Neoclasicismo. Romanticismo

ARTE DEL SIGLO XIX

Comienza con el Neoclasicismo, algunos señalan como fin del arte del siglo XIX al Impresionismo y otros al Modernismo. Estudiaremos hasta el Realismo. 1789 Revolución Francesa y 1917 son los límites cronológicos. En el XIX hay una sucesión continua de movimientos y tendencias. Se dan confrontaciones entre estilos

Para todo el periodo podemos encontrar unos rasgos comunes y uno de ellos es la importancia de lo académico, lo formativo. Una admiración constante hacia los autores clásicos. Gusto por lo exótico, lo extraño, en los románticos y neoclásicos.

El siglo XIX es el gran siglo de la historia, es la época en que comienza la historia del arte como tal, gran momento de la pintura de historia. Gran importancia de los “neos”, la vuelta a los estilos de épocas pasadas. Surge un eclepticismo. Surge una arquitectura distinta, del hierro, del hormigón. Gran triunfo de la naturaleza, se traduce en la gran importancia del paisaje que rompe la tradición de los géneros, cambios formales, permite una gran libertad. Mucho valor a lo empírico, material, lo sensible.

El individualismo es otro elemento importante, explotación de lo psicológico. Estudio de la percepción. Debido al individualismo se produce la ruptura entre los mecenas y el artista, lo que da lugar a las exposiciones, crítica de arte. Algunos artistas marginados empiezan a tener importancia.

Las cuestiones sociales políticas y económicas influyen en el desarrollo de las tendencias culturales.

Hay un resurgir de lo decorativo, que sobre todo se da en Inglaterra, las llamadas artes y oficios, antecedente del modernismo. Intento de volver a una sociedad artesanal.

El país que marca las directrices políticas y culturales va a ser Francia. En Inglaterra surgen los paisajistas y en Alemania algunos movimientos románticos.

Introducción:

A finales del XVIII se producen unos cambios que dan lugar a la época moderna y son cambios de tres tipos:

Las actitudes racional e irracional están en la base del Neoclasicismo y del Romanticismo. Estas dos tendencias suponen una reacción contra el Barroco y el Rococó. Son dos tendencias paralelas, que no se ven contrapuestas, de ahí que sea muy difícil clasificar a los artistas de este momento en una tendencia u otra (razón e irracionalidad).

Esta diversidad de fin del XVIII la han tratado de reflejar los autores en términos con adjetivos, el Neoclasicismo moralizante, empírico. Hablan también de un Neoclasicismo Romántico. Las categorías del gusto o estéticas configuran la sensibilidad del momento; se han deducido a partir de las obras del momento. Las categorías más importantes en el XVIII son tres: Lo Bello, lo Sublime y lo Pintoresco.

• Lo Bello: Frente a la tradición barroca se reacciona a través del clasicismo, del racionalismo. Se busca la belleza o la perfección. Se vuelven a las formas del arte griego, porque son las más racionales y las que mejor han representado la belleza. Formas atemporales, sencillas, proporcionadas, simétricas. Este ideal es el que defiende Winckelman, imitación de los griegos para lograr su grandeza. Este clasicismo es la tendencia dominante a fines del XVIII, pero no la única. Se explotan otras experiencias que se apartan de este ideal de equilibrio y belleza clásica y por tanto de lo clásico.

• Lo Sublime: es más la categoría de lo romántico. Todo aquello que explota el dolor, el sufrimiento que es capaz de sobrecoger al hombre y de causarle temor, admiración, respeto. Divinidad potente que se impone al hombre. El hombre siempre queda reducido. Paisajes inmensos, grandes catástrofes naturales que destruyen a la humanidad, tormentas, volcanes, fuerza indomable de los animales, fuerzas demoniacas, el sueño, lo irracional, lo incontrolable. Todo aquello que desborda la percepción por el exceso. En esta época el concepto de sublime es extenso, pueden considerar las ruinas romanas sublimes e incluso una acción sublime que se aparta de lo cotidiano, sublimidad moral propia del Neoclasicismo moralizante.

• Lo Pintoresco: Donde mejor se refleja esta categoría es en el paisaje inglés en el que suele haber senderos y gran diversidad. Lo propio de lo pintoresco es la diversidad, la explotación de los rasgos accidentales e individuales. Se opone así a la simetría clásica, también explota lo que son las apariencias empíricas, lo superficial y tiene siempre un matiz agradable, bastante propio del Rococó.

Estas categorías no son excluyentes, en un mismo autor se pueden dar las tres.

Concepto de Neoclasicismo y factores que favorecen el desarrollo.

El término se acuña a mediados del XIX, con carácter peyorativo. Hay veces que la imitación de los edificios clásicos es exacta. Es un estilo que proclama la vuelta a las formas de la antigüedad, porque son las más racionales y porque se quiere volver al verdadero estilo universal, permanente, que sirva para siempre y que no esté condicionado por las modas. Supone una ruptura con la tradición anterior. Deseo claro de ruptura.

En esa vuelta hacia los ideales antiguos también un matiz romántico. Esta tendencia triunfa en Francia y se va a generalizar hacia 1770, aunque todavía hay Rococó. En esa generalización influyen varios factores:

• Difusión de los escritos teóricos de Winckelmann, Piranesi, Mengs, Laugier.

• Papel desempeñado por Roma como centro de intercambio artístico. Allí iban los artistas, coleccionistas, estudiosos, etc... es un lugar de exhibición y difusión.

• Acción de las academias que se fundan a mediados del XVIII y que proponen como estilo básico el neoclasicismo. Tuvo un público amplio; aristocracia, burguesía.

Aunque si hay una relación clara entre Neoclasicismo e Ilustración, en principio no tenía un contenido ideológico concreto, pretende ser una crítica universal (“Fusilamientos del 2 de Mayo”, de Goya “La muerte de Marat”, de David). Luego si se produce un asimilamiento de los ideales de la revolución con los del neoclásico.

Durante el Imperio los ideales neoclásicos se imponen en los países que conquistó Napoleón. Cuando éste cae, en estos países hay una respuesta nacionalista, vuelta a los estilos nacionales que se buscan en la E.M., por eso hay un resurgir del gótico.

Factores que favorecen el desarrollo.

• Descubrimientos arqueológicos: Se descubre las ruinas de Herculano (1738) y de Pompeya (1748), esto permite conocer con más exactitud las obras de la antigüedad romana. Causan sorpresa y se dan a conocer a través de grabados. Esos descubrimientos se dejan sentir en una nueva pintura decorativa (Adam en Inglaterra), basada en elementos pompeyanos y herculanos; tondos de fondo oscuro, con ninfas y otro tipo de escenas en el interior, arquitectura grácil y ligera, inspirada en los estilos pompeyanos. También esfinges, grifos, animales fantásticos.

También influye en el mobiliario que se inspira en modelos antiguos. Tratan de reproducirlo tal como era. También se nota la influencia en los temas de la pintura y a veces in la escultura, aunque no en el estilo (“Vendedora de amores”, “Dédalo e Ícaro”, “Perseo y Andrómeda”).

No sólo se producen estos descubrimientos, también en Palmira, en Balbeck, en Grecia. Comienza a conocerse la civilización griega, expediciones a Egipto y en general se comienzan a estudiar todas las épocas históricas. Empieza a conocerse la prehistoria. Todo ello responde a un sentimiento romántico, gusto por la ruina y al mismo tiempo se crea una nueva conciencia de la evolución y la relatividad histórica.

Estos viajes producen dos consecuencias:

· Se conoce la antigüedad tal como es, deja de ser algo mítico, considerada como una época ideal.

· Se dan cuenta de que muchos elementos que se creían clásicos no lo eran, sin que procedían del renacimiento o barroco. Permiten corregir el estilo.

Esto conduce al comienzo del historicismo. Hasta el XVIII existía una especie de conciencia general de que existía una base normativa general en el arte, que cada uno podía interpretar a su manera. Se dan cuenta de que lo que existen so estilos diferentes en cada época. No se admiten normas generales y la elección de un estilo es algo arbitrario. A fines del XVIII la elección del clasicismo la justifican diciendo que es el estilo que más se ajusta a los ideales de belleza (razones estéticas) o por acomodarse a los ideales éticos y morales de la revolución (razones ideológicas).

En la época plena del Neoclasicismo, no supone una imitación exacta de los elementos clásicos, buscan las formas puras y claras.

Cuando los ideales revolucionarios se cambian por otros se cambia también el estilo. Pasan a recuperar el gótico. Se abre así el camino al historicismo apareciendo los “neos”, aunque se sigue utilizando el arte clásico, pero por razones prácticas, empíricas. En esta última fase del Neoclasicismo ya hay una vuelta al estilo clásico puro (ya no es tanto coger las formas clásicas y utilizarlas con un lenguaje no clásico). Ahora copian exactamente los modelos antiguos.

• Las teorías artísticas: Destacan Winckelmann y Piranesi. El primero es el defensor del ideal griego y el segundo del ideal romano.

Winckelmann basa todas sus teorías en escultura, Meins las recoge en pintura. Este teórico defiende la claridad, la simplicidad, la grandeza de las formas griegas porque son las que cumplen mejor el ideal de belleza. Propone imitar a los griegos para alcanzar su grandeza, apropiarse del espíritu de la antigüedad y estudiar sus obras para poder llegar a crear obras de la misma categoría atemporal que las obras griegas. Esa misma serenidad y quietud. Se va evolucionando desde un clasicismo inicial hacia otro que no sólo pretende recuperar las formas, sino también los valores ideológicos y morales clásicos, que son los que habrían hecho posible esas formas. Él cree que los griegos llegaron al summun del arte gracias a sus condiciones geográficas, políticas, morales...

Piranesi es defensor de lo romano. Es un arquitecto que se dedica a proyectos sobre papel. Defiende la grandeza del arte romano, que añade a lo griego lo funcional. Tubo influencia a través de una serie de grabados de las ruinas de los edificios romanos. Adopta una serie de puntos visuales, proporciones y contrastes de luces exageradas, que contribuyen a crear una sensación de grandeza que muchos de esos edificios no tenían. Refleja mucho los edificios romanos, introduce nuevas visiones del edificio, de la masa. También admira los templos griegos de la Magna Grecia (sur de Italia) y hace una serie de grabados de los mismos que contribuyen a extender el conocimiento del orden dórico. Tiene un ideal un tanto romántico, un sentimiento sublime ante esa antigüedad, ante esa civilización.

• Papel del arte en la sociedad: Para los ilustrados el arte no se puede limitar a crear objetos bellos, sino que tiene que tener también una utilidad social. Aparecen nuevos edificios, fábricas, parlamentos, teatros... , que responden a las necesidades sociales. También las artes plásticas deben tener una función, se conciben como un medio de educación para racionalizar la sociedad, se les da un contenido moralizante, para impartir una lección moral. A través de los ejemplos de la antigüedad dar un ejemplo de virtud. Esto fue muy bien acogido, empiezan a formarse los museos. Pasan a ser objetos de dominio público.

También cambia la posición social del artista, gana en estima. Empieza a decaer el sistema gremial de enseñanza artística y proliferan las academias en las que se insiste en los aspectos intelectuales. El artista se considera un intelectual con una función social que cumplir y tiene que hacer un arte que sea válido para todos. Dejan de estar sometidos al arbitrio de los clientes. Aumenta la inseguridad del artista que no tiene clientes ni mercado fijos. Se crean exposiciones periódicas, donde los artistas pueden exponer su obra a todo el público, se convierten en grandes eventos sociales, mayor público, más mercado. Muchos artistas realizan un arte con el que buscan sólo agradar al público. Comienza una separación entre artistas que se dejan guiar por la sociedad y los que se mantienen fieles a sí mismos. Aparece la crítica del Arte.

Cronología

El Neoclasicismo se extiende desde 1760-1830 aproximadamente. No es un periodo uniforme, sino que presenta matices y variedades. Tres etapas en su desarrollo:

• 1ª fase. 1760-1780: en este momento los artistas defienden el arte clásico como ideal, paro no hay una vuelta a la antigüedad, sino que se siguen más los modelos clasicistas del XVII (Palladio...). En las artes plásticas no se logra superar el sentimiento hedonista del Rococó. No hay conocimiento de la antigüedad.

• 2ª fase. 1780-1804 (República francesa): Claro contenido ideológico, más centrado en los valores clásicos. Se trata de recuperar las formas y también los valores morales políticos, sociales, éticos de la antigüedad. Se toman ejemplos de la antigüedad que sirvan como modelo para los contemporáneos. Coincide con la idea de Winckelmann. Se busca una sobriedad en las formas y en las emociones, pero tampoco es una copia exacta de los antiguos, imitan la racionalidad y el equilibrio, pero no de una forma exacta. En ocasiones llegan a formas geométricas simples. También se van poniendo las bases de un romanticismo, de forma paralela al florecer del neoclasicismo. Se empieza a recuperar los ideales del gótico sobre todo en Inglaterra. Hay artistas que se fijan en las escenas macabras y bajas pasiones de los héroes de la antigüedad, el mundo de lo nocturno y de las fuerzas incontroladas, donde domina lo irracional, lo subconsciente.

• 3ª fase. Desde el imperio 1804-1830: Algunos lo llaman Neoclasicismo Romántico y otros empírico. En pintura y escultura está muy influenciado por las tendencias románticas, conque convive, sobre todo en los temas, aunque las formas siguen siendo neoclásicas. En arquitectura imitación de los modelos griegos y romanos, ya sin carácter ideológico. Se cree que son formas racionales y prácticas. No se admiten formas clásicas generales, sino modelos completos.

