Historia del cartel publicitario

Publicidad. Diseño publicitario. Cartelería. Márketing. Merchandising. Cartel como manifestación artística. Precursores. Desarrollo

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HISTORIA DEL CARTEL PUBLICITARIO

Tema 1: INTRODUCCIÓN

El cartel publicitario se fraguó como una de las primeras manifestaciones publicitarias a excepción de la voz. Mucho antes que la radio, TV o prensa.

Se le está dando actualmente, valor de obra de arte. Anteriormente se consideraban obras de arte solo aquellos que se dedicaban a obras de teatro, cine...

  • Diferencias entre carteles comerciales y culturales:

  • Formato:

    • en los comerciales: variedad de tamaños y formas.

    • en los culturales: tamaño normal 70x10

    • Estética y calidad: es de primer orden. Autores principales: Rouchon, Chéret, Toulouse Lautrec, Gustav Klimt, Brancuse...

    • Material: papel, cartón, telas…

    • Los inicios del cartel comienzan en las antiguas civilizaciones de Grecia y Roma. Utilizaban la cromolitografía y anteriormente la litografía como instrumento de la publicidad.

      La llegada del cartel clásico se debe a primeras tendencias estéticas que revolucionaron las formas.

      El Art-nouveau y el Art-decó está ayudado con un resurgimiento de las sociedades. Todo ello da lugar al soporte natural del cartel que va a ser la calle.

      Según la RAE definimos cartel como:

      • Papel, tela o lámina en el que existen inscripciones o figuras que se exhiben con fines informativos, noticieros o de propaganda.

      La publicidad exterior es todo aquello que se expone en la vía publica.

      El cartel es el único que une soporte y mensaje.

      CARACTERÍSTICAS DE LOS CARTELES:

    • Genuino: Único medio de comunicación exclusivamente publicitario.

    • El más antiguo: Origen en Grecia y Roma.

    • Es exclusivamente publicitario.

    • Único que une soporte y mensaje.

    • Mensajes informativos como persuasivos.

    • A partir de Chéret es más importante la forma que la información que se está dando.

      El cartel se diferencia de las vallas publicitarias en que los carteles se conciben para un público que va a pie, y las vallas están destinadas para un público que se desplaza por carretera. El cartel tiene más información que la valla publicitaria.

      Para que un cartel esté bien concebido tiene que poder ser leído en poco tiempo.

      El cartel es todo anuncio con todo impreso de carácter público o privado realizado para ser expuesto en lugar público.

      FUNCIONES DE LOS CARTELES SEGÚN ENEL:

    • Función de información y comunicación: Cartel como medio de comunicación de masas dirigido a miembros de una comunidad. Elemento de llamada de atención y de información que trata de establecer una relación entre emisor y receptor.

    • Función de persuasión: No solo informa también sugiere.

    • Función económica: Se destina a conseguir beneficios.

    • Función compensable: Sus mensajes persiguen mensajes de felicidad y éxito.

    • Función ambiental: La calle se convierte en una exposición.

    • Función educativa: Ayuda a la transmisión de valores.

    • Función estética: A través de los recursos gráficos dentro del campo social.

    • Función creativa: Se innova y recicla constantemente.

    • Tipología: Manuscritos, litografía...

      Grecia:

      • Axones

      • Kyrbos

      Roma:

      • Alba

      • Libellus

      • Signa

      Edad Media:

      • Pregoneros

      • Enseñas

      El cartel queda relegado a efectos papales y legales. La iglesia utilizó los carteles con fines propagandísticos contra otras iglesias para fomentar la Guerra Santa.

      En 1439 aparece la imprenta como método de reproducción de textos e imágenes sobre papel o materiales similares que consiste en aplicar una tinta aceitosa sobre piezas metálicas llamadas tipos para transferirlas por el método de presión. Este método se denominó xilografía. Existía un problema, si había un fallo se repetía toda la plancha.

      Gutenberg inventa los tipos móviles, que al principio eran de madera y más tarde de metal. La tarea de combinar los tipos se denomina composición. Con la aparición de la imprenta se establecen los principios de la comunicación de masas.

      Esto supone que las ideas cruzan fronteras y el método más adecuado para difundirlas va a ser la imprenta.

      Otra de las técnicas que trae consigo la imprenta es la litografía (litos: piedra, grafía: dibujo). La desarrolló A. Senefelder que buscando un sistema de impresión barato inventó la litografía.

      En sus inicios no se utilizó como medio de creación artística sino que se utilizó básicamente con una finalidad comercial.

      Cuando hablamos de litografía nos estamos refiriendo a una estampación obtenida a partir de una matriz de piedra. Este procedimiento se basa en el principio químico de rechazo entre el agua y la grasa, y consiste en dibujar sobre una piedra calcárea y porosa la imagen deseada y después estamparlo a través del material graso. El tipo de piedra utilizado para las litografías ha de tener unas características especiales:

      • A de ser porosa

      • A de ser granulosa, muy fina para que la grasa pueda quedarse retenida.

      Al igual que en la imprenta, en la litografía se van a buscar otras alternativas en cuanto a los materiales, comenzando a utilizarse el zinc por ello es más correcto hablar de un sistema de estampación.

      La litografía es un procedimiento de estampación planográfica pues las zonas dibujadas y las que no quedan en el mismo nivel sobre la matriz y va a ser el propio artista quien plasme la imagen sobre la piedra ya que no necesita saber grabar solo dibujar. Así desaparece la figura del estampista.

      El otro sistema para estampar las planchas es el método offset, a diferencia del primero se trata de un procedimiento de impresión indirecta. En este caso la imagen que hay en la matriz primero se traspasa a un gran cilindro y de aquí al papel. Este método es adecuado para los trabajos en color.

      En cuanto a la cromolitografía es un procedimiento para obtener una litografía en color. Consiste en utilizar una plancha para cada una de las tintas. El artista dibuja la parte correspondiente a cada color en una piedra diferente que después se entintará con el color elegido. Todo ello significa que previamente se necesita tener una idea muy clara de la imagen que se quiere obtener para la descomposición del dibujo en diferentes partes. Es importante no olvidar que con la superposición de dos matrices de colores distintos vamos a obtener un tercero. Para la descomposición del dibujo el procedimiento más sencillo consiste en hacer el dibujo que se desea en una hoja de papel de calco y traspasar a cada una de las piedras el contorno correspondiente a las zonas de un mismo color. Un grabado de colores de calidad se caracteriza por una perfecta superposición de las superficies coloreadas.

      Tema 2: ANTECEDENTES DEL CARTEL

      LAS PRIMERAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS:

      Surgen a finales del s.XIX y asociado a la aplicación de las técnicas de impresión de técnicas de litografía y cromolitografía. Con ello aparece el nuevo arte del cartelismo. Otras manifestaciones importantes iban a ser las de Cheret y Toulouse Lautrec.

