LA ARQUITECTURA BARROCA:

El Urbanismo

La ciudad del barroco es la imagen del poder del gobernante y su importancia, se mide por el tamaño y el numero de habitantes. Las transformaciones que en ellas se realizan únicamente atienden a las necesidades del poder absoluto de los gobernantes.

En el Barroco, el ordenamiento urbano refleja la estructura social del absolutismo, y la ciudad se organiza entorno a un centro. La teoría urbanística barroca se apoya en centros intercomunicados donde se desarrolla la vida cotidiana, calles anchas y rectas que confluyen en las plazas. Las perspectivas monumentales y uniformadas da una amplitud indefinida a la imagen del poder.

Las plazas son unos de los más importantes elementos del urbanismo barroco, embellecen la ciudad y son punto de referencia para el trazado de calles que las unen. Son un reflejo simbólico del poder civil o religioso, y escenario de fiestas y representaciones sociales y teatrales. De menor importancia estética, pero de gran relevancia arquitectónica son las construcciones defensivas. Las arquitecturas efímeras que se levantan para las entradas triunfales, los funerales y la exaltación de los reyes son de una gran trascendencia para la comprensión del sentido de las manifestaciones artísticas del barroco.

El Palacio

La vivienda urbana de las familias nobles es el ejemplo más característico de la arquitectura civil del barroco, en especial los palacios reales. El palacio Fortaleza, cerrado y con patio, los edificios se relacionan con los diversos patios y dependencias, a la vez que se buscan perspectivas diferentes. La fachada, resaltan los salones principales que en su interior son los centros donde se desarrollan la vida social. Los jardines reflejan la superioridad de la belleza natural, el jardín barroco es un escenario para la monarquía absoluta; es un jardin representativo, cuyo mejor diseñador es el frances Le Nôtre.

El Templo

La relación con Dios se hace dialogo por medio de la obra artística. Las ceremonias necesitan una buena acústica y visibilidad para escuchar la predicación y seguir el lenguaje gestual del orador. El espacio unitario de las iglesias Jesuíticas con circulación independiente en las capillas laterales y la preferencia por la planta de cruz latina ¨tradiconal¨, con una gran cúpula en el crucero es el modelo preferido para la grande iglesias. La planta central queda para la iglesia pequeña y oratorios, se crea un espacio didáctico que busca la persuasión de los fieles mediante los recursos decorativos. Destaca la gran cúpula, la zona mas iluminada, es símbolo de la perfección y del cielo sostenidas por grandes columnas, suele estar decorada por pinturas de falsos cielos y perspectivas con escenas de triunfo y de gloria y con efectos ilusionistas. El altar en forma de tabernáculo o retablo, es ahí donde se visualiza el misterio de la eucaristía y se produce el encuentro del alma con Dios. Los elementos decorativos, el dorado y el recargamiento de los retablos, la abundancia de ricos materiales, contribuye a crear un clima emocional. El templo se proyecta al exterior por medio de la cúpula, que señala el lugar sacro, y sirve de punto de referencia, por medio de la fachada, se articula la puerta.

LA ARQUITECTURA BARROCA

Se manifiesta habitualmente mediante el recurso e atraer la atención de una manera directa y sensual, es la causa de que la imagen, que la rigidez y sobriedad de la arquitectura clasicista habían delegado.

La imagen religiosa tiene que inducir a una contemplación emotiva y devota de las verdades de la religión, y el catolicismo.

La amplia diversidad formal del barroco incluye la retórica de la razón, y con un sentido de la medida y la proporción racional y geometricota escultura, que como todas las manifestaciones artisticas del Renacimiento cobraba valor por su unidad y en si misma, pierde en gran medida su independencia.

El hombre del barroco comienza a vislumbrar el espacio como infinitud, dentro de la cual tiene que orientarse hacia la salvación, y reproduce ese sentido de movimiento en imágenes, dinámicas y directas, que le ayudan a encontrar su camino.

