las figuras.

• Se utilizan composiciones complicadas con varias figuras principales e incluso varias escenas en el mismo cuadro. El tema principal siempre ocupa el centro rodeado de numerosos elementos secundarios. Se mantiene una disposición simétrica de las diferentes figuras.

Representantes

• FRA ANGELICO (1387-1455)

• Profunda religiosidad: huye de lo trágico.

• Rasgos curvilíneos, finos contornos, actitudes serenas (influencias sienesas)

• Colores vivos, de gran riqueza cromático.

• Goticista: abundante uso del dorado; figuras alargadas y curvilíneas; colorido preciosista.

• Renacentista: volumen y espacio.

• Anunciación. Museo del Prado.

• Frescos del Convento de San Marcos. Florencia.

• Frescos de la capilla de Nicolás V. Vaticano.

• MASACCIO (1401-1428)

• Prescinde totalmente del goticismo.

• Carácter escultórico de las figuras: formas robustas, monumentales, llenas de dramatismo. Reencarna la monumentalidad de Giotto pero las figuras se funden mejor con el ambiente.

• Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico. Difumina los contornos y crea efectos de luz y sombra para aumentar la sensación de profundidad.

• Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra.

• Santísima Trinidad. Santa María Novella. Florencia.

• Tributo de la moneda.

• Expulsión del paraíso. Iglesia del Carmine. Florencia.

• PAOLLO UCCELLO (1396-1475)

• Preocupación por la, perspectiva.

• Colores planos y violentos escorzos.

• Batalla de San Romano.

• PIERO della FRANCESCA (1416-1492)

• Fue el primer pintor en codificar las reglas de la perspectiva.

• Emplea una luz irreal, artificial, que da al conjunto una sensación de ser algo sobrenatural.

• Figuras voluminosas sin movimiento, de rostros poco individualizados.

• Paisajes y ambientes de construcción geométrico.

• Historia de la Santa Cruz, Iglesia de San Francisco de Arezzo.

• Federico de Montefeltro.

• ANDREA DEL CASTAGNO (1419-1457)

• Efecto monumental y escultórico.

• Ultima Cena, Frescos del Convento de Santa Apolonia, Florencia.

• BENOZZO GOZZOLI (1420-1497)

• orientalismo: predominio de lo anecdótico.

• Cabalgata de los reyes. Capilla del palacio Medici. Florencia.

• VERROCHIO (1435-1488). Maestro de Leonardo

• Influencia de su trabajo como escultor.

• Bautismo de Cristo.

• FRA FILIPPO LIPPI (1406-1469)

• Humanización y refinamiento de las figuras.

• Virgen con el Niño.

• DOMENICO Ghirlandaio (1449-1494)

• Pintura narrativa y profana.

• Gran retratista.

• Un ayo con su pupilo.

• Frescos de Santa María Novella.

• SANDRO BOTTICELLI (1444-1510)

• Formación neoplatónica: intenta conjugar la mitología pagana con el cristianismo.

• Composiciones melancólicas e idealistas.

• Gran dibujante: predomina la línea sobre el color. Dibujo nervioso de línea ondulantes que forman arabescos.

• Prestó especial atención a la figura femenina.

• La Primavera

• Nacimiento de Venus.

• Virgen del Magnificat.

• Virgen de la Granada.

• Historia de Nastaglio degli Honesti. Museo del Prado.

• Escuela de Umbría

Representantes

• PERUGINO (14451-523). Maestro de Rafael.

• Figuras plegantes, suaves.

• Composiciones ordenadas, simétricas, en amplios escenarios.

• Los desposorios de la Virgen, tema que representa también Rafael.

• La entrega de las llaves a San Pedro.

• Escuela de Padua y Ferrara

Representantes

• ANDREA MANTEGNA (1431-1506)

• Muy preocupado por la perspectiva: llega a realizar frescos totalmente ilusionistas.

• Figuras casi escultóricas, monumentales, sólidas.

• Adopta puntos de vista bajos con el fin de realzar la monumentalidad.

• Realiza fuertes escorzos.

• Preferencia por los fondos arquitectónicos mientras que los paisajes son muy esquemáticos.

• Transito de la Virgen. Museo del Prado.

• Cristo muerto. Pinacoteca de Brera. Milán.

• Frescos de la cámara de los Esposos. Palacio Ducal. Mantua.

• Escuela de Venecia

Características

• Concede primacía a la luz y al color frente al dibujo.

• Quiere reflejar el ambiente lujoso de la sociedad veneciana del siglo XV.

Representantes

• GENTILE BELLINI (14291507)

• Introdujo la técnica del óleo sobre tela.

• Pintura de carácter costumbrista y descriptivo: la figura humana tiene un valor secundario.

• Procesión en la plaza de San Marcos.

• GIOVANNI BELLINI (1430-1516)

• Gran retratista.

• Los modelos presentan una visión fragmentada.

• Influenciado por Mantegna.

• La oración en el huerto.

• CARPACCIO (1460-1526)

• Minuciosidad.

• Historia de Santa Ursula.

• ANIMIELLO de MESSINA (1430-1479)

• Llega a captar la transparencia del aire.

• En sus retratos equilibra el realismo flamenco con el sentido de las formas y de las proporciones típicamente italianos.

• Autorretrato. San Sebastián.

• Cinquecento

Características

Momento culminante en la pintura del proceso renacentista. Se alcanza la síntesis entre el mundo clásico y el cristianismo.

Se rinde culto a la belleza manifestada a través del equilibrio, la grandiosidad y el orden.

El ideal de belleza encuentra su manifestación más importante en el desnudo humano, sobre todo en el femenino.

Se busca la simplificación de los temas eliminando Io anecdótico.

Composiciones piramidales o geométricas: una sola escena de pocas figuras monumentales o bien destacan la escena y la figura principales.

Predomina el color sobre el dibujo.

Se utiliza la perspectiva aérea: los contornos de las figuras más alejadas parecen disolverse en la atmósfera.

Se concede importancia a la luz y a la sombra: la luz tiende a borrar el perfil de las figuras.

Las figuras pierden el carácter escultórico anterior.

Se alcanza un rico y variado movimiento.

Los paisajes ofrecen grandes matizaciones por los efectos de luz. Las arquitecturas alcanzan también una gran monumentalidad, aunque se emplean no tanto como fondo sino para realzar la monumentalidad de las figuras.

Gran auge del retrato tanto físico como psicológico.

• Escuela florentino-romana

• LEONARDO DA VINCI (1452-1519)

• Prototipo del hombre del Renacimiento: humanista y polifacético, destacó principalmente como pintor trabajando en Florencia, Roma, Milán y Francia en donde muere.

• Se inició en el taller de VERROCHIO e incluso colaboró en algunas obras de su maestro (Bautismo de Cristo) .

• A pesar de partir del estudio directo, de la experimentación, llega a alcanzar una concepción ideal y arquetípica. Parte del principio de que la pintura no puede alcanzar el ideal de belleza si no deriva de un sistema compositivo integral sometido a reglas y normas. Plantea la necesidad de una síntesis de todos los componentes de la pintura: composición, perspectiva, proporción, luz y color.

• Creador del “sfumato” o “difuminado” los perfiles se desdibujan fundiéndose figuras y espacio en una misma atmósfera. Esto se consigue mediante el paso gradual de la luz a las sombras, de los colores vivos a los apagados. El contraste de luces y sombras da volumen a las figuras. Para Leonardo toda cosa lejana al pintor debe ser considerada como inmersa en el aire, el cual tiende a dulcificar los contornos, a fundir las masas, a tonalizar el color.

• Composiciones piramidales en las que las figuras aparecen totalmente relacionadas entre sí.

• Estudia las figuras humanas tanto psicológica como anatómicamente. Representa una gran variedad de tipos y movimientos.

• Los rostros presentan una dulce y enigmática sonrisa.

• Su concepción del claroscuro como una lenta fusión del negro y del blanco y no como una lenta gradación de tonos coloreados, será el origen del tenebrismo barroco.

• Anunciación.

• San Jerónimo.

• Adoración de los Magos.

• Virgen de las Rocas

• La Última Cena. Convento de Santa María de las Gracias. Milán.

• Santa Ana, la Viren y el Niño.

• La Gioconda, Museo del Louvre. Mejor ejemplo del sfumato

• MIGUEL ANGEL (1475-1564)

• Muy influido por su carácter de escultor.

• Predominio dibujo: volúmenes netos y bien definidos.

• El tema básico es la figura humana

• Gran fuerza tanto física como espiritual.

• modelos de formas

• Gran interés por la anatomía.

• Gestos dramáticos: TERRIBILITÁ

• gran variedad de actitudes prefiriendo las que manifiestan un equilibrio

• Dinámico, los escorzos; dinamismo, riqueza de movimientos.

• Elimina casi totalmente el paisaje,

• Prepara el camino para el Manierismo.

• Sagrada Familia,

• Bóveda de la Capilla Sixtina: en la parte inferior ha dispuesto figuras de profetas y sibilas; en la parte central de la bóveda se representan escenas del Antiguo Testamento.

• Juicio Final de la Capilla Sixtina.

• RAFAEL SANZIO DE URBINO (1483-1520)

• Aúna el realismo y el idealismo.

• Figuras con gestos de dulzura Y elegancia.

• Dibujo preciso y colores claros.

• Recibió influencias de PERUGINO, LEONARDO y MIGUEL ANGEL.

• Primera etapa (1499-1504).

• Influencia de Perugino.

• Figuras blandas, de suave modelado y mirada ensoñadora.

• Composiciones simétricas y ordenadas en amplios escenarios.

• Desposorios de la Viren.

• El sueño de un caballero.

• Segunda etapa: Florencia (1504-1508).

• influencia de Leonardo, uso del sfumato,

• Colores cada vez más suaves y transparentase,

• Temas: Virgen con el Niño, Virgen de aspecto melancólico con fondos de paisajes.

• Retratos: idealización.

• Sagrada Familia del Cordero. Museo del Prado.

• Virgen del Gran Duque.

• La Bella Jardinera.

• Mujer con unicornio.

• Magdalena Doni.

• Tercera etapa: Roma (1508-1520).

• Influencia de Miguel Angel. Figuras más robustas y monumentales.

• Composiciones amplias de grandes espacios.

• En los retratos fusiona la figura con la atmósfera difuminando los contornos.

• Frescos del Vaticano

• Sala de la Segnatura: Escuela de Atenas,

• Disputa del Sacramento.

• Sala de Heliodoro:

• Liberación de San Pedro.

• Expulsión de Heliodoro.

• La Misa de Bolsena.

• Sala del Incendio:

• El incendio del Borgo.

• Logias.

• Virgen del Pez.

• Sagrada Familia del Roble.

• El Cardenal. Museo del Prado.

• Escuela de Parma

• CORREGIO (1489 -1534)

• Figuras delicadas, sensuales: preferentemente mujeres y niños.

• Colores claros envueltos en una luz blanquecina.

• Violentos escorzos: movimiento, inestabilidad.

• Puede ser considerado como un pintor manierista. Ilusionismo pictórico que influirá en el Barroco.

• Noli me tangere. Museo del Prado.

• Frescos de la cúpula de San Juan. Parma

• Ganimedes.

• Júpiter e Io.

• Escuela de Venecia

• Su característica distintiva es el predominio del color sobre la línea y el dibujo. Tonos cálidos y brillantes aplicados en pinceladas anchas que desdibujan los contornos.

• Grandes y lujosos escenarios: se concede la misma importancia al tema principal que a los detalles secundarios.

• Exaltación de la riqueza veneciana.

• Anacronismos.

• IL GIORGIONE, (1447-1510)

• Iniciador de la escuela veneciana del siglo XVI.

• Parte de la ejecución directa de los cuadros, sin hacer dibujo previo.

• Funde la luz y el color el claroscuro lo consigue mediante las tonalidades no mediante el contraste del blanco y el negro.

• Representa con frecuencia el desnudo femenino, introduce el tema de Venus en reposo.

• Gran protagonismo del paisaje el que se integra la figura humana.

• Preocupación por la atmósfera que rodea a las figuras de un cierto aire de misterio

• Revaloriza los detalles.

• Virgen de Castelfranco.

• La tempestad.

• El concierto campestre

• Venus dormida.

• TIZIANO (1490-1576)

• Principal representante de la escuela veneciana. Fue el pintor más estimado por Carlos I.

• Gran colorista: el color es el elemento principal del cuadro. Emplea muchos tonos de pocos colores.

• Evoluciona desde su inicial preocupación por el color y los contrastes lumínicos hasta su preocupación por el movimiento, la perspectiva y los contraste: de luces y sombras.

• También evoluciona su tipo de pincelada: de una pincelada uniforme a otra pastosa y que parece deshacer las formas. Al final de su vida las pinceladas son casi impresionistas. El color y la luz eliminan el dibujo.

• Idealiza las figuras: formas blandas y redondeadas.

• En sus composiciones abundan las diagonales y las formas ondulantes (serpentinatas). Anticipa el Barroco.

• Reproduce un ambiente lujoso.

• Retratos:

• Son una de sus facetas más destacadas.

• Crea los tipos de retrato oficial: de tres cuartos, ecuestres, sedentes.

• Posturas elegantes y refinadas.

• Importancia de los elementos secundarios.

• Capta la de los personajes.

• Carlos V en la batalla de Mühlberg. Museo del Prado.

• Felipe II Museo del Prado.

• Isabel de Portugal, Mº del Prado.

• Autorretrato.

• Religiosos

Llega a alcanzar un profundo dramatismo.

• Ecce Homo

• Entierro de Cristo. Mº del Prado

• La coronación de espinas

• La Asunción.

• Mitológicos:

Trata los temas con sensualidad: desnudos femeninos de formas llenas y coloridos cálidos.

• Bacanal. Mº del Prado.

• Venus y la música. Mº del Prado.

• Venus y el Amor.

• Danae.

• Venus de Urbino.

• EL VERONÉS (1528-1588)

• Es el que mejor capta el lujo y la fastuosidad de Venecia.

• Monumentales escenarios arquitectónicos.

• No concentra la atención en el tema principal debido a la gran importancia que otorga a lo anecdótico.

• Gran colorista: prefiere los tonos gris plata a los colores intensos.

• Reproduce la vida veneciana incluso cuando trata temas religiosos.

• Jesús ante los doctores. Mº del Prado.

• Bodas le Canaa

• Moisés salvado de las aguas, Mº del Prado.

• Joven entre el vicio y la virtud.

• Susana y los viejos. Mº del Prado.

• TINTORETO (1518-1594)

• Busca más lo expresivo que la belleza formal.

• Mezcla el colosalismo y dramatismo de Miguel Angel y el color de Tiziano.

• Se caracteriza por las luces violentas, los contrastes de luz los escorzo forzados, las actitudes violentas e inestables, las insólitas perspectivas, el movimiento, las composiciones en diagonal.

• Los cuadros están llenos de luces centelleantes.

• Perfila las figuras con lo que consigue captar mayor relieve y patetismo en las figuras.

• Anticipa en muchos aspectos al Barroco.

• El lavatorio Mº del Prado Milagro de San Marcos.

• Hallazgo del cuerpo de San Marcos.

• Judith y Holofernes.

• Bautismo de Cristo.

• Venus y Vulcano.

• Baco y Ariadna.

• Caballero de la cadena de oro.

• Familia de los BASSANO

• Gusto por lo anecdótico: el tema principal queda reducido un simple pretexto (tenebrismo).

• Efectos del claroscuro, origen del tenebrismo barroco.

• El arca de Noé. Mº del Prado.

• La adoración de los pastores. Mº del Prado.

• Manierismo

Caracteres Generales

Surge a fines del último tercio del siglo XVI prolongándose hasta el primer decenio del siglo XVII, fue juzgado peyorativamente hasta su revalorización por la crítica del siglo XX.

Es el arte de una época de crisis refleja la y profundas contradicciones: refleja la crisis religiosa y política de fin de siglo.

Su nombre deriva de la expresión italiana “alla maniera de ...” ya que los artistas de esta corriente intentan imitar el estilo o “maniera” de los grandes maestros renacentistas, pero amanerando y exagerando sus formas.

Supone el rechazo del ideal de belleza del Renacimiento: se abandona la serenidad, el equilibrio. La claridad compositiva del periodo anterior.

Estilo subjetivo, artificioso, resultado de una elaboración intelectual. Esto hace que los destinatarios de este arte sean los cortesanos e intelectuales pues resultaba demasiado complicado y de difícil comprensión para el pueblo.

