Movimientos artísticos del siglo XX

Arte contemporáneo. Fauvismo. Expresionismo. Cubismo. Futurismo. Dadaísmo. Surrealismo. Abstracción geométrica

  • Enviado por: Jose Carlos (koby)
  • Idioma: castellano
  • País: España España
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MOVIMIENTOS ARTISTICOS CONTEMPORANEOS

Fauvismo 2

Expresionismo 3

Expresionismo abstracto 5

Cubismo 6

Futurismo 13

Dadaísmo 14

Surrealismo 15

Abstracción geométrica 16

FAUVISMO

El nombre de Fauvismo fue asignado a un grupo de jóvenes pintores franceses que exponían juntos en el Salon díAutomne de 1905 y a los que el crítico Louis Vauxcelles llamó en tono burlón "fauves", bestias salvajes. Tomaron los estridentes colores y las simplificaciones que rozaban lo infantil, así como las distorsiones del Neo impresionismo y del Post Impresionismo; de la técnica puntillista, la intensa luminosidad de Seurat; los colores hoscos y los vigorosos brochazos de Van Gogh; la creación del volumen a través de las relaciones de los colores de Cezánne; la plenitud de

colores de Gauguin. Utilizaron un idioma de lo decorativo insistente en la idea, formulada en 1890 por Maurice Denis, de que "cualquier pintura - antes de convertirse en un caballo de guerra, un desnudo, o cualquier anécdota - es esencialmente una superficie plana cubierta con colores enlazados en un cierto orden".

Entre los autores más representativos del Fauvismo nos encontramos con Georges Rouault, George Braque y Othon Friesz. Como movimiento, el Fauvismo no duró más de cinco años (1905-1908): El trabajo de Matisse, Marquet y Dufy continuó en la línea comenzada por el fauvismo. A pesar de que tomaron caminos diferentes, el influjo de este estilo tan espectacular y persistente tuvo efecto en el uso que se le dio al color en la pintura del siglo XX.

EXPRESIONISMO

No se trata específicamente de un movimiento artístico moderno sino que más bien una ya recurrida tendencia en el arte del Norte - el uso de las distorsiones violentas y exageraciones al servicio de la expresividad emocional.

El expresionismo como movimiento moderno comenzó alrededor de 1880-90, con artistas como el noruego Edward Munch y el belga James Ensor. En 1900, un buen número de pintores y escultores expresionistas surgieron en Alemania, y ellos mismos se bautizaron con el nombre de " Die Brücke" - El Puente - . Este grupo incluía artistas como Kirchner, Nolde, Heckel y Schmidt-Rottluff. Las influencias de su estilo tiene origen en Munh y Van Gogh y más directamente en Fauves, en cuyas formas llamativas y colores hoscos descubrieron cómo combinar sentimientos y emociones de violencia o angustia.

Al mismo tiempo, Austria contaba con dos notables pintores expresionistas siguiendo la estela de Klimt, Kokoschka y Schiele. El elemento de los comentarios sociales en estos primeros años del expresionismo artístico fue más tarde desarrollado por Beckmann y más especialmente por Grosz, que fue,ante todo, un satírico de la política.

El Jinete azul. The Blue Rider Se trata del nombre de un grupo que se formó en Munich en 1912. Sus miembros y adheridos incluían al ruso Kandinsky, al suizo Klee, al alemán Marc, al americano Feinger, al alsaciano Arp, al ruso Jawlensky, y el alemán Macke.

No tenían un estilo de grupo: las influencias sobre sus miembros incluían el Fauvismo, el grupo de El Puente, Cubismo, Futurismo y el arte folk ruso. Lo que tenían en común era una actitud muy bien definida por palabras de Klee: "El arte no proporciona lo visible, se hace visible".

Ellos vieron en el arte como una objetivación de las fuerzas que provenían del cosmos - fuerzas naturales, emocionales, espirituales. Algunos tenían una visión del mundo influenciada por la Teosofía o por la metafísica de la antigüedad oriental o por los místicos cristianos como Eckehart.

