Pablo Ruiz Picasso

Vanguardias artísticas. Arte contemporáneo del siglo XX. Pintura cubista española. Cubismo. Surrealismo. Las señoritas de Avignon. Biografía

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BIOGRAFIA.

PABLO RUIZ PICASSO 1881-1973.

Pintor y escultor español considerado como el gran artista del siglo XX. Él fue tanto un inventor único de formas como un innovador de estilos y técnicas y uno de los artistas más prolíficos de la historia, creando más de veinte mil trabajos.

Nacido en Málaga en 1881, hijo de José Ruiz Blasco, un profesor de arte y de María Picasso y Lopez. Hasta 1898, Picasso usó el apellido de soltera de su madre, Picasso, para firmar sus cuadros.

La genialidad de Picasso se manifestó tempranamente: a la edad de diez años hizo sus primeras pinturas, y a los quince mostró su brillante habilidad ante los examinadores del Colegio de Arte de Barcelona.

En 1897 Picasso, en ese entonces un joven de dieciséis años exhibió algunas de sus obras, incluyendo trabajos como: Hombre con sombrero, etc. La exhibición fue tomada en cuenta pero sin un marcado entusiasmo. Luego en Madrid más o menos a finales del siglo XIX, ganó un premio en una de las Exhibiciones Nacionales.

PERIODO AZUL.

Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. Hacía el termino de 1901 Picasso comenzó a usar un persuasivo color azul en sus pinturas que rápidamente se convertirían en monocromas. Este hecho nunca se pudo explicar. Durante el periodo azul, Picasso se fascinó con el ambiente bohemio de las calles parisinas, desde el primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del post impresionismo de Paul Gauguin u del simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse- Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra la evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, generalmente solas y con fondos simples y abstracto, recordando el estilo de El Greco.

El trabajo más ambicioso de la época es La Vida, pintado el ultimo año en Barcelona.

PERIODO ROSA.

Poco después de asentarse en París, Picasso conoce a Fernande Olivier la primera de muchas compañeras, la cual influenció el tema, estilo y modo de sus obras. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos.

En 1904 y 1905 comienza el llamado periodo rosa. El tema generalmente era el circo, que visitó con asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su alter ego, practica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los vendedores de arte Ambroise Vollard y Daniel Henri Kannweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor.

PROTOCUBISMO.

En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso en Gosol, Andorra, su trabajo entrará en una nueva fase, marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de Gertrude Stein (1905- 1906, museo de arte moderno de N.Y.) revela un tratamiento del rostro en forma de mascara. La obra clave de este periodo es sin duda las señoritas de Avignol (1907 museo de arte moderno de N.Y.), tan radical en su estilo- la superficie de este cuadro semeja un cristal fracturado- que no fue comprendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos.

CUBISMO ANALÍTICO Y SINTÉTICO.

Inspirado por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y el artista post impresionista Francés Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo descrito más tarde por un crítico como si hubieran sido hechos a partir de “pequeños cubos”, imponiéndose así el término “cubismo”. Entre 1908 y 1911 trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocido como el cubismo analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modos simultáneo desde varios lados.

Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales, naturaleza muerta y sus amigos; uno de sus famosos retratos es Daniel Henry Kahnweiter (1910, Instituto de Arte de Chicago). En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París) combinando pasta de papel y un trozo de hule pegados sobre la tela mezclado con secciones pintadas que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Esta técnica marcó la transición hacia el cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo es más decorativa, el color juega un rol más importante, aunque la figura continua fragmentada y plana. Picasso practicó este estilo a lo largo de su carrera, aunque nunca de manera exclusiva. Dos obras de 1915 demostraron sus trabajos simultáneos de diferentes estilos Arlequín” es una pintura cubista sintética; a diferencia de su marchante Vollard que fue ejecutado con un estilo que simula al del pintor neoclasicista J.A. Dominique Ingres. Obra de su llamado período clásico (1921-1925), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en Italia en 1917.

ESCÚLTURAS CUBISTAS.

El busto de bronce “Fernande Olivier “ (también llamado Cabeza de mujer, 1909) muestra la consumada habilidad técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales. También realizo conjuntos como: mandolina y clarinete (1914), fragmentos de madera, metal, papel, y materiales no artísticos con los que exploro la hipótesis espacial de la pintura cubista. En su Vaso de ajenjo (1914), es una escultura de bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar; tal vez se trate del ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo Mandril y joven (1951, Museo de Arte Moderno), como los objetos Pop art de la década de 1960.