No toma sus modelos de la realidad sino de los grandes maestros anteriores. Por eso cae en un profundo conceptualismo e irrealismo.

Resalta lo emocional, la expresividad y el dramatismo,

Las figuras presentan ritmos ondulantes, son alargadas y esbeltas con violentos escorzos y posturas inestables. Aparecen deformadas con el fin de aumentar su expresividad.

Las composiciones rompen con la perspectiva renacentista y con la disposición, equilibrada; preferentemente desplazan el tema principal hacia un rincón o hacia el fondo; resultan inverosímiles e inusitadas.

Colores arbitrarios: vivos, estridentes, fríos.

La luz resulta extraña y convencional.

• ANDREA DEL SARTO (1486-1531)

• Predilección por las formas angulosas y picudas.

• Tiende a las composiciones PIRAMIDALES.

• Virgen de las arpías.

• JACOPO PONTORMO (1494-1556)

• Figuras alargadas de actitudes forzadas.

• Atmósfera fantástica y misteriosa.

• Rompe la unidad de acción desarrollando varias acciones simultáneamente.

• Sagrada Familia.

• BRONZINO (1503-1572)

• Formas estilizadas y elegantes.

• Retratos.

• PARMIGIANINO (1503-1540)

• Formas desmesuradamente alargadas.

• Perspectivas insólitas.

• Estilo refinado y e ante

• Virgen del cuello largo.

• Dama con tres niños.

• FEDERICO BAROCCI (1535-1612)

• Escorzos, movimiento.

• Efectos lumínicos, colorido claro y rico.

• Nacimiento de Jesús.

• PINTURA EN España

Características generales.

Epoca de escaso valor para la pintura española. Muchos críticos consideran a este periodo como una época de transición al Barroco.

Pervivencia de las formas flamencas, profunda religiosidad y escaso arraigo de las formas renacentistas. Pocos artistas españoles van a formarse a Italia y escasos los italianos que vienen a trabajar a España.

Los temas son casi exclusivamente religiosos: se da más importancia al contenido religioso que a la belleza formal. Se quiere mover la devoción del pueblo.

Los temas profanos, los mitológicos y el desnudo apenas se desarrolla .

En el último tercio del siglo se produce un auge del retrato cortesano y el incremento del apasionamiento religioso típico de la Contrarreforma española.

Tendencia al realismo.

Se sigue utilizando el óleo sobre tabla. En el último tercio del siglo se emplea el lienzo. La pintura al fresco tiene poca difusión.

Primer tercio del siglo XVI.

Los pintores están muy influenciados por la pintura flamenca; sólo se incorporan algunos elementos decorativos del Renacimiento.

Influencia de Leonardo de Vinci y los venecianos

Hay que considerar a PEDRO BERRUGUETE como maestro del transición: combina elementos renacentistas en las arquitecturas y la preocupación por la luz con otros elementos góticos como la minuciosidad.

Ya a finales del siglo XV aparecen artistas como RODRIGO DE OSONA (padre e hijo) y PAOLO DE SAN LEOCADIO (Virgen del Caballero de Montesa) en los que se aprecia un avance de la influencia de las formas quattrocentistas.

• FERNANDO YÁÑEZ DE LA ALMEDINA (+1536)

• Influido por Leonardo en cuanto a los tipos humanos, los paisajes y el claroscuro y por los venecianos, especialmente por Giorgione en cuanto al colorido.

• Modelos de majestuosa belleza.

• Dibujo firme: tiende a la monumentalidad.

• Fondos arquitectónicos bramantescos.

• Contornos difuminados.

• Composiciones claras y ordenadas.

• Santa Catalina. Mº del Prado.

• Sagrada Familia.

• Puertas del Retablo. Catedral de Valencia. En colaboración con FERNANDO (HERNAN DO) LLANOS.

• JUAN DE BORGOÑA (+1535)

• Figura de canon alargado.

• En los fondos alterna los paisajes o arquitecturas renacentistas con artesonados mudéjares o fondos de oro.

• Frescos de la Sala Capitular. Catedral de Toledo.

• Frescos de la Capilla Mozárabe. Catedral de Toledo.

• ALEJO FERNÁNDEZ (+1545)

• Se aprecia en sus obras una triple influencia: italiana, en las arquitecturas y los espacios claramente ordenados; flamenca, en el detallismo; alemana, en las expresiones violentas.

• Emplea abundantemente el oro.

• Adoración de los magos.

• Flagelación de Cristo. Mº del Prado.

• Ecce Homo.

• Virgen de los Navegantes, de canon alargado y muy tardío

Segundo tercio del siglo XVI.

Pierde fuerza el detallismo flamenco.

Se introduce la influencia de Rafael y del manierismo

• JUAN DE JUANES (+1579)

• Difunde el estilo rafaelesco continuando así la labor de su padre, Vicente Masip: formas dulces, idealización, composiciones equilibradas.

• Contornos difuminados.

• A veces cae en el manierismo.

• Conserva en algunas ocasiones el uso de los dorados.

• Representa un arte religioso y sentimental: gran aceptación popular.

• Introduce temas nuevos: el Salvador con la Sagrada Forma, la Inmaculada.

• Santa Cena. Mº del Prado,

• Escenas de la vida de San Esteban. Mº del Prado

• Ecce Homo. Mº del Prado.

• ALONSO BERRUGUETE

• PEDRO MACHUCA

• LUIS DE MORALES, EL Divino (+1585)

• Mezcla el detallismo flamenco con el difuminado leonardesco de los contornos.

• Es el Principal manierista español: figuras alargadas de formas rígidas, colores fríos (grises, azules, blancos plomizos, etc. ).

• Temas religiosos.

• Introduce nuevos temas:

• Virgen con el Niño; sensación de misticismo, rostro alargado, barbilla puntiaguda, tez pálida, .

• Ecce Homo.

• Piedad: figuras de gran patetismo.

• Virgen con el Niño. Mº del Prado.

• Presentación del Niño en el templo. Mº del Prado.

Ultimo tercio del siglo XVI.

Se produce una intensificación de la pintura. Más cantidad que en calidad, debido a la acción protectora de Felipe II que reúne a un gran numero de artistas españoles e italianos para trabajar en El Escorial.

Introducción de las formas manieristas al servicio de la religiosidad.

Se combinan las actividades de los decoradores al fresco de grandes edificios y de retratistas al servicio de Felipe II. Junto a estos pintores destaca la gran figura de EL GRECO.

Pintores al fresco

• Aunque se concentra su labor en el Monasterio de El Escorial, también es importante la decoración de otros edificios tanto civiles como religiosos.

• Entre otros edificios destacan:

• Palacio de El Viso del Marqués (Ciudad Real), decorado por los italianos PEROLI con temas alegóricos y de batallas.

• Palacio del Duque de Alba (Alba de Tormes).

• GASPAR BECERRA (1520-1570)

• Tiene también una importante labor como escultor (Retablo de la Catedral de Astorga).

• Relacionado en Italia con VASARI y VOLTERRA.

• Trata temas mitológicos, poco utilizados en España.

• Estancias del Palacio de El Pardo (Madrid). Están decoradas con historias sobre Perseo.

Maestros de El Escorial

• Trabajan tanto artistas italianos como españoles.

• Italianos

Aportan un fuerte manierismo de carácter florentino y romano.

• NICOLAS GRANELLO (+1593) y FABRICIO CASTELLO (+1617)

• Usan abundantemente los temas pompeyanos.

• Sala de Batallas

• Salas Capitulares.

• Sacristía

• LUCA CAMBIASO (15271586)

• Aporta la influencia de Miguel Ángel

• Grandes decoraciones.

• Bóvedas de la Capilla mayor y del Coro.

• FEDERICO ZÚCCARO (+1609)

• Mezcla las figuras influidas por Miguel Angel con los contrastes cromáticos propios del Manierismo.

• Retablo Mayor en colaboración PELLEGRINO TIBALDI.

• PELLEGRINO TIBALDI (+1596)

• Mejor representante del Manierismo en El Escorial.

• Colabora en el Retablo Mayor. Biblioteca y Claustro.

Españoles

• JUAN FERNANDEZ “El Mudo” (+l 579)

• En Italia, trabaja con Tiziano con el que aprende la importancia del color.

• Anuncia el naturalismo y el tenebrismo por lo que puede ser considerado como introductor del primer Barroco español.

• Martirio de Santiago.

• Adoración de los pastores.

Retratistas

• Los retratos cortesanos, tal vez lo más positivo de la pintura de Felipe II, tenla un valor funcional de tipo político: eran enviados a las Cortes europeas como testimonio de la perdurabilidad de la dinastía y para concretar posibles bodas.

• Con estos retratos se crea una tradición y se fijan unos tipos que estarán en vigor durante toda la dinastía de los Austrias.

• Retrato a pie, de tres cuartos, junto a mesa o silla: aspecto frío, altivo, hierático.

• Se impulsa con ellos el carácter realista y objetivo de nuestra pintura frente al manierismo que se había introducido en España y que tendía a una intensa idealización.

• Influencias de los grandes retratistas europeos, especialmente de ANTONIO MORO, en cuanto a la objetividad en la representación de los personajes; también encontramos en ellos influencias venecianas en cuanto al colorido y a la pincelada suelta.

• ALONSO SANCHEZ COELLO (+1588)

• Pintor oficial de la Corte y retratista preferido de Felipe II.

• Influenciado por Antonio moro y Tiziano.

• Centra su atención en el rostro de los personajes intentando expresar la psicología de los mismos.

• Los trajes, joyas, etc., son tratados con gran precisión pero sin llegar a la minuciosidad y al detallismo flamenco. Refleja la austeridad en el vestir propia de la Corte de Felipe II.

• El personaje aparece de pie, de tres cuartos, junto a una mesa o sillón sobre los que apoya una mano mientras que con la otra sostiene algún objeto (guante, joya, etc.).

• Las figuras se sitúan sobre fondos neutros.

• No pinta jerarquías sino individuos: personajes de gran dignidad y sencillez.

• Príncipe D. Carlos. Mº del Prado.

• Isabel Clara Eugenia. Mº del Prado.

• JUAN PANTOJA DE LA CRUZ (+l 608)

• Discípulo de Sánchez Coello, le sustituyó como retratista de Felipe II y fue nombrado pintor de cámara de Felipe III.

• Presta más importancia a lo decorativo que a los rostros de los personajes.

• Su decorativismo es reflejo del deseo de lujo de la corte de Felipe III.

• Coloca a las figuras sobre cortinajes que crean espacios amplios.

• Reina Dª Margarita. Mº del Prado.

• Caballero de Santiago. Mº del Prado.

• DOMENICO THEOTOCOPULOS, “El Greco” (1541-1614)

• Natural de Candía (Creta). influencia bizantina

• Se traslada a Italia: Venecia (1567-1570) y Roma (1570-1577). Aquí pierde su carácter medievalista por la influencia de las ideas renacentistas.

• En 1577 llega a España. Por encargo de Felipe II realizada distintas obras: Alegoría de la Santa Liga y El martirio de San Mauricio, pero no le gustan al rey y El Greco se traslada a Toledo en 1579, donde residirá definitivamente. Aquí se impregna del misticismo castellano y esto influirá fuertemente en su estilo.

• Muy popular en su tiempo, su obra será revalorizada en el siglo XIX por los pintores románticos.

• Culto, muy religioso, no se sometía a los convencionalismos de su época.

Etapas

• Cretense

Se forma en contacto con los iconos bizantinos lo que explica la estilización y abstracción que siempre se apreciaran en su obra.

• Adoración de los Magos

• Políptico de Módena.

• Italiana

Recibe la influencia. De los venecianos, principalmente de Tiziano (trabajó en su taller) y Tintoreto. Posteriormente se verá influenciado por Miguel Ángel y algunos manieristas.

Figuras robustas, fondos arquitectónicos, colores cálidos

Acumula las figuras en una zona del cuadro mientras que otros espacios quedan prácticamente vacíos.

• Expulsión de los mercaderes

• Anunciación Mº del Prado.

• Española.

Adopta un manierismo muy personal: su técnica se basa en las manchas de colores y los efectos de la luz.

Rompe con el dibujo aplicando el color a base de pinceladas muy libres.

Los personajes se desmaterializan y espiritualizan poco a poco.

• Se sacrifica la anatomía y las proporciones en beneficio de la expresividad. Refleja el misticismo castellano.

• Figuras alargadas, estilizadas, distorsionadas, como si los cuerpos adquiriesen un efecto llameante.

• Actitudes inestables, escorzos fuertes y atrevidos.

• Ropajes amplios que flotan en el aire.

Suprime los paisajes sustituyéndoles por celajes a base de caos tormentosos.

Composiciones manieristas muy dinámicas con tendencia a impulsar los gestos y los cuerpos hacia lo alto. Los cuadros aparecen divididos en dos sectores: el celestial y el real. Representa varias escenas en un mismo cuadro; los cuadros poseen varios centros de atención.

En su colorido predominan las gamas frías (grises, verdes y azules), los carmines, los amarillos.

Utiliza luces artificiales, que no proceden de un foco bien definido, con fuertes contrastes lumínicos.

Se le puede considerar como un auténtico precursor del Barroco.

• Temas religiosos:

Son los más abundantes, a veces existen varias versiones de un mismo tema.

Profunda espiritualidad.

• Retablo de Santo Domingo el Antiguo. Toledo.

• La Trinidad. Mº del Prado. Procede del retablo anterior.

• Sueño de Felipe II.

• El expolio

• Martirio de San Martín

• San Sebastián.

• El entierro del Conde de Orgaz. Iglesia de Santo Tomé. Toledo.

• Coronación de la Virgen. Mº del Prado.

• Bautismo de Cristo. Mº del Prado.

• Pentecostés. Mº del Prado.

• Adoración de los pastores. Mº del Prado.

• Resurrección.

• Apostolados.

• Retratos.

Resalta el carácter espiritual del personaje mediante el gesto, las manos y, especialmente, la mirada.

Se despreocupa de los detalles concentrando la atención en el rostro.

Alcanza un mayor que en la pintura religiosa.

Consigue un aire aristocrático, de noble dignidad.

Acentúa la asimetría para ganar expresividad.

Representa las figuras preferentemente de busto o de medio cuerpo.

• Cardenal Niño de Guevara.

• Caballero de la mano en el pecho

• Mº del Prado. Jerónimo de Ceballos. Mº del Prado.

• Paisajes.

Tema poco tratado; les da un aspecto casi surrealista.

• Vista de Toledo.

• Laoconte.

• Pintura europea

La pintura italiana se difundió por Europa gracias a los viajes de los artistas italianos a Europa y más tarde, de los artistas europeos a Italia. También por medio de los grabados, ahora en plena expansión.

Gran influencia de Leonardo, Rafael, Miguel Angel, los venecianos y los manieristas.

• Francia

Aunque ya había ciertos elementos ornamentales renacentistas mezclados con elementos góticos en los últimos años del siglo XV, no será hasta el primer tercio del siglo XVI cuando el Renacimiento alcance un mayor desarrollo en Europa.

Epoca culminante es el reinado de Francisco I.

Debido a la presencia en Francia de artistas italianos como Leonardo, Andrea del Sarto, Primaticcio o Rosso, surge la llamada ESCUELA DE FONTAINEBLEAU que realiza una pintura refinada, de temática alegórica y mitológica.

A esto hay que añadir, en sucesivos reinados la influencia de retratistas como Antonio Moro, siempre mezclada con la de los manieristas.

• JEAN CLOUET (1490-1541)

• Retrato de Francisco I.

• FRANCOIS CLOUET (+1572)

• Retrato de Carlos IX.

• Alemania

El carácter fuertemente expresivo del pueblo alemán impidió el desarrollo del idealismo italiano.

La reforma desarrolló una iconografía más limitada que la católica: temas de la vida de Cristo.

• MATIAS GRÜNEWALD (1460-1528)

• Se aleja de la belleza formal buscando las expresiones trágicas y los gestos violentos.

• Más expresionista que clasicista.

• Retablo de Isenheim.

• ALBERTO DURERO (1471-1528)

• Perfecto humanista: dibujante, grabador, tratadista, estudioso de la perspectiva y del cuerpo humano y sus proporciones.

• Es el mejor representante alemán del clasicismo italiano.

• Muy influido por Erasmo y sus ideas religiosas y de crítica social.

• Adán y Eva.