      Los carteles han mantenido y siguen manteniendo una curiosa y estrecha relación con la cultura y las manifestaciones pictóricas en sus primeros 100 años. La diferencia que mantienen con las pinturas es el sistema de reproducción, en los carteles es la imprenta.

      De 1470 data el primer cartel-catálogo de libros impresos por Peter Schoeffer.

      En 1477 aparece en Inglaterra el primer cartel impreso que fue obra del impresor William Castol.

      En 1482 aparece el primer cartel impreso ilustrado, llamado El Gran perdón de Nuestra Señora de París. Impreso en París.

      En 1858 se pone en marcha la maquinaria cartelística.

      En 1866 Cheret importa a Francia es sistema de impresión litográfica y empezó a producir en París carteles litográficos en color con sus propios medios, la forma del cartel que ha llegado a nosotros se debe a la coincidencia de: ciertas mejoras en la técnica y la aportación de Cheret.

      Tema 3: EL CARTEL Y EL MUNDO MODERNO

      LOS PRIMEROS MAESTROS:

      Jean Alexis Rouchon

      Impresor parisino, nació en 1794 y murió en 1878. Precursor del cartel moderno. Antecesor de Cheret. Empezó imprimiendo sobre planchas de madera y fue dueño de una imprenta y negocio de papeles pintados.

      La técnica de los papeles pintados fue la que utilizó entre 1840 y 1870, con ella realizó carteles y anuncios para grandes almacenes, obras literarias, revistas y cafés cabaret.

      Con el tiempo depura su técnica a través de su propia imprenta para pasarse a la cromolitografía, es en este momento cuando comienza a realizar ilustraciones basadas en figuras alegóricas, personajes históricos, temas religiosos y poco a poco va creando las marcas de los productos y los lemas.

      Los carteles de Rouchon eran carteles a color y su principal característica es el tamaño, siendo 3 o 4 veces mayores que las planchas convencionales, es decir, en lugar de utilizar una única plancha para imprimir el cartel, divide el cartel e imprime cada parte en una plancha diferente.

      CARACTERÍSTICAS:

      • Realizó carteles grandilocuentes.

      • Exageró tanto las figuras como las formas.

      • Plasmaba un ambiente festivo y espectacular parisino.

      • Inició el cartel moderno no solo por su tamaño sino por el uso del color, todo ello apoyado por el texto de sus eslogans.

      • Vincula el cartel al mundo de la moda, a través de sus carteles el mundo de la moda encontró un medio de difusión extraordinario. Por un lado los carteles transmitían el buen vestir y la elegancia característicos de la clase burguesa de la época, convirtiendo a París en la capital de la moda a nivel mundial. Por otro lado el cartel se aprovechó del mundo de la moda porque los grandes modistos se van a convertir en los principales agentes anunciadores.

      • Con su ingenio convertía el nombre de los establecimientos en marcas y los textos en los primeros eslogans publicitarios.

      OBRA:

      Realiza carteles sobre todo de moda y teatro.

      Utiliza casi siempre la misma estructura: en la parte de arriba texto que incluye el título del cartel, el anunciante y la dirección; en el centro del cartel la imagen y en la parte superior otro texto, el eslogan.

      • Maison de la Belle Jardiniere (1849)(tienda): incluye texto e imagen, uso de letra clásica de palo.

      • Palais de Cristal (1852)(exposición): juega con colores blancos, negros y ocres.

      • Dames de París (1852): uso del blanco y negro, el cartel tiene el objetivo de publicitar la moda de dos diseñadores, actúa como imagen corporativa, usa el eslogan.

      • Enfans Sages (1854)(tienda de juguetes)

      • Le Bon-Homme Étreme (1855): es del mismo anunciante que el anterior pero a color, utiliza la curvatura de las letras.

      • A la Bastille (1856): es uno de los más importantes, usa colores ocres, azules y negros.

      • Esméralda (1856)(espectáculo): uso del blanco y negro.

      • Punch-Grassot (1858)(carnicería): personajes caricaturizados a color.

      • Absinthe-Chinoise (1862)(farmacia): utiliza colores más vivos, amarillos y azules.

      Theophile Alexandre Steinlen

      Nació en Lausana en 1859 y murió en Paris en 1923. Fue pintor, caricaturista e ilustrador. Reflejó en sus obras, al igual que Rouchon, la vida alegre de la sociedad parisina, de la Belle Époque, el mundo del espectáculo, de los placeres y el cabaret; estos serán sus temas principales aunque también refleja los problemas y la mala situación de la clase obrera.

      Vivió un momento clave en el desarrollo de la sociedad de la comunicación porque fue un momento significativo en el renacimiento de las libertades de expresión de finales del S.XIX.

      La ilustración gráfica como complemento fundamental o incluso como sustituto de la escritura, se va convirtiendo en un medio de expresión crítico y político. Los artistas van a poder expresar su opinión mediante su arte.

      Steinlen en concreto consideraba el arte como un medio para reflejar el panorama de la sociedad parisina pero también como instrumento de denuncia política de los problemas sociales.

      La prensa satírica ilustrada es una de las primeras empresas mediáticas, es una empresa de carácter sensacionalista que se sirve de la imagen como nunca antes lo había hecho y que la transformó en el vehículo perfecto para despertar en el lector emociones e inquietudes. Utiliza para ello nuevos procedimientos que la imprenta ponía a su disposición, como la cincografía o el fotograbado.

      El lector al que iba dirigido es ya un público dirigido al actual pero no es un lector personalizado sino que va dirigido a una multitud anónima y pasiva. La aparición de este tipo de prensa coincide con la aparición de la psicología de masas que se plantea interrogantes sobre el movimiento de masas y los medios de manipulación.

      Va a realizar a lo largo de su vida más de 2000 portadas tanto para revistas como ilustraciones interiores.

      En relación con el cartel y la publicidad, el gran despegue del cartel publicitario tuvo lugar cuando Cheret los empezó a utilizar como medio de masas en 1866 en París, para reflejar la Belle Époque. Desde entonces los teatros, cabaret y los café-concierto se convierten en sus protagonistas. Estos además realizan muchos para promocionar revistas, exposiciones y productos de consumo. El arte se adueña del cartel y contribuye a hacer de él un nuevo arte transformado en anuncios tipográficos de publicidad.

      Steinlen realizó 30 carteles. Representó como nadie el ambiente de la Belle Époque de París de principios del S.XX.

      En medio de una sólida república a nivel social donde reinaba una absoluta vitalidad artística e intelectual que va desde el Art Nouveau hasta el cubismo.

      París va a ser la sede de exposición universal de 1900, es la capital del pensamiento de la ciencia, de la literatura, de las artes y del placer. Es donde se ubica la vida nocturna, los espectáculos de bedet y cabaret, es la época del Martmarter, el Moulin Rouge, el Mirliton y Le Chat Noir.

