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En el año 1910 las proyecciones cinematográficas comenzaban a desarrollarse rápidamente y ya hacían su aparición los grandes cines.

Las primeras músicas de cine (en una época en que no existía el propio concepto de cine) eran tocadas en el exterior de la sala, y servían para atraer al público y hacerle entrar. Más adelante (desde 1910 hasta 1930, cuando el cine todavía era mudo), la música entra en la sala, donde era improvisada como música de fondo por un pianista o interpretada por una orquesta, si el local era más lujoso. Durante la época del cine mudo, era fácil conseguir las risas del público sin palabras. Pero el género de la comedia llegó con el nacimiento del cine sonoro, así los diálogos se hicieron fundamentales para arrancar sonrisas. Cuando el color pudo añadir nuevos gozos visuales, estalló la comedia musical. La música desempeñaba el mismo papel que en la proyección del filme en la sala, sólo que en un sentido inverso. En 1930 nace la técnica de grabación de diálogos, ruidos y música sobre pistas separadas. King Kong fue el banco de pruebas para esta nueva técnica. Desde el año 1940, la escritura de partituras cinematográficas empezó a considerarse una de las especializaciones del compositor.

Los filmes musicales hollywoodienses son a menudo adaptaciones de espectáculos de Broadway o complicaciones de canciones y músicas preexistentes, alrededor de las cuáles se construye una historia. Mediante el sesgo de la canción y el ballet, los autores sueñan con hacer del cine un arte del testimonio y de luchas, un arte con mensaje, incluyendo a veces ciertas comedias musicales de la Warner. Los primeros filmes musicales datan del año 1930, aunque por aquella época todavía eran muy primitivos. Es a partir de los años 50 cuando el musical toma auténtica forma y protagonismo.

ðρðδ ðσðððρððð Fred Astaire es un ejemplo de un artista que fue decisivo en el desarrollo de las comedias musicales y que, sin embargo, pasó buena parte de su carrera trabajando en películas en blanco y negro.

ððððððð ðððððððððð Vicente Minnelli fue uno de los más grandes directores del género musical. También hizo comedias y melodramas excelentes, pero no abandonó nunca su “cámara coreográfica”. Cita en San Luis, Gigi, El Pirata… son auténticas obras maestras de este director. Un Americano En París es la más prestigiosa, aunque no por ello la mejor. Minnelli viajó a todos los sitios, y cultivó casi todos los géneros. Fue tan buen director de musicales como de comedias, de dramas y de melodramas. Tuvo una esposa que era una estrella: Judy Garland. Y una estrella que fue su hija: Liza Minnelli. Su obra casi toda realizada con la Metro-Goldwyn-Mayer, resume una época que definitivamente pertenece al pasado.

ððρððð ððρððð Otro de los grandes del cine musical fue Jerome Kern. Su primera obra publicada fue At The Casino, en 1902. En 1904 trabajó como pianista en teatros de Broadway. Su primer trabajo importante fue proveer canciones adicionales para espectáculos musicales, incluyendo Mr. Wix of Wickham (1904) y The Earl and The Girl (1905). Hacia la Primera Guerra Mundial más de 100 canciones de Kern se habían incorporado en unos 30 musicales. En el año 1915 y el 1916 compuso cuatro musicales para el Princess Theatre. Apareció como una partida radical e influyó profundamente en Richard Rodgers, creador de numerosos éxitos musicales. Los otros espectáculos para el Princess Theatre fueron Oh, Boy, que obtuvo más éxito que sus predecesores y Oh Lady Lady, que sin ser tan popular ayudó a definir las nuevas técnicas de Jerome Kern. Su obra más importante fue Show Boat (1927), una comedia musical que con textos de Oscar Hammerstein II, quizá la más exitosa e influyente obra musical de Broadway de todos los tiempos. Al menos seis canciones, que forman parte integral de la historia y de la caracterización, se convirtieron en piezas favoritas, entre ellas “Ol´man River”, “Can´t help Loving´dat Man” y “Why Do I Love You”. Filmada varias veces y representada en todo el mundo, el efecto de Show Boat sobre el teatro musical norteamericano es inestimable, sobretodo porque motivó a los compositores de musicales de Broadway a involucrarse en toda la producción y a no escribir solamente canciones para que fueran intercaladas en las obras. Desde 1939 Kern vivió en Hollywood y escribió sólo para películas, produciendo muchas de sus canciones más famosas: “The Last Time I Saw In París”, “The Way You Look Tonight”, “Long Time Ago And Far Away”. Se le atribuyen más de 1000 canciones en 104 partituras escénicas y producciones cinematográficas. Muchas de sus melodías más elegantes y fluidas se caracterizan por notas sostenidas precedidas por pequeños grupos de notas rápidas, por sutiles cambios de ritmo o métrica.

A continuación nos remontamos al nacimiento del musical alrededor de 1930 y hacemos un repaso de los más llamativos musicales hasta el día de hoy.

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• El Ángel Azul (Der Blaue Engel) fue una de las primeras películas musicales. La parte musical de este filme fue encomendada a Friedrich Holländer y apenas incluye nada más que “música de pantalla”, tocada o cantada en el cabaret, así como también una canción en la escuela. Los dos últimos minutos de El Ángel Azul reintroducen una música sinfónica de estilo grave, el resto del tiempo, el filme no deja lugar más que a una música muy sencilla.

Toda la idea de Joseph von Sternberg (director) consiste en otorgar valor dramático y simbólico a los “cortes de música”, que se producen cuando alguien abre o cierra una puerta, admitiendo que basta con cerrar una puerta para detener completamente el sonido de una orquesta, cosa que debemos aceptar a pesar de su falta de realismo. Estos cortes abruptos no son en absoluto el resultado de una simple impericia o el simple efecto de una limitación técnica que uno se resigna a soportar o de una tradición no establecida. Sternberg, lejos de limitar dichos cortes a fin de que no llamen la atención los multiplica aún más, introduciendo la idea de una circulación incesante, de un juego obsesivo de puertas abiertas y cerradas…

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• Esta película inició el éxito del cine musical en los años 30. En calidad de codirector, un coreógrafo que llegaría ser legendario: Busby Berkeley.

Sus recorridos sobre chicas, tartas, flores, sus decorados extravagantes y la composición de los números con estética entre desfile y pastelería, han hecho de Berkeley un género en sí mismo. Dirigiría él solo otras películas y colaboró luego con otros directores. Será el responsable de los famosos números acuáticos de Esther Williams. Sus números han llegado a ser míticos, aunque su estética ha de considerarse hoy camp, que es un modo fino de llamar alo cursi. Dirigió a Mickey Rooney y Judy Garland de jovencitos, a Dolores del Río, a Gene Kelly, a Carmen Miranda, a Frank Sinatra, a Doris Day…

Si su esplendor está en los años 30, su carrera abarcó hasta 1962.

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• En 1932 continúan apareciendo musicales poco desarrollados como Ámame Esta Noche (Love Me Tonight) una comedia protagonizada por Maurice Chevalier. Al principio de esta película las acciones del despertar de París y los ruidos que las ventanas producen (al abrirse y cerrarse) son tratados repetitiva y auditivamente como una sinfonía de la ciudad, que se organiza rítmicamente en un todo que Chevalier celebra y canta, aunque nos parezca débil y endeble acústicamente. Este efecto no proviene del carácter rudimentario de la técnica de la época, sino del hecho de que se intenta realizar para el oído la metáfora de la sinfonía urbana.

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• Top Hat es uno de los mejores musicales de Fred Astaire y Ginger Rogers. La banda sonora de Irving Berlín incluye “Cheek to Cheek”, “Isn't it a Lovely Day?” y la vivaz canción que da título a la película. El carisma de las estrellas, la maestría de sus actores secundarios, la elegante dirección artística y la incomparable coreografía convirtieron este filme en un éxito innegable.

-ARGUMENTO: Se centra en un caso típico de identificación errónea, en el cual la acaudalada Dale Tremont, de vacaciones en Londres y Venecia, asume que el artista Jerry Travers es el marido de su amiga Madge, quien en realidad es la esposa del representante de Jerry, Horace Hardwick. Para complicar aún más las cosas está el celoso pretendiente de Dale, Beddini, cuyo lema es “Para la mujer el beso, para el hombre la espada”. Jerry acaba librándose de Beddini con algunos trucos de último momento de su fiel mayordomo, Bates, lo que prepara el camino para el final feliz que todo el mundo anticipa antes de la primera escena.

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• Desde 1934 le rondaba la idea a Walt Disney de dar un paso definitivo y producir una película de largo metraje totalmente animada. Deseaba crear un producto refinado, donde los personajes reales se mezclasen con los seres fantásticos de los cuentos de hadas, con su habitual fauna y flora, cuyas posibilidades había probado concienzudamente en sus Sinfonías Tontas. También pretendía apoyar su obra con una banda sonora llena de atractivo, con melodías cantadas, iguales o superiores a las que triunfaban en Broadway. Por último, los personajes, en este caso rechonchos enanitos, debían tener una peana estable que permitiese su comercialización con facilidad en todo tipo de soportes, algo que había sido un escollo en el caso de Goofy.

Para el doblaje de Blancanieves se pensó en Deanna Durbin, pero la elección recayó en la soprano italiana Adriana Caselotti.

La película fue un hito en la historia de éxitos del Radio City Music Hall. Fue la más taquillera de la historia hasta Lo que el Viento se Llevó. Ello se debió a varios factores: el encanto de los personajes, los hallazgos de un Technicolor sabiamente utilizado, el imponente castillo y, por encima de todo, la banda sonora.

Los siete enanitos se convirtieron inmediatamente en figuras folclóricas y las canciones de la película, particularmente “Jai-Jo, Jai-Jo” y “Silba Mientras Trabajas” se oían en todas las radios.

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• La presentación tuvo lugar en el legendario Radio Music Hall de Nueva York, y tanto la crítica como un amplio público juvenil acudieron con entusiasmo a las atestadas proyecciones del largometraje.

Paul Dukas había creado una adaptación orquestal sobre el cuento de 1897, y Disney consideraba que en la original historia y en la soberbia música había material para un mediometraje con Mickey de protagonista. Por su parte Leopold Stokowski, director de la orquesta de Filadelfia, se interesó por el proyecto, así que ambos genios comenzaron a trabajar conjuntamente. El resultado fue un proyecto muy ambicioso: producir un largometraje donde el ratón y el músico se estrecharían la mano, simbolizando el primer acercamiento entre música e imágenes que visualizaban composiciones famosas.