El año en el que fue formado el grupo de El Jinete Azul, Kandinsky público su "De lo espiritual en el Arte", escrito en1910 y en el que argumentaba que un cuadro no necesita hacer referencia a objetos externos y, sin embargo, sugerir emociones y sentimientos a través del impacto directo del color y de las formas, trabajándolos como si fueran una música visual.

Desde 1910, en sus pinturas caminaba hacia este ideal de la no figuración. Aunque algún otro miembro de El Jinete Azul experimentó con la no figuración, ninguno de ellos incurrió por completo en la abstracción. Lo que sí hicieron todos fue enfatizar la musicalidad de la pintura, especialmente el color.

Tras la I Guerra Mundial se convirtieron en tutores de la Bahaus en Weimar, una escuela de diseño cuyo trabajo tuvo una influencia muy grande en la práctica de la arquitectura y el diseño tanto de interior como industrial.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

"Expresionismo Abstracto" es uno de los nombres con los que se denomina a este movimiento desarrollado desde 1945.

Nueva York ha sido su principal sede, y ésta es la razón por la que esta ciudad norteamericana ha tomado el relevo de París como capital del arte.

El alza del movimiento en Nueva York se debe, en gran parte, a que muchos artistas parisinos recalaron en esa ciudad durante la Guerra.

A pesar de su nombre, el Expresionismo Abstracto debe más a algunos aspectos del Surrealismo que a ningún otro movimiento previo, de tal forma que Robert Motherwell sugirió denominarlo "Surrealismo Abstracto".

Los principales exponentes americanos de la pintura expresionista abstracta son Gorky - enlace con el Surrealismo -, de Kooning, Rothko, Pollock, y Guston. Entre los escultores destacan David Smith y Lassaw.

Ningún movimiento moderno ha tenido menos unidad en el estilo; ni siquiera el Blue Rider, cuyos miembros habían compartido predilecciones hacia ciertas formas y combinaciones de colores.

Este movimiento tampoco tiene un programa teórico; sólo un principio que hace de guía: el énfasis sobre la creatividad del acto de pintar, un rechazo a hacer planes por adelantado y decidir, antes del proceso de pintar o dibujar, qué aspecto va a tener la obra o qué es lo que quiere significar.

La idea con la que se comienza un trabajo es simplemente un medio para poner en marcha ese trabajo, y la ejecución es el proceso por el cual se descubre en qué será transformada la idea inicial. El pintor debe liberarse de conceptos preconcebidos como qué constituye un buen cuadro y trabajar con la pintura de acuerdo con sus propios instintos, y no con lo que le gustaría que fuesen sus instintos.

Encontramos todos los ejemplos de Expresionismo Abstracto Europeo en los artistas que trabajan en París a excepción de uno. Michaux, Hartung y Wols se desarrollaron independientemente de los pintores americanos. Mathieu está influenciado por Pollock al igual que Hartung. Davi proviene de un temprano Pollock y del Surrealismo. Alechinsky, un belga , era un miembro del grupo de la "Cobra" , fundado en 1948 por artistas que trabajaban en Copenhague, Bruselas y Amsterdam (incluye a Aser Jorn y Karel Appel) que estaban influidos por los pintores americanos y por Dubuffet.

CUBISMO

El Cubismo nació de la creación conjunta de Picasso y Braque. Tanto unieron su creación que Braque afirmó más tarde que durante su evolución ellos fueron ëcomo montañeros escalando juntos. Estuvieron, de hecho, tan aislados como montañeros durante los tres primeros años de su exploración del nuevo territorio. Pero a partir de 1910 consiguieron una multitud de seguidores entre los jóvenes pintores de París, inspiraron el nuevo desarrollo en Italia, Alemania, Rusia e Inglaterra, e incluso influenciaron a Matisse. El Cubismo ha sido el movimiento que más influencia ha tenido en el siglo XX,ya sea por seguimiento o por rechazo.

