ARQUITECTURA DEL SIGLO XVI

1- LA CULTURA ARQUITECTÓNICA: LOS TRATADOS (EDITADOS, INÉDITOS Y TRADUCIDOS)

En la Edad Media no había tratados de arquitectura, práctica que aparecerá en el Renacimiento, en la Edad Moderna.

TRATADOS EDITADOS EN ESPAÑA:

En España se editaron 3 tratados durante el siglo XVI.

 “Las medidas del romano” de Diego de Sagredo, 1526:

Se escribe cuando ya han vuelto a España las Águilas. Es necesario este tratado para que “no se cometan errores a la hora de construir Renacimiento”. Presta particular atención al canon y a la tipología funeraria del sepulcro. Es un libro dotado de multitud de ilustraciones.

 “De varia commensuración para la Escultura y Architectura” de Juan de Arfe, 1585:

Defiende una arquitectura desnuda de decoración, un lenguaje clasicista. Alaba el Escorial.

 “Teoría y práctica de la fortificación” de Cristóbal de Rojas, 1596:

Trata principalmente de arquitectura militar.

TRATADOS INÉDITOS:

 “Compendio de arquitectura y simetría” de Rodrigo Gil de Hontañón, 1570:

Recoge cómo va quedándose obsoleta la arquitectura gótica.

 Tratado de Alonso de Vandelvira, 1575-1590:

Recopila teóricamente lo aprendido de su padre, el arquitecto Andrés Vandelvira, y otros maestros canteros.

 “Discurso de la figura cúbica” de Juan de Herrera, 1585.

Juan de Herrera dirigió la cátedra de Arquitectura, fundada en 1584 en Madrid, dentro de la Academia de Matemáticas.

TRATADOS TRADUCIDOS:

 Tratado de Serlio, traducción en 1552 por Francisco de Villalpando :

Se tradujeron los tomos 3º y 4º. Influyó notablemente en la arquitectura española de mitad del siglo XVI.

 Tratado de Vitrubio, traducción en 1582:

Son 10 libros. Influye notablemente en el Escorial. Se da en España un importante gusto por lo vitrubiano, entre ellos Felipe II.

 “De re aedificatoria” tratado de Alberti, traducido en 1552.

 “La rágola” tratado de Vignola, traducido en 1593.

2- LOS MAESTROS DE CANTERÍA Y LA FORMACIÓN TRADICIONAL PRÁCTICA. EL NUEVO ARQUITECTO PROFESIONAL LIBERAL

El maestro de cantería y el nuevo arquitecto profesional liberal son los 2 tipos de arquitecto que tienen lugar en la España del siglo XVI. En aquella época no era común la utilización del término “arquitecto”, en cambio era más frecuente el uso de “maestro de obras”, “maestro cantero”, “maestro mayor”, “maestro de iglesias”…

Los arquitectos tenían una formación totalmente tradicional, y obtenían su formación a pie de obra , como en la Edad Media, donde eran enseñados a razar por sus maestros.

El arquitecto moderno, tal y como hoy lo conocemos, es una idea que heredamos del Renacimiento. El nuevo arquitecto profesional liberal, proviene del mundo de las artes plásticas.

Los más destacados arquitectos españoles son: Diego Siloe, Pedro Machuca, Alonso de Vandelvira, Alonso de Covarrubias, Rodrigo Gil de Hontañón, Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera.

3- PERVIVENCIA Y RENOVACIÓN DEL GÓTICO. LOS HOSPITALES REALES. LAS CATEDRALES DE SALAMANCA Y SEGOVIA

El estilo Gótico, llamado por ellos “Moderno”pervivió en España durante buena parte del siglo XVI. Pervivió tanto a la llegada de una decoración renacentista, como a la entrada de la nueva arquirectura a lo romano,introducida en España alrededor del segundo cuarto del siglo XVI por Diego Siloe y Pedro Machuca.

El principal factor de pervivencia de lo gótico durante parte del siglo XVI, se debe al gran éxito que alcanzó este estilo a fines del siglo XV, favorecido por los Reyes Católicos.

CARACTERÍSTICAS MORFOLÓGICAS DEL ARTE GÓTICO:

Soporte: Pilar fasciculado / Columna.

Arcos: Fundamentalmente arco apuntado. Excepcionalmente se usa el arco de ½ punto para alguna boca de capilla o ventana.

Contrafuertes, pináculos y arbotantes. El arbotante o arco rampante se suprime cuando todas las naves son de la misma altura, evolución del siglo XVI.

Bóvedas: fundamentalmente se realiza la solución de bóveda de crucería de tipo estrellado, con múltiples nervios unidos entre sí. La plementería pierde importancia.

Cimborrio.

Decoración: Uso de la cardina (decoración tipo de cardo espinoso de tradición gótica). En ocasiones veremos edificios góticos recubiertos con decoración rencentista, por ejemplo en la Universidad de Salamanca o, a nivel zaragozano Santa Engracia.

TIPOLOGÍAS:

Edificios religiosos

En la arquitectura religiosa es donde pervivió durante más tiempo el mundo gótico porque el modelo cumplía con aspectos de índole histórico, religioso-litúrgico y funcional. Se hicieron varias catedrales; la nueva de Salamanca, Segovia, Plasencia y Astorga, y en todas ellas, de alguna manera u otra, intervino Rodrigo Gil de Hontañón.

Catedrales: Debate entre los arquitectos de la época entre si debe construirse el modelo más tradicional, de naves de distinta altura y cabecera poligonal, como Toledo (siglo XIII); o un modelo más moderno, de naves de la misma altra y ausencia de arbotantes, como Sevilla (siglo XV).

Iglesias conventuales: Suelen ser iglesias sencillas de nave única, capillas entre los contrafuertes y coro elevado a los pies. Esta tipología aparece en el siglo XV, en la iglesia de San Juan de los Reyes de Toledo.

Iglesias parroquiales: Son iglesias más complejas que las conventuales. Dotadas de 3 naves. Son iglesias de planta de salón (naves de igual altura), tipología defendida por Rodrigo Gil de Hontañón.

Edificios civiles

Hospitales: Tipología de cruz griega (2 crujías alargadas que se cruzan y se integran en el interior de un cuadrilátero, engendrando 4 patios). Esta distribución permite llevar a cabo una mejor política sanitara. Esta tipología se importa de Italia; Hospital de Santa María la Nueva de Florencia, Hospital Mayor de Milán y, Hospital del Espíritu Santo de Roma. Los más destacados ejemplares españoles son: Hospital Real de Santiago de Compostela, Hospital Real de Granada y, Hospital de la Santa Cruz de Toledo.

Hospital Real de Santiago de Compostela

Autor: Enrique Egas Fecha: 1499-s.XVII Ciudad: Santiago de Compostela

El Hospital Real de Santiago de Compostela es un proyecto que fue financiado por los Reyes Católicos, como parte de su nueva política sanitaria consistente en centralizar la sanidad, para lo que hizo falta la construcción de grandes hospitales con el fin de que se abandonaran los tratamientos médicos que se realizaban en pequeños hospitales dispersos a lo largo de toda la geografía, ya que se encontraban en lamentables condiciones.

Originalmente se destinó este hospital al cuidado de los peregrinos que llegaban a Santiago con alguna enfermedad. Este hospital, que está situado en la Plaza del Obradoiro, hoy es un hotel. El material utilizado para su construcción es el granito.

Planta: La planta la forman 2 crujías que se cruzan perpendicularmente. La cruz griega queda pues, inscrita en un rectángulo, engendrando en las esquinas 4 patios distintos destinados a que los enfermos pudieran pasear sin entrar en contacto con enfermos de otras alas del edificio. La iglesia del hospital se sitúa en la encrucijada, y pertenece al siglo XVI.

Patios: Se articulan por contrafuertes que acaban en pináculos. Las galerías de los patios se cubren con bóvedas de crucería.

Fachada principal: Se acabó en el siglo XVIII. Es una fachada de 2 alturas sobre la que asoma ligeramente el cimborrio de la iglesia de la encrucijada. La decoración es dieciochesca.

Hospital Real de Granada

Autor: Enrique Egas Fecha: 1511-(inacabado) Ciudad: Granada

El Hospital Real de Granada es un proyecto que fue financiado por los Reyes Católicos, como parte de su nueva política sanitaria consistente en centralizar la sanidad, para lo que hizo falta la construcción de grandes hospitales con el fin de que se abandonaran los tratamientos médicos que se realizaban en pequeños hospitales dispersos a lo largo de toda la geografía, ya que se encontraban en lamentables condiciones.

La ciudad de Granada había sido reconquistada en 1492 por los Reyes Católicos y este edificio formó parte del proyecto del cambio de la fisionomía arquitectónica de la ciudad de Granada, que era islamizante, con el fin de dotarle de un nuevo aire cristiano. El material utilizado para su construcción es el granito. Hoy forma parte de la Universidad de Granada.

Planta: La planta la forman 2 crujías que se cruzan perpendicularmente. La cruz griega queda pues, inscrita en un cuadrado, engendrando en las esquinas 4 patios distintos destinados a que los enfermos pudieran pasear sin entrar en contacto con enfermos de otras alas del edificio. La iglesia del hospital no se conserva, y ni siquiera se conoce donde se situaba.

Patios: Son de tipología plenamente renacentista. Es un patio formado por 2 pisos superpuestos. Se forman por secuencias de arcos de ½ punto articulados por columnas, excepto en las esquinas donde se sustituyen por pilares Los capiteles de las columnas son de orden jónico.

Hospital de la Santa Cruz de Toledo

Autores: Enrique Egas / Lorenzo Vázquez Fecha: 1504-inacabado Ciudad: Toledo

El Hospital de la Santa Cruz de Toledo fue financiado por el Gran Cardenal Mendoza, arzobispo de la ciudad de Toledo y miembro de importante familia muy relacionada con el arte. La construcción de este edificio forma parte de la política de promoción artística llevada a cabo en la época por algunos de los más importantes miembros de la Iglesia.

El proyecto fue de Enrique Egas, cuyas obras dirigió en su parte esencial (1504-1515), y encontró su continuación en Lorenzo Vázquez, arquitecto bajo la protección de la familia Mendoza.

La construcción se halla a las afueras del recinto amurallado de la ciudad, donde se creyó que sería el lugar más adecuado para el emplazamiento de un hospital que, originalmente estuvo destinado a pobres enfermos y a niños huérfanos. Actualmente, es sede del museo arqueológico y de bellas artes de la ciudad. El material utilizado para su construcción es el granito.

Planta: La planta la forman 2 crujías que se cruzan perpendicularmente. La cruz griega queda pues, inscrita en un rectángulo, engendrando en las esquinas 4 patios distintos destinados a que los enfermos pudieran pasear sin entrar en contacto con enfermos de otras alas del edificio, aunque no llegó a concluirse la construcción total de 2 de ellos. La iglesia del hospital se sitúa en la encrucijada, y se cubre con un cimborrio dotado de bóveda estrellada.

Interior: Las distintas estancias y corredores se cubren con techumbres de madera con casetones. Hay utilización de arcos rebajados que apoyan en pilares. En algunos vanos de tránsito del interior se usa el arco conopial, que da forma a esas puertas.

Fachada principal: El autor de la fachada principal es Alonso de Covarrubias y la realizó en 1525. Es una fachada-telón de estilo Plateresco que enmascara un interior totalmente gótico. Se compone de un arco de ½ punto que engendra una puerta abocinada. El autor no domina el tema de las proporciones a la hora de construir a la manera renacentista. Está dedicada a Santa Elena con la cruz, y también aparece en la portada la imagen del Gran Cardenal Mendoza.

Exterior: Al exterior se aprecian perfectamente las 2 alturas de este edificio que, decorativamente es bastante austero y en el que sólamente los vanos están ligeramente ornados.

Catedral de Salamanca

Autores: Antón Egas / Alonso Rodríguez / Juan Gil de Hontañón / Juan de Álava / Rodrigo Gil de Hontañón

Fecha: 1513-s.XVIII Ciudad: Salamanca

El cabildo aprobó en 1491 la construcción de una nueva catedral al estilo gótico, ya que la románica se había quedado oscura y baja para las necesidades de los nuevos tiempos, para lo que acudió a los Reyes Católicos con el fin de que éstos favorecieran la nueva construcción. El material utilizado para su construcción es el granito.

El 1º proyecto es de 1510, y en él intervienen Antón Egas (maestro de la catedral de Toledo) y Alonso Rodríguez (maestro de la catedral de Sevilla). Este proyecto abogaba por el tradicionalismo de Toledo; con naves escalonadas, cabecera poligonal y capillas entre los contrafuertes.

Tras haberse elaborado el proyecto de 1510, en Salamanca se celebró una reunión a la que acudieron los más prestigiosos arquitectos del momento, en la que se determinó no derribar la vieja catedral románica del siglo XII, y, del mismo modo, que la nueva se construyera adosada a la vieja.

El 2º proyecto es de 1513, y en él intervienen Juan Gil de Hontañón y Juan de Álava. Las obras se iniciaron, al contrario que de costumbre, por los pies. No tardaron en llegar críticas a este proyecto por parte del mundo religioso y arquitectónico, debido a la excesiva altitud de los pilares fasciculados en virtud de su delgadez, así como por la polémica fisionomía de las capillas. En la época se debatió acerca de si la nueva catedral debía ser de planta de salón (las 3 naves de la misma altura) o su contrario.

En 1588, Rodrigo Gil de Hontañón, que se había convertido ya en maestro mayor de las obras tras la muerte de su padre, se encontró con un nuevo debate: Al haber llegado las obras (en arquitectura gótica) hasta la zona del crucero, se planteó la tipología formal de continuación, si continuar simétricamente en Gótico, o bien adecuar la construcción a las nuevas tendencias renacentistas ya incipientes en España. Finalmente se optó por la morfología gótica con el fin de que se garantizara la simetría, y por ello es hoy de planta rigurosamente rectangular, lo que no corresponde con el proyecto original.

Planta: La planta es rectangular de 3 naves, cubiertas con bóvedas estrelladas en cada tramo de las 3 naves. Hay capillas entre los contrafuertes. Los tramos de la nave central son de forma rectangular, mientras que los tramos de las naves laterales son de forma cuadrada. La proporción es sesquiáltera entre las capillas-ornacinas y las naves laterales; y la proporción es sesquitercia entre la nave central y las naves laterales. Las medidas de anchura del edificio son: 27-37-50-37-27 ; y las proporciones respecto de altura son: 3-4-6-4-3, por lo tanto son necesarios los arbotantes para salvar el desnivel de alturas.

Interior: Es una iglesia de grandes proporciones, tiene gran altura, mayor que Segovia. Uso de la tipología de arco apuntado tanto en el caso de los formeros como en los fajones. El alzado interior de cada unidad o tramo consta de: Arco apuntado - ventana de ½ punto - bóveda de crucería estrellada. Los nervios de los pilares fasciculados arrancan desde la bóveda, recorren todo el pilar, y acaban en la basa del propio pilar. Los pilares están dotados de 2 capiteles: el primero a la altura de los arcos apuntados, y el segundo a la altura de las ventanas de ½ punto. Los capiteles de los pilares no son de estilo clásico, y tienen decoración de cardina. Interior bastante austero ornamentalmente. La cúpula sostenida por los arcos torales es posterior, del siglo XVIII.

Fachada principal: La fachada principal tripartita está está colocada a los pies, y al igual que la del lado norte, está dotada de decoración flamígera.

Catedral de Segovia

Autores: Juan Gil de Hontañón / Rodrigo Gil de Hontañón Fecha: 1525-s.XVIII Ciudad: Segovia

El cabildo aprobó la construcción de una nueva catedral al estilo gótico, ya que la románica había quedado dañada tras los desórdenes producidos en Castilla contra Carlos V, para lo que acudió al propio rey Carlos V con el fin de que éste favoreciera la nueva construcción. La nueva catedral se construye extramuros del alcázar de la ciudad, al contrario que la antigua. Fue un proyecto en el que se vio implicada prácticamente toda la sociedad segoviana. El material utilizado para su construcción es el granito.

En 1525 se realizó la ceremonia de colocación de la primera piedra de la catedral. El arquitecto del proyecto es Juan Gil de Hontañón. Las obras se comenzaron por la zona de los pies. El proyecto se inspira en el tradicionalismo de Toledo: 3 naves (la central de mayores dimensiones), uso del arco apuntado, uso del pilar compuesto, capillas entre los contrafuertes, cabecera poligonal, cimborrio y deambulatorio.

En 1526 murió Juan Gil de Hontañón, y es su hijo Rodrigo quien se convierte en el nuevo maestro de obras hasta 1530 cuando abandona el puesto, dejando al cargo al aparejador que había trabajado con él.

En 1560 la construcción había llegado a la altura del crucero, y el cabildo reclamó a Rodrigo Gil de Hontañón para que acabara el edificio. Éste aceptó, y optó por continuar según lo proyectado por su padre. La única aportación propia de Rodrigo fue la original solución adoptada para construcción de la cabecera en 1563.

En 1577 murió Rodrigo Gil de Hontañón, y sólo quedaba finalizar la construcción de las capillas radiales, así como cerrar el crucero.

Planta: La planta es una cruz latina de 3 naves de 5 tramos cuyo crucero, también de 5 tramos, es de nave única y no sobresale en planta. El sistema de cubiertas se basa en el uso de bóvedas estrelladas en cada tramo de manera que, las hay de forma cuadrada (naves laterales), de forma rectangular (nave central, crucero, y en las capillas entre los contrafuertes), trapezoidales (deambulatorio), y poligonales (capillas radiales de la cabecera). Hay capillas entre los contrafuertes. Los tramos de la nave central son de forma rectangular, mientras que los tramos de las naves laterales son de forma cuadrada. La cabecera, ideada por Rodrigo, es eptagonal (7 capillas radiales) y está precedida por un presbiterio de 2 tramos (uno cuadrado y otro semicircular) y una girola. La cubierta del crucero es del siglo XVII. El cimborrio tardogótico, proyectado por Juan Gil de Hontañón, por una cúpula de inspiración renacentista, para lo que se inspiraron en El Escorial. La proporción es sesquiáltera entre las capillas ornacinas y las naves laterales; y la proporción es sesquitercia entre la nave central y las naves laterales. Las medidas respecto a la anchura del edificio son: 26,5-37-53-37-26,5 ; y las proporciones de altura son: 4-6-8-6-4, por lo tanto son necesarios los arbotantes para salvar el desnivel de alturas. Por tanto, la proporción entre la nave central y las laterales, es sesquitercia, mientras que entre la nave mayor y las capillas ornacinas es sesquiáltera.

Claustro: Es del siglo XV. Formaba parte del complejo de la antigua catedral románica, y fue trasladado. Las bóvedas de crucería de las esquinas tuvieron que ser reformadas y pertenecen al siglo XVI.

Sacristía: Sobresale en planta, en una prolongación de 2 tramos rectangulares cubiertos por bóvedas de crucería estrellada, por la zona del Evangelio (parte derecha).

Interior: Es una iglesia de menor altura que la de Salamanca. Uso de la tipología de arco apuntado tanto en el caso de los formeros como en los fajones. El alzado interior de cada unidad o tramo consta de: Arco apuntado - ventana tripartita - bóveda de crucería estrellada. Los nervios de los pilares fasciculados arrancan desde la bóveda, recorren todo el pilar, y acaban en la basa del propio pilar. la decoración de los capiteles de los pilares remite a la cardina. El cimborrio tardogótico, proyectado por Juan Gil de Hontañón, por una cúpula de inspiración renacentista, para lo que se inspiraron en El Escorial. Es una catedral muy luminosa puesto que hay ventanas a 3 alturas diferentes, y la secuencia se cumple en cada tramo: las capillas ornacinas están dotadas de un estrecho vano abocinado; las naves laterales están dotadas de ventana tripartita y; en la nave mayor se aplica una solución idéntica de ventana tripartita a la de las naves laterales. La luz entrante al edificio queda matizada por la presencia de vidrieras. En la zona de la cabecera (Rodrigo) se recurren a soluciones más modernas; como los vanos de ½ punto que dan al exterior, o el uso de semicolumnas clásicas para la articulación del piso superior del tramo semicircular del presbiterio.

Fachada principal: La fachada principal tripartita está está colocada a los pies, y de ella destaca la presencia de una sola torre occidental, situada en el lado derecho según el punto de vista del espectador.

4- LA ARQUITECTURA RENACENTISTA: LAS PRIMERAS MANIFESTACIONES “AL ROMANO” EN LOS EDIFICIOS DE LA FAMILIA MENDOZA. EL PROBLEMA DEL PLATERESCO. LAS MEDIDAS DEL ROMANO : UN MANUAL DE MORFOLOGÍA ARQUITECTÓNICA

Colegio de la Santa Cruz de Valladolid (fachada principal)

Autor: Lorenzo Vázquez Fecha: 1488-1894 Ciudad: Valladolid

El promotor de esta construcción es el Gran Cardenal Mendoza (Pedro González de Mendoza). El colegio estaba destinado para la formación de estudiantes pobres. Es un edifcio gótico a excepción de la fachada que es renacentista. El material utilizado para su construcción es el granito. Hoy este edificio forma parte de la Universidad de Valladolid.

En 1488 (las obras ya habían comenzado tiempo atrás), el Gran Cardenal Mendoza visitó, acompañado por los Reyes Católicos, la zona de la construcción para mostrarles el estado de las obras. Al contemplar los avances del futuro colegio, no quedó satisfecho y decidió, al menos, sustituir el proyecto de fachada principal gótica por otra distinta en formas renacentistas, para lo que contrató a Lorenzo Vázquez.

Fachada principal: La fachada principal del Colegio de la Santa Cruz de Valladolid es la primera hecha en formas renacentistas de España. Es una fachada con clara preponderancia verticalizante: Dos grandes pilastras que llegan hasta el ático enmarcan la zona del acceso. Guarda perfecta proporción entre sistema de soportes y entablamento. La puerta de acceso está dotada de entablamento con friso y de tímpano semicircular decorado con una imagen del Gran Cardenal Mendoza orante, también aparece Santa Elena con la cruz, y alrededor decoración de palmetas y candelabros. Las semicolumnas y pilastras que sostienen el entablamento, son de orden clásico y con decoración de grutesco. En la parte superior están colocadas las heráldicas de los Reyes Católicos y de la propia familia Mendoza. El almohadillado es rústico de sillares, al estilo del palacio quattrocentista italiano.

Palacio de Cogolludo

Autor: Lorenzo Vázquez Fecha: fines s.XV-1502 Ciudad: Cogolludo (Guadalajara)

El patrocinador de este palacio fue el Duque de Medinaceli, cuya hija se casó con el Marqués de Zenete, hijo del Gran Cardenal Mendoza. El material utilizado para su construcción es el granito.

A finales de la Edad Media el palacio español sufre una profunda renovación, que se concretó en el Palacio del Infantado en Guadalajara. Responde a la tipología de palacio renacentista.

Planta: La planta del palacio es de forma rectangular en torno a un patio interior central.

Patio interior: Está situado en el centro de la planta. Está abierto al cielo. Hoy no se conserva tal como era originalmente. Originalmente el patio se articulaba por una sucesión de arcos de ½ punto formados por soportes de orden clásico.

Fachada principal: Conecta con el urbanismo de la ciudad. Sirve como telón escenográfico a una gran plaza. Está elevada sobre zócalo. Tiene 2 cuerpos separados por una línea de impostas. La portada es adintelada y sostenida por soportes de orden clásico. El acceso se corona con un tímpano semicircular y decorado con palmetas. En el cuerpo superior hay 6 ventanas de estilo gótico enmarcadas en un arco mixtilíneo y con mainel. En la parte central de la fachada está representada la heráldica del Ducado de Medinaceli en el interior de una corona de laurel. La fachada, en su parte superior se culmina con una crestería o remate superior que combina elementos góticos y renacentistas. El almohadillado es rústico. La fachada está relacionada con el Banco de Milán, de Filarete.

Palacio de Antonio de Mendoza (fachada principal)

Autor: Lorenzo Vázquez Fecha: 1501-1506 Ciudad: Guadalajara

Fachada principal: La fachada principal del palacio de Antonio de Mendoza es completamente renacentista. se suprime el frontón triangular. Se articula por dos pilares con decoración esculpida de carácter militar, en relación con la gran colección de armas de época que poseía el propio Antonio de Mendoza.