• Autorretrato. Mº del Prado.

• Los cuatro apóstoles.

• HANS HOLBEIN, el Joven (1497-1543)

• El mejor retratista alemán: atiende tanto al aspecto físico como al psicológico del personaje.

• Gran influjo en Inglaterra, país en el que vivió bastante tiempo.

• Erasmo.

• Enrique VIII.

• Tomás Moro.

• Paises Bajos

Se mantienen las técnicas flamencas pero se introducen modelos italianos.

• QUINTIN METSYS (1466-1530)

• Tiende a lo caricaturesco tanto en lo religioso como en lo profano.

• Los improperios. Mº del Prado.

• El cambista y su mujer.

• JOACHIM PATINIR (1480-1524)

• Paisajes de aspecto irreal: gama fría de colores plateados.

• Tentaciones de San Antonio. Mº del Prado.

• La laguna Estigia. Mº del Prado.

• PIETER BRUEGHEL, EL Viejo (1529-1569)

• Aparece como un continuador de la sátira social de El Bosco.

• Desarrolla una pintura de género que refleja las costumbres de los aldeanos y que tendrá gran importancia en el Barroco.

• Triunfo de la muerte. Mº del Prado.

• Danza de aldeanos.

• Banquete de bodas.

• ANTONIO MORO (1519-1576)

• Gran retratista: busca tanto los detalles como la psicología de los personajes

• Influye en los retratistas europeos, especialmente en los españoles.

• María Tudor.




el barroco

• concepto

El origen de la palabra barroco es relativamente moderno; surge en los siglos XVIII y XIX con un carácter peyorativo, aplicado al sentido arquitectónico originado de la libre interpretación de las formas clasicistas del Renacimiento.

Etimológicamente parece derivar de Baroco, modo del silogismo (4º modo de la 2ª figura) o de barueco, perla irregular o defectuosa, o de Barocci, artista de fines del manierismo.

A pesar de este matiz despectivo, los historiadores siempre se han preocupado por definir este concepto, aunque las definiciones sólo subrayan aspectos parciales del tema. Según WOLFFLIN es la evolución de las formas manieristas. Para WEISBACH es el arte de la Contrarreforma definido por los jesuitas. Para Eugenio D'Ors es una constante histórica que se da en diferentes épocas. Para Focillon es la tercera clase de todo estilo (preclásico, clásico, barroco).

Normalmente se entiende por Barroco el arte surgido en Italia a finales del siglo XVI y que se extenderá por Europa a lo largo del XVII e incluso en los primeros años del XVIII, con un criterio propio y realizaciones diferentes según los países.

Surge además como manifestación del poder absolutista y también del poder de la Iglesia, lo cual se va a incrementar con el desarrollo del movimiento de la Contrarreforma, cuyo fin inmediato es exaltar la fe y la jerarquía. Las nuevas órdenes religiosas se convierten en portavoces de estas ideas. Se canonizan nuevos santos con lo que surgen nuevos temas.

• características

El paso del Renacimiento al Barroco significa el paso de lo claramente delimitado, lineal o plástico a lo menos delimitada, incluso a veces completamente borroso; de la forma cerrada a la forma abierta, de la claridad absoluta a la claridad relativa, de lo estático a lo dinámico.

El Barroco es el movimiento, lo profuso. La arquitectura, pintura y escultura se funden en una verdadera simbiosis de artes hasta el punto de que el ojo humano no sabe distinguir donde empieza uno y termina el otro.

Sin embargo, el barroco no progresará técnicamente en ninguna de las artes. En arquitectura se mantiene el esquema del siglo anterior: columnas con basa, capitel, entallamiento o arco. En pintura se siguen representando las figuras con fingimiento de realidad al que contribuye la perspectiva lineal, la aérea, o el claroscuro. En escultura se siguen los principios figurativos anteriores y los mismos materiales, mármol y bronce especialmente.

Frente al reposo, medida, cálculo, orden propios del Renacimiento, el Barroco será movimiento, gusto por el efecto y los contrastes, por lo escenográfico y teatral. Estos aspectos se manifestarán en todas las artes.

• Arquitectura

• características

según Wolfflin las más importantes son:

• Los edificios aparecen llenos de movimiento. Las fachadas planas se combinan con las curvas e incluso a veces aparecen como mixtilíneas. Las fachadas curvas mezclan asimismo las formas cóncavas con las convexas.

• Los elementos arquitectónicos adquieren extraordinaria potencia. Afán de teatralidad.

• Se utilizan atlantes, cariátides, grandes columnas y pilastras, soportando cubiertas generalmente abovedadas.

• Abundan las cúpulas que asombran por sus dimensiones. Su grandeza aumenta al pintarse en ellas composiciones celestes.

• La superposición de órdenes se sustituye por el orden colosal o gigante.

• Aparece la columna salomónica, girando en un movimiento frenético.

• Se evitan las formas planas, tendiéndose a las curvas para aumentar el efecto de claroscuro y, por tanto, de profundidad. Esto además se intensifica con la construcción de profundos nichos y salientes cornisas.

• La decoración se hace muy abundante, tanto de tipo vegetal como geométrico, destacando las “placas recortadas”, pegadas a la pared y recordando a la decoración colgante. La decoración llega incluso a tapar los elementos constructivos y a veces estos mismos se convierten en decorativo.

• Se huye de la fisión frontal de los edificios ya que estos con sus torres, sus cuerpos escalonados, sus columnas, se contemplan mejor con una visión lateral.

• Hay una gran preocupación por el urbanismo que busca el efecto de perspectiva, es un espacio abierto, al fondo del cual se coloca un edificio (antecedente la plaza del Capitolio de Miguel Ángel). Se desarrolla la ciudad a base de calles anchas y rectas que confluyen en forma de tridente en una apariencia vertical para los diferentes puntos de vista (plaza del Popolo o plaza de San Pedro en Roma). Otras veces se arbitran monumentales escaleras que unen planos distintos de la ciudad (plaza de España en Roma, escalera de la catedral de Gerona). Las fachadas se conciben según el punto de vista exterior de la ciudad y a veces una misma fachada monumental cubre varias casas.

También hay una gran preocupación urbanísticas por los jardines cuyo trazado geométrico completa la decoración de los edificios (palacio de Versalles).

• Los templos adquieren gran importancia por la necesidad de buscar el mayor espacio interior posible.

Se quiere dar al templo un carácter simbolista: las columnas y la cúpula representan la estabilidad de los dogmas fundamentales de la Iglesia, mientras que la decoración y el empleo espectacular de la luz crean un ambiente apto para la persuasión y el fervor religioso que tiene mucho que ver con la escenografía teatral de la época. Contrasta con la sencillez de los templos protestantes.

• Planta

De una sola nave, amplia con otra transversal y altares en los muros laterales. Modelo: iglesia de Gesú de Vignola en Roma.

• Basilical

• Central: elípticas, circulares, mixtilíneas. El modelo principal es la de San Carlino alle Quatre Fontane de Borromini (Roma). Hay una preferencia por la planta oval.

• Cúpula

Es la cubierta más típica y actúa como foco de luz que contrasta con la penumbra de las naves laterales. Las formas son curiosas: a veces se adaptan a la planta, a veces son totalmente diferentes para dar una mayor sensación de espacio. Su decoración combina a veces la pintura y la escultura creando una sensación de espacio ilusionista e ilimitado (Trompe l'oeil).

• Fachada

Guarda siempre relación con el conjunto urbano pero no siempre con el interior. Se marca la parte central por medio de un frontón, un pórtico o unas columnas adosadas. Sobre todo ello destaca la cúpula como efecto de perspectiva. Se van haciendo cada vez mas curvas como la de Santa Inés de la plaza Nabonna de Borromini. Incluso alternan lo cóncavo y lo convexo (contracurva) como en San Andrea del Quirinal de Bernini.

• Materiales

Piedra y ladrillo. En los interiores se utiliza mármol de color, bronce dorado, lapislázuli y estuco. Todo ello crea grandes efectos cromáticos.

• Los palacios se desarrollan dentro de la ciudad pero siempre abiertos a un jardín como el palacio de Barberini de Bernini en Roma. El patio suele estar en un lateral con lo que se aumentan los puntos de perspectiva. Su unión con el urbanismo, su movimiento, sus caracteres son semejantes al resto de la arquitectura. El modelo más representativo es el de Versalles.

• italia

Se distingue por la tendencia a lo decorativo con más profusión que en el resto de Europa. También por el empleo de la columna tanto como elemento constructivo, decorativo e incluso para crear efectos de perspectiva. Bernini introduce la columna salomónica de origen helenístico, aunque atribuida a Salomón. Antecedentes: Persistencia de la sobriedad del Renacimiento.

• Vignola

Iglesia del Gesú de Roma

• Giacomo de la Porta

Fachada de la Iglesia del Gesú. Fachada típica: calle central alta, calles laterales más bajas unidas a la central por los aletones.

• Carlo Maderna

Clasicista. Termina la Basílica del Vaticano: planta de cruz latina, fachada de orden colosal rematada por un ático con estatuas. Altera la obra de Miguel ángel y quita perspectiva a la cúpula.

• BERNINI

Arquitecto, escultor, pintor y urbanista. Refleja perfectamente el espíritu de la Contrarreforma. Clasicista, su mejor rasgo barroco es buscar el movimiento y los efectos ópticos.

• Baldaquino de San Pedro: columnas salomónicas.

• Palacio Barberini: las ventanas superiores imitan una bóveda de cañón: efecto Trompe l'oeil.

• San Andrea del Quirinal

• Columnata Vaticana: plaza elíptica cerrada por cuatro filas de columnas. Sentido simbolista: Iglesia que acoge a los cristianos. Estudio de perspectiva.

• BORROMINI

Plenamente barroco. Utiliza plantas y formas decorativas inverosímiles. El ilusionismo compensa su escasez de medios.

• San Ivo: curvas y contracurvas tanto en planta como en alzado. Hasta la cúpula remata en un pináculo espiral.

• Santa Inés.

• San Carlos: planta elíptica, pareces curvas para aprovechar mejor el espacio que es muy pequeño. Lo mismo ocurre en la fachada. Cúpula también elíptica.

• GUARINO GUARINI

Influencia hispano-árabe. Trabaja en Turín.

• Iglesia de San Lorenzo: cúpula nervada califal.

• Capilla del Santo Sudario: imita la de San Ivo de Borromini con un remate calado.

• Palacio Carignano: fachada cóncava, balcón convexo.

• Reacción antibarroca

Se da a finales del XVII y principios del XVIII. Es una mezcla de exteriores clasicistas y de interiores “rococós”.

• Juvara

Proyecta el Palacio Real de Madrid: basamento almohadillado, después un orden colosal y rematando todo un ático abalaustrado.

• Basílica de la Superga de Turín.

• Palacio Madama de Turín.

• Francia

Es un arte más cortesano que religioso. Los exteriores de los edificios presentan un carácter de clasicismo mientras que los interiores son muy decorados. Esto dará lugar al rococó o estilo Luis XV. Las techumbres forman cuerpos prismáticos de gran altura en las que se abren los huecos de las buhardillas, llamadas “mansardas” porque se atribuyen a MANSARD. Los palacios tienden al horizontalismo mientras que las iglesias lo hacen al verticalismos mediante inmensas cúpulas.

• Mansard

• Los Inválidos, posterior enterramiento de Napoleón.

• Palacio de Versalles: influirá en toda Europa. Los jardines fueron trazados por Le Notre.

• Plaza Vendome.

• alemania y Austria

Pocas obras debido a la ruina económica a causa del desplazamiento del comercio hacia América y también a la fragmentación política agravada por la guerra de los 30 años. Será ya en el XVIII cuando renazca el arte. Se mantiene la sobriedad en el exterior y la suntuosidad en el interior, incluso todavía más que en Francia. Domina el blanco y el oro.

Las iglesias son muy amplias, parecen auténticos salones y con tendencia a la verticalidad.

• Fischer Von Earlch

• San Carlos Borromeo de Viena.

• España

Se va a mantener durante más tiempo y con más intensidad el arte de la Contrarreforma por lo que van a abundar las obras de tipo religioso.

Hay un desarrollo escaso del movimiento en plantas y en alzados prefiriéndose las líneas rectas a las curvas. La fase decorativa dura hasta la 1ª 1/2 mitad del XVIII coincidiendo con el Rococó europeo y el Neoclasicismo de los Borbones.

Los materiales son pobres: ladrillos, mampostería y yeso. Sólo en Galicia se usa en abundancia la piedra.

La cúpula es preferentemente encamonada: un armazón de madera recubierto de yeso en el interior y de pizarra en el exterior. Estas dos partes se separan para dar más altura en el exterior, quedando la cúpula hueca.

Los templos presentan tres tipos:

• Nave única: con capillas entre contrafuertes, como los templos de los jesuitas: catedral de San Isidro de Madrid.

• Iglesias de los Carmelitas: nave única y capillas o altares a lo largo de los muros. Fachada muy simple: rectángulo único rematado por un frontón: convento de la Encarnación de Madrid.

• Planta ovalada con entrada y altar en los extremos y capillas laterales. La fachada no suele corresponder al interior. Las Bernardas de Alcalá de Henares.

Todo el Barroco español está basado en el Escorial, aunque presenta una gran variedad por autores, por lo que se hace difícil la clasificación por escuelas.

• 1ª mitad del XVII

Pervivencia del Herreriano

• Juan Gómez de Mora

Es el arquitecto de Madrid en la época de Felipe III.

• La Encarnación.

• Plaza Mayor: fachada única para todas las casas.

• Carbonell

• Cúpula y fachada del Panteón Real de El Escorial.

• Palacio del Buen Retiro: alterna el ladrillo y la piedra, lo cual es muy típico en Madrid.

• Francisco Bautista

• Catedral de San Isidro de Madrid, influida por Alberti y Vignola.

• 2ª mitad del XVII

A medida que avanza el siglo se tiende a la decoración, empleándose placas recortadas, esquinas quebradas para puertas y ventanas, gruesos baquetones rodeando estos espacios columnas salomónicas y temas vegetales de hojas grandes y carnosas.

• Donoso

• Casa de Panadería, en la plaza mayor de Madrid. Antiguo almacén de trigo. Incorpora decoración pintada.

• Ayuntamiento de Madrid.

• Alonso Cano

Arquitecto, escultor y pintor, íntimo amigo de Velázquez. Clasicismo, idea de los arcos de triunfo, juego de luz y sombra que dan movimiento al edificio.

• Catedral de Granada, sólo la fachada, organizada como un arco de triunfo de tres calles. Placas recortadas. Efecto de claroscuro.

• Herrera el Mozo

Recuerdo mudéjar, utiliza tejas de cerámica de distintos colores.

• El Pilar de Zaragoza: cúpulas recubiertas de tejas policromadas, efecto orientalizante.

• 1ª mitad del XVIII

Es el Barroco exaltado llamado “churrigueresco”. Gran recargamiento decorativo. Influencia tanto de Italia como de Francia, aunque se respetan las características propiamente españolas. Asta 1760 el barroquismo decae y se da paso al Neoclasicismo.

• Churriguera

Forman una familia tanto de arquitectos como de escultores que crean este nuevo estilo del Barroco.

• Alberto: Plaza Mayor de Salamanca.

• José: además de retablos hace un pueblo de nueva planta en la provincia de Madrid: Nuevo Baztán.

• Joaquín: exagera todavía más la decoración usando unos baquetones muy abultados en torno a las puertas y ventanas y unas cornisas muy salientes.

• Pedro Ribera

Es el más importante representante de esta tendencia. Máximo afán decorativo. Hizo muchas obras al estar protegido por el Marqués de Vadillo, urbanista anterior a Carlos III, lo decorativo tapa a lo constructivo. Es el primero en utilizar en España los estípites.

• Puente de Toledo: mezcla lo arquitectónico con lo escultórico.

• Fachada del Hospicio.

• Iglesia de Montserrat: torre de perfil mixtilíneo.

• Ermita de la Virgen del Puerto, para su futuro panteón.

• Narciso Tomé

Mezcla la arquitectura con la escultura y la pintura y crea un mundo ilusorio en “El Transparente de la catedral de Toledo”.

• Casas Novoa

• El Obradoiro de la catedral de Santiago: a pesar de la gran cantidad de decoración no tiene la sensación de pesadez debido a la gran verticalidad de las torres.