La estructura de este proyecto tan peculiar y difícil ilustraba ocho obras musicales diferentes entre sí. La primera era “Tocata y Fuga en Fa Menor”, de Bach, donde formas y movimientos se fundían al compás de una música con un tono surrealista y abstracto, que resultaba subyugante. “La Suite de Cascanueces” de Tchaicovski, se adentraba en el mundo de las hadas, de los dientes de león, en una atmósfera más delicada y sutil. Los cinco movimientos restantes del famosísimo ballet incluían la danza china de los champiñones, bailes de ninfas a la orilla del río, peces exóticos y ballets rusos de orquídeas, y otras flores interpretando un vals. El nacimiento del planeta Tierra, debido a una explosión solar, y la evolución de la vida animal fueron los temas ideados para “La Consagración de la Primavera”, de Stravinsky, en una versión que nunca fue del agrado del músico. Mucho mejor crítica obtuvo la “Sinfonía Pastoral” de Beethoven, sumamente elegante y teñida con un discreto y delicioso tono de erotismo, que exaltaba con sutileza los placeres de la carne en una Arcadia idílica. La “Danza de las Horas” de Ponchielli se convirtió en una parodia del ballet clásico, con parejas formadas por avestruces e hipopótamos, gráciles dentro de su torpeza, que ejecutaban los pasos tradicionales del ballet junto a cocodrilos y elefantes, todos ellos desafiando cómicamente la ley de la gravedad. La película concluía con los siniestros y satánicos tonos de “Una Noche en el Monte Pelado”, de Mussugorsky, y con las acuarelas estilizadas de “Ave María” de Schubert, cuyos movimientos desembocaban e una fantasmagórica catedral gótica. A las quejas de Stravinsky se unieron las del Vaticano, que vio reflejadas en Fantasía teorías cercanas a Darwin. Lo que estuvo a punto de provocar la intervención de la censura en España. Con motivo del 50 aniversario de Fantasía se reestrenó en 1990, una copia cuidadosamente restaurada de la película.

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• Este filme narra la biografía de George M. Cohan. Dado que Cohan estaba todavía vivo cuando se estrenó, la película apenas podía insinuar que poseía pequeños defectos. James Cagney, la estrella, despertaba la simpatía del público, y la película contribuyó a aumentar la larga serie de biografías realizadas a partir de los años 30. El éxito de Yankee Doodle Dandy los animó a realizar unas nuevas tentativas del mismo tipo: Rapsodia en Azul, que narraba la vida de George Gershiwn y Noche y Día, que narraba la de Cole Porter.

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• La obsesión de Walt Disney por ilustrar con imágenes composiciones musicales de todo tipo, desde piezas clásicas hasta romanzas de ópera o clásicos del jazz, le llevaría a embarcarse en otras experiencias similares a la de su obra más lograda, Fantasía. En Make Mine Music, puso imágenes a diez temas musicales. En esta ocasión Leopold Stokowski no podía colaborar en el proyecto, y como la adaptación de Claro de Luna, de Debbusy, planeada para Fantasía ya estaba lista, sus imágenes se utilizaron para la exquisita pieza “Blue Bayou”, cantada por el coro de Ken Darby.

El segmento más famoso de esta película fue la versión de Pedro y el Lobo de Sergei Prokofiev, realizada en el más puro estilo Disney, con la voz de Sterling Holloway como narrador de la historia. El más original, sin embargo fue La Ballena que Quiso Cantar en la Ópera, divertida historia de una ballena llamada Willie, pintada como un payaso y capaz de cantar todas las arias imaginables en su debut e el Metropolitan. Fue doblada por Nelson Eddy. Make Mine Music incluyó también un homenaje a los personajes rústicos tipo Li´l Abner, el famoso cómic de Al Capp. Se trataba de un número cantado por The King´s Men y titulado “The Martins and The Coy”. Por su parte, el tema “Ballade Ballet” contó con la colaboración de bailarines rusos y de Dinah Shore cantando “Two Silhouettes”.

“All the Cats Join In” y “After You've Gone”, este último anticipándose al estilo de Stephen Bosustov en sus cortos ilustraban dos estupendos temas de jazz puro versionados por Benny Goodman. Las geniales hermanas Andrews, un mito de la guerra y la posguerra, contribuyeron a que la música popular estuviera presente en la película con su versión del romance entre dos sombreros. También contribuyó el cómico Jerry Colonna, considerado el rey de las muecas. Los experimentos visuales de esta película incluían asimismo la canción de Andy Russell “Wihout You”, recogida en el segmento “A Ballade In Blue”. Esta incursión de Disney en el campo musical precisó de tres años de producción y más de dos millones y medio de dibujos.

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• Ritmo Loco (Shall We Dance) cuenta con una memorable partitura del inolvidable George Gershiwn para la séptima película que hicieron Ginger Rogers y Fred Astaire. La popular pareja hace gala aquí de una perfecta compenetración en los números musicales, que son todos antológicos. Mark Sandrich, que trabajó con ellos en La Alegre Divorciada, Sombrero de Copa y Sigamos la Flota, realiza una puesta en escena al servicio del lucimiento de Fred Astaire y Ginger Rogers. Como es habitual en este tipo de películas musicales, el argumento es una simple anécdota para, entre baile y baile, con viaje en trasatlántico y equívocos incluidos, desembocar en un final feliz.

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• En 1948 Michael Powell estrena el filme musical Las Zapatillas Rojas (The Red Shoes) que obtuvo gran éxito internacional. En este filme la protagonista baila un ballet de catorce minutos, aunque el filme de ballet más largo es Fantasía, de Walt Disney.

Esta es la reconocida tragedia de género musical realizada por Michel Powell y Emeric Presseburger que abrió las puertas a los emocionantes números de baile que se convirtieron en el común denominador de los musicales de Arthur Freed. La música está compuesta por Brian Easdale que recibió un oscar por su trabajo en este filme.

-ARGUMENTO: Basada en el trágico cuento de hadas de Hans Christian Andersen, la historia empieza cuando Julián Craster, un compositor en busca de reconocimiento, asiste a una presentación de la Compañía de Ballet de Lermontov, y descubre que la música que una en un número es suya. Julian presenta una protesta ante el director de la compañía, Boris Lermontov, y le exige una explicación. Impresionado por el talento del compositor Boris le contrata para que componga el programa musical de la siguiente obra de ballet, una adaptación de “Las Zapatillas Rojas”. Mientras Boris contrata a Victoria Page, una bailarina, que sustituye a la protagonista cuando ésta decide casarse y abandonar. A medida que Julián trabaja en la música y Victoria ensaya sus bailes los dos se enamoran. La obra se convierte en un éxito y Victoria en una estrella. Sin embargo, Boris, quien está enamorado de Victoria descubre la relación entre Julián y la joven y obliga a Julián a abandonar la compañía, pero Victoria le acompaña. Julián consigue triunfar como músico y un buen día Victoria se encuentra con Boris que le pide que baile una vez más y ésta accede. Julián le pide a Victoria que no lo haga y Boris le suplica que continúe con su carrera. Ella decide salir a actuar, pero las zapatillas rojas le conducen hasta el lugar donde habló por primera vez con Julián, un balcón que da al acantilado. Victoria corre hasta ese lugar, se tira y fallece.

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• Una nueva incursión de Disney en la música. El Estudio cada vez se distanciaba más de las adaptaciones de los autores clásicos, y en este proyecto colaboraron famosos intérpretes y músicos. Leyendas populares norteamericanas, héroes del folclor del Lejano Oeste y adaptaciones de poemas se mezclaron y dieron lugar al mejor popurrí musical de la factoría Disney.

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• Un Día En Nueva York (On The Town, 1949), de Stanley Donen y Gene Kelly, salió a la calle como la comedia musical que convirtió los años 50 en la década del cine musical, reforzada por Cantando Bajo la Lluvia, que se entrenaría tres años más tarde.

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• En el año 1952 nace la obra maestra Cantando Bajo La Lluvia (Singin´ in the Rain) de Stanley Donen y protagonizada por Donald O´Connor, que evoca el fin del cine mudo. No hay nada más gracioso y elegante que aquellos momentos del baile de Gene Kelly en esta película en los que, después de un “tutti” triunfante de la orquesta “de fondo”, la música continúa con una orquestación ligera, que cierra invisiblemente el marco de nuestra atención. La acción de Cantando Bajo La Lluvia, como sabemos, se desarrolla en el período de transición entre el cine mudo y el cine sonoro. El filme aprovecha la ocasión para parodiar amablemente a los filmes mudos que se hacían entonces.

En el terreno musical la película era perfecta, ya que Arthur Freed (productor) y Nacio Herb Brown (músico) habían presenciado y protagonizado la llegada del sonido.

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• Obsesionado por los avances del siglo XX, que estaban revolucionando a pasos agigantados la industria del cine, Disney acometió simultáneamente, en 1953, proyectos nuevos que le permitirían experimentar en el campo de las nuevas tecnologías. El primero fue Adventures in Music: Melody, que fue el primer dibujo animado de las historia del cine en tres dimensiones, que precisaba las famosas gafas especiales, rojas y verdes, para su visionado.

En esta película, un búho con gafas y aspecto de profesor impartía lecciones de música. Destacaba una versión soberbia del tema “The Bird And The Cricket And The Willow Tree”, que recordaba al estilo de Paul Klee. El búho, doblado por Bill Thompson, daba otras lecciones magistrales en Zim Zim Boum Boum: Historia de la música, que ganó un Oscar y fue el primer dibujo animado realizado en Cinematoscope. Con un trazo estilizado, nada parecido al dibujo habitual en Disney y mucho más cercano al de los estudios rivales, Zim Zim Boum Boum narraba los orígenes de los instrumentos musicales a partir de cuatro únicas notas.

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• El cine sonoro puede representar la música no como algo “perfecto”, con voces homogéneas y fundidas, sino como algo “imperfecto”, con voces de diferentes edades y timbres, de diferentes grados de ajuste, más o menos afinadas. Incluso en las comedias musicales, en las que todos los números son presumiblemente impecables, los autores velan por introducir algunos momentos de estudiada espontaneidad, como el abucheo amistoso e improvisado que los artistas de un espectáculo, cuyo estreno fracasa estrepitosamente, se ofrecen entre ellos para consolarse, esto es lo que sucede en la película de Vicente Minnelli, Melodías De Broadway 1955 (The Band Wagon), estrenada en el año 1953 uno de los mayores logros de este género.

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• Se dice que Vicente Minnelli rechazó la posibilidad de rodar Brigadoon en Escocia, ya que insistió en que los decorados de la Metro-Goldwyn-Mayer parecían más escoceses que Escocia misma. Esta lujosa adaptación del musical de Broadway de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe tiene como protagonista a Gene Kelly, que interpreta a un turista que se encuentra con un pueblecito escocés que está encantado. Las canciones de Lerner y Loewe se conservan en el filme, entre ellas las populares “Almost Like Being in Love”, “Heather on the Hill” y “Come to Me Bend to Me”.

-ARGUMENTO: Un turista llamado Tommy se encuentra con un pueblecito llamado Brigadoon, que está encantado. Los habitantes de Brigadoon se despiertan cada cien años un día y luego vuelven a dormir todo un siglo, y el pueblo mismo se desvanece entre la bruma. Tommy se enamora de una hermosa aldeana llamada Fiona, mientras que su amigo, un bebedor empedernido rechaza la leyenda y la existencia del mismo Brigadoon como un síntoma más del delirio. El prometido de la joven Fiona, disgustado por la intervención del turista, amenaza con abandonar Brigadoon, un acto que significaría la ruina de todos sus habitantes. Una vez solucionada esta crisis, Tommy se deja convencer a regañadientes de salir de Brigadoon y volver a los brazos de su prometida en Nueva York. Pero el amor entre el americano y la escocesa resulta en un final milagroso.