LA ARQUITECTURA

El ideal que persigue la arquitectura es la simplicidad y la racionalidad. Eso lleva a dar más importancia a la sencillez estructural, formas claras, puras, geométricas, formas desornamentadas, sobriedad decorativa. Para ello se fijan en los modelos de la antigüedad clásica, porque consideran que es la que mejor ha cumplido esos ideales, pero no exclusivamente, también lo buscan en la naturaleza y en otros modelos como el mundo egipcio.

Tuvieron bastante importancia las teorías de Winckelmann y Piranesi, y sobre todo las teorías racionalistas y funcionalistas de Laugier, Lodoli, Milizia (arquitectura).

Laugier fue uno de lo teóricos más influyentes, para él el modelo natural de arquitectura es la cabaña primitiva, eso le lleva a defender el uso de la columna exenta y entablamento, frente a las columnas adosadas. Por ello se considera la arquitectura griega la más natural y perfecta, porque es la que mejor ha imitado este modelo de cabaña. También sostiene la racionalidad constructiva del gótico porque también se inspiran en la naturaleza, admira sobre todo su ligereza.

Lodoli piensa que la forma de un edificio tiene que venir dada por la racionalidad de la construcción y por la funcionalidad arquitectónica constructiva; eso le lleva a criticar incluso los órdenes griegos porque no son necesarias las volutas, estrías... para que la columna cumpla su función. Adopta una arquitectura muy simple.

Todas estas teorías llevan a rectificar el uso tradicional que se hacía de los elementos clásicos (ejem. se suprimen los basamentos que se colocaban en el Barroco, las pilastras, los entablamentos rotos).

El Neoclasicismo coincide con el descubrimiento de nuevos materiales y técnicas constructivas. Esta arquitectura, aunque se basa en modelos clásicos, tiene un carácter moderno. La arquitectura tiene diversas fases, pero no es igual en todos los países, donde se ve sobre todo la evolución es en Francia e Inglaterra.

NEOCLASICISMO EN FRANCIA

En Francia las primeras manifestaciones clasicistas son de mediados del siglo XVIII y son una reacción contra el Rococó. Se trata de una arquitectura muy influenciada por la arquitectura clasicista del siglo XVII, aunque se basaba en modelos clásicos. En estos primeros años del siglo XVIII se hacen expediciones arqueológicas y grabados que nos permiten conocer la antigüedad.

Algunos autores dicen que es un Barroco sobrio. Los edificios buscan la pureza geométrica. Dentro de esta fase podemos destacar dos arquitectos:

Ange Jacques Gabriel: Prácticamente ocupa todo el siglo XVIII. Sus obras más importantes son la Plaza de la concordia y la Petit Trianon (pequeño palacete en Versalles).

* Plaza de la Concordia 1753:

Supone una ruptura con las tradicionales plazas cerradas francesas. Tres de sus lados están limitados por muros bajos, fosos que se relacionan con el entorno. En uno de los frentes se construye el Ministerio de las Marinas.

Ministerio de las Marinas: Este edificio arranca con una base almohadillada con arcos, por encima se levanta una columnata adintelada que sigue el modelo del Louvre de Perrant; esta columnata sirve para unir dos frentes tetrástilos donde se colocan los elementos decorativos, siempre bastante sobrios.

La atención no está toda en el centro, sino que construye dos edificios y en el centro abre una calle que conduce a la Iglesia de la Magdalena. El dar importancia al equilibrio es muy propio del Neoclasicismo. Este arquitecto tiene un gusto por los volúmenes puros.

* Le Petit Trianon 1761:

Gusto neoclásico visible en la forma cúbica muy cuidada, aunque tiene elementos del Neoclasicismo del siglo XVII con balaustradas, basa, pero no hay una decoración añadida en los muros.

Estas nuevas tendencias arquitectónicas se consolidan con la arquitectura de Soufflot.

Jacques Germain Soufflot (1713-1780): Es un arquitecto que muestra gran interés por diferentes culturas. Viajó a Roma y podo estudiar a Bernini y la arquitectura de la antigüedad. Estuvo en Paestum. Admira los principios constructivos del Gótico. Su arquitectura es una síntesis de las influencias que recibe.

* Iglesia de Santa Genoveva (1754-1790):

Es su obra más destacada, dedicada a la patrona de París. En 1772, en tiempos de la Revolución, se convierte en un panteón de hombres ilustres.

Pretende unir la ligereza del Gótico, con la magnificencia de la arquitectura griega. La planta es de cruz griega, cuyos brazos están cubiertos por bóvedas parabólicas y una gran cúpula central sobre tambor. Luego se alargó uno de sus brazos, precedida por un pórtico hexástilo. Copia la Iglesia de San Marcos de Venecia y San Francisco de Pericaux (Francia).

En su interior, la parte inferior es muy clásica, con columnas exentas de orden compuesto, con un entablamento recto, adintelado. Columnas muy delgadas, muy espaciadas. A partir del entablamento hay un sistema abovedado. Para contrarrestar los empujes de las bóvedas, colocan una serie de arbotantes ocultos ya que los muros eran muy delgados, con pechinas, que pueden ser de tradición romana o renacentista. Hay detalles clásicos de gran pureza. Las bóvedas parabólicas rebajadas con un perfil parabólico.

Al exterior hay un pórtico muy clásico, especie de pronaos, vinculado a lo romano y dos alas en los laterales. Los muros desornamentados salvo un friso de guirnaldas en la parte superior.

Busca formas cúbicas bastante simples, dónde destaca la cúpula central, que se relaciona con el Barroco del siglo XVII clasicista. El tambor inferior con columnas que sujetan el basamento, sigue el modelo de San Pablo de Wren de Londres, que sigue también el modelo de Bramante.

Aprovecha las innovaciones técnicas que le proporciona la industria.

Jacques Gondoin

* Anfiteatro Anatómico:

Es su obra más destacada. Toma el modelo de un anfiteatro romano, cubierto por una bóveda de horno como en el Panteón. Este modelo influye posteriormente. Volúmenes nítidos yuxtapuestos, dónde se suprime la decoración. Los vanos sin enmarques, ni molduras. No hay un deseo de recuperar los elementos clásicos con un sentido arqueológico. El pórtico clasicista de columnas corintias y los muros articulados con columnas jónicas entre arcos.

SEGUNDA FASE DEL NEOCLASICISMO (1780-1804)

Destacan dos arquitectos, Ledoux y Boulée. Con ellos el ideal de pureza arquitectónica alcanza el momento culminante. Sus proyectos más importantes son entre 1780-1790, antes de la Revolución.

Se suelen calificar como arquitectos utópicos, no sólo buscan una arquitectura perfecta y racional, sino también crear una sociedad y un mundo perfecto y racional. Muchos de sus proyectos no llegaron a realizarse debido a su coste, porque no tienen utilidad o por las dimensiones de las escalas. Son arquitectos revolucionarios, no por sus ideas, aunque se inspiran en la antigüedad no pretenden una recuperación exacta de la arqueología. Se fijan en las formas absolutas de la naturaleza (cubo, cilindro, pirámide, esfera). En esta tendencia austera se consideran antecedentes de los movimientos modernos (bauhaus).

Cloude Nicolas Ledoux (1736-1806)

Comenzó construyendo una serie de palacios donde se ve el clasicismo alejado del historicismo. Donde mejor se ve la pureza geométrica es en las Barriere, construcciones funcionales destinadas al cobro de los impuestos de consumo, construidas en el entorno de París en todas las salidas.

* La Barriere de la Villete (1785):

Construcciones en forma de “T”, cuyos brazos terminan en dos pórticos octástilos y la parte superior es de planta circular. Busca contrastes entre el cubo y el cilindro, este contraste lo busca también en los vanos, juega con los espacios abiertos y cerrados.

En columnas y pilastras utiliza el orden toscano, el capitel es un simple dado. Se huye de la decoración añadida, austeridad total. Formas geométricas muy marcadas, influencias griegas, romanas del Panteón. Quedan pocos de estos edificios.

* Las Salinas de Chaux (1770):

Un lugar de carácter industrial que dependían del poder estatal. Su proyecto es el diseño de la factoría y de una ciudad inspirada en los principios racionalistas, diseñó edificios morales.

En el centro la casa del director y a los lados los edificios para evaporación del agua y las casas de los obreros. Alrededor, en forma circular, se colocan los almacenes; por su forma y gran coste no se llegó a construir, lo que sí se realiza es la casa del director.

Casa del Director: Edificio precedido de un pórtico de seis columnas y el fuste alterna tambores de forma cilíndrica y forma cuadrada, rematada por un frontón con un óculo. Los muros con vanos poseen una luminosidad muy contrastada, inspirada en Piranesi.

En su arquitectura quiso introducir una serie de elementos simbólicos, que se ve en unos proyectos que no llegaron a construirse y los publicó en 1804. Los edificios no sólo debían tener una función, sino una imagen exterior que nos dé a entender la función para la que estaba destinada. Se le llama arquitectura parlante.

* La Tonelería:

* Casa de los guardas del río:

En estos edificios se tiene muy en cuenta la naturaleza con paisaje agradable, bastante humano, con luz natural. Proyecta edificios para todas las clases sociales.

* Pirámide:

Casa para los leñadores.

* La Esfera:

Casa para los guardas forestales.

Boulée ( -1799)

Es el arquitecto más teórico que práctico. En la última parte de su vida se dedicó a reflexionar sobre el arte y a proyectar una arquitectura ideal, tuvo discípulos. Durand sistematiza las ideas de Boulée. Dimensiones inmensas, una arquitectura que sólo se podría construir con los medios actuales. Con formas geométricas puras y toma inspiración de Egipto, Mesopotamia, Grecia. Luces contrastadas. Por la grandiosidad y la luz estaríamos ante la arquitectura de lo sublime.

* Cenotafio para Newton (1784):

Elige la esfera con volúmenes nítidos. En su interior, por medio de pasadizos se llegaría a un volumen inmenso.

* La Biblioteca:

Bóveda de medio cañón con casetones.

* Teatro:

TERCERA FASE. INTERNACIONALIZACIÓN DEL NEOCLÁSICISMO (1804-1830)

En esta última etapa se pierde el rechazo a la copia de la antigüedad y aparecen edificios que copian los antiguos. Es el momento en el que podemos hablar de Neogriego y Neorromano. Inglaterra y Alemania son más importantes que Francia, con la excepción de los años del Imperio.

Se trata de una arquitectura que se reactiva a partir de 1806, son campañas napoleónicas con carácter propagandístico. También utilidad social, para dar empleo. Intenta recuperar la grandeza de Luis XIV. En la época del Imperio hasta 1814, se impone un Neorromano en Francia. Se fija más en Roma por razones simbólicas, porque quiere asimilar su Imperio al de la grandeza de la época romana. Muchos elementos egipcios en la decoración, debido a las campañas romanas en Egipto; utilizan palmetas, obeliscos.

Es una arquitectura de propaganda que se aparta del ideal de pureza anterior, no es tan sobria.

Percier y Fontaine

* Proyecto Urbanístico de calles cercanas a la Plaza Vendôme:

Se encuentra junto al jardín de las Tullerías, la calle Rivoli.

La urbanización es realizada por Percier y Fontaine, los dos arquitectos favoritos de Napoleón. Se dedican a remodelar los palacios del Emperador.

Urbanización de la calle Rivoli: Se inspira en los palacios renacentistas. Las fachadas formadas por un cuerpo inferior de arcadas. Tres pisos y tejados abuhardillados que se llaman mansardas.

* Arco del Carrusel (1806):

Es uno de los primeros arcos de triunfo. Se encuentra en el lugar que da paso al jardín de las tullerías. Modelo romano con tres vanos con columnas sobre plinto. Elementos decorativos, relieves, bicromía. Copia el modelo de un arco de triunfo de la época romana.

Los caballos de la parte superior son de la Iglesia de San Marcos.

Françoise Chalgrin

* Arco de la Estrella:

Es un arco de proporciones inmensas, de 50 metros de alto. Sirvió posteriormente para el centro de perspectiva de un esquema urbanístico radial. Reflejaba el poder imperial.

Arco cuadrifronte, con vanos en los cuatro lados. Ya no utilizan columnas. Son volúmenes geométricos simples, puros, nítidos. Se inspira en una obra del siglo XVII, la puerta que realiza ¿Blonde?. Sobre los machones, relieves románticos, unos de ellos es la libertad guiando al pueblo de Rodin.

Este arco se acabó en 1845, es continuado por gobiernos posteriores. Al final se añade un ático.

Gondoin

* Columna de la Plaza Vendôme o Columna de la Grand Armé (1806-1808):

El monumento de Luis XV, es sustituido por esta columna. Sigue el modelo de la Columna Trajana, con relieves históricos. Realizada en bronce con las armas tomadas a los enemigos. Relieve helicoidal dónde se narran las victorias napoleónicas. Realizada imitando a los antiguos.

Alexandre Vignon

* Iglesia de la Magdalena (1806-1840):

El proyecto se prolonga hasta el reinado de Luis Felipe de Orleans. Es la iglesia más importante. Se trata de un templo octástilo y períptero, de orden corintio, con una gran escalinata.

El interior sigue un modelo bizantino, dividido en varios tramos de columnas exentas, apoyadas en machones. Con bóvedas con óculo central con casetones. La magnificencia es romana. Destinado por Napoleón para guardar sus banderas y trofeos de campañas. Copia un modelo romano.

Utilización de hierro fundido y vidrio.

A partir de 1814, el Neoclasicismo pierde el ideal que tenía, aunque se sigue utilizando por moda o por razones utilitarias.

Durand

Ingeniero de la escuela de arquitectos de París. Discípulo de Boulée. Decía que la mejor arquitectura es la que tiene menor costo y se atiene a la función. Por razones económicas racionaliza y simplifica los órdenes clásicos. Introduce la estandarización, con un modelo que se repite.

