Abstraction et Surréalisme

Le début du XXéme siècle est caractérisé par une évolution de la couleur (Fauvisme-1905, Expressionnisme); de la forme (Cubisme-1907, Futurisme-1909) et surtout de la pensée: l'esthétisme traditionnel est contesté, la psychanalyse se développe, et on commence à étudier le subconscient. Ces évolutions aboutissent à partir de 1910, à l'apparition de l'art abstrait. Il s'agit d'un art qui se concentre sur la couleur, la forme et la composition. L'objectif de l'art abstrait est la création individuelle et originale, non pas d'après la nature, il ne s'agit pas d'imitation. Mais, en effet, comme l'a dit Wassily Kandinsky il s'agit d'une “véritable oeuvre d'art, d'un sujet autonome, qui respire par l'esprit”, c'est une nécessité intérieure qui a poussé l'artiste à créer cette oeuvre. Dans la filiation qui établit de siècle en siècle la continuité évolutive de l'art un fait nouveau est survenu: la réalité n'est plus indissolublement liée à la forme. Il y a une rupture franche avec le passé. L'artiste ne nomme plus, il exprime. C'est au spectateur de saisir la signification de ce qui est exprimé.

Nous étudierons une peinture du peintre russe (naturalisé allemand puis français) Wassily Kandinsky, qui est considéré le premier peintre abstrait, elle s'intitule: Hommage à Grohmann. Son étude nous permettra de nous rapprocher des bases du courant abstrait.

Cette peinture est principalement composée par des formes géométriques de base: triangles, rectangles, carrés, cercles... Les couleurs utilisées par l'artiste restent tout à fait proches des couleurs primaires: rouge, jaune et bleu, en effet, il paraît que ces couleurs pures sont mélangées avec du noir ou du blanc afin de créer différantes tonalités de couleurs semblables, ces deux couleurs sont aussi utilisées.

On remarque que lorsque deux couleurs se superposent la couleur change, il crée un effet de transparences. Le fond de la peinture est flou, ceci permet de délimiter les figures et de marquer leur importance. Il n'y a pas de perspective, on a donc un tableau plat. Cette planicité marque la pureté de la peinture.

Les peintres abstraits par l'intermédiaire des couleurs, des formes et de la composition créent un art non-figuratif, qui leur permet d' exprimer leurs sentiments. Kandinsky avait une sensibilité très particulière; il faisait une relation entre ses états d'âme et les couleurs: Le bleu apaise et calme, le vert est immobilité, le rouge témoigne d'une vie ardente et agitée, le jaune agace jusqu'à la folie... Dans l'exemple que nous avons on peut voir que ses émotions sont en équilibre du moment ou les couleurs sont proportionnelles.

Pour appuyer ce que l'on a dit antérieurement on étudiera un tableau de Piet Mondrian (hollandais), intitulé: composition en rouge, jaune et bleu. Rien qu'en regardant le titre on s'aperçoit de l'importance de la composition de l'oeuvre, ce titre marque le caractère non-figuratif du tableau. Celui-ci est composé par des lignes noires verticales et horizontales qui lui permettent d'explorer la force de la symétrie et de l'asymétrie. Ceci lui permet de passer des intersections linéaires au plan rectangulaire ou carré (figures géométriques de base), qui sont colorées en rouge, jaune bleu (couleurs primaires), noir gris et blanc. Ce tableau est un magnifique exemple d'art abstrait du moment où l'artiste se concentre principalement sur les formes et les couleurs, qui en effet n'existent pas dans la nature: “Les choses naturelles (extérieures) devenant de plus en plus automatiques, nous voyons l'attention vitale se fixer de plus en plus sur les choses intérieures” (Mondrian) On remarque également que comme dans la peinture de Kandinsky. Il n'y a aucune perspective, ce qui donne un effet de planicité qui marque la pureté de l'oeuvre, il y a aussi une volonté de démarcation des limites afin de concentrer l'attention du spectateur sur les formes, la couleur et la composition.

Ce n'est pas parce que l'art abstrait s'agisse d'un art non-figuratif qui écarte toute anecdote, toute description de la réalité qu'il n'a pas de sens. Les premiers peintres abstraits, et notamment Kandinsky, Mondrian et Malévitch, ont beaucoup insisté sur l'importance du sens de leurs oeuvres. L'art abstrait n'est pas fait pour être compris mais pour être senti, et pour qu'un tableau vous “parle” il est nécessaire d'être au contact avec cet art. Une fois que l'on est plus familiarisé avec celui-ci alors on commence à ressentir des émotions. L'art abstrait est avant tout lyrique, l'artiste exprime ses sentiments par sa peinture: “On peint pour atteindre le spirituel” (Kandinsky).

- Un mot sur la musique de fond.