Palacio-castillo de La Calahorra

Autores: Lorenzo Vázquez / Michele Carlone Fecha: 1492-s.XVI Ciudad: La Calahorra (Granada)

El comitente de este edificio es Rodrigo Díaz, Marqués de Cenete, quien mandó su construccción durante su segunda etapa matrimonial, con María de Fonseca. El palacio-castillo de la Calahorra es una estructura fortificada que se levanta sobre un cerro elevado. En el Codex Escurialense, libro de dibujos de Domenico Ghirlandaio adquirido por el Marqués de Zenete en su viaje a Italia, aparecen soluciones arquitectónicas que posteriormente fueron aplicadas en este edificio. En este edificio existen grandes diferencias entre su interior y su exterior. El material utilizado para la construcción durante la etapa de Lorenzo Vázquez fue el granito, extraído de una cantera próxima. Sin embargo, durante la etapa dirigida por Miguel Carlone, el material escogido fue el mármol, importado expresamente de Carrara.

En 1409 el Marqués de Zenete realiza un viaje a Italia, donde comprueba la extensión en la arquitectura de las nuevas formas renacentistas, contrapuestas a lo gótico y a lo mudéjar que imperaban en la construccción de su palacio, cuya construcción había encargado a constructores moros que habían trabajado en la Aljafería de Zaragoza.

En 1506 decidió contratar a Lorenzo Vázquez, arquitecto bajo la protección de la familia Mendoza, con el fin de que éste llevara a cabo una rectificación estilística en las obras, dirigiéndolas hacia una manera de construir a lo romano.

En 1509 el arquitecto Lorenzo Vázquez es sustituido al frente del proyecto por el italiano Michele Carlone.

Planta: La planta tiene forma de rectángulo abaluartado, por la presencia de 4 torres circulares de defensa en las esquinas provistas de almenas. En el centro del rectángulo hay un patio central o cortile. Al rectángulo le precede, en el propio eje principal, una especie de pórtico que alberga la gran escalera, de acceso al piso noble.

Patio interior: El piso inferior fue proyectado por Lorenzo Vázquez, mientras que el piso superior pertenece a Miguel Carlone, de manera que se producen efectos bícromos debido a la utilización de diferentes materiales. Las arcadas de ½ punto apoyan en soportes de orden clásico. Los intradós de los arcos se decoran con casetones. En las enjutas que engendran los arcos se colocan heráldicas del Marquesado de Zenete. Este patio está en relación con el del Palacio de la Cancillería en Roma.

Interior: El interior se articula fundamentalmente mediante el uso de bóvedas de arista.

Fachada principal: La fachada principal es estructuralmente renacentista. La decoración se recrea en la figura del propio Marqués de Cenete, que mediante la utilización de una iconografía de exaltación humanista, alude a figuras de la mitología como Hércules, la Fortuna o la Abundancia, ahí presentes. En el friso hay decoración referida al mundo del mar.

EL PROBLEMA DEL PLATERESCO:

Ortiz de Zúñiga (historiador sevillano): Define al Plateresco como el revestimiento de follaje y fantasía, aludiendo al Ayuntamiento de Sevilla.

Antonio Ponz (viajante de la Ilustración del siglo XVIII): Hace referencia al Plateresco como un estilo, y no como un ornato, desarrollado en la España del siglo XVI.

En la actualidad los historiadores aceptan la condición del Plateresco como un ornato o revestimiento netamente español.

Portada de la Pellejería (Catedral de Burgos)

Autor: Francisco de Colonia Fecha: 1516 Ciudad: Burgos

En 1516 el arzobispo de la catedral de Burgos Rodríguez de Fonseca decide costear una portada en el la fachada del brazo izquierdo del crucero. El encargo consiste en dotar de una portada al romano a un edificio gótico del siglo XIII. Francisco de Colonia, arquitecto de instruído en formas góticas, no entiende el nuevo estilo renacentista ya que su formación es muy distinta. Es probable que realizara el proyecto fiándose de alguna copia o estampación que le facilitara el propio arzobispo.

Portada: La organización a la que recurre es a la que se conoce como portada-retablo por la similitud con la organización de un retablo, lo que incide más en el desconocimiento por parte del arquitecto de las nuevas formas renacentistas. Coloca a ambos lados de la facahada 2 grandes semicolumnas adosadas. Ornacinas aveneradas en los laterales, lenguaje netamente renacentista. El entablamento es excesivamente alto. Las esculturas se colocan con doseletes y chambranas, lenguaje netamente gótico. Hay decoración de grutesco en los soportes. Presencia de la heráldica de la familia Fonseca. En la parte superior aparece representado el arzobispo Rodríguez de Fonseca arrodillado ante la Virgen.

Universidad de Salamanca (fachada principal)

Autor: - Fecha: 1520-1533 Ciudad: Salamanca

El encargo consiste en dotar de una portada al romano a un edificio gótico del siglo XV. La construcción fue muy favorecida por los Reyes Católicos. El material de realización es la piedra, que se extrajo de canteras próximas. El autor o autores de esta fachada se desconocen al no conservarse documentos al respecto.

Portada: La organización a la que recurre es a la que se conoce como portada-tapiz por la similitud con la organización de un tapiz. Los 2 accesos de la fachada se coronan con sendos arcos rebajados. La parte superior a los accesos presenta un aspecto hiperdecorado dividido en 3 registros horizontales superpuestos que se articulan por pilastras. El registro inferior presenta en la zona central un medallón alusivo de los Reyes Católicos, mientras que en los paneles laterales hay decoración a candelieri. El registro central presenta una estructura similar a su inferior, presidiendo en la zona central la heráldica de Carlos V flanqueada por 2 escudos que contienen águilas bicéfalas (símbolo imperial), y en los paneles laterales hay una serie de ornacinas aveneradas que cobijan bustos de personajes relacionados con el mundo de la Antigüedad clásica, muy del gusto renacentista. También aparecen representados 2 personajes en el interior de sus respectivas laureas. El registro superior también presenta una estructura tripartita pero de proporciones distintas a los anteriores. En el centro está la imagen del Papa Martín V, quien había aprobado una serie de constituciones para la Universidad. Flanquean la imagen del pontífice Hércules y Venus, y otra serie de medallones. En la parte de arriba el edificio se culmina con una crestería plateresca.

Aparte de los trabajos de la fachada también cabe destacar otros elementos arquitectónicos del conjunto universitario:

La Escalera interior de acceso al Paraninfo de la Universidad: Dotada de relieves copian grabados nórdicos de Israel Mekenen.

El Antepecho de la galería superior del claustro: Dotado de relieves que copian dibujos presentes en las ilustraciones del libro Hypnerotomaquia de Polífilo, libro italiano muy famoso en las universidades de la época.

Hospital de la Santa Cruz de Toledo (fachada principal)

Autor: Alonso de Covarrubias Fecha: 1525 Ciudad: Toledo

El proyecto completo de Alonso de Covarrubias integra la fachada más los 2 ventanales superiores. El lenguaje de formas que utiliza todavía evoca al arte gótico.

EL ESTILO CISNEROS:

El estilo Cisneros no merece ser considerado como tal estilo. Sin embargo se relaciona con la construcción de edificios cuya financiación corrió por cuenta del Cardenal Cisneros.

Su cronología es 1512-1515, y está vinculado a la Catedral de Toledo y a la Universidad de Alcalá de Henares.

El arquitecto bajo la protección del Cardenal es Pedro Gumiel.

Consiste en la combinación de elementos góticos, renacentistas y mudéjares.

Dos construcciones que sirven de ejemplo son: el Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares, y la Capilla de la Universidad de Alcalá de Henares.

“LAS MEDIDAS DEL ROMANO” - Diego de Sagredo, Toledo (1526):

Es un tratado de morfología arquitectónica que su autor realizó con el fin de evitar errores en la construcción de edificios con las nuevas formas renacentistas por parte de los arquitectos españoles. Todos aquellos maestros que no habían viajado a Italia lo tenían presente.

5- LAS NUEVAS MANERAS DE LA ARQUITECTURA AL “USO ROMANO”: EL RENACIMIENTO ORNAMENTADO Y LA LLEGADA DE LAS ÁGUILAS: NUEVAS TIPOLOGÍAS Y ESTRUCTURAS

EL RENACIMIENTO ORNAMENTADO:

Consiste en la combinación de las formas renacentistas y un revestimiento de ornamentación.

Hay introducción de los 5 órdenes clásicos, que se utilizados como soportes fundamentales, recupera la tipología renacentista: dórico, toscano, jónico, corintio y compuesto.

Hay utilización de arcos de ½ punto.

Las bóvedas más presentes son la de cañón, de arista y vahída.

Hay dos tipos fundamentales de cúpula: cúpula panteónica sin tambor como la Catedral de Granada (derivada del Panteón de Agripa, Roma), y cúpula con tambor y linterna como la Basílica del Escorial (derivada de la arquitectura de Brunelleschi y Miguel Ángel).

La decoración es fundamentalmente de grutesco en todas sus variantes; mezcla de elementos vegetales, animales, humanos… En este aspecto destacó Diego Siloe.

Artistas de este nuevo lenguaje del Renacimiento Ornamentado: Diego Siloe y Pedro Machuca, que desarrollaron sus trabajos fundamentalmente en Anadalucía. También transformaron la forma de proyectar en cuanto a la realización de planos a escala, y fabricación de maquetas.

Nuevas tipologías:

Arquitectura religiosa: Nueva tipología de catedral renacentista, siendo la pionera la Catedral de Granada, de Diego Siloe.

Nuevas tipologías civiles: Nueva tipología palacial, siendo el pionero el Palacio de Carlos V en Granada, de Pedro Machuca.

Diego Siloe

Escultor y arquitecto español (1495-1563). Considerado una de las Águilas del Renacimiento español por Francisco de Holanda. Su padre, Gil de Siloe, llegó a ser escultor al servicio de Isabel la Católica. Diego Siloe empezó como escultor en el taller de Felipe de Bigarny. Realizó su trascendental viaje para su formación a Italia en 1512 y permaneció hasta 1519, cuando retornó a España. Residió en Nápoles y Roma. Su primer trabajo italiano lo realizó en la Capilla Caracciolo en Nápoles. Cuando regresó a Burgos el rey vigente era Carlos V, ya que había muerto Fernando el Católico. Tras su fracaso en su ciudad natal, los comitentes no entendían las formas renacentistas de sus trabajos, se trasladó a Granada en 1528.

Escalera Dorada (Catedral de Burgos)

Autor: Diego Siloe Fecha: 1519-1523 Ciudad: Burgos

El conjunto de la escalera y de su ornamentación de grutesco, es un proyecto íntegro de Diego Siloe de 1519 cuya finalización concluye en 1523. La traza de la reja, hecha en hierro, pese a ser proyectada por Siloe, la ejecución corrió por cuenta del maestro francés Hilario. Está situada en el brazo izquierdo del crucero. La solución de Siloe es genial teniendo en cuenta la escasa profundidad de maniobra existente, por la presencia de la Puerta de la Pellejería, y que, además, debía salvar la Puerta de la Coronería, situada en alto respecto al nivel de la catedral.

Descripción: El arranque de la escalera es de un solo tramo, y a la altura del rellano se divide la escalera en 2 tramos, que luego vuelven a unirse a la altura de la Puerta de la Coronería. Los escalones son semicirculares en el primer tramo, lo que otorga sensación de profundidad. Otra solucion que adopta para dotar a este espacio de una profundidad superior a la existente es la realización de 3 poderosos nichos en zonas estratégicas; en los laterales de la parte inferior, y a la altura del rellano en la zona central. La reja con gran decoración renacentista, culmina con 2 medallones de San Pedro y San Pablo en la parte superior. Todo el espacio está cuajado de decoración de grutesco. Se nota la influencia de la Escalera del cortile del conjunto Belvedere de Bramante en el Vaticano.

Catedral de Granada

Autores: Enrique Egas / Diego Siloe Fecha: 1506- s.XVIII Ciudad: Granada

La Catedral de Granada es una construcción que forma parte del proyecto de cristianización de la ciudad, que hasta hacía pocos años atrás había sido un importante enclave musulmán. Concretamente la Catedral está situada sobre la antigua mezquita. El material utilizado para su construcción es el granito.

En 1506 el arquitecto Enrique Egas elaboró las primeras trazas del edificio. El proyecto de Egas era de catedral gótica basada en Toledo: naves longitudinales, girola poligonal y naves escalonadas. La intención de los Reyes Católicos era la de ser enterrados ahí, y como presumiblemente la muerte da los monarcas iba a ser anterior en el tiempo a la finalización de la obra, se decidió comenzar la empresa con la construcción de una pequeña capilla anexa al recinto catedralicio que sirviera de panteón real.

En 1528 Diego Siloe replantea el proyecto de la catedral, cuyos cimientos ya estaban estructurados desde la época de Egas. Tiene que replantear en estilo renacentista una catedral concebida en estilo gótico.

En 1529 Diego Siloe presentó la maqueta de su proyecto.

En 1561 se consagró la cabecera (El edificio se había comenzado por la cabecera).

En 1563 a la muerte Diego Siloe sólo se había construído la cabecera.

Planta: La planta es una cruz latina de 5 naves de 5 tramos cuyo crucero, también de 5 tramos, es de nave única y no sobresale en planta. El soporte adquiere en este edificio gran protagonismo, ya que Siloe lo convierte en módulo de construcción, que guarda proporciones de altura y anchura respecto al total de dimensiones del cuerpo de naves. En el tercer tramo hay un crucero secundario de menor tamaño que obedece al interés por parte de Siloe de dotar de un foco de luz a esta parte de la catedral, lo que de alguna manera hace más centralizante esta parte del edificio que acostumbra a ser eminentemente longitudinal. Hay capillas-ornacinas interiores entre los contrafuertes. El sistema de cubiertas de los tramos de las naves longitudinales, que pertenece al siglo XVII y no fue proyectado por Siloe, se resuelve con el uso de bóveda de crucería estrellada, cuya crucería es casetonada. Todos los tramos de nave son de forma cuadrada y de la misma superficie, independientemente de de qué nave de las 5 formen parte. La solución que utiliza para la cabecera es tremendamente innovadora, consistente en proveer de una cabecera totamente renacentista a un espacio longitudinal gótico, lo que originó críticas respecto a este proyecto procedentes del mundo religioso y de la arquitectura. Esta cabecera es de forma circular, inspirada en la Capilla Caracciolo y otros edificios italianos, y debía tener función panteónica. Esta fusión de formas geométricas tiene un carácter iconográfico añadido de unión entre Iglesia, representada en el espacio longitudinal de naves, y la Monarquía, representada en la cabecera, especialmente en la capilla mayor. 2 gruesos pilares situados en la zona de transición de los dos ámbitos tienen gran protagonismo tectónico en su labor de sostenimiento de la cúpula superior. Hay 2 deambulatorios. 6 grandes pilares horadados ayudan a sostener la cúpula de la capilla mayor, que engendran en su interior una estructura de deambulatorio que se cubre con bóveda de cañón con casetones. En la capilla mayor circular era donde originalmente iba a ser depositada la tumba del emperador Carlos V. El deambulatorio superior, de mayores dimensiones, alterna en su sistema de cubierta tramos triangulares con otros cuadrados con retícula casetonadada al romano. Alrededor de la cabecera hay presencia de una serie de capillas absidiales que alternan en tamaño y que se cubren con bóveda de cañón casetonado. Este repetitivo uso de casetones evoca al mundo renacentista.

Interior: El interior de la Catedral de Granada presenta un aspecto de espacio diáfano. Da sensación de gran luminosidad que se acentúa por el uso de piedra de color blanco. El soporte fundamental es el pilar cuadrado con 4 semicolumnas adosadas, lo que le otorga una forma cruciforme. El orden de estos soportes es corintio, no tienen pedestal y en la parte superior están dotados de una pequeña porción de entablamento, inspirado de la Catedral de Pienza, de Rossellino. También hay uso del orden corintio en la zona de la cabecera. En la zona de transición entre el rectángulo y el círculo se levanta una estructura de arco triunfal engendrada por los arcos torales, que también evoca al mundo renacentista. Delante de los arcos torales se disponen altares. La diferencia de altura existente entre la nave central y las laterales se aprovecha para la colocación de grandes vanos de iluminación.

La capilla mayor dedicada a Santiago Matamoros, iconografía que forma parte de la idea de cristianización de la ciudad, presenta el siguiente alzado al interior:

1ª altura: Este piso se articula por semicolumnas adosadas de orden corintio. En la parte superior se colocan pequeños balcones que quizás originalmente estuvieran destinados a albergar el resto de sarcófagos de la familia de Carlos V.

2ª altura: Este piso está dotado de pequeños altares en los intervalos entre las semicolumnas adosadas.

3ª altura: Se disponen 3 ventanas dobles dotadas de vidrieras en los intervalos entre las semicolumnas adosadas. Las vidrieras representan el programa de la Redención, acorde con el carácter funerario de este pequeño recinto.

4ª altura: Se disponen 3 ventanas únicas más enchas que las inferiores, cuyas vidrieras prosiguen el programa iconográfico iniciado en el registro inferior, en los intervalos entre las semicolumnas adosadas. A partir de este piso se voltea la cúpula nervada, cuyos nervios enlazan visualmente con los ejes verticales resultantes de las distintas articulaciones de semicolumnas adosadas presentes en las diferentes alturas.

Fachada principal: La fachada principal tripartita está está colocada a los pies, y su proyecto es obra de Alonso Cano en el siglo XVII. El proyecto original de Siloe para esta fachada principal tenía 2 torres occidentales, actualmente sólo hay una colocada a la izquierda de la fachada. La iconografía de la fachada principal también forma parte de la idea de cristianización de la ciudad, de carácter mesiánico y triunfo de la religión cristiana sobre la islámica.

Puerta del Perdón: Esta portada está situada el lado izquierdo del crucero (lado del Evangelio). Fisionómicamente es renacentista por completo. Se forma por un gran arco de ½ punto flanqueado por semicolumnas de orden clásico adosadas sobre pilastras. El programa alude a la identificación de la justicia del rey y la divina. Hay un gran escudo de los Reyes Católicos a la izquierda de esta portada. Abundante decoración de grutesco. Hay una serie de ornacinas laterales previstas para albergar piezas escultóricas, pero que actualmente están vacías.

Pedro Machuca

Pintor y arquitecto español (fines del siglo XV-1550). Considerado una de las Águilas del Renacimiento español por Francisco de Holanda. Realizó un trascendental viaje para su formación a Italia, del que regresó en 1520. En Italia estuvo en el taller de Rafael. Residió en Roma y Florencia. Aprendió e hizo estudios de los edificios de la Antigüedad y del Renacimiento que tuvo la posbilidad de contemplar. Cuando regresó a España, recaló en Granada, donde intervino en diversos proyectos vinculados a Carlos V. En 1535 se cree que realizó un nuevo viaje a Italia, en esta ocasión a Génova. Tras el presunto breve viaje regresó a Granada y prosiguió con empresas relacionadas con la corona. Su hijo, Luis Machuca, de igual manera fue enviado a formarse a Italia, y fue el encargado de continuar la obra más importante de su padre, el Palacio de Carlos V en Granada.

Palacio de Carlos V en Granada

Autor: Pedro Machuca Fecha: 1528-s.XX Ciudad: Granada

El Palacio de Carlos V en la Alhambra es una construcción que forma parte del proyecto de cristianización de la ciudad, que hasta hacía pocos años atrás había sido un importante enclave musulmán. También se lo conoce como Palacio Real Nuevo. Cuando Carlos V visitó Granada en 1526 quiso convertir esta ciudad en el centro de la monarquía, lo que no se llegó a a relizar, entre otras cosas porque, tras aquella ocasión, el emperador jamás volvió a esta ciudad. El principal asesor imperial de la construcción fue Luis Hurtado de Mendoza, Marqués de Mundéjar, encargado de la marcha de las obras. Este palacio se concibió como un edificio representativo destinado a la celebración de fiestas y actos públicos, no era una residencia real.

En 1528 Pedro Machuca presentó al rey su proyecto.

En 1550 muere Pedro Machuca y el palacio no había llegado a su finalización. Será su hijo Luis Machuca el encargado de recoger el testigo, aunque tampoco lo concluyó.

En 1568 hubo un parón en las obras debido al levantamiento de la minoría morisca de la ciudad. Los moriscos debían pagar fuertes impuestos para residir en Granada manteniendo su fe islámica, con los que entre otre otras cosas se financiaban las obras.

En 1580 el nuevo rey Felipe II se interesa por la finalización del palacio e incluso dio instrucciones acerca de ello al arquitecto Juan de Herrera. Las obras de esta etapa se desarrollaran muy interrumpidamente.

A lo largo del siglo XX es cuando puede decirse que es cuando la definitiva conclusiónse se lleva a cabo, concretamente en el año 1957. Y en 1976 se colocaron nuevas baldosas en el patio central.

Planta: La planta del palacio es de forma cuadrada en torno a un patio interior central de forma circular. Todas las fachadas están provistas de un acceso con zaguán. La fachada norte tiene zaguán dotado de escaleras para salvar el desnivel de alturas. En el ángulo NE hay una capilla octogonal, inspirada en la capilla palatina de Aquisgrán donde Carlos V había sido coronado como emperador.

Patio interior: El patio circular es de una gran amplitud respecto al conjunto total del edificio, y se cree que originalmente quiso hacerse aquí un jardín. Este patio está inspirado en el teatro romano de Adriano en Tívoli, con el interés de añadido de relacionar a Carlos V con Adriano, emperador romano de origen hispánico. Y también hay inspiración de la arquitectura renacentista de Bramante, Rafael y Peruzzi. Consta de 2 pisos articulados con órdenes clásicos a la vitrubiana. También hay influencia del Palacio de Andrea Doria en Génova, ya que hay reproducción de elementos decorativos idénticos en este palacio granadino, por lo que se cree que el propio Pedro Machuca lo vería en vivo en un hipotético viaje a Génova, o bien los dibujos le fueron facilitados a través de cartas. El 1º piso se articula con orden toscano, mientras que el 2º se articula con orden jónico. El muro de la galería del piso inferior se articula por un ritmo alterno de pilastras y ornacinas. Estas ornacinas están vacías, pero originalmente se pensaron para albergar piezas escultóricas. Las puertas que desde esta galería permiten el acceso a otras estancias son arquitrabadas y dotadas con óculos en la parte superior previstos para relieves que no llegaron a realizarse. Esta galería se cubre con una bóveda anular de difícil construcción. El patio está desnudo de decoración ya que no llegó a finalizarse en vida de Pedro Machuca.

Fachada Sur: Dividida en 2 pisos separados por un entablamento que corresponde con los 2 pisos del patio interior. Se utilizan sillares de almohadillado rústico, como en los palacios del Cinquecento. El piso inferior tiene una puerta de acceso central y 2 laterales de menores dimensiones, y los laterales están articulados por pilastras pareadas y en los intérvalos hay vanos rectangulares debajo de otros circulares superpuestos, que simulan haber 2 pisos en esta primera altura. El piso superior se articula con grandes pilastras sobre grandes pedestales decorados con relieves imperiales: el vellocino de oro, las columnas de Hércules, el águila sobre la bola del mundo, la fruta de la granada. La disposición de los vanos también simulan haber 2 pisos en esta segunda altura. La portada propiamente también tiene 2 pisos. El piso inferior de la portada se articula con columnas jónicas, tiene la imagen en relieve de la Abundancia en el frontón del acceso central, en los frontones de los accesos laterales hay otras de la Fama y la Victoria, en los medallones colocados sobre los accesos laterales se representan los trabajos de Hércules, y en los frentes de los pedestales hay relieves de trofeos de guerra. Y el piso superior de la portada se articula por columnas corintias, en la parte central hay una estructura de arco serliano flanqueada por 2 estructuras ciegas de ½ punto, en las enjutas hay representaciones en relieve de la Historia y la Fama, y en los frentes de los pedestales hay relieves de temas marinos de Neptuno, que quizás podrian aludir a la victoria de la batalla de Túnez. Hay balaustrada superior. El autor de los relieves de esta fachada es Niccolo da Corte.