En sus escritos toma modelos griegos y romanos, además de otros modelos de otras épocas, por lo que introduce el historicismo. Influyó en los neoclásicos alemanes. Puede servir de enlace entre la arquitectura de los utópicos y las arquitecturas racionalistas. Se da más importancia a lo ornamental, sobre todo el estilo griego. En el segundo cuarto de siglo ya no domina tanto y se introduce el Neorrenacimiento, destacando Hittorf.

* San Vicente de Paul (1824- ):

Tomando como modelo la planta de una basílica paleocristiana y al exterior un templo clásico. Introduce el color en la arquitectura, porque es el momento en el que descubren que los templos clásicos estaban policromados.

INGLATERRA

Es el único país dónde se da una evolución similar en importancia a la que se da en la arquitectura francesa. Importancia del gusto pintoresco, que estaría en el renacer del gótico.

Importancia de la arquitectura privada, que a veces está a la altura de la arquitectura pública. Se da una vuelta a la antigüedad en el siglo XVIII, con un neopaladianismo, que insiste más en la simplicidad de la arquitectura, que en un renacimiento de carácter arqueológico. No se pretende copiar con exactitud la antigüedad, a pesar de que la mayoría de los arqueólogos son ingleses. Son los primeros en hacer un templo Neogriego. Si se fijan en una arquitectura antigua, lo hacen en la romana y no en la griega.

• PRIMERA FASE (1760-1780)

Robert Adams

Estudió en Francia e Italia, en este segundo país se entusiasmó por la antigüedad y por su amigo Piranesi, por eso le atrae el estilo imperial romano. La arquitectura romana la traslada a la arquitectura privada. Busca en el estilo romano la elaboración de uno propio.

En los interiores realiza grandes obras decorativas. Estilo refinado, elegante, de acuerdo con las exigencias de los señores burgueses, algunos lo califican de Neoclásico Rococó.

* Syon House (1763):

El vestíbulo con un cierre en bóveda de horno. Utiliza una contraposición de formas geométricas diferentes para dar movimiento a la planta. Utiliza un entablamento roto, orden dórico romano. Decorado con esculturas antiguas, ventanas flaqueadas con pilastras. Monocromía, domina el blanco.

La Sala está dominada por la policromía, con gran importancia de los elementos ornamentales, utiliza mármoles jaspeados, panelados con relieves. Los muros organizados con el esquema de arco romano, entablamento roto. Estilo muy refinado. Los abovedamientos con estucos, apanelamientos. Columnas de mármol jaspeado. Utiliza mucho la bóveda de horno con casetones.

• SEGUNDA FASE (1780-1800)

En los años 80 se introduce un Neoclasicismo más sobrio, que ya se encuentra establecido hacia 1800. Este Neoclasicismo está vinculado al gusto Pintoresco. Lo que hace que las obras sean eclécticas. Esto se ve en un arquitecto llamado John Soane, que es el más importante.

John Soane

Su actividad se prolonga hasta la siguiente fase 1810-1830. Muy influenciado por las teorías de Laugier. Pretende una arquitectura racional, pero sus construcciones en algunos aspectos son también eclécticas.

* Banco de Inglaterra:

Es su obra más importante, trabajó desde 1788 hasta su muerte en 1837.

Se trata de la remodelación de una construcción anterior y se utilizan estilo diferentes, de tal manera que el conjunto carece de uniformidad, pero es buscada por lo que se consigue el efecto pintoresco.

En la planta, en la zona más antigua Soane desarrolla su estilo, corresponde a 1790. Las dependencias se organizan simétricamente en torno a una gran rotonda. Se tiende a la grandiosidad con formas simples y absolutas.

Gran espacio circular dónde se prescinde de columnas, frontones, entablamentos, hay una reinterpretación de lo clásico. Gran cilindro cubierto por una cúpula de hierro fundido, con elementos cerámicos ligeros (como en Ravena). Utiliza el cristal en la linterna.

Gran importancia de la luz, que es bastante contrastada y tiende a crear efectos sobrecogedores.

Las oficinas están a los lados de la gran forma circular. Son simétricas, con un núcleo central que se expande en brazos a modo de las basílicas de Majencio, los baños romanos. Se cubre con una cúpula de hierro fundido y cristal. Bóvedas de cañón en los brazos. Ausencia de columnas, pilastras sencillas, algunos motivos incisos.

Muchas veces utiliza bóvedas y cúpulas segmentadas o rebajadas.

El exterior es bastante sobrio, dónde los elementos ornamentales son columnas, pequeños edículos y lo más llamativo es una fachada que imita el modelo del templo de Vesta en Tivoli, con un entablamento con un friso de guirnaldas.

En el vestíbulo utiliza un estilo Neogriego muy puro, con un gran éntasis en las columnas. Son columnas de orden dórico, sin basa.

En este edificio se tienen en cuenta las necesidades funcionales y se utilizan los avances tecnológicos.

John Nash

Contemporáneo de Soane. Es el máximo representante de lo pintoresco. Su arquitectura es más ecléctica. La actividad más importante a partir de 1810-1830, etapa anterior al Imperio.

Gozó de la confianza del rey Jorge IV y su proyecto más importante es la realización de un proyecto urbanístico, es Regent`s Park y Regent Street.

* Proyecto urbanístico Regent`s Park y Regent Street:

Este proyecto urbanístico es un hecho excepcional en Inglaterra. Consigue transformar el Neoclásico en Pintoresco.

Dividido en dos partes, un parque con un coto de caza, rodeado de una serie de edificios formando un semicírculo; sistema ya utilizado en la ciudad de Bath. Nash toma este sistema y le da mayor originalidad y extensión.

Cada edificio aisladamente es armónico y equilibrado, pero en conjunto no hay una armonía, hay una gran variedad en proporciones, órdenes, formas. Crea un efecto pintoresco, con lenguaje Neoclásico. Los edificios son villas, casa unifamiliares, también el proyecto de un palacio y una iglesia.

La segunda parte del proyecto era una calle construida para unir Regent`s Park con el Palacio de Buckimham. Esto supone un intento de embellecer la ciudad, por parte del monarca inglés y también un intento de emular las campañas de Napoleón en París. A la vez este eje crearía una segregación social, obreros al este y acomodados a oeste. También grandes parques se abrirán al público. La calle resulta con un trazado irregular, con curvas y pequeñas plazas, esto fue debido a motivos económicos, ya que había que destruir varios edificios para hacer una línea recta. Pero Nash supo sacar partido con grandes perspectivas, con edificios sin uniformidad de conjunto, utiliza órdenes clásicos con columnas exentas, algo típicamente Neoclásico.

La terraza del Parque, de orden dórico, bastante robusto, arriba orden corintio y al lado coloca un edificio típicamente Neoclásico. La construcción de todos estos edificios es un proyecto financiado privadamente, que sólo se mantuvo hasta la muerte de Jorge IV.

* Casas:

En otros edificios Nash practica la diversidad de estilo. Realiza casas con estructura compacta y un esquema asimétrico. Incorpora elementos típicos del renacimiento, como es la logia. Torre cuadrada frente a torre circular.

* Pabellón Real de Brighton (1815):

Utiliza lenguajes historicistas, elementos exóticos tomados de los estilos orientales, minaretes, cúpulas bulbosas. Silueta muy variada. La planta es perfectamente racional y simétrica.

Es la primera vez que se utilizan las estructuras de hierro fundido a la vista como un elemento estético. Columnas muy ligeras en hiero, paños de sebka.

• TERCERA FASE (1820-1830)

En la década de 1820-30 hay un triunfo del estilo Neogriego en Inglaterra. Este lo veremos en los edificios públicos, es un Neogriego, que copia casi literalmente los datos de los descubrimientos arqueológicos. Se prefiere al Neorromano.

Como representantes están William Wilkins, que publicó un libro con dibujos de la Magna Grecia. Muchas veces copian al pie de la letra los edificios.

William Wilkins

* National Gallery de Londres (1824):

Se amplía con posterioridad. Fachada alargada, sencilla, donde destaca el pórtico central. Introduce una cúpula sobre un tambor (modelo bizantino). El pórtico con columnas de orden corintio, que son reutilizadas de otros edificios.

Robert Smirke

* Museo Británico:

Fue el mayor representante del Neogriego. Utiliza un orden jónico tomado del erecteion. La fachada con unas alas en forma de “U” (esquema del altar de Zeus en Pérgamo). Importancia de la columna como un elemento reiterativo. En su interior destaca la sala de lectura, con una gran rotonda, donde se utiliza el hierro fundido y el cristal para la cúpula, que es de grandes dimensiones.

A partir de los años 1840 se encuentra el Neogriego, con la competencia de otros estilos, como el Neorrenacimiento y el Neogótico. En la ciudad de Edimburgo se sigue utilizando el Neogriego, pero se racionaliza.

ALEMANIA

En este país la tendencia Neoclásica se desarrolla entre 1790-1830. Esta tendencia guarda relación con Francia e Inglaterra; en Alemania alcanza un matiz patriótico, nacional, porque piensan que es el estilo que mejor se acomoda. Existen dos focos:

• Estados del Norte: Prusia, con capital en Berlín.

• Estados del Sur: Babiera con capital en Munich.

• ESTADOS DEL NORTE: PRUSIA (BERLÍN)

Langhans

* Puerta de Brandemburgo (Berlín 1789-93):

Es la primera puerta conmemorativa que se realiza. Es el primer edificio de carácter monumental, público, dónde se emplea el Neogriego (siguiendo al pie de la letra lo griego). Puerta inspirada en los Propíleos, con un pórtico dórico, hexástilo flanqueado por dos pórticos de dimensiones menores.

En el ático coloca una cuadrilla.

A este arquitecto le sucede una generación más joven, que enlaza con los arquitectos utópicos, pero son proyectos que se llegan a realizar, por motivos económicos y por su muerte temprana.

La arquitectura más importante de Prusia se desarrolla a partir de 1810. Son arquitectos muy influenciados por las teorías de Durand y buscan la claridad estructural, sobriedad, racionalidad de los arquitectos anteriores; no tanto por motivos ideológicos, sino por funcionales económicos. El arquitecto más importante es Karl Friedrich Von Schikel.

Schinkel

Contó con el apoyo de la casa real de Prusia. Gran conocedor de otros países. Viajó hasta Italia, también conoce el Neoclasicismo francés y además la tradición pintoresca inglesa. Además es un hombre de gran capacidad creativa, fue decorador de teatro, urbanista, administrador y también pintor. Su pintura se puede incluir en lo romántico, es una pintura de paisaje, que influye en su arquitectura porque le da sensibilidad a la hora de encuadrar el edificio en un entorno.

Una vez recuperada la economía de Prusia comienza la actividad constructiva. Posee dos etapas constructivas:

1ª. Edificios neogriegos.

2ª. Se muestra como un ecléctico, según el tipo de edificio utiliza un estilo, realiza todo tipo de edificios.

- Primera fase:

Son edificios de carácter público.

* La Guardia Nueva (1816):

El pórtico central, inspirado en los Propíleos. En el entablamento cambia la colocación de los triglifos. Pórtico adosado a un cuerpo cúbico, geométrico muy racional. El muro con ausencia de decoración.

* El Teatro Real de Berlín:

Es la obra que le dará fama internacional. Cuerpo central más elevado, precedido de un cuerpo jónico de columnas a la manera romana. Es un complejo funcional.

Reduce los elementos clásicos a la abstracción, los pilares y dinteles sustituyen a las columnas. Queda un modo de retícula abstracta.

* Museo Antiguo de Berlín (1824):

Obra maestra por la distribución y proporcionalidad de los elementos utilizados. Toma como modelo una “stoa” griega. Columnas gigantes sobre un podium, que ocultan las dos plantas del interior del edificio. En los ángulos no coloca columnas, sino que utiliza antas (pilastras adosadas al muro).

Queda distribuido como un pórtico adosado al edificio. En el centro coloca un pequeño ático con esculturas que le permite ocultar la cúpula interior. Dominio de la horizontalidad, armonía, serenidad, que quería relacionarla con la amplia plaza que se abre.

Interior distribuido de acuerdo con un eje axial y en torno a una gran rotonda, que distribuye el edificio. En el centro una gran rotonda circular, cubierta por una cúpula con casetones. Sistema adintelado. El muro ausente de decoración con los vanos sin molduras. Este lugar es el que está dedicado para colocar la escultura.

• Segunda Fase:

Suele construir casa privadas o iglesias. De esta fase destacan las obras construidas en Potsdam. Construye obras para la casa real prusiana.

* Casa del jardinero de Potsdam:

Sigue el modelo pintoresco. Esquema de una villa italiana, completamente asimétrica, con volúmenes bastante nítidos y claros.

Leo von Klenze

Es prusiano, pero trabaja en la zona de Babiera. Trabaja para Luis I de Babiera, que quería hacer de Munich la capital del arte. Se forma en París con Durand y Pertier, conoce bien la arquitectura del Imperio. Ha estado en Italia y conoce lo romano. Conoce también la tradición del Neoclasicismo pintoresco inglés.

El lenguaje de sus obras es historicismo, aunque todas están inspiradas en formas clásicas, nunca utiliza un Neogótico. Se considera el iniciador del Neorrenacimiento, entre sus obras habría que destacar:

* La Gliptoteca de Munich (1816-1830):

Es el museo de escultura antigua. Tendencia a la horizontalidad. Pórtico jónico para vitalizar el centro del edificio. En los laterales coloca una serie de edículos (hornacinas semicirculares, flanqueadas por columnas y rematadas por un frontón) que animan la fachada.