Le phénomène le plus important de la musique moderne et contemporaine est sa destemporalité. Ceci est du à la fragmentation de ses éléments rythmiques de continuité, et, d'autre part, à la concentration du statique provoquée par l'intensification de certains éléments mélodiques et harmoniques. Le résultat étant une musique qui d'un point de vue temporel, ne va nulle part, et elle est juste “là” au lieu de naître d'elle même.

Pendant cet exposé vous avez écouté: -Olivier Messian avec Quatuor pour la fin du temps, -Edgard Varese avec Intégrales for small orchestra and percussion, et Karlheinz Stockhausen avec hymnen für elektronische und konkrete klänge.

2- Le Surréalisme

Le mouvement surréaliste commence après la première guerre mondiale. Il provient du Dadaïsme, mouvement fondamentalement nihiliste qui ignore les classifications esthétiques et les frontières culturelles. Mais en 1924, à partir du Manifeste surréaliste d' André Breton, les deux mouvements se séparent. Ce nouveau mouvement emphatise le rôle de l'inconscient dans l'activité créative et donc les surréalstes emploient l'inconscient psychique d'une forme ordonnée et sérieuse pour " transformer le monde" ( Karl Marx) et "changer la vie" ( Arthur Rimbaud) en opposition au Dadaïsme.

Ce mouvement s'est étendu dans presque tous les domaines: littérature, peinture, photographie, cinéma et musique.

Dans un des tracts envoyés par les Surréalistes en 1925 on peut voir quelle est la description qu'ils donnent d' eux-mêmes:

1º Nous n'avons rien à voir avec la littérature; Mais nous sommes très capables ,au besoin, de nous en servir comme tout le monde.

2º Le surréalisme n'est pas un moyen d'expression nouveau ou plus facile, ni même une métaphysique de la poésie; Il est un moyen de libération totale de l'esprit

et de tout ce qui lui ressemble

3º Nous sommes bien décidés à faire une Révolution [...]

• Le surréalisme n'est pas une forme poétique.

Il est un cri de l'esprit qui retourne vers lui-même et est bien

decider à broyer désespérement ses entraves,

et au besoin par de marteaux matériels!

Au début, les écrivains surréalistes utilise l'écriture automatique: c'est à dire qu'ils écrivent tous les mots qui leur viennent à l'esprit, ils ne les changent pas car ceci constitue une interférence dans l'acte de la création (voir doc.1). Ils utilisent aussi des procédés d'écriture collective (exemple du jeu de Cadavre Exquis) .Mais par la suite ces méthodes sont considérées par eux-mêmes comme trop gratuites, comme dans les dialogues surréalistes ou les demandes et les réponses sont formulées séparément. Exemple:" Qu'est ce que la volupté de vivre? C'est une bille dans la main d'un écolier."

Étude d'un poème: ( doc. 2)

La terre est bleue...

Paul Éluard,

L'amour, la poésie, 1929

Le premier vers nous montre la liberté absolue du poète dans son traitement du langage et nous montre que pour les surréalistes n'importe quel rapprochement peut avoir du sens, ce qui est justifié dans le deuxième vers.

Du vers 4 au vers 9 on a une évocation de l'amour sublime, qui est considéré comme une raison de vivre , et de l'érotisme qui dans sa provocation est un moyen de transgresser les interdits sexuels érigés en institutions morales. Une autre poésie d'Éluard montre mieux l'érotisme comme une mystique de l'amour:

"Toute nue, toute nue,tes seins sont plus fragiles que le parfum de l'herbe gelée et ils supportent tes épaules. Toute nue. Tu enlèves ta robe avec la plus grande simplicité. Et tu fermes les yeux et c'est la chute d'une ombre sur un corps, la chute de l'ombre tout entière sur les dernières flammes [...].

Je m'obstine à mêler des fictions aux redoutables réalités. Maisons inhabitées, je vous ai peuplées de femmes exceptionnelles..."

Par la suite, des vers 10 à 13 on remarque l'utilisation de l'inconscient, de l'imagination, et de rapprochements de mots à nouveau pour exprimer grâce à des images insolites le fonctionnement réel de la pensée.

Puis des vers 14 à 16 on a un exemple très caractéristique de l'image qu'avaient les surréalistes de la femme: elle est comparée à Dieu, elle prend sa place, et de la beauté: c'est la valeur suprême.

Voici les principaux points pour considérer ce poème comme représentatif de la poésie surréaliste.

Pour ce qui est des romans, on remarque la présence de nombreux impératifs antilittéraires. Par exemple dans Nadja de Breton, il y a énormément de photographies pour compenser le fait que dans le texte il n'y a aucune description.

En France les principaux auteurs avec Éluard sont: Breton, Aragon, Crevel, Desnos, Soupault, Queneau,...