En Valencia se crea una escuela con gran influencia de Borromini, lo cual se aprecia en las fachadas curvas que aprovechan espacios muy pequeños. Por ejemplo, la fachada de la catedral de Valencia de Jaime Borth. También se aprecia la influencia de Bernini en el empleo de las columnas salomónicas en la decoración de las fachadas aunque con gran profusión. Fachada del Marqués de Dos Aguas.

En Andalucía se mantiene la influencia del mudéjar español en el empleo de materiales como el yeso, el ladrillo y la piedra blanca que dan policromía a la construcción. Destaca Figueroa con el Palacio de San Telmo. Otra obra es la Cartuja de Granada.

• Reacción antibarroca

Corresponde plenamente a la España Borbónica. La Real Academia de Bellas Artes quiere depurar el arte y consigue que los reyes llamen a arquitectos extranjeros. Estos aportan el clasicismo que ya se estaba imponiendo en Europa, simultáneamente al Churrigueresco español. Se construyen los palacios reales de La Granja, el de Oriente, bajo la dirección de Juvara y la colaboración de Sabatini.

• escultura

• características

• Naturalismo: el artista no interpreta la naturaleza, sólo la copia.

• Las figuras representan pasiones y sentimientos: el PATHOS. De los sentimiento se prefieren los de mayor exaltación.

• La figura humana aparece convertida en héroe. Cualquier tipo de persona aparece con su alma reflejada con gran nitidez.

• La importancia de los temas religiosos por el efecto sobrenatural de la ascética y la mística (Éxtasis de Santa Teresa de Bernini).

• Se tiende a la representación de los temas crueles y espantosos: martirios, sarcófagos con el cadáver tumefacto.

• Movimiento espontáneo, como una explosión. Es el movimiento en el acto, no en la potencia como era en el Renacimiento.

• Grupos de figuras que dan entrada al paisaje, como en el helenismo.

• Predominan las composiciones en diagonal, los escorzos, la asimetría.

• Ropajes muy movidos, de profundo claroscuro.

• La figura se funde en el ambiente que la rodea para conseguir un efecto más real.

• Desarrollo del retrato: detallismo, sensación de realidad, psicología del personaje.

• Contraste entre Renacimiento y Barroco:

• Renacimiento: simetría, plasticidad, naturalismo idealizado, movimiento, estatismo, retrato físico o de parecido, superficie tersa.

• Barroco: asimetría, pictoricismo, naturalismo pleno, movimiento en acto, retrato psicológico, superficie de calidades.

• Italia

• Maderna

• Santa Cecilia muerta: parece que la figura se retuerce en el suelo ligeramente e incluso se aprecia la señal del degollamiento.

• Bernini

Según él los objetos no los vemos como realmente son, en su apariencia influyen los demás objetos inmediatos.

• Apolo y Dafne: recoge un momento fugaz, la transmutación de la materia.

• Baldaquino de San Pedro, columnas salomónicas recubiertos con relieves de tipo vegetal, animal y siempre simbólicos.

• Éxtasis de Santa Teresa: aplica la luz lateralmente para aumentar el efecto de suspensión.

• Realiza muchas fuentes para Roma: “Barcaza” en la plaza de España, Tritón, los cuatro Ríos de la plaza Nabonna.

• También tiene retratos de Luis XIV, Alejandro VII.

• Pietro Tacca

Tiene muchas estatuas ecuestres como la de Felipe IV en la plaza de Oriente de Madrid. Influirá mucho entre los pintores.

• España

Presenta algunas diferencias con la italiana. Se puede llamar a esta época la de los imagineros españoles.

• Realismo como nota principal pero tan exagerado que se cae en el patetismo.

• Temas casi exclusivamente religiosos.

• Aumenta la escultura exenta y disminuyen los relieves de los retablos.

• Temas inspirados en la muerte y en la ascética y la mística.

• Disminuye la escultura funeraria, quizá por la decadencia política y económica.

• Materiales: madera policromada, se consigue mayor naturalismo. Se sigue empleando el estofado y a veces se visten las obras con telas y adornos auténticos.

• Movimiento poco acentuado.

• Tendencia a realizar pasos procesionales retablos con columnas salomónicas y sillerías de coro.

• Quieren escenificar los diversos pasos de la Pasión.

• Escuela Castellana:

Tiene un realismo hiriente, emocional. Para conseguir utiliza colores lisos, sin oro ni estofado.

• Gregorio Fernández

• Trabaja en Valladolid. Por el enorme influjo que tuvo se le ha llamado el Bernini español.

• Tiene un realismo patético pero no vulgar. Hace un detenido estudio del cuerpo humano, especialmente de las cabezas. Introduce el tema de vírgenes.

• Cristo yacente de El Pardo.

• Cristo crucificado de la Luz de Valladolid.

• Dolorosas, Inmaculadas. Retablos.

• Manuel Pereyra

• Sobriedad y naturalismo, su policromía es mejor que la de Gregorio Fernández.

• San Bruno: Su naturalismo es tal que de él se dice que si no habla es porque es cartujo.

En Madrid se hacen muchos retablos en los que trabajan arquitectos como Pedro de la Torre y José de Churriguera (el de las Calatravas) otros artistas trabajan para los palacios haciendo estatuas que decoran el palacio o los jardines. Así también se hacen las estatuas ecuestres de Felipe III (Juan de Bolonia) y Felipe IV (Pedro Tacca). Esta fue diseñada por Velázquez, fundida por Tacca en Italia, siguiendo los cálculos de Galileo para conseguir el equilibrio. Martínez Montañés hizo el estudio de la cabeza.

• Escuela andaluza

• Realismo más sosegado: belleza correcta, espiritualizada.

• Policromía delirante a base de fondos de oro.

• Muy frecuentes los temas infantiles.

• Se representa más lo melancólico y místico que lo trágico.

• Figuras vestidas con deslumbrantes vestido de tele bordada.

• Centros artísticos Sevilla y Granada a causa de la riqueza del comercio de ultramar y de la herencia renacentista.

• Sevilla:

• Martínez Montañés

• Profundo clasicismo lo que da a sus obras serenidad y equilibrio. Modelado perfectísimo y paños bien plegados dan a sus obras grandiosidad.

• Cristo de la Clemencia, que parece hablar a los fieles.

• Retablo de Santiponce, Sevilla.

• Inmaculadas. Rostros de belleza casi griega, melancólico.

• Juan de Mena

• Discípulo de Montañés. Figuras más patéticas. Su preocupación principal son las cabezas y a veces llega a desentenderse del cuerpo.

• Cristo de Vergara.

• Jesús del Gran Poder, casi un viejo. Profundo naturalismo en todos los detalles.

• Granada

• Alonso Cano

• Discípulo de Montañés. Compañero de Velázquez, fue al mismo tiempo arquitecto, pintor y escultor. No utiliza apenas el oro por lo que consigue un mayor valor expresivo del color. Rompe con el clasicismo de Montañés y gana en expresividad y dinamismo.

• Tiende a crear modelos geométricos, generalmente de perfil oval o de huso.

• Trabaja en Madrid como pintor, llamado por Velázquez y el Conde-duque. Aquí crea el tipo de Niño Nazareno, con la cruz a cuestas. A su vuelta a Granada inicia el tema de las Inmaculadas y el de los niños. Parece en relación con Murillo.

• Retablo de Lebrija, Virgen hierática, fusiforme.

• Inmaculada de la catedral de Granada, ingenuidad.

• Virgen de Belén.

• Pedro de Mena

• Discípulo de Alonso Cano. Es más realista y sabe comunicar más vivamente los estados de ánimo.

• San Pedro de Alcántara.

• San Francisco, los pliegues y la decoración estriada conducen la mirada a la cara.

• Magdalena penitente: ascetismo

• Dolorosa, llega a ponerle lágrimas de cristal.

• Ecce Homo.

A medida que se llega al siglo XVIII decae el sentimiento dramático y se acentúa el decorativismo y la suavidad del rococó. Aparecen familias en Valencia que trabajan en la decoración de las fachadas, como la del palacio del marqués de Dos Aguas, obra de Ignacio Vergara. El artista más destacado, de origen italiano es Salzillo.

• Salzillo

• Mezcla la gracia italiana con el dramatismo español.

• Belenes, de barro por influjo napolitano.

• Pasos procesionales, formados por varias figuras como los de Valladolid, en oposición a los de Andalucía, de una sola.

• Oración en el huerto, Prendimiento, Caída, Dolorosa, con vestidos reales.

• pintura

• característica

• Predominio del color sobre el dibujo: esto se aprecia en los grandes maestros como Velázquez y Rembrandt. El conjunto de la obra queda como algo vago e impreciso.

• Profundidad continua hasta el punto que de la pintura parece tener tres dimensiones. En el siglo XVI ya había preocupación por la perspectiva pero entonces toda la atención se centraba en el primer plano; los demás, paralelos a éste, contenían escenas secundarias o de un paisaje.

• En el siglo XVII esta sucesión de planos se rompe porque el cuadro se concibe como algo continuo, sin planos, al igual que la realidad, por ejemplo en la Avenida de Middleharnis de Hobbema.

Los procedimientos para obtener esta tercera dimensión pueden ser muchos: líneas convergentes, series de escorzos, un primer plano desmesurado (por tanto, cercano en contraste con el fondo), un primer término obscuro (lo que nos incita a buscar la luz más hacia dentro), juegos de luces (como la perspectiva aérea de Velázquez que alterna planos de luz y planos de sombra).

• Hegemonía de la luz. En el Renacimiento la luz se subordinaba a la forma para definirnos mejor los contornos. En el Barroco es la forma la que se subordina y puede desvanecerse por la debilidad o intensidad del centelleo luminoso. La luz en correlación con la sombra, juegan un papel hasta ahora inéditos, especialmente en los primeros ensayos del estilo (tenebrismo).

• Composición asimétrica. Se prefiere lo que demuestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá del marco.

• Composición arquitectónica: se abandona la malla de horizontales y verticales del arte clásico (Virgen Muerta de Mantegna) y se utilizan líneas diagonales o formas partidas que no caben en todo el cuadro.

• Movimiento: se consigue gracias a la composición arquitectónica, gracias a las diagonales, pero también con las figuras inestables, los escorzos, las ondulaciones, hasta los paisajes adquieren mediante las ramas retorcidas, los suelos con cuestas y hoyos.

• Naturalismo. Se pinta lo que se ve. Por eso, es la gran época de la pintura de género, de los bodegones y del paisaje puro, sin figuras. Se valoran entre otros los temas costumbristas y también del retrato, no sólo en su vertiente física, sino también en la psicológica o moral.

• Teatralidad: muy adecuada para temas religiosos, sobre todo los que se refieren a la ascética y a la mística, busca la mayor impresión posible.

• Gran variedad de temas: religiosos, mitológicos, históricos, bodegones, paisajes.

• Predominio de la pintura al óleo sobre el fresco que mantiene su valor decorativo. El cuadro al óleo mantiene su valor por sí mismo. El artista se individualiza e independiza del gremio. Ya no se pinta sólo por encargo. El artista pinta lo que quiere y él mismo vende sus cuadros. Se multiplica el coleccionismo y esto estaría en relación con el ascenso de una burguesía cada vez más rica.

• Wolfflin ha señalado las características del barroco, oponiéndolas a las del Renacimiento, aunque algunas de las que se señalan ya se daban en la 2ª ½ del siglo XVI. Estas características se reducen a cinco:

• Lo pintoresco, en oposición a lo lineal. Es decir, la fusión de la figura con el ambiente.

• La profundidad.

• La forma abierta, que rompe con la fuerza centrípeta y los contornos cerrados del Renacimiento.

• Unidad sólida de elementos, que se opone a la yuxtaposición o pluralidad de los mismos.

• La confusión o difuminado barroco de las formas, contraponiéndose a la nitidez de los perfiles del Renacimiento.

• En la 1ª ½ del siglo XVIII los temas se hacen más profanos, incluso los religiosos, se adopta un aire dulzón y risueño, aparece una luz difusa, como de neblina. Todo esto dará lugar al Rococó.

• Italia

Hay tres grandes escuelas de características muy distintas y de diversa aceptación, tanto popular como oficial (por parte de la Iglesia).

• Escuela naturalista

• Caravaggio

• Pinta con una luz elevada, de foco único, que cruza normalmente la escena en diagonal y resalta ciertos aspectos, dejando en la penumbra otros. No es una luz suave como la de Leonardo, sino luz en contraste brusco con la sombra como la de Tintoreto. Estas luces suelen enmarcar temas naturalista y las figuras presentan violentos contrastes y escorzos.

• Suele emplear un punto de vista bajo, como si la escena fuera contemplada por una persona tumbada en el suelo, con lo que adquiere grandeza y profundidad. Tiene tres etapas:

• Hasta 159 No es aún tenebrista, más bien es eclecticista: pinta sobre fondos claros y la figura está totalmente iluminada.

• Baco enfermo, Baco, Tocador de laud, con temas mitológicos.

Suelen aparecer pocos personajes, sobriedad. Poca importancia para el paisaje pero mucha para el hombre o el bodegón. Pinta ambientes reales donde quiere destacar la psicología del personaje. No hay preocupación por la perspectiva. Al componer el cuadro, opone una figuras a otras como si las figuras se reflejaran en un espejo.

• Hasta 160 El tenebrismo se configura ya totalmente y concentra el interés en caras y manos. Lo principal es el claroscuro, por lo que el color queda subordinado a la luz. A su vez ésta es la que da expresión a caras y manos.

Naturalismo total, expresividad, volumen: todas las figuras proceden de la calle. Hasta la Virgen Muerta es una mujer ahogada en el Tíber.

• Historia de San mateo para la capilla Contarelli en San Luis de los Franceses de Roma.

• San mateo, Vocación de San mateo y martirio de San Mateo.

• Crucifixión de San Pedro y Conversión de San Pablo para la capilla Cerasi de Santa Mª de Popolo en Roma.

• Los apóstoles de Emaús.

• Muerte de la Virgen.

• Entierro de Cristo: gran sentido plástico en la losa que parece salirse del cuadro.

• Hasta 161 Se establece en Nápoles y pinta la Madona del Rosario. Va a influir mucho en otros pintores como Guido Reni, Domenichino. Los grandes maestros pasarán por una etapa tenebrista, aunque después la modifiquen o la desechen como Rembrandt, Zurbarán o Velázquez.

• Escuela de Bolonia o el eclecticismo

No aporta nada nuevo, clasicismo. Es el ansia de reunir lo bueno y más propio de cada maestro. Se crea en Bolonia una Academia de Bellas Artes donde los estudiantes de pintura tenían que seguir también unos cursos de cultura y para estimularles se realizaban periódicamente concursos. Fue creada por Ludovico Corracci.

• Annibale Carracci

• Es el más importante. Decora grandes bóvedas con arquitecturas fingidas que prolongaban el espacio real (Trompe l'oeil).

• Salón grande del palacio Farnesio (Roma) donde se representan los amores de los dioses.

• Crea también el paisaje histórico donde junta historias con la naturaleza, aunque a veces el paisaje llega a serlo todo.

• Huida a Egipto, anacronismo.

• Guido Reni

• Mezcla las formas rafaelescas con el tenebrismo. Colores terrosos, luces como de incendio.

• Judith

• La aurora del casino Rospigliosi.

• Escuela decorativa

Grandes frescos para decorar bóvedas y cúpulas. Generalmente forman composiciones unitarias que continúan la tendencia a las perspectivas y arquitecturas fingidas. Tendrá una repercusión muy fuerte en España.

• Pietro de Cortona

• Precursor de Tiépolo

• Techos del palacio Barberini. Los paños se agitan como si existiera viento real.

• Luca Giordano

• Es muy fecundo por lo que su pintura es demasiado ligera.

• Escalera e iglesia de El Escorial.

• Casón del Buen Retiro.

• Tiépolo

• Veneciano, muy influido por Veronés, pinta en España bajo Carlos III.

• Salón del trono del palacio de Oriente, con las glorias de la monarquía española.

• países bajos Escuela flamenca

Desde los primitivos flamencos esta escuela había perdido su originalidad a causa de la influencia italiana. Rubens volverá a darle todo su esplendor. El catolicismo mantiene vivos los temas religiosos, en oposición a Holanda, pero la escuela flamenca no destacará por la emoción religiosa sino por su optimismo, su carácter alegre, la preocupación por los aspectos placenteros de la vida. Son muy frecuentes los temas costumbristas: bodas, fiestas aldeanas, que enlazan los de Brueghel (renacimiento). También hay preocupación por los bodegones donde intentar captar la calidad de los productos.