Su desarrollo comenzó con una enorme pintura que Picasso completó en la primavera de 1907: ëLas señoritas de Avignoní. Picasso, que tenía entonces alrededor de 25 años, ya era reconocido como un artista excepcional, pero aquel extraño y violento cuadro disgustó y perturbó incluso a sus amigos, Braque entre ellos.

Desde el Renacimiento, la pintura europea ha expresado el volumen y el espacio utilizando perspectivas centralizadas y el claroscuro. Picasso y Braque intentaron hacer eso mismo combinando dentro de una misma imagen elementos elegidos de una variedad de vistas del objeto representado. Ellos tomaron aspectos de una escena que no podían verse al mismo tiempo y los hicieron visibles simultáneamente. Así pues, los pintores Cubistas no distorsionan la representación de una escena sino su construcción, conseguida a base de diferentes fragmentos de una escena.

La descomposición en facetas de las primeras pinturas cubistas se inspiraba en cierto tipo de máscaras negras y, aún más, en Cézanne. Cézanne habitualmente resaltaba los planos horizontales del motivo, diferentes puntos de vista en un mismo cuadro. El pintaba el extremo cercano de un plano achatado con una clara definición mientras permitía que el extremo lejano fundirse en el espacio. Braque y Picasso tomaron esos principios y los exageraron.

Como Braque y Picasso, Cézanne se había obsesionado con la contradicción entre conceptos duales de pintura para representar sensaciones de realidad y representar una armonía arquitectónica autosuficiente. Para Cézanne, era impensable subordinar la primera demanda a las segunda. Para los Cubistas, por otro lado, la construcción del cuadro mismo era una necesidad primaria. Esto les condujo a enfatizar la geometría de sus diseños. En esto estaban alentados por un comentario de una carta de Cézanne a un joven pintor que fue publicada póstumamente en Octubre de 1907: ëPactar con la naturaleza el significado de cilindro, la esfera, el cono.í.

Entre 1910 y 1912, época denominada de "Cubismo analítico" las estructuras cristalinas llegaron a ser más y más complicadas y las piezas de los puzzles transparentes se hicieron más y más pequeñas. Braque y Picasso encontraron que sus pinturas, contrariamente a sus deseos, se estaban convirtiendo en ilegibles imágenes del mundo exterior. Esperando introducir de nuevo el sentido de los objetos del mundo en sus trabajos, en 1912 Picasso y Braque comenzaron a realizar cuadros incorporando fragmentos de objetos reales, tales como periódicos, envoltorios, y encerados. Esta técnica se denominó ëpapier colléí (Collage). Los trasparentes disidentes del Cubismo analítico dieron lugar a un componente más grande: este desarrollo se conoció como "Cubismo sintético". Su idioma estaba profundamente influenciado por las máscaras africanas de Ivory Coas que Picasso poseía. La influencia es especialmente evidente en ciertas construcciones en relieve, pero es igualmente crucial para trabajos sobre el plano. El principio que subyacía en el Cubismo sintético, era la unión de las partes que componían el todo - como construir una casa prefabricada con partes ya hechas en vez de construir una desde la tierra, desde el comienzo. La técnica de papier collé supone que la pintura se ensambla en un sentido físico. Pero la idea de ensamblaje es tan operativa en un Cubismo sintético pintado como en uno que incorpore piezas cortadas de papel y corrugadas.

Después de 1910, Picasso y Braque rápidamente iniciaron un seguimiento entre los jóvenes pintores y escultores. Dos de ellos, Gleizes y Jean Metzinger, colaboraron en los primeros libros sobre Cubismo, publicados en 1912. En París se encuentran otros Cubistas tanto de origen francés como Léger, Delaunay, Villon y Laures, como inmigrantes, por ejemplo Juan Gris de España, Mondrian de Holanda y Marcoussis de Suecia. Jóvenes artistas que trabajaban en otros países - Italia, Alemania, Rusia, Inglaterra - se dieron cuenta de la importancia del Cubismo y de sus teorías visitando París, a través de publicaciones o incluso a través de las palabras de otras personas. En torno a 1914 el Cubismo influía en todo el mundo.