REALISMO Y SURREALISMO.

Durante la I Guerra Mundial, Picasso viajó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos de Sergei Diágulev. Conoció allí a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco después. Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París) y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, dentro del que se ha denominado estilo ingresco, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente (1921, Museo de Arte Moderno) y obras inspiradas en la mitología como Las flautas de pan (1923, Museo Picasso, París). Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes violentas, convulsivas, indicando a menudo con ellas sus propias tensiones vitales. Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artístico, como en Mujeres durmiendo en un sillón (1927, Colección Privada, Bruselas) y Bañista sentada (1930, Museo de Arte Moderno).

PINTURAS: 1930- 1935.

Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de las líneas, el trazo curvilíneo y cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo (1932, Museo de Arte Moderno). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del siglo XX.

GUERNICA

El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la aviación alemana, por orden de Francisco Franco, bombardeó el puerto vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el pabellón Español de la exposición internacional de París de 1937. El cuadro no retrata el cuadro en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, y la imposibilidad de darle a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el museo de arte moderno de N.Y. desde 1939-1981, año en el que regresó a España; aquí se emplazo en el Casón del buen retiro, junto al museo del prado, en Madrid, hasta que en 1992 se trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el museo nacional de arte reina Sofía, también en Madrid.

LA II GUERRA MUNDIAL Y LOS AÑOS DE POSGUERRA

El estallido y posterior desarrollo de la segunda guerra mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Conoce por entonces a la pintora Françoise Gilot, con la cual tiene dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental, a la que retrato en bastantes ocasiones, fue Jacqueline Roque, ala que conoció en 1953 y con la que se caso en 1961. Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia.

ULTIMOS TRABAJOS.

Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugène Delacroix y Édouard Manet.

Además de en la pintura de cuadros Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fernande Moulot. Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas: El hombre del carnero (1950, Museo de Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural y La cabra (1950, Museo de Arte Moderno), también en bronce obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a cabo la maqueta de cabeza de mujer, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago. En 1968, y a lo largo de siete meses, creó las notables series de 347 grabados con el que retornó a sus primitivos temas: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo de los 90 años del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo. Picasso murió el 3 de abril de 1973 a la edad de 91 años, en Notre- Dame- de Vie, su residencia cercana a Maugins.

ANÁLISIS DE “LAS SEÑORITAS D`AVIGNON.

La resolución y culminación de la labor de Picasso se ve concentrada en el extraordinario cuadro Las señoritas de Avignon, el que fue pintado mayormente en la primavera de 1907 después de meses de desarrollo y revisión.

Cada una de las 5 figuras en la composición final es un objeto de considerable estudio.

Los cuerpos son similares en estilo a las cabezas de las dos primeras señoritas de la derecha, que a su vez se diferencian de las demás, por lo cual se separan para lograr un análisis.

Obviamente el pintor había perdido interés en modelos escultóricos y los comunes naturales de sus primeros desnudos. El desnudo posterior está dibujado casi todo con líneas rectas que forman planos angulares.

La mitad derecha o mejor dicho dos quintos de Las señoritas de Avignon difieren en carácter del resto del cuadro. Los cafés claros, rosados y colores tierra de la izquierda están relacionados a los colores de 1906, llamado periodo Rosa.

Pero a la derecha, grises y luego azules predominan con acentos de verde y naranjo, los planos son también más chicos y rectos.

La diferencia radical entre el lado derecho e izquierdo de la pintura recae en las cabezas de las dos figuras a la derecha. La cabeza superior no es tan plana, pero tiene frente pequeña con una nariz plana y rígida, barbilla puntiaguda, la boca pequeña y ovalada y sin orejas, todas las características de las

las mascaras africanas Negro del Congo francés. La cara de abajo posee también una frente pequeña que da pie a una mascara totalmente plana donde los ojos, nariz, boca y orejas están descolocados. La mano y brazo que sostienen la cabeza de abajo están más violentamente distorsionados.

Como sus formas, el color y su degradación, las caras parecen inspiradas en general por las mascara del Congo y de la costa (Ivory), más que por otra cosa.

Tradicionalmente Las señoritas de Avignon fueron de todas maneras vistas como el resultado de la influencia de la escultura africana Negro, pero a Picasso al principio lo negaba ya que afirmó que lo que le interesaba era la escultura Ibérica y que no conocía nada del arte Negro durante la creación de Las señoritas de Avignon.