El tema más típico en Flandes es el bodegón (naturaleza muerta): frutas, manteles, vasos, objetos de metal, se recortan sobre un fondo obscuro. Después se añaden animales muertos con lo que la sensación de lujo palpable se capta a través de la rica diversidad de motivos.

• Rubens

Es el gran maestro de la escuela. Es de una vitalidad deslumbrante aunque sus viajes le dan un clasicismo que se refleja en sus temas mitológicos. Muy influido por Venecia, Miguel Ángel e incluso los tenebristas, lo mezcla todo con un estilo propio.

Defiende principalmente el color, el movimiento, la forma gruesa, la gama de colores utilizados, la soltura de la pincelada, el brillo de su paleta adquieren una intensidad pocas veces alcanzada.

Sus composiciones son de enorme dinamismo: músculos en tensión, diagonales enérgicas, suelos ondulantes. Toca todo tipo de temas aunque siempre en colaboración con su taller.

Hace dos viajes a España y entra en contacto con Velázquez al que anima a viajar a Italia.

• El Duque de Lerma

• Cristo muerto, tenebrista.

• Erección de la cruz. Movimiento en diagonal.

• Descendimiento de la cruz: también en diagonal.

• Retratos de María de Médicis, parece que las formas se salen del cuadro

Utiliza a su esposa como modelo para sus cuadros mitológicos:

• Las Tres Gracias,

• Juicio de París

• El jardín del amor.

El paisaje para él es siempre complemento de los cuadros. En algunos, sin embargo, utiliza fondos arquitectónicos e incluso la composición es tan abigarrada que el fondo no se aprecia:

• La adoración de los Magos.

• Van Dyck

Es el pintor de la elegancia al servicio de la aristocracia inglesa, la postura, la indumentaria, la delicadeza de las expresiones (a veces parecen un estudio psicológico), los colores menos brillantes y con predominio de los grises y platas, parecidos a los que consigue Velázquez, todo esto es lo que forma su estilo. Al final llega a ser demasiado artificioso.

• Carlos I Estuardo

• Sir Porter y el pintor.

• Tenier

Grandes fiestas al aire libre en donde mezcla lo sano y divertido con lo soez y grosero. También tiene naturalezas muertas y bodegones.

• Jordaens

Semejante a Rubens aunque con menos técnica. Se especializa en cuadros de género donde mezcla la mitología y los temas aldeanos.

• El rey bebe.

La escuela desaparecerá a fines del XVII sin haber sufrido la influencia del Rococó.

• Escuela holandesa

País calvinista, comercial, auge de la burguesía

Su personalidad está determinada por el mar y la tierra llana en lucha constante, cielos nubosos que difuminan la luz. Holanda es el país del paisaje puro como tema de la pintura.

Por otra parte, el calvinismo ha modificado la mentalidad del pueblo: austeridad, predominio de lo civil, desaparición del mecenazgo de la iglesia. Predominio de una burguesía comerciante y marítima que quiere ver en los cuadros reflejado el bienestar de sus casas, el ambiente de sus calles y puertos. De ahí también el gusto por lo cotidiano.

Dominan el color en pinceladas sueltas pero destacan por su preocupación por la luz que en los exteriores es vibrante y en los interiores, al penetrar por las ventanas laterales, ritma el espacio en volúmenes acentuados por zonas de sombra dando una sensación de ambiente tenue que parece poner en unión al hombre con el ambiente en que vive.

También influye el sentido de nueva vida que se adquiere con la recién conseguida independencia después de la paz de Westfalia (1648).

La influencia italiana es muy fuerte, sobre todo la de Caravaggio, aunque poco a poco se irá amoldando al propio carácter holandés.

Presta especial interés a todos los temas, aún a los más nimios.

Se abandona el retrato individual por el colectivo al que convierten en estampa social. Rembrandt tiene retratos importantes (Síndicos pañeros) pero el verdadero representante es Frans Halls, que sabe captar el auténtico sentido holandés. Suele hacer retratos corporativos: Arcabuceros de San Jorge, Regentes del Hospicio de Santa Isabel, Regentes del Asilo de Ancianos. Tiente también retratos individuales como “la gitana”.

En los temas de género es donde verdaderamente reside la personalidad social de Holanda. Hay diversas clases de género.

• Grotesco o aldeano, que proviene del Bosco y Brueghel. Hay más melancolía y menos bullicio que en Flandes.

• Van Ostade: Concierto de campesinos: la luz parece ya impresionista.

• Doméstico o de sociedad: también se llaman intimistas o de interiores. Son menos imaginativos pero mucho más minuciosos. Los personajes aumentan de tamaños aunque disminuyen en número.

Todo se difumina en una especie de neblina, de atmósfera real.

• Vermeer de Delft.

• Sabe captar la luz que entra en una habitación totalmente cerrada y siempre lateralmente. Es el mejor pintor de la luz en Holanda.

• Taller del pintor

• Lección de música.

• Pieter de Hooch.

• Sus interiores suelen estar abiertos hacia el fondo y bañados con una luz dorada.

• Terboch

• Se distingue por la rica calidad de las telas.

• Paisaje urbano: en general tanto el urbano, el rural y el marítimo son temas muy utilizados. Son casi cuadros de género en los que se juega con la luz, el agua, las casas.

• Veermer, pinta ciudades donde vive.

• Vista de Delf.

• Paisaje rural: es el auténtico paisaje para los holandeses. Está tratado con toda su individualidad. La línea de horizonte es muy baja, con lo cual el cielo ocupa la mayor parte del cuadro. Grandes masas de nubes tormentosas filtran la luz que se refleja en el agua o produce sombras en el campo.

• Ruysdael: grandes cielos inundados de luz tormentosa. No aparece apenas la figura humana. Preludia el romanticismo.

• El molino.

• Hobbema: intenta analiza el paisaje en sus más mínimos detalles. Se inclina por paisajes estáticos, de grandes perspectivas.

• Avenida de Middelharnis.

• Marítimo: especializado en los reflejos de la luz sobre el agua.

• Van der Velde: mar agitado y romántico.

• Van der Goyen: cielos nubosos y extensos mares salpicados de sol.

• Bodegones: aunque a veces presentan la superabundancia de los flamencos, suelen ser mucho más austeros. Se recrean en captar las calidades de los platos, del cristal, del metal, dentro de una organización geométrica y de una gran preocupación por la luz.

La figura más destacada de toda la escuela es Rembrandt.

• Rembrandt 1606-1669

Abarcó todos los géneros siendo al mismo tiempo un gran grabador. Representa en sus obras lo más íntimo de Holanda a pesar de su marginación social, tanto por motivos sociales como por motivos artístico. Su grandeza consiste en llenar de idealismo las situaciones más realistas; en buscar siempre el sentido de lo universal. El idealismo y subjetivismo de Rembrandt coincide con la filosofía de Descartes.

Así por ejemplo, en el “buey desollado”, la representación realista está llena de un profundo idealismo, se elimina la parte fea y desagradable. Su técnica es la del claroscuro. A veces emplea excesivos juegos de luz por lo que el conjunto no resulta natural.

Tiende a lo monocromo pero hace brillar todos los objetos en la obscuridad. El color lo aplica en manchas gruesas. La luz procede de focos débiles y se difunde sin seguir las leyes de la física.

Varios temas son los más repetidos por él:

• La noche y la sombra que crean ambientes propicios para sus juegos de luz: “Ronda nocturna”.

• La vejez que le permite captar por una parte la pobreza y por otra la sabiduría y la experiencia.

• La tormenta, que le permite hacer unos paisajes casi surrealista.

• Quiere llegar a captar el alma. Se preocupa especialmente por las miradas que parecen buscar al espectador para establecer una comunicación con él. Trabaja tanto el individual como el colectivo.

• Le atrae el tema religioso, sobre todo el Antiguo Testamento, pero interpretado subjetivamente, con gran emotividad.

• No siente gran interés por los temas mitológicos porque se preocupa más por lo humano.

Se formó en Leyde recibiendo influencias italianas de Caravaggio que le interpretó a su manera. Después se afinca siempre en Amsterdam.

• Lección de anatomía del profesor Tulp: la misión del cadáver es llenar de luz el cuadro aunque anatómicamente es incorrecto.

• Retratos de su esposa Saskya, Autorretratos.

• El hombre del yelmo de oro.

• Ronda nocturna: era un encargo de los arcabuceros de Amsterdam en donde tenía que pintar sus retratos en el momento de tomar las armas para empezar una acción. Sin embargo, él hizo un cuadro de conjunto donde la luz, la sombra, el movimiento curvilíneo y la composición en grupos triangulares dan una gran sensación de fantasía al cuadro.

• Lección de anatomía del profesor Deyman: el cadáver está inspirado en el Cristo muerto de Mantegna.

• Buey descuartizado: casi impresionista por la técnica.

• Síndicos de los pañeros de Amberes.

• España

La pintura barroca española significa la búsqueda del realismo, incluso en sus aspectos dolorosos y patéticos, abandonando tanto el idealismo del Renacimiento como el escorzo y el retorcimiento del manierismo. En este proceso el punto de partida es el tenebrismo de Caravaggio, al que algunos seguirán fielmente mientras que otros (Velázquez) se irán separando poco a poco de él. En todo caso, el tenebrismo es una constante en las obras de esta época.

Características

Además de las características comunes a la pintura barroca en general, la española presenta algunas específicas muy relacionadas con la mentalidad y la sociedad.

• Es notoria la ausencia de rasgos que fueron típicos en el Renacimiento: lo heroico, los tamaños superiores al natural. Predomina una cierta intimidad y un sabor de humanidad poco o nada teatral. Se prefiere un equilibrado naturalismo y se opta por la composición sencilla.

• Predominio de la temática religiosa y de su expresión ascética y mística, acentuada por el éxtasis, la mirada dirigida al cielo, el movimiento de la composición. Velázquez incorpora el paisaje y la fábula pagana. Más frecuente es el retrato y los bodegones.

• Ausencia de sensualidad que en el caso de existir se debe a la influencia de Rubens.

• El tenebrismo expresa todos estos valores propios de España: de ahí su rápida difusión e implantación desde fechas muy tempranas.

• Aunque se clasifica este momento en escuelas (valenciana, andaluza y madrileña) no es posible pasar por alto las grandes diferencias entre pintores de la misma escuela y la complejidad de la evolución pictórica desde el manierismo hasta el Barroco.

• Hay que destacar que este auge artístico corresponde a una época de decadencia política y económica aunque se corresponde con un gran auge de la literatura.

• Escuela valenciana

Supone la introducción del tenebrismo no tanto por la influencia italiana sino por creación propia. Lafuente Ferrari dice que la generación de 1560 inicia ya el tenebrismo y esto se manifiesta en las obras de Navarrete el Mudo para El Escorial. En 1617 ya había cuadros de Caravaggio en Madrid. Es casi seguro un viaje de Ribalta a Italia, lo cual aumentó la influencia aunque otros como Mayno, Tristán y Orrente, también tenebristas, no parecen mantener ningún contacto con Italia. Ribera sí tiene gran influencia de Caravaggio pero su relación con España es más tardía y su luz es mucho más clara.

• Ribalta (1565-1628)

Muy influido por Navarrete el Mudo, Zúccaro y los pintores de El Escorial, así como por Caravaggio.

• Retablo de Algemesí.

• Retablo del colegio del Corpus Christi.

• San Francisco abrazando a Cristo.

• San Bernardo abrazando a Cristo.

• Ribera (1591-1652)

Se educa con Ribalta y después en Italia. Es un gran pintor de calidades, parece sentirse la piel y la carne. El color es vibrante, con muchas tonalidades. La pincelada adopta formas curvas para ceñirse al dibujo. Es también buen grabador.

Pinta temas religiosos, mitológicos, naturalistas hasta caer en lo repulsivo (la vieja de los Abruzos), desnudos. Compone sus temas austeramente. A lo largo de su vida pasará de lo tenebroso a lo luminoso. A la pincelada suelta y cargada de luz.

• 1ª época, temas mitológicos con aspecto humanizante:

• Sileno embriagado.

• Arquímedes.

• San Jerónimo.

• 2ª época: se inician los tonos plateados que sustituyen a las tinieblas:

• Inmaculada de Salamanca.

• Magdalena penitente: impresión ascensional debido a la composición en diagonal.

• Sueño de Jacob: intento de estudiar la atmósfera.

• 3ª época: la pincelada se hace más líquida y la luz más dorada:

• Comunión de los apóstoles: obra cumbre de su pintura.

• Escuela andaluza

Sevilla era un gran centro económico en el siglo XVII y por consiguiente un gran centro artístico. Había un importante escuela que marca la transición del manierismo al Barroco y que incorporaba el naturalismo al mismo tiempo que se aferraban a otros elementos de influencia italiana. Destacan Roelas y Herrera el viejo (búsqueda del realismo) y Francisco Pacheco (además de pintor fue tratadista y maestro de Velázquez).

• Zurbarán 1598-1664

Coincide con Velázquez en la búsqueda d la plástica escultórica y en tenebrismo, aunque Velázquez abandona esto más tarde. Es el pintor que mejor refleja los ideales de la Contrarreforma y los estados elevados del alma. Por otra parte, su tenebrismo ayuda a conseguir este efecto de misticismo: una luz blanca muy viva y unos fondos siempre obscuros.

Pinta una gran variedad de temas: bodegones (quizá influido por la austeridad de los Sánchez Cotan), mitológicos, históricos, pero donde más destaca es en los religiosos.

Apenas emplea paisajes como fondos, normalmente representa interiores que revelan falta de profundidad. Su composición es muy pobre: filas paralelas a la superficie del lienzo. Toda la atención se aplica a manos y rostros que adquieren un enorme valor expresivo y esto resulta incrementado por la luz que parece irradiar de las mismas figuras.

• Series de frailes para el convento de san Pablo en Sevilla.

• Monjes para el convento de la Merced de Sevilla.

• La Visión de San Pedro Nolasco.

Por mediación de Velázquez viene a Madrid para colaborar en la decoración del Salón de Reinos en donde realiza temas históricos como “el socorro de Cádiz” y mitológicos como “los trabajos de Hércules”, poco afortunados.

A su regreso a Sevilla pinta las series de la Cartuja de Jerez y de Guadalupe: Milagro del padre Salmerón.

A partir de 1640 su trabajo decae tanto en calidad como en cantidad y revela influencia de Murillo. Se inclina por temas amables, de menor fuerza emocional. También le influye Velázquez en el ambiente vaporoso que rodea a las figuras. Son frecuentes los temas de la virgen. Es un buen retratista tanto en temas civiles como religiosos (Santa Casilda). Sus bodegones son casi místicos y en ellos alcanza espléndidas calidades.

• Murillo (1727-1682)

Su mayor preocupación la constituye lo pictórico (colorido) y no lo plástico (dibujo) como en Zurbarán y Velázquez. Busca la realidad pero en su parte agradable. Trata los temas religiosos pero humanizándolos.

Crea atmósferas calidad y doradas y su colorido alcanza tal transparencia que anuncia el rococó, pero sigue manteniendo el tenebrismo que recuerda al de Rembrandt.

Recibe influencias de Rubens, Van Dyck, Ribera y Zurbarán.

• Temas religiosos:

• Inmaculadas.

• Niños de la concha.

• Anunciaciones.

• Temas populares, tratados con elegancia sin tocar la parte desagradable:

• Niños comiendo fruta.

• Mujer despiojando a un niño.

• Es también un buen retratista y paisajista de aspecto ensoñador.

• Valdés Leal

Es el representante del aspecto melodramático del Barroco: lo feo, lo desagradable y lo macabro. Su pincelada es irregular y suelta. Prefiere el color vibrante al dibujo. Es muy irregular en su producción.

Para el hospital de la caridad de Sevilla pinta una serie de cuadros que están inspirados en el “Discurso de la Verdad”. Quiere llamar la atención a los humanos para que se desengañen de las glorias del mundo y piensen en la muerte mediante los “Jeroglíficos de nuestras postrimerías” que son dos:

• In ictu oculi.

• De finis gloriae mundi.

• Escuela madrileña

Ya antes de que llegara a Madrid, Velázquez se había desarrollado en el naturalismo con el trabajo de pintores italianos como Eugenio Caxes y Vicente Carducho. La figura más importante es Velázquez.