PABLO RUIZ PICASSO

Pintor español; nació en Málaga en 1881 y murió en Mougins en 1973. Es la figura más representativa e influyente del arte contemporáneo.

En 1886 pintó su primer cuadro, un Picador.

A los diez años se trasladó a La Coruña donde cursó algunos estudios, pero sobre todo pintó y dibujó bajo la dirección de su padre. De los tres años pasados en La Coruña son algunos lienzos, como La pareja de viejos, El hombre de la gorra y La niña de los pies descalzos.

A finales de septiembre de 1895 marchó con su familia a Barcelona, nuevo destino de su padre, quién pasó a desempeñar su cargo de profesor de dibujo en la escuela provincial de Bellas Artes de dicha ciudad. Tras brillantes ejercicios, ingresó en las clases superiores de dibujo y pintura de aquel centro, cuyas aulas frecuentó durante dos cursos. En 1896 participó, con el cuadro Primera comunión, en la exposición de Bellas Artes de Barcelona y al año siguiente obtuvo, con el titulado Ciencia y caridad, una mención honorífica en la exposición nacional de Madrid, recompensa que volvió a obtener en la nacional siguiente con el cuadro Costumbres aragonesas.

Cayó enfermo de escarlatina en Junio de 1898 en Madrid donde proseguía sus estudios en la escuela de Bellas Artes.

La estancia en Horta de San Juan (Tarragona) influyó poderosamente en su enraizamiento en Cataluña y, como se advierte en las obras que realizó allí, en su liberación de las preocupaciones escolares a que se había mantenido fiel hasta entonces. Allí frecuentó la vida nocturna del Paralelo y el cenáculo modernista de la cervecería "Els quatre gats", donde en febrero de 1900 realizó una exposición, compuesta principalmente de retratos de sus amigos pintores y escritores de aquel cenáculo.

En octubre del mimo año efectuó, en compañía de Casagemas y Pallarés, su primer viaje a París y se instaló en Montmartre, en el estudio que le cedió Isidro Nonell. Esta primera estancia de Picasso en la capital francesa fue breve, de tres meses escasos, pero durante ella pintó mucho: El molino de la Galette, La dama del velo y La bailarina azul.

Regresó a Madrid, donde fundó, con el escritor catalán Francisco de A. Soler, la efímera revista Arte Joven.

A fines de mayo realizó su segundo viaje a París, donde expuso, junto con el pintor vasco Francisco Iturrino, en la galería Vollard y pintó la mayoría de las obras de su "Época Lautrec". Tras una nueva estancia en Barcelona, en octubre de 1902 volvió a París.

Allí se produjeron los inicios de su "Época Azul", que se proseguiría en Barcelona con obras como El block, Pobres a orillas del mar, El viejo guitarrista, y La vida.

Tras un corto viaje a Países Bajos (en el verano de 1905), que señala los inicios de un cambio de estilo en su obra, dio comienzo a su "Época Rosa", compuesta principalmente de arlequines y gente de circo, con obras como Acróbatas de la bola y Familia de saltimbanquis.

Pasó el verano de 1906 en Gósol (Lérida) con su primera compañera, Fernande Olivier, quien más adelante en su libro "Picasso y sus amigos", ofrecería una vívida imagen del Picasso de aquellos años. En Gósol, donde pintó Mujer con panes, empezó la etapa de geometrización de formas y volúmenes que, a través de Les demoiselles d'Avignon, conduciría a la llamada "Época Precubista", en la cual se conjuga el influjo de Cézanne con el de las esculturas ibéricas y las máscaras africanas.

El cubismo, desarrollado plenamente por Picasso y Braque, tuvo su punto de partida en el verano que el primero pasó, en 1909, junto con Fernande y Pallarés, en Horta de San Juan, donde pintó especialmente Fábrica en Horta y Fernande. La etapa siguiente es la del "Cubismo Analítico", complejo de disgregación geométrica de las figuras y su fusión, asimismo intrincada; está representada, entre otros, por los grandes retratos de Vollard, Wilhelm Uhde y Kahnweiler.