Fachada Oeste: Dividida en 2 pisos separados por un entablamento que corresponde con los 2 pisos del patio interior. Se utilizan sillares de almohadillado rústico, como en los palacios del Cinquecento. Los laterales, tanto del piso inferior como del superior, e incluso la parte central del piso inferior tienen un tratamiento idéntico al de la fachada del lado sur. El piso inferior tiene una puerta de acceso central y dos laterales de menores dimensiones, y los laterales están articulados por pilastras pareadas y en los intérvalos hay vanos rectangulares debajo de otros circulares superpuestos, que simulan haber 2 pisos en esta primera altura. La diferencia reside en la parte central superior, que no coincide con el proyecto original de Pedro Machuca, similar al de la fachada sur, y donde se colocaron 3 vanos arquitrabados, los laterales dotados de frontón semicircular y el central de frontón triangular. Sobre estos frontones se disponen 3 medallones, dedicados a Hérules los laterales y al escudo imperial el central. En relieves de los pedestales del piso inferior central hay una representación de la alegoría de la Paz, aludiendo al carácter pacifista de la política de Carlos V, de ya avanzado el siglo XVI. El piso inferior se articula con grandes pilastras sobre grandes pedestales decorados con relieves imperiales de batallas terrestres, quizás aludiendo a las batallas de Mühlberg y Pavía. La balaustrada superior no se llegó a terminar. Los autores de los relieves de esta fachada son ………….¿Juan de Orea y Antonio Leval?

Fachada Este: Carente de decoración. Se articula con pilastras adosadas.

Fachada Norte: Es la menos representativa. Conecta con el palacio nazarí.

6- ANDRÉS VANDELVIRA Y LAS DIRECCIONES MANIERISTAS DE LA ARQUITECTURA ANDALUZA. ALONSO DE COVARRUBIAS : LA ARQUITECTURA EN CASTILLA Y LAS OBRAS REALES

Andrés Vandelvira

Arquitecto español (1509-1576). Se formó primero como cantero. Aprendió en Granada las nuevas formas renacentistas de Siloe y Machuca. En 1536 se hizo cargo de la construcción de San Salvador de Úbeda, para la que se basó en el proyecto de Siloe. Trabajó sobre todo en Jaén y provincia. Hoy la crítica piensa que sus soluciones arquitectónicas son realmente ingeniosas, de una arquitectura más lúdica, casi manierista.

San Salvador de Úbeda

Autor: Andrés Vandelvira Fecha: 1536-1556 Ciudad: Úbeda (Jaén)

La Catedral de Granada es una fundación funeraria del secretario imperial Francisco de los Cobos, que amasó una gran fortuna, y quiso enterrarse en esta iglesia dedicada al Salvador.

En 1536 Andrés Vandelvira se hace cargo del proyecto, para lo que se basó en unn proyecto previo de Siloe.

En 1540 Andrés Vandelvira realizó un segundo proyecto en el que incluyó una serie de modificaciones en lo referente a la sacristía.

Planta: El proyecto de Siloe reproduce en menores proporciones algo de la planta de la Catedral de Granada, lo que lleva a término Vandelvira. Es una iglesia de nave única con capillas-ornacinas entre los contrafuertes. La cabecera es de forma circular vinculada con el mundo renacentista, reproduce a la Catedral de Granada. A través de una estructra de arco triunfal engendrada por los arcos torales se logra la unión de ambos ámbitos. Se cubre con bóveda de crucería estrellada los 3 tramos rectangulares de la nave central. Uso de soporte cruciforme que contribuye activamente en la tarea de sustentación de los tramos de bóveda del espacio longitudial. Las capillas-ornacinas se cubren con bóveda de cañón casetonada. La capilla circular se cubre con una gran bóveda hemiesférica con casetones, y era el lugar destinado al enterramiento del comitente. La altura que alcanza la cabecera es el doble del diámetro de la base de la propia capilla. Los 2 espacios laterales situados previos a la capilla circular que son de planta cuadrada y se cubren con bóveda vaída, son accesos a la sacristía, la estancia del lado del Evangelio, y a una torre de gran altura en el lado de la Epístola. El tipo de soporte fundamental utilizado en el interior es el pilar cruciforme con 4 semicolumnas de orden corintio adosadas en sus caras.

Sacristía: El conjunto de San Salvador de Úbeda se completa con un edificio anexo a la cabecera por el lado del Evangelio, que es la sacristía protecto de Vandelvira. Se accede a través de un espacio previo a la cabecera por ese mismo lado. Es de planta rectangular dividida en 3 tramos rectangulares, similar a la iglesia. El sistema de cubiertas de setos 3 tramos se realiza con bóvedas perlongadas. Los espacios laterales se destinan a cobijar cajoneras cubiertas con bóveda de cañón. Los soportes con antropomorfos, de inspiración vitrubiana; atlantes y cariátides. En las enjutas de los arcos hay decoración escultórica de bulto, son figuras de sibilas, de evidente inspiración clásica.

Fachada principal: La fachada principal tripartita está está colocada a los pies. La fachada está condicionada por 2 enormes contrafuertes laterales que recorren verticalmente su altura. Hay 2 torres circulares en los 2 ángulos de los extremos. El programa iconográfico es de carácter funerario, representando la idea de mansión de la inmortalidad y alcance del conocimiento de Dios. El relieve central representa la Transfiguración de Cristo en el monte Tabor. A ambos lados se representan en el interior de ornacinas a San Pedro y San Pablo. En el friso del entablamento también hay temas bíblicos. En el piso inferior hay representación de temas profanos como los trabajos de Hércules, alusión a Carlos V. Hay 2 figuras femeninas aladas sobre el acceso. Y en el propio arco del acceso hay una representación del infierno y del paraíso de La divina comedia de Dante Aligheri, libro que había sido traducido por un poeta del entorno de Francisco de los Cobos.

Catedral de Jaén

Autores: Andrés Vandelvira Fecha: 1548-s.XVIII Ciudad: Jaén

En 1494 Enrique Egas había sido el arquitecto que había elaborado un primer proyecto eminentemente gótico, el cual fue desechado.

En 1548 Andrés Vandelvira es el arquitecto elegido para este proyecto, que le llevó hasta su muerte en 1575.

Planta: El proyecto de Vandelvira sigue el modelo de modernidad de Sevilla, modelo de planta de salón (las 3 naves de la misma altura, no escalonadas). El testero es recto y no escalonado. Hay dobles capillas-ornacinas por cada tramo de nave. Los tramos de nave se cubren con bóvedas vaídas. El tipo de soporte fundamental utilizado es el pilar cruciforme con 4 semicolumnas de orden clásico adosadas en sus caras. Una gran balconada asoma a la nave central, a modo de tribuna.

Sacristía: El conjunto de la Catedral de Jaén se completa con el edificio de la sacristía, anexo a la cabecera por el lado de la Epístola. Es uno de los proyectos más geniales de la arquitectura española del siglo XVI, en el que Vandelvira aplica soluciones próximas al Manierismo. Es de planta rectangular y se cubre con bóveda de cañón casetonada. La parte inferior del muro se articula con original maestría, con un ritmo alterno de ornacinas y cuartetos de columnas de orden corintio sobre altos pedestales (2 exentas y 2 adosadas en cada cuarteto). En los 4 ángulos de la sacristía la solución desarrollada por Vandelvira es la colocación de septetos de columnas de orden corintio sobre altos pedestales (3 exentas y 4 adosadas). Da sensación de bosque de columnas que tiene juegos de luces, sombras y volúmenes. En la parte superior del muro de los lados cortos de la sacristía una estructura a modo de cimacio es sostenida por los capiteles de la parte inferior, inspirado en la arquitectura de Serlio. Sobre el cimacio hay una disposición triple de arcos de ½ punto que corresponde con los intercolumnios de la parte inferior. Encima de la triple arcada hay se dispone un entablamento sobre el que se repite la triple arcada inferior sin función tectónica, simplemente estética. Y sobre esta triple arcada se dispone un nuevo entablamento. La iluminación de esta sacristía se logra a través de la luz entrante por los lunetos presentes por encima de este segundo entablamento en los lados cortos.

Hospital de Santiago

Autores: Andrés Vandelvira Fecha: … Ciudad: Úbeda (Jaén)

Este hospital fue financiado por el obispo Diego de los Cobos, sobrino del que había sido secretario imperial Francisco de los Cobos. Se aprecian determinados elementos manieristas en su arquitectura.

Palacio Vázquez-Molina

Autor: Andrés Vandelvira Fecha: 1560-1566 Ciudad: Úbeda (Jaén)

El Palacio Vázquez-Molina era antiguamente un colegio perteneciente a la orden de los Dominicos. Es uno de los palacios de la época más italianizantes de los hechos en España.

Planta: La planta del palacio es de forma rectangular en torno a un patio interior desplazado del centro geométrico.

Patio interior: Las galerías interiores del patio se cubren con bóvedas vaídas.

Fachada principal: La fachada está dividida en 3 pisos separados por entablamentos. Hay una alteración de carácter manierista, y no clasicista, de la disposición de los órdenes clásicos en virtud de los distintos pisos en que se divide la fachada. El 1º piso se articula por semicolumnas adosadas de orden corintio y en los intercolumnios se disponen vanos rectangulares. El 2º piso se articula por semicolumnas adosadas de orden jónico y en los intercolumnios se disponen vanos rectangulares rematados con frontón triangular. El 3º piso se articula por semicolumnas antropomorfas y en los intercolumnios se disponen vanos ovales. Los entrepaños en los que se disponen los vanos en los pisos son de distintas anchuras, lo que también es una cualidad manierista. El acceso se remata con un frontón triangular. El edificio se remata con una potente cornisa. En los ángulos superiores del edificio se levantan unas torrecillas de escasa altura a modo de edículos clásicos de planta circular articulados por pequeñas columnas y cubiertos con su correspondiente cúpula.

Alonso de Covarrubias

Arquitecto español (1488-1570). Trabaja fundamentalmente en Castilla. Sufrió profundos cambios en su estilo. Se formó como ingeniero en piedra. Luego fue maestro de cantería vinculado al Hospital de la Santa cruz de Toledo en 1526. En la década de los '30 dio un nuevo paso hacia un modelo de renacimiento ornamentado. En 1537 fue nombrado arquitecto real y dirigió los Alcázares Reales. En 1540 da un nuevo giro estilístico, que cada vez será menos ornamentado. Le influyeron y estudió a grandes maestros como Serlio, Vitrubio y Alberti. Tuvo contacto con otros artistas de su época más italianizantes como Siloe, Berruguete, Villalpando y Bustamante.

Sacristía de las Cabezas (Catedral de Sigüenza)

Autor: Alonso de Covarrubias Fecha: 1532-… Ciudad: Sigüenza (Guadalajara)

La planta de la sacristía es rectangular, obedeciendo a la tradición de esat tipología. El sistema de cubierta de la nave es la bóveda de cañón con ornamentación de tondos y otra decoración floral, que oculta la estructura arquitectónica, inspirado en el Mausoleo de Santa Constanza (Roma). En los lados mayores del rectángulo hay ornacinas cubiertas con bóveda de cañón casetonada. En los lados menores hay grandes vanos de iluminación de forma circular. El soporte fundamental utilizado en el interior es el contrafuerte con semicolumnas adosadas de orden compuesto en sus caras.

Alcázar de Toledo

Autor: Alonso de Covarrubias Fecha: 1542-… Ciudad: Toledo

El Alcázar de Toledo es una construcción que forma parte del proyecto de refoma de los medievales Alcázares Reales que quiso llevar a cabo Carlos V. En 1537 hay un intento de remodelar la corte real y se crea un cuerpo de arquitectos reales vinculado a la remodelación de los Alcázares Reales, proyecto liderado principalmente por Alonso de Covarrubias y Luis de Vega.

En 1542 las obras de remodelación de este edificio medieval dan comienzo.

En 1543 Alonso de Covarrubias es nombrado maestro de obras del proyecto.

Planta: La planta es de forma rectangular en torno a un patio central abierto cuya forma también es rectangular y con 4 grandes torres en los ángulos. Se mantuvieron los cimientos de estas 4 torres que eran preexistentes de época medieval.

Patio interior: El patio de forma rectangular queda definido por una columnata exenta de orden compuesto que forma arquerías de ½ punto, inspirado en la arquitectura de Serlio. Consta de 2 pisos cuyas galerías se cubren con bóvedas de arista. En él intervienen Covarrubias y Villalpando. Este patio está bastante desornamentado. Al lado Sur del patio da la escalera monumental proyectada por Francisco de Villalpando, que traduce elementos de Serlio.

Fachada principal: La fachada principal del Alcázar de Toledo es la septentrional. Su estilo es de Renacimiento Ornamentado. Programa iconográfico de exaltación de la figura de Carlos V. La fachada se divide en 3 pisos separados por entablamentos. El 1º piso alberga la portada en su paño central engendrado por un arco de ½ punto, utilización de almohadillado rústico, articulación por orden jónico, y ventanales arquitrabados decorados. El 2º piso enmarca el águila bicéfala, emblema imperial de Carlos V, acompañado de las columnas de Hércules asociadas al lema “Plus Ultra” bajo un frontón triangular, y a ambos lados aparecen 2 heraldos u hombres de armas sobre pequeñas adosadas. En el 3º piso hay utilización de aparejo rústico. Esta inversión tectónica, el aparejo rústico debería estar en el piso inferior, tiene un carácter manierista. La balaustrada superior, muy restaurada, se decora con motivos imperiales. La cubierta de las torres angulares es apizarrada. Tras superar este acceso aparece un amplio vestíbulo previo al patio.

Hospital Tavera

Autor: Alonso de Covarrubias Fecha:1541-s.XVII Ciudad: Toledo

El Hospital de Tavera también es conocido como Hospital de San Juan Bautista. Esta casa de enfermos fue financiada por el Cardenal Juan Pardo de Tavera. Su construcción se realiza en el exterior del recinto amurallado. Cumple también con la función panteónica, y es que el Cardenal Tavera se enterró en un sepulcro de elaboración del escultor Alonso Berruguete, sito en el interior de la iglesia del propio hospital. Este hospital presenta una fractura con el Renacimiento Ornamentado en la carrera de Covarrubias, por un lenguaje más clasicista. Las fachadas son del siglo XVII. Hoy es un museo.

El 1º proyecto, de Alonso de Covarrubias, se presentó en 1540. Es un proyecto de planta rectangular con 2 patios y una iglesia distinta morfológicamente y de situación a la actual.

El 2º proyecto, de 1541, mantiene los 2 patios, comunicados entre sí mediante una galería de 2 alturas, original solución que tiene sentido perspectivístico e ilusionista. El proyecto definitivo de la iglesia, cupulada y relacionada directamente con El Escorial, pertenece a Bartolomé de Bustamante. Previo a la iglesia se dispone un pequeño espacio arquitectónico que realza la propia iglesia.

El Hospital de Tavera es una modernización de la tipología cruciforme de Egas, y relacionado con un grabado del libro “La Casa Romana” (1511) de Vitrubio, realizado por Frai Giocondo.

Patios: Ambos patios se unen por una galería abierta de 2 alturas. En la 1ª altura el orden utilizado es el toscano, se decoran las enjutas con medallones y el entablamento se cecora con triglifos y metopas. Influencia de la Sacristía de la Catedral de Jaén de Andrés Vandelvira.

Fachada principal: Se acabó en el siglo XVII. Dotada de amplio zaguán.

Puerta Bisagra

Autor: Alonso de Covarrubias Fecha: Ciudad: Toledo

La construcción de la Puerta Bisagra forma parte del proyecto de urbanización de este recinto. Es una de las puertas principales del recinto amurallado de Toledo. Está enfrente del Hospital de Tavera.

El 1º proyecto, de Alonso de Covarrubias, se presentó en 1547. Este proyecto constaba también de una gran plaza. Fue un proyecto fallido que no llegó a realizarse.

El 2º proyecto, de 1559. La Puerta Bisagra propiamente es de este proyecto. Referencias al tratado de Serlio. Sobre el arco hay gran heráldica con el águila bicéfala y las columnas de Hércules asociadas al lema “Plus Ultra” aludiendo a Carlos V.tambén se coloca la imagen del ángel custodio, con finalidad espiritual de protección de la ciudad. En los laterales de la puerta se levantan 2 torres circulares, con sentido militar. Utilización de mampostería.

7- ENTRE LA TRADICIÓN Y EL CLASICISMO:

RODRIGO GIL DE HONTAÑÓN

Palacio de Monterrey

Autor: Rdrigo Gil de Hontañón Fecha: 1539-… Ciudad: Salamanca

La financiación corre por cuenta del Conde de Monterrey. Originalmente se pensó para que fuera de mayores dimensiones.

Fachada: Los pisos se separan por distintas líneas de impostas. Se remata el edificio con una crestería plateresca. Las torres laterales son de herencia militar, pero son meros miradores. Escudos en las esquinas.

Universidad de Alcalá de Henares (fachada principal)

Autor: Rdrigo Gil de Hontañón Fecha: 1547-1553 Ciudad: Alcalá de Henares (Madrid)

En el momento de su realización no era todavía la Universidad de Alcalá de Henares sino el Colegio de San Ildefoso. La fachada principal del Colegio de San Ildefonso forma parte del proyecto de remodelación de colegios universitarios que se llevó a cabo en el siglo XVI.

Fachada: Lenguaje de ornamentación muy depurado, la arquitectura española de mediados de siglo se ha ido desprendiendo de toda la decoración de grutesco.

1º piso: Se articula por semicolumnas pareadas adosadas al muro. Las ventanas rematadas con frontón triangular. Acceso centralizado.

2º piso: También articulado por semicolumnas pareadas adosadas al muro. Amplios ventanales. Hay una serie de imágenes esculpidas.

3º piso: En esta altura se dispone una galería. Escudo de Carlos V en el centro. Frontón decorado con relieve de Dios Padre Eterno. Se remata el conjunto con una balaustrada.

8- EL CLASICISMO. LA ARQUITECTURA DEL REY. EL ESCORIAL: JUAN BAUTISTA DE TOLEDO Y JUAN DE HERRERA. LOS INGENIEROS MILITARES Y LA DEFENSA DEL IMPERIO. LA ARQUITECTURA DE FINALES DE SIGLO

EL CLASICISMO:

El Clasicismo es un fenómeno que surge a consecuencia de la investigación, el estudio y el contacto con el mundo clásico de Grecia y Roma., procurando recuperar las formas y los contenidos, para darles una nueva vigencia y vitalidad, por eso decimos que es una etapa del Renacimiento.

Hay un dominio perfecto del lenguaje clásico.

Su cronología es: 1560 - principios del siglo XVII.

Importancia de los poderosos recursos técnicos que arrastran la expansión de la ingeniería (El Escorial se construyó en tan solo 23 años).

El espacio es mensurable a través de las matemáticas, lo que se plasma en la perspectiva.

Hay un método riguroso de proyectar los edificios: planimetrías, dibujos a escala, maquetas.

Expresión de las nuevas ideas contrarreformistas (Concilio de Trento: 1563):

Austeridad y sencillez de las formas.

Estilo severo y desornamentado.

Funcionalidad.

Importancia de la política editorial llevada a cabo sobre los tratados de arquitectura: Vitrubio, Vignola, Alberti.

MORFOLOGÍA DEL CLASICISMO:

El muro es el protagonista y el soporte principal.

Desaparece la columna como soporte exento, otorgando mayor importancia al pilar.

Presencia del sintagma albertiano: arcos de ½ punto enmarcados entre el soporte y el entablamento.

Cubiertas:

Bóvedas: gran indagación en su estudio (de cañón, vaída de proporciones colosales, plana, de arista).

Cúpulas: con tambor y linterna.

Cubiertas apizarradas de gran voladizo, de inspiración de Flandes.

Vano termal: vano tripartito inspirado en las termas de Roma.

Fachadas inspiradas en Vitrubio y Vignola.

LA ARQUITECTURA Y FELIPE II:

El interés de Felipe II por la arquitectura surgió desde su adolescencia. En su formación había mostrado curiosidad por el mundo de la tratadística.

Desde 1543 estuvo al frente de los Alcázares Reales, contando tan solo con 16 años.

Realizó 2 viajes por Europa que fueron fundamentales para una visión más completa por su parte: el primero, por los Países Bajos e Italia (1548-1551), y el segundo por Inglaterra y Países Bajos (1554-1559).

En 1559 nombra como arquitecto de todas las obras reales a Juan Bautista de Toledo.

El círculo artístico del rey se va a extender fundamentalmente por los territorios de El Escorial, Segovia, Toledo, Casa de Campo, Palacio del Pardo, Valsaín y Aranjuez.

Juan Bautista de Toledo

Arquitecto español (principios del siglo XVI-1567). Es un arquitecto cuya formación se lleva a cabo en Italia, como humanista e ingeniero. En esta estancia perteneció al entorno de Miguel Ángel y de Sangallo. Se supone que trabajó con Miguel Ángel en la basílica de San Pedro en Roma, y dirigió algunas obras en Nápoles. En 1559, requerido por Felipe II, viajó a España para hacerse cargo de las obras del monasterio de El Escorial, del que dio la que se conoce como traza universal del edificio en 1562. También trabajó en otras obras vinculadas con la Corona en Aranjuez y Segovia.

Juan de Herrera

Arquitecto español (1530-1597). Había viajado en el séquito de Felipe II en el segundo viaje de éste por Europa. Fue ayudante de Juan Bautista de Toledo en El Escorial, proyecto del que se hizo cargo en 1572. además también trabajó en el Palacio Real de Carlos V en Granada, en el Alcázar de Toledo y en la Catedral de Valladolid. Como teórico es autor del Discurso de la figura cúbica (1562) y otro sobre máquinas. En 1582 dirigió en Madrid la Academia de matemáticas, de fundación real. Promovió la reproducción del monasterio de El Escorial en grabados y estampas que circularon por toda Europa.

San Lorenzo de El Escorial

Autores: Juan Bautista de Toledo / Juan de Herrera Fecha: 1563-1586 Ciudad: San Lorenzo de El Escorial (Madrid)

La victoria lograda por las tropas de Felipe II en la Batalla de San Quintín en Francia, que tuvo lugar en 1557, un 10 de agosto, día de San Lorenzo, inspiró al monarca la idea de fundación de un monasterio, precisamente con advocación a San Lorenzo, santo que es español, como voto por esta victoria militar. La función precisa por la que Felipe II construye El Escorial es la de ser su panteón y también el de su familia, y es que su padre, Carlos V, le había dicho antes de morir que le enterrara donde quisiera pero junto con su esposa.

El Escorial es un edificio polifuncional complejo, centraliza las misiones funeraria (panteón), culto (iglesia basilical), espacio conventual (monasterio completo), formación de nuevos monjes acorde con las nuevas ideas contrarreformistas (colegio y seminario), lectura (gran biblioteca) y residencia real (palacio privado).

Hubo un control muy riguroso del aspecto económico derivado de las obras de El Escorial. El número de obreros que trabajaron en la construcción fue elevadísimo y su salario era a destajo.

El eje principal del edificio es O-E, línea que atraviesa: Portada de la fachada principal - Biblioteca (parte inferior) - Patio de los Reyes - escaleras de subida a la basílica y fachada de la basílica - Vestíbulo anterior de la basílica - Atrio de la basílica y los dos tramos dedicados al coro en los pies de la basílica - Nave central de la basílica y la gran cúpula - Presbiterio y altar mayor (el panteón está en el subterráneo del altar mayor) - Patio de los Mascarones - Aposentos Reales.

Las características que definen a El Escorial son: desornamentación, énfasis volumétrico, simplicidad, rigor geométrico, equilibrio armónico entre las distintas partes y entre las partes y el todo. El Escorial es fundamentalmente un edificio funerario, por ello la desornamentación general del edificio. El Clasicismo es de clara evocación vitrubiana.

Hay que destacar la preponderancia de utilización del orden dórico, orden por excelencia ya que le edificio está dedicado a un mártir. San Lorenzo, de inspiración del Tratado de Serlio.

Juan de Herrera es el autor del Discurso de la figura cúbica (1585), teoría que parade llevar a la práctica encuanto a la ordenación de unos cubos en el interior de otros cubos.

El material utilizado en la construcción es el granito. Las piedras que llegaban a la zona de construcción habían sido previamente labradas en la cantera.

En 1559 empieza a trabajar en el proyecto Juan Bautista de Toledo.