• Velázquez (1599-1660)

Nace en Sevilla. Estudia con Francisco Pacheco y casa con su hija. Después viene a Madrid y mezcla los estilos de tal manera que es muy difícil clasificarle en una escuela u otra. Protegido por Felipe IV, hasta ser nombrado caballero de la Orden de Santiago que sólo correspondía a los nobles, puede dedicarse al arte por el arte, sin necesidad de vender sus cuadros para vivir, ya que el rey le nombra aposentador real de palacio.

Su producción no es muy extensa pero sí fecunda ya que realiza frecuentes retoques e incluso superposiciones. Su elaboración es minuciosa. Toca todos los temas e incluso dentro de un mismo tema los repite con una gran variedad (retratos: ecuestres, de bufones, de la familia real).

No es barroco según el concepto de Eugenio D'Ors porque no le tienta el movimiento pero sí lo es según el concepto de Wolfflin, por lo pintoresco de su estilo, lo esfumado de sus líneas, el sentido de la profundidad, la búsqueda de la personalidad del individuo.

El barroquismo de Velázquez también se manifiesta en su relación con los escritores de su época, sobre todo con Calderón y Quevedo. Estos contraponen unas ideas a otras igual que Velázquez contrapone las figuras y las acciones o armoniza esta contraposición con un nexo ideológico (concepto) igual que Velázquez funde dos escenas y las relaciona íntimamente (Las Hilanderas); u obscurece el tema sirviéndose del equívoco igual que hace Velázquez en Las Hilanderas con las figuras de Palas y Aracne que no sabemos si pertenecen o no al tapiz del fondo.

Su gran aportación fue la preocupación por la luz y la conquista de la profundidad. La sensación óptica de la luz que circula por dentro de la tela, la neblina de los paisajes, el polvillo que flota en las habitaciones, todo esto ha sido denominado “perspectiva aérea”. En las Meninas parece que entre las figuras circula el aire. La profundidad se consigue no sólo con la luz sino también con el desplazamiento del plano de la tela hacia atrás por un lateral, con lo que la escena se acerca por un lado pero se aleja por otro.

Todo su arte se apoya en la realidad al igual que en la escuela holandesa. A pesar de ello se evada de la realidad aplicando una técnica de pincelada suelta, casi impresonista.

Su influencia posterior fue grande, no sólo en sus contemporáneos de la escuela de Madrid sino también en Goya y en los realistas e impresionistas del siglo XIX.

En su pintura hay varias épocas:

• Sevillana

Dura plasticidad, tenebrismo, color madera en los cuadros y ricas calidades.

• Vieja friendo huevos, el aguador de Sevilla.

• Jesús en casa de Marte y María, Adoración de los Magos.

• Sor Jerónima de la Fuente.

• Madrileña

1623 viene a Madrid. Trabaja principalmente retratos y temas mitológicos e históricos.

• Retratos del Conde-duque, Felipe IV.

• Bufón Calabacillas, Demócrito

• Los borrachos.

• Primer viaje a Italia

Aconsejado por Rubens. Su pincelada se hace más suelta.

• 2ª etapa madrileña

Se pueden hacer dentro de ella varias etapas en las que su pincelada se va haciendo más fluida, hasta el punto de llegar a ser casi impresionista. Los colores se van haciendo también más plateados. Los retratos consiguen tener la sensación de estar en un espacio real sin utilizar ningún elemento arquitectónico como soporte, sólo la “atmósfera”.

• Cristo de san Plácido, imita al de Martínez Montañés.

• Retratos de Felipe IV y de los bufones.

• Las Lanzas. Para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro.

• Retrato ecuestre del Conde-duque.

• Retratos de Baltasar Carlos.

• Coronación de la Virgen.

• 2º viaje a Italia

Iba con el encargo de comprar cuadros para las galerías reales.

• Retrato de su criado Pareja, retrato de Inocencio X.

• Paisajes de la villa Médicis.

• Venus del Espejo.

• Última etapa madrileña

La paleta se hace completamente líquida, esfumándose la forma y logrando calidades insuperables. La pasta se acumula a veces en pinceladas rápidas y gruesas de mucho efecto.

• Las Meninas.

• Las Hilanderas.

• Mercurio y Argos.

Velázquez no dejó una escuela propiamente dicha aunque su yerno Martínez del Mazo presenta con él muchas afinidades y termina algunas obras suyas cuando muere. Casi todos los pintores de Madrid en aquel momento sufrieron la influencia de su manera de pintar, a lo “velazqueño”. Entre estos pintores destacan:

• Antonio Pereda

Pintor religioso y también de bodegones un tanto retóricos. Tiene un afán moralizante y un tenebrismo que hace brillar los objetos:

• Sueño del caballero.

• Vanitas.

• Bodegón de la calavera.

En la 2ª mitad del siglo y coincidiendo con el gobierno de Carlos II se vuelve a dar importancia a la pintura al fresco, quizá por influencia italiana. Francisco Rizzi, Antolínez, Herrera el Mozo, son grandes decoradores a base de temas religiosos. Los pintores más importantes serán los pintores cortesanos.

• Carrero Miranda

Influido por Velázquez y Van Dyck.

• Dª Mariana de Austria.

• Carlos II.

• La monstrua.

• Claudio Coello

Cultivó la gran composición en frescos y lienzos de amplias proporciones. Como retratista se distingue por la soltura de la pincelada y la preocupación psicológica.

• Adoración de la Sagrada Forma, en la sacristía de El Escorial.

Es una composición diagonal, un espacio conseguido por el ritmo de la luz (cirios y ventanas) que se va amortiguando. Lo más importante es que el cuadro está concebido como un espejo, hasta el punto de que se representan al fundo del mismo cuadros que están en el testero de la sacristía. El efecto se incrementa porque el cuadro no tiene marco y se confunde con la estancia.

Al mismo tiempo que estos últimos pintores de Madrid, en Sevilla está pintando Murillo y Valdés Leal. Todos forman los pintores de la 2ª mitad del siglo XVII.




EL ROCOCÓ

• INTRODUCCIÓN

Situación cronológica y espacial:

• Cambios: ideológicos: la Ilustración.

• políticos: crisis del Antiguo Régimen. Revolución Francesa.

• económicos: revolución agrícola e industrial.

• sociales: sustitución de la sociedad estamental por una sociedad de clases. Cultura: Reacción clasicista frente al barroco.

• Excavaciones arqueológicas de Pompeya y Herculano.

• Creación de las Reales Academias.

• CARACTERES GENERALES

El siglo XVIII es continuador del siglo XVII en muchos aspectos pero aparecen en él elementos de renovación que anuncian a la Europa del siglo XIX. Siglo de profundos cambios que afectan, aunque de forma desigual, a todos los países.

El alto nivel de desarrollo de la Ciencia, los adelantos tecnológicos y el auge de la burguesía determinan un importante cambio en las actividades artísticas.

El hombre descubre el valor de su propia individualidad y esto influye de forma decisiva

En el arte que pierde el anterior carácter heroico, buscando los aspectos concretos de la vida cotidiana.

El siglo XVIII va a moverse entre dos polos: el arte cortesano, frívolo y refinado del Rococó por una parte, y, por otra, la ordenación racional de lo claro, lo útil y simple que propugna el Neoclasicismo.

Esta polémica entre el rococó y neoclasicismo tiene un matiz político y social: es la lucha entre los librepensadores ilustrados y la aristocracia del Antiguo Régimen. Por eso la Revolución y Napoleón se unen al neoclasicismo.

A fines del siglo XVIII, Y desde el mismo Neoclasicismo, surgirá una actitud nueva que, profundizando en el mundo de la subjetividad y de la sensibilidad, desembocará en el Romanticismo. Figuras como Goya representan el tránsito de una a otra actitud.

Entre el Rococó y el Neoclasicismo existen unas diferencias básicas:

• Rococó: desarrollo de los aspectos decorativos; los interiores de los edificios ganan importancia frente a los exteriores e incluso se independizan de ellos. Ligereza, fragilidad y gracia de los elementos decorativos.

• Neoclásico: predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo; se busca la monumentalidad, la sobriedad, como representación de "lo natural" y auténtico.

• ARQUITECTURA

Características

Surge durante la minoría de edad de Luis XV, durante la regencia del Duque de Orleans (1715-1723). Alcanza su máximo desarrollo durante el reinado de este rey por lo que también recibe el nombre de estilo Luis XV.

Estilo eminentemente decorativo difundido por artistas como MEISSONIER.

Contrasta la sencillez exterior con el recargamiento interior: todo (paredes, muebles, adorno, etc.) tiene que combinar para lograr la armonía del conjunto.

Se crean espacios interiores reducidos que permiten una mayor intimidad y confortabilidad y contrastan con los grandes salones del Barroco.

El tema favorito de la decoración es la ROCALLA (rocaille), elemento asimétrico que recuerda a conchas, a formas vegetales, y que lo inunda todo.

Junto a las rocallas aparecen las conchas, las palmetas, los temas florales y vegetales, los animales, las chinerías.

Los elementos arquitectónicos desaparecen bajo una abundante decoración que se policroma con colores suaves o se moldea en yeso, madera o bronce y adquiere unas proporciones menores que las anteriores decoraciones del siglo XVII.

• Francia

• GERMAIN BOFFRAND (1667-1754)

Salón oval del Hótel Soubise. París. (1735-1740).

• JACQUES GABRIEL (1667-1742)

Hótel Byron (actual Museo Rodin). París. (1728-1731).

• LAMOUR y GUIBAL

Rejas y fuente de la plaza Stanislas. Nancy. (1752).

• Alemania y Austria

Muy vinculada a lo religioso. Las edificaciones mantienen estructuras barrocas con una decoración rococó.

• BALTASAR NEUMANN (1687-1753)

Santuario de Vierzehnheilizen (1746). Palacio de Würzburgo.

• DOMINICUS ZIMMERMANN (1685-1766)

Santuario de Wies (1746-1754).

• FRANCOIS CUVILLIÉS (1695-1768)

Palacio de Nymphenburg. Munich. (1734-1739). Teatro de la Residencia. Munich. (17501753).

• España

Se continúa desarrollando el barroco churrigueresco. Se inician una serie de edificios correspondientes a los Borbones en los que se conjuga la frialdad de los exteriores con la riqueza de los interiores.

Fachada del palacio del Marqués de Dos Aguas. ROVIRA. Valencia. (1740-1744). Salón Gasparini. Palacio Real de Madrid. Salón de Porcelana. Palacio de Aranjuez.

• ESCULTURA

Características.

No se puede hablar de una escultura rococó propiamente dicha: la escultura e principios del siglo XVIII es una escultura barroca aunque quizá sea más refinada y de un dramatismo más extremo.

• PINTURA

• francia

• JEAN BAPTISTE CHARDIN (+1779)

Pintor de interiores de gran sobriedad. Extraordinario estudio de calidades, colores y matices. Gran bodegonista.

• JEAN HONORÉ: FRAGONARD (1732-1806)

Alterna los temas galantes con otros sentimentales y narrativas. Pincelada muy ligera. Considerado precursor del romanticismo.

• El columpio.

• JEAN BAPTISTE GREUZE (1725-1805)

Transición con el romanticismo. Trata temas de género de complicados argumentos e intención moralizante, de carácter sentimental y melodramático. Es tachado por los críticos de afectado, falso y dulzón.

• El cántaro roto.

• Italia

• Venecia.

• TIÉPOLO (1696-1770)

Enlaza con el barroco decorativo italiano. En sus obras alterna lo religioso con lo profano.

• Decoración de la residencia de Würzburgo. Sala de Guardias y Sala del Trono del Palacio Real. Madrid.

• ANTONIO CANALE, "EL CANALETTO" (1697-1768)

Gran dibujante: practica un dibujo minucioso y detallado. Composiciones luminosas y alegres.

Destaca por las VEDUTTE: vistas de la ciudad con una perspectiva muy profunda, son importantes en la evolución del paisaje que culminará en el siglo XIX.

• FRANCISCO GUARDI (1712-1793)

Continua el género de las vedutte: son más poéticas y románticas que las de Canaletto. Manifiesta especial interés por el estudio de la luz: atmósfera difusa y pinceladas sueltas que hacen de él un precursor del impresionismo.

• Inglaterra

El siglo XVIII y el primer tercio del siglo XIX están considerados como la época de máximo esplendor de la pintura inglesa. Pintura de carácter civil y profano, sin influencias de la monarquía ni de los eclesiásticos. Los principales temas tratados son el retrato, el paisaje y las escenas de género.

• WILLIAM HOGARTH (1697-1764)

Pintor costumbrista: critica los vicios de la sociedad inglesa satirizando las costumbres sociales y políticas de su época. Introduce la "pintura en serie": trata en varios cuadros episodios sucesivos de un mismo tema. En sus obras predomina la línea sobre el color.

• Matrimonio a la moda. La carrera del libertino.

• Sir JOSHUA REYNOLDS (1723-1792)

Excelente retratista de la aristocracia y la burguesía. Influenciado por la elegancia de VAN DYCK, evita cualquier imperfección en los retratados: busca la belleza idealizada. Gran intérprete de la gracia e ingenuidad de los niños.

• THOMAS GAINSBOROUGH (1727-1788)

Gran intérprete tanto del retrato como del paisaje. Retrato: influenciado por VAN DYCK, destaca la elegancia del personaje. Paisaje: influenciado por los pintores holandeses del siglo XVII, está considera do como uno de los creadores del paisaje inglés. Maestría en captar las calidades de las telas y objetos.

• GEORGE RONNEY (+1810)

• THOMAS LAWRENCE (+1830)

• España

Decadencia agravada por la llegada de artistas extranjeros traídos por los Borbones.

Gran importancia de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara para la que muchos pintores importantes dibujaron cartones para tapices.

Desarrollo de la pintura profana de tipo costumbrista.

• Pintores extranjeros

• JEAN RANC (1674-1735)

Francés, traído a España por Felipe V en 172. Excelente retratista cortesano: gusto refinado y elegante.

• Familia de Felipe V.

• LUIS MIGUEL VAN LOO (1707-1771)

Francés, traído por Felipe V en 1737 como sucesor de RANC. Fernando VI le nombre primer director de la Academia de San Fernando. Retratista: carácter oficial y aparatoso. Escenarios arquitectónicos muy complejos.

• Familia de Felipe V. (1743).

• MIGUEL ÁNGEL HOUASSE (+1730)

• TIÉPOLO (1696-1770).

• Pintores españoles

• LUIS PARET Y ALCÁZAR (1746-1799)

Principal representante del estilo rococó en España. Temas mundanos y elegantes, cuadros de pequeño tamaño, composiciones refinadas llenas de gracia y delicadeza. Técnica refinada y gran espíritu de observación.

• Comida de Carlos III. El baile de máscaras. La tienda de cuadros.

• LUIS MENÉNDEZ o MELÉNDEZ (+1780)

Gran bodegonista.




ARQUITECTURA: CARACTERES Y ELEMENTOS

La arquitectura es la construcción de edificios y monumentos no solo desde el punto de vista técnico sino como representación de los sentimientos y de la mentalidad de los hombres. Así pues, la arquitectura como arte es superior a la construcción como técnica.

• CLASIFICACIÓN

Según Ruskin, la arquitectura se divide en: religiosa, civil, conmemorativa (no habitable), militar, doméstica (viviendas).

• MATERIALES

Son muy importantes por dos razones:

• Influyen en el aspecto de los edificios: pobreza o riqueza, pesadez o ligereza, etc.

• Favorecen la aparición de diferentes formas artísticas. Así, por ejemplo, el arco y la bóveda se generalizan gracias al uso de materiales pequeños y ligeros como el ladrillo o el adobe y por la escasez de maderas largas para hacer los dinteles.

• Tipos de materiales

Pueden ser muy variados e incluso en el momento actual se está experimentando con nuevos materiales más resistentes y ligeros.

• Barro: puede Presentarse bajo la forma de LADRILLO (cocido al fuego) o ADOBE (secado al sol y mezclado con paja). Tiene que ir, normalmente siempre, recubierto de placas decorativas.

• Piedra: es el material más noble aunque también es el más costoso. Puede ser piedra caliza, arenisca, granito, etc. Los artesanos que trabajan la piedra son los canteros.

• Madera: es propia de zonas de bosques y asimismo, de zona de terremotos por su flexibilidad. Se usa habitualmente para los soportes y las cubiertas.