El cubismo, que persistiría en la obra de Picasso hasta la década 1920-30, tuvo otras modalidades -como el cubismo rococó y el cubismo curvilíneo-, pero asimismo se conjugó en su obra con diversas orientaciones estilísticas: Retratos realistas y la llamada "Época clásica", con alternancias de un concepto monumental y agigantado de las formas (como el título Tres mujeres en la fuente) y una interpretación más amable y serena de la figura, como en sus maternidades, arlequines y amantes de diversos años (como el título Arlequín). En 1913, año en que falleció su padre, volvió a pasar el verano en Céret, y en otoño pintó Mujer en camisa, en un sillón.

En febrero de 1917 realizó un viaje a Roma, con el poeta Jean Cocteau, para preparar los decorados y figurines del ballet Parade. En aquel viaje visitó Nápoles y Pompeya, y conoció a una bailarina: Olga Koklova, con la cual, contrajo matrimonio a mediados de 1918.

En 1921 nació Pablo, su único hijo legítimo, y durante su estancia en Fontainebleau pintó los lienzos titulados Los tres músicos, dos de las obras maestras de sus últimas fases cubistas. Siguieron obras neoclasicistas o del llamado "Período pompeyano", como Mujer sentada, La griega y La flauta de Pan al igual que los encantadores retratos de su hijo Pablo y Arlequín y Pablo.

Obras como La danza, o el "collage" Guitarra, en la última de las cuales se inaugura la introducción de arpilleras y clavos en la pintura contemporánea, pueden considerarse afines de las preocupaciones de los surrealistas.

El grabado, que había cultivado en 1905 con la serie de trece planchas de La comida frugal, fue reemprendido por él a partir de 1927, cuando empezó las ilustraciones de Le chef d'oeuvre inconnu, de Balzac, a las cuales seguirían, entre otras, las de Las metamorfosis, de Ovidio, el grabado Minotauromaquia, las aguatintas de la Historia natural, de Buffon y las de La tauromaquia, de Pepe-Hillo. También, en el año siguiente, volvió a la escultura, arte en el cual se había iniciado en Barcelona con Mujer sentada y que, en su obra, corre paralelo a la mayoría de sus etapas pictóricas: La Cabeza de mujer, cubista; El hambre del cordero y la Cabra, figuran entre sus realizaciones escultóricas más importantes o significativas.

En 1934 efectuó su último viaje por España y, la ruptura con su esposa le ocasionó una crisis que le llevó a un alejamiento temporal de la pintura. Entonces empezó a escribir algunos poemas, a los cuales seguirían otros escritos, el más famoso de los cuales es su obra de teatro Le désir attrapé par la queue.

Volvió a la pintura en la primavera de 1936, cuando ya se hallaba viviendo con Marine Thérese Walter, que aquel mismo año le había dado una hija, Maya. Al estallar la guerra civil española, el gobierno republicano le nombró director del museo del Prado, y, al año siguiente, al producirse la destrucción de Guernica por la aviación alemana, pintó su gran composición de dicho título.

En 1939 murió su madre y él se vio sorprendido en Antibes por la guerra mundial; de allí se retiró a Royan, para al año siguiente trasladarse a París, que no abandonaría durante toda la ocupación . Muchas de las obras que produjo entonces, en especial Gato devorando un pájaro, Naturaleza muerta con cabeza de buey y La alborada, reflejan las tensiones angustiosas y las zozobras espirituales de aquellos años.

en 1945 se dedicó intensamente a la litografía, produciendo en seis meses unas doscientas obras por este procedimiento. En 1946, cuando empezó a vivir con Françoise Gilot, pintó durante cuatro meses en el palacio de los Grimaldi.