Dans la littérature du reste du monde, on observe que le surréalisme a une grande influence mais surtout comme attitude, comme mentalité, à cause des idées de rebellion, d'amour et de liberté: dans les pays d'Europe centrale, au Mexique avec l'estridentisme autour d'O. Paz, en Argentine l'ultraïsme avec J.L. Borges, et avec le mouvement néo-dada au Japon, par exemple.

Étude d'un tableau: Fils de l'homme et La cité des rêves

Magritte

Magritte juxtapose des images qu'il utilise plusieurs fois dans différentes combinaisons. La pomme, le mur et l'homme anonyme ( et ordinaire) au chapeau n'ont aucune connexion.

Ici, le travail du peintre nous montre qu'il ne veut pas être symbolique mais qu'au contraire il représente l'inexplicable monde des rêves. Dans ce tableau on peut remarquer un des principaux propos du peintre: jouer le plus librement possible avec l'identite des objets et des formes conventionnelles qui les désignent dans notre vie quotidienne, en créant une confusion complète entre un objet et sa représentation. L'oeuvre de Magritte répond à l'une des postulations majeures du surréalisme, plus qu'une autre, dans la mesure où elle ne cesse de manifester le merveilleux, l'automatisme par contre n'est pas une démarche utilisée par le peintre contrairement à d'autres peintres surréalistes comme Masson.

Doc 28 p 95 du manuel

Jour de lenteur

Tanguy

Dans cette perspective du monde des rêves, on remarque une sérénité silencieuse representé par la plage du quotidien, c'est à dire le calme qui règne à ce moment là dans la vie de l'auteur. Dans ce panorama apparaissent quelque silhouettes innattendues, lisses et presque légères, soulignées par une ombre légère projetée sur le sable où elles ont été abandonnées par la marée des vissicitudes.

La peinture surréaliste représente la nécessité d'exprimer visuellement la perception interne où les obsessions et les fantasmes provoquent des visions que l'artiste fixe sur la toile. Elle exprime le désir de joindre l'imagination et la nature.

Autres peintres importants: Chirico, Dalí, Ernst, Tanguy, Picabia, Arp, Mirò.

Les surréalistes on plutôt manifesté un égard envers la musique. Premièrement parce que le surréalisme est d'abord une sensibilité aux images, et deuxièmement parce que le surréalisme est un abandon aux puissances de l'imagination alors que la musique comptemporaine, met en oeuvre des techniques combinatoires savantes. Mais il y a pourtant une exception: André Souris et Paul Hooreman qui font partie du groupe surréaliste belge "créent" de la musique surréaliste: ils inversèrent les bandes de carton perforées d'un petit orgue de Barbarie ( l'aigu étant joué au grave et tous les intervalles étant inversés) et ils obtinrent ainsi une musique imprévisible, d'autant plus que certaines notes faisaient défaut.

L'Âge d'or

Buñuel

Ce film datant de 1930 est considéré, avec Un Chien andalou, par les surréalistes comme se situant au-delà de tout ce qui existe. Le caractère ultra-provocateur ( à l'epoque) de l'Âge d'or provoque un énorme scandale avec sabotage de l'écran, destruction de tableaux, appels de police... Ce film sera interdit pendant longtemps, en fait jusqu'en 1982, car il sera considéré comme étant " judéobolchévique". En fait ce film critique non seulement la religion et l'Etat, mais aussi les convenances sociales, la société bourgeoise, la police, l'armée et la famille.

Dans ce film le sens latent n'est jamais donné. Il peut échapper aux spectateurs ( ainsi qu'il a échappé aux censeurs de l'époque qui n'avaient vu qu'une histoire de fous). Ce film relève totalement de l'esprit surréaliste du groupe: révolte, liberté de la pensée, destruction des idées communément acceptées, et un désir de provocation.

En guise de conclusion on peut dire que le surréalisme est mort en tant que mouvement organisé en 1969 et l'abstraction après les années 1960-70 n'a plus de réels successseurs. Ces deux mouvements qui sont probablement les deux mouvements les plus importants de la première moitié de ce siècle ont surtout deux points en commun:

• la mise en doute de certaines règles de peinture: surtout celles du choix des thèmes

• l'expression de soi, le lyrisme.

Bibliographie:

• ABASTADO, Claude Le Surréalisme, Ed. Hachette 1975

• GARCÍA ASCOTT, Jomi Con la música por dentro, Ed. Martín Casillas 1982

• GOMBRICH, E.H. The story of art, Ed. Phaidon 1950

• Encyclopédie Encarta 97

• Encyclopédie Universalis

• MITTERAND, Henri Littérature XXº siècle, Ed. Nathan 1994

• NEWHALL, Beaumont The history of photography, Ed. MOMA New York 1982

• PIERRE, José El Surrealismo, Ed. Aguilar Madrid 1966