      Los artistas de Belle Époque reflejan en sus obras toda la brillantez de la sociedad parisina. Steinlen tuvo un gran compromiso social junto con Lautrec. Introdujo el realismo en la ilustración popular, su afición socialista y su actitud anticlerical la conducen a la representación y denuncia de la pobreza y la explotación de la clase obrera. A través de imágenes exageradas, deformes y grotescas, porque consideraba que la realidad era deforme y ridícula. También en su obra se aprecia un interés por lo que hacen los demás, la gente, lo iguales y los desgraciados; por eso se dice que su obra es puro realismo critico y de análisis social. Él decía que una actitud realista era también y de forma prioritaria una actitud critica.

      La publicidad en aquella época era muy amable se veía en los carteles, en los que la personalidad del autor se imponía frente al objeto del anuncio. Se diferencia del art nouveau porque este tenia un espíritu embellecedor e idealizador de la sociedad.

      Steinlen no cree en el arte por el arte sino en el papel social del arte.

      Es un maestro del dibujo rápido en negro y de formas masivas. Es el cartelista que proporciona al cartel el grafismo de autor y la comunicación de interés público. Sus abundantes ilustraciones para la prensa satírica impresionan por la fuerza de las imágenes combinando un dibujo académico con los aspectos más avanzados de su tiempo. Incorpora progresivamente a Degas y el simbolismo.

      Steinlen dibuja y pinta el regreso de la Belle Epoque, parece querer transmitir el mensaje de los que no controlan los medios de expresión, los olvidados, en esta época de aparente esplendor.

      Influido por otros artistas representa al pueblo de la calle, obreros, amas de casa, prostitutas, mendigos, niños... con ello quiere denunciar la miseria humana.

      Se convierte en testigo único de la situación en la que se encuentra la población civil durante la I Guerra Mundial.

      Las mujeres son protagonistas en sus obras de la guerra. En estas imágenes Steinlen se opone a los tópicos que reducen el papel de la mujer a un plano secundario, él va a reflejar a la mujer como la persona que lucha por la supervivencia y junto a ello la figura del soldado, obrero y desilusionado.

      Steinlen retrató lo que veía o lo que creía que debía cambiarse. Lo hizo utilizando los medios que la sociedad y la técnica ponían a su alcance, renunció a ese encierro académico, al no instalarse dentro de los salones de exposiciones, sino que salió a la calle para denunciar esa situación utilizando soportes como el cartel, la prensa, la publicidad y las ilustraciones. Él no consideraba que estos soportes fueran un arte menor sino un arte útil para transmitir las ideas. Esta fue la causa de que la libertad de expresión ganase.

      Fue un artista popular protagonista de su época y fiel testimonio de su tiempo.

      OBRA:

      Carteles de espectáculos: introdujo el dibujo a lápiz o grafismo; aparecen mujeres, niños y gatos.

      • La Maternelle (Teatro Moncey): Colores negros, ocres y blancos. Aparecen niños.

      • Le Rêve (Academia Nacional de música) (ballet): Llama la atención el colorido y la diferencia de primer y segundo plano.

      • Le Chat Noir (Gira de espectáculos): Letra muy fina y de palo.

      • Circulo Internacional de Arte: tipografía redondeada.

      • Suplemento novela del periódico “Le Journal”: imagen corporativa del periódico, utiliza el negro para destacar lo que quiere.

      Carteles de productos:

      • Canción de mujeres: formato horizontal, portada de un libro, dibujo con carboncillo, a lápiz, a la derecha el texto en rojo, el texto es el contenido del libro y el índice.

      • Colección novela de música moderna: libro de música moderna, colores más vivos, texto a la derecha.

      • Panadería-pastelería: horizontal con forma de herradura, texto curvado y en tonos ocres.

      • Nestlé (alimentos para niños): cartel simple, colores vivos, diferentes tipos de letra, redondeada y redondeada cursiva.

      • Alimento para niños: aparece una mujer dando de comer el producto al niño, cartel limpio, explícito, el texto aparece en la parte inferior.

      • Compañía francesa de chocolate y té: aparecen niños, mujer y gatos, letra redondeada contrarrestada con el fondo que es blanco.

      Carteles de compromiso social: sin anunciante, propios de él.

      • Mothu et Doria (1894): escenas impresionantes, muestra las clases de la sociedad, la figura principal son los hombres, se ve como un burgués da fuego a un mendigo.

      Carteles de guerra: grafismo

      • Guerre a la guerre (Federación sindical de Ámsterdam): hay dos planos, se usan tonos oscuros y trazos a lápiz.

      • Solo en tierra enemiga los presos rusos mueren de hambre: destaca el carboncillo y la oscuridad.

      • L' aisne devastée: trata de unir a las familias destruidas por la guerra, texto a la derecha.

      • Cartel de guerra que representa la tristeza en el gesto del abuelo frente a la alegría que dan los niños, además muestra la situación de los niños huérfanos, que tras morir sus padres en la guerra se quedan con los abuelos, texto a la derecha.

      • Cartel que muestra las consecuencias de la guerra, representa las muertes mediante la cruz y la esperanza con el pájaro, al fondo se ve el esplendor de la reconstrucción, de la esperanza.

      Jules Cheret

      Nació en París en 1836 y murió en Nita en 1932. hijo de un humilde tipógrafo y empezó a trabajar en la empresa familiar a los 13 años. En 1859 se instala en Londres por siete años donde trabaja en los talleres aprendiendo las técnicas de la litografía y la cromolitografía que más tarde importará a Francia. Durante esta época en Londres trabajó diseñando viñetas de catálogos y cubiertas de libros, además de otras publicaciones y carteles publicitarios, hasta que conoció al fabricante de perfumes Eugene Rinmiel, quien se convertirá en su mecenas avanzando incluso capital para que pudiera establecer un estudio-taller litográfico en París equipado con las modernas presas que se vendían en Londres.

      El primer éxito va a ser en 1866 La biche au boix.

      Durante su estancia en Inglaterra y Francia también influyeron en sus obras los circos, ferias y los grandes carteles que los puestos de feria llevaban desarrollando durante mucho tiempo. Estos espectáculos llevaban años decorando las portadas de sus programas, carteles y folletos con diseños vivos y alegres.

      Tampoco nos podemos olvidar de la influencia que tuvo sobre él los anuncios americanos que se imprimían en pequeñas secciones usando bloques de madera.

      Fue un artista que vivió durante muchos años y que dio como resultado una gran producción cartelística, es considerado el padre del cartel moderno porque fue el primero en aplicar las técnicas litográficas a las necesidades del cartel.

      En su obra van a influir las tradicionales composiciones de la pintura mural, con los autores Tiépolo, Fragonard y Watteau.