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• Oklahoma! es sencillamente una de las obras que cambió para siempre al musical americano, y por lo tanto al del resto del mundo, debido a la influencia del cine estadounidense. Esta es la primera obra de Rogers y Hammerstein y se considera una de las mejores del siglo XX. Esta película es una adaptación de la obra teatral que consiguió aclamadas reposiciones en Londres y Broadway. La obra teatral se presentó por primera vez en el Royal National Theatre por Cameron Mackintosh y ganó los corazones de todos los admiradores del teatro. Una de las críticas más importantes es la del New York Post que publicó lo siguiente: ¡Oh, que precioso musical! Esta clase de películas solían tener las siguientes características en común:

• Todas ellas se basaban casi invariablemente en éxitos de teatrales de Broadway.

• Estaban filmadas en los nuevos sistemas de 65 mm o 70 mm.

• Por último duraban alrededor de tres horas y la mayoría de los cines añadía un intermedio para no agotar al público, con lo que las proyecciones podían durar hasta tres horas y media.

Estos tres puntos podrán resumirse como que su principal razón de ser era el puro y simple espectáculo. La productora Fox trató de capitalizar el triunfo de Oklahoma! con un remake musical de Ana y El Rey de Siam (1946) titulado El Rey y Yo (1956).

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• El Rey y Yo (The King and I, 1956) fue otro de los grandes musicales. Creado por Richard Rodgers (músico) y Oscar Hammerstein II (letrista), cuya carrera de éxitos se había forjado con Oklahoma! (1943), Carousel (1945) y South Pacific (1949); a su manera este filme seguía abriendo caminos a nuevas formas de expresión dentro del teatro musical.

Recientes todavía las heridas de la Segunda Guerra Mundial, El Rey y Yo enfrentaba a las culturas oriental y occidental, aunque ambas partes mostraban su voluntad de limar diferencias; carecía de una historia romántica entre los protagonistas entendida en la forma tradicional, puesto que la máxima intimidad los protagonistas era a través de un polka, el menos romántico de los bailes…

Oklahoma!, Carousel y South Pacific tuvieron su correspondiente versión cinematográfica, sin embargo, ni aún uniendo los logros individuales de cada una de ellas, se alcanzó una plasmación tan fiel a la obra original como la que dirigió Walter Lang en El Rey y Yo. El cariño puesto en por 20th Century-Fox en el proyecto, respetando la casi totalidad de los elementos que habían convertido a la obra en uno de los hitos de la historia de Broadway, fue unas de las principales bazas que ayudaron a colocar el filme en el segundo lugar de la lista de películas más taquilleras de 1956, por debajo del espectáculo La Vuelta al Mundo en 80 Días.

Cuando El Rey y yo se estrenó en Broadway, el 29 de marzo de 1951, Frank Sinatra ya había grabado tres temas de la obra, lo que equivalía a un éxito seguro a pesar de la limitada inspiración del director escénico John Van Drutten. 20th Century-Fox, el estudio que había producido el único musical de Rodgers y Hammerstein escrito directamente para el cine, State Fair, dirigido por Walter Lang, y había firmado Anna y El Rey de Siam, era el más firme candidato a realizar la versión cinematográfica del éxito teatral. En los primeros meses de rodaje del filme, lógicamente a las órdenes del entonces “experto” en colaborar con Rodgers y Hammerstein, Walter Lang, que debía incluir nuevas canciones escritas expresamente para la ocasión.

De los casi seis millones de dólares, 750.000 se destinaron a la secuencia del ballet “Small House Of Uncle Thomas”, el doble de lo que había costado cinco años antes la producción teatral en su totalidad. En este número admirable, aunque abreviado respecto al original teatral, y en la que igualmente modélica planificación de la polka “Shall We Dance?” se concentró toda la expectación de la parte musical del filme, que finalmente no sólo no contó con nuevas grabaciones suprimidas del montaje final: “My Lord And Master” y “Shall I Tell You What I Think Of You?”.

El disco se grabó el día 25 de abril de 1956, con el delicado proceso de mezclas de las voces de los actores de los cantantes y de los actores y fue una de las principales dificultades del rodaje de este musical.

-ARGUMENTO: Siam, 1862. Anna Leonowens, joven viuda inglesa, llega a Bangkok acompañada por su hijo Louis. Ha sido llamada por el Rey de Siam para que se ocupe de la enseñanza de sus hijos (alrededor de 77), especialmente de la del heredero. Anna se instala a pesar de que habían acordado que ésta tendría una casa propia. La mujer preferida del rey, acompaña a Anna a su habitación y Tuptim, una mujer obsequio para el rey le pide algún libro en inglés para mejor el idioma y le confiesa su amor por Lun Tha, uno de los porteadores.

Las clases de Anna siguen su curso pero la joven no deja de recordarle al rey su deseo de tener una casa propia. Tras una conversación con su hijo el rey se da cuenta de las diferencias culturales y religiosas que Anna inculca a sus hijos. Anna demuestra admiración por Lincoln que en aquel tiempo luchaba en contra de la esclavitud. A media noche ordena que lleven a la institutriz a su presencia para dictarle una carta de apoyo al presidente Lincoln, ofreciéndole gentilmente unas cuantas parejas de elefantes para formar una población americana de paquidermos. Al salir de la biblioteca real Anna ayuda a Tuptim y a Lun Tha para que se encuentren en el jardín real. El amoroso encuentro aviva el fuego de los enamorados que planean fugarse.

Con sumo tacto Anna propone al rey celebrar una cena y u gran baile al que debe ser invitado todo el cuerpo diplomático de internacional presenten Siam. El rey le agradece a Anna esa idea obsequiándola con su nueva casa.

El objetivo por el que se celebra la cena es alcanzado. Los embajadores tienen ocasión de comprobar el grado de civilización del rey de Siam, dotado de una privilegiada mente científica, y disfrutar de una fascinante adaptación de La Cabaña del Tío Tom. Una vez se han ido todos los invitados el rey se muestra interesado por la peculiar forma occidental de bailar. Anna trata de explicarle el nivel de comunicación íntima, de amor, que puede surgir de un baile. A la “mente científica” del rey no se le puede escapar la ocasión de aprender algo y solicita a Anna que le enseñe a bailar. Ambos inician una desacompasada polka que les une de forma inigualable.

La alegría del momento se quiebra abruptamente cuando los guardianes de palacio aparecen con Tuptim, capturada al intentar huir con Lun Tha, quien ha resultado muerto. El rey trata de castigarla pero Anna le ruega que no sea tan duro. El corazón del rey sufre un ataque del que no se recupera. En su lecho de muerte recibe la visita de Anna y le encarga que tome nota de las órdenes que le va a dictar al nuevo rey.

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• La fructífera colaboración entre el compositor Richard Rodgers y el letrista Lorenz Hart se encontraba, a finales de los años 30, en un punto crítico. La torturada personalidad de Hart había llevado a Rodgers a adoptar una actitud autodestructiva que “regaba” con generosas dosis de alcohol. Con los años las depresiones de Hart habían aumentado en proporción inversa a su predisposición para el trabajo. De esta época surgieron las mejores obras de ambos: Jumbo, On Your Toes, Babes In Arms, I Married An Angel, The Boys From Syracuse, Too Many Girls, By Jupiter y Pal Joey. En cualquier caso no era suficiente para el hiperactivo Rodgers, que en 1926 había estrenado seis obras musicales teatrales en Broadway.

Hart no quiso participar en la adaptación musical de la obra Green Grow The Lilacs. Rodgers encontró a un nuevo colaborador y amigo en Oscar Hammerstein II; su primera obra conjunta fue Oklahoma!. Los logros de Oklahoma! hubiesen tardado varios años en llagar a los escenarios de Broadway si previamente no hubiese estrenado Pal Joey, el primer musical “adulto” cuyo máximo inconveniente resultó ser el hecho de haberse adelantado a su época. La reposición de Pal Joey en Broadway; a los 12 años de su estreno, sirvió para colocar a la obra en el lugar que merecía dentro del grupo de los diez mejores musicales del siglo XX, compartiendo honores con My Fair Lady, Sweeney Todd, Kiss Me, Kate, West Side Story, Follies, The Most Happy Fella, Guys And Dolls, Porgy And Bess, Show Boat y Oklahoma!. Significativamente, la reposición resultó más productiva que el estreno y favoreció la reactivación de su adaptación cinematográfica, archivada desde el año 1941 por problemas con el código de producción, problemas que casi 20 años más tarde siguieron provocando quebraderos de cabeza a los involucrados en el proyecto.

La crítica, aunque respetuosa y en algunos casos hasta entusiasta con las canciones de Rodgers y Hart, no aceptaron un musical donde ninguno de los personajes conocía el significado de la palabra decencia, y el único que se le aproximaba era como consecuencia de su cuestionable inteligencia. El público, por su parte, no se divertía ni reía con la obra.

Con la adaptación de Pal Joey algunas de las canciones cambiaron de intérprete y de sentido; otras fueron suprimidas a favor de temas extraídos de obras anteriores de Rodgers y Hart: “Zip!”, tema con el que Rita Hayworth rememoraba su más famosa escena de Gilda, era interpretado en la obra por una periodista. “Bewitched, Botherer and Bewildered”, “I Could Write a Book” y “That Terrific Rainbow” fueron respetadas. Pal Joey se convirtió en un fragmento de la abreviada escena del sueño. “Geat Big Town”, tema también conocido como “Chicago”, sufrió el obligado cambio de letra motivado por el traslado de la acción a San Francisco. “Do It The Hard Way”, “Plant You Now Dig You Later” y “You Musnt´t Kick Around” se redujeron a versiones orquestales al desaparecer del guión los gángsters y el intento de soborno a Joey y Vera. El resto de las canciones, aunque integradas en la acción, no tenían su origen en Pal Joey: “There´s A Small Hotel” pertenecía a On Your Toes (1936). “I Didn´t You Know What Time It Was a Too Many Girls” y “My Funny Valentine”, así como el gran éxito de Frank Sinatra en el filme, “The Lady Is A Tramp”, pertenecían a Babes In Arms (1937). Entre las pérdidas más notables figuran el “What is A Man?”, “Den Of Inquity” y “Take Him”. Otra pérdida lamentable fue “My Funny Valentine”, interpretada por Rita Hayworth, que fue eliminada para ajustarse a la duración estándar.