Utiliza luz cenital. El interior se distribuye con galerías en torno a un patio donde sigue los modelos de Durand. Galerías cubiertas por cúpulas sobre pechinas rebajadas con mucha decoración.

Se encuentra en una gran plaza, de frente se construye la pinacoteca, en los lados menores erige unos Propíleos para acceder a la plaza.

* Los Propíleos de Munich (1840):

Pórtico flanqueado por dos bloques en forma de torre, muy cúbicos y geométricos. Pórtico hexástilo con el intercolumnio central más ancho. Utiliza elementos decorativos de palmetas egipcias y las dos torres recuerdan a los pilonos. Es un edificio que introduce otros elementos historicistas.

* El Walhalla de Ratisbona (1830-1840):

Templo en honor a los héroes germanos. Copia el modelo del Partenón griego, tanto en las formas como en el emplazamiento geográfico, una terraza muy cúbica. Vemos ya un sentimiento romántico.

ESTADOS UNIDOS

Gran aceptación del clasicismo por motivos políticos e ideológicos. Piensan que es el estilo que mejor representa los ideales republicanos. Después de la independencia necesitan una serie de edificios que tengan un lenguaje representativo.

En la arquitectura privada las construcciones son de madera. El introductor de esta arquitectura fue Jefferson, que era presidente y arquitecto. Vivió a finales del siglo XVIII. Conoce la arquitectura racional, pero se da cuenta de que no se puede adaptar a Estados Unidos y por eso utiliza un Neopaladianismo y otras veces copia un templo romano.

* Parlamento de Virginia:

Copia la Maison Carre romana. Lo único que cambia es el orden, él utiliza un orden jónico.

* Casa Blanca:

Utiliza el Neopaladianismo.

* El Capitolio:

Inspirado en el modelo inglés.

Destacaron mucho los planes urbanísticos, con esquemas racionales muy regulares. Calles que se cortan en ángulo recto, pero le dan una escala descomunal.

En Washington hay un intento de construir un esquema de estrella, pero por sus grandes dimensiones se pierde el punto focal.

En Nueva York, en la isla de Manhatan con doce avenidas de manera longitudinal. Esta retícula la rompe una calle irregular, debido a intereses económicos.

ESCULTURA NEOCLÁSICA

La escultura es una de las manifestaciones que tuvo mayor prestigio. Más condicionada que la pintura por los modelos antiguos, hay ejemplares antiguos que se consideran modelos a imitar. Centro cultural en Roma, donde existían muchos ejemplares que se incrementan con los hallazgos arqueológicos. Todos los escultores neoclásicos pasaron por allí, a pesar de que la mayoría no eran italianos.

Influencia de la escultura clásica y también de las teorías de Winckelmann basadas en ejemplos escultóricos. Propone la vuelta al ideal de equilibrio y serenidad clásica. Todo ello influye en una nueva concepción de la escultura. Imitar la naturaleza o al arte clásico, seleccionando las parte más perfectas para llegar al ideal, forma que no existe en los individuos particulares. Creen que esa selección es lo que habían hecho los antiguos. Pretenden imitar, no es una simple copia. Esa búsqueda de la forma ideal que va a ser universal y atemporal se lleva a cabo a través del cuerpo humano cuyas representaciones se basan en la realidad, pero que no son realistas ya que eliminan todo lo que supone un rasgo de fealdad, lo idealizan. Las prefieren desnudas porque es mejor para representar la atemporalidad. Si se visten se prefieren las túnicas clásicas, para conseguir atemporalidad y los contornos puros a los que aspira la escultura neoclásica.

Eliminan los rasgos individuales, los movimientos dramáticos, tanto interior como exterior, eliminando todo lo que suponga un exceso. Posturas comedidas. Rostros que no reflejan la psicología interior. Buscan contornos puros, formas cerradas frente a las sinuosidades del barroco. Buscan equilibrio y sobriedad, valorando sobre todo el volumen, que es propio de la escultura, frente a lo pictórico que se busca en el Barroco. Por ello esta escultura tiene carácter monumental.

Suelen realizarse en piedra, sobre todo en mármol blanco sin policromar, como creían que eran las antiguas, también en bronce. Se abandona la madera y la policromía. Persiguen una obra bien hecha en cuanto a técnica. Depende de los grandes mecenas del barroco, iglesia y nobleza; pero las esculturas adquieren cierta autonomía gracias a la escayola, que les permite realizar modelos que se exponen en el salón y si se aceptan se pasan a mármol o bronce.

Separación entre la concepción y el trabajo manual de pasar el modelo a otro material, con lo que gana prestigio el escultor. A través de este modelo se puede reproducir gran número de veces, en diferentes tamaños y materiales, con lo que pueden llegar a todo el mundo, búsqueda didáctica a través del arte. Este tipo de reproducción es una de las más importantes fuentes de ingreso de los escultores.

Temas.

Más limitados que en pintura. También se ve más libre de las ideas literarias, que se ven en la pintura y se pueden dedicar más a conseguir esas formas ideales que a veces se convierten en formas demasiado frías.

A veces están vinculadas a edificios conmemorativos (arcos, columnas...). Escultura monumental que se concibe con independencia del edificio. Suelen ser bajorrelieves sin profundidad espacial.

También escultura de tipo ecuestre, enclavada en ambientes urbanos, procede del barroco.

Monumentos funerarios, algunos siguen el esquema piramidal desarrollado por Bernini, pero se introduce una nueva concepción de la muerte y de la inmortalidad terrena, por eso el acento se pone en los supervivientes que lloran y a través de cuyo recuerdo pervive el personaje. Se buscan alegorías que sean claras y sencillas, muchas veces se prescinde de alegorías cristianas, que se reducen al mínimo. Esas alegorías se distribuyen en grupos perfectamente separados para que no haya ninguna confusión.

El retrato puede ser de busto o de cuerpo entero. Puede ser idealizado, con rasgos que distinguen al personaje, pero buscando la perfección, a veces recurriendo a figuras antiguas. En otros se tiende más a acentuar el realismo, aunque no son excesivamente realistas. Los protagonistas son sólo monarcas o las clases dirigentes, sino que aparecen personajes del mundo de la filosofía, literatura, ciencia..., que se presentan como modelos a imitar, con finalidad didáctica, siguiendo el ejemplo de escultura romana. Tuvieron importancia en Francia (hombre ilustres) y también arraiga en Inglaterra.

El tema mitológico, tomado de los autores antiguos les permite representar la figura humana desnuda, generalmente figuras exentas e individuales, si hay grupos sólo son dos o tres personajes.

El tema religioso prácticamente ha desaparecido. Hay ejemplos que los que se elimina el matiz sentimental.

Aunque existen pautas comunes, no podemos señalar una total uniformidad. Hay dos tendencias:

Tendencia clasicista.

Antonio Canova

Gozó de un gran prestigio, influyendo en escultores franceses y españoles. Se considera que llevó a cabo una revolución en la escultura y que fue el que mejor recreó los modelos antiguos. Era veneciano y se formó en el barroco veneciano. Su abuelo era cantero, él tiene gran maestría en el trabajo de la piedra. Sus primeras obras están dentro de la tradición barroca.

* Dédalo e Icaro:

Tema antiguo, persiste un tratamiento pictórico propio del barroco, sobre todo en la figura de Dédalo y en las formas abiertas y direcciones. Ya ha prescindido de la tensión y el dramatismo barroco. Introduce bastante idealización en Icaro.

Esta obra le hace ganar un premio que le permite viajar a Roma en 1779, allí entra en contacto con Winckelmann. Se propone la consecución de ese ideal antiguo. Pretende realizar lo que llama clásicos modernos, que tengan el mismo valor que las esculturas antiguas. En su búsqueda de la belleza ideal prescinde de lo particular, lo que determina su forma de trabajar. Realiza bocetos que tienen una gran fuerza expresiva, luego se queda con aquello que considera más ideal, haciendo obras a veces demasiado frías.

* Teseo y el Minotauro (1782):

Tema tomado de la Metamorfosis de Ovidio, en vez de elegir el momento de la lucha, elige un momento de calma posterior a la lucha. Teseo victorioso sentado sobre el monstruo. Cuerpo de Teseo bastante idealizado que tiende a la geometrización y abstracción. Rostro hermético que manifiesta el estudio de Canova de la escultura antigua, está como reflexionando pero sin manifestación psicológica, sin rasgos individuales. Esta serenidad también contribuye a acentuar la atemporalidad. Contrapone el ideal clásico de la figura con el barroquismo del monstruo que aparece derrotado. También puede representar la victoria del bien sobre el mal. Búsqueda de varios puntos de vista. Hace que se rodee la escultura para poder captar los distintos aspectos, como las hebras de Ariadna que están enrolladas en el cuerpo del monstruo. Busca la simplicidad de la antigüedad reinterpretándola, no copiando.

A veces sus esculturas no están a la altura de las ideas didácticas o moralizantes que quiere imponer. Elegancia y suavidad que recuerdan a Praxiteles y que contribuye a que el gusto neoclásico no rompa con la sensualidad del Rococó. Sobre todo en figuras femeninas.

* Venus Itálica (1804-1812):

Proporción, postura, peinado. Venus en el momento de salir del baño, es sorprendida por un intruso y ella se cubre. Sensualidad acentuada por los paños mojados. Recuerda a obras clásicas como la Venus capitolina. De frente parece estática, pero si la rodeamos vemos que desarrolla un movimiento hacia delante, lo que le diferencia del escultor neoclásico Thorvaldsen.

* Hércules y Lica:

Hizo un vaciado en escayola, más tarde se talló en mármol, de tamaño mayor al natural. Trata de un tema que ya habían tratado autores como Ovidio. Se pone la túnica envenenada de Neso y trata de matar a Lica, que es el que se la ha llevado. Tensión psicológica y física, algunos la catalogan de sublime porque ya se ha desbordado el equilibrio clásico, violencia desbordada que provoca terror en Lica. Musculatura mucho más acentuada, influencia de Miguel Angel y del Laoconte. Miguel Angel también influye en el gesto horrorizado de terribilita de Lica.

Escultura de forma cerrada, enlazando en un gran semicírculo todas las partes de la escultura. También aquí busca la multifacialidad para captar toda la acción. Rodeando se ve como Lica agarra se agarra al pedestal.

Monumentos sepulcrales y retratos: Para las distintas cortes europeas. Recibió el encargo de varias tumbas papales.

* Monumento sepulcral de Clemente XIII (1787-92):

Conserva el esquema piramidal de los monumentos funerarios de Bernini. Tiende a simplificarlos imponiendo una mayor claridad. Prescinde de mármoles de colores y combinación de materiales. Hace todo en mármol blanco sin policromar.

Arriba Clemente XIII de rodillas en actitud humilde, también rompe con lo típico del Barroco de representar a las virtudes en gran tamaño, aquí relieves en el pedestal. A la izquierda personificación de la religión como matrona con túnica clásica (atemporal), a la derecha el genio de la muerte, joven alado con una antorcha invertida (típico neoclásico, sustituye al esqueleto típico anterior), joven de belleza helenística. Prescinde de todo gesto dramático. Tristeza contenida. En la puerta un vacío que alude a un fin incierto. Ha prescindido casi de los símbolos cristianos. Equilibrio perfecto de los grupos.

* Monumento sepulcral a la Archiduquesa María Cristina de Austria (1805):

Iglesia de los Agustinos de Viena. Rompe con el esquema barroco de Bernini. Como fondo coloca una pirámide en altorrelieve (en Egipto eran monumentos sepulcrales), usa la proporción de la pirámide de Caio Cestio en Roma. Recuerda las formas geométricas puras, sirve de telón ante el que dispone una serie de figuras. Estas desarrollan un movimiento horizontal que contrarresta con la verticalidad de la pirámide. Grupos perfectamente separados buscando claridad.

Una figura femenina se dispone a entrar en la pirámide, es de mayor tamaño, con una urna de cenizas en las manos, sería la virtud o la verdad. Ve seguida de obras figuras que representan la beneficencia. Algunos creen que es un cortejo fúnebre de la antigüedad romana que acompañan las cenizas que representan la eternidad en el recuerdo. También se ha interpretado como las tres edades del hombre; un joven, un viejo y un niño.

A la derecha el ángel del duelo, joven alado sobre un león que hace referencia a la casa de Austria (también aparece el escudo). En la pirámide un medallón con el retrato de María Cristina, rodeado de una serpiente que se muerde la cola y alude a la inmortalidad, sujeto por la felicidad.

Dolor, pero no dramatismo, bastante teatral. Trata de dar un carácter atemporal: calma, túnicas... . Es como una reflexión sobre la muerte, que afecta a toda la humanidad. El grupo avanza ajeno al espectador.

Fue el escultor favorito de Napoleón. Realizó retratos idealizados.

* Napoleón heroizado:

Le da una naturaleza sobrehumana (característico de lo sublime). Rostro con rasgos que identifican al personaje, pero cuerpo idealizado.

* Retrato de Paolina Bonaparte o Borghese (1808):

Representada como la Venus triunfadora en el juicio de París, por lo que lleva la manzana. Aparece recostada en un diván, recordando a los sarcófagos etruscos y también a las Venus renacentistas de Tiziano.

Ajena al espectador, pero consciente de su presencia y segura de su capacidad de asombrar. Sensualidad y erotismo. Mármol de superficie tersa. También invita a rodear la escultura.

Canova ejerció influencia en escultores españoles como Alvarez Cubero o Campeni. Después de su muerte, su arte sufre un cierto eclipse, porque se busca un estilo más puro y más sobrio. En la época posterior a Napoleón la escultura neoclásica está dominada por Thorvaldsen.