      Esta es la razón de porque a llegado a ocupar el primer lugar en la historia del cartel publicitario. No es que sus diseños sean obras maestras del arte publicitario sino que sus carteles que son más de mil son considerados magnificas obras de arte en si en las calles. Los carteles de Cheret aparecieron en la calle como una forma artística nueva y vital, se situaban en las austeras paredes de París.

      Muchos autores críticos e historiadores del arte de la época llamaron la atención sobre la explosión de colorido en las calles que había supuesto que Cheret sacase su obra a la calle. La calle para él se convirtió en una inmensa galería de arte sin embargo, la idea de que hay que limitarse a desplegar pinturas en la calle para llevar el arte de calidad al pueblo es un error básico en el que caen a menudo muchos publicistas.

      La innovación de Cheret fue introducir su maestría como dibujante y adaptarlo al lenguaje popular.

      En 1867 su cartel Bal Valentino inaugura el cartel moderno también llamado cartel artístico. Es un cartel muy dinámico como protagonistas hay dos muchachas y un payaso, da la sensación de tridimensionalidad por la colocación del texto.

      En 1869 empieza a producir carteles en tricromía y no es hasta 1889 cuando sus carteles se imprimen en cuatricromía.

      Prueba de su reconocimiento artístico son los premios que va a ir cosechando a lo largo de su vida. Premios como la medalla de plata de la exposición universal de 1879 y la de oro en 1889.

      En 1891 contaba ya con casi 100 carteles editados en lo que se puede considerar una producción casi industrial.

      A lo largo de toda su obra veremos que Cheret creó un tipo de mujer joven y desenfadado, representativo de la sociedad. Sus modelos favoritos eran actrices y bailarinas sobre todo Charlotte Wieche. Esta bailarina danesa se muestra en los carteles en actitud de felicidad, creando así un icono de mujer y un modelo a seguir imitado por un gran número de jóvenes porque era la viva imagen de la sensualidad, la alegría, la felicidad, el dinamismo, la frivolidad...

      A Cheret se le atribuye la introducción de la sexualidad en la publicidad por la carga de erotismo consecuencia de la popularidad del propio Cheret. Al observar la obra de Cheret podemos apreciar personajes liberados y provocativos en contraste con los personajes grotescos de Lautrec o Mucha.

      Es posible que hoy en día encontremos su obra más representativa del final de una época que del comienzo de otra. En aquellos años las innovaciones de Cheret resultaban más claras que para nosotros hoy. El llamativo uso del negro y el uso de formas lisas suponían una ruptura con el uso habitual de los cuerpos sólidos tradicionales. Posteriormente autores como T. Lautrec llevarían esta misma ruptura o contraste mucho más lejos. La influencia de Cheret sobre ellos creció más todavía cuando comprendieron que el cartel iba a crear una especie de lenguaje visual que permitiría expresar ideas de una forma sencilla y directa a través de la creatividad de cada artista.

      Los carteles de Cheret serán decisivos en el desarrollo posterior del art-nouveau.

      Características de su obra:

    • Elaboración rápida y directa.

    • Simplicidad en el diseño, para una rápida comprensión del cartel.

    • Perfecta selección de la información que quiere transmitir para que el texto sea conciso y concreto.

    • El atrevimiento en el color para atraer la atención del público.

    • La adopción del cartel al lenguaje popular.

    • Una perfecta relación entre la figura y el texto.

    • El contexto de su obra se sitúa en 1890, punto de vista histórico que no coincide siempre con la realidad. Este contexto esta definido por los ambientes de los primeros cartelistas en los que se representaba el transcurrir de la vida alegre parisina. En definitiva se representaba el espíritu de la Belle Epoque.

      El estilo de Cheret muestra una gran vitalidad mezclado con un toque de elegancia en sus dibujos, destacando las figuras flotantes, alargadas y verticales, al igual que las escenas de felicidad o carnavalescas en las que por norma general en ninguna aparece la figura masculina como la figura principal.

      La composición es sencilla, en la que en los primeros planos aparece la figura femenina y en planos secundarios figuras masculinas junto con el contexto del propio cartel.

      OBRA:

      Utiliza los contrastes y el color. Utiliza los carteles como imagen corporativa de los locales.

      • Bal Valentino (1869) (baile nocturno): cartel dinámico que caracterizará su obra, en la imagen aparecen dos planos, en el primer plano aparecen los protagonistas, el arlequín y el bailarín, con unos colores más vivos. La actitud de los protagonistas induce al movimiento y al salirse del ojo de buey del fondo también denotan movimiento. El texto aparece en la parte superior e inferior, en la parte superior pone el título con el texto curvado y sombras, en la parte inferior explica el evento, baile de noche para máscaras y travestis, el texto aparece alrededor de la imagen pero sin pisarla, con letras de palo.

      • Bal Masque Élysée Montmatre (1881) (baile de máscaras): aparece la imagen a la derecha, en el primer plano la mujer lleva la mayor atención por los colores llamativos, amarillo, y el gran escote, en el segundo plano abundan las sombras en azules, marrones y ocres. El texto se diferencia por los colores, azul y rojo.

      • Pantomimes Lumineuses (1892) (teatro): se distinguen hasta tres planos.

      • Olympia (1892) (cambio de nombre del local): cartel de imagen corporativa, la protagonista es una bailarina, aparece el nombre con una tipografía diferente y volteada, siguiendo los trazos del fondo.

      • Fleur de Lotus (1893) (teatro): con forma de herradura donde se recoge la figura protagonista, femenina en el primer plano, en el segundo plano hay más bailarinas. En la parte superior encontramos el nombre del local y en el inferior el nombre de la obra y colaboradores. Sensación de movimiento por la postura de la bailarina.

      • El Dorado (1894): contrastes de color, dos planos diferenciados, utiliza el ojo de buey (circulo) para enmarcar la bailarina, aunque se desmarca del mismo dando sensación de movimiento. Viste a sus personajes con vestidos muy atrevidos para la época.

      • Palais de Glace (1895): protagonista femenina con un vestido de alta costura, destacándola en rojo, postura exagerada para dar movimiento, encontramos tres planos, letra refinada, delimita la clase a la que se dirige.

      • Palais de Glace (1896): continuación del anterior, en el primer plano aparece la mujer y en el segundo el hombre.

      • Lidia (1895/96): imagen corporativa de una artista, mira al público para implicarle e invitarle a ir a verla, las letras del nombre son en rojo y curvadas para destacar.

      • Pastillas Géraudel (1896) (producto): aparece una mujer burguesa vestida de alta costura y destaca el color rojo, muy contenta a pesar del temporal porque tiene las pastillas, el nombre del producto más grande que el eslogan y son los únicos textos que aparecen.

      • Saxoléine (1896) (producto): mujer con un vestido amarillo que denota luminosidad, en la parte inferior aparece la marca y las características del producto. Contrastes en la parte frontal. Producto para una clase social alta.