-ARGUMENTO: El alcalde de Gold City, detallista y previsor, ha provisto a Joey Evans de un billete de ida para San Francisco y ha encargado a dos de sus hombre de confianza que lo escolten hasta el mismísimo tren. Es su forma de “agradecer” a Joey que invitase a su hija menor de edad a pasar una velada íntima e la habitación de un hotel. No es la primera vez que Joey recibe regalos de padres de jovencitas ansiosas de alcanzar la madurez o de maridos cuyas maduras esposas quieren recuperar algo de juventud. Sin un centavo en su bolsillo y con la ropa que lleva como único equipaje, Joey se pasea por los locales de Costa Bárbara esperando encontrar alguna colocación que le permita demostrar sus dotes ara lo que mejor sabe hacer: cantar y perseguir a las ratitas del coro, y no necesariamente por este orden.

Un viejo amigo de Joey, Ned Galvin, dirige la orquesta que actúa en el local de Mike Miggins, un club nocturno digno dentro de su mediocridad. Sin dudarlo, Joey sube al escenario, empieza a cantar, explica cuatro chistes malos y da otras tantas vueltas con Las Galvanizadotas, el cuerpo de baile femenino. Su perfecto dominio de la animación teatral le reporta un contrato hasta que su potencial conducta amoral obligue a rescindirlo. Joey, por el momento, no debe recurrir alas esposas de los clientes; entre la Galvanizadotas tiene una amplia oferta femenina dispuesta a complacer sus necesidades. Especialmente le interesa una rubia y bastante ingenua y a quien Ned da clases de música, Linda English. La técnica de Joey para conquistarla consiste en aparentar indiferencia, pero a Ned le parece que no le puede engañar y le aconseja dejarla tranquila ya que a pesar de que parezca insólitos una”buena chica”. Como es de esperar el aviso no hace más que avivar el interés de Joey por Linda.

Al día siguiente Galvin y su orquesta deben tocar en una fiesta benéfica organizada por una dama de la alta sociedad, Vera Prentiss Simpson. El dinero recaudado en la fiesta y la subasta deben servir para ayudar en los gastos de un hospital infantil. Lo obtenido no es considerado suficiente por Vera. Joey no duda en tomar el micrófono y anunciar la canción que hizo famosa a Vera cuando era conocida como Vanessa, La Destapada.

Para demostrar que el espectáculo merece la pena abre la puja con 1000 dólares. Vera no tiene otra solución que recordar su época en el burlesque y canta su canción simulando todos los movimientos de un strip-tease, pero despojándose únicamente de los guantes. La mirada de odio que lanza a Joey al finalizar la canción presagia un ardiente nuevo encuentro entre ambos.

Consuma habilidad Joey logra un habitación de huéspedes contigua a la de Linda, con la que debe compartir baño. La joven no muestra gran entusiasmo, aunque su concepto de Joey se suaviza cuando están en una tienda de mascotas y Joey le cuenta una historia falsa de un perrito que había tenido en su niñez.

Unas semanas después Joey ve a Vera aparecer acompañada de dos caballeros. De lleno en su papel de anfitrión Joey agasaja a los recién llegados y, a lo, largo de la conversación, les confía su máxima aspiración: poseer un local propio, al que llamaría Chez Joey´s. Al llegar su actuación Vera y sus acompañantes se marchan del local. La venganza de Vera consiste en humillar a Joey y hacerle perder su trabajo. Joey juega su penúltima carta y le pide a Mike una prórroga hasta el fin de semana; en ese plazo la señora Vera ha de volver al club, en caso contrario Joey se marchará sin derecho a reclamar su paga. A la mañana siguiente, se dispone a jugar su última carta cuando acude a visitar a Vera par comunicarle que ha sido despedido y pasear su palmito y desfachatez ante una de las fortunas más envidiables de la ciudad.

Linda, por su parte, le da una lección a Joey obligándole a comprar el perrito de la tienda que tanto le recuerda a su perrito Skippy. Gracias al terrier empiezan a conocerse más íntimamente y, a punto de cumpliese el plazo de la apuesta, Linda accede a ir a cenar con Joey. Todo ello tendrá lugar antes de que aparezca Vera quien en el fondo no puede resistirse a los encantos de Joey, y acude al club con deseos de divertirse. Joey le dedica una canción que al principio la incomoda, pero con la que se irá identificando: “The Lady is a Tramp”. Vera lleva a su nuevo “gran hombre” al yate que le regaló su difunto marido. Allí establecen un acuerdo en el nuevo Chez Joey´s, firmando su asociación en la intimidad de la alcoba.

Las obras del lujoso club nocturno y restaurante avanzan rápidamente; todo el personal del viejo local de Costa Bárbara ha sido contratado, incluidas Las Galvanizadotas. Ante la desaprobación de Vera, Joey ofrece a Linda la oportunidad de abandonar el coro y mejorar su posición ante una balada romántica. Curtida en las cuestiones de líos amorosos, Vera intuye el peligro que puede representar Linda, y obliga a Joey a despedirla. Incapaz de hacerlo, Joey ordena a Linda que en lugar de una balada interprete un strip-tease, sabiendo que así será ella la que deje el empleo. Linda, se encuentra preparada para hacerlo y así se lo hace saber a su jefe.

Durante el ensayo del número y delante de todo el personal del local, el titular del negocio, avergonzado de su canallada, impide que Linda se humille. Para Vera es la confirmación de que Joey está enamorado de ella y le ordena de nuevo que la despida o no permitirá la inauguración del local. Por primera vez Joey tiene una idea decente y comunica a los empleados que el local nunca abrirá. En una entrevista entre Joey y Vera, la joven accede a marcharse para el club de Joey pueda inaugurarse. Vera, triunfante, acude al yate para darle la buena nueva a Joey de que su sueño se hará realidad, pero se encuentra con un ex socio dispuesto a no soportar por más tiempo los caprichos de su financiadota. También el corazón de Vera encierra bondad y, ya que ha perdido a Joey para siempre, desea que él sea feliz. Una vez ha dado con Linda, la lleva hasta los brazos de Joey, y ambos forman un singular trío completado con el perro.

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• En el año 1958, la Fox distribuyó South Pacific, una gran producción basada en el musical de Rodgers, Hammerstein y Logan que había triunfado en Broadway. Aunque el musical estaba bastante desarrollado y triunfaba en las taquillas, los grandes éxitos llagaron en los años sesenta.

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• El día 20 de agosto del año 1957 se estrena de manera no oficial West Side Story, ya que en realidad se considera su estreno el día 18 de octubre en el año 1961. Este filme supuso la meta de una labor complicadísima y larga, y también el principio de una nueva era en el cine musical teatral. Saul Chaplin, Leonard Bernstein, Irwin Kostal y Sid Ramin pone la música a esta película.

El triunfo de West Side Story no dependió tanto de su mayor o menor permanencia en cartelera como del arraigo en la memoria y de los cambios extremos que en el concepto del musical hubo que admitir a partir de su estreno. West Side Story tuvo una larga historia durante la que hubo tiempo para perfeccionarla y más tiempo aún para discutirla y cambiarla casi por completo sobre la marcha; fue el resultado de una pasión compartida entre tres personas, y si en muchos momentos corrió el peligro de no existir, cabe valorar aún más la capacidad de estímulo que mantuvo sobre sus autores para que éstos la culminaran de forma casi titánica. Los guionistas intercambiaron sus ideas intentando que música y coreografía jamás se supeditaran mutuamente, sino que nacieran de un mismo concepto. Trabajaron intensamente, marcando pausas simultáneas y anotando escrupulosamente todos los hallazgos en forma de un guión exhaustivo para músicos y bailarines.

Hasta el último momento Bernstein tuvo que modificar pasajes de la música para que el precioso trabajo que había realizado con Robbins no se malograra en la garganta de sus cantantes.

Este filme sale dañado por la incapacidad de los protagonistas para actuar en un musical, ya que no sabían cantar ni bailar. Esto se hace sentir en el filme, ya que sus apariciones siempre se desvinculan del resto del reparto y del ritmo de la película.

El caso de Rita Moreno era diferente. Rita tampoco sabía cantar, aunque actuaba en Broadway, daba recitales y grababa discos sin problemas. Lo que no podía era alcanzar la tesitura de mezzo requerida para el papel de Anita, por lo que fue doblada por Betty Wand.

Un segundo tema que molestó a los exegetas del West Side Story teatral fueron los cambios introducidos en el orden de las canciones y su duración. En la versión teatral, “María” y “Tonight” iban unidas en un mismo bloque. Para la película creyeron mejor interrumpirlo por “América”, que originalmente cantaban en solitario Anita y dos amigas en una habitación siniestra, lo transformaron en un gran número de conjunto, localizado en la azotea de la casa de los portorriqueños. En el lugar donde originalmente se había situado “América” desplazaron “Gee, Officer Krupke”, la canción paródica que justifica las andanzas de lo Jets. Para compensar “Cool” también fue desplazada. Originalmente la cantaban los Jets en la tienda de Doc donde trabajaba Tony, y sucedía antes de la pelea bajo la autopista. Situado después de la misma marcaba un momento mucho más tenso dramáticamente y compensaba la ausencia de números coreográficos en la segunda mitad de la película.

-ARGUMENTO: En el West Side de Manhattan las pandillas de lo Jets y de los portorriqueños Sharks suelen enfrentarse a muerte en las calles. Los Jets han decidido provocar un desafío definitivo, para lo cual Riff solicita la ayuda de Tony, antiguo líder de los Jets ahora retirado, que solo acepta acompañarles al baile del Gimnasio, esperando localizar allí a su gran amor ideal. También María, la hermana de Bernardo (líder de los Sharks), que está destinada a ser la esposa de Chino, espera descubrir algo grande en ese baile. Y, en efecto, Tony y María se conocen y se enamoran bailando. Pero este encuentro provoca que Riff y Bernardo se desafíen.

Mientras los Sharks bailan en la azotea, discutiendo su futuro en los Estados Unidos, María y Tony se declaran su amor en la escalera de incendios de la casa de la primera. Al día siguiente Tony consigue que la pela sea sólo a puñetazos y acude a la tienda, simulan el día de su boda, pero Anita (novia de Bernardo) ha descubierto su secreto.

La pelea es en un solar debajo del puente de la autopista. Pese a los esfuerzos de Tony para que no se produzca, salen a relucir las navajas y Bernardo mata a Riff, por lo cual Tony no se contiene y mata a Bernardo. Luego corre a casa de María, que le perdona.

Los Jets han descargado la tensión nerviosa bailando en el garaje y salen en busca de Tony para protegerle de lo Sharks. Pese a su odio hacia Tony, Anita accede a ayudar a María y buscara Tony para que puedan huir juntos. Pero en la tienda de Tony la maltratan y ella, rabiosa, les miente, diciéndoles que Chino ha matado a María. Cuando Tony se entera, se lanza alas calles para matar a Chino. María y Tony se ven en la oscuridad y, cuado van a abrazarse, aparece Chino con su pistola y dispara sobre Tony, que muere en brazos de María. Las dos pandillas en silencio recogen juntas el cadáver.

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• En el año 1961 Jean-Luc Godarc, dirigió una comedia musical con Michel Legrand, (que además de dirigir compuso la música) con el título de Una Mujer Es Una Mujer (Une Femme Est Une Femme). Una obra a la vez encantadora y fastidiosa, cuya idea consistía en escribir una música que fuera a la vez soporte y puntuación de los diálogos hablados, mediante una especie de justa verbal entre hombre y mujer.