Thorvaldsen ( -1838)

Es danés, pero hizo toda su obra en Roma. Él considera que el ideal clásico es el ideal griego y en concreto el de los siglos V-IV (Fidias, Praxiteles; para Canova era el romano y helenístico). Estilo mucho más academicista que Canova.

* Giasone:

Se fija en un modelo clásico de la época griega clásica, el Doríforo de Policleto. Esta obra le abre las puertas de numerosos encargos.

También influye el encargo que se le hizo de restaurar la escultura del templo de Afaia en Egina, que era de época arcaica, le influye en la búsqueda de líneas puras.

* Ganímedes y Zeus:

Tema clásico en que utiliza algunos recursos estilísticos semejantes a Canova. Gestos contenidos, superficies pulidas, pero acepta mucho más las actitudes estáticas, inmovilidad. La anatomía con un tratamiento simplificado (influencia de la arquitectura arcaica).

Disposición muy frontal con un punto prioritario. También trata de evitar la sensualidad, su obra es más sobria, fría, distante, más académico e imitativo.

En algunas de sus obras se contagia del romanticismo y no son tan frías.

* Retrato de Lord Byron (1831):

Encargada por la sociedad inglesa, le pidieron que se le representara sentado, porque así se disimulaba un defecto en una pierna. Se encuentra encima de unas ruinas clásicas; carácter simbólico, ya que murió en Grecia defendiendo los derechos de los griegos. En esta obra se aparta de lo neoclásico, la vestidura es contemporánea y la postura similar a Teseo y el Minotauro de Canova y al Ares Ludovisi. No dejaron exhibir la obra en ningún sitio público.

* León de Lucerna:

Sentimiento emotivo. Es un monumento que le encarga el alcalde de Lucerna, en honor a los guardas suizos que murieron defendiendo a Luis XVI. La obra trajo controversia.

Ambientación en un paraje salvaje, es una ambientación romántica. El león está inspirado en las tumbas de Canova.

* Apostolado:

Catedral protestante de Copenhague. Cristo en el centro con los brazos abiertos, escultura bastante fría. Los apóstoles en los muros.

Flaxman

Es inglés. La escultura antigua gozó de gran prestigio en Inglaterra. En el desarrollo del Neoclasicismo influyó la creación de la Academia Real, grandes mecenas y la gran cantidad de monumentos conmemorativos que se erigen para los muertos en las guerras napoleónicas y también los monumentos de hombre ilustres. No hay escultores de gran talla.

Flaxman es el escultor que más influyó en su época, no tanto por su escultura sino por dibujos y grabados. Se formó con un escultor llamado Bakas, que introduce el clasicismo en Inglaterra. Se dedicó a realizar diseños para una fábrica de cerámica muy importante de Londres, se trata de bajorelieves en plano, de color blanco, sobre un fondo azul. Inspirado en la pintura de vasos griegos. Utiliza temas clásicos. Se suelen disponer en frisos sin profundidad espacial. Algunos siguen el estilo sobrio del clasicismo con quietud y serenidad. En otras obras sigue la tendencia Rococó, con una composición más movida, con más gracia.

A finales de los años 80 fue a Roma y allí conoció a Canova y la escultura antigua. Allí realiza esculturas de tema clásico, intentando realizar clásicos modernos. Lo más importante son unos dibujos para la Iliada, Odisea, Homero, Dante, Esquilo. Son dibujos de contorno, dónde sólo se marca la silueta de las figuras y se prescinde de anécdotas y recargamiento, busca la atemporalidad. Algunos de los dibujos son muy sobrios y en otros dominan las líneas sinuosas, gran ligereza en el trazo, con formas rítmicas que ponen en relación estas obras con las de Blake; comparte con él su admiración por el arte clásico y por el gótico. Para ellos la vuelta a la antigüedad es la búsqueda de la pureza.

Los dibujos sinuosos fueron muy admirados por los románticos. Este escultor ha sido calificado como un clásico romántico por algunos autores, resalta el valor de la experiencia religiosa y del sentimiento en la escultura, en esto coincide con Blake. La influencia de lo religioso frente a lo neoclásico lo vemos en un monumento sepulcral.

* Monumento funerario de Agnes Cromwell:

De las primeras décadas del siglo XIX. Es un bajorrelieve con modelado muy sutil, con un fondo neutro, plano, que refleja el terreno atemporal de la muerte. No rehuye la advocación religiosa. Referencia a la bienaventuranza eterna de la difunta, que es llevada por ángeles, sería el alma de la muerte. Se acentúa lo espiritual con el ritmo fluido ascendente.

* Monumento funerario de Nelson:

Toma otra vez el sentido neoclásico. Retoma el esquema de Canova. La vestimenta contemporánea, con sus atributos que son un ancla y una maroma. Quietud, sentimiento de imperturbabilidad.

En el pedestal hay una referencia a las campañas de Nelson en el río Nilo. A un lado el León de Britania y al otro la Madre Patria como matrona. Hay inscripciones sobre las batallas de este personaje.

Es de las primeras décadas del siglo XIX, posterior al de Agnes Cromwell.

Hay otros escultores con una tendencia más naturalista que trabajan entre el Rococó y el Neoclásico pleno.

Houdon

Hay que destacar a Houdon (escultor francés). La mayor parte de sus obras son anteriores a 1780. Se formó con Pigale (escultor que valora lo clásico, pero no logra liberarse de las formas barrocas). Houdon tiende de manera más decidida al clasicismo, sin prescindir de esa tendencia a la realidad. En sus retratos hay una síntesis de clasicismo y naturalismo. También tiene temas mitológicos, más que la influencia de la escultura antigua, está influenciado por la escuela de Fointaineblau (clasicismo francés).

* Diana cazadora:

Con una postura manierista. Se consideró escandalosa por el desnudo, que en pleno Neoclasicismo consideraron demasiado naturalista.

Donde más destaca es en los retratos, con los que busca cierta idealización. En ellos capta muy bien la fisonomía del personaje.

* Retrato de Diderot:

Ha prescindido de cualquier añadido, busto corto a la manera romana, ejemplo a imitar por los hombres del XVIII. Exalta al personaje y capta la fisonomía, la expresión característica de la figura, gesto escéptico, atemporal.

Retrato de Diderot, de Pigale: más amable, con ropas contemporáneas. Tratamiento más pictórico.

* Retrato de Voltaire:

Terracota. Filósofo sedente con una cinta en la cabeza, como los héroes antiguos que le identifica, toga clásica que acentúa el carácter plástico de la escultura, para cerrar la masa e imprimirle atemporalidad. Expresión que capta la fisonomía peculiar del personaje, sonrisa burlona, mirada irónica. Nunca un realismo excesivo. (Pigale lo representa desnudo, parece una crítica o burla del personaje). Sin atemporalidad, prescinde de gestos teatrales o posturas grandilocuentes.

* Busto de Votaire:

Cinta, toga, expresión realista, no renuncia a las características típicas del personaje.

También realiza obras en las que se vincula a la corriente de irracionalidad.

* La Friolenta o el invierno:

Figura desnuda que se trata de tapar.

Sergel

Artista sueco que se inclina más hacia esa tendencia naturalista. A finales de los 60 fue a Roma, estuvo allí doce años, estudió la escultura antigua y a Miguel Angel y los manieristas. Fue muy amigo de Fuseli, pintor afincado en Inglaterra. En Roma hizo esculturas con temas variados, la mayoría se quedaron en yesos. Plasma la influencia griega más que la romana. Se une lo clásico con la tendencia realista del barroco.

* Fauno en reposo:

Inspirada en el fauno Barberini (helenística), desnudo idealizado, dominio de valores plásticos, tensión dinámica. La vincula con el Barroco, tendencia a formas abiertas. En Suecia renueva la influencia barroca, impuesto en parte por la corte.

Shadow

También manifiesta esa tendencia realista, pero menos influenciada por el Barroco. Trabaja a partir de 1785, época de pleno Neoclasicismo. Estuvo dos años en Roma, fue amigo de Canova, entró en contacto con escultores de la Academia Francesa. Estudió escultura antigua. A su vuelta se convirtió en director de todos, las esculturas realizadas en Prusia.

* Sepulcro del Conde de la Marca (1790):

Impera la sencillez y la claridad en la composición. Parte inferior con el Conde niño semidesnudo, cubierto por sábanas y con los atributos guerreros, como descansando, sin sentido dramático (típico neoclásico). En el frente del sarcófago hay un relieve; niño con vestiduras clásicas que es arrastrado por Saturno, mientras él quiere ir con Atenea.

En la parte superior tres parcas tejen el hilo de la vida (alusión a la antigüedad) y una de ellas ha roto ese hilo, con lo que alude a la muerte. Composición simétrica, paños mojados, prescinde de toda simbología cristiana y del patetismo. Mármol blanco.

* Retrato de las Princesas Luisa y Federica:

Vestidas con túnicas clásicas y al mismo tiempo responden a la moda de vestidos de talle imperio de su época. Paños mojados. Parecido que logra captar en ellas espontaneidad, estabilidad, pero no rigidez, gesto y expresión más naturales. Influencia del grupo de San Ildefonso (escultura antigua).

En otras obras prescindió de la atemporalidad.

* Retrato de Federico el Grande:

Menos clasicista.

PINTURA NEOCLÁSICA

Menos condicionada que la escultura por los modelos antiguos, pero está más condicionada por el contenido literario, por las ideas que debían transmitir. Concebían las imágenes como un medio de transmitir una serie de valores morales. Esta tendencia moralizante didáctica cuaja en torno a 1780 y supone el triunfo de la pintura de historia, que va a ser la primera en la jerarquía de los géneros, se trata de presentar al público ejemplos de virtudes que deben esperarse de todos los ciudadanos, no sólo del soberano. Estar dispuesto a defender la patria hasta la muerte. Estos ejemplos virtuosos se buscan en leyendas o mitos de la antigüedad griega o romana (sobre todo en la época de la República). Estos ejemplos se pueden encontrar a lo largo de toda la historia medieval, Renacimiento, contemporánea. La muerte de Marat, es un ejemplo de héroe contemporáneo.

Dentro de las fuentes de inspiración destaca Homero, y también otros autores primitivos como Esquilo o Píndaro. Otro autor que tiene mucha importancia es Ossian, poeta y mítico escritor que procedía de los pueblos del norte, en realidad es una pura invención de un autor del siglo XVIII. El relato de Ossian recoge cómo era la vida antigua, de acuerdo con el ideal con el que lo veían los personajes del XVIII. Tiene las virtudes, pero no los defectos de los héroes de Homero. También otros autores valorados son Dante y Shakespeare.

En esta pintura se busca la exactitud y la fidelidad arqueológica, presentar la escena en un espacio que sea verdadero. Ambientación también histórica, utiliza la arquitectura típica de la época, que se trate en la historia. Se busca la veracidad.

Esta pintura moralizante, histórica, no sólo rechaza los temas amorosos propios del Rococó, sino que también se rechaza el estilo del Rococó. Nuevos temas y nuevo estilo, que no tenga esos hedonismos del Rococó, que se dedique más a la muerte que a los sentidos, claridad y sencillez. Domina el dibujo sobre el color, que busca (el dibujo) la consecución del ideal y que tiende a monumentalizar las figuras con un tratamiento escultórico, ya que en muchas ocasiones copian esculturas antiguas, por falta de modelos pictóricos. Color bastante sobrio, sin gran contraste tonal, se prescinde de los tonos pastel propios del Rococó. Composición equilibrada, basada en una estructura geométrica simple, generalmente planos paralelos a base de verticales y horizontales. Se impone una visión frontal, anti ilusionista en cuanto a espacialidad, suelen poner algo que cierre la vista. Posturas y gestos muy teatrales, contenidos, carácter escenográfico.

Actitudes contenidas, heroicas. Se coge una acción en el momento previo o posterior al suceso clave.

La muerte de Marat, con una composición de líneas verticales y horizontales, se elige el momento posterior.

Ese estilo más sobrio, se ve también en algunas pinturas de género, como las realizadas por Greuza, autor entre el Rococó y Neoclásico, los protagonistas son personajes de la vida rural. Acciones moralizantes didácticas; La maldición del hijo, muchos gestos, reacción contra la frialdad del Rococó. De estos cuadros se hacían grabados que compraba el pueblo.

Jean Louis David

Pintura moralizante, alcanza el cúlmen con él, supone el triunfo del neoclasicismo pleno. Representa el neoclasicismo moralizante, ideológico, pleno.

Pintor francés, comprometido con la revolución, con los jacobinos y también con Napoleón. El éxito de David es tardío, le llega cuando tenía 40 años. Su estilo en las primeras obras es blando, con un colorido de rosas y azules que se acercan al Rococó de su maestro Boucher.

Le influyen las teorías de Mengs y Winckelmann, de composiciones simples con pocos personajes y también va a estudiar la escultura antigua, que realza su sentido de plasticidad. Le influye Caravaggio.

* El juramento de los Horacios (1784):

Con esta obra le llega el éxito. Es pintado en Roma y se expone en París. Al año siguiente de su realización es considerada como la mejor obra del mundo. Está inspirado en el teatro de Corneille, en un disputa entre los Horacios y los Juracios por el dominio del Lacio.

Presenta una escena que es el momento del juramento, en el que los hermanos Horacios realizan el juramento ante su padre. Aparecen pocas figuras en un amplio escenario cerrado por tres arcos sobre columnas romanas. Los tres hermanos de perfil, uno tras otro con el pie hacia delante ante la espada que les tiende se padre. Los cuerpos son muy plásticos y escultóricos, trata de contraponer la fuerza y el valor de esos hombres que sacrifican su vida por la patria. A la derecha las mujeres en la parte derecha que representa la debilidad y feminidad. Colorido cálido y uniforme, sobrio y una luz bastante fría. Crea un clima de tensión en las diagonales de los brazos que rompen la simetría.