En 1947 empezó su actividad como ceramista en la fábrica Madoura, de Vallauris, población para la que, en 1952, pintó sus dos grandes composiciones La guerra y La paz en una antigua capilla. En los años siguientes realizó diversos viajes para asistir a los Congresos mundiales de la paz, en cuyos carteles se reprodujo la famosa Paloma de Picasso. En 1953 se produjo su ruptura con Françoise Gilot, que le había dado des hijos: Claude y Paloma. Poco después empezó a vivir con Jacqueline Roque, con la cual, ya fallecida su primera mujer, contrajo matrimonio en 1958. De este mismo año es su composición mural, La caída de Ícaro, para el edificio de la Unesco en París.

En sus últimos años, gran parte de su obra se compone de variaciones sobre temas de pintores del pasado.

FUTURISMO

El futurismo comenzó en Italia en 1909. Su preocupación estética primordial era la expresión del movimiento. Pero también promovió la preocupación por la ética y la política -un odio a la tradición, una lucha en la modernidad y la ciencia, un ferviente patriotismo, la creencia en el poder de la guerra para purificar-; se trataba, en suma, de un anticipo del fascismo.

En sus pinturas aparece constantemente la idea de progreso industrial: la ciudad en pleno crecimiento, construcciones, máquinas en movimiento. Lo que les interesa es la expansión, el crecimiento, los movimientos, no sólo de los objetos, sino también de las ciudades.

La pintura futurista asumió el lenguaje cristalino del Cubismo analítico y las dotes puntillistas del Neo-Impresionismo. Al igual que el Cubismo, introdujo en la pintura una serie de sensaciones separadas. Pero mientras que en el cubismo las sensaciones eran diferentes aspectos de un objeto estático visto con algo de movimiento, en el futurismo el espectador permanece estático y el objeto adquiere movimiento. El "perro de Balla", con diferentes rabos, es ejemplo de esta idea.

El Russolo ejemplifica un concepto del futurismo menos literal, el de "la fuerza en las líneas" como diagramas de energía.

Las pinturas futuristas se parecen a fotografías consecutivas cuyas diferentes imágenes se han superpuesto.

DADAISMO

El Dadaísmo nació en Alemania y Suiza durante la Primera Guerra Mundial, y despúes de la conflagración se trasladó a París. No era tanto un movimiento artístico como una actitud, una actitud de revuelta y de desprecio, de disgusto frente al orden social existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de poder, y frente al arte tradicional, que había quedado invalidado por el hecho de que la sociedad lo consideró respetable. El bigote y la inscripción obscena en la "Mona Lisa" ilustra perfectamente esta actitud. Los Dadaístas experimentaron diversos estilos artísticos, algunos de los cuales serían desarrollados posteriormente por los Surrealistas. En el período de entreguerras, el Surrealismo (asentado en París y altamente cosmopolita) dominó el mundo del arte y jugó un papel importante en la literatura y en el cine. A partir de mediados de los años 40, muchos de sus reclutas más relevantes vinieron de América.

SURREALISMO

Frente a la tendencia de los artistas modernos a considerar las cualidades formales de una obra artística como el aspecto principal, los surrealistas reafirmaron la importancia de la materia. Su objetivo era que el cuadro contara una historia, una historia sin sentido (como ocurre con los sueños, historias muchas veces sin sentido), una historia irracional que sorprenda al espectador y le transmita terror y asombro.