      • Pastillas Poncelet (1896): lo sitúa en un vendaval de viento, la mujer destaca sobre el fondo con colores amarillos y rojos, a la izquierda el texto en blanco del precio y para que sirve el producto.

      • Jardín de París (1897): fondo llamativo, mujer en tonos mas claros como el texto principal superior, al finalizar el cartel texto en rojo y negro que dice cuando es el espectáculo y que es.

      • París Courses (1897) (hipódromo): nuevo ocio para los burgueses, lo presenta como un deporte que proporciona felicidad, cartel elegante con mucha información.

      • Quinquina Dubonnet (1898): aparece un gato, con ojo de buey en rojo que enmarca la mujer, utiliza la herradura, un único plano, fondo blanco, cartel muy directo.

      • Folle-Bergére, Le Miroir (1899) (teatro de pantomima): utiliza el mar como fondo, aparece vegetación.

      • Pippermint (1900) (licor): establece un marco para dar importancia a lo que interesa, marca la herradura, movimientos exagerados, letra curvada, especifica en el inferior donde se puede tomar.

      • L' Auréole de Midi (1900): los protagonistas son niños de clase burguesa, utiliza la forma de herradura, nos muestra el producto, usa tonos cálidos como el rojo porque se trata de un producto luminoso, que da calor.

      • Cleveland (1901) (bicicletas): tipografía elaborada, mujer burguesa que contrasta con el fondo azul, fabricante de EE.UU. por lo que aparece la bandera del país, imagen corporativa del anunciante, anuncia tanto el producto como el anunciante.

      Toulusse Lautrec

      Nace en 1864 y muere en 1901.

      Cuando tiene 10 años (1874) empiezan a manifestársele los primeros síntomas de una enfermedad desconocida. Esta enfermedad le marcará durante toda su vida, influyéndole incluso en su obra. Le generará un sentimiento interno muy importante.

      En 1881 decide ser pintor apoyado por su tío Charles y gracias a amigos de la familia consigue matricularse en la academia de León Bónnat. En esta academia esta pocos años. En 1883 se busca otro maestro que será Fernando Cormmon. Es en esta nueva academia donde coincidirá y entablará relación con otros artistas como Degas y Van Gogh. T. Lautrec se convertirá en el pintor de la modernidad, formando parte del neoimpresionismo. Debido al contacto con la obra de Degas y de la estampa japonesa influirán en la orientación de su obra creando un estilo personal y fácilmente identificable. En estos años Toulousse Lautrec empieza a frecuentar los cabaret y los café-cantantes de Paris y se familiariza con el mundo artístico de la noche centrado entorno al Mont-Martre. Este es un lugar con un halo de cierta bohemia y de reputación dudosa. La zona donde se ubica el Mont-Martre se convierte en centro de ocio denominándose templo de la noche, junto con el Mouline de la Galette, Mirliton y Moulin Rouge para las cuales realizará varios carteles promocionales.

      En 1889 se inauguró el Moulin Rouge exponiendo junto a su puerta una escena de circo pintada por T. Lautrec.

      Lautrec diseñó carteles publicitarios del cabaret y además utilizó el vestíbulo del Moulin Rouge en muchas ocasiones como sala de exposición de su obra.

      Como artista de vanguardia, no será admitido en París por considerar su obra como inaceptable. Sus trabajos serán expuestos en solitario. Sus carteles y sus litografías de gran calidad darán gran popularidad a su obra apareciendo numerosas estampas de gran belleza en las que se anticipa al modernismo.

      Además del Moulin Rouge Lautrec frecuentó locales de París como El Jardín de París o el Diván Japonés.

      También en 1889 nacía una amistad con los hermanos Natason que van a ser los fundadores de la Revue Blanche, siendo una revista fundamental para el cambio de siglo en la que el también colaborará. En paralelo con todas estas colaboraciones ira recopilando una abundante colección de cartel publicitario y litografías.

      Los 31 carteles que realizó durante su vida de 37 años constituyeron una importante aportación a la historia del cartel estableciendo en ellos un carácter directo como forma artística de expresión. En la última etapa tanto de su vida como de su obra suponen un sorprendente cambio de estilo hacia una paleta más oscura. Desde la exposición individual en Goupil en 1896 su éxito comercial va a ir en aumento pero todo ello coincide con un deterioro progresivo de su salud, no solo ya por su enfermedad sino por su vida alocada y nocturna.

      Se traslada en 1901 al castillo de Malrome junto a su madre donde en septiembre de 1901 morirá.

      Después de su muerte tanto su madre como su tratante de arte fueron los encargados de recopilar buena parte de su obra para inaugurar en Albi en 1922 un museo que lleva su nombre como homenaje al artista y para conservar su obra.

      En cuanto a las características de Lautrec podemos afirmar las siguientes:

      • Estilo fotográfico, al que corresponde la espontaneidad y capacidad de captar el movimiento en sus escenas y personajes. Tenía una memoria fotográfica gracias a la cual pintaba muy rápido. Sus primeras influencias son la pintura impresionista, sobre todo sobre temas urbanos, alejándose de los paisajes.

      • Originalidad en los encuadres, influencia del arte japonés que se manifiesta en líneas diagonales y en los cortes repentinos de las figuras por los bordes.

      • Utilización de la ironía y la sátira que juntó con la utilización de líneas decorativas dan como resultado formas y figuras sencillas y lisas.

      • Destacan las escenas del mundo nocturno y los retratos caricaturescos (exagerados) de los personajes de la noche, que serán sus favoritos.

      • Uso de colores más oscuros, tétricos que provocan un contraste en los carteles.

      • La deformidad fue una fuente constante para él de infelicidad y amargura, que junto con el alcoholismo serán la causa temprana de su muerte. Esta situación se plasma en sus carteles.

      • La prostitución, dada la relación que tenía con estas mueres, será uno de sus temas favoritos siempre tratado desde el cariño y el respeto. Muestra tanto su aspecto más conocido como lo más intimo. También el lesbianismo será tratado de la misma manera que la prostitución resultando obras como Las dos amigas o L'Abandon.

      Encuadramos a Toulusse Lautrec dentro del neoimpresionismo, se va a convertir en el pintor de la modernidad siendo uno de sus máximos representantes. Era discípulo de Cheret, pero a diferencia de otros de sus discípulos que representaban escenas cotidianas, la aportación de Lautrec fue más allá porque acentuó el estilo de Cheret para describir las vidas interiores de los habitantes de las calles. Dramatizó su propia experiencia personal, muy atormentada, y utilizó el cartel como medio de expresión.