Busca la expresividad a través de gestos y actitudes. David pretende expresar ese momento dramático que se realza por la exaltación arqueológica. Es un estilo muy intelectual, no hay nada sentimental. Fue un cuadro revolucionario desde el punto de vista pictórico. Tiene un sentido patriótico después de la revolución.

* La muerte de Socrates:

Es un cuadro de mensaje moral. Esta tomada de la historia de Teclon de Platón. Representa el momento en que Sócrates va a tomar la cicuta en presencia de sus discípulos. Las figuras están dispuestas de manera paralela al plano pictórico, figuras muy modeladas que están inspiradas en esculturas antiguas. Claroscuro bastante dramático, tipo caravaggiesco.

Establece una separación a través del color de los personajes principales con el resto y así se ve en Sócrates y Platón. Todo en el cuadro es muy teatral.

* El asesinato de Marat (1793):

Es el cuadro más importante. No representa el momento del asesinato, sino que representa a Marat como él lo había visto el día anterior a su muerte, en una bañera para calmar sus dolores, escribiendo para el pueblo. Renuncia al dramatismo.

Pretende resaltar las virtudes del asesinado, domina el sufrimiento para cumplir con su deber y utiliza como mesa un cajón, no se enriquece con el pueblo y aparece escribiendo una carta a una viuda a la que envía dinero porque ella no tiene. En el suelo aparece el puñal, como el arma del asesino y la pluma como arma del asesinado. Es un cuadro muy realista, incluso se puede leer lo que escribe en la carta. Líneas horizontales y verticales en todo el espacio pictórico. En primer término el cajón, en segundo plano la bañera, en la que sobresale Marat como muerto, luego está el fondo.

Luz caravaggiesca muy dramática. Capta muy bien los rasgos de Marat sin ser minucioso.

Para algunos es el paso de la realidad presente a la nada, lo único que queda es el homenaje de la vida como se ve en la dedicatoria del cajón: “A Marat, David”. Quiere representar a un héroe político que muere por la patria. David inaugura una especie de ateísmo laico, impone su norma en el plano artístico, también es activista político y colaborador de Robespierre, así va a plasmar más problemas puramente artísticos y sus obras son más vacías y no tienen la fuerza de sus primeras obras. Él piensa que en las obras anteriores no había sido lo suficientemente clásico y pretende reflejarlo con más fidelidad.

* El rapto de las Sabinas (1801):

Pretende dar un mensaje de reconciliación nacional y no plasma el rapto, sino el momento en que las sabinas tratan de pacificar a los romanos. Trata de hacer una obra griega y no romana como las anteriores. Individualiza a las figuras e introduce desnudos. Algunas de las figuras están tomadas de la escultura.

Composición simétrica, inspirada en el mismo tema que hace Poussin.

Poco después es nombrado primer pintor del Imperio, con Napoleón y se le encargan cuadros para conmemorar los acontecimientos importantes del Imperio y esos encargos devuelven a David al realismo presente, el más importante.

* La Coronación de la Emperatriz Josefina (1805-1808):

Momento en que Napoleón conocía a Josefina. Trata de representar el voto del emperador a la corte. Inspirado en la coronación de otras épocas. Destaca el color vibrante, con una luz más fuerte, influencia de Rubens y los flamencos. Destaca en este cuadro como logra conseguir la unidad de toda la composición a partir de múltiples detalles.

La fuerza en David está en el realismo y también destaca como retratista. En la segunda mitad del XVIII se desarrollan otros géneros. Auge del retrato y del paisaje, sobre todo en Inglaterra y anticipan los temas y las preocupaciones que dominan en el XIX. Retrato por deseo de honrar a hombres ilustres.

El retrato va a experimentar un cambio con respecto a los anteriores. Tratan de evitar la adulación y los gestos retóricos y grandilocuentes. Representan al personaje de una manera muy directa, como vistos en la intimidad.

Los retratistas más importantes son los ingleses. Cuando se trata de un nivel social más bajo también se centran en los personajes. De los retratistas ingleses destacan: Reynolds, Gainsborough. Ellos trabajan en la fase de gestación del neoclasicismo, influenciados por los retratos de Van Dyck.

Reynolds

Es considerado el pintor más importante de Inglaterra, en los retratos busca la caracterización psicológica del personaje, aunque bastante idealizados. Le importa la creación, la primera idea. Busca la armonía cromática. Gran teórico, impulsa la vuelta a la antigüedad.

* El gobernador de Gibraltar:

Retórico, pero personaje con fuerza.

* La edad de la inocencia:

Niña más sensible.

Gainsborough

Unión del paisaje y el retrato. Paisaje que refuerza el sentimiento del retratado, pintura más suelta, más superficial quedándose en las apariencias externas. Paisajes vinculados a la tradición holandesa, con importancia de las variaciones atmosféricas, pintoresco. Usa ocres y verdes.

Otro género que se desarrolla es la pintura de paisaje. Es algo excepcional, ya que ahora la pintura se justifica por el contenido. Admiten el paisaje como fondo, pero no como tema en sí mismo, a pesar de ello hay pintura de paisaje en la que se suceden los cambios más importantes.

Dos tipos de paisaje; idealizado, en el que el autor elige de la naturaleza las partes más bellas y compone un paisaje ideal, hay numerosas huellas de la actividad humana (construcciones, templos), suelen ser el escenario de una escena idílica o heroica. Se busca también atemporalidad, sin tener en cuenta los aspectos atmosféricos, con luz uniforme, reflejan una mundo idílico, melancólico.

Los paisajes sublimes atienden a los grandes espectáculos de la naturaleza, con la finalidad de la elevación espiritual. Se busca el contraste entre la grandeza de los escenarios y la figura humana. Destaca el paisaje de los Alpes, antes considerado una barrera desapacible. Nos introducen los temas del paisaje del Romanticismo. Exaltación del subjetivismo y la fantasía, que hacen que se aborden otros temas como el mundo de la noche, de lo desapacible, fantasía, imaginación. También destacan los pintores ingleses.

Discípulos de David: David ejerció una gran influencia en pintores de finales del XVIII y principios del XIX, sobre todo en los aspectos formales; equilibrio compositivo, cuidado de los detalles, superficies acabadas, predominio del dibujo.

Estos pintores están muy influenciados por la corriente sentimental e irracional que triunfa en el romanticismo, esto se advierte en los temas que utilizan, ya sin contenido moralizante didáctico de manera tan plena, se da cabida al sentimiento, a la melancolía. Influencia también de los vasos griegos, que para algunos supone una evolución hacia una pintura más abstracta. Resurgir del catolicismo, algunos siguen el realismo. Destacan Gerard y Francois.

Gerard

Es el que más sigue a David.

* Eros y Psique:

En la producción de Gerard destacan los retratos.

* Madame Recamier (1804):

David hizo uno de la misma dama. Aquí planos horizontales más ricos, espacio que se cierra con un plano, suavidad femenina, mucho más cercana, más familiar.

Girodet

Es el que más se aparta de los cánones estéticos de David.

* Ossian recibiendo a los generales de Napoleón (1804):

Trata de resaltar a Napoleón, con una escena completamente inventada. Con los hombres del XVIII tiene en común el culto a Ossian, aquí con séquito de guerreros y doncellas; a la derecha los generales de Napoleón, que son auténticos retratos. Se aparta del ideal neoclásico de claridad y sencillez, aparecen gran número de personajes y de símbolos. Mundo surrealista en el que no existe una base estable, mujeres que parecen de cristal, espacio ilimitado y opresivo a la vez, por el gran número de figuras. Persiste únicamente la importancia del dibujo.

Coincide con Satobrian con su inclinación hacia el catolicismo.

* La muerte de Atala:

No hay luz uniforme y sobria, sino que sirve para crear un dramatismo en la acción. Aire de melancolía que nos aparta del neoclasicismo pleno.

Gros

El que sucedió a David al frente de la Academia, esto le llevó a abandonar el sentido de color y de movimiento que había aprendido de los venecianos y de Rubens. Igual que David se sintió atraído por los temas históricos, pero sobre todo se centra en acontecimientos contemporáneos.

A través de Josefina Bonaparte se convierte en el pintor de las hazañas de Napoleón, con lo que el arte pasa a ser propagandístico, no moralizante. Esto se refleja en su obra.

* Visita de Napoleón a los apestados de Jaffa (1804):

Representa un hecho sucedido en las campañas orientales de Napoleón y que él presenció. En el centro Napoleón visitando un hospital de apestado, acentúa la compasión de Napoleón. Fundamentalmente se trata de resaltar el poder sobrehumano de Napoleón, representado como ser que no teme al peligro ni a la enfermedad, toca una llaga como si tuviera el poder de sanar (recuerda a las sanaciones de Cristo y también a la duda de Santo Tomás), esquema cristiano al servicio del poder político. Napoleón imperturbable, sus generales se tapan la nariz. Ambiente sórdido de nazareto (hospital). A los pies los moribundos y muerto, que recuerdan la escena del cementerio dantesco. Sólo hay interés clasicista en los desnudos en los que hay interés anatómico, el resto se separa del clasicismo ideal y sobrio, acentuando lo horrendo.

Ambiente exótico que contrasta con la sobriedad de David, exterior con arcos apuntado y de herradura. También hay diferente luz, aquí muy intensa que modela los cuerpos. Contrasta planos e intensifica los colores planos y diversos. Supone una evasión del mundo contemporáneo de París, toda al servicio de la idea patriota, resaltando a un personaje con carácter heroico.

* Napoleón en la Batalla de Eylau (1808):

En el centro Napoleón rodeado de sus oficiales, visitando el lugar de la batalla, al día siguiente de la misma. Al fondo paisaje nevado (era Rusia), oficiales lituanos y polacos le rinden pleitesía por haber sido liberados. Levanta el brazo como señalando el horror de lo sucedido. En primer plano los muertos y heridos, con un realismo muy acusado, ya no se refleja lo heroico de la guerra, sino lo trágico de la misma. Se pone el acento en los vencidos, que a pesar de su realismo sigue existiendo un héroe, que es Napoleón. Pintura al servicio del poder.

Gros influyó mucho en los primeros románticos. Tras la caída de Napoleón realiza una serie de pinturas para los Borbones. Se suicida en los años 30.

Pier Paul Prud'hon

No fue discípulo de David, sino contemporáneo de él. Enlaza la pintura Rococó con la romántica, en pleno neoclasicismo su pintura exalta la sentimentalidad. Tampoco fue clasicista estrictamente, a pesar de sus ideas revolucionarias. En 1784 estuvo en Italia donde estudia a los antiguos (Roma), pro prefiere el clasicismo más suave de Mengs o Canova. Le atrae la pintura de Leonardo y sobre todo Corregio, luz suave y difuminada.

* Retrato de Josefina Bonaparte (1804):

Josefina en el jardín de uno de sus palacios. Figura con túnica imperial, ropa que indica que la emperatriz a pesar de lo cual no pretende ser un retrato oficial. Ensimismada en sus sentimientos, rehuye la mirada, ritmo curvilíneo y elegante, delicadeza. Paisaje poético con formas difuminadas con neblina que crea suavidad. Luz suave que acentúa el carácter melancólico de la figura.

* La Justicia y la Venganza persiguiendo al Crimen (1808):

La Justicia y la Venganza se contraponen a la postura de la víctima, para acorralar al Crimen. Es atemporal. Contenido moralizante, el criminal siempre va a tener angustia por el crimen cometido. Luz lúgubre que acentúa el carácter horrendo de la acción.

Cuerpos bastante plásticos. En el Crimen algunos ven influencia de la escultura de Canova. En las dos de arriba se influencia de los dibujos de Flaxman.

Estos tres autores son precedentes claros del romanticismo, ellos no pretenden romper el neoclasicismo, por lo que no se les considera románticos.

La tendencia impuesta por David se debilita a través de un grupo de discípulos conocidos como Barbus o primitivos, que reclaman un clasicismo más puro que el que predicaba su maestro. Pretenden volver a las culturas más primitivas. No realizan obras destacadas, pero influyen mucho en el primer momento de Ingres.

Ingres

El único discípulo de David que alcanzó la categoría de su maestro. Trabaja en la primera mitad del XIX, principal representante del neoclasicismo que valora la línea y el dibujo, frente al colorido de Delacroix.

Al final de su vida su pintura se puede considerar académica, pero durante el Imperio es muy original. No tuvo ideas políticas claras. El clasicismo que defiende no tiene como modelos a los antiguos, sino a Raffael en el Alto Renacimiento. Su pintura no va estar libre de la influencia romántica, algunos temas y algunas formas, tendencia hacia la abstracción. En ocasiones se le ha considerado clasicista romántico. Trata de compaginar aspectos diversos.

Primero se formó en la Academia de Tolousse, centrándose en la importancia del dibujo. Luego marchó a París y en 1800 entra en el taller de David (con 18 años). Se dice que David le dejó participar en algunas de sus obras. Pronto se aleja del estilo de David, por la influencia de los Barbus y por su atracción por los vasos griegos de los autores del quattrocento (primitivos renacentistas), que determinan su preferencia hacia el dibujo de contorno, tiende a la abstracción en el trazo, línea sinuosa y sensual.

En 1801 gana el premio de la Academia y marcha a Roma donde permanece más de 20 años, lo que le permite profundizar en la pintura de Raffael. También conoce la pintura de los primitivos florentinos y de algunos manieristas. Une la tendencia hacia la abstracción y su tendencia hacia Raffael.