Sin embargo, en este filme todo ocurre como si la música nunca pudiera reunir a uno y otro, sólo marcar su separación. En un momento de la película el director hace que Anna Karina (protagonista) cante una canción a capella. Entre sus entradas interviene el estribillo de un piano, disociando la voz y el instrumento acompañante. En otras ocasiones, la música, muy intermitente, puntúa un ping-pong verbal inagotable. Jean-Luc Godarc utiliza a menudo continuas rupturas de ritmo, cuya sistematización engendra una especie de monotonía.

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• Es una suerte para los admiradores de los Beatles que alguien decidiera capturarlos en cine en medio de la primera ola de beatlemanía.

El humor fresco y seco del guión de Alun Owen puede haber sido un poquito ácido para adolescentes, pero no deja de ser inteligente y gracioso, y aunque los Beatles no fueran los mejores del mundo, Owen tuvo la inteligencia de dejarles interpretar sus puntos fuertes: el sarcasmo seductor de Jonh Lennon, la adorable personalidad de Ringo Starr, la pinta de rompecorazones de Paul McCartney y la actitud tranquila de George Harrison.

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• Sujetando férreamente su paraguas, inmutable y sonriente, Mary Poppins vuela entre las nubes con una canción en los labios. Mary Poppins ha pasado a los anales del cine como una deliciosa comedia musical. Su creadora, la escritora británica, P.L. Travers, se opuso en un principio a ver en imagen real a la protagonista de sus dos cuentos. Finalmente se dejó convencer en el curso de una visita de Walt Disney a Londres, y rechazó una oferta de Rodgers y Hammerstein, que querían adaptar los relatos para un musical en Broadway.

Fue precisamente la estrella del musical, la británica Julie Andrews, la elegida para encarnar ala institutriz Mary Poppins. Había triunfado en Londres con pantomimas navideñas en los papeles de Cenicienta, Caperucita y Blancanieves. Andrews estaba disgustada por haber sido sustituida por Audrey Hepburn en la adaptación al cine de My Fair Lady. Su pareja en la película fue Dick Van Dyke. Este showman triunfaba pro entonces en televisión con un programa que llevaba su nombre, uno de los más populares de la época.

El trabalenguas “Supercalifragilist-icoespialidoso” batió récords de persistencia en el recuerdo de los espectadores. La canción conocería una larga carrera con la voz de otros famosos artistas, entre ellos Duke Ellington.

A raíz de su estreno, y con las mejores críticas arropando su proyección mundial la película fue vista por 200 millones de espectadores e ingresó 45 millones de dólares en las arcas de Disney. Walt pensó enseguida en rodar una segunda parte, que finalmente no se llevó a cabo ya que la protagonista Julie Andrews cambió su papel por el de la institutriz de Sonrisas y Lágrimas.

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• Tradicionalmente, el musical americano tiene el recorrido de Broadway a Hollywood. Cruzan sus obras, en efecto, de costa a costa de Estados Unidos; por el camino, sufren una transformación: la corporeidad figurativa de la escena se trueca en sueños de celuloide. Un buena parte de los más característicos musicales cinematográficos, por no decir su gran mayoría, nace previamente en el escenario de la más onírica de las calles de Nueva York y, por extensión del mundo. Un caso notorio de recorrido inverso sería Siete Novias Para Siete Hermanos (Seven Brides For Seven Brothers, 1954), creada ya originalmente para que se convirtiera en una película.

My Fair Lady conoció primero su triunfo en teatro. Aunque su estreno, a manera de presentación, corrió antes por un par de ciudades norteamericanas, fue en Nueva York, en 1956 y en el marco del Mark Helinger Theatre, donde causó impacto. Ocho años después, la obra inspirada en el Pygmalion de George Bernard Shaw, se adaptaba al cine. Fue un trabajo concienzudo que no merece otro calificativo que el de aritmético, puesto que la suma de sus componentes, elegidos los mejores de cada especialidad, da como resultado la operación más perfecta que pueda concebirse.

Naturalmente, varios elementos del equipo de My Fair Lady procedían ya del teatro, de las numerosas representaciones que habían llevado acabo noche tras noche.

En New Haven, estado de Conneticut, se estrena por primera vez My Fair Lady el día 4 de febrero de 1956. El Shubert Theatre de la localidad recoge las primeras críticas elogiosas de una obra inspirada en George Bernard Shaw, dirigida por Moss Hart con guión y letras de Alan Jay Lerner, música de Frederick Loewe y coreografía de Hanya Holm. Los actores que interpretaron esta obra teatral fueron Julie Andrews y Rex Harrison. Días después la obra se estrena en Filadelfia, y más tarde llega triunfal a Broadway. La calurosa acogida del público es inmediata. Esa misma temporada arrasó en la entrega de los premios Tony de musical: mejor obra, mejor actor, mejor productor, mejor puesta en escena, mejor vestuario, mejor diseño, mejor director de orquesta, mejor música y mejor guión.

Seis años y medio más tarde, en el mes de septiembre de 1962, la obra cierra sus puertas sin haber agotado, ni de lejos, el éxito. Se contabilizaban 2.717 representaciones. Era el momento oportuno de ir pensando en una adaptación cinematográfica.

El reparto que protagonizaba la adaptación cinematográfica está formado por Rex Harrison (aunque al principio se pensó en Cary Grant) y Audrey Hepburn sustituyendo a Julie Andrews. Aunque la voz de esta última tuvo que ser doblada en las escenas por la característica Marni Nixon, que también prestó su voz a Deborah Kerr en El Rey y Yo y a Natalie Wood en West Side Story, no había en la década de los sesenta más apropiada para el papel de Eliza que Audrey Hepburn.

La película, terminada finalmente con un coste de 17 millones de dólares, cinco de los cuales se deben a la adquisición de los derechos de la obra, se estrenó en Nueva York, el día 23 de abril de 1964, involuntaria coincidencia con la festividad de San Jorge: Bernard Shaw, con una mirada de ultratumba, veía así coronada su obra el día de su onomástica.

Cuando Fred Astaire y Audrey Hepburn, de la mano de Stanley Donen, ironizaban sobre la época del existencialismo francés en lo que no era sino un claro homenaje al fotógrafo Richard Avedon en la película Funny Face (1957), muchos vieron ahí el fin del género musical cinematográfico clásico. En general un musical notable como My Fair Lady tuvo que franquear duras barreras intelectuales, hoy felizmente olvidadas.

La industria anglosajona luchó contra el poderío de los nuevos cines con el arma más solvente: la monumentalidad. Como los westerns, los filmes históricos o los de aventuras. Y monumentales fueron los musicales de aquella época prodigiosa: Sonrisas y Lágrimas, Camelot, Oliver, West Side Story y por descontado My Fair Lady.

My Fair Lady, sin embargo y a pesar de su innovadora estética, poseía una raíz clásica muy arraigada. Sus creadores eran autores consagrados del teatro musical de Broadway desde los años dorados del género. A su unión altamente decisiva se deben nada menos que títulos como Brigadoon, Gigi, Camelot y Saint Your Wagon. Y en el cine eran igualmente dos veteranos: su primer trabajo se remonta al año 1930.

Las canciones del filme, cuya coreografía corrió a cargo de Hermes Pan, tienden a estar recitadas más que cantadas. Así la primera de la película se une directamente a la acción. Es el mismo caso de “The Rain in Spain”, insólito trabalenguas que se hizo célebre en España por su estribillo de “la lluvia en Sevilla en un maravilla”.

La justicia de los Oscar se aplicó merecidamente en 1965 con motivo de la entrega de ocho estatuillas. Curiosamente, el portentoso trabajo de Audrey Hepburn no mereció para la Academia, ni siquiera la nominación. Quien ganó el Oscar a la mejor actriz ese año fue quien había estado interpretando a Eliza en la versión teatral de My Fair Lady, Julie Andrews por Mary Poppins.

-ARGUMENTO: Londres, antes de la Primera Guerra Mundial. Una noche tormentosa, a la salida de la ópera; un hombre toma enigmáticas notas en un bloc entre las columnas del Covent Garden. Se trata del profesor Henry Higgins, experto en dialectos, que en esa zona y ante fauna tan ecléctica, vive siempre grandes encuentro. Dos se producen esa noche: el coronel Pickering y una vendedora de violetas de pronunciado acento cockney y harapiento aspecto.

En un momento dado, Higgins asegura que esa chica podría convertirse en una resplandeciente dama de la alta sociedad. No tarda la sentencia en convertirse para Pickering y Higgins en un reto. El aprendizaje empieza con espumosos baños, vestidos nuevos y relucientes y largas horas intentando pronunciar las vocales ante sofisticadas máquinas. Un soleado día festivo Eliza hace su aparición en las carreras de caballos de Ascot Park. La joven causa sensación entre la alta sociedad… hasta que abre la boca, aún no suficientemente educada por Higgins.

En esa misma fiesta aparece un joven apuesto y modesto, Freddie, que se enamora de ella, le canta canciones en la calle donde vive e intenta cortejarla sin excesivo éxito. Los resultados de la operación siguen sobre ruedas. Eliza es cada día más refinada, habla mejor y viste con soberana elegancia. Pero el cambio físico supone también un cambio sentimental en la chica, que llega a perder su identidad, mucho más al ver que el profesor sólo se interesa por ella desde un punto de vista científico. Y Eliza lo abandona.

Sin embargo, no tardará en Higgins en darse cuenta de que está enamorado de ella. En su casa, triste y desamparado, Higgins escucha por el gramófono la voz de Eliza. De pronto, la voz renqueante se vuelve nítida: Eliza está a sus espaldas, ha decidido permanecer con el profesor el resto de sus días.

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• Esta película de Jacques Demy cuenta con una fuerza visual intoxicadora que rinde homenaje a los musicales de Hollywood al tiempo que se enfrenta a los sentimientos dulzones de este género.

Demy se centra en resaltar una historia típica de amor y sueños rotos, dentro de un torbellino de color y canciones, para elevar la película por encima de su contexto al tiempo que se mantiene fiel a sus ideas sin ilusiones sobre las divisiones de clase y los sueños de juventud.

Los actores cantan todos sus diálogos con la música de Michel Legrand, desde las actividades de una gasolinera hasta la declaración de devoción entre los amantes.

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• Alimentado en la unidad familiar y personal, con el peligroso y amenazador contexto del ascenso nazi en Alemania y Austria, así se presentó en 1965 este gran clásico del género musical.

Los números musicales no resultan muy destacados con canciones tan populares como “My Favourite Things” o “Edelweiss”, todo esto escrito por Rodgers y Hammerstein.

Sonrisas y Lágrimas recibió los siguientes Oscar de la Academia: mejor director, mejor montaje, mejor música, mejor película de año y mejor sonido.