En 1561 decide que va a construir el monasterio y que la orden que lo regentará será la de San Jerónimo, orden muy contemplativa y con gran dedicación a la oración, lo que incidía más en el sentido funerario de la construcción, y muy relacionada con la monarquía desde tiempo atrás.

En 1562 se eligió el sitio exacto donde se levantaría la construcción a las afueras de la capital Madrid. Un lugar en alto y bien ventilado, obedeciendo al Tratado de Vitrubio. En este año también se acota el perímetro del conjunto, lo que se conoce como la “traza universal” de Juan Bautista de Toledo.

En 1563 se colocó la primera piedra en la construcción del nuevo edificio. Este mismo año también se realizó la medalla fundacional del edificio en la que Felipe II destacó que “la primera piedad es la filial”.

En 1564 se modificó el aspecto exterior de El Escorial debido a que se duplicó el número previsto de monjes que iba a albergar el conjunto, pasando de 50 a 100 religiosos, y es que Felipe II en un viaje por Aragón había visitado el monasterio de Santa Engracia con capacidad para 100 monjes, y entendió que debía ampliarse el número de residentes teniendo en cuenta que San Lorenzo de El Escorial estaba llamada a ser la cima de la jerarquía jerónima de España. La solución que se adoptó entonces fue la de ampliar un piso en altura el conjunto del edificio que estaba construyéndose, ya que las obras de la zona conventual ya se habían iniciado y los cimientos de esta zona se habían echado. Se modificó de la misma manera el proyecto en lo referido a las torres presentes en la fachada, suprimiéndose las de la fachada principal y quedando sólo las presentes en los 4 ángulos exteriores del perímetro.

En 1567 se elaboró la carta fundacional de la construcción en la que Felipe II proclama que es un monumento estrictamente funerario. Este mismo año muere Juan Bautista de Toledo.

En 1571 la orden de San Jerónimo se instaló, síntoma de que ya se habían concluído las dependencias monásticas.

En 1572 Felipe II rechazó el proyecto de la basílica que había elaborado Juan Bautista de Toledo y, tras estudiar los distintos proyectos que le hicieron llegar, se decidió por el de Juan de Herrera que, a partir de este momento, se hizo cargo de las obras.

En 1573 se echaron los cimientos de todo el conjunto que aún faltaban por construirse, y empezaron a levantarlas a un ritmo simultáneo y acelerado.

En 1579 se termina la construcción del claustro procesional.

En 1583 se terminan las obras de la biblioteca.

En 1584 concluyen las obras de la basílica.

En 1586 con la conclusión de las obras de la portada de la fachada occidental, se terminan las obras, que habían sido llevadas a cabo en un tiempo increíble de tan solo 23 años de trabajos. Este mismo año la corte real se traslada a El Escorial.

Traza general: Hubo en la época una producción masiva de diseños, maquetas y demás estudios, de los que se han consevado muchos de ellos. La idea general de la traca es de Juan Bautista de Toledo. El tronco común se relaciona con los palacios-monasterios de la Edad Media española, con la tipología hospitalaria de planta de cruz griega, y con los Alcázares Reales. Las grandes galerías se relacionan con los palacios europeos del siglo XVI. En la edición de Prado y Villalpando en la que realizaron una hipotética reconstrucción del Templo de Salomón, proyecto editorial financiado por Felipe II, se fijaron en El Escorial a la hora de realizar el estudio.

Fachada principal: La fachada principal es la occidental. El proyecto es de Juan de Herrera. Se finalizó en 1586. Priman los valores de desornamentación, organicidad, y presenta superposición de órdenes. Las pilastras adosadas son de escaso volumen. La techumbre superior es abuhardillada, influenciado de los Países Bajos. Cada piso se compone de distintas alturas. La portada principal está compuesta por 2 pisos cuya línea de división se potencia con un gran entablamento decorado con triglifos y metopas. El 1º piso de la portada principal se articula por pares de columnas adosadas de orden dórico. Los pares de columnas se alternan con vanos y ornacinas. El piso superior de este primer piso es la biblioteca. La decoración central del piso destinado a la biblioteca son motivos escultóricos con forma de parrillas, alusión al martirio de San Lorenzo. El 2º piso de la portada principal se articula por 2 pares de columnas adosadas, esta vez de orden jónico. Un gran escudo de Felipe II resalta en el centro. Encima del escudo real hay una gran ornacina que alberga la figura de San Lorenzo, de factura del escultor Juan Bautista Monegro. A los laterales de los pares de columnas aparecen pirámides coronadas por esferas, símbolo de asociación de lo funerario que tiende hacia la eternidad. El conjunto de este segundo cuerpo se remata con un frontón triangular.

Biblioteca: Se finalizó en 1583. La biblioteca está situada en el piso superior del cuerpo inferior de la fachada principal. Se accede a la biblioteca situándose en el zaguán, y desde aquí girando a la izquierda. Este espacio es de planta rectangular y se cubre con bóveda de cañón. La luz entra a la biblioteca a través de grandes vanos y balcones de iluminación. Importancia del programa pictórico que decora muro interior y bóveda, obra de Pellegrino Tibaldi. Los armarios destinados para los fondos de la biblioteca, son de diseño de Juan de Herrera.

Patio de los Reyes: Se llega a esta patio atravesando el zaguán. Es el patio situado previo a los pies de la basílica.

Fachada de la basílica: La fachada de la basílica queda encajonada entre 2 torres. Estas torres son de 3 pisos (1º piso destinado a ornacinas no pensadas para albergar escultura; 2º piso dotado de vanos; y 3º piso en el que se levanta la cúpula hemiesférica con linterna y chapitel superior). El muro que forma la fachada principal une la parte del seminario (parte izquierda de la fachada) y la zona de convento (parte derecha de la fachada). La portada está compuesta por 2 pisos cuya línea de división se potencia con un gran entablamento de orden dórico. El 1º piso de la portada se articula por 6 pares de columnas de orden dórico que se alternan con 5 vanos de ½ punto que permiten el acceso al nártex de la basílica. El 2º piso de la portada lo presiden 6 esculturas de los reyes de Judá sobre basamento, intención de emparentar a la monarquía española con los reyes del Antiguo Testamento, de elaboración del escultor Juan Bautista Monegro. Y se corona con un frontón triangular partido por un gran arco de ½ punto que irrumpe en el paño central. En el proyecto de Juan de Herrera para esta fachada no figuraban las figuras de los reyes de Judá, en su lugar aparecían pirámides coronadas por esferas similares a las de la fachada occidental de El Escorial.

Coro de los monjes: El coro de los monjes es una profunda estancia que ocupa los 2 tramos a los pies de la basílica. Hay 2 coros: un coro superior en el piso de arriba, y otro coro inferior debajo de ése.

Interior de la basílica: La basílica fue proyectada por Juan de Herrera y se finalizó en 1584. La planta es de forma rectangular y según el eje de acceso puede dividirse en 3 naves de 3 tramos cada una. El protagonismo tectónico del interior de la basílica reside en los 4 enormes pilares a los que se adosan pilastras de orden dórico situados en el centro formando un cuadrado, y sobre los que se voltea la cúpula. Estos 4 grandes pilares engendran en su interior espacios practicables cubiertos con ½ punto. La cúpula es a la italiana; dotada de doble casco, tambor y linterna. Vanos termales tripartitos situados en el cuerpo superior abastecen de luz el interior de la basílica. La cabecera, de diseño de Juan de Herrera, está elevada en alto mediante una escalinata debido a la presencia inferior del panteón de planta octogonal. Hay presencia de orden dórico a la hora de articular la cabecera y destaca también la presencia de cenotafios. Importante decoración en la cabecera de la basílica en la que se utilizaron materiales ostentosos: mármoles, jaspes, bronces dorados al fuego…

Claustro procesional: Este claustro fue proyectado por Juan Bautista de Toledo y se concluyó en 1579. Este claustro se compone de 2 pisos de galerías de arcos de ½ punto. El piso inferior se articula con columnas adosadas de orden dórico y tiene importancia por su decoración pictórica. El piso superior se articula con columnas adosadas de orden jónico. El templete sito en el centro del claustro fue proyectado por Juan Bautista de Toledo pero hecho real por Juan de Herrera. El templete está dedicado a los 4 evangelistas cuyas esculturas, obra de Juan Bautista Monegro, se cobijan en ornacinas del propio templete. Alrededor del templete hay 4 pequeños estanques, haciendo alusión a que la doctrina enseñada por Cristo y reogida por los evangelistas es fuente de vida.

Catedral de Valladolid

Autor: Juan de Herrera Fecha: 1585-inacabada Ciudad: Valladolid

El resultado final de este edificio tiende a destacar la idea de masa y perfecta volumetría cúbica por encima de cualquier otra solución y se enmarca armoniosamente en el experimentalismo herreriano en torno a las ideas de simetría, proporción, gusto por las figuras perfectas, respeto al muro y articulación clasicista del muro. En la obra también trabajaron Pedro de Tolosa, Alonso de Tolosa, Diego de Praves y Francisco de Praves.

En 1527 Rodrigo Gil de Hontañón dio las trazas para una iglesia colegiata.

En 1585, apenas iniciada la colegiata, Juan de Herrera fue solicitado para la elaboración de un nuevo proyecto realizado a partir del anterior.

En 1595, el proyecto se convirtió en Catedral, de gran magnificencia, y de haberse concluído sería el principal exponente de del genio del arquitecto de El Escorial.

Planta: La planta es una cruz latina inscrita en un rectángulo. Este rectángulo consta de 3 naves, y a las naves laterales se le adosan capillas-ornacinas. Los tramos de la nave central son de forma rectangular y cubiertos con bóveda de cañón con lunetos, mientras que los tramos de las 2 naves laterales son cuadrados y se cubren con bóvedas de arista. El cuerpo del crucero es de nave única de 5 tramos. Todo se ordena a partir de un módulo de 10 pies que se corresponde con el núcleo del pilar, el cual, multiplicado, forma la planta total del edificio de proporción dupla. El alzado de las secciones transversales y longitudinales de la Catedral responden igualmente a una proporción sesquiáltera. La planta de la iglesia se articula en torno a una proporción dupla, formando un edificio con una fuerte tendencia a la centralidad. El proyecto original carecía de la cúpula actualmente cierra la parte superior del transepto. El sistema de soportes del edificio se resuelve con pilares de sección cuadrada que dividen el paso de la nave central a las laterales, 4 pilares de mayores dimensiones engendran los arcos torales que sustentan la cúpula, y los accesos y paredes de las capillas-ornacinas también tienen función tectónica como potentes pilares.

Interior: El interior de la Catedral está articulado por medio del orden corintio. Herrera retranquea la nave del crucero para dar lugar a una estructura de arco triunfal con tribuna. En el interior de la Catedral cabe destacar el retablo mayor, obra de Juan de Juni (1551); la sillería de coro tallada por F.Velázquez y S. de Vega (siglo XVII), y la custodia de Juan de Arfe (1590).

Exterior: Preocupación herreriana del respeto al muro, únicamente articulado a través de puros elementos arquitectónicos tomados de la gramática del Clasicismo. El muro perimetral aparece profundamente respetado en su condición de tal, articulado a través de sencillas pilastras toscanas, como sucedía en El Escorial, las portadas exteriores se resuelven en dórico.

Fachada principal: La fachada principal tripartita está está colocada a los pies. Sólo hay una de las 2 torres que la debían flanquear. El acceso central se corona con un arco termal enmarcado por 2 segmentos de dobles columnas que solucionan el problema por medio del recurso al tema del arco triunfal, dentro de la más pura ortodoxia renacentista. La fachada principal, de orden dórico, como el resto del exterior del edificio, soluciona los temas planteados en la de El Escorial de una manera más perfecta. Enmarcada por 2 torres, las alturas de los cuerpos de las mismas se incardinan con el cuerpo central de la fachada de una manera mejor a lo que sucedía en el edificio escurialense, ya que, ahora, la cornisa del 2º cuerpo puede coincidir con la base del frontón de la portada principal. Este 2º cuerpo fue proyectado por Alberto Churriguera (siglo XVIII). El ritmo del vano triunfal, de doble anchura con respecto a los intercolumnios que lo enmarcan se repite en las 2 portadas laterales y se inspira en la idea de la trabata rítmica de inspirada en el Belvedere de Bramante.

Ciudadela de Pamplona

Autor: Giacomo Palearo / Vespasiano Gonzaga y Colonna Fecha: 1571-1646 Ciudad: Pamplona (Navarra)

El emplazamiento elegido fue a cierta distancia de la ciudad en su extremo suroccidental.

En 1571 la construcción fue promovida por Felipe II, y con ella se trataba de sustituir el Castillo de Fernando el Católico, ya anticuado, y cuyas piedras fueron reutilizadas.

En 1646 bajo el virreinato del Conde de Oropesa se añadieron medias lunas y un polvorín, dándose por concluída la Ciudadela. A partir de entonces se dotó su interior con otros servicios como capilla, almacen…

En siglos posteriores se llevaron a cabo otras diversas reformas.

Planta: De acuerdo con las nuevas fórmulas de la ingeniería renacentista italiana, se concibió como un pentágono estrellado de 5 puntas con baluartes en los extremos, cada uno dedicado a un santo. Se mantiene el cerco murado de piedra, con un ligero talud que la circunda.

Ciudadela de Jaca

Autor: Tiburcio Spanochi Fecha: 1595-s.XVII Ciudad: Jaca (Huesca)

La Ciudadela de Jaca también se conoce como Castillo de San Pedro. Se decidió la construcción del Castillo en el paraje extramuros conocido como el Burnao, Burgo Nuevo Románico. En principio el Castillo fue construído para cerrar el acceso al Ejército francés-hugonote a lo largo del eje del Camino de Santiago. Este modelo de ciudadela es muy empleado en los Países Bajos, en donde, si se disponía de agua suficiente los fosos eran inundados, como Lieja o Amberes. La única vez que entró en batalla fue durante la Guerra de Independencia y se hallaba ocupada por franceses, mientras que los españoles intentaban recuperarla. La construcción de muros se realiza con grandes sillares que ocultan un muro de argamasa durísima, de 2,5 metros en la parte más alta y hasta 4 metros abajo.

En 1595 las obras del Castillo de San Pedro fueron iniciadas por Tiburcio Spanochi, bajo la protección de un pequeño Destacamento de Infantería al mando de Juan de Velasco, que sería el primer Teniente de Rey de la Ciudadela.

La puerta principal es del siglo XVII, de época de Felipe III.

Planta: La Ciudadela de Jaca presenta el rígido aspecto de un pentágono regular en cuyos 5 vértices se han insertado otros tantos baluartes perfectamente artillados. El conjunto está rodeado de foso y glacis. La defensa exterior presenta sucesivamente: foso - contraescarpa - camino cubierto - plazas de armas -glacis. Los baluartes artillados están unidos por un camino de ronda. Cada baluarte cuenta con 3 garitas para el centinela, que efectuaban sus relevos a través del camino de ronda. La plaza de armas, situada ante la puerta principal presenta muros con aspilleras para defensa inmediata al otro lado del puente, parte del cual es de tipo levadizo. El recinto también cuenta con capilla, en cuyo interior se encuentra el sepulcro de Juan de Velasco.

ESCULTURA DEL RENACIMIENTO

EL PROBLEMA DEL CANON:

El primer tratadista sobre el canon es Diego de Sagredo, autor de “Las medidas del romano”.

Hay debate en la época sobre los disitntos cánones:

10 rostros; de herencia vitrubiana

9 y 1/3 rostros; como las “Águilas” y Bigarny.

9 rostros; como Pompenio Gaurico.

MATERIALES:

Madera (pino, nogal, roble, cerezo) - Alabastro - Piedra - Bronce.

Es habitual que la policromía vaya asociada a la escultura.

LAS OBRAS:

Retablos (estructura de un retablo: cuerpo inferior o sotabanco o basamento - cuerpo medio o banco - cuerpo superior o cuerpo principal - ático)

Escultura funeraria, 3 tipos: monumento funerario parietal - monumento funerario exento - lauda o lápida sepulcral.

Sillerías de coro.

Escultura monumental (ligada al monumento).

Bustos-relicario.

Imágenes procesionales.

CENTROS ARTÍSTICOS:

Burgos - Valladolid - Granada - Sevilla - Zaragoza - Navarra - La Rioja.

CONSIDERACIÓN DEL ARTISTA:

Los escultores tenían la consideración de artesanos. Hubo ciertas voces humanistas en contra de esta consideración. La formación de los escultores era totalmente tradicional, comenzando como aprendices del oficio en un taller.

Se distingue entre imagineros (escultores que realizan trabajos de bulto entero), y entallador (escultores que realizan tallas de relieves en retablos).

CLIENTELA:

Los principales clientes son los reyes, nobleza, parroquias, cofradías, conventos.

Los encargos pasaban por notario, y las imposiciones las ponía el cliente encuanto a lo relativo a los plazos, material utilizado, decoración…

1-LA TRADICIÓN TARDOGÓTICA:

GIL DE SILOE - GIL MORLANES

Gil de Siloe

Escultor probablemente flamenco. Activo en Burgos en el último cuarto del siglo XV. Fue escultor oficial de la Corona de Castilla al servicio de Isabel la Católica. El estilo de Siloe es de una excepcional prolijidad descriptiva, que se extiende por igual a las facciones de los personajes, a los atuendos y a los elementos ornamentales, con una labra afiligranada que hace pensar en trabajos de orfebrería, y que confiere a las obras una suntuosidad decorativa abrumadora. Obras principales: Sepulcro del príncipe Alfonso (en la Cartuja de Miraflores), Sepulcro de los padres de Isabel la Católica (en la Cartuja de Miraflores).

Gil Morlanes (el Viejo)

Escultor español (1450-1517). Su actividad conocida se desarrolló en Aragón, donde fue el introductor del renacimiento en el arte de la escultura. Fue escultor oficial de la Corona de Aragón al servicio de Fernando el Católico. La mayor parte de su producción se ha perdido. Obras principales: Retablo de alabastro del Monasterio de Monteargón, Portada de la iglesia de Santa Engracia de Zaragoza. Su hijo Gil Morlanes (el Joven) se dedicó sobre todo a la arquitectura.

2-LOS “MODERNOS AUTÉNTICOS”:

FELIPE BIGARNY - DAMIÁN FORMENT

Felipe Bigarny

Escultor español de origen francés (1475-1543). Conocido también con el nombre de Felipe de Borgoña o Maestre Felipe. No es escultor de formación italiana, pese a que sí estuvo en Italia, tan solo adquirió algún aspecto técnico. Es un excelente retratista. En 1497 se estableció en Burgos, centro principal de su obra. A partir de 1503 su carrera es imparable, entra en contacto con poderosos comitentes como el Cardenal Cisneros o los Condestable de Castilla. En 1519 se traslada a Zaragoza para trabajar en la corte de Carlos V. Contactó con las Águilas, especialmente con Berruguete, y otros artistas como Forment. En los años '30 dirige 3 talleres estables en Burgos, Toledo y Peñaranda (Burgos), lo que le permitió atender numerosos encargos. Sus obras se distinguen por: Corrección de su talla; contenida expresividad; dulzura de las formas; escenarios quattrocentistas a la italiana; nunca abandona la impronta tardogótica adquirida en el taller borgoñés en el que se formó.

Trasaltar para la girola de la Catedral de Burgos

En 1498 el cabildo de la Catedral de Burgos le encarga el trasaltar para la girola. Los trabajos de Bigarny concluyen en 1502. La estructura arquitectónica de esta obra de traza gótica había sido realizada por Simón de Colonia, lo que pertenece a Bigarny es la imaginería. El material utilizado por Bigarny es la piedra.

Descripción: La imaginería consiste en relieves de una representación completa del Via Crucis. Estilo de tradición tardogótica borgoñona. No hay representación del espacio en profundidad sino en altura. Una piedra arrastrada por Cristo y atada a su cintura alude a una tradición medieval. Sólo pocos elementos italianizantes, como la representación de Cristo como Hércules, gran fuerza para aguantar el Calvario. Gran expresión de los rostros. Construcciones arquitectónicas a lo romano de los fondos de escena. Representaciones muy naturalistas. Buen manejo del escorzo.

Retablo de la Catedral de Toledo

También en 1498 el cabildo de la Catedral de Toledo le encarga el retablo para el altar mayor, que concluyó en 1503. Este retablo es de traza gótica y el material es madera policromada.

Retrato del Cardenal Cisneros

Su realización es del año 1512. El material utilizado es alabastro policromado. La policromía es obra del pintor francés León Picardo.

Descripción: La imagen es un perfil de la cabeza del retratado. Influencia de retratos tardogóticos. El Cardenal Cisneros es franciscano, lo que se identifica con su peinado. Su indumentaria delata que es arzobispo de Toledo, porta medallón con la imagen de la Virgen imponiendo la casulla a San Ildefonso, símbolo de la ciudad, y el toisón que sujeta la medalla al cuello está repleto de decoración vegetal.

Retablo de la Capilla Real de la Catedral de Granada

Fue propósito de Carlos V el terminar el proyecto iniciado por sus abuelos los Reyes Católicos. Los trabajos de Bigarny se desarrollan entre 1519-1521. Se desconoce el autor de la traza renacentista de este retablo, se cree que pudo ser Andrea Sansovino, Alonso Berruguete o Gil de Siloe. La imaginería es obra de Bigarny. La policromía es obra de León Picardo. El material es madera policromada.

Descripción: El retablo se compone de basamento - banco - cuerpo superior de 3 calles más los extremos. La articulación del retablo de soportes y entablamentos son renacentistas. Hay esculturas de bulto y también hay presencia de relieve. Hay abundante decoración de grutesco. Los relieves del basamento aparecen los Reyes Católicos entrando en la ciudad de Granada acompañados del “Gran Cardenal” Pedro González de Mendoza y del ejército. En el cuerpo superior central el protagonismo recae en los Santos Juanes, San Juan Bautista y San Juan Evangelista, protectores de los Reyes Católicos. Remata los dos extremos del cuerpo superior con conchas o veneras que albergan esculturas.

Retablo de la Capilla del Condestable de la Catedral de Burgos

La construcción de la Capilla del Condestable, de gran suntuosidad, en la cabecera de la Catedral de Burgos fue llevada a cabo por el arquitecto Simón de Colonia. La decoración con imaginería del retablo principal fue un encargo conjunto a Felipe Bigarny y a Gil de Siloe. La realización de este retablo fue entre 1521-1523. el material es madera policromada. Se desconoce el autor de la traza de este retablo, que sigue la tipología de retablo-escenario. Posteriormente Bigarny se encargó del sepulcro de la Capilla.

Descripción: En el basamento se representa la Presentación del Niño en el templo, muy renacentista por la articulación del relieve y la decoración, de esta representación son obra de Bigarny las figuras del sumo sacerdote y la profetisa Ana, para los que utiliza canon de 9 y 1/3 rostros. También está presente la decoración de relieves en el cuerpo medio. En el cuerpo superior o ático se representa la escena del Calvario.

Sillería de coro de la Catedral de Toledo

En 1536 el cabildo de la Catedral de Toledo, fundamentalmente el Cardenal Tavera, encargó a diferentes artistas que diseñaran proyectos para la sillería de coro de la Catedral. En 1539 se decidió realizar toda la sillería, bajo un proyecto único que aglutinase la propuestas de Gil de Siloe, Alonso de Covarrubias y Felipe Bigarny, proyecto dirigido por Alonso Berruguete y el propio Bigarny. Los materiales utilizados son mármol rojo o jaspe para las columnas, madera de nogal para la sillería alta, y alabastro para la parte superior. La sillería baja era preexistente del siglo XV. Cuando Bigarny muere en 1542 sólo faltaba por realizarse el coronamiento de la silla arzobispal, que concluyó Berruguete con mármol de Carrara.

Descripción: Un ejemplo de los relieves de Bigarny es de la Reina de Saba, de realización de su taller de Toledo. Es un panel para el respaldo de una silla en el que destaca la idealización de la belleza, frontalidad, equilibrio y canon de 9 y 1/3 rostros.