* Zeus y Tetis:

Se basa en Homero, ninfa Tetis que suplica a Zeus para que interceda por su hijo Aquiles ante la mirada atenta de Juno. Contrapone el modelado plástico de Zeus, frente al carácter más abstracto de Tetis, tratada con un dibujo de contorno, línea sinuosa y modelada, plano sacrificando la propia anatomía (cuello, cuerpo y brazo) influencia de los vasos áticos. Tratamiento minucioso de todo lo demás (más abstracción en sus primeras obras) que recuerda a los flamencos (paños, pliegues, relieves). Luz intensa que acentúa el color vivo, base inestable, fuera del clasicismo racional y equilibrado.

Esquema piramidal neoclásico, que da estabilidad al cuadro.

El desnudo es uno de sus temas más constantes; bañistas u odaliscas (mujeres de los harenes de oriente) esto último no lleva a una tendencia romántica. Une abstracción en las figuras y minuciosidad en el entorno. El desnudo le permite experimentar su propia concepción de belleza.

* La bañista de Valpinçon (1808):

Mujer desnuda, sentada en borde del lecho mientras prepara el baño. El ideal de belleza se cumple, cuando existe un equilibrio entre los diferentes elementos del cuadro.

Para él el dibujo tiene que reflejar la impresión subjetiva que la realidad le ha producido. Para David era para transmitir una realidad independiente del artista. Ingres adapta la línea a las necesidades plásticas de la composición. No admite que se imponga un modelo de belleza ideal, sino que partiendo de la naturaleza y purificándola hay que conseguir una belleza ideal, de manera que se ajuste a la necesidad compositiva. Incluso en ocasiones introduce deformaciones para ello. Somete la realidad a un proceso de abstracción, reduciendo la realidad a una línea que se ajusta a las necesidades compositivas. Tratamiento prácticamente plano del dibujo, sutileza de la línea y del color, que se tiene además que subordinar a la línea, haciendo que la abstracción de esta no sea tan dura. Representación detallada de los elementos del entorno, contrapone la suavidad del desnudo con la rigidez de los paños.

Esta pintura atrajo mucho a los cubista y a los impresionistas por el interés, por la impresión captada por el artista más que por la realidad, como Ingres.

* La gran odalisca:

Tema oriental del harén, que le permite introducir el desnudo, influencia de la Venus de Tiziano. Abstracción de las formas reduciendo la figura a líneas, plana. También deforma la realidad, cadera exageradamente ancha, espalda demasiado larga, cuerpo excesivamente alargado. Suprime lo innecesario, también la anatomía, parece que no tiene huesos. El rostro se vuelve al espectador con frialdad y altivez, Raffael, Broncino. Minuciosidad en las telas, joyas, abanico de plumas de pavo real... . Colorido más intenso para crear el ambiente oriental.

* Orlando el furioso:

Desnudo femenino que parece casi una estatua de mármol, cuello exagerado.

Elabora mucho sus obras, repite el mismo tema con insistencia.

* El baño turco:

Realizado ya con 82 años. Reunión de todos los desnudos que ha hecho a lo largo de su vida. Es un tondo. Sensualidad y erotismo. Frialdad estética. Basado en un relato de la mujer de un embajador en un harén turco.

La luz de Ingres suele ser bastante uniforme, no intensa, ni con un foco preciso (aquí sí es más contrastada).

Pintura de historia; Ingres quería ser ante todo un pintor de historia, no tiene gran capacidad inventiva en cuanto a composiciones. Se documenta mucho, lo que en ocasiones hace que las obras parezcan más vacías y menos verosímiles.

* El voto de Luis XIII:

Esta obra le dio la fama. Mezcla el género histórico y el religioso. Gran influencia de Raffael en estas obras históricas, aquí imita a La Madonna de Faligno. Composición piramidal, equilibrada, se ajusta a las normas neoclásicas.

* La Apoteosis de Homero (1832):

Encargo para decorar unos de los techos del Louvre, pero no tiene en cuenta su emplazamiento. Aparece el eco de La escuela de Atenas (Vaticano) de Raffael. Homenaje a Homero, que era muy venerado por los neoclásicos. Aparece en el centro, composición simétrica, coronada por una Victoria alada, a los lados la Iliada y Odisea. Aparece Apeles, pintor que lleva de la mano a Raffael.

Colorido más intenso que en los desnudos, que crean un efecto más chocante. Aquí ropas clásicas atemporales. Al fondo un templo jónico.

Fue un excelente retratista, a mina de plomo y pintados.

* Familia Stamaty:

A mina de plomo. Excelente dibujante, personajes como son, sin actitud grandilocuente, ternura entre madre e hijo. Trata de destacar a Atala, (figura femenina más apartada), que tiene un cuello muy alargado. Basado en líneas de contorno muy sutiles.

* Madame Riviere:

Belleza conseguida por el encadenamiento de curvas. Figura de tres cuartos que mira al espectador, vestido de talle alto, paisaje tranquilo de horizonte bajo, que acentúa la inocencia de la figura. También destacan los brazos largos con guantes mostaza.

Modelado suave del rostro, que tiene un tratamiento bastante lineal y plano, cierta idealización. Colorido suave, gran variedad de retratos, busca captar la personalidad del retratado y el ambiente en el que se mueven. No excesivamente descriptivo en los personajes. Vestido, actitud, objetos, a través de lo que intenta captar la personalidad y el ambiente.

* Madame Haussonville (184 ):

Rostro apoyado en las manos. Formas musculares que se reducen a una concatenación de curvas. Traje azul, juega con el espejo. Posición adinerada por las telas.

* Señor Bertin (1832):

Energía de carácter, composición piramidal, centra la atención en el rostro y las manos, fondo y vestidura con uso de colores oscuros. Fuerza en al mirada y en el gesto. Retrato idealizado, pero que transmite su personalidad. Recoge el reflejo de la ventana en el sillón, detalle en los objetos, simplificación en el retratado.

Tendencia romántica:

En Inglaterra sobre todo. Fuseli y Blake, contemporáneos a David (clasicista). Exalta lo irracional y lo intuitivo. Su obra se puede considerar como un primer romanticismo.

Fuseli

Trabaja entre 1780 y 1804. Artista más importante en Inglaterra en esos momentos, aunque era suizo. Viaja mucho, en 1778 se establece en Inglaterra. Es un pastor protestante, primero se dedica a la crítica y la literatura, se forma en un ambiente culto, uno de los primeros que tradujo a Winckelmann, aunque se acerca más al ideal de Piranesi.

*Dibujo:

Artista abrumado ante la grandeza de la antigüedad clásica. Se le podía calificar de sublime. Dificultad de alcanzar la grandeza de la civilización antigua. Se representa a sí mismo ante los restos de una figura colosal antigua, lleva indumentaria antigua.

Va a estar influenciado por un movimiento alemán filosófico y literario, “Sturm und Drang”, que se enclava ya dentro de lo romántico y que conduce a una exaltación de la expresión. También tiene influencia de Rousseau, que se manifiesta en una atracción hacia la naturaleza y lo popular. También en lo literario de Shakespeare, en su faceta más pasional, como en Macbeth. Empieza a pintar por consejo de Reynolds. En su pintura influye su estancia en Italia. Admira a Raffael, Tiziano, Corregio y sobre todo Miguel Angel.

* Aquiles:

Tratamiento muy plástico influencia de Miguel Angel y su Sixtina.

* La pesadilla o el íncubo:

Su obra más famosa. El rechazo del Rococó le lleva a una exaltación de lo pasional y lo emocional. Es considerado un maestro de lo sublime, pero en la línea de lo terrorífico, explotando la fantasía, las leyendas populares, explotando también lo erótico.

Sus escenas se desarrollan en la noche. Aquí representa a una mujer tendida en un lecho, con cabeza y brazos caídos mostrando su cuerpo y sobre su pecho un monstruo que se dispone a poseerla, entre las cortinas aparece un caballo con ojos desorbitados que representa la masculinidad desenfrenada.

Lugar impreciso en el que sitúa la acción, el lugar del sueño o la pesadilla. Representa la presión que siente la persona ante el sueño de un ataque sexual violento. Sensación de inquietud. Algunos creen que es una parodia de una obra de Reynolds, Sueño.

Hizo varias versiones de este cuadro, que además fue muy reproducido en grabados.

En otras obras ilustra escenas de obras teatrales de Shakespeare.

* Ilustración de “Una noche de verano” (Shakespeare):

Titania y Boton y las hadas. Mundo fantástico donde crea toda una serie de personajes irreales, ha roto con la perspectiva equilibrada renacentista, mundo del sueño, que en cualquier momento podría desaparecer.

Mujer domina, con formas voluptuosas, una de las hadas domina a un hombre, mundo misógino. Boton, hombre con cabeza de asno y con musculatura con influencias de Miguel Angel. Suele utilizar un punto de vista bajo, que potencia la musculatura. Hizo otra versión en que Boton aparece más grande.

* Ilustración de “Macbeth” (Shakespeare):

Influencia de Lavatere, científico que decía que el rostro suele manifestar la inquietud interior, también el cuerpo. Lady Macbeth, tensión muscular, gestos desorbitados, exageración muy teatral. Da importancia al dibujo que es muy plástico. Ambiente nocturno con luz muy contrastada que acentúa los efectos dramáticos. Punto de vista bajo, que permite introducir distorsiones.

* Lady Macbeth sonámbula:

Tensión y movimiento. Tratamiento muy plástico, rostro desequilibrado.

También ilustra otras obras, como a Homero. Influye a Blake, al que transmite las formas de Miguel Angel.

William Blake

Su obra hay que situarla en un ambiente de crisis a finales del siglo XVIII, provocado por el carácter laicista dominante, que lleva a criticar la religión y la iconografía tradicional, lo que provoca en algunos artistas un intento de restablecer la espiritualidad, creando su propia iconografía religiosa, uno de ellos es Blake. Crea su propia visión del mundo y su sistema religioso. Se le ha considerado un visionario, ya que él mismo creía que sus visiones tenían más fuerza que la realidad. Trabaja como los artista medievales, inclinación hacia el gótico. Desarrolla su actividad al margen de los sistemas establecidos, fue poco conocido en su tiempo, su obra será comprendida y admirada por unos cuantos protectores. Luego será descubierto por simbolistas y modernistas. Hoy se le considera por la fuerza de su obra, como un iniciador del romanticismo.

Aunque pretende dar a su obra un carácter universal, su simbolismo no es fácil de entender, fuentes medievales, bíblicas, neoplatónicas o sus propias creaciones.

Se formó en la Academia, aunque pronto se decide por una obra al margen de ella. Nunca parte de lo natural, sino de sus propias visiones, cree que la creación no es racional, sino más instintiva e imaginativa.

Fue sobre todo un ilustrador; obras de Dante, Génesis, libro de Job, también sus propios poemas, que él concentra en lo que llama Libros proféticos, iconografía propia. En esas ilustraciones da prioridad al dibujo, porque piensa que es más inmaterial que la pintura, que está más cercana a la realidad. Dibujos a pluma, agua fuerte, coloreados a mano con acuarela, pinturas doradas. Dibujo que muchas veces presentan incorrecciones, porque a él no le interesa reflejar la realidad externa, sino plasmar un contenido, por ello algunas de sus obras tienen un aire ingenuo e infantil, para él los niños están más cerca de la divinidad.

Normalmente mezcla imagen y texto, que también tiene por tanto un carácter icónico (recuerda al modernismo, al que influye). Sus imágenes tienen carácter trascendente, trata de representar entidades superiores, reflejadas en las imágenes. Él elabora su propia iconografía religiosa. El punto de partida es el libro de 1780 Cantos de inocencia, que transmite un hombre como imagen de Dios, positivo.

En otros libros transmite una visión negativa, por su obsesión por la existencia del mal en el mundo Libros proféticos.

* El anciano de los días:

“Profecía de Europa”. Anciano con un compás para medir el tiempo, o el mundo, magnitudes que se le escapan.

Referencia de la Biblia y de miniaturas medievales. Dios con un compás midiendo la tierra. También lo une con las divinidades de la Sixtina, por el cuerpo musculoso y potente en gran escorzo. Aquí no es el Dios cristiano, sino un dios inventado, es Uricem, creador del mundo y lo somete a la esclavitud pro la racionalidad y la simetría. Mundo malo y divinidad maligna, para él todo lo racional simboliza sumisión al hombre. Le da carácter de pesadilla, surge de entre las nubes como una aparición formando un eclipse, luz dorada, mundo de los sueños. Altera las leyes de los sentidos. En sus composiciones emplea formas geométricas simples, círculo, triángulo... . Sublime, divinidad que está por encima del hombre y que lo domina.

* Eloín creando a Adán (1795):

Todos sus dibujos son muy planos, ambiente pesimista, formas geométricas simples, círculos. Luz imprecisa de amanecer o atardecer, dominio de las tinieblas. Especie de cuadrado.

Intenta representar los cuatro elementos. Adán desde que nace está sometido a la esclavitud (serpiente) a través de la razón. Formas robustas, dibujo preciso coloreado.

* Newton:

Grabado coloreado. Visión pesimista de la creación y el mundo. Newton era muy admirado por los neoclásicos, aquí adquiere el carácter de divinidad con espíritu maligno, porque simboliza el espíritu de la medición. Sentado en una roca, mide con un compás, acto maligno al igual que él.

Ambiente nocturno, cósmico, indefinido. Mirada concentrada en lo que hace. Postura que parece inspirada en el profeta Avias de la Sixtina.