-ARGUMENTO: Austria, 1930. María una ex novicia, está encargada de la educación y cuidado de los siete hijos del capitán Von Trapp, un vuido antipático autoritario. Poco a poco, María se va ganando la confianza y el cariño de los traviesos niños. Al comunicarle una miga de la familia que piensa que el capitán está enamorado de ella, María huye al convento. Los niños le echan de menos y acuden a buscarla. La abadesa convence a María de que su destino no es el claustro. María vuelve con los Trapp y se casa con el Capitán.

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• Esta película fue uno de los grandes fallos de la Fox, que fracasó en taquilla a pesar de contar con Rex Harrison en el reparto, que ya había trabajado en My Fair Lady. El director de este musical fue Richard Fleischer.

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• En 1969 Gene Kelly estrena un nuevo musical llamado Hello Dolly!, que se consagró como uno de los mejores musicales del siglo XX. La música de este filme fue realizada por Jerry Herman que vio recompensado su trabajo cuando Hello Dolly! ganó un Oscar a la mejor banda sonora adaptada. Además de este Oscar, esta película ganó el Oscar a la mejor decoración y al mejor sonido en el año1970. Además fue nominada para los premios relativos a la mejor película del año, el mejor vestuario, la mejor fotografía y el mejor montaje.

-ARGUMENTO: Intentando que una muchacha olvide el asedio de su pretendiente, una señora la lleva a una fiesta. Allí la muchacha se encuentra con su tío , que anda buscando novia. Con este encuentro surge una serie de conflictos, pero finalmente el tío solterón se arregla con la viuda casamentera.

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• Pese a que el Estudio confiaba en repetir el éxito de Mary Poppins con un musical similar, ambientado en Londres y mezclando imagen real con dibujos animados, a última hora se eliminó en la sala de montaje la mayoría del as canciones. De esta forma La Bruja Novata, pasó de 117 minutos de cinta a 98. La película planteaba una divertida situación: una mujer madura, con la ayuda de un mago, un libro de conjuros y tres niños, logra impedir la invasión de Inglaterra por los nazis y convertir una cama en una alfombra mágica.

De las canciones escritas por Richard y Robert Sherman sólo se conservaron seis melodías en la versión definitiva, entre las que destacó la pegadiza “Portobello Road”.

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• El Violinista En El tejado (Fiddler On the Roof, 1971) fue la última gran adaptación cinematográfica de un éxito teatral de Broadway, concebida como el gran espectáculo al estilo de los que habían marcado la década precedente: Sonrisas y Lágrimas (The Sound Of Music, 1965), Funny Girl (1968) o Hello Dolly! (1969).

Sobre el papel no existía una apuesta más segura que ésta en el terreno musical, puesto que la obra había entrado en el Libro Guinness de los Récords como el musical de más larga permanencia en un teatro de Broadway, representándose todavía en el momento en que se inició el rodaje del filme. Más de 30 millones de espectadores habían presenciado los diferentes montajes internacionales y al menos uno de sus temas musicales, “If I Were A Rich Man”, era tan popular como podía serlo “Noche de Paz”.

La reproducción de El Violinista en el Tejado no podía asegurarse en estos términos la noche del estreno en el Imperial Theatre de Nueva York, a pesar de que el público asistente pudo comprobar que el espectáculo que acababa de presenciar aportaba muchas novedades respecto a los musicales que habían convertido al barrio de Manhattan en el centro mundial del teatro.

Jerry (Jerrold Lewis) Bock (New Haven, 1928) había compuesto numerosas canciones para un popular programa televisivo de los primeros años 50 cuando, con la colaboración del letrista Larry Holofcener, empezó a trabajar en el espectáculo que consagró a Sammy Davis Jr. Al equipo no tardaría en unirse Sheldon (Mayer) Harnick, otro letrista que había participado en el legendario musical de Bette Davis Two´s Company. Tras El Violinista en el Tejado Bock y Harnick aceptaron el reto de escribir tres mini-musicales de un acto estrenados bajo el título genérico de The Apple Tree.

Partiendo de la sólida base de un libreto casi perfecto, Jerry Bock y Sheldon Harnick compusieron las canciones que sin ser específicamente judías, podían evocar esta procedencia al gran público, alternándolas con otros temas de regusto típicamente “de Broadway” como “Miracle Of Miracles”, “Matchmaker” o “Now I Have Everything”, que no fue incluida en la película.

El montaje original de Broadway alcanzó las 3.242 representaciones, convirtiéndose, con sus ocho años en cartel, en el musical de mayor permanencia en los escenarios del centro mundial del teatro hasta que A chorus line le arrebató el puesto de honor.

El Violinista en el Tejado resultó ser el más popular de los filmes de Jewison, quien más tarde volvería el género del cine musical con Jesucristo Superstar (1973). Ello no le libró de duras críticas por reducir a la mínima expresión toda la labor coreográfica de Jerome Robbins cuando, por otra parte , había proporcionado un mayor énfasis en el apartado musical logrando que el prestigioso violinista Isaac Stern participase en la grabación de la banda sonora original dirigida por Jonh Williams. La colaboración de este último ha sido uno de los motivos por los que aficionados de todo el mundo han atesorado la banda sonora del filme con especial interés.

-ARGUMENTO: Anatevka, pequeña localidad ucraniana cuyos orígenes se remontan a la Edad Media y que cuenta con una gran población judía. Teyve es el lechero del pueblo y el padre de cinco hijas, tres de ellas en edad de contraer matrimonio. El dinero no es lo que más abunda en casa de Teyve, sin embargo, suple su carencia con una desbordante imaginación que le lleva a mantener una continua conversación con Dios en la que no deja de reprocharle el que no le haya enviado un hijo varón, o de mostrarle su descontento por hacer que su caballo se haya lisiado, impidiéndole efectuar el reparto diario.

Golde, la esposa de Teyve, también aspira atener más dinero para la familia. Por eso no duda en aceptar, para su hija Tzeitel, la proposición de matrimonio que el carnicero Lazar Wolf le hace llagar a través de la casamentera Yente. Tzeitel no está dispuesta a que le impongan un matrimonio por interés ya que está enamorada del sastre Motel; por ello convence a éste para que, por la noche comunique a Teyve la intención que tiene de casarse con ella.

La casa de Teyve bulle de actividad con los preparativos del sabbath cuando se presenta el cabeza de familia acompañando de Perchik, joven universitario al que ha conocido en el pueblo y a quien ofrece alojamiento en su casa a cambio de que instruya a sus hijas.

Antes de la cena Motel debe pedir la mano de Tzeitel, pero su timidez le impide afrontar la cuestión con seguridad y claridad para desesperación de la joven, oportunidad que desaprovecha Golde para decirle que el rico, maduro y relleno carnicero se ha interesado por ella y que, por lo tanto, debe visitarlo para concretar los términos de la boda.

A la mañana siguiente Teyve visita al carnicero y pactan el matrimonio de éste con su hija, celebrando el acuerdo con un gran baile al que, finalmente, se incorpora un grupo de rusos, a pesar de que al pueblo ya han llegado noticias de las persecuciones a las que están sometidos los judíos por parte de las tropas del ejército zarista. Tzeitel y Motel confiesan su amor a Teyve quien accede al matrimonio por amor de su hija.

Teyve se enfrenta a un problema mucho más importante: persuadir a su esposa de que Tzeitel realizará un matrimonio por amor y no por conveniencias económicas. Par lograrlo de forma eficaz y convincente trama un plan que consiste en simular haber sufrido una terrible pesadilla: perseguido por espectros y fantasmas a Teyve se le aparece el espíritu de la primera mujer del carnicero y el de la abuela de Tzeitel; ambos muestran su actitud contraria al matrimonio de la joven con el carnicero. La supersticiosa Golde, atemorizada, no tiene más remedio que aceptar la boda de su hija mayor con el hombre que ella desea.

Se celebra la boda y los contrayentes bailan por primera vez como marido y mujer. Como si fuese un aviso de desgracias, lo policía rusa irrumpe destrozando regalos y muebles.

La segunda hija de Teyve, ansía casarse con el universitario, que también está enamorado de ella, pero se ve obligado a unirse a sus camaradas revolucionarios en lucha contra el zar. Una vez más e Teyve le impresiona más la mirada suplicante de su hija que la tradición de casarse por conveniencia y acepta este nuevo matrimonio. Esto hace que él mismo se cuestione si en realidad ama a su esposa Golde. Posiblemente después de 25 años de matrimonio, cinco hijas y un continuo afrontar las dificultades, su sentimiento sea uno parecido al amor.

Al pueblo no tardan en llegar las noticias de que Perchik ha sido arrestado en Kiev y deportado a Siberia. El golpe es muy duro para Hodel, quien decide viajar junto al hombre que ama aunque ello suponga abandonar a su familia para siempre. Teyve acepta una vez más el poder del amor, pero su firmeza en las tradiciones se vuelve férrea e inamovible cuando la tercera de sus hijas mayores, Chava decide casase con un ruso no judío Esto supera cualquier licencia de Teyve, haya concedido hasta el momento y, con un gran dolor en u corazón, considera que momento Chava ha dejado de ser su hija.

La extrema situación política del país no tarda en mostrarse abiertamente en Anatevka: según el edicto hecho público, todos los judíos deberás abandonar el pueblo en un plazo de tres días. Los habitantes de Anatevka inician su largo éxodo a los cuatro puntos del globo. Teyve empaca las escasa pertenencia de la familia en su carro de lechero y acompañado por Golde y sus dos hijas pequeñas parte hacia América, país e el que sueña poder reunirse con el resto de su familia, lejos de las crueldad, la pobreza y el odio.

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• Cabaret es una gran película musical, ambientada en los años 30, que muestra la decadencia de un sector de la sociedad alemana en los últimos años de la república de Weimar, poco antes del ascenso de los nazis al poder.

Llama la atención una escena en especial: un joven uniformado con traje de las Juventudes Hitlerianas, comienza a cantar un tema, que habla del futuro que nos pertenece. Lentamente se le van uniendo otras personas, particularmente jóvenes y algunos hombres de mediana edad. Los ancianos escuchan con desdén la canción. Par unos existe un futuro, prometido por un partido político que avanza con fuerza. Para otros, todo ha llegada a su fin, y nada les importa.

Las letras de las canciones también hacen referencia a la crisis que se vive: Alemania no era más que un cabaret, donde había que tratar de vivir lo mejor posible, donde había que procurar la posesión de dinero y la felicidad, ya que comenzaba a flotar la sombra de la violencia y el terror nazi.

-LOS COMPOSITORES Y LA PROTAGONISTA: New York, New York volvió a unir a Liza Minnelli con el compositor John Kander y el letrista Fred Ebb (fallecido el mes pasado). A la edad de 19 años, Liza sustituyó a Eydie Gormé en el montaje teatral de Flora, The Red Menace (1965). Cuando al año siguiente se preparaba el montaje de Cabaret, Kander y Ebb consideraron que “su” joven estrella era la protagonista ideal, pero Harold Prince deseaba una actriz inglesa algo más madura. “Maybe This Time”, canción escrita para Liza Minnelli, fue retirada de la obra por sus autores, que se la ofrecieron a ésta para que la grabase de forma independiente. Cuando finalmente liza interpretó a Sally Bowles en Cabaret en cine, la canción fue reinsertada en la banda sonora original. Tras el estreno de Cabaret, Liza protagonizó un legendario especial televisivo dirigido por Bob Fosse, que contó con nuevas canciones de Kander y Ebb. Como regalo de sus 25 años de colaboraciones, Kander y Ebb obsequiaron a Liza Minnelli con una nueva canción que incorporarían en la banda sonora original de la película Stepping Out (1991) y que inmediatamente pasó a ocupar, en sus recitales, el lugar de privilegio que años antes había ocupado el “Theme For the New York, New York” o el más antiguo “Cabaret”.