Damián Forment

Escultor español (1480-1540). Su padre también había sido escultor, en cuyo taller comenzó su formación en torno a 1500. La primera colaboración con su padre se produjo en el retablo de la Puridad. No es artista de formación italiana, pero sí que estuvo en Italia, donde adquirió algunos elementos italianizantes. En 1509 llegó a Aragón, y llegó a tener en sus manos todo el mercado de la Corona. Conoció a Alonso Berruguete. Entre 1520-1530 dirigió los talleres de Zaragoza, Huesca y Poblet, lo que le permitió atender numerosos encargos. En 1532 se trasladó a Barcelona hasta 1536, donde entra en contacto con Bartolomé Ordóñez, figura que influye en la renovación de sus modelos. Sus obras se distinguen por: Dominio de los lenguajes gótico y renacentista; utilización de modelos de figuras de Durero, Leonardo, Raffael y Míguel Ángel; tratamiento de paños suave; representación con maestría de la representación del volumen de las figuras; gran expresión en los rostros; gran detallismo de las figuras; gran estudio anatómico; perfecta aplicación del canon vitrubiano de 10 rostros y también del de 9 y 1/3 rostros; interés por distintas posturas y actitudes; estilo naturalista; figuras con formas serpentinatas y contrapostos.

Retablo mayor de la Basílica de El Pilar de Zaragoza

Fue la primera obra en Aragón, donde había llegado en 1509. Se realizó en 2 fases: Entre 1509-1512 se hizo y se colocó la parte del basamento. El cabildo quedó tan contento que decidió encargarle el resto del retablo. Entre 1512-1518 realizó la parte superior del retablo inspirándose, por petición del cabildo, en el retablo de La Seo de Zaragoza. El material utilizado es alabastro. Sólo es de madera el guardapolvo. Sigue la tipología de retablo-expositor. Sólo hay policromía en los relieves del cuerpo medio.

Descripción: El basamento está decorado con elementos renacentistas, donde destacan los los retratos del propio Forment, redeado de espigas de trigo (forment significa trigo en valenciano, su lengua materna) y su esposa de perfil en el interior medallones, también hay alegorías del oficio de escultor con representaciones de martillo y cincel, lo que son novedades humanistas. También hay escenas de la Virgen y de la Pasión de Cristo, dotadas de dosel y chambrana. Hay esculturas de bulto en los extremos. En el cuerpo medio hay más escenas de Cristo dotadas de dosel y chambrana. El canon utilizado es de 9 y 1/3 rostros. La perspectiva de los relieves no es renacentista, sino una transformación tardogótica con algunos elementos de influencia italiana, como tratamiento de paños suave y colocación de figuras bajo veneras. En el cuerpo superior hay representación de escenas del Nacimiento de la Virgen. Gran maestría en representación en la representación del volumen de las figuras. Composiciones de escenas con muchas figuras. Algunas figuras miden de más de 3 metros de altura. Gran expresión en los rostros. Gran detallismo de las figuras, sin importarle que estén en la parte superior del retablo y no se aprecie desde abajo.

Retablo mayor de la Catedral de Huesca

Se encargó de su realización entre 1520-1532. Por petición del cabildo la elaboración del retablo se hizo inspirándose en El Pilar. El material utilizado es alabastro. Sólo es de madera el guardapolvo. No hay policromía.

Descripción: En el basamento colocó de nuevo su retrato, esta vez acompañado del de su hija Úrsula. Tiene doble banco con escenas de la Pasión y pares de apóstoles. En el cuerpo principal tiene estructura de tríptico, de izquierda a derecha: Cristo camino del Calvario - Crucifixión - Descendimiento. Introduce modelos de Raffael inspirados de estampas italianos, elementos escultóricos inspirados en el Laoconte, reflejos miguelangelescos que pudieron llegarle vía Berruguete. En la escena de la Crucifixión, en la que se incluyen al buen y al mal ladrón, y dos jinetes a caballo, hay un gran estudio anatómico, utilización de canon vitrubiano de 10 cabezas, gran tratamiento del volumen. En el grupo de la Virgen, que aparece desmayada, rodeada de las santas mujeres, se desprende un gran interés por distintas posturas y actitudes.

Retablo de Santo Domingo de la Calzada

Es su última gran obra, y en ella comenzó a trabajar en 1537, junto con Arnau de Bruselas. La traza del retablo es renacentista. Los materiales utilizados son alabastro para el cuerpo inferior, y madera policromada para el cuerpo medio y el superior. Influencia de sus trabajos en El Pilar.

Descripción: La estructura es: basamento - banco - cuerpo superior de 3 calles. Estilo naturalista. Hay decoración de mitología clásica de tritones y nereidas. Figuras de los apóstoles con formas serpentinatas. En el ático coloca a Adán y Eva, con posturas en contraposto.

3-DOMENICO FANCELLI Y

LA ESCULTURA IMPORTADA DE ITALIA

Sepulcro del Gran Cardenal Mendoza

Pedro González de Mendoza, también conocido como el Gran Cardenal Mendoza había muerto en 1495, y en su testamento dejó escrito su voluntad de ser enterrado en la capilla mayor de la Catedral de Toledo. El diseño del sepulcro es de 1500, pero hasta 1504 no empezó su construcción. Se desconoce el autor de la traza tan renacentista de este sepulcro, por lo que se cree que debió ser un artista italiano, probablemente Andrea Sansovino. Pero su autor no debió trabajar solo porque mientras unas esculturas son claramente renacentistas, otras son de un estilo más tardogótico. El material es la piedra.

Descripción: Pese a ser un sepulcro parietal tiene 2 frentes: un frente da al presbiterio y el otro a la girola. Es en forma de arco triunfal, relacionado con otros venecianos de la misma tipología, como el del Dux Niccolo Tron, y que va a influir posteriormente en otros sepulcros toledanos. La idea del arco trinfal se traslada al triunfo sobre la muerte.También tiene estructura de retablo. Hay 2 puertas laterales. El cuerpo inferior se divide en 3 calles, marginando las 2 puertas en las laterales, y en la zona central hay una estructura de arco de ½ punto articulado por pilastras, soporte renacentista, y decoración vegetal bajo la que se representa una imagen de Cristo flanqueado por 2 ángeles. En el cuerpo superior del difunto está el sarcófago, de formas clásicas, sobre el que se representa al difunto en postura yacente. Flanqueando el sarcófago hay otras imágenes de bulto en el interior de ornacinas. Por encima del sarcófago hay una estructura de mandorla que contiene a María flanqueada por otros 2 ángeles.

Domenico Fancelli

Escultor italiano (1469-1519). Su estilo es preciosista, de gran pulcritud técnica, es de filiación quattrocentista florentina, con influencia de Mino da Fiesole y Antonio Rossellino. Fue uno de los principales introductores del renacimiento italiano en España. Muere en Zaragoza en 1519 cuando se estaba dedicando a los sepulcros del Cardenal Cisneros, y el de Felipe el Hermoso y Juana la Loca, ambas obras pues, fueron continuadas por Bartolomé Ordóñez.

Sepulcro del Cardenal Hurtado de Mendoza

El destinatario del sepulcro es el Cardenal Hurtado de Mendoza, sobrino de Pedro González de Mendoza. Se halla en la Catedral de Sevilla. El encargo fue hecho por el Conde de Tendilla en 1508. Se labró en Génova y fue montado en Sevilla en 1510. El material es mármol de Carrara, siendo el primer sepulcro marmóreo importado de Italia.

Descripción: Su estructura es de arco triunfal a lo romano, de inspiración en el sepulcro del Papa Pablo II en Roma. La idea del arco trinfal se traslada al triunfo sobre la muerte. El sepulcro está adosado al muro y articulado por 2 grandes columnas, cuyos fustes se decoran con grutesco. En los intercolumnios hay hay esculturas que dotan de aspecto de retablo este conjunto. El sarcófago es a la antigua y sobre el que el yacente descansa con vestido de pontificado. En el basamento las figuras de la Justicia y la Caridad flanquean el epitafio grabado del Cardenal, que reproduce una oración votiva del difunto. Hay escudos heráldicos en los laterales. El sepulcro propiamente dicho está en el cuerpo medio. Hay relieves de la Resurrección, de la Virgen y Santa Ana. En el tímpano se reprsenta la Ascensión a los cielos. En los laterales hay pequeñas ornacinas aveneradas que albergan esculturas. Toda la parte exterior del arco se decora con motivos vegetales que parecen cogollos.

Sepulcro del Príncipe Don Juan

Este sepulcro está en la Iglesia de Santo Tomás de Ávila. El encargo fue realizado por Fernando el Católico en 1510 mediante el Conde de Tendilla. La labra de las piezas fue realizada en Italia. El sepulcro se montó en 1512. El material es mármol.

Descripción: La forma es de pirámide truncada exenta, tipología inspirada en el sepulcro de Sixto IV en Roma. En las esquinas inferiores aparecen figuras de grifos que suavizan la terminación en arista. En los laterales del basamento ha medallones que contienen imágenes de santos como San Juan Bautista y Santo Tomás, acompañados de virtudes. Sobre este basamento está el sepulcro propiamente dicho rodeado de guirnaldas y otros elementos militares y bélicos, y en el centro está el escudo familiar. Y sobre el sepulcro está la escultura yacente del difunto.

Sepulcro de los Reyes Católicos

Se encuentra en la Capilla Real de la Catedral de Granada, junto con el sepulcro de Felipe el Hermoso y Juana la Loca, también de Fancelli. el encargo se gizo en 1512, y en 1517 se había finalizado. El proceso de labra se desarrolló en Génova. El material es mármol de Carrara.

Descripción: Tiene forma de pirámide truncada exenta. En las esquinas inferiores aparecen figuras de grifos que suavizan la terminación en arista. Gran perfección técnica. Los rostros y las figuras yacentes de los difuntos se presentan idealizados y jóvenes, sosteniendo en sus cabezas, que reposan en almohadones, las coronas reales. La reina Isabel porta en el pecho la cruz de Santiago, mientras que el rey Fernando porta la cruz de San Jorge. La decoración es alusiva al triunfo espiritual del alma sobre la muerte, del triunfo militar, también hay relación con la doctrina, del carácter mesiánico de renovación vinculado con la Conquista de Granada. Aparecen heráldicas de valor simbólico y ornamental. El epitafio, grabado con caracteres latinos, habla de la personalidad triunfal de los reyes en los conflictos bélicos. El rey está vestido con atuendo militar y con la espada empuñada entre las manos.

Giovanni da Nola

Escultor italiano (1488-1558). Fue uno de los principàles escultores activos en Nápoles en la primera mitad del siglo XVI. En la formación de su estilo ejercieron un influjo importante las obras realizadas en esa ciudad por los españoles Bartolomé Ordóñez y Diego Siloe. Las mayor parte de su producción en iglesias napolitanas. Su escultura figurativa presenta un gran avance, debido en parte, a la influencia de Ordóñez y Miguel Ángel.

Sepulcro de Ramón Folch de Cardona

Ramón Folch de Cardona había sido Virrey de Nápoles e importante militar al servicio de Fernando el Católico. El sepulcro está sito en la Iglesia de Bellpuig (Lérida). El encargo se realizó en 1524. La fabricación fue llevada a cabo en Roma. El material es mármol de Carrara. La obra está firmada en el zócalo.

Descripción: Sigue la tipolgía de arco triunfal, inspirado en el Arco de Constantino en Roma, tipología seguida para los enterramientos de los virreyes españoles. Se concibe como un edificio exento con sus propias puertas y ventanas. La escultura figurativa presenta un estadio de mayor avance que la de Fancelli, por influencia de Ordóñez y Miguel Ángel. La iconografía es de carácter religiosa y de ensalzamiento del héroe militar. Son continuos los elementos decorativos relacionados con lo bélico y lo militar. Es repetitiva la alusión al mundo marino, adaptación clásica de un viaje al más allá. El basamento está decorado con escenas de una batalla naval. El propio sarcófago, sostenido por esfinges, está decorado con deidades marinas, entre las que aparece Neptuno. El tímpano se decora con el relive de una Piedad. Esculturas de virtudes están cobijadas en ornacinas laterales articuladas por pilastras adosadas de orde jónico, a ambos lados del sarcófago. En los medallones laterales superiores se dedican a alegorías, la Paz y la Fama respectivamente. Su escudo se coloca en la parte central presidencial, sobre el tímpano. El epitafio con oración del difunto se coloca en una placa rectangular colocada en la parte del ático.

Pietro Torrigiano

Escultor italiano (1472-1528). Fue condiscípulo de Míguel Ángel. En Roma trabajó bajo las órdenes del Papa Alejandro VI. En 1512 se trasladó a Inglaterra, donde labró la tumba de Enrique VII y de Isabel de York en Westminster y otras más, donde se aprecia una cierta semejanza estilística con Benedetto da Maiano, aunque su estilo ya tiende a la corrección del Cinquecentto. En 1520 llegó a España y empezó a trabajar en Sevilla. Muestra un profundo conocimiento de la anatomía humana y una gran minuciosidad técnica al servicio de un idealismo clásico.

San Jerónimo

Pietro Torrigiano realizó esta escultura de bulto completo de San Jerónimo en 1525. El material utilizado es barro cocido policromado. Esta pieza se conserva en el Museo de Sevilla.El santo está representado como penitente y porta en sus manos una piedra y una cruz de madera. Gran estudio de la anatomía humana. En el rostro logra representar un cierto expresionismo. Gran tratamiento de paños y pliegues queda demostrado en la tela que cubre el sexo del santo.

4-LAS PROPUESTAS DE LAS “ÁGUILAS DEL RENACIMIENTO”:

BARTOLOMÉ ORDÓÑEZ - DIEGO SILOE - ALONSO BERRUGUETE

Bartolomé Ordóñez

Escultor español (se desconoce-1520). Considerado una de las Águilas del Renacimiento español por Francisco de Holanda. Nació en Burgos, ciudad donde adquirió su primera formación, quizás en el taller de Bigarny. Su formación artística plena la logró en Italia, concretamente en Nápoles. La Capilla Caracciolo de la Iglesia de San Giovanni a Carbonara fue su primer trabajo, en el que trabajó junto con Diego Siloe. Volvió a España en 1517 y su primer trabajo fue la sillería de coro de la Catedral de Barcelona. En 1519 muere Domenico Fancelli, y los encargos pendientes de éste son trasladados a Ordóñez. Pero tan solo un año después, en 1520, murió dejando inacabadas algunas de sus obras. Su estiolo destaca por: gran dominio de la faceta del relieve; estudio de la escultura clásica, así como de Donatello, Raffael y Miguel Ángel; interés por la belleza idealizada; gradación de planos para representar el espacio en perspectiva.

Relieve de la Epifanía

Es un relieve realizado en la Capilla Caracciolo de la Iglesia de San Giovanni a Carbonara. Cronológicamente este relieve es de 1512, aproximadamente. Es una pieza muy italianizante. Gran manejo de las figuras de espaldas, de influencia miguelangelesca. Gradación de planos para representar el espacio en perspectiva. La parte superior es la más lejana según la perspectiva. Diferentes actitudes y posturas. Uso de canon vitrubiano.

Sillería de coro de la Catedral de Barcelona

La sillería de coro preexistente de la Catedral de Barcelona no estaba finalizada desde época medieval. En 1517 se realizó el encargo, coincidiendo con la celebración de la cumbre de la Orden del Toisón de Oro. El material es madera de nogal ausente de policromía.

Un ejemplar es el relieve de Noé ebrio, en el que se aprecia un gran estudio anatómico, introducción del modelo miguelangelesco, gran tratamiento de paños, cierto movimiento en actitudes y posturas.

Trascoro de la Catedral de Barcelona

El cabildo de la Catedral de Barcelona quedó tan satisfecho con el trabajo de Ordóñez en la sillería de coro que inmediatamente le encargó la realización del trascoro. Es tipologícamente precontrarreformista, puesto que aún conserva puerta de acceso centralizada. El material utilizado es mármol de Carrara. Es muy italianizante por por la elección del soporte, de orden dórico-toscano, y del entablamento, dotado de triglifos y metopas. El trascoro está dedicado a Santa Eulalia. Ordóñez, que murió joven en 1520, sólo pudo concluir 2 relieves:

El de Santa Eulalia ante el juez, y el del martirio de Santa Eulalia, y 2 esculturas de bulto alojadas en ornacinas a ambos lados de la puerta de acceso. En los relieves destaca la gradación de planos, la gran expresión de los rostros, la ausencia de movimiento, y, las diferentes posturas, pareciendo algunas figuras estar dialogando entre sí.

La Virgen con el niño y con San Juan Bautista niño

Es una figura de bulto de muy italianizante, que está en la Catedral de Zamora, y que se duda sobre la autoría de Ordóñez. El material utilizado es mármol.

Sepulcro de Felipe el Hermoso y Juana la Loca

Fue un encargo originalmente hecho a Fancelli, y posteriormente trasladado a Ordóñez cuando este primero murió. Está situado en la Capilla Real de la Catedral de Granada, paralelo al de los Reyes Católicos. El material utilizado es mármol de Carrara. Debido a su temprana muerte en 1520 no llegó a terminar la obra por completo.

Descripción: Es un sepulcro doble, exento y no es de pirámide truncada, al contrario que el de los Reyes Católicos. En las esquinas inferiores sitúa animales fantásticos, mientras que en las esquinas superiores hay santos de la Iglesia. En los lados menores se colocan medallones flanqueados por imágenes sedentes, mientras que en los lados mayores aparecen representados los escudos de los príncipes. El epitafio está en la cabecera. Hay idealización en las figuras yacentes y los rostros de los difuntos.

Diego Siloe

Escultor y arquitecto español (1495-1563). Considerado una de las Águilas del Renacimiento español por Francisco de Holanda. Su padre, Gil de Siloe, llegó a ser escultor al servicio de Isabel la Católica. Diego Siloe empezó como escultor en el taller de su padre, y luego llegó al de Felipe Bigarny. Realizó su trascendental viaje para su formación a Italia en 1512 y permaneció hasta 1519, cuando retornó a España. Residió en Nápoles y Roma. Su primer trabajo italiano lo realizó en la Capilla Caracciolo de la Iglesia de San Giovanni a Carbonara en Nápoles. Cuando regresó a Burgos el rey vigente era Carlos V, ya que había muerto Fernando el Católico. Su primer trabajo burgalés fue la Escalera Dorada de la Catedral de Burgos. Tuvo un enfrentamiento con Bigarny, con quien colaboró en la Capilla del Condestable. Tras su paso por su ciudad natal, los comitentes no entendían las formas renacentistas de sus trabajos, se trasladó a Granada en 1528. Su estética no es tan clásica como la de Ordóñez y al contrario que él, se desenvuelve mejor en bulto que en relieve; predomina el sentimiento; canon vitrubiano de 10 rostros; técnica muy depurada; gran valor expresivo y tactil; gran estudio de la anatomía humana.

San Sebastián

Es una pieza de bulto completo que se conserva en la localidad Barbadilla de los Herreros (Burgos). Se duda sobre la autoría de Diego Siloe. La figura, desnuda y en contraposto, aparece con un brazo elevado. Es una figura exenta de movimiento.

Retablo de la Capilla del Condestable de la Catedral de Toledo

El retablo mayor de esta Capilla fue un trabajo conjunto de Siloe con Bigarny, obra realizada en 1523. En la escena de la presentación, de Siloe son las imágenes de la Sagrada Familia y los fondos de grutescos, mientras que la contribución de Bigarny se distingue por sus modelos tipológicos más italianizantes, su sentimentalismo religioso, y su policromía de oro es de gran calidad. Las imágenes de ambos artistas se distinguen por el uso de un canon y plegado de paños distintos.

Sillería de coro del Monasterio de San Benito de Valladolid

Los trabajos de la sillería de coro terminaron en 1525. El material utilizado es piedra. Hoy se conserva en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Junto a Siloe trabajaron varios artistas, como Bartolomé Ordóñez, cuyos relieves son los de mayor calidad de todo el conjunto. El programa iconográfico se representa en los respaldos, donde hay imágenes de santos, escudos de órdenes.

Un ejemplar es el respaldo de San Juan Bautista, quien aparece con el cordero místico, es un relieve situado en una ornacina avenerada.

Alonso Berruguete

Escultor y pintor español (1488-1561). Hijo del pintor Pedro Berruguete. Hacia 1508 viajó a Italia (Roma y Florencia), donde fue uno de los primeros en participar de la corriente manierista de Miguel Ángel. En 1517, se hallaba ya de regreso en España, y al año siguiente obtuvo el título de “pintor del Rey”. Tambien trabajó en Zaragoza, Valencia, Granada y Valladolid. Su estilo se define por influencia de modelos de Donatello, Miguel Ángel, Leonardo y el Laoconte; atento por los expresionismos más desaforados; representó al máximo la independencia creadora, sacrificados los cánones y la realidad; interés por por la expresión anímica a través del gesto; interés por la figura humana; logra dotar de movimiento a la pieza, lo que se denomina escultura cinética mediante el uso de la serpentinata (manierista), el escorzo, la postura de contraposto, la distorsión del canon clásico, falta de estabilidad, retorcimiento elegante de los miembros y extremidades, gran sentido de lo estético, complejidad compositiva, sentido subjetivo de la inventiva, y vestiduras excéntricas y caprichosas; logra la expresividad mediante el dominio del lenguaje gestual; preocupación formalista; interés por la idea.

Retablo de la Mejorada de Olmedo

El retablo de la Mejorada de Olmedo fue realizado para el Monasterio de los Jerónimos de Valladolid. Hoy se conserva en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Un ejemplar es la casa en la que se representa la imagen de la Anunciación, en el que se aprecia un amor especial por la figura humana; es escultura cinética y orden clásico distorsionado.

Ecce Homo

Es una obra de aproximadamente 1525. El material utilizado es madera policromada. Esta obra se conserva en Olmedo. Representación de Jesucristo llevando la corona de espinas en el momento en el que es presentado al pueblo por Pilatos. Extraordinaria concepción del modelo y del lenguaje que no varía en su producción. Sentido dramático; dota a la imagen de una soga al cuello. El manto es un elemento plástico fundamental. Importancia de la forma gestual, aparece con las piernas cruzadas. No frontalidad.

Retablo mayor del Monasterio de San Benito de Valladolid

Es una obra realizada entre los años 1526-1531. Es una obra mixta de escultura y pintura. Hoy se conserva en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Era un retablo monumental del que ahora conocemos las obras exentas.

Un ejemplar es la escultura de bulto de San Sebastián en hornacina, dotado de valor giratorio e inestabilidad, importante estudio anatómico, frontalidad, cabeza dotada de dramatismo. Otro ejemplar es el Sacrificio de Isaac, con claras referencias a Donatello y al Laoconte, sus rostros son dramáticos, interés por lo estético, el plegado de paños da sensación de movimiento, posturas muy complejas.

Sillería de coro de la Catedral de Toledo

En 1536 el cabildo de la Catedral de Toledo, fundamentalmente el Cardenal Tavera, encargó a diferentes artistas que diseñaran proyectos para la sillería de coro de la Catedral. En 1539 se decidió realizar toda la sillería, bajo un proyecto único que aglutinase la propuestas de Gil de Siloe, Alonso de Covarrubias y Felipe Bigarny, proyecto dirigido por Alonso Berruguete y el propio Bigarny. Los materiales utilizados son mármol rojo o jaspe para las columnas, madera de nogal sin policrmía para la sillería alta, y alabastro para la parte superior. La sillería baja era preexistente del siglo XV.

Un ejemplo de la contribución de Berruguete es el panel de respaldo en el que se representa al profeta Job, de gran técnica y factura. No introduce modelos nuevos. Uso de la línea serpentinata; inestabilidad; movimiento; expresividad del rostro; estudio anatómico; influencia miguelangelesca; paños ondeantes.

Cuando Bigarny muere en 1542 sólo faltaba por realizarse el coronamiento de la silla arzobispal, que concluyó Berruguete con mármol de Carrara al año siguiente. En esta culminación de la silla se representa la escena de la Transfiguración de Cristo en el monte Tabor. Los 3 apóstoles que asisten a la Transfiguración, Pedro, Santiago y Juan, están en el registro inferior, mientras que en el superior aparecen Cristo, Moisés y Elías. La composición de Cristo sigue una serpentinata y su canon es muy alargado, aspectos manieristas y de influencia de Miguel Ángel. Anticipa muchos aspectos barrocos: manipulación de la luz incidente en la pieza, composiciones con muchos personajes. La arquitectiura de fondo es de tipología renacentista y su material es madera sobredorada.