La belleza se busca no por las relaciones entre los diversos elementos, ni por el equilibrio, sino por la creación de una situación, por su capacidad dramática para conducir a lo emotivo mediante lo heroico, lo ascético, lo cruel o lo poseído.

La escultura asume los recursos teatrales y elige los momentos más expresivos y dramáticos, tensos y energéticos, que se expresan en actitudes grandilocuentes y afectadas.

Los claroscuros matizando juegos de colores de los materiales, casi con recursos pictóricos, que permiten que la escultura se continúe en la pintura, y viceversa.

La escultura de genero mitológico también este presente en jardines y palacios, y el ornato urbano requiere múltiples tallas para las fachadas y las fuentes.

En los países protestantes, la falta de imágenes en los altares reduce la escultura a los temas funerarios, a los retratos y a las cuestiones relacionadas con las corporaciones y los Ayuntamientos, representativos de sus ciudades.

LA PINTURA BARROCA

La imagen recobra durante el barroco una gran importancia, incluso desmesurada en algunos momentos. El consciente empleo del arte, como elemento de imposición de valores religiosos o políticos, y los múltiples recursos que desde la propia disciplina artística se desarrollan libremente para alcanzar ese fin , logran que la pintura, como hecho esencialmente visual y de más fácil desarrollo y extensión que otras disciplinas artísticas , alcance , durante el barroco, alguno de sus momentos cumbres, con pintores como Velázquez, Rembrandt, y Rubens ,entre otros.

Italia, que económicamente frustra su posible liderazgo europeo, mantiene la primacía artística , y desde la contestación al minoritario manierismo busca un sistema expresivo de comprensión más directa y sensual, siguiendo la doctrina de Trento , que recomienda “que la diversidad de las figuras pueda ser captada por los ojos del cuerpo y expresada en colores y figuras”.

Se abren las puertas a un naturalismo sin parangón hasta el momento, a la vez que las posibilidades del clasicismo, en ambientes más cultos, siguen desarrollándose, para refundirse finalmente en una apoteosis decorativa y escénica, más interesada en convencer del triunfo que en su demostración, y que es uno de los mejores ejemplos de la imagen persuasiva ,característica del barroco .

Esta libertad de empleo de las técnicas pictóricas pronto se extiende por toda Europa. Aunque se mantiene a Italia , y en especial a Roma, como centro artístico, se desarrollan escuelas nacionales e individuales , que en continuidad con corrientes medievales que no estaban del todo perdidas, o se habían revitalizado, y sin tener que romper con la lógica del clasicismo renacentista como en Italia, alcanzan una variedad expresiva y una cualidad pocas veces igualadas en una misma época histórica.

Los temas de la pintura religiosa vienen de determinados por la fijación de una nueva iconografía destinada a exaltar los valores de la Contrarreforma que se desarrollan en los complejos programas iconográficos que decoran iglesias y conventos, y en la búsqueda de lo emocional de la práctica religiosa frente al racionalismo protestante .

La repetición y la abundancia de imágenes colabora en la afirmación y en la didáctica de los dogmas doctrinales puestos en duda por la Reforma.

La Virgen es objeto de una verdadera pasión reivindicativa que se plasma en multitud de cuadros marianos, entre los que destacan las imágenes de la Piedad y la Inmaculada Concepción , que por su sencillez conectan de forma rápida y afectiva con los fieles . La caridad y los sacramentos , en especial la penitencia y la eucaristía ,los momentos más revelantes de la vida de Cristo, sobre todo la pasión y la crucifixión, y las series sobre la vida de los santos y sus experiencias religiosas, éxtasis o visiones ,como ejemplos de comportamiento, son los temas más abundantes.