Con ella se crean muchas formas arquitectónicas que después pasan a la piedra, tanto en lo constructivo como en lo decorativo.

• elementos

Podemos considerar como tales a la planta, a los elementos sustentantes que soportan el peso del edificio (muros, columnas pilares, etc.), a los elementos sustentados (todo tipo de cubiertas) y a los vanos.

• Planta

Se define como el dibujo arquitectónico de una obra representada en sección horizontal. Normalmente se realiza este dibujo a escala. Se viene utilizando este término como sinónimo de plano.

La planta se contrapone al ALZADO que es el conjunto de elementos verticales de un edificio. Este alzado se representa siempre sin perspectiva. También puede hacer referencia el concepto de alzado a la representación de una fachada.

Clases de planta: pueden obedecer a dos planes:

• Central: cuando tienen un centro de simetría. Pueden ser:

• Circulares.

• Poligonales.

• Cuadrangulares.

• De cruz griega.

Este tipo de planta central se suele cubrir con cúpulas.

• Axial: cuando es un eje el que determina la simetría. Las más importantes son:

• Salón: rectangulares; propias de las lonjas y de los templos clásicos. En occidente suele tener tres naves a la misma altura.

• Basilical: tiene su origen en Roma. Tiene forma rectangular con un ábside semicircular o recto.

Número impar de naves, la central más ancha y alta que las laterales. En el mundo cristiano se transformará mediante un brazo transversal cerca de la cabecera. En el ábside se coloca el altar, lo que aumenta el sentido longitudinal.

• Cruz latina: aparece por evolución de la basilical al añadirle un brazo transversal en el mundo occidental cristiano. Consta de una nave longitudinal subdividida en otras tres, la de crucero y el ábside. De las naves en que se divide la longitudinal, la central es más alta y ancha que las laterales.

Las cubiertas variarán según el estilo arquitectónico.

A medida que avanza el arte medieval aparecen las GIROLAS, zona de comunicación entre las naves laterales por detrás de la nave de, crucero y del altar mayor.

El crucero es el punto de unión de las naves longitudinal y transversal y suele cubrirse con una bóveda de arista o una cúpula.

• Elementos sustentantes

Dentro de ellos podemos estudiar: los muros, los elementos que transmiten el peso a la tierra (columnas, pilares, pilastras, pies derechos y contrafuertes) y los elementos que transmiten el peso a los muros (ménsulas, modillones y canes).

• MUROS

Pueden estar constituidos por diferentes materiales y así se originan diferentes tipos de muros.

• Tapia: formado por tierra apisonada o argamasa (mezcla de arena, cal y agua).

• Ladrillo: las piezas se unen con argamasa. Puede aparecer sólo el ladrillo o mezclarse con hiladas de pequeñas piedras llamándose entonces "Mixtum incertum”. A veces los ladrillos adoptan forma de red o "mixtum reticulatum" y forma de espina o “mixtum spicatum”. En otras ocasiones aparecen alternados con piezas de cerámica, “testaceum".

• Piedra: pueden ser de varios tipos:

• ciclópeo: formado por grandes piedras sin labrar y unidas con poca argamasa e incluso sin ella. Se suele encontrar en la parte baja de las murallas.

• mampostería: piedras pequeñas también sin labrar pero unidas por argamasa. Reciben el nombre de "caementicium" y de “incertum".

• sillería: construido a base de sillares, piedras labradas en forma de paralelepípedos cortados a escuadra. Tienen ángulos rectos y lados paralelos dos a dos. Llamado “opus quadratum o isodomum".

• sillarejo: compuesto por piedras labradas pero sin tanto esmero como los sillares. No están escuadradas. Reciben el nombre de "vittatum".

Para trabajar mejor el aparejo se suelen alternar unos sillares trabajados a SOGA (horizontales) con otros trabajados a TIZON (perpendiculares). Los sillares se suelen decorar con el ALMOHADILLADO: se rehunden las líneas de unión de los sillares con lo que el frente queda en relieve.

Si los sillares se asientan directamente entre sí, sin argamasa, se dice que el muro está labrado “a hueso”.

Si el muro es de materiales pobres se cubre con una capa de enfoscado y otra más fina, enlucido. Si las capas son de diferente color se produce la decoración de “esgrafiado" raspando la capa exterior y dejando ver la interior. A estos muros de materiales pobres se les suele cubrir también con cerámicas o yeserías.

En los muros hay que distinguir los macizos o partes sólidas y los vanos que son los huecos (ventanas o puertas). Son importantes para conseguir una sensación de ligereza o pesadez, de movimiento o de quietud en el edificio.

• ELEMENTOS QUE TRANSMITEN EL PESO A TIERRA.

• COLUMNAS

Tiene las siguientes partes:

• Basa: formada por varias molduras llamadas TOROS (convexas) y ESCOCIAS (cóncavas).

• Fuste: de forma generalmente cilíndrica, más ancho por la parte inferior que por la superiora veces presenta un ligero ensanchamiento en la parte central llamada “éntasis”.

• Capitel: es la parte más decorada. Sobre él se apoya directamente el arquitrabe o el arco. Está formado por varias partes de las cuales las más importantes son:

• collarino o astrágalo: cordón que rodea al fuste y sirve de base al capitel.

• equino: zona más decorada. Formas muy variadas.

• ábaco: especie de tablilla que remata el capitel y sobre la que descansa directamente el arquitrabe o el arco.

• PILARES

Soportes de sección cuadrangular o poligonal. A veces también se usa el pilar cruciforme. Se puede presentar sólo o rodeado de pequeñas columnas recibiendo entonces el nombre de fasciculado.

• PILASTRAS.

Son pilares adosados a una pared. Semejantes en todo al pilar.

• PIES DERECHOS.

Son elementos de madera, generalmente cuadrangulares, que sujetan los entablamentos y que a veces se apoyan en un plinto (especie de basa pero cuadrada). En los pisos bajos de los edificios este plinto es de piedra y en los superiores de madera. En la parte superior del pie derecho se encuentra un capitel rectangular o ZAPATA, para que la viga se apoye mejor. Estas vigas que descansan directamente en las zapatas se llaman "maestras".

Este soporte es típico de las plazas mayores de los pueblos y de los patios.

• CONTRAFUERTES.

Son elementos que refuerzan al muro y le sirven de apoyo en los lugares donde éste va a recibir más peso. Normalmente los muros se refuerzan desde fuera pero también pueden ser reforzados desde el interior, en cuyo caso los contrafuertes se convierten en pilastras.

En el gótico, el contrafuerte está separado del muro y recibe el peso por medio de un ARBOTANTE, arco que transmite el peso a los contrafuertes.

• ELEMENTOS QUE TRANSMITEN EL PESO A LOS MUROS

Son soportes que sobresalen del muro pero sin descansar en el suelo y que sirven para apoyar en ellos, a modo de repisas, los salientes de los tejados, cornisas, balcones, esculturas, etc. Según su tipo de decoración y su tamaño son:

• Ménsulas

• Modillones

• Canes.

Elementos sustentados: se llama así a las cubiertas que pueden ser:

• ARQUITRABADAS o ADINTELADAS

Se caracterizan porque los elementos sustentados ejercen presiones verticales solamente. El elemento fundamental es el entablamento, siempre horizontal y que está formado por:

• arquitrabe: parte horizontal que descansa directamente sobre el ábaco del capitel.

• friso: franja colocada sobre el arquitrabe y generalmente decorada según los estilos

• cornisa: moldura ligeramente saliente, sostenida a veces por ménsulas, que protege de la lluvia al edificio. Sirve a su vez de elemento sustentante para el tejado y la cubierta.

• ARMADURAS DE PARHILERA

Son cubiertas de madera formadas por parejas o "pares" de vigas, dispuestas oblicuamente.

Su extremo inferior descansa en dos vigas horizontales llamadas “soleras”, que están situadas en la parte superior del muro. La parte superior de los pares descansa y se une entre sí, al mismo tiempo, en una tercera viga horizontal, paralela a la solera que recibe el nombre de “hilera”. Sobre los pares y formando ángulo recto con ellos se disponen los contrapares, en sentido longitudinal. Sobre éstos se apoya la tablazón y por último la capa exterior de pizarra, de teja, etc.

Para contrarrestar el empuje lateral se unen las soleras mediante un tirante.

• ARMADURAS DE PAR Y NUDILLO

Es como la anterior pero entre cada pareja de "pares" se dispone una pequeña viga llama da "nudillo" para evitar el abombamiento de los pares en la zona central.

• ABOVEDADAS.

Se oponen a las anteriores y están basadas en el empleo de arcos y bóvedas. Como los elementos sostenidos por las columnas son curvos, las presiones que se ejercen son laterales, es decir, oblicuas. Estas cubiertas son apropiadas para cubrir espacios anchos y amplios.

Los tipos de bóvedas son:

• DE CAÑÓN: formada por la proyección de un arco de medio punto. Es de sección semicircular. Su peso recae en los muros laterales y en toda la extensión de los mismos. Requiere, por su solidez, muros muy gruesos.

Está formada por dos tipos de arcos, ambos de medio punto: arco FAJÓN, dispuesto transversalmente al eje de la nave, ciñendo la bóveda, y arco FORMERO, parelelo al eje longitudinal de la nave y que separa a las naves.

• APUNTADA: se forma por la sucesión de arcos apuntados y aparece a finales del siglo XII. Sus características son idénticas a la anterior.

• NERVADA O DE CRUCERÍA: aparece a fines del siglo XII pero se prolonga en el Gótico y hasta el siglo XVI. Se caracteriza porque el elemento activo de la cubierta son los NERVIOS que se cruzan en el centro de la bóveda, formándose allí como decoración unos medallones o CLAVES.

Los muros no son ya los elementos activos sino las nervaduras. Estas transmiten el peso a las columnas o pilares que a su vez lo conducen al suelo. Por eso, al recaer el peso en las columnas y no en el muro, éste puede ser más alto y predominar los vanos sobre los macizos.

Las partes de las bóvedas que quedan entre los nervios se llaman PLEMENTOS y al conjunto de éstos PLEMENTERÍA. Suele estar hecha de materiales ligeros.

A medida que la bóveda nervada se complica lo hacen también los pilares en que se apoya y se van convirtiendo en pilares fasciculados de sección cruciforme.

• Puede haber varios tipos de bóveda de crucería:

• nervada en diagonal o de crucería simple: corresponde a lo anterior. Es la más sencilla.

• nervada sexpartita: la plementería se compone de seis fragmentos al haber un tercer nervio horizontal. Suele aparecer a fines del siglo XIII.

• nervada con terceletes: a la bóveda simple se le añaden los TERCELETES que son unos nervios formados por la bisectriz del ángulo constituido por los arcos formeros o los arcos fajones y los nervios. En el punto de unión de cada par de terceletes se sitúa otra clave y de ésta arranca otro nervio o ligadura que se une con la clave central formándose así una cruz. de terceletes y combados: es un recargamiento de la de terceletes: posee unos ligamentos curvos o COMBADOS que unen las nervaduras rectas entre sí.

• abanico: propia de Inglaterra y muy tardía, tiene un valor fundamentalmente decorativo.

• DE ARISTAS: es la determinada por el cruce de dos bóvedas de cañón o apuntadas. Este cruce se hace siempre en forma perpendicular. Las líneas de corte se llaman aristas.

• DE HORNO O DE CASCARON: tiene forma de cuarto de esfera y generalmente se encuentra precedida por una bóveda de cañón. Suele estar situada en los ábsides semicirculares.

• VAIDA (Baida): cúpula que ha sido cortada por cuatro planos verticales paralelos entre sí. La cúpula queda así disminuida por la apertura de cuatro arcos en su masa.

• CÚPULA: es un tipo de abovedamiento elevado sobre planta circular o poligonal, generalmente un octógono. Su forma es semiesférica o de media naranja. Cuando se desea conseguir una mayor elevación de la cúpula se intercala, entre la parte superior de los muros y la cúpula, un ancho anillo cilíndrico u octogonal llamado TAMBOR.

El paso de la planta cuadrada o poligonal a la circular, sobre la que propiamente se asienta la cúpula se puede hacer de dos maneras:

• Pechinas: triángulos esféricos que arrancan de los vértices del cuadrado.

• Trompas: fragmentos de bóveda de superficie cónica con el vértice en el ángulo de los muros y la parte ancha hacia afuera, en saledizo. Tiene por misión pasar, en los ángulos de un edificio, de una línea vertical a un arco.

• CIMBORRIO: construcción elevada sobre el crucero que habitualmente tiene forma de torre cuadrada u octogonal. Se cubre mediante una cúpula rematada por un chapitel. Lateralmente presenta una serie de ventanas.

• Vanos

Son las puertas, ventanas y, en generarlos huecos de un edificio. Pueden ser:

• ADINTELADOS

Constan de las siguientes partes:

• Dintel: pieza horizontal, generalmente monolítica que cubre el vano.

• Jambas: partes verticales que enmarcan el vano.

• Antepecho: cerramiento de una ventana para apoyarse en él.

• Umbral: en el caso de una puerta, es la parte inferior que se opone al dintel.

Tanto en los adintelados como en los abovedados la anchura del vano recibe el nombre de LUZ.

• ABOVEDADOS

Formados por arcos que son elementos sustentantes que descargan los empujes lateralmente y que están destinados a franquear espacios más o menos grandes por medio de un trayecto generalmente curvo.

Los elementos del arco son:

• Dovelas: piedras en forma de cuña en las que se puede despiezar un arco. La dovela central se llama CLAVE y suele estar decorada. Los SALMERES son las dovelas qué descansan sobre las IMPOSTAS que son la parte superior de las jambas. Las partes del muro que quedan en los lados superiores del arco son las ENJUTAS.

• Intradós: es la parte interior del arco.

• Extradós: parte superior del arco.

• Rosca: parte frontal del arco. También se llaman arquivoltas.

• Tímpano: espacio macizo que en algunos arcos está comprendido entre el arco y el diámetro del mismo. Suelen ir decorados. Son más propios de puertas que de ventanas.

• Parteluz: llamado también MAINEL, es una columna que divide en dos una puerta o ventana.

• Alfiz: propio de los arcos de herradura musulmanes, consiste en una moldura rectangular tangente a los lados del arco.

Las clases más generales de arcos:

• De un solo centro

• Medio punto: semicircular, su centro se encuentra en la línea de impostas, es el más utilizado.

• Peraltado: es el de medio punto cuyo centro se encuentra más alto de la línea de impostas. Está sobrealzado por medio de dos líneas rectas.

• Rebajado: cuando el centro se encuentra más bajo de la línea de impostas. Es propio del Renacimiento.

• Escarzano: deriva del arco rebajado; el centro se encuentra por debajo de la línea de impostas en una medida igual al radio o más.

• Herradura: es un arco ultrasemicircular, es decir, peraltado pero que prolonga sus lados en línea curva y no en línea recta. Es propio del arte visigodo, mozárabe y musulmán aunque con pequeñas variantes.

• De dos centros

• Apuntado: está formado por dos ramas curvas que se cortan con un ángulo también curvo. Sus centros están en la línea de impostas. Al principio son estrechos, después se van ensanchando.

• De tres centros

• Carpanel: tiene tres ramas curvas. Dos centros están próximos a las jambas y determinan las ramas laterales pequeñas y el tercero está mucho más bajo que la línea de impostas y determina el arco central.

• De cuatro centros

• Conopial (Tudor): es propio del Gótico flamígero. Tiene cuatro segmentos de arco, dos cóncavos y dos convexos, simétricos entre sí.

• De varios centros

• Mixtilíneos: aquellos que constan de partes rectas y curvas. Corrientemente tienen tres centros.

• Lobulados: propios del arte musulmán; también se dan en el Gótico. Pueden ser:

• Trilobulados: tienen tres lóbulos.

• Polilobulados: muchos lóbulos.

• Angrelados: pequeños lóbulos a modo de decoración rizada en la rosca del arco.

En muchos vanos, puertas o ventanas, existe un abocinamiento. Un vano abocinado es aquel cuyo hueco va disminuyendo progresivamente desde el exterior al fondo del mismo.

Las ARQUIVOLTAS son cada uno de los arcos de un conjunto abocinado. Cada arquivolta se apoya en un elemento sustentante propio que puede ser columnas, pilastras, etc. La última arquivolta va apoyada en una ménsula. Suelen ir decoradas por distintos elementos.

• Ajedrezado: decoración en damero o ajedrez. Origen centroeuropeo.