-ARGUMENTO: Berlín, 1930. En el club nocturno “Kit Kat”, actúa una legendaria cantante americana llamada Sally Bowles. La joven alquila una de las habitaciones de su apartamento a Brian Roberts, un inglés bisexual del que no tardará en enamorarse. Ambos son seducidos por un playboy adinerado llamado Maximilian von Heune. Mientras una joven judía, Natalia Landauer heredera de una gran tienda se enamora de un gigoló, que guarda en secreto su origen judío por temor a los nazis. Sally queda embarazada y Brian le propone tener al hijo, pero ella no hace caso de la proposición y opta por el aborto. Él regresa a Inglaterra.

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• Esta película que Robert Altman rodó en 1975 sigue las vidas de 24 personajes en la capital de la música country en un complejo retrato de la doble obsesión con la celebridad y el poder.

Las actuaciones improvisadas de los actores ayudan a fomentar el sentimiento de que estamos asistiendo al curso natural de los acontecimientos, como también lo hacen la música (de Richard Bassin y Keith Carradine) y el sonio de fondo.

La combinación del comentario social con música ligera y cómica sirve a Altman para revelar la forma en que la entronización del mundo del espectáculo oscurece las relaciones personales y la conciencia política. Los críticos la catalogaron como una obra maestra y predijeron que sería un taquillazo. Aunque no fue un fracaso total, no obtuvo mucho éxito, ya que en el 75 el público estaba más interesado en Tiburón.

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• New York, New York (1977): Tomando el nombre de una de las canciones más populares que Leonard Bernstein compuso para la comedia musical Un Día En Nueva York (On the Town, 1949) Martin Scorsese (director) filmó su declaración de amor a Hollywood. Una declaración bañada de nostalgia y surgida del imborrable recuerdo que el cine había dejado en él desde su infancia y adolescencia: en el cine de los 40 y de los primeros 50, el de los grandes estudios, el del “star-system” y de fastuosos decorados y “glamour” sin límites.

En su sentido homenaje no pudo evitar introducir elementos contemporáneos y detalles extraídos de las propias vidas de quienes participaron en el filme. Estos factores desconcertaron, en el momento de su estreno, a crítica y público; sin embargo, fueron revalorizaros en la reposición del filme, con metraje adicional, al principio de la década de los 80. Discutido y discutible, New York, New York es además de una ofrenda de un Hollywood legendario, una declaración de principios del artista entregado a su obra, una aguda reflexión sobre las relaciones de pareja y, principalmente, un alarde audiovisual que cuenta con el honor de haber presentado el excepcional tema musical que da título a la película. Una canción relegada al olvido en la carrera de los “Oscar”, tal vez por la envidia inconfesa de que no hubiese sido escrita para la ciudad que, al fin y al cabo, albergaba a la industria a la que se pretendía homenajear.

En New York, New York se refleja el amor que los padres de Martin Scorsese inculcaron a su hijo por las grandes formaciones musicales que le llevaron a ver actuar a Paul Whiteman, Vaughn Monroe, Xavier Cugat…

Rebosante de optimismo, todo el equipo se reunió para asistir al inicio del rodaje de las primeras escenas, el espectacular número musical “Happy Endings”, 12 minutos en pantalla y 10 días de rodaje.

No habían pasado tres años desde el estreno de New York, New York cuando se produjo “el milagro”: Frank Sinatra volvió a los estudios para grabar su álbum Trilogy: Past, Present & Future, que incluía el tema de “New York, New York”. El impacto de esta nueva grabación reavivó el interés por la película y favoreció un relanzamiento en 1981 con críticas mucho más favorables que las recibidas en su estreno.

-ARGUMENTO: Agosto de 1945. Nueva York celebra el día de la victoria de las fuerzas aliadas sobre Japón. Los soldados acuden a las grandes salas de fiesta para beber y bailar hasta la extenuación. La mayoría lleva todavía el uniforme, otros encuentran un momento para deshacerse del traje militar y llevar ropa más informal que les facilite el acercamiento y a la conquista de una chica. Jimmy Doyle es uno de ellos. Cos su camisa hawaiana y unos cómodos zapatos acude a la Starlight Terrace, donde la orquesta de Tommy Dorsey anima la velada con su ritmo moderno. Jimmy a cuanta mujer se encuentra a menos de dos metros y, si la distancia es mayor, él se preocupa de acortarla. En una mesa descubre a una joven perteneciente al cuerpo femenino del ejército y la incluye en su lista de posibles conquistas. Ella, Francine Evans, rechaza los intentos de acercamiento de él. Cuando por fin se libra de él, éste aparece acompañado por su amigo Eddie que acaba de conquistar a su amiga. Incapaz de soportar aquella tortura Francine se marcha.

El destino ha jugado sus cartas y a la mañana siguiente se vuelven a encontrar en el vestíbulo del hotel donde se alojan Eddie y Jimmy, y por una noche la compañera de Francine. Ésta entre divertida e irritada, asiste a la representación de las dotes irónicas de Jimmy, que pretende irse sin pagar la cuenta. Aquella mañana Jimmy tiene una audición para actuar en un club; entonces Francine interviene para acompañar con su voz a Jimmy e introducir una nueva cadencia más adecuada. Francine consigue que sean contratados como dúo.

Aquella tarde celebran el acontecimiento, primero en actos públicos y luego en la intimidad. A Francine le surge la posibilidad de realizar una gira con la orquesta de Frankie Harte, con la que su colaboración con Jimmy termina antes de haberse iniciado. Jimmy, impresionado por la personalidad de Francine, va en su busca por todo el país y logra ser admitido en la orquesta de Frankie como saxofonista. En uno de sus arrebatos lleva a Francine ante un juez de paz para formalizar el matrimonio.

E medida que transcurre la gira, el desánimo hace mella en Frankie, quien decide abandonar y deshacerse de la agrupación; Francine, en nombre del resto de músicos le pide que les deje finalizar la gira con Jimmy al frente de la orquesta, lo que permitirá a éste introducir sus innovadores arreglos musicales. Rebautizada como The Jimmy Doyle Band, la formación obtiene éxito, al que no son ajenas las excepcionales dotes de Francine.

Las primeras señales de alarma en la relación afectivo-laboral de la pareja surgen cuando Francine trata de imponer su criterio en la forma de interpretar ciertas canciones. Jimmy es el director y no puede permitir que nadie se entrometa en su trabajo. Francine abandona encolerizada el escenario, al bajar por la escalera del camerino, sufre un desmayo: está embarazada. Lo que al principio es una noticia maravillosa para Jimmy se convierten en un nuevo motivo de disputas, ya que el médico ordena a Francine dejar la gira y permanecer en reposo si no quiere sufrir un aborto.

Con la marcha de Francine, su lugar en la orquesta (y en la cama de Jimmy) lo ocupa una mujer con escaso éxito en ambos cometidos. Jimmy cancela el reto de los conciertos y regresa a nueva York para reunirse con Francine, quien ha continuado trabajando poniendo su voz a anuncios publicitarios y doblando a actrices negadas para la canción Los productores desean que grabe un disco, lo cual motiva los celos de Jimmy. Como consecuencia de una violenta pelea n el coche, Francine tiene un parto prematuro. Jimmy acude al hospital a ver a Francine pero se niega a ver a su hijo. Ambos saben que si lo hace volverán a reconciliarse por un período de tiempo que Francine tarde en trabajar.

Diez años después Francine es una gran estrella del cine musical que regresa a Nueva York para ofrecer un recital en Starlight Terca. Jimmy ha alcanzado su sueño y es propietario de un local de jazz donde interpreta sus composiciones. Jimmy felicita a Francine y la invita a cenar, pero ésta se niega a ver al hombre que más a querido, el que más le hecho sufrir.

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• Este es uno de los últimos grandes musicales del cine. Esta historia de amor verdadero y angustia adolescente en 1955 pone los pies en movimiento, gracias a una banda sonora espectacular con canciones conocidas y la música original de Jim Jacobs y Warren Casey, con contribuciones importantes de Jonh Farrar y Barry Gibb. Junto con los espectaculares bailes otros placeres son la presencia de algunos viejos profesionales y la sentida interpretación de Stockard Channing. Debido a su impresionante éxito Grease conoció una secuela en 1982, Grease 2, que fue un fracaso total, excepto por la aparición de una jovencísima Michelle Pfeiffer.

El director Randal Kleiser creó un delicioso musical ambientado en los años 50 en el que podemos encontrar todos los ingredientes necesarios para que una película resulte atractiva y taquillera. No obstante, en este musical se encuentran también los tópicos posibles propios de la juventud de aquella época: chicos y chicas con ganas de diversión, romances, descapotables, hamburguesas, batidos por un tubo y bailes de instituto, todo perfectamente conjuntado para formar un atractivo filme con canciones y números musicales, de Bill Oakes, inolvidables, como “Summer Nights”, “Hopelessly Devoted to You”, etc.

-ARGUMENTO: Danny Zuko es el jefe de los T-Birds, una pandilla de payasos que se enfrenta a las peleas con una pistola de agua y un peine. Su contrapartida femenina en la guerra y en el amor son las Damas Rosadas: Rizzo, Frenchy, Marty y Jan. Aquí se trata de ser los más populares, volarse de clase y conseguir una pareja para el gran baile… excepto que Danny no se puede olvidar de su amor veraniego, Sandy, una “niña buena” que sus compinches no iban a aceptar con facilidad. Felizmente, ni Danny ni el público tienen que esforzarse mucho para que se les ocurra un final feliz.

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• Visionario, autodestructivo y sencillamente genial, Bob Fosse, director de Empieza el espectáculo (All That Jazz, del año 1979) revolucionó la escena de Broadway, primero con sus inconfundibles coreografías y más tarde como director. Su esperado paso al cine, como realizador, fue una forma más de encauzar un talento creativo incómodo con el encorsetamiento y los cánones establecidos. Su llegada, sin embargo, sucedió en un momento en que el género musical, entendido en su concepción clásica, se encontraba gravemente enfermo. En Noches En La Ciudad (Sweet Charity, 1968) se mostró discretamente innovador, pero en Cabaret (1972) aplicó su tratamiento de shock que no hizo más que agravar la débil salud del género en su rama más ortodoxa. Su siguiente aportación al musical siete años más tarde, Empieza El Espectáculo (All That Jazz), fue una especie de piadosa eutanasia, con ribetes de crueldades el modo y despliegue de genialidad en la forma de expresión del género, exorcizaba sus propios fantasmas personales y escribía su epitafio con lucidez, ironía y todo el amor y odio que es capaz de mostrar por el musical una persona que ha vivido por él y para él, y sabe que, a corto plazo, también va a morir por él. “All That Jazz” era el título del tema que abría el espectáculo; finalmente pasaría a llamarse “Chicago”, igual que la obra teatral de Maurine Dallas Watkins escrita en 1926.