Hubo una serie de artistas que precedieron a los integrantes del Surrealismo en los que se pueden apreciar algunos rasgos que posteriormente serían adoptados por los principales exponentes de este movimiento: pintores como Bosch,Arcimboldo, el aduanero Rousseau; literatos como William Blake, Rimbaud, el Marqués de Sade, Lewis Carroll. De Chirico y Lautrémont son reconocidos como los más influyentes. El último de estos es el autor de "Les Chants du Maldoror", quien escribió acerca de la belleza "de un encuentro casual de una máquina de coser con un paragüas en una mesa de operaciones" y del "deseo reducir al lector a una estatua de utter ideocy". "La belleza será convulsiva o nada", escribió André Breton, el poeta considerado padre espiritual del movimiento. Para los surrealistas la fantasía no era unaparte del arte: toda experiencia humana debía ser fantástica. Su punto de vista del papel del subconsciente en la vida y el arte se derivaba de las teorías de Freud. "La ciudad durmiente" de Paul Delvaux ejemplifica un tipo de Surrealismo derivado directamente de De Chirico, en el que las yuxtaposiciones fantasticas se pintan literalmente dentro de una profunda perspectiva. Los Surrealistas también se caracterizaron por crear imágenes tangibles que daban vida a asociaciones pesadillescas introduciendo en ellas objetos cotidianos. La preocupación de los Surrealistas por descubrir asociaciones entre cosas disparatadas fue manifiesta, no sólo en sorprendentes yuxtaposiciones de objetos sino también en la creación de juegos de palabras visuales. Evocando cosas diferentes al mismo tiempo, dejaban implícita la posibilidad de que una de esas cosas pudiera transformarse en otra o en otras. El arte primitivo, con sus propósitos mágicos, is rico en tales formas, y los Surrealistas se inspiraron especialmente en el arte Oceánico.

ABSTRACIÓN GEOMÉTRICA

Alrededor de 1911-12, artistas de varios países empezaron a hacer pinturas y esculturas no figurativas de formas geométricas. Este interés por las posibilidades de los círculos y rectángulos, líneas rectas y arcos confirmaba un creciente auge del Cubismo.

Braque y Picasso creían que la pintura estaba incompleta si no hacía referencia - claramente o de una forma menos evidente - al mundo de los objetos. Otros artistas, en algunos casos después de haber atravesado un período cubista, adquirían la convicción de que la Geometría era suficiente.

París contribuyó a la temprana Abstracción Geométrica con el trabajo del orfista Delanuy y de Czech Kupka. Sus formas eran significativamente más libres que las rigurosas abstracciones producidas primero en Rusia y más tarde en Holanda. El Suprematismo de Malevich era místico en su contenido; por el contrario, el Constructivismo de Tatling sugería una religión de la técnica. Tatling y sus seguidores hicieron sus construcciones tridimensionales combinando metal, vidrio o madera. Su construcción más ambiciosa fue un proyecto para un monumento público. Iba a ser una estructura de acero con, aproximadamente, 1.300 pies de altura y partes de ella rotaban a diferentes velocidades. El Abstraccionismo Ruso dio la bienvenida a la revolución: La revolución fu su primer alidao pero pronto lo rechazaron.

La Abstracción Geométrica ha tendido a soñar con un entorno utópico para el hombre moderno creado a la imagen de su arte. El grupo de de Stijil, en cuyos miembros se incluyen Mondrian y Vantongerloo, y los pintores del la sala de enseñanza de la Bauhaus en Weimar y Dessau, que incluye a Albers y Moholy-Nagy, han triunfado en su idea de influir en la arquitectura, diseño de interiores, muebles y tipografía.

Los exponentes franceses de la pintura de Abstracción Geométrica surgen entre las guerras mundiales, como Herbin y Hélion, eran menos rigurosos en su aproximación que Mondrian, Malevich o Albers, y tendín hacia una mayor complejidad de los diseños. Aunque Hélion habia comenzado como un alumno de Mondrian, su abstracción se podía considerar casi como de Léger, dejando aparte la temática.

Las esculturas de Pevsner y Max Bill se relacionan directamente con modelos matemáticos. Barbara Hepworth, era más biomórfica en su concepción: reflejaba la conciencia de tales modelos.

Espero que te sirva de mucho este trabajito, pero recuerda que tienes que quitar estas lineas y el pie de pagina.

Este trabajo es ideal para la asignatura de humanidades de la Uni. Carlos III de Madrid El grupo el Paso y el Museo Reina Sofia…… y no se que mas. Por cierto leelo, yo aunque lo hice recopilando informacion de varias paginas, nunca lo termine de leer.

Movimientos Artísticos Contemporáneos

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