Sepulcro del Cardenal Tavera

El encargo del sepulcro del Cardenal Tavera se hizo en 1551, y los trabajos se realizaron entre 1555-1561. El material utilizado es mármol de Carrara. En esta obra Alonso Berruguete, ya anciano, trabajó junto con otros colaboradores.

Descripción: Se inspira en el sepulcro del Cardenal Cisneros, lo que quizá fuera una condición impuesta por el comitente. Tiene forma de pirámide truncada exenta. En las esquinas inferiores sitúa seres monstruosos. En los lados mayores del sepulcro aparecen centrados medallones de San Juan y Santiago, uno en cada lado, flanqueados por relieves. En el registro superior al destinado a los medallones e inmediatamente inferior al yacente, se encuentran algunas alegorías como la de la muerte. No hay idealización en la representación yacente del Cardenal Tavera, dotado de mascarilla funeraria, más cercana a un cadáver que a un durmiente. Al protagonista se le representa revestido con todos los elementos episcopales, tiara y báculo incluídos.

Las últimas obras de las que se hizo cargo Alonso Berruguete antes de morir fueron el Retablo de la Transfiguración de San Salvador de Úbeda y el Retablo mayor de la Iglesia de Santiago en Cáceres.

5-JUAN DE JUNI Y EL FOCO DE VALLADOLID

Juan de Juni

Escultor español de origen francés (1507-1557). Se formó en Italia, su obra se inspira en maestros italianos, tanto de índole clasicista como manierista. La mayor parte de su vida artística se llevó a cabo en España, al servicio de importantes comitentes. En 1533 llegó a León bajo la protección del Obispo Álvarez Acosta. También trabajó, en 1537, en Medina de Rioseco (Valladolid) bajo la protección del Almirante de Castilla. Posteriormente trabajó en Salamanca, y finalmente en Valladolid, ciudad a la que llegó en 1540. Berruguete llegó a definirle como el mejor artista extranjero llegado a Castilla, y sus modelos siguieron vigentes hasta el siglo XVII. Su discípulo más aventajado fue Juan de Anchieta. Su estilo tiene herencia francesa como es el carácter atormentado de sus figuras; influencia italiana de los santos entierros de Bolonia y Modena, así como de Miguel Ángel y del Laoconte; búsqueda clasicista de la simetría y formas compositivas; distorsiones manieristas de algunas figuras; anticipación barroca en lo referente a movimiento, iconografía y expresionismo; alto dominio de la técnica, los materiales y los distintos géneros escultóricos.

Capilla funeraria de Fray Antonio de Guevara

Fray Antonio de Guevara fue obispo de la localidad de Mondoñedo (Lugo). El proyecto pertenece al año 1540. Esta capilla funeraria fue concebida para la ser albergada en la Iglesia de San Francisco de Mondoñedo. Hoy sólo se conserva el grupo del Santo Entierro de Cristo, de madera policromada, que está en el museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Descripción: Este proyecto era una síntesis de arquitectura y escultura. También es retablo. Idea de escenario para servir de fondo al grupo escultórico de figuras de tamaño natural. El grupo del Santo Entierro lo forman los santos varones Nicodemo y José de Arimatea, éste último porta en su mano una espina de la corona de Cristo, en los extremos. En el centro de la composición aparecen la Virgen desmayándose siendo sujetada por San Juan Evangelista, y las santas mujeres María Magdalena y María Salomé, que portan un frasco de perfumes y la corona de espinas, respectivamente. En el centro del grupo sitúa el sarcófago de Cristo, pero caracterizado con el escudo del difunto. La composición es clasicista en lo que se refiere a simetría y equilibrio. Gran sentido escenográfico y de teatralidad. Gran expresividad de los rostros. Importante manejo del escorzo. Influencia del dramatismo del Laoconte. Uso de la línea serpentinata. Sentido naturalista. Gran tratamiento de paños. La policromía es muy detallista, incluso la indumentaria de las figuras reproduce modelos de la época del artista.

Retablo de Santa María la Antigua de Valladolid

El encargo de este retablo se hizo en 1545. Los trabajos concluyeron en 1562. Aunque originalmente el lugar que iba a albergar esta obra era la Iglesia de Santa María la Antigua de Valladolid, hoy se conserva en la Catedral de Valladolid. El material utilizado es madera policromada, de nogal para las figuras y de pino para la estructura.

Descripción: Es de traza manierista y dedicado a la Virgen. El basamento está decorado con una serie de relieves, y el sagrario que debía estar en el centro ha desaparecido. El banco también se decora con relieves. En el centro del banco sobresale por su parte superior, invadiendo la calle central del cuerpo principal, está la Inmaculada Concepción, que porta ramo de azucenas y las sagradas escrituras, mientras pisa la serpiente del pecado, figura muy movida, con pierna derecha adelantada, postura de contraposto, línea serpentinata y buen tratamiento de paños. A ambos lados de la Virgen hay hornacinas que albergan esculturas de bulto, a su vez flanqueadas por relieves. El confuso cuerpo principal se divide en 7 calles, y el relieve que ocupa lugar preferente es el de Santa Ana con la Virgen. En el ático preside el retablo la Piedad, debajo del Calvario, sólo superado en altura por Dios Padre Eterno. En los laterales hay esculturas de bulto de los profetas, justo encima de las escenas de 2 grandes relieves de la Dormición y la Asunción. Ausencia de decoración renacentista de grutesco. Prima la función decorativa de los elementos arquitectónicos sobre su función tectónica. Las esculturas de bulto y los relieves exceden de su marco arquitectónico, característica plenamente manierista. Muy expresionista, característica típicamente juniana. Hay 2 grandes volutas en los laterales. A ambos lados del retablo hay una serie de sillas de coro que también forman parte del conjunto.

Retablo de la Capilla Benavente

En 1557 Juan de Juni realiza el retablo de la Capilla Benavente en la localidad de Medina de Rioseco. Forma conjunto con la suntuosa decoración de yeserías de la parte superior y bóveda.

Descripción: La traza es muy innovadora. Son 2 cuerpos, el inferior presidido por Joaquín y Ana abrazados, y el superior por la Inmaculada Concepción, en contraposto y con buen plegado de paños, que porta ramo de azucenas (símbolo de virginidad), flanqueada por columnas antropomorfas. Las imágenes sobresalen de la estructura arquitectónica.

Retablo del Santo Entierro

El retablo del Santo Entierro se encuentra en la Catedral de Segovia. Los trabajos se realizaron entre 1570-1571, última fecha esta que se refleja en la parte superior. El material utilizado es madera policromada.

Descripción: Es una traza muy clasicista, y es que la Iglesia ha desdeñado las trazas manieristas de Juni, una vez que ya se ha instaurado el modelo retablístico de Becerra en Astorga. El lugar preferente del retablo es ocupado por el grupo del Santo Entierro (Cristo yacente, Virgen María, San Juan Evangelista, los 2 santos varones y las 2 santas mujeres ) bajo frontón sostenido por pares de columnas, a través de las cuales se asoman dos soldados, uno vestido a la romana y el otro a la manera árabe. En la parte superior hay representación de Dios Padre Eterno.

Nuestra Señora de las Angustias

Es una imagen de bulto completo, con varios puntos de vista, que también suele recibir el nombre de Nuestra Señora de la Soledad. Su cronología no se sabe concretamente, tan solo se sabe que la fecha debe ser posterior a 1561, año en que se estableció en Valladolid la cofradía de Nuestra Señora de las Angustias, encargante de la pieza procesional. Hoy se conserva en la Iglesia de Nuestra Señora de las Angustias de Valladolid. El material utilizado es madera policromada. La imagen está muy pulimentada , lo que la dota de gran brillo. Extraordinaria La pieza es hueca, pues está concebida como imagen procesional. Es precedente de las vírgenes barrocas, incluso podría considerarse protobarroca. En época barroca se le clavaron a la imagen 7 espadas, evocando a los 7 dolores de la Virgen, y por ello pasó a llamársela Nuestra Señora de los cuchillos, retirados en épocas posteriores al comprobarse que estaban dañando seriamente la pieza. La Virgen está sentada y dirige la mirada hacia el cielo. También se conoce familiarmente a esta imagen como “la zapatona”, por los zapatos que le asoman por debajo de la doble túnica. Buen plegado de paños, que dota de volumen. En el Barroco se le añadieron lágrimas de cristal.

6-CLASICISMO-ROMANISMO EN LA “EDAD DEL DECORO”:

GASPAR BECERRA - JUAN DE ANCHIETA

CLASICISMO-ROMANISMO:

Es una corriente que define muy bien la mentalidad de la nueva Iglesia contrarreformista tras el Concilio de Trento, uniendo la misión aleccionadora y la claridad del mensaje.

Se le llama Clasicismo-romanismo porque deriva de del círculo romano de Miguel Ángel.

Ausencia de la gran expresividad, típica de Berruguete y Juni.

Monumentalidad de la figura humana; pliegues voluminosos; potente anatomía muscular; violentos escorzos; afán moralizante; actitud clásico-heroica; miradas profundas; control de patetismo y emoción.

Esquema retablístico derivados de Vignola, de traza arquitectónica clara. La traza romanista de los retablos se mantendrá vigente en España hasta 1600 aproximadamente.

Gaspar Becerra

Escultor y pintor español (1520-1605). Formado en Italia junto a Miguel Ángel, que le influyó hondamente . En 1557 vuelve a España, concretamente a Valladolid. Luego se estableció en Madrid en 1562, al sevicio de la corte de Felipe II como pintor.

Retablo mayor de la Catedral de Astorga

Los trabajos en el retablo de Astorga (León) se realizaron entre 1558-1562. El diseño del retablo es por completo de Becerra, aunque en la ejecución material fue llevada por varios artistas. El material utilizado es madera policromada.

Descripción: Es una traza muy ordenada de carácter romanista, al contrario de lo que ocurre en la manieristas. Influencia de la estructura y de las esculturas derivada del Palacio Farnesio, San Pedro del Vaticano, las tumbas mediceas y la Biblioteca Laurenziana. Está dedicado a la Virgen. La estructura del retablo es: basamento - banco - cuerpo principal de 5 calles - ático. En el basamento se representan en relieve 4 virtudes recostadas de clara influencia miguelangelesca, de potente anatomía, en actitud indolente, originalmente desnudas y luego dotadas de vestimenta tras el Concilio de Trento. En el banco se sitúa un sagrario de forma edicular, dedicado a la Resurrección. En la calle central del cuerpo principal se representa en lugar preferente la Asunción de la Virgen, relacionada con modelos miguelangelescos por su figura serpentinata que hace girar su cuerpo hacia el lado contrario del que lo hace su cabeza, sobre trono de nubes, rodeada de angelitos desnudos, En el ático sitúa la escena del Calvario con la Virgen y San Juan, y otras esculturas de bulto de santos de la Iglesia, que ocupan la anchura total del retablo. Desaparece la decoración de grutesco renacentista, en virtud de otra de tipo más naturalista (niños, rameados vegetales, animales). Ausencia de arcos, generalizándose estructuras adinteladas. Hay utilización de órdenes clásicos. Gusto por los remates en frontón, semicirculatres y triangulares, que coronan las distintas casas, sobre los que se recuestan por pares niños, que evocan a las tumbas de los Medici.

Juan de Anchieta

Escultor español (1540-1588). Se forma en Valladolid, donde pudo conocer de forma directa la obra de Juan de Juni, por ello será el escultor más expresivo del estilo romanista. Tiene clara influencia de otros maestros de escultura como Becerra o Miguel Ángel. Tras abandonar Valladolid trabajó en Briviesca (Burgos), Aragón y Pamplona.

Retablo mayor de la iglesia del Convento de Santa Clara

La iglesia del Convento de Santa Clara, que alberga este retablo, se encuentra en la localidad de Briviesca (Burgos). Los trabajos se terminaron en 1570. El material utilizado es madera que se dejó sin policromía, debido a problemas de la orden conventual con el escultor por el alto coste final de la obra. La estructura de este retablo se adapta perfectamente a la cabecera gótica poligonal donde se halla. En el ático se remata con una escena del Calvario de Cristo crucificado, flanqueado por los 2 ladrones también crucificados. Sobre los frontones descansan niños recostados, influencia de las tumbas mediceas. Los personajes son muy musculados.

Retablo de la Capilla de la Trinidad

El retablo de la Capilla de la Trinidad se encuentra en la Catedral de Jaca. Los trabajos se realizaron entre 1573-1577. El material utilizado es piedra policromada y sobredorada.

Descripción: El retablo tiene estructura de gran hornacina avenerada. Se representa a la Trinidad mediante la iconografía medieval conocida como “trono de gracia”, que consiste en situar a Cristo, en este caso crucificado, entronizado en la figura de Dios Padre Eterno. También aparece la figura del Espíritu Santo, encarnado en paloma blanca, en la zona existente entre las cabezas de los otros dos protagonistas. Hay influencia de modelos miguelangelescos, lo que se refleja claramente en la cabeza del Padre, que evoca al Moisés del genial artista italiano. Magnífico estudio anatómico.

7-LA ESCULTURA EN LA CORTE:

LEON LEONI - POMPEO LEONI

LA ESCULTURA EN LA CORTE:

Los protagonistas son 2 escultores italianos, Leon Leoni y Pompeo Leoni, padre e hijo respectivamente.

Los materiales utilizados para la escultura relacionada con el monarca han de ser nobles; mármol, y especialmente, bronce.

Temática religiosa y retratos son los principales géneros. También es época de promulgación de otras artes menores relacionadas con la escultura, como son numismática y medallística.

Las obras, de gran virtuosismo técnico, se inspiran en un clasicsmo a la antigua.

Leon Leoni

Arquitecto, escultor y medallista italiano (1509-1590). En 1546 entró como escultor al servicio del emperador Carlos V, para el que ya había trabajado como medallista desde 1542. Las obras que realizó para este monarca fueron ejecutadas en Milán, y su hijo y colaborador, Pompeo Leoni, las trasladó a España, donde procedió a instalarlas.

Pompeo Leoni

Arquitecto y escultor italiano (1533-1608). Colaboró en la mayor parte de las obras para la corte española. Las esculturas realizadas enteramente por él le muestran como un manierista de desigual valor. Sus trabajos en bronce son lo más importante de su obra.

Medallas de Felipe II

Son varias las medallas que realizó Leon Leoni para la corte española durante los años 1542-1550. Los materiales utilizados para la elaboración de estas piezas son bronce y plata. La medallística es medio de difusión de la imagen de Felipe II por toda Europa. La imagen del monarca aparece de perfil, a la manera de los emperadores romanos. En el anverso de la medalla podían aparecer emblemas, escudos heráldicos, u otros motivos como es el caso de ésta, en la que aparece la representación de un tema mitológico, concretamente el de la encrucijada de Hércules, relacionado con el mundo renacentista, del que el autor hace una reinterpretación que adapta a la realidad de la Corona española. A las imágenes se las acompaña con textos en latín que rodean la circunferencia de la medalla.

Carlos V abatiendo al Furor

Los trabajos realizados por Leon Leoni en esta escultura de bulto se desarrollaron en Milán entre 1551-1553, y fue trasladada e instalada en Madrid por su hijo Pompeo Leoni en 1564, según reza la firma que se puede observar en la base de esta pieza. El material que se utilizó en su elaboración es el bronce. Hoy se conseva en el Museo del Prado.

Representa al héroe, Carlos V, victorioso. Está de pie y vestido a la romana, con armadura completa, que es desmontable, y una banda que cruza su pecho. En una mano porta una gran lanza que apoya en el suelo, mientras que la otra la ocupa en empuñar su espada. De su cuello cuelga un medallón con la representación del guerrero dios Marte, y también el toisón de oro. El Furor está representado como un hombre desnudo y encadenado, que se está arrastrando por el suelo, en violento contraposto, y, a través de su boca entreabierta, está bramando. En el basamento de esta pieza hay ornamentos de carácter militar. En esta escultura de tipo conmemorativo hay idealización anatómica del monaraca, que está en contraposto.La intención del autor es representar a Carlos V, a la vez, como vencedor y pacificador. Un pasaje de “La Eneida”, de Virgilio, es la fuente donde se inspiró el autor para realizar el tema, según escribió el propio Leon Leoni en una carta. La perfección formal se une a un verdadero virtuosismo en la ejecución. El rey nunca llegó a contemplar esta obra, ya que cuando la pieza llegó a España, había ya muerto. De esta estatua se hicieron réplicas, las cuales se situaron en otros lugares conmemorativos de la Corona, como en el Alcázar de Toledo.

Conjunto de la cabecera de la Basílica de El Escorial

El retablo mayor y las tumbas reales de la cabecera de la Basílica de el Escorial forman un conjunto unitario que no puede desligarse. Los materiales son el elemento de cohesión fundamental entre el retablo y las tumbas reales. Las trazas de ambos elementos se dieron en 1578, por Juan de Herrera, y en 1579 se elaboró el contrato por el encargo de Felipe II.

Retablo: El retablo, cuya traza se dio en 1578 por Juan de Herrera, fue el elemento que antes se finalizó. Se siguió la tradición española de colocar el retablo en el fondo de la capilla mayor. Fue realizado en Milán por Leon Leoni y Pompeo Leoni. Las esculturas, que se colocaron en 1590, fueron realizadas en el taller madrileño de Pompeo Leoni. La estructura arquitectónica es de mármol y jaspes, mientras que el material utilizado para las esculturas es bronce dorado con oro molido al fuego, técnica de gran coste económico. La estructura es: basamento - banco (con tabernáculo) - cuerpo principal de 3 calles- ático. Hay utilización de orden dórico que articula el piso del banco, mientras que en el principal bajo hay utilización del orden jónico, y en el principal alto y en el ático hay orden corintio. El lugar central preferente del retablo está dedicado a San Lorenzo. En el friso superior, los triglifos también son de bronce dorado al fuego. En la representación de obras pictóricas insertas en compartimentos del retablo intervinieron los pintores Pellegrino Tibaldi (cuerpo inferior) y Federico Zuccaro (cuerpo superior). En los laterales del banco y del cuerpo principal bajo, hay esculturas de santos de la Iglesia y evangelistas, respectivamente, alojadas en hornacinas, mientras que en los laterales del cuerpo principal alto y en el ático, las esculturas están exentas. En la zona central del ático, bajo frontón triangular partido y flanqueada por San Pedro y San Pablo, hay una escena del Calvario, con calavera y osario a los pies de la cruz. El tamaño de las esculturas va en aumento según su posición es más elevada en el retblo, logrando así un efecto óptico. El autor del tabernáculo edicular, realizado en Madrid, es Jacome Trezzo.

Tumbas reales: Las trazas de las tumbas reales de Carlos V y de Felipe II se proyectaron en 1578, por Juan de Herrera,así, en 1598 se concluyó el grupo de Carlos V, y en 1600 el de Felipe II, que por lo tanto no llegó a ver terminado. No se siguó en este caso, al contrario que en el retablo mayor, la tradición española, y la instalación de estas tumbas se hizo en los laterales. Estas esculturas de los cenotafios fueron realizadas en el taller madrileño de Pompeo Leoni. La estructura arquitectónica de las tumbas es de mármol y jaspes, mientras que el material utilizado para las esculturas es bronce dorado con oro molido al fuego, técnica de gran coste económico. Las tumbas están articuladas por orden dórico, y se rematan con frontón triangular que contiene el escudo del monarca. En los laterales de las esculturas se colocaron textos y también se pensó en colocar todas las heáldicas familiares, como exaltación de la Casa de Austria, aunque no llegaron a colocarlas. En el grupo de Carlos V (1592-1598) representado anciano, acompañan al emperador tras elreclinatorio: la emperatriz Isabel, la princesa María, la reina María de Hungría y la reina Leonor. Y en el grupo de Felipe II (1597-1600) representado maduro, acompañan al monarca: Ana de Austria, el príncipe Carlos, María de Portugal e Isabel de Valois. Esta tipología de las figuras orantes tiene su precedente en Francia e Italia. Los diez personajes van vestidos de etiqueta. Los dos protagonistas de sendos grupos van vestidos con armadura militar, y con capa desmontable con incrustaciones pétreas, obra de Juan de Arfe. Son esculturas de tamaño mayor que el natural, colocadas a la altura del banco del retablo, y cuyos rostros se dirigen hacia el centro del retablo. Cabe destacar el gran virtuosismo técnico con el que están realizadas estos grupos escultóricos.

PINTURA DEL RENACIMIENTO

1-SOBRE LA PINTURA Y LOS PINTORES

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA ESPAÑOLA:

En España los pintores estaban sometidos a las reglas del gremio; en lo referente a su formación, precios…

Había dinastías familiares de artistas-pintores.

Los pintores se formaban en los talleres de los artistas desde su juventud, donde eran aprendices durante unos años, y luego pasaban a ser oficiales, pudiendo ser examinados por el gremio.

Había diversidad en el nivel cultural de los pintores: los había analfabetos, y también los había grandes eruditos como El Greco.

En ocasiones los artistas se asociaban en virtud de las necesidades del mercado.

La consideración social del pintor era la de artesano.

El principal cliente es la Iglesia, de manera coleciva o individual. Otros clientes son la Corona, la aristocracia, la burguesía, diputaciones y ayuntamientos.

La relación cliente-pintor se realiza a través de contratos, en los que el cliente imponía todas las claúsulas: la técnica, la iconografía, el modelo a seguir, la traza o diseño, y los plazos de pago.

Los soportes más utilizados son el lienzo y la tabla. También se utiliza la sarga o tabla no tratada.

La técnica más desarrolllada es el óleo. A principios del siglo XVI aún pervive el fondo de oro. En la pintura mural se practica la técnica al fresco por los pintores de formación italiana.

La temática es normalmente religiosa. Los temas profanos son escasos. El humanismo del Renacimiento favorece el retrato como género individual. También hay pintura histórica y mitológica, sobre todo en época de Carlos V. La nueva cultura humanista va íntimamente ligada a la emblemática. En España se conocía el libro de Anciato, el más completo sobre emblemática de la época.

2-LOS PINTORES DE ISABEL LA CATÓLICA:

MICHEL SITTOW - JUAN DE FLANDES

En torno a 1490 surge la necesidad en la corte de los Reyes Católicos de difundir su imagen por todos los reinos hispánicos. Pero en España no había buenos retratistas, por lo que se decidieron por la contratación de pintores flamencos.

Michel Sittow

Pintor estonio (1468-1525). Formó su aprendizaje en los Países Bajos, concretamente en Gante y Brujas. Llegó a España en 1492 para trabajar como retratista en la corte de los Reyes Católicos. También realizó obras de pintura religiosa. Estuvo en España hasta 1504, año en que muere Isabel la Católica, y se prescindió de sus servicios. También trabajó en otras cortes europeas, caso de Inglaterra, Flandes y Dinamarca. Finalmente regresó a Estonia, donde murió. Creó un estilo en el que se conjugan la técnica y el espíritu de observación de los flamencos con el gusto meridional por la estilización y el vigor plásticos.

Retrato de Catalina de Aragón

Los trabajos de este retrato real se desarrollaron entre 1501-1502. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Hoy conservado en el Museo de Historia del Arte de Viena.

Se representa a Catalina de Aragón joven y con la mirada baja. Se cumplen las características formales flamencas: imagen de busto en primer término, fondo neutro y postura no frontal sino de ¾, para así poder representar más eficazmente la profundidad, teniendo en cuenta la ausencia de fondo arquitectónico. Una especie de nimbo rodea la cabeza de la retratada. Gran detallismo en su vestido escotado y de sus joyas. El collar que luce está decorada con las rosas de los Tudor inglesas, ya que era la mujer de Enrique VIII de Inglaterra, y aparece una “K”, de Catalina.

Otra obra suya es el Retrato de Fernando de Guevara (1512-1514) que también sigue las características flamencas.

Juan de Flandes

Pintor flamenco (se desconoce-1519). Formó su aprendizaje en los Países Bajos, concretamente en Gante y Brujas. Llegó a España en 1496 para trabajar como retratista en la corte de los Reyes Católicos. También realizó obras de pintura religiosa. Tras la muerte de Isabel la Católica en 1504, siguió trabajando en Castilla, es su etapa de realización de grandes retablos. Su estilo amalgama elementos de procedencia italiana: fondos arquitectónicos de carácter quattrocentistas y un sentido de la idealización formal. Probablemente había practicado la miniatura, según se deduce de ciertas particularidades cromáticas y de la sutileza micrográfica de la ejecución.