* Nabucodonosor:

Representa al hombre natural, reducido a una bestia, con naturaleza animal. Se está produciendo una animalización, uñas se transforman en garras, anda como animal, rostro aterrado por todo ello. Víctima de Uricen, de sus acciones. Lugar impreciso, apocalíptico. A tinta, coloreado. Mezcla de acuarela y pintura dorada, que le da esa irracionalidad, no hay colores locales.

A partir de 1800 esa visión negativa que dominaba en los 90 se vuelve más positiva. Frente a esas formas robustas se inclina por otras más lineales donde toma una nueva energía por el ritmo entrelazado de curvas, formas inspiradas en el gótico. A través de ellas trata de transmitir esas ideas espirituales, incluso recuperando las formas miniadas medievales e iconografía de las catedrales góticas.

* Juicio final; Ancianos del Apocalipsis:

Siempre formas muy simétricas y claras, estabilidad, lo eterno frente a lo mudable del mundo visible. Todo bajo un arco iris que indica que es una visión al margen del mundo real. En el centro Dios como anciano en trono, querubines le rodean como plumas con ojos, abajo los ancianos con cuerpos sin robustez ni materialidad, muy lineales y con formas curvilíneas. Luz demasiado blanquecina, que crea inmaterialidad. Abajo más querubines. No lugar concreto, base inestable.

* Dos ángeles velando a Cristo muerto:

Alusión al gótico, alas que describen unas curvas que recuerdan a los arcos apuntados góticos. Curvas concatenadas. Luz dorada intensa y espiritual.

* Juicio Final:

Toma la iconografía medieval, personajes que se distribuyen por todos los lados en un esquema geométrico. Las figuras del mundo celestial más estilizadas, condenados más amorfos. Aparece el tetramorfos.

También ilustró la divina comedia de Dante.

* Beatriz:

Formas geométricas. Rojo a azul, para él colores del sentimiento y de la imaginación. Formas bastante plásticas, ritmo. Representa los siete círculos del infierno, ritmo curvilíneo, seres fantásticos. Líneas curvas entrelazadas y asimétricas típicas de él.

EL ROMANTICISMO

Esta tendencia domina la primera mitad del siglo XIX. La palabra procede de Roman, novela medieval y se usa por primera vez en el siglo XVII, se utiliza ahora, pero a veces con un carácter peyorativo.

Resulta bastante difícil definir este concepto, ya que se ha utilizado con carácter peyorativo, de alabanza, categoría estética, periodo cronológico..., existe mucha confusión. Término que sirve para englobar las manifestaciones artísticas de la primera mitad del XIX. No es unitario.

Movimiento artístico que se manifestó en la literatura y la música, también en pintura y no tanto en escultura. No podemos hablar de arquitectura romántica. También tiene su reflejo en la política, en las ideas. Periodo más álgido entre 1815 y 1850. Algunos rasgos aparecen ya a finales del siglo XVIII. A partir de 1815 hay una generalización de esas tendencias, que incluso afecta a artistas neoclásicos académicos.

Influencia de la ilustración, libertad defendida en la revolución, también la campaña imperialista de Napoleón, ya que como reacción en los pueblos sometidos hay una búsqueda de lo propio, lo vernáculo. Hay un fondo nacionalista en este romanticismo.

No hay un rechazo del neoclasicismo, pero estos sentimientos e ideas lo van debilitando. No es unitario, también hay un estilo romántico, a veces se ha identificado con esa pincelada suelta, pero hay pintores románticos que tienen una pincelada minuciosa. Algunos rechazan el ser románticos.

No existe un objetivo o un programa común que englobe a los románticos, les une una desconfianza en la razón. Tras la derrota napoleónica y triunfa esta tendencia.

Deseo de evasión, de búsqueda de dimensiones desconocidas. Importancia que dan a la individualidad, acentúan la sensibilidad, consideran que el punto de partida de creación debe ser el sentimiento. Acentúan la imaginación, lo expontáneo, lo cambiante... por eso las obras románticas son siempre únicas, sin singularidades frente a la atemporalidad y universalidad de los neoclásicos, deben responder a sensaciones sinceras, emociones auténticas. La obra romántica busca manifestar la personalidad del artista. La categoría de lo romántico es lo sublime, aquello que es capaz de sobrecoger al hombre. Suelen estar obsesionados por la muerte, el dolor, la duda, la nostalgia de la fe... . Nueva concepción de la posición del artista en la sociedad, nuevos temas. El artista se considera a sí mismo como un ser elegido con una vocación especial que debe seguir. Se va abriendo la separación entre el artista y la sociedad, él cree que no puede someterse a normas establecidas. Empieza a surgir el mito de que el genio es un personaje incomprendido por la sociedad que lo rechaza. Esa concepción que tiene el artista de sí mismo se refleja en los autorretratos, también en otros retratos de literatos y músicos, se persigue acentuar la individualidad, seguros de sí mismos, dejadez estudiada, negligencia en vestido y peinado.

Generalmente al artista no se le representa realizando un oficio manual, sino resaltando la consideración que tuvo en otras épocas (Muerte de Leonardo Da Vinci, Ingres). No se representa al artista desgraciado o en la ruina. Para mostrar la incomprensión acuden a personajes de la historia, como Colón o el poeta Thasos. Se sienten atraídos por Hamlet, Dante, Don Quijote, hombre que vive en un mundo de imaginación.

Como símbolo de la inspiración genial, a veces utilizan la locura, el loco representa al artista genial inspirado. Hasta ahora la locura se había interpretado como una especie de posesión demoniaca, en el romanticismo la locura es una enfermedad y el loco mantiene su dignidad humana. Como símbolo de la locura utilizan mucho el tema de Ofelia de Hamlet, belleza de la naturaleza, amor incomprendido, muerte.

Respecto a la actitud política, la mayor parte de los románticos defendieron los movimientos liberales de la primera mitad del XIX. Le preocupa sobre todo defender su propia libertad, que les cuesta menos conseguir con temas políticos que con los libres, la mayoría de los cuadros políticos presentado a exposiciones no fueron rechazados, si otros de temas más libres. A veces tienen una actitud demasiado preocupada por el arte y ajeno a lo que ocurre.

Un tema que atrajo mucho a los románticos fue la Guerra de la Independencia griega, sobre todo en los artistas franceses. En el tema militar no ponen el acento en la gloria de los vencedores, sino en las desgracias de los vencidos o la población sufriente por la guerra.

Actitud ante la historia: el romanticismo sería una exaltación de lo medieval, sobre todo del gótico, pero esto no fue tan importante en las artes plásticas (pintura, escultura). A veces vuelve a ese estilo, otras veces tratan los mismos temas, también temas literarios ambientados en el mundo medieval. La vuelta al gótico se da realmente en arquitectura, Neogótico. Actitud diferente en cada país. En unos la defensa del gótico toma un matiz nacionalista (Alemania, Inglaterra). En Alemania la construcción de la Catedral de Colonia se convierte en una empresa nacional, con un estilo muy puro. En Inglaterra se llega a dar la norma de que todos los templos se deben construir en estilo gótico, por ser el más espiritual. Pugin, Barry, Ruskin. Esa importancia en Inglaterra es tal, que hasta el parlamento inglés se construye en estilo Neogótico (Pugin, Barry).

Otros como Violet Le Duc, defienden el gótico por razones constructivas, lo considera una estilo muy racional, que sigue además a la naturaleza.

En Francia el Neogótico también tiene gran importancia, por el renacer del catolicismo, la monarquía borbónica quiere que se le identifique con la monarquía medieval (Iglesia de Santa Clotilde).

Los que más fomentan la vuelta a lo medieval son los literatos.

Hay una recuperación de varios estilos, según el uso del edificio. Se distinguen ya todos los estilos medievales.

* Sagrado Corazón (París):

Bizantino con neoclásico. También hay detractores del gótico, como en la época del dominio de la Iglesia sobre los artistas.

Hay además una vuelta a otros estilos, formas hindúes, chinas, musulmanas, gusto por lo exótico. En la segunda mitad del XIX comienza también un Neorrenacimiento, frente al gótico.

Hay que tener en cuenta que paralelamente se desarrolla la arquitectura en nuevos materiales (hierro, cristal), por lo que el exterior se recubre con formas antiguas.

* Labrouse: Biblioteca de París:

Al exterior arcos de medio punto historiados. Al interior nuevos materiales a la vista.

* Galerías comerciales de Orleans (1826):

Estructuras de hierro y cristal en las cubiertas, con muros renacentistas.

En el romanticismo se recupera también el sentimiento religioso, aunque no se recupera completamente la iconografía tradicional, por la que se confunde lo profano y lo religioso, siendo algunos temas más de género. Otros como el paisaje o el hombre se idealizan para transmitir lo religioso. Algunas obras religiosas son para viviendas o palacios, no para iglesias.

Confusión entre religión, arte y amor “espiritualismo desviado”. El arte para ellos explora campos que escapan al dominio de la razón, les atraen escenas trágicas, de muerte, de amor imposible como Paolo y Francesca. Ingres: detrás el padre de Francesca con la espada, símbolo del amor imposible, trágico.

Otro tema que adquiere importancia es el paisaje, en el campo de nuevas experiencias clásicas. Lo importante no es el contenido sino la propia pintura. Paisajes idealizados que parten de la observación directa de la naturaleza. Pasan de paisajes descriptivos, topográficos a otros donde captan la atmósfera y el pintor capta emociones y sentimientos. Nunca serán paisajes totalmente objetivos, porque a través de él, el pintor transmite sus sentimientos. Esto está en relación con las teorías de Rousseau, que exaltaba la naturaleza, adquiriendo la categoría de género mayor.

Los niños también son muy usados por los románticos, por influencia de Rousseau. Se les pone infantiles, espontáneos, con ropas que les permita moverse.

PINTORES ROMÁNTICOS FRANCESES

Teodoro Gericault

Primer pintor francés que rompe con los moldes clásicos, contemporáneo de David. Tendrá deudas con el neoclasicismo por la formación que recibe a través de un discípulo de David. Influye mucho en las obras en cuanto al color y movimiento.

* Capitán de Usares o Coraceros a caballo:

Influencia de las Batallas de Gros. Color más fuerte, fogosidad y tensión.

* El coracero herido:

Soldado abandonando el campo de batalla. Le da dimensiones tan grandes como las obras de contenido heroico. El romántico pues insiste en la derrota, el anti héroe. Colores planos, modelado más suave. Ruptura con las obras heroicas propagandísticas.

En algunos temas anuncia ya el realismo, al romper con temas religiosos, de la antigüedad o heroicos contemporáneos, siendo protagonista gente anónima del pueblo. Pero por temperamento es el prototipo de romántico, con un amor imposible, suicida, depresivo.

En 1816 marcha a Italia para lograr un estilo más clásico. Pero su idea de clasicismo es en cuanto al aspecto más vital y dionisiaco de lo clásico. En Italia le atraen las pinturas ecuestres barrocas, con caballos de Rubens. Le interesan las carreras de caballos sin jinetes del Corso de Roma.

* Carrera de caballos:

Planos paralelos, cierre en perspectiva, concebido como un alto relieve, por lo que es muy neoclásico. Introduce luces contrastadas, tomadas de Caravaggio, que rompen la línea de dibujos. Tensión en los caballos. Domina el color terroso; ocres, negros, blancos.

Con los caballos une la idea de lo monumental clásico, con la interpretación de algo real a la misma vez.

También le interesa el desnudo humano, relación con el neoclasicismo. Influencia de Caravaggio, Rubens, Miguel Angel. Pincelada más suelta y vital que la neoclásica.

* La Barca de la Medusa:

La obra más importante. Representa el hundimiento de la fragata medusa y los supervivientes están en una, donde acabarán comiéndose y locos. Es una crítica al gobierno, al capitán del barco, que no se preocupa por sus súbditos. Podría estar relacionada también con los realistas, de contenido político. Mezcla influencias neoclásicas, de Caravaggio, Miguel Angel... . Obra de grandes dimensiones como las neoclásicas, pero con la diferencia de que representa las miserias, derrota y sufrimiento humano. Hay un atisbo de esperanza, pirámide de cuerpos, sobre los que está un hombre llamando a un barco.

Tratamiento plástico con luces contrastadas, caravaggiesco. Interés por el desnudo, neoclásico. Colores no muy intensos, terrosos, dominando más las gradaciones y contrastes. La composición que domina es la barroca, con gran diagonal hacia el interior, creando tensión y se contrarresta con otra. Influencia de Miguel Angel en el amontonamiento de los cuerpos.

Estudia las cabezas de los ajusticiados para ver más de cerca y de forma más real los muertos. Lo elabora tanto que aparecen cuerpos atléticos, de forma que no parecen moribundos. Deseo de plasmar la realidad en conjunto.

Esquema barroco a base diagonales. Realiza la obra basándose en estudios directos del cuerpo humano, realizada en los depósitos de cadáveres. La situación no es una acción heroica, sino que eran seres normales.

Entre 1820 y 1822 está en Inglaterra y allí se interesa por los caballos. En este momento en Inglaterra se hace una pintura no académica. Hay un grupo de pintores que se dedica a dibujar animales en posturas forzadas.

* El Derby Epson:

Es una carrera de caballos que atiende más a la captación del movimiento de los caballos. Es un movimiento que no atiende a la realidad, ya que no existía la fotografía.

Es una composición muy centrada, inspirada en los grabados deportivos ingleses. Importancia del color, son colores contrastados, por influencia de la pintura inglesa con sus paisajes. Influencia inglesa por las escenas ordinarias.

En Inglaterra realizó una serie de litografías con temas de denuncia social. Supone un precedente del realismo.

Al final de su vida su romanticismo adquiere un carácter más sereno y su actividad se centra en la realización de diez retratos de locos, enfermos mentales. Es una serie que se la