      Se desmarca de la obra de Cheret ya que los carteles de este se basan en el tradicional arte mural de Tiepolo, pensados para agradar y alegrar la vista y la vida del público a través de la alegría y frivolidad desmesurada. Mientras que los de Lautrec parecen más un guiño a lo feo, inquietamente acabando con lo tradicional y relacionando el cartel con el futuro. Gracias a ese giro hace que su estilo le permita pasar del mundo clásico a un escenario más moderno. La sensación que se tiene al comparar ambos autores es que Cheret da sensación de paz y Lautrec es inquietante, intranquiliza el ánimo y es más tétrico.

      En cuanto al contexto en el que se desarrolla la obra de Lautrec, seré esta una relación tan especial que dará como resultado una precisa interpretación del ambiente nocturno parisino. Refleja como nadie la fauna nocturna que se daba cita en el local de Jane Avril, protagonista habitual y musa de gran cantidad de sus carteles y también destaca la presencia de Yvette Guilbert a la que consagró un álbum entero de litografías en 1894.

      Después de Lautrec no hubo ningún diseñador de carteles de su calidad en Francia. Su obra fue tan importante y tuvo tanto impacto que cruzó fronteras y afectó tanto a la pintura como a los pintores, algunos como Picasso como podemos comprobar en una de sus obras Habitación azul, donde Picasso muestra su cuadro con modelos amigos suyos, semejante al cartel de May Milton de 1895.

      Lautrec pertenece al Art-nouveau.

      OBRA:

      Las principales características que se observan en sus obras son:

      • Líneas muy lisas y planas formando figuras con mucho volumen.

      • Letra original, de palo pero irregular.

      • Usa grandes masa negras.

      • Expresa movimiento a través de las posturas.

      • Son carteles abiertos o bien encuadrados mediante cuadros.

      • Contrastes de color.

      • Uso de la caricatura.

      • Pelo pelirrojo para destacar a la burguesía.

      • Portada revista La revue bianche (1889)

      • Moulin Rouge (1891): primer cartel que hizo Lautrec para el cabaret. En la parte izquierda nos indica el nombre del local. Letra de palo muy definida, muy ordenada, muy simétrica, muy geométrica. En cuanto a la parte inferior aparece una bailarina realizando un paso de ballet que puede verse dentro del espectáculo, en un tercer plano aparece en negro un grupo de espectadores.

      • Caudieux (1893) cartel de imagen corporativa de un cómico.

      • Aristide Bruant (1893): era un cantautor, sus canciones eran sobre temas proletarios. Utilizaba los carteles como repulsa hacia la sociedad burguesa. Es un personaje que siempre va a aparecer con un traje de terciopelo negro, un sombrero de ala ancha y una bufanda roja. El cartel lo divide en dos partes verticales, en la izquierda aparece el personaje, una figura negra, con un bastón en la mano, y en la derecha aparece el título en letras rojas. Es un cartel con una gran historia detrás. Utiliza los colores amarillos.

      • Jane Avril (1893): es un cartel que llama mucho la atención porque en primer plano nos encontramos el cuello de un violonchelo y la partitura, y la mano de un músico, en negro, y al fondo la bailarina.

      • Yvette Guilbert (1893): caricaturización de la actriz.

      • Divan Japonais (1893): a la mujer del fondo le han cortado la cabeza. Es Jane Avril y un representante teatral.

      • Confetti (1894): para una fábrica de caramelos.

      • Yvette Guilbert (1894).

      • La revue blanche (1895).

      • L'Argent (1895): promocionaba los menús de un restaurante.

      • May Milton (1895): Picasso se basó en este cartel para hacer La habitación azul. Promociona la gira de May Milton, era una bailarina y cantante inglesa.

      • May Befort (1895): cartel de imagen corporativa de la cantante.

      • La passajere du 54 (1896): Salon des Cens.

      • Elles (1896)

      • Troupe de Mille Églantine (1896): cartel con mucho colorido, amarillos, sobre todo en el fondo. Aparece en el primer plano la bailarina que le encargo el cartel. Color anaranjado del pelo símbolo de burguesía. Movimientos de can-can que dan dinamismo y resaltan las figuras. Texto inferior en rojo.

      • Jane Avril (1899): imagen corporativa de la cantante. Cartel colorido, grandes manchas negras. Es uno de los pocos en los que aparece el año de realización del cartel junto con la firma.

      • La gitane de Richepin (1899).

      Tema 4: EL CARTEL MODERNISTA

      EL ART-NOUVEAU:

      El Art-nouveau es una denominación usual en la historia del arte para un estilo de decoración nuevo. Tuvo gran influencia en Europa Occidental. Se desarrolló durante las dos últimas décadas del s. XIX y la primera del s.XX.

      Este movimiento artístico dejará huella en todo el mundo a largo plazo.

      Es un estilo de transición y ruptura, y el resultado y el intento de crear un estilo nuevo frente al histórico academicismo anterior. Se trata de crear un estilo nuevo en lugar de imitar o de introducir pequeñas variaciones.

      Sus manifestaciones más típicas tuvieron lugar tanto en las artes plásticas como aplicadas.

      Hay corrientes que influirán sobre este movimiento como:

      • El impresionismo como explosión de luz introduciendo temas sencillos y poco profundos.

      • El orientalismo, la estampa japonesa o el movimiento Ukiyoe. Consiste en que Japón se abre al comercio occidental y llegan a Europa sus movimientos artísticos que sorprenderán a artistas del art-nouveau. Este movimiento supone una simplificación de formas, son siluetas más que figuras, y no utiliza perspectivas, se usan los colores planos contrastados. Son escenas sin trascendencia.

      • El prerrafaelismo.

      • El arte medieval.

      • Los ornamentos celtas.

      Es un movimiento que se difunde desde Londres al resto de países y dependiendo de cada país recibe una denominación u otra. Denominaciones que dependieron del contexto geográfico:

      • Francia: Le style Moderne.

      • Gran Bretaña y EE.UU.: Art-nouveau.

      • Italia: Stile Liberty.

      • Austria: Sezessionstil (secesión).

      • Alemania: Jugendstil.

      • España: Modernismo.

      A día de hoy todos lo reconocemos como art-nouveau.

      Las características generales:

      • Movimiento principalmente formal, que el cartel no va ha depender solo de la pintura sino que van a influir artistas de otros campos como caricaturistas, ilustradores, arquitectos, decoradores... Los artistas serán muy multidisciplinarios.

      • Estilo decorativo elegante, caracterizado por la presencia de lo curvilíneo (rectas y curvas) con tendencia a sacar la imagen del marco del cartel.

      • Arte basado sobre todo en las formas ornamentales y barrocas. Los carteles no se realizaran para ser expuestos sino cuyo principal escenario va a ser la calle.

      • Da protagonismo fundamental a la figura humana, y sobre todo a las mujeres. Presentaron mujeres muy estilizadas, muy alargadas, son figuras soñadas más que reales.

      • Uso de motivos florales y vegetales, rosas, lirios, tallos, hojas... no son flores muy reales.

      • Uso de animales sobre todo pájaros abstractos fruto de la imaginación.