Retrato de Isabel la Católica

La fecha de este retrato real es 1500 aproximadamente. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Hoy conservado en el Museo del Prado.

Se representa a una reina Isabel anciana, y con la cabeza tapada, signo de la mujer casada. Se cumplen las características formales flamencas: imagen de busto en primer término, fondo neutro y postura no frontal sino de ¾, para así poder representar más eficazmente la profundidad, teniendo en cuenta la ausencia de fondo arquitectónico. La utilización de la técnica del óleo con veladuras favorece mayor detallismo de las transparencias en la zona del velo.

Retratos de Juana la Loca y Felipe el Hermoso

Los trabajos de estos retratos reales se desarrollaron entre 1496-1497. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Hoy conservado en el Museo de Historia del Arte de Viena.

Se trata de 2 tablas separadas, y se desconoce si la intención era la confeccionar un retrato doble. Se cumplen las características formales flamencas: imagen de busto en primer término, fondo neutro y postura no frontal sino de ¾, para así poder representar más eficazmente la profundidad, teniendo en cuenta la ausencia de fondo arquitectónico. Juana aparece con escote, y coloca su mano en primer término, para dotar de mayor profundidad al retrato. Gran detallismo del vestido y la cofia de Juana. Felipe aparece con una media melena característica de los principes europeos, gorro, y cuelga de su cuello el toisón de oro.

Políptico de Isabel la Católica

Es un trabajo conjunto entre Michel Sittow y Juan de Flandes. La fecha de este políptico es de 1500. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Son 47 tablillas de temática religioso, cada una de 21x16 cm.,conservadas muy dispersamente: 15 en el Palacio Real de Madrid, el resto en museos de Berlín, Viena, Londres, París, Detroit, Washington y en colecciones privadas.

La creación de esta obra se debe al gran sentimiento piadoso de la reina Isabel, que encargó un políptico de obras de pequeño tamaño que facilitaba su transporte en los diferentes viajes de la reina. Tras la muerte de Isabel pasaron a ser propiedad de distintos personajes (Carlos V, Margarita de Austria…) y se dispersaron. Tres de éstas tablillas son: “La Ascención de la Virgen a los cielos” (Sittow, Wahington); “Los improperios de Cristo” (Juan de Flandes, Madrid); y “La tentación de Cristo” (Juan de Flandes). En las tablillas se aprecian una alta calidad de la factura, minuciosidad de los detalles, sentido atmosférico, representación del espacio en perspectiva, luminosidad y colorido.

Otra obra del Retablo mayor de la Catedral de Palencia (1514-1518), configurado por grandes tablas de pintura, como la de “El santo entierro”.

3-DE FLANDES A ITALIA:

EL CAMBIO EN LA PINTURA DE CASTILLA.

PEDRO BERRUGUETE - JUAN DE BORGOÑA

Pedro Berruguete

Pintor español (1450-1504). Tras su primera etapa de formación en Castilla, se cree que estuvo en la corte de Urbino trabajando para Federico de Montefeltro, aproximadamente en 1477, quien sería su mecenas. Pedro Berruguete es pintor de modelo flamenco, no es pintor de formación italiana. Su perspectiva no es italiana sino flamenca. En 1483, muerto Federico de Montefeltro, regresaría a España. En España trabajó en diferentes ciudades: Burgos, Toledo, Palencia y Ávila. Trabajó en proyectos relacionados con los Reyes Católicos.

Obras hipotéticas de Pedro Berrguete en su presunta etapa en Italia son: su contribución en los retratos de la Galería de hombres ilustres del studiolo de Federico de Montefeltro, por ejemplo el del rey Salomón. Y también se piensa que pudo realizar el retrato de Federico de Montefeltro y su hijo Güido Valdo pequeño, en el que el mecenas aparece sentado leyendo y vestido con armadura.

Decapitación de San Juan Bautista

La fecha aproximada de realización es 1485. La técnica es óleo sobre tabla. La Decapitación de San Juan Bautista es una tabla incluida dentro de un retablo de una iglesia de la localidad de Santa María del Campo.

En el fondo en el que se desarrolla la escena aparece también Salomé y el banquete de Herodes. Sentido italianizante de la arquitectura del fondo de la escena, que representa un patio con galería. El punto de fuga no está en el centro de la imagen, sino en un lateral. Hay una hipotética alusión a su antiguo mecenas Federico de Montefeltro en un dintel. Predominio de las tonalidades rojizas. Ilumina la escena mediante 2 focos: uno en el fondo y otro en el lateral derecho. utilización de perspectiva flamenca.

Rey David

La fecha de esta pintura es 1490. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Pertenece al banco del retablo de una iglesia de la localidad natal de su autor Pedro Berruguete, Paredes de Nava (Ávila), dedicado a personajes bíblicos.

Sobre fondo dorado, por gusto del comitente. Se asemeja a la galería de hombres ilustres del studiolo de Federico de Montefeltro, en la cual supuestamente contribuyó en su etapa de Urbino. La perspectiva es claramente flamenca, y no italiana. Coloca una flauta en primer término, instrumento asociado al rey David, al que le ha colocado en la cabeza un turbante. Altísima calidad en el tratamiento de tejidos.

Los pretendientes de la Virgen

La fecha de esta pintura es 1490. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Pertenece al cuerpo principal del retablo de una iglesia de la localidad natal de su autor Pedro Berruguete, Paredes de Nava (Ávila).

Gran naturalismo. La Virgen está representada con halo de santidad en la cabeza, de la que salen rayos de luz. El sumo sacerdote y la Virgen son los protagonistas de la escena. Las mujeres se ocupan de las labores de coser. La escena se desarrolla encima de una plataforma de madera dotada de glorias, sistema de calefacción propio de Castilla. Utilización de perspectiva flamenca. En el fondo hay una representación de un patio típicamente castellano. Los modelos figurativos recuerdan a la figura de Salomé de la Decapitación de San Juan Bautista. Reproduce a las mujeres con indumentaria castellana de la época. Utilización de tonalidades rojizas y verdosas.

Retablo mayor de Santo Tomás de Ávila

La fecha de la decoración de este retablo dedicado a Santo Tomás es de la década de 1490. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Esta iglesia de Santo Tomás de Ávila en la que se conserva el retablo fue sede del tribunal de la Inquisición.

Auto de fe

La fecha de esta obra es 1498. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Es una tabla del retablo lateral de la iglesia de Santo Tomás de Ávila, dedicado a Santo Domingo de Guzmán, y hoy conservado en el Museo del Prado.

Se representa una tribuna cubierta por un toldo rojo, presidida por Santo Domingo de Guzmán, que condena a los herejes. En la tribuna aparecen también otros personajes dominicos relevantes. Hay personajes condenados a la hoguera en la esquina inferior derecha. Utilización de perspectiva flamenca.

Virgen con el Niño

La fecha de esta pintura es 1500 aproximadamente. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Hoy conservado en el Museo Provincial de Madrid.

Gran protagonismo de la arquitectura representada: aparece un arco conopial gótico y techumbre mudejar, y también los combina con otros elementos renacentistas como los arcos de ½ punto laterales. El modelo utilizado para la Virgen es flamenco.

Retablo mayor de la Catedral de Ávila

La realizaión de este retablo se llevó a cabo entre 1500-1508, y fue terminado por Juan de Borgoña. Obra de Berruguete es el banco, decorado con los 12 evangelistas, y 2 tablas del cuerpo superior; la “Flagelación” y la “Oración en el huerto”. La técnica utilizada es óleo sobre tabla.

Juan de Borgoña

Pintor español de origen borgoñón (1465-1536). Su formación se llevó a cabo dentro del estilo de la pintura flamenca. Antes de llegar a España estuvo en Italia, especialmente en Florencia, en el taller de Ghirlandaio. Cuando llega a España en 1495, lo hace a Toledo. Colabora con Pedro Berruguete, y precisamente la mayor fama de Juan de Borgoña llegará en 1503 con la muerte de Berruguete. Dirigió un gran taller, que abasteció todos los proyectos de Castilla. La perspectiva que utiliza es renacentista a la italiana, por lo tanto sí es de formación italiana, aunque nunca abandonará los modelos flamencos. Su estilo combina elementos italianos y flamencos. Fue pintor del Cardenal Cisneros, importante mecenas suyo.

Retablo mayor de la Catedral de Ávila

Empezado por Pedro Berruguete en 1500, fue terminado por Juan de Borgoña en 1508. La técnica utilizada es óleo sobre tabla.

Un ejemplar de la contribución de Juan de Borgoña es la “Anunciación”, en el cuerpo principal. En esta tabla se aprecia uso de perspectiva a la italiana, importante ilulinación, gran colorido y síntesis de modelos flamencos e italianos. La Virgen está arrodillada leyendo y levanta la vista hacia el ángel. Representación de una arquitectura que combina elementos italianos y castellanos. Aparece un jarrón con lirios, típico de la Anunciación por su carácter virginal. Otro ejemplar suyo es el “Sueño de San José” de características similares a la anterior tabla.

Sala capitular y antesala de la Catedral de Toledo

La realización de este proyecto se llevó a cabo entre 1509-1511. La técnica utilizada es fresco sobre muro, y también hay trabajos de grutesco. Este proyecto fue financiado por el cabildo de la Caredral de Toledo, especialmente por el Cardenal Cisneros.

En la zona de la antesala hay decoración de paisajes. En la sala capitular propiamente dicha, cubierta con techumbre mudejar, se representan escenas de la vida de la Virgen excepto en la parte de la pared de los pies, donde hay una escena del Juicio. Se aprecia un pleno conocimiento de la arqitectura al romano, adquirido en los talleres florentinos y romanos. Hay retratos de busto de arzobispos toledanos en el registro inferior previo a las escenas de la vida de la Virgen. Las pinturas logran el efecto óptico de ensanchamiento visual de esta sala. La compartimentación de las distintas escenas la lleva a cabo por medio de columnas pintadas que simulan naves laterales, cuyos hipotéticos tramos se resuelven en distintos modelos arquitectónicos, desde lo gótico a lo renacentista pasando por lo mudejar. Un ejemplar de estas escenas es: el “Nacimiento de la Virgen”, tema basado en los evangelios apócrifos, ambientado en una casa toledana, es por ello por lo que se introducen modelos cotidianos en la escena como el brasero, la cuna o la muchacha con alimento. La figura de San Joaquín (padre de la Virgen) aparece de estricto perfil acompañado de otro hombre, mientras que Santa Ana (madre de la Virgen) está en la alcoba. Gran estudio lumínico y espacial. Importancia por la representación de la arquitectura castellana. El punto de fuga se encuentra al fondo de la imagen.

La conquista de Orán

La fecha de esta pintura histórica es 1514. La técnica utilizada es fresco sobre muro. El encargo fue realizado por el Cardenal Cisneros en nombre del cabildo de la Catedral de Toledo. Esta pintura se encuentra precisamente en el luneto de la capilla mozárabe de la Catedral de Toledo.

Se representa el asalto de las tropas castellanas a la ciudad de Orán. Tiene sentido mesiánico, de intervención divina de Dios en esta campaña militar finalizada con victoria, a lo que alude el gran sol repesentado y la bandada de pájaros. El escudo del Cardenal Cisneros está colocado en el centro de la imagen. No hay otras pinturas de similares características coetáneas a ésta. Importante intervención del taller del propio Juan de Borgoña.

4-VALENCIA Y LA RECEPCIÓN DEL MODELO ITALIANO:

PAOLO DE SAN LEOCADIO.

FERNANDO LLANOS Y FERNANDO YÁÑEZ DE LA ALMEDINA, DOS PINTORES DEL ENTORNO DE LEONARDO

Paolo de San Leocadio

Pintor italiano (se desconoce -1519). Activo en Valencia entre 1472 y principios del siglo XVI. Fue uno de los introductores en Valencia del renacimiento quattrocentista italiano. Tuvo importantes comitentes, como el Duque de Gandía (hijo del papa Alejandro VI).

La adoración de los pastores

La fecha de esta pintura religiosa es 1472. Se encuentra en la Catedral de Valencia. Introducción del paisaje italiano. Composición centrada y bastante simétrica.

La Virgen del Caballero de la orden de Montesa

La fecha de este retrato de donante es de fines del siglo XV. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Hoy conservado en el Museo del Prado.

La Virgen aparece sentada en un trono renacentista. La figura de la Virgen conecta con modelos del norte de Italia, lugar de procedencia de Paolo de San Leocadio. Típico uso del color azul en la vestimenta de la Virgen propio del pintor. Aparecen también San Benito y San Bernardo, formando parte de una Sacra Conversación. El donante, el caballero de la orden de Montesa, en la esquina inferior derecha, recibe un tratamiento de tamaño desproporcionadamente inferior al resto de los representados, arcaísmo de herencia medieval. Uso de arquitectura renacentista.

En 1506 se produce la llegada a España, concretamente a Valencia, de dos nuevos pintores: Fernando Llanos y Fernando Yáñez. Se cree que son artistas procedentes de Italia, y presuntamente uno de ellos estaba en 1505 en el taller de Leonardo en Florencia. Los dos reproducen modelos leonardinos.También son pioneros en España en la introducción de las estampas de Durero. Trabajaron juntos en Valencia hasta el año 1514 que se separan. Llanos marcha a Murcia, y Yáñez, por su parte, marcha a Barcelona, La Almedina y Cuenca.

Fernando Llanos

Pintor español de actividad documentada en el primer cuarto del siglo XVI. En 1506 se hallaba en Valencia, donde trabajó junto con Yáñez de Almedina en algunas pinturas. Llanos siguió trabajando en Valencia hasta 1515 aproximadamente, y luego pasó a Murcia. Su estilo tiene influencias directas de Leonardo da Vinci; pura composición italiana. La aportación renovadora de Llanos y Yáñez, que no puede ser evaluada separadamente ejerció gran infujo en Valencia, Murcia y Cuenca.

Fernando Yáñez de La Almedina

Pintor español activo en Valencia y Cuenca en el primer tercio del siglo. Yáñez se muestra como gran experto por la claridad compositiva, la armoniosa disposición de sus majestuosas figuras, la grandiosidad de sus fondos arquitectónicos, netamente italianos, y la diafanidad de los luminosos fondos paisajísticos. En 1531 Yáñez aparece contratado para realizar diversas proyectos en Cuenca, en las que se aprecia una notable variación estilística, que aproxima a Yáñez a los modos de composición de Raffael.

Puertas del retablo mayor de la Catedral de Valencia

La decoración de pinturas de estas puertas se llevó a cabo entre 1507-1510. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Fue un trabajo conjunto de Fernando Llanos y Fernando Yáñez de La Almedina, siendo, se cree, Llanos el autor de las partes figurativas, y Yáñez el autor de las arquitecturas.

Un ejemplar de estas pinturas es el tema apócrifo del “Nacimiento de la Virgen”, por ello relacionado con elementos de la vida cotidiana. Son figuras muy monumentales. Se aprecian modelos leonardinos, como caras femeninas que se asemejan a la Gioconda. Uso de tonalidades de la gama de los rojizos. Otro ejemplar es la “Presentación de la Virgen Niña en el Templo”, donde la protagonista aparece con sus padres y está subiendo las escaleras del templo. Introducción de modelos novedosos. La pareja de la izquierda que aparece dialogando es muy italianizante, así como la que está representada de espaldas.

Santa Catalina

La realización de esta pintura, obra de Fernando Yáñez de La Almedina se llevó a cabo entre 1512-1515. La técnica utilizada es óleo sobre tabla. Hoy conservado en el Museo del Prado.

Santa Catalina aparece representada con la rueda y la espada, elementos que la caracterizan. Belleza idealizada y rostro leonardino. Aplicación de sfumatto, de herencia también leonardina. Gran importancia de la indumentaria. Estudio minucioso de los adornos de la santa. Uso de una paleta muy amplia, de diferentes tonalidades. Tras la figura de la santa se representa un parapeto arquitectónico que combina elementos italianos e hispánicos.

Decoración de la Capilla del Peso de la Catedral de Cuenca

La decoración de la Capilla del Peso pertenece a la etapa final de Fernando Yáñez de La Almedina, ya afincado en Cuenca. La técnica utilizada es óleo sobre tabla.

Representación de la adoración de pastores y ángeles al Niño recién nacido. Rostro expresivo de San José. No se aprecia la evolución de modelos respecto a su etapa valenciana. La escena se abre mediante una ventana a un paisaje en el que se divisa la llegada de grupos de pastores que se acercan.

6-EL NUEVO ARTE DE FELIPE II. LOS RETRATISTAS DEL REY: MORO, ANGUISOLA, SÁNCHEZ COELLO Y PANTOJA DE LA CRUZ. BECERRA Y LA PINTURA MITOLÓGICA DE LOS PALACIOS REALES. LOS PINTORES ESPAÑOLES (NAVARRETE EL MUDO) E ITALIANOS (CINCINNATO, CAMBIASO, ZUCCARO Y TIBALDI) EN EL ESCORIAL: LA IMAGEN DE LA CONTRARREFORMA

FORMACIÓN DEL PRÍNCIPE FELIPE:

Carlos V quiso que su hijo tuviese una formación política, humanística y artística. Sus maestros o preceptores le inculcaron una sólida preocupación por la Antigüedad, la Edad Media y el Renacimiento.

AÑOS DE VIAJE DEL PRÍNCIPE FELIPE:

1548-1551: Viaje por por Italia y Países Bajos. Fue crucial para su formación, conoció un ambiente artístico internacional. Se puso en contacto con artistas como Tiziano, Antonio Moro, los Leoni. Y también conoció las colecciones artísticas de las distintas cortes europeas que visitó.

1554-1559: Visita la corte inglesa para casarse con su tía María Tudor. También viaja a los Países Bajos.

En 1559 cuando vuelve a España de su segundo viaje por Europa, su padre Carlos V había muerto. Él se convierte en rey, y ya hasta su muerte en 1598 no volverá a salir de la Península.

EL NUEVO ARTE CORTESANO:

Gran mecenazgo artístico y cultural: El Escorial, finalización de los Alcázares Reales, instalación de diversas colecciones artísticas.

En lo que respecta a las artes figurativas, tuvo prelidección por los italianos Tiziano y los Leoni, por Antonio Moro, procedente de los Países Bajos, y en España por Becerra y Sánchez Coello.

En 1560, casado con Isabel de Valois es el momento del triunfo de Antonio Moro. A la muerte de Isabel de Valois se casa con Ana de Austria y es el momento culminante de la retratística, con Sánchez Coello.

En 1561 instaura la capital en Madrid y prepara los Sitios Reales, la galería de retratos de El Pardo y del Alcázar madrileño, hoy desmembrados, que son exaltación de la familia real. En este momento colecciona pinturas de El Bosco y otros contemporáneos suyos.

En la época de la pintura escurialense, se hace con el conjunto pictórico mayor de toda Europa. Programas religiosos y profanos de signo contrarreformista.

LOS RETRATISTAS DEL REY

LOS RETRATOS REALES:

Los principales retratistas del rey fueron: Antonio Moro, Sánchez Coello, Sofonisba Anguisola y Juan Pantoja de la Cruz.

Mecánica: Ha de representarse la dignidad real: frialdad, distanciamiento, solemnidad. Los retratados aparecen de pie. Normalmente de cuerpo entero. En perfil de ¾. Visión de abajo a arriba. El fondo puede ser neutro, arquitectónico o cortinaje. Al lado de los retratados pueden situarse mesas, bufetes o escritorios, perros o sillas. Los personajes masculinos pueden portar espada, bastón, vara o guantes. Los personajes femeninos pueden portar abanico o guantes.

Ambivalencia del retrato cortesano: Hay 2 tipos de retatos, el de índole familiar y el de índole político o de estado.

Método: Se dibuja la cabeza por la mañana durante 3 horas o menos, y los modelos no posaban para los retratistas más que una o dos sesiones. El resto de la pintura se retrataba en el taller.

Antonio Moro

Pintor neerlandés (1519-1576). Discípulo de Jan van Scorel en Utrecht, en 1547 fue recibido como maestro en la guilda de pintores de Amberes, y luego trabajó en Bruselas, donde gracias a su protector Antonio Perrenot de Granvela, fue presentado a Carlos V y a su hijo Felipe. En el segundo viaje filipino fue nombrado pintor real, y en 1559 se traslada a Madrid hasta 1561.Al servicio de la corona española realizó numerosos retratos de personajes reales y del círculo cortesano en Bruselas, Roma, Lisboa, Madrid y Londres. Según fuentes de la época Moro fue amonestado secretamente y estuvo a punto de ser encarcelado por la Inquisición española, por sospechas de protestantismo. Su estilo realiza una síntesis muy personal entre el Renacimiento italiano y la tradición neerlandesa, concertando los modos de presentación de la nueva retratística veneciana (Tiziano) con una objetividad descriptiva de extraordinaria precisión y lucidez analítica. El influjo de Moro fue decisivo para la formulación del tipo de retrato aúlico español. Es buen lector del rostro humano, sus retratos son agudos y penetrantes.

Retrato de Felipe II con traje civil

La realización de este retrato se llevó a cabo en 1554. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy conservado en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Es un retrato familiar de medio cuerpo en perfil de ¾ de Felipe II de cuando fue a casarse a Inglaterra con su tía María Tudor. Destaca por su frialdad y alejamiento respecto al espectador. Verosimilitud del rostro. No echa mano de elementos simbólicos para representar majestad. Fondo oscuro neutro. Aparte de Felipe II sólo representa una mesa cubierta con tela roja en la que se apoya, que también ayuda en la representación del espacio. Viste a la moda de la época con cuera, calzas y lechuguilla en el cuello. Porta en el cuello el toisón de oro. Tocado en la cabeza. Da sensación de que nos mira insistentemente.

Retrato de Felipe II

La realización de este retrato se llevó a cabo en 1557. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy conservado en El Escorial.

Es un retrato de estado de cuerpo entero en perfil de ¾ en el que se representa al monarca como héroe militar, tal y como debió aparecer en la batalla de San Quintín. Fondo oscuro neutro. Porta bastón de mando. Su vestimenta se compone de botas altas, cota de malla y coraza de gran brillo (hoy conservada en el Palacio Real de Madrid). De su cuello cuelga el toisón de oro. Lechuguilla en el cuello, a la moda de la época. Detalles en rojo para aliviar la oscuridad general del retrato. Foco de iluminación lateral incide desde la izquierda.

Alonso Sánchez Coello

Pintor español (1531-1588). Se inició como pintor en Lisboa, donde residía su abuelo. Protegido por Juan III, hacia 1550 fue enviado a estudiar a Flandes donde aprendió de Antonio Moro. A partir de 1555 trabajó en Castilla al servicio de Felipe II, de quien fue pintor de cámara y retratista favorito. En 1560 es nombrado pintor del rey. Sus obras de género retratístico siguen los parámetros establecidos por Moro (derivados a su vez en parte de Tiziano, a quien Sánchez Coello estudió directamente), interpretándolos con cierta sequedad de factura y una marcada tendencia a la descripción prolija de los atuendos. Gran retratista de retratos infantiles. En su estilo se distingue una delicada paleta y tintes transparentes.

Retrato del Príncipe Carlos

La realización de este retrato se llevó a cabo en 1557. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. El encargo de esta obra lo hizo la tía del retratado, Juana reina de Portugal.

Es un retrato de estado de cuerpo entero, posteriormente cortado a la altura de las rodillas, en perfil de ¾ en el que se representa al hijo de Felipe II niño. Fondo oscuro neutro sólo interrumpido por una ventana colocada en el ángulo superior izquierdo, a través de la que se aprecia el cielo del que aparece Júpiter con una corona en la mano que se supone ha de entregar al retratado. La ventana también facilita la profundidad espacial e iluminación. Su vestimenta en tonalidades naranjas se compone de cuera, calzas y amplia capa de pieles que disimula la joroba del príncipe. Tiene espada ceñida al cuerpo. Rostro transparente.

Retrato de Ana de Austria

La realización de este retrato se llevó a cabo en 1570. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy conservado en el Museo Lázaro Galdeano de Madrid.