La devoción a los santos impulsa hasta el coleccionismo de sus reliquias y acentúa una dimensión distinta de la del vitalismo sensualista. La visión de la muerte , macabra o solemne, racional o dramática , es el contrapunto que se expresa en el tema de la“vanitas”,bodegones con calaveras como lúgubre reflexión sobre la vanidad y brevedad de las cosas de este mundo.

Junto a los temas religiosos , la pintura de género , el gusto por las escenas realistas , de interiores y de vida cotidiana, adquiere un importante desarrollo durante el siglo XVII, especialmente en Holanda , donde la competencia mercantil entre los artistas provoca una especialización temática que eleva espectacularmente la calidad y el desarrollo técnico y temático. El gusto burgués por la vida ordenada, sencilla y segura se encuentra en unos cuadros en los que una sutil ordenación compositiva consigue hacer perceptibles esos valores desde el minucioso realismo que parece ocultar el artificio.

La naturaleza muerta, el bodegón ,que logran el protagonismo de las figuras, o los paisajes ,terrestres o marinos , se convierten en géneros muy apreciados.

La imagen del poder y el gusto cortesano se expresan mediante las alegorías y las escenas alegóricas y las escenas mitológicas y simbólicas .

Los retratos enaltecen a sus protagonistas más por el aparatoso reflejo del poder que por su personalidad. En el llamado retrato a lo divino, el retrato llega a suplantar casi heréticamente a la personalidad de algún santo , o a la fría mezquindad de los retratos de las corporaciones ciudadanas , realizados en Holanda.

La propia imagen del pintor se convierte en un tema de reflexión sobre el valor del arte y el papel del artista , tema que se estimula por la importancia que adquiere el coleccionismo como elemento de prestigio y reflejo de la cultura de sus poseedores. Por otra parte, la importancia del cliente, y sus gustos , la mercantilización del arte ,son elementos importantes a la hora de valorar la obra artística durante el barroco.

Esta amplísima se corresponde con la gran cantidad de pintores y el amplio abanico de técnicas pictóricas que se desarrollan. E l fresco para la pintura decorativa de las paredes , el óleo y el lienzo ,hasta en grandísimas dimensiones , son las técnicas más empleadas ,y se abandona casi por completo la pintura sobre tabla .

Las composiciones oscilan desde el efectismo exagerado y los escorzos violentos , hasta las diagonales que buscan la expresión de un movimiento que afecte al espectador ,o , por el contrario ,el exceso de quietud y austeridad que con otro registro emotivo vincula con la trascendencia.

La pintura barroca abandona el rigor de la perspectiva matemática y el pulido acabado para llegar a la visualización de un espacio abierto , sin un límite preciso en el que el color ,sobre el dibujo, y especialmente la luz y los efectos atmosféricos ,son los que sitúan a los protagonistas en la realidad bidimensional.

ALONSO CANO (1601-1667)

Hombre de carácter violento y vida agitada ,casi al final de sus días toma los hábitos ,como si su misma existencia fuera una ilustración del espíritu barroco español.

Se forma en Sevilla al igual que Velázquez ,con quien le une una buena amistad .Sus primeras obras se pueden integrar dentro de la corriente tenebrista y dejan entrever algunas concomitancias con el estilo de Zurbarán. En 1646 se encuentra en Madrid y se convierte en protegido del conde-duque de Olivares .

En Madrid tiene la oportunidad de estudiar la colección pictórica de la corte y se siente cautivado especialmente por la pintura veneciana. Las obras de este periodo -junto con las de Velásquez- pueden considerarse como las más clásicas del barroco español.

A partir de este momento ,su pintura rehuye el realismo para intentar reflejar un concepto ideal de belleza y de equilibrio, inspirándose en modelos italianos , sobre todo en los procedentes de la escuela veneciana.

Su relación con Velásquez le lleva a incorporar en su estilo alguna característica de la pintura velazqueña, como es la pincelada suelta e ingrávida. Otras obras importantes son las que realiza para la catedral de Granada ,entre las que destacan los lienzos sobre la vida de la Virgen.