      Ej: Leonardo Bistolfi: Exposición Internacional de Turín (1902)

      Decorativos o formalistas

      PERIODO

      (1890-1900)

      Narrativistas

      PERIODO (1900-1914): Leonetto Cappiello

      Decorativistas o formalistas: son más conservadores en sus obras, su mayor preocupación es la forma y lo estético, sientes pasión por los detalles y las obras ornamentadas.

      • Medievalistas: tienen influencia por la Edad Media, especialmente por lo gótico.

        • EUGENE GRASSET:

      Es un artista suizo que se instaló en París desde 1871, era arquitecto, posteriormente pasó a hacer carteles y editar libros. En su obra se ve la influencia prerrafaelista.

      Obra: - Encre L. Marquet (1892)

      - Jeanne d'Arc (1899)

      - Salon del cent (1897)

        • PAUL BERTHON:

      Nació en Chartrettes en 1872 y murió en París en 1909. Hizo carteles muy elaborados.

      Obra: - L'emitage (1900): máxima definición en las manos y flores.

      - Lecous de Violon (1898)

      - Les boules de Niege (1900)

      - Sarah Bemhardt (1901)

      - La Joyeuse de flute

      - La vierge aux hortensias (1902)

      • Bizantinos: están influenciados por los mosaicos y los tonos dorados, se influyen también por el mundo islámico. Utilizan la técnica del macarrón que es dar la sensación de volúmenes por ejemplo en las ondulaciones del cabello y los vestidos.

        • GEORGE DE FEURE:

      Obra: - Le journal des ventes: era una portada para un catálogo de venta de antigüedades. Aparecen manchas negras, texto superior e inferior, es un cartel muy cargado, uso del mosaico (vidrieras).

        • MANUEL ORAZI:

      Diseñador de joyas que plasmará en sus carteles.

      Obra: - La maison Moderne

      - Job papier and cigarettes

        • ALPHONSE MUCHA: (1860-1939)

      Uno de los máximos representantes, es de origen checoslovaco, fue administrativo hasta que descubrió su vena artística y abandonó su vida anterior para ingresar en la Academia de Bellas artes de Praga, donde hacía escenarios teatrales. Posteriormente ingresó en la Academia Julian, en Munich. Entra en contacto con artistas del grupo de los nabis. Se dedicó a aprender sobre el cartel, la ilustración, el dibujo... esto supondrá que revistas se fijaran en él y le encargaran carteles. Su gran oportunidad llega con el encargo de la obra de teatro Gismonda (1895). Mantendrá una amistad muy estrecha con Sara Berhardt, que le traerá muchos trabajos. Entre ambos surge una conjunción perfecta, entre la pasión de Mucha por las joyas, los ropajes exóticos y el refinamiento decadente. Firmo un contrato de artista exclusivo durante 6 años para la actriz. Mucha se caracteriza porque presenta a los protagonistas como diosas mitológicas y lejanas. Va a obtener críticas muy favorables por lo que recibe pedidos de diferentes anunciantes. El estilo se denota por la predominación de colores suaves y los trazos gruesos que siluetean a personajes y ornamentos (borde). La ornamentación en los fondos será uno de sus intereses. En la obra de Mucha destacan las líneas sinuosas que dibujan los motivos que provienen del mosaico bizantino y los estampados del Islam árabe. En cuanto a los personajes no responden al estilo popular de Cheret ni vencen a modelos determinados como Lautrec. Son figuras genéricas, muchachas que aparecen de manera exótica y subliminal, insertas en un decorado de un mundo preciosista donde abundan las flores, ornamentos y escenarios muy ricos y recargados que recuerdan las vidrieras o esmaltes. El trabajo de Mucha le da importancia a la caída del ropaje y los pliegues para dar volumen; pero no destaca el excesivo movimiento. Esto se observa sobre todo cuando aparecen diosas mitológicas. Mucha da al art-nouveau una expresión muy elaborada y ese protagonismo lo va perdiendo porque coincide con la decadencia del art-nouveau, que deja de interesar al público (entorno a los años 20). A este artista se le reprocha el no haber evolucionado con el tiempo y se convierte en un artista secundario. Vuelve a Praga y se dedica a realizar la decoración de teatros y ayuntamientos, además de diseñar monedas de colección.

      Obra: - Gismonda(1895)

      - Salon des Cent (1896)

      - Sara Bernhardt (1896)

      - La plume (1899): enmarca la figura, usa la técnica del macarrón, aparece en un pedestal, mujer distante.

      - Mónaco Monte-Carlo (1897)

      - Biscuits lefévre-utile (1897)

      - La trappistine (1897)

      - JOB (papel de cigarillo): técnica del macarrón, joyas que sujetan el pelo, muchos pliegues en la ropa.

      - Medee

      Narrativistas: su preocupación principal es el fondo, el contenido. Son más progresistas en su concepción estética, son más sintéticos, simplifican la imagen y le dan un gran valor a todo lo lineal.

      • Nabis: profeta hebreo. Son en su mayoría pintores jóvenes que coinciden en la Academia Julian. Serán pintores aunque también tendrán faceta en carteles. Se les define como un grupo de artistas dentro del movimiento simbolista. Pretenden expresar una actitud de distorsión cromática. El grupo estuvo unido entre los años 1892 y 1899 y después se distanciaron y cogieron caminos diferentes. Aunque cronológicamente es un grupo del s.XIX sus primeras actitudes tuvieron importancia para el desarrollo de las ideas de la primera década del s.XX. Las características de este grupo son: la utilización de colores lisos rodeado a veces de colores mucho más sobrios, sintetísmo en la ejecución, ausencia de la perspectiva y gusto por los elementos decorativos como volutas y arabescos, influencia del arte japonés. Utilizan también muy frecuentemente el negro con o sin degradaciones pero en general tienen una gama de colores bastante restringida. Emplean formas poco definidas, casi esbozadas. En el estilo de los nabis hay escenas tanto privadas como públicas y también escenas de la calle, así como el mundo del teatro, el circo o el cabaret. A este grupo le interesa la cartelería por varios motivos diferentes: unas veces para darse a conocer como artistas y otras para subsistir económicamente.