• Abilletado: como el anterior pero los tacos son rectangulares.

• Fitana: con motivos vegetales. origen oriental.

• Palmetas: también vegetal y de origen oriental.

• Dientes de sierra

• Besantes: círculos planos

• Perlas: igual que los besantes pero en relieve.

• Clavos o diamantes: figuras poligonales en relieve.

• Carátulas: decoración de animales.

• Figuras humanas: primero se colocan en sentido radial en las arquivoltas y después en sentido longitudinal.

• ÓCULOS o ROSETONES

Son vanos circulares generalmente muy decorados. Pueden ser abocinados si el muro es muy grueso y decorados con elementos semejantes a las arquivoltas. A veces presenta tracerías, elementos simétricos de decoración, etc.

Aparecen a fines del Románico y se van complicando a lo largo del Gótico.




PINTURA: CARACTERES Y ELEMENTOS

Es la representación de figuras en una superficie plana y utilizando el color. Consta, por lo tanto, solamente de dos dimensiones.

• ELEMENTOS

Se pueden considerar como tales el dibujo, la luz y el color.

• Dibujo

Sirve como boceto previo a un cuadro aunque no siempre se realiza. Dentro de él hay dos puntos importantes:

• Perspectiva

Es el modo de representar en una superficie los objetos de manera que aparezcan en la forma y disposición en que se muestran a nuestra vista en la realidad. Quiere conseguir la captación de la tercera dimensión. Puede ser:

• Lineal o geométrico: considera las deformaciones aparentes que sufren los cuerpos según su distancia o posición con respecto al espectador. Comunica profundidad al cuadro para lo cual las líneas que unen las figuras entre sí son convergentes hacia el fondo, y las figuras son cada vez más pequeñas a medida que se alejan del espectador.

• Aérea: considera las modificaciones cromáticas que sufren los cuerpos a través del medio aéreo que se interpone entre ellos y el espectador. Depende también de la naturaleza del ambiente que rodee a las figuras. El aire difumina los contornos y atenúa el color a medida que las figuras se alejan del espectador.

Es el “sfumato" de Leonardo de Vinci y quien mejor la consigue es Velázquez.

• Caballera: la que se obtiene desde un punto de vista semejante al de un jinete, más eleva lo normal.

• Jerárquica: consiste en representar de menor tamaño las figuras menos importantes sin tener en cuenta su situación con respecto al espectador. Se utiliza preferentemente en los pueblos antiguos.

• Conceptual: las figuras se superponen en bandas para indicar acercamiento o lejanía.

• Enfática: la que está realizada para simular una escultura, como por ejemplo la utilizada por Mantegna en su Cristo.

• Composición

Es la disposición de las figuras y objetos, de acuerdo con la idea del pintor, a fin de situar a los objetos en el espacio de una manera bella y armoniosa. Puede ser:

• Diagonal: el esquema básico está constituido por una línea diagonal que parte de un ángulo del cuadro y se dirige al opuesto. Sugiere un fuerte dinamismo y movimiento. Es propia del Barroco.

• Triángulo: también llamada piramidal. Es propia del Renacimiento italiano. Se disponen las figuras más importantes en forma de una pirámide. Se produce así una sensación de equilibrio y de movimiento ascensional.

• Espiral o serpentiforme: es un eje principal enroscado en forma de serpiente que sirve como esquema de composición. Muy empleado en el manierismo y sobre todo en la escultura porque así pueden ofrecerse perspectivas equivalentes de la misma obra desde varios puntos de vista.

• Luz

Tiene gran importancia en la obra pictórica porque mediante los juegos de luces y sombras se da volumen a los cuerpos y profundidad a los espacios. La luz es importante también para la clasificación de los estilos pictóricos y atendiendo a su utilización encontramos dos estilos fundamentales:

• Tenebrismo: utiliza grandes contrastes de luz y sombra de modo que las partes iluminadas se destaquen violentamente sobre las que no lo están. Emplea generalmente luces artificiales. Los temas tenebristas suelen ser de tipos humildes, representados en actitudes poco convencionales, para reaccionar frente al intelectualismo del manierismo. El maestro del tenebrismo es Caravaggio y en España, Ribera y Ribalta.

• Impresionismo: es un estilo en el que se aplica a la pintura el estudio científico de la luz, el color, la sombra, el contraste. Pintaban al aire libre, anotando las tonalidades atmosféricas y los reflejos luminosos sobre las cosas a diferentes horas del día para captar la impresión instantánea. También estudian como esa luz es modificada por fenómenos atmosféricos como la lluvia, el atardecer, etc. y por otros factores como el humo, el polvo, etc.

• El claroscuro es el empleo de luces y sombras para fingir formas y espacios. Con él se da relieve, expresión a un rostro, violencia a un movimiento. Aunque hay épocas en las que no se utiliza es propio de la Baja Edad Media y se utiliza hasta el momento actual.

• Color

Es un elemento fundamental de la pintura. Los colores pueden ser fundamentales, binarios y complementarios y pueden pertenecer a dos tipos de gamas, la cálida y la fría. Al conjunto o escala de colores preferidos por un pintor se le denomina PALETA y a la serie de matices de un mismo color se le denomina GAMA.

• Fundamentales: son el rojo, amarillo y azul. Se originan por mezcla todas las gamas colorísticas.

• Binarios: son los que resultan por mezclas simples de los fundamentales. Son: anaranjado (amarillo y rojo), verde (azul y amarillo) y violeta (azul y rojo).

• Complementarios: son aquellos que, teóricamente, cuando se juntan forman el blanco. Son el verde con el rojo, el anaranjado con el azul y el amarillo con él violeta.

• En pintura todo color se refuerza con su complementario, especialmente en el impresionismo y en la pintura moderna.

• Gama cálida: está constituida por aquellos colores que expanden luz: rojos, ocres, amarillos y marrones. Usada, por ejemplo, por Tiziano.

• Gama fría: constituida por los colores que absorben luz: azules, verdes violetas. La utiliza preferentemente Tintoreto.

Existen composiciones en las que sólo se usa el blanco y negro y la mezcla de ambos. Son llamadas GRISALLAS y son propias de la pintura del siglo XVI.

El color se puede aplicar mediante una serie de procedimientos o TÉCNICAS que se basan en diferentes tipos de aglutinantes para disolver las pinturas. Las técnicas más importantes son:

• Acuarela: el color se mezcla con el agua añadiendo, a veces, una solución gomosa para facilitar la adherencia de los colores. Normalmente se emplea como color blanco el del mismo papel y la pintura blanca sólo se emplea para aclarar los colores.

• Lavado: deriva de la acuarela y consiste en dar color con una sola tinta diluida en agua a toda una superficie hasta que ésta adquiere un tono uniforme. Estaba ya en boga en el siglo XVI.

• Aguada: también se denomina pintura al "gouache”. Es similar a la acuarela pero los colores son más espesos y se diluyen en agua o cola mezclada con miel. Emplea también el color blanco. Da tonos opacos y fue muy empleada por los miniaturistas medievales.

• Pastel: realizada con lápices de color en los que el color se aglutina con caolín, yeso, goma arábiga, etc.

Se realiza sobre papel granulado o pergamino o cualquier superficie áspera o rugosa. Los colores tienen una gran viveza por lo que es un método adecuado para tomar apuntes del natural. Tienen el inconveniente de que se borran con facilidad.

• Frescos: se realizan sobre un muro con un revoque de cal húmeda y con los colores desleídos en agua y cal. Si el desleimiento y la aplicación se han hecho convenientemente se forma una película de carbonato de calcio que une indisolublemente los colores a la pared. Como la intensidad del color pierde viveza a medida que la cal se absorbe, si se quieren conseguir tonos vivos es necesario aplicar nuevas capas inmediatamente ya que el retoque al fresco es muy difícil. Normalmente cuando este retoque es preciso se hace por el temple o por cualquier otro sistema.

No se puede utilizar toda la gama de colores.

• Temple: se aplica sobre el enlucido ya seco una mezcla de color disuelto en agua y cola grasa, clara de huevo o algún jugo vegetal. El enlucido siempre es de yeso y la mezcla se adhiere a él pero no penetra dentro del enlucido.

El temple se puede utilizar sobre una pared, sobre papel, cartón, madera, etc. Es necesario haber aplicado antes una capa de yeso fino.

• Óleo: en esta técnica el color se empasta con aceite que seque pronto como, por ejemplo, el de linaza, nueces, adormideras, etc. Permite una gran variedad de efectos pictóricos y es de fácil corrección. No se usa hasta fines de la Edad Media, en el siglo XV, con los hermanos Van Eyck de los Primitivos Flamencos.

El procedimiento más usual para pintar un cuadro al óleo es el siguiente: Elaborado un pequeño boceto o cartón del cuadro se inicia la ejecución mediante el esbozo o bosquejo de las líneas generales de la composición. se aplican los colores a pinceladas y mediante los EMPASTES, capas gruesas de color, VELADURAS, superposición de colores distintos obteniéndose por trasparencias diversas tonalidades, y RESTREGADOS, superposiciones de colores frotando el pincel para que afloren en algunos puntos el color o colores inferiores, se consiguen determinados efectos. Por último se barniza para preservarle del contacto directo con la atmósfera.

Los soportes empleados pueden ser también muy diversos: pared, tabla, lienzo, etc. Cada uno de ellos necesita una preparación distinta por una parte según el tipo de material de que se trate y por otra según la técnica que se vaya a emplear.

Si se trata de un lienzo y aunque en la actualidad ya se encuentran preparados, el procedimiento necesario es: después de estirado el lienzo sobre el bastidor se aplica una capa de cola para espesar el fondo y llenar los poros del lienzo. Después se hace la imprimación, propiamente dicha, con una mezcla de yeso o creta y blanco de zinc disueltos en agua. Esta disolución debe estar mezclada con cola y calentada al baño maría. Las capas deben ser muy finas para que el lienzo permanezca elástico y no se cuartee. Después de cada capa se lijará para evitar impurezas y rugosidades.

Si el material o soporte empleado es madera hay que elegirla muy bien. Tiene que estar secada al aire durante uno o más años, para que no se hinche ni se contraiga al secarse o humedecerse. Sobre la madera se da una capa previa de cola en capas muy delgadas. Después un fondo de yeso, blanco de zinc y cola que debe aplicarse en capas también muy delgadas y perpendiculares unas a otras alternativamente, tras haberse dejado secar bien cada una de ellas.

Esta IMPRIMACIÓN o preparación del soporte es muy importante porque de ella depende la luminosidad y la vida de la obra.




ESCULTURA: CARACTERES Y ELEMENTOS

Escultura es la representación de las figuras en tres dimensiones y, por lo tanto, el escultor tiene que calcular el efecto que producirá su obra desde diversos puntos de vista a la vez. Está muy relacionada con la arquitectura a la que sirve de decoración.

En su estudio hay que tener en cuenta tres elementos fundamentales.

• Material

El material condiciona la talla ya que hace que ésta sea más o menos blanda y por lo tanto modifica el elemento artístico (juego de luces y de sombras). El material escultórico puede ser:

• PIEDRA: según su dureza las obras pueden ser más o menos detalladas en su labor. Se usan varios tipos de piedra y los más usuales son:

• Granito: es la piedra más dura y las esculturas hechas con este material son también muy duras y el realismo y la belleza se consiguen por el juego de masas.

• Piedra caliza: fundamentalmente mármol; permite un trabajo más detallado y alcanzar una mayor expresividad.

• El alabastro se trabaja más fácilmente y añade aún más valores de plasticidad a la escultura. Es translúcido y da a la escultura una blandura más acusada que el mármol. Se emplea, sobre todo, en escultura funeraria medieval y renacentista.

Para trabajar la piedra se hace un dibujo previo y después un boceto. Se utilizan modelos de barro o yeso de tamaño natural para sacar sobre el bloque de piedra unos puntos de referencia por medios mecánicos. Se desbasta el bloque hasta dejar dichos puntos al descubierto, concluyendo la obra con el retoque, el afinado y el pulimentado.

• METAL: este material señala otros valores en la escultura como fuerza, reciedumbre, etc.

Se emplea mucho en la escultura cubista y expresionista.

• Bronce: se emplea desde la antigüedad. Estas esculturas de bronce se realizan por el procedimiento de la CERA PERDIDA que consiste en hacer un molde en cera que se recubre con yeso, barro o cualquier otra sustancia refractaria; esta capa tiene que amoldarse perfectamente al molde de cera reproduciendo su forma como si fuera un negativo. Cuando se ha secado todo, se practica en la parte superior y en la inferior sendos orificios vertiéndose por el superior la colada de bronce fundido y saliendo por el inferior la cera derretida. Una vez enfriado el metal se rompe el molde y se desprende de la estatua.

Para que ésta no sea maciza se requiere un procedimiento más complicado: la estatua de cera tiene que llevar en su interior un ALMA o relleno de la materia refractaria que después también se desechará.

• Hierro: menos usual, se trabaja por técnicas semejantes al bronce.

• Oro y plata: es busca fundamentalmente la riqueza más que otros valores.

• Oro combinado con marfil en las llamadas estatuas crisoelefantinas: el oro se utiliza para los vestidos y adornos y el marfil para el cuerpo.

• MADERA: es propia de la imaginaría religiosa y es muy utilizada en España. Es una escultura muy realista y expresiva pero es perecedera por la misma calidad de la madera. Tiene que ser de muy buena calidad y estar muy seca porque si está verde o húmeda se resquebraja.

En ella se emplea la policromía más que en la piedra.

• OTROS MATERIALES: marfil, estuco (material dúctil hecho a base de arena, cal y polvo de mármol), barro cocido o terracota, lacas, ceras, hierro, aluminio, materias plásticas, etc.

• TÉCNICA

Puede presentar diversas modalidades:

• BULTO REDONDO: son las esculturas que están labradas por todos sus lados. Son esculturas aisladas, exentas. Pueden ser: de pie, yacentes, orantes, sedentes, ecuestres, busto (desde la cabeza hasta la mitad del tórax) y torso (como el busto pero sin cabeza ni brazos).

• RELIEVE: presenta las figuras escultóricas adheridas a un plano o bloque y, por lo tanto, no están trabajadas en todos sus planos. Dentro del relieve se puede hablar de:

• Alto relieve: es aquel que resalta más de la mitad del bulto sobre el plano.

• Medio relieve: cuando el bulto resalta solo en su mitad sobre el plano.

• Bajorrelieve: cuando resalta menos de la mitad.

• Hueco relieve: cuando la figura queda por debajo del nivel del plano, está rehundida.

En los relieves es importante el estudio del ESCORZO que es el modo de representar una figura que en la realidad estaría dispuesta perpendicular u oblicuamente al plano en que ha sido representada. En realidad, toda perspectiva exige la existencia de un escorzo pero no se habla de él a no ser que sea muy evidente. Su representación es más fácil en pintura que en escultura.

Tanto en BULTO REDONDO como en RELIEVE hemos de atender al plegado de los paños. Unas veces lo hacen en líneas rectas, otras en zigzag, otras en grandes pliegues como acartonados, a veces ampulosos, etc. A veces los paños se adaptan tan bien al cuerpo que le reflejan por completo: es la técnica de los PAÑOS MOJADOS.

• POLICROMÍA

Se realiza sobre todo en la escultura en madera. Los griegos policromaban sus mármoles y en el medievo también se hacía en la piedra, aunque el material que mejor se presta para ello es la madera.

Para policromar la madera hay que dar una ligera base de yeso o escayola. Después se pueden aplicar los panes de oro que son muy dúctiles y maleables y mediante espátulas se van adaptando a los distintos huecos y salientes de la escultura. Luego se cincela y bruñe.

Hay esculturas que presentan una policromía simple: son las que presentan colores diversos aplicados sobre la base de yeso o escayola. Es muy corriente en el gótico, renacimiento y barroco. Más tarde las esculturas se policroman con la técnica del ESTOFADO, aunque ambas técnicas coincidieron en algunos momentos.

ESTOFADO es una técnica para simular telas con labores de seda labrada con oro. Los escultores querían reproducir en los paños de sus esculturas esas telas y para ello realizaban las siguientes operaciones: se aplicaba sobre la madera la base de yeso o escayola, después se aplicaban panes de oro y más tarde se pintaba. Con un estilete muy fino se iba levantando la pintura en las zonas en que se quería simular un bordado, apareciendo por debajo el oro en hilos finísimos obteniéndose la sensación de riqueza deseada.

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