Es un retrato de la tercera mujer de Felipe II de medio cuerpo, probablemente cortado a la altura de las rodillas, en perfil de ¾, recién casada con su esposo. Fondo oscuro neutro. La mano izquierda apoya en una silla, mientras que en la mano derecha agarra un pañuelo, signo de elegancia. Gran importancia del lujoso vestido de seda y bordados de oro, y de las joyas, como del ceñidor de la cintura. Lechuguilla elevada en el cuello, a la moda de la época. Porta tocado en la cabeza con pluma y perla. Minuciosidad en la representación de todos los detalles, aprendido de su maestro Antonio Moro.

Retrato de las hijas de Felipe II

La realización de este retrato se llevó a cabo en 1565. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy conservado en el Monasterio de las Reales Descalzas de Madrid.

Es un retrato doble de cuerpos enteros, en perfil de ¾, de Isabel Clara Eugenia (derecha) y Cristina Micaela (izquierda), hijas de Felipe II. No están vestidas como niñas, sino con vestidos de adultas hechos a su medida de vivos colores. Rigidez por la etiqueta cortesana. Están cogidas de la mano. Fondo oscuro neutro sólo interrumpido por una ventana en el ángulo superior derecho a través de la que se representa el Alcázar madrileño en construcción.

Retrato de los hijos de Felipe II

La realización de este retrato se llevó a cabo en 1565 aproximadamente. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo.

Es un retrato doble de cuerpos enteros, en perfil de ¾, de Diego (izquierda) y Felipe (derecha), hijos de Felipe II. El representado mayor, Diego, murió, por lo que fue Felipe quien se convertiría en rey. Ambos visten trajes infantiles. Fondo de cortinaje verde. Están cogidas de la mano. Lechuguilla en el cuello, a la moda de la época. Muy colorista.

Retrato de Isabel Clara Eugenia

La realización de este retrato se llevó a cabo entre 1585-1588. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy conservado en el Museo del Prado.

Es un retrato de la hija de Felipe II de cuerpo entero, en perfil de ¾, acompañada de la enana de la corte Magdalena Ruiz que porta dos monos. Visión de abajo a arriba. Viste lujoso vestido muy acampanado de lujosa tela y bordados en oro con lechuguilla muy elevada, a la moda de la época. En la confección del vestido pudo intervenir el taller. Importancia de las joyas, como la presente en el tocado de su alto peinado, también a la moda de la época. En la mano derecha porta un camafeo con la imagen de su padre Felipe II.

Sofonisba Anguissola

Pintora italiana (1527-1625). Estudio en Cremona, su ciudad natal. Adquirió pronto notoriedad como primera virtuosa de la pintura, y en 1559 fue llamada a Madrid por Felipe II, quien la nombró dama de honor de Isabel de Valois, en cuya corte estaba incluída y por ello llegó a España. En 1580 marchó a Palermo, donde contrajo matrimonio con Fabrizio de Moncada. Vivió luego en Génova , casada en segundas nupcias con Orazio Armellino. Al final de su vida, ciega y viuda, residió de nuevo en Palermo. Logra humanizar el protocolo del retrato cortesano. Técnica suave, porosa, difuminada. Pincelada muy italiana. No firmó ningún retrato y tampoco percibió dinero alguno por su trabajo, sí recibió regalos.

Retrato de Felipe II

La realización de este retrato se llevó a cabo en 1575. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy conservado en el Museo del Prado. Debido a la ausencia de firma por parte de Sofonisba Anguissola, hasta hace años, se creyó que el autor de esta obra era Sánchez Coello. Forma pareja con otro retrato de similares características de Ana de Austria.

Es un retrato de estado de Felipe II de medio cuerpo y en perfil de ¾. Fondo neutro en tonos verdosos. Viste una indumentaria no excesivamente lujoso de color negro, capa corta, sombrero de copa alta y lechuguilla, a la moda de la época.luce en su cuello el toisón de oro. En la mano izquierda porta un rosario, mientras que la mano derecha apoya en un sillón tapizado en rojo.

Juan Pantoja de la Cruz

Pintor español (1553-1608). Fue discípulo de Sánchez Coello, a quien sucedió en el cargo de pintor de cámara del rey cuando éste muere en 1588. Destacó como retratista, contribuyendo a difundir el tipo de retrato cortesano que habían formulado en España Moro y Coello, y que proseguiría durante el siglo XVII Bartolomé González, Velázquez, Carreño de Miranda… Pantoja se caracteriza por la prolijidad con que reseña los ricos vestidos, joyas, encajes… También fue pintor de cámara con Felipe III. Los retratos son mucho más fríos que los de Coello.

Retrato de Felipe II anciano

La realización de este retrato se llevó a cabo en 1598 aproximadamente. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy conservado en el El Escorial.

Es un retrato de estado de Felipe II anciano de cuerpo entero y en perfil de ¾. El fondo arquitectónico y el pavimento facilitan la representación del espacio. También hay un cortinaje en el fondo. Viste atuendo civil y calza botas altas. Luce en su cuello el toisón de oro y porta una espada.

PINTURA MITOLÓGICA

La pintura mitológica es del ámbito de la corte. Es muy del gusto renacentista.

Dánae y la lluvia de oro

La realización de esta pintura mitológica es obra de Gaspar Becerra. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy conservado en el Palacio de El Pardo.

Hércules tiene la facultad de transformarse en lo que desee, en este caso se transforma en lluvia de oro para poder poseer a Dánae.

LA PINTURA DE EL ESCORIAL

La pintura de todo El Escorial obedece a un programa pictórico unitario. Las características de la pintura religiosa son acorde con los nuevos valores contrarreformistas: orden, claridad, decoro y finalidad devocional.

BASÍLICA

Pintura de retablos

Altar mayor La intención de Felipe II fue que la decoración pictórica del retablo fuera realizada por completo por Navarrete. Debido a la temprana muerte de Navarrete, el encargo pasó a Zuccaro. Como al monarca no le gustaron las pinturas de Zuccaro, algunas de ellas fueron sustituídas por otras de Tibaldi. A Zuccaro corresponde el cuerpo superior

Retablos secundarios:

En capillas laterales, donde se representan martirios de los santos

En pequeños altares de las naves laterales, donde se representan santos por parejas

En capillas de lospies de la basílica, donde también se representan santos por parejas

En los altares-relicario

Pinturas al fresco

El proyecto original, antes de la muerte de Felipe II, consistía en cubrir de pinturas al fresco todas las bóvedas de la basílica. Sólo llegaron a realizarse las bóvedas de:

Presbiterio (“Figura de Cristo” - Cambiaso)

Sagrario (“Eucaristía” - Tibaldi)

Coro de los monjes (“Gloria” - Cambiaso), en el coro de los monjes también se decoraron con pinturas al fresco los muros (“San Lorenzo” / “San Jerónimo” - Cambiaso y Cincinnato)

Juan Fernández de Navarrete (Navarrete el Mudo)

Pintor español (1526-1579). Fue sordomudo y de naturaleza enfermiza. Estudió en Italia y pudo pasar por el taller de Tiziano. En 1568 empezó a pintar para el monasterio de El Escorial. Combina naturalismo y pincelada veneciana. Fue propósito de Felipe II que Navarrete el Mudo hiciera gran parte del interior de la basílica, pero la temprana muerte del pintor impidió el deseo del monarca.

Decapitación de Santiago el mayor

Se localiza en el retablo secundario de una capilla lateral. La fecha de realización es 1571. La técnica es óleo sobre tabla.

Aparece Santiago mayor como peregrino. En el fondo, aparece como Santiago Matamoros a caballo. En primer término, aparece como verdugo de la decapitación, un miembro del taller de Navarrte, que le sirvió demodelo.

Luca Cambiaso

Pintor italiano (1527-1585). La figura más importante de la escuela genovesa del siglo XVI. Fue discípulo de su padre, el pintor Giovanni Cambiaso. Estilo de abultado y dinámico manierismo. En 1583 trabajó en El Escorial, donde ayudado por su hijo Orazio, realizó cuadros de altar (Martirio de Santa Úrsula y sus compañeras) y varios frescos en la iglesia. Sus modelos se adaptan a la imagen religiosa oficial.

Gloria

Se localiza en la bóveda del coro de los monjes. La fecha de realización es 1585. La técnica es fresco sobre muro.

La imagen de la Trinidad se apoyan en una figura cúbica que alude a la Jerusalén celestial. En los registros inferiores se alinean jerárquicamente las figuras de los santos, algunos de ellos reconocibles. Composición simétrica. Uso predominante de colores fríos. Figuras muy académicas.

San Lorenzo / San Jerónimo

Estas dos obras se localizan en sendas paredes del coro de los monjes. Fueron obra conjunta de Luca Cambiaso y Romulo Cincinnato. La fecha de realización es 1567. La técnica es fresco sobre muro.

Importancia del fondo arquitectónico. Los modelos son herencia de Rafael y Miguel Ángel.

Federico Zuccaro

Pintor italiano (1542-1609). Fue discípulo de su hermano Taddeo Zuccaro. Trabajó algún tiempo en Venecia, y también trabajó en distintas cortes europeas. Su prestigio hizo que Felipe II le llamara para pintar en El Escorial, pero su labor (1585-1588) no agradó al rey, que le despidió y mandó sustituir con pinturas de Tibaldi algunos de los compartimientos del retablo mayor que había realizado Zuccaro. Actualmente las pinturas del cuerpo superior pertenecen a Zuccaro (Ascensión - Asunción - Pentecostés). Su fracaso residió en que se interesaba más por lo estético que por lo religioso, al contrario que lo que demandaba Felipe II. Tras esta etapa regresó a Italia.

Anunciación

Se localiza en el dorso de las puertezuelas de un altar-relicario de la basílica. La técnica es óleo sobre tabla.

Se representa a la Virgen y al arcángel San Gabriel. Tuvo que ser repintado ya que no agradó a Felipe II. Originalmente la Virgen presentaba un rostro más sorpresivo ante la notificación del ángel. Fue repintado por un pintor español, que sustituyó aquel rostro por otro más sumiso y humilde.

Asunción de la Virgen

Se localiza en el cuerpo superior del retablo del altar mayor de la basílica. La cronología de los trabajos de Zuccaro en El Escorial es 1585-1588. la técnica es óleo sobre lienzo.

Figuras muy claras. Abajo, en el ámbito terrestre, se ve el sepulcro de la Virgen vacío y los apóstoles orando hacia el cielo. Arriba, en el ámbito celeste, está la Virgen en el cielo rodeada de ángeles. También pueden verse a San Pedro y a Santiago peregrino. Uso de luz dorada. Rigidez de las figuras.

Pellegrino Tibaldi

Pintor y arquitecto italiano (1527-1596). Se formó como pintor en Roma. También trabajó en Bolonia y Milán. Entre 1586 y 1594 trabajó al servicio de Felipe II en El Escorial, donde realizó numerosos frescos y pinturas del retablo mayor, como las del cuerpo principal (Adoración de los reyes; Martírio de San Lorenzo; Adoración de los pastores). Su trabajo dejo muy satisfecho a Felipe II. Su estilo es de figuras monumentales y espectaculares, derivado del manierismo de Miguel Ángel. Sutileza de la paleta veneciana.

Martirio de San Lorenzo

Se localiza en el cuerpo principal del retablo del altar mayor de la basílica. La cronología de los trabajos de Tibaldi en El Escorial es 1586-1594. La técnica es óleo sobre lienzo. Sustituye a uno enviado desde Italia por Tiziano que se colocó en ese lugar originalmente, demasiado oscuro para el interior de la basílica.

El santo está colocado sobre la parrilla, lugar de su martirio según la tradición. Figura heroica y monumental del santo, que no traduce ningún sufrimiento físico y lleva su mirada al cielo. Numerosos verdugos y soldados le azuzan contra la parrilla. Composición complicada. El emperador, sobre un pedestal, preside el martirio. Un grupo de angelitos desciende desde el cielo. Importancia de la iluminación. Las figuras del primer término están más perfiladas que las del segundo término.

BIBLIOTECA

La decoración pictórica de la biblioteca de El Escorial es un conjunto interesante cuyo autor es Pellegrino Tibaldi. Se realizó entre los años 1588-1593. la técnica es fresco sobre muro. La decoración recorre la bóveda de cañón, pared superior y lunetos. El programa puede obedecer a la voluntad del propio bibliotecario, o del padre Sigüenza. Este programa es humanista cristianizado, sobre el saber, sobre la ciencia, sobre la cultura, sobre la teología y sobre la filosofía.

Es un intento de simular el diseño de la capilla sixtina. La composición es muy italiana y los modelos son muy monumentales, siguiendo el manierismo miguelangelesco. El programa está rodeado de los 4 padres de la Iglesia.

SALA DE BATALLAS

La sala de batallas es una gran galería rectangular con balcones hacia el patio NE del palacio o zona pública de El Escorial. La técnica es fresco sobre muro. Los pintores que intervienen son Nicolas Granello, Fabrizio Castello, Lazzaro Tavarone y Orazio Cambiaso. Están decorados los muros, la bóveda y los lunetos. Se realizó entre los años 1584-1590.

Se inspira en la decoración de pinturas de las logias vaticanas. En esta serie de pintura histórica se representan las batallas medievales. Según la perspectiva aplicada por los artistas, el espectador observa las escenas desde un punto de vista lejano y elevado. La solución de profundidad de las escenas de batalla se realiza a través de la multiplicación de perfiles.

7-EL GRECO

Doménikos Theotokópoulos, El Greco

Pintor cretense activo en Italia y España (1541-1614). No se poseen datos acerca de sus comienzos artísticos, pero todo hace creer que debió iniciarse como pintor en algún taller de su tiera natal. En 1567 se dirigió a Venecia a ampliar estudios. El impacto de la cultura pictórica veneciana fue decisivo para la conformación de su estilo, siendo discípulo de Tiziano, y también estudió a Tintoretto y a Bassano. En 1570 pasó a Roma. En 1577 aparece documentado en España, precisamente en Toledo. Trabajó también para Felipe II en El Escorial entre 1580-1582, pero su estilo no agradó al monarca porque no se ajustaba al modelo contrarreformista, así que decidió volver a Toledo.

ETAPA EN CRETA (1541-1567)

No se conocen muchos datos de esta etapa. Se le han adjudicado algunos iconos de estética bizantina de la época.

ETAPA EN VENECIA (1567-1570)

Conoce la obra y forma de trabajar de Tiziano, Veronés y Tintoretto. Se cree que pudo estar trabajando en el taller de Tiziano. En esta etapa de formación logra el dominio del lenguaje artístico en lo referente a anatomía, diseño arquitectónico, perspectiva, luz y claroscuro, colorido veneciano de herencia de Tiziano, modelos figurativos de influencia de Tintoretto, y también adquirió grandes conocimientos en lo referente al retrato, la técnica al óleo y la tratadística.

Tríptico de Modena

La fecha de esta obra es 1568-1569. Se duda de la etapa y de su autoría. El tríptico está formado por: Nacimiento y adoración de los pastores - Juicio final - Bautismo de Cristo. Demuestra dominio de la anatomía. Rasgos bizantnos y venecianos.

La expulsión de los mercaderes del templo

La fecha de esta pintura es anterior a 1570. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy conservado en el Instituto de Arte de Minneapolis.

Aprendizaje del lenguaje figurativo y del escorzo. Colorido influido por Tiziano. Interés por la perspectiva y el espacio, traducidos en el fondo arquitectónico o en el suelo. Los personajes del primer término corresponden con retratos de Tiziano, Miguel Ángel, Giulio Clovio y otro más joven que quizás sea un autorretrarto del pintor cretense. Es un tema que repetirá a lo largo de su carrera. Simbólicamente se le ha querido relacionar con la guerra contra la herejía protestante en que se empeñó el catolicismo. El templo adquiere la importancia que el tema requiere, así puede demostrar sus conocimientos de perspectiva, su capacidad para crear la tercera dimensión a base de espacios arquitectónicos renacentistas. La influencia de Tintoretto se ve en la arquitectura y en alguna de sus figuras.

ETAPA EN ROMA (1570-1577)

Llegó a Roma en busca de nuevas enseñanzas y de mecenas que le patrocinaran. Entro en contacto con Giulio Clovio, miniaturista que favoreció a El Greco, poniéndole en contacto con el cardenal Alejandro Farnesio, o su bibliotecario Fulvio Orsini. Pero, al parecer, como había ocurrido en Venecia, no consiguió obtener ningún encargo de destino público que extendiera su fama.

Retrato de Giulio Clovio

La fecha de este retrato es 1570 aproximadamente. Conservado en el Museo de Nápoles. Con paisaje veneciano de fondo.

Muchacho encendiendo una candela o El soplón

La fecha de esta pintura es 1570-1575. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy se conserva en .

Es una recreación de una obra perdida de la Antigüedad, del pintor Antífilo que recreaba a un niño soplando un fuego y a la vez el resplandor ilumina la casa. En la obra de El Greco ha desaparecido la casa, pero el resto es un buen ejemplo de un magnífico estudio de la luz. El Greco demuestra ser un pintor culto y humanista al recrear este tema. Matices de claroscuro excepcionales, en el rostro o palma de la mano iluminados.

ETAPA EN ESPAÑA (1577-1614)

La etapa española se divide en tres momentos: Llegada a Toledo (1577-1585); El revés de El Escorial (1580-1582) y; Vuelta a Toledo (1585-1601).

No se conocen a ciencia cierta las razones que le indujeron a emprender este viaje; probablemente intervendrían en ello su relativa falta de éxito en Italia y la esperanza de ser contratado por Felipe II en la decoración de El Escorial. Se supone asimismo que en Roma debió conocer a Luis de Castilla, cuyo hermano Diego era deán de la catedral de Toledo y estaba encargado de la reconstrucción de la iglesia de Santo Domingo el Antiguo; para esta iglesia toledana realizó sus primeras obras (1577-1579). La obra clave de su etapa toledana sería El Expolio, con la que su técnica alcanzó fama importante. Paralelamente se había esforzado para ser conocido por Felipe II, quien le encargaría El martirio de San Mauricio para un altar de la basílica. Una vez instalado de nuevo en Toledo, El Greco se impuso enseguida como el pintor más eminente y solicitado de la ciudad. Conforme avanza el estilo de El Greco, los elementos naturalistas, son desplazados por los elementos imaginativos; y la luz, es cada vez más espectral, de carácter visionista.

El Expolio

La fecha de esta pintura religiosa es 1577. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. El encargo fue realizado por el cabildo de la Catedral de Toledo. Esta pintura se encuentra precisamente en la sacristía de la Catedral de Toledo.

Se representa el momento en el que a Cristo es despojado de la túnica camino del Calvario. Flanquean a Cristo un personaje con armadura y otro que lo señala con el dedo, mientras, otro taladra el madero. También aparecen las Tres Marías. Aparte de estos personajes reales hay otros, en el fondo, representados más abstractamente. La composición es un conglomerado de figras gigantescas carentes de espacio. Las cabezas se arremolinan en torno a la figura de Cristo. Hay influencia de Tiziano en la elección de un color rojo tan intenso para la túnica de Cristo, destacando del mismo modo los amarillos y verdes del primer término. Brillante escorzo del personaje situado en el ángulo inferior derecho. El uso de distinto punto de vista de las tres Marías y el hombre que taladra el madero, respecto a la figura de Cristo, facilitan la centrada mirada del espectador. Tratamiento de la luz y del color muy venecianos. Las incorrecciones iconográficas de la obra (presencia de las Tres Marías, y las cabezas situadas por encima de Cristo) dificultaron al pintor el cobro de la obra.

Asunción de la Virgen a los cielos

La fecha de esta pintura religiosa es 1577-1579. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Hoy se conserva en el Museo de Chicago.

Obra influenciada por la de Tiziano sobre el mismo tema en Santa Maria dei Frari. Crea dos ámbitos, el celeste y el terrestre. Figura de la Virgen muy alargada. Él se autorretrata abajo a la izquierda. La figura de San Bartolomé (abajo a la derecha) es una interpretación del San Bartolmé presente en la Capilla Sixtina. Las figuras son de tamaño casi natural y muy movidas, casi incorpóreas. Los amplios ropajes dotan de sentido volumétrico. Color de tradición veneciana, mezclando cálidos con fríos.

El martirio de San Mauricio y la Legión Tebana

La fecha de esta pintura religiosa es 1580-1582. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. El encargo fue realizado por el Felipe II. Esta pintura se encuentra en el Museo de El Escorial..No gustó el resultado de la obra a Felipe II, que colocó la obra en una estancia secudaria en vez de en el interior de la basílica como era el propósito inicial, debido a que ahí permanecen las reliquias del santo. En el interior se colocó definitivamente la obra de Romulo Cincinnato que representa el mismo tema, que se ajustaba más al modelo contrarreformista exigido.

Un grupo de generales del ejército de Felipe II colocados en primer término son los protagonistas de la escena, relegando a un papel secundario al martirio de San Mauricio, desplazado a la izquierda y en menor tamaño. El santo es un hombre militar, algo que choca, pero que refuerza la defensa a ultranza de la fe. Mezcla de colores fríos y cálidos. La víbora de la esquina inferior derecha que porta la firma de El Greco, es de dudosa interpretación. En la parte de arriba hay una representación de la Gloria.

La gloria de Felipe II o La alegoría de la Santa Liga

La fecha de esta pintura política es 1577-1580. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Se halla en el Museo de El Escorial, y el boceto acabado en la Galería Nacional de Londres.

Quizás esta obra le sirvió al artista como carta de presentación ante Felipe II. Aparecen los representantes de la Santa Liga, caso del Papa Pío V, el Dux veneciano Mocenigo y el popio Felipe II. El monarca está representado a modo de donante, a la esperadel Juicio Final. En la parte superior se representa la Adoración del Santo Nombre de Jesús. Tres escenarios están representados: el cielo en la parte superior, el purgatorio en la parte del fondo, y el infierno en el ángulo inferior derecho a modo de la boca de una bestia. Uso de paleta veneciana.

El caballero de la mano en el pecho

La fecha de este retrato es 1580. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. Esta pintura se encuentra en el Museo de El Prado.

Todavía hoy desconocemos la identidad del personaje retratado, sería un personaje importante de la sociedad toledana. Se ha pensaado que podría tratarse de don Juan de Silva, marqués de Montemayor. La mano derecha la tiene apoyada en el pecho en actitud de caballero cristiano. Está vestido con indumentaria cortesana y porta espada.fondo oscuro neutro.

La Sagrada Familia

La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. El modelo utilizado para la Virgen podría ser su compañera sentimental Jerónima de las Cuevas, flanqueada por San José y Santa Ana. También se ha especulado con que el Niño representara al hijo de El Greco con Jerónima, Jorge Manuel. El fondo escogido es el cielo.

El entierro del conde de Orgaz

La fecha de esta pintura es 1586-1588. La técnica utilizada es óleo sobre lienzo. El encargo fue realizado por el cabildo de la iglesia de Santo Tomé, y las condiciones vinieron expresamente dictadas por el cliente. Se encuentra actualmente en la iglesia de Santo Tomé (Toledo).

Narra el milagro acontecido cuando Gonzalo Ruiz, señor de la villa de Orgaz, murió. Se representan dos esferas, la celeste y la terrestre. La esfera terrestre, relacionado con lo aristotélico y lo naturalista, en la mitad inferior del cuadro, representa el enterramiento del conde Orgaz, al que asisten muchos e importantes personajes de la sociedad toledana de la época, algunos de ellos portando hachones de iluminación. Entre los asistentes se encuentra Antonio de Covarrubias, o el propio Jorge Manuel, hijo del pintor, que señala la zona del entierro. El acto del entierro propiamente dicho lo están realizando San Esteban y San Agustín, bajados del cielo y ataviados con lujosas capas doradas. A la izquierda se distinguen representantes de dos órdenes religiosas, imprescindibles en los enterramientos toledanos; un franciscano y un agustino. El sacerdote que oficia el funeral destaca por su capa semitransparente. En la esfera celeste superior, relacionada con lo neoplatónico, aparecen la Virgen, San Juan Bautista, San Pedro, Felipe II, y numerosos personajes bíblicos. Se nota la influencia del italiano El Correggio en esta representación sobrenatural. La Virgen recoge el alma del difunto a modo de muñeco semitransparente. Extraordinario uso de la luz y del color. El Greco, de nuevo, hubo de acudir a un pleito judicial con el cliente para cobrar el precio demandado.

Arte hispánico de la edad moderna

C1

SARA GONZÁLEZ CALVO

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