-EL DIRECTOR: El director de Empieza El Espectáculo y Cabaret, Robert Louis Fosse inició su carrera en el vodevil. A la Temprana edad de 13 años ya había formado con Charles Grass la pareja artística The Riff Brothers, actuando en clubes nocturnos, programas de radio y televisión y en cualquier lugar donde precisasen a un aplicado bailarín de estilizada figura. Sus primeras intervenciones en cine llegarían un poco más tarde, a primeros de los 50, en un puñado de musicales de la Metro-Goldwyn-Mayer entre los que destacó su aportación en Kiss Me, Kate (1953), con el breve, pero intensamente sensual, baile junto a Carol Haney en el número musical “From This Moment On”.

Al año siguiente, en su debut como corógrafo para un espectáculo de Broadway, Fosse crearía, precisamente con Carol Haney, dos números que a ambos les reportaría la inmortalidad en el séptimo arte.

-ARGUMENTO: Joe Gideon es un hombre del espectáculo de 50 años y se encuentra dominado por una estupenda hiperactividad. Cada mañana toma unas aspirinas efervescentes para atacar la resaca, se da una ducha e ingiere unas anfetaminas para afrontar la jornada laboral.

La actual función de Joe se desarrolla en un circo de varias pistas: en la primera se inician los preparativos de un nuevo montaje teatral, en la segunda tiene lugar un interminable proceso de montaje de la película que ya hace meses que acabado de rodar; en la tercera se alternan sus diversas historias de amor; en al última, mucho más pausadamente, Joe reflexiona sobre su vida pasada y presente, frente a la fascinante Jacqueline; él vestido de negro y ella de blanco.

El nuevo musical de Gideon está en su fase de preparación más primaria; la estrella de la función será, por supuesto, Audrey Paris, su ex mujer y, sin embargo, excelente amiga y colaboradora. El resto del cuerpo de baile todavía debe ser seleccionado entre cientos de aspirantes. Antiguos colaboradores de Gideon que saben cómo alimentar su ego, junto a exuberantes bailarinas que saben cómo concertar entrevistas íntimas, acaban de redondear el número de seleccionados.

El director no dispone de tiempo para dialogar con los elegidos, ni tan siquiera para ir al cine con su hija, a pesar de habérselo prometido; le espera el equipo de montadores que trata de dar a El Fantasista la forma deseada pro Gideon. Por la noche una de las coristas, en agradecimiento por el trabajo obtenido y en espera de conseguir un papel en la próxima película de Gideon, le hace una visita a su apartamento y se queda hasta la mañana siguiente. Kate Jagger, la novia oficial de Joe, acude a medianoche y descubre que su lado de la cama ya está ocupado. Cuando Joe presenta sus disculpas, Kate le comunica que ha recibido la oferta de ir a trabajar de gira con la obra que está representando. Joe le suplica que se quede en Nueva York, pronunciando cada palabra como si le estuvieran extrayendo la muela del juicio.

El Fantasista empieza a preocupar a los productores, el presupuesto se ha sobrepasado en más de dos millones de dólares a causa de un montaje que ha superado el medio año de trabajo. Las breves escenas que pueden ver, sin embargo, les devuelven la confianza en el producto y aceptan someterse ala voluntad del genio creador de Gideon que, por otro lado, es asegurado en un millón de dólares antes de empezar a trabajar en su nuevo montaje teatral.

Joe continúa sus conversaciones con la misteriosa Jacqueline. En ellas aparecen sus fantasmas del pasado: los accidentalmente eróticos inicios del “burlesque”, las palabras de su madre acerca de la fascinación que Joe siempre ha tenido por la muerte; la época en que convivió y compartió su cama con dos mujeres al mimo tiempo… Junto a estos desahogos emocionales, Joe encuentra el apoyo de las otras dos mujeres más importantes de su vida, su ex mujer y su hija. Con ellas comparte confidencias y momentos de gran intimidad mientras ensayan algún paso de baile. De esto, Joe extrae nuevas ideas para su trabajo, concretamente un número referente a una compañía de aviación que él transforma en vuelos eróticos como no los hubiese imaginado nadie. Tras el ensayo de número, los productores muestran su desconcierto y desconfianza en la aceptación por parte del público. Audrey, la persona cuya opinión siempre le ha merecido a Joe mayor respeto, con los ojos brillantes, le certifica que es lo mejor que ha hecho en su vida.

Por fin se produce el estreno de la película; sin embrago, Joe debe ser internado en al hospital a causa de una crisis cardiaca, a pesar de la cual tiene ocasión de leer las críticas. Debe permanecer tres semanas en reposo. En pocas horas Joe transforma la habitación del hospital en una extensión de su apartamento, allí recibe a sus amigos, fuma, almacena botellas de vino, se acuesta con sus amantes y en el tiempo libre seduce enfermeras. El conjunto es más de lo que el corazón de Joe es capaz de soportar y sufre una angina de pecho que le obliga a pasar por el quirófano.

Mientras se el efectúa un bypass a corazón abierto, los involucrados en el montaje teatral buscan a un posible sustituto; junto con la compañía aseguradora, llegan a la conclusión de que sería mucho más rentable para ellos la muerte de Gideon y no llegar a estrenar la obra. La operación es un aparente éxito, y Gideon, bajo los efectos de la anestesia, imagina su filme musical ambientado en un hospital. Para entonces Jacqueline ya se ha identificado como la mensajera de la muerte que ha señalado a Joe con un tierno beso.

Una nueva crisis vuelve a atacar al corazón de Joe, el cual arrancándose todos los tubos de control y medicación deambula por el hospital hasta acabar en la habitación del conserje mientras canta viejas canciones de los años 40. Poco antes de morir, el acelerado cerebro de Joe aún encuentra tiempo para imaginar la despedida de sus seres queridos con un “Bye, Bye Life”.

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• A finales de la década de los 70, como bien se habían encargado de airear las productoras, el musical era un género cinematográfico trasnochado, impopular y, lo más importante para las productoras, muy poco rentable en las taquillas. Lejana ya la época en que los grandes estudios podían contar con un equipo fijo de actores-bailarines-cantantes, compositores, coreógrafos…, los costes de producción se disparaban hasta cifras difícilmente equiparables a las que reportaban las taquillas.

En el año 1974, Metro-Goldwyn-Mayer, líder indiscutible del género, rebuscó en un amplio catálogo y presentó el más espectacular de sus musicales: That´s Entertainment, recopilación de maravillosos fragmentos entresacados de su amplia producción comprendida entre Broadway Melody y Gigi, confirmado definitivamente, al musical clásico como un género perteneciente al pasado.

Los historiadores del musical no pudieron rematar sus trabajos con el broche de oro de Érase una vez en Hollywood, ni siquiera con el filme que ironizaba magistralmente, entre otras muchas cosas, sobre la defunción del género, Empieza el Espectáculo. En los años siguientes tuvieron que recurrir a los tratados de sociología para actualizar los “cómo”, “cuándo” y “por qué” de una revitalización del cine de género musical bajo unas pautas muy diferentes a las que habían regido hasta entonces.

La resurrección del cine musical la produjo Fiebre del Sábado Noche (1977). Al año siguiente hubo una verdadera explosión de filmes cuya fuerza se basaba, principalmente en la efectividad de una banda sonora “disco-pop-rock” y en muchos casos en la presencia física de sus máximos representantes del momento. “Thank God, it's Friday”, con Donna Summer cantando en el filme Last Dance. “FM” con Linda Rondstadt, Jimmy Buffet, Tom Pretty, y en la banda sonora Eagles, Queen y Steely Dan entre otros. “The Wiz” con Diana Ross y Michael Jackson en una adaptación teatral de El Mago de Oz. “Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band”, inspirado en el celebérrimo álbum de The Beatles, servido por Peter Frampton, Bee Gees y Alice Cooper, y producido por Robert Stiwood en un momento de resaca tras un encuentro con Allan Carr. Aquel mismo año Stiwood presentó otro puntual de lo que puede denominarse musical moderno, Grease.

La música de Fiebre del Sábado Noche sobrevivió ampliamente. En los numerosos subproductos realizados a su imagen y semejanza, procedentes de los más diversos países, se habían probado casi todas las variaciones posibles. Sólo restaba presentar una versión femenina de Tony Manero incorporando los últimos elementos musicales del momento.

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•En ningún momento se concibió Flashdance como un filme trascendente e imprescindible para los archivos de las más selectas filmotecas y museos de arte moderno. Sus productores ejecutivos, Jon Peters y Peter Guber, habían obtenido un envidiable rendimiento de A Star Is Born, An American Werewolf In London y Midnight Express, lo cual les permitió apoyar la realización de títulos más comprometidos. Peters y Guber precisaban nuevos proyectos de la máxima rentabilidad, lo cual significaba un presupuesto bajo, una realización sencilla, nulas implicaciones políticas o intelectuales y consumo rápido y masivo. Una fácil solución a sus necesidades fue la combinación de las diversas “fiebres” del cine en aquellos años. En aquel momento: el “síndrome Cenicienta” provocado por Oficial y Caballero, el culto al cuerpo y el deseo irreprimible de cualquier adolescente de llegar a ser uno de los chicos de Fama. A estos tres pilares había que sumar la aparición del “breakdance” y la voluntad de presentar en la sociedad una alternativa femenina al Tony Manero de Jonh Travolta. Este rítmico cóctel fue bautizado Flashdance, término que para sus creadores definía la incorporación de cualquier detalle extraído de la vida cotidiana a las rutinas de baile autodidacta.

La banda sonora incluía cuatro temas escritos por Giorgo Moroder, el cotizado compositor de estrellas del pop como Donna Summer. Una de sus canciones, “Flashance…what a feeling” interpretada por Irene Cara, resultaría premiada con un Oscar.

La irrefutable prueba de que Flashdance había entrado a formar parte de los títulos clave de la década era que el mismo año de su estreno ya se había rodado una parodia pornográfica.

-ARGUMENTO: Alexandra Owens, Alex para sus amigos y compañeros de trabajo, es una voluntariosa, ecológica e independiente joven que acaba de cumplir 18 años. A pesar de su corta edad, Alex ha tenido el coraje de abandonar su pueblo natal e instalarse en un almacén de Pittsburg que ella misma ha decorado y donde vive con su perro Grunt. Aunque Alex sueña con ser bailarina clásica, nunca había llegado a tomar clases de ballet. Su ocupación más bien se encuentra en el extremo opuesto de la danza: durante el trabaja como soldadora en una empresa de construcción y por las noches refuerza su salario bailando en un local abarrotado de clientela masculina.