Pero luego Picasso aseguraría que las dos figuras de la derecha de Las señoritas de Avignon fueron terminadas tiempo después de terminada el resto de la composición.

De donde haya sacado la inspiración Picasso, estas dos cabezas de puro expresionismo, violencia y intensidad barbárica sobre pasa la más vehemente invención de los fouvistas. Y de todas maneras la extrañeza chocante de la mascara de más abajo anticipa las caras surrealistas que Picasso pintaría veinte a treinta años después.

IMPORTANCIA DE LAS SEÑORITAS DE AVIGNON.

Luego, a pesar del interés hacia estas cabezas y la fama de la vívida pintura de las frutas en el fondo, Las señoritas de Avignon es más importante como el conjunto que por los detalles.

Las señoritas de Avignon fue llamada la primera pintura cubista, por la ruptura de la forma natural; cubismo en un estado rudimentario. Las señoritas es un cuadro de transición, un laboratorio, pero es también un formidable trabajo dinámico y jamás superado por el arte Europeo de la época. Junto con el cuadro Alegría de vivir de Matisse que es del mismo año, comienza un nuevo periodo de la historia del arte moderno.

LA COMPOSICIÓN DE LAS SEÑORITAS DE AVIGNON.

Para juzgar su trabajo, fue en Gosol en el verano del 1906 cuando Picasso empezó a planear una larga composición de desnudos, pero ninguno se acercaba a lo que sería Las señoritas de Avignon.

Picasso explicó en 1939, que la figura central del primer estudio de la obra era un marinero sentado y rodeado de mujeres desnudas, flores y comida. Entrando a esta placentera compañía desde la izquierda esta un hombre con una calavera en su mano.

Aunque su relación hacia la realidad es remota, este estudio llama al origen del romántico titulo de la pintura Las señoritas de Avignon el cual fue inventado años más tarde por un amigo de Picasso en una anónima referencia a un cabaret o casa pública en la calle Avignon en Barcelona.

En otro estudio (b) el marino dio lugar a otro desnudo. Las figuras son más chicas en proporción al formato más amplio.

En el estudio final (c) con solo cinco figuras en vez de siete, el hombre situado a la izquierda en los primeros estudios ha sido cambiado a una figura femenina tirando hacia atrás una cortina.

En la pintura misma esta figura pierde sus proporciones en armonía con las otras figuras y el formato más alto y estrecho de la gran tela.

Todas las implicancias de un contraste moral entre virtud (el hombre con la calavera) y el inicio (el hombre rodeado de frutas y mujeres) fueron eliminados a favor de la composición de la figura pura formal, que como se desarrolla se ve que se convierte más y más deshumanizada y abstracta.

REFERENCIA DE LAS SEÑORITAS DE AVIGNON

Tal fue el concentrado estudio dedicado por Picasso por cada una de las formas de Las señoritas de Avignon que no estuvo satisfecho hasta que las retomo en sucesivas ocasiones.

Años después en 1937, durante las semanas posteriores a que Picasso concluyera el mural Guernica, el momento de su emoción lo llevo a realizar series de variaciones y dedicatorias comparables a las que siguieron el despertar de Las señoritas de Avignon.

LA INFLUENCIA NEGRO.

Es extraño que Picasso que conociendo a Matisse (que ya había formado colecciones de la influencia de arte Negro), desde 1906, nunca se influencio por el arte Negro si no hasta 1907, cuando hasta el dice, lo descubrió por el mismo casi accidentalmente mientras visitaba la galería de historia escultórica en el Tracadero.

Picasso afirma que este descubrimiento fue una revelación hacia él y comenzó a usarla inmediatamente.

Muchos de los trabajos de Picasso entre 1907 y 1908 se incorporaron formas africanas y posiblemente colores de la época llamada periodo Negro, en donde se ubican Las señoritas de Avignon.

En ese período la escultura ibérica continuaba interesándolo y varias veces fusionando formas (por los críticos algo confuso) con las del Congo y la costa de Tiriere.

La mujer en amarillo fue considerada una de sus más importantes pinturas durante el periodo Negro de Picasso, pero al parecer esta pintura está más relacionada con la escultura Ibérica.

Bibliografía

Picasso: Fifty years of his art

Alfred H. Barr, jr

Museam of Modern Art

Copy right 1946

Printed in U.S.A.

Encarta 1998 Microsoft

José Pier

El cubismo

Guillaume Janneau

El arte cubista

TRABAJO DE ESTÉTICA

PABLO PICASSO

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