        • P. BONNARD: (1867-1947)

      Pintor francés. Estuvo en la Academia Julian donde conoce a Ibels y Dennis y entablan una amistad para toda la vida. El estilo de Bonnard se basa en el tratamiento del color a veces no realista, vivacidad del trazado, influencia de la estampa japonesa que determinara su estilo. Él no consideró nunca superfluo o accesorio la parte gráfica de su obra. Tiene interés en que su arte conecte con el público para que su obra fuera popular. No solamente se dedicó a pintar sino que también colabora con ilustraciones en las revistas de la época, también hizo diseño de muebles y abanicos, porque lo que pretendía era que su arte llegara al ámbito cotidiano. Se dice que el estilo de Bonnard era carecer de sistema, no tener método a la hora de realizar sus obras. Tuvo curiosidades por todos los temas y por todas las combinaciones de formas y colores. Al final de su vida se retiró al sur de Francia y en 1945 publicó un libro de recuerdos y de recuperación de su obra que se denomina Correspondencias. Muere en 1947. Uno de sus carteles más importantes se llama France Champagne, lo realizó con azulejos decorados, era como un puzzle. Es un cartel enmarcado y sin perspectivas. Utiliza los colores lisos (el fondo amarillo). Algo que llama la atención es la espuma sobre la cual aparece el texto. La parte superior la deja para el título del cartel.

        • HENRI GABRIEL IBELS: (1867-1936)

      Este artista fue dibujante, litógrafo y pintor. Su obra se haya casi enteramente consagrada al mundo del teatro, con un estilo predominantemente caricaturesco y esto le lleva a colaborar con la mayoría de las revistas ilustradas de la época. Se formó en la Academia Julian y la mayoría de sus colaboraciones son en revistas con un componente político de derecha conservadora y también trabajo con Lautrec durante años. Su obra más representativa es L' Escarmouche (la escaramuza) de 1896. La obra se desarrolla dentro de una taberna, aparece el mesonero y la mesonera. Aparecen 4 personas que miran fuera de la taberna, miran las bayonetas de los soldados. El título aparece en la parte superior y entre el mesonero y la mesonera.

        • MAURICE DENNIS: (1870-1943)

      Entre las influencias más destacables de su obra se puede mencionar a Gauguin, la estampa japonesa y el simbolismo. Como buen representante de los nabis, nos encontramos con símbolos arabescos en los contornos negros y formas sinuosas. Los medios de expresión de Dennis son variados: van desde la pintura de caballete, hasta los frescos, vidrieras, ilustraciones en libros y carteles. Lo que mejor refleja su obra es la búsqueda constante de la armonía, la espiritualidad y la sensualidad en perfecta unión. Su obra más emblemática es La dépêche de Touluse de 1892.

        • TOULUSSE LAUTREC (ya desarrollado)

          • Montmartrinos: tienen similitudes con los nabis, centrándose en el Mont Maitre. Fue un barrio que se convirtió en el refugio de la clase obrera hasta que tuvieron que abandonar esta zona porque cayó en manos de especuladores. Los cafés del Mont Maitre se convirtieron en punto de encuentro donde cambiarán impresiones. No solo coincidirán en las tertulias sino en sus publicaciones. Dentro de este grupo situaremos a Lucien Métivet (1863-1930) y a Jules Alexandre Grün (1868-1934), pertenece a este grupo también Steinlen y será uno de los más influyentes.

        • STEINLEN (ya desarrollado)

        • JULES ALEXANDRE GRÜN: (1868-1934)

      Se hará famoso por sus carteles de espectáculos con imagen provocadoras, atrevidas y casi pornográficas. En su obra predomina el sentido del humos, la caricaturización, imágenes alegres, pícaras, desenfadadas, sin esa presencia de la crítica o la repulsa social. Suele reflejar personajes bonachones, la mujer la presenta como una mujer atractiva, provocadora, sensual y los hombres son de mediana edad, disfrutando con situaciones placenteras y con ganas de pasarlo bien.

      Obra: - La Cigale (1899)

      ART-NOUVEAU FRANCÉS (1950-1914)

      Serie de circustancias que afectarán al declive de la industria de la cartelería, tanto en cantidad como calidad. Estas causas hacen que autores como Steinlen dejan de lado los carteles para centrarse en su faceta más política. Lautrec muere en 1901 y Mucha se traslada temporalmente a EE.UU. donde seguirá haciendo carteles pero no con la frecuencia de años anteriores. Posteriormente se retira a Checoslovaquia dejando de hacer carteles para dedicarse a ser diseñador oficial del estado (en Praga). Es en esa época de crisis y de escasez d autores donde va a destacar como principal autor Leoneto Cappiello. Es aquí donde enlazamos con el art-nouveau italiano.

      ART-NOUVEAU ITALIANO

      Se denominó estilo libre. Tuvo gran importancia tras la exposición de París de 1900. Se confirma como movimiento artístico definitivamente con la exposición internacional de arte decorativo moderno, de Turín en 1902. Los carteles italianos deben mucho a la gran calidad técnica de la editorial Ricoldi, editorial en la que van a colaborar una gran cantidad de artistas y que se caracterizan porque fueron los primeros en captar el ritmo cada vez más rápido de una sociedad en constante evolución. Sus carteles son un lazo de unión entre el mundo pausado de finales del siglo y la nueva era de los motores y la prisa. Tan solo van a destacar aquellos autores que saben adaptarse a los cambios.

      Leoneto Cappiello es uno de ellos, se formó en París pero nació en Italia. Es importante por lo que supuso para su tiempo, hizo propuestas rompedoras y por su influencia posterior al desarrollo de la industria del cartel. Para él, el cartel no solamente debe llamar la atención de los paseantes sino que también la atención de los conductores. Esto supuso en su obra un grado de modernidad.

      Es un artista preocupado por la legibilidad de sus carteles. Esto supuso una gran evolución en el campo publicitario. Decía que el cartel tiene que dar posibilidad de poder leerlo o interpretarlo en marcha y por tanto un cartel que no pueda leerse en unos 6 segundos no es un buen cartel. Además el cartel debe ser visto a distancia por lo tanto no debe estar en armonía con el entorno en el que se encuentra, para convertirse en una llamada de atención y de esta manera todos sus carteles los desarrolla con colores muy fuertes que destacan en las fachadas.

      La primera preocupación es crear la mancha en el cartel que produzca el efecto sorpresa porque para él, el sorprender es la condición indispensable de toda publicidad, es decir, cualquier publicidad que sea igual a la anterior será inútil para conseguir sus objetivos por lo tanto Cappiello suele repetir en casi todos sus carteles la misma composición: figuras dinámicas destacando sobre fondos lisos.

      Como conclusión podemos decir que recurre a una estética de simplificación, es una antítesis de Mucha y de los decorativistas en general. Pone fin por tanto a una mera concesión artística creando un lenguaje de color basado en los contrastes y en el dinamismo de las figuras.

      Cappiello da una importancia secundaria a los detalles que para él son válidos solamente si subrayan el mensaje que él quiere transmitir, si no los elimina. Es especialista en crear imagen de marca. Crea una serie de imágenes asociándolas a la marca, envases, tipos de letra...

      Obra: en casi todos los carteles utiliza el fondo negro:

      - Katabexine

        • Le frou frou: fondo simple y sencillo, juega con la tipografía: no son rígidos sino se adaptan al movimiento de la mujer.

        • Bitter Campari (1921)

        • Maurin Quina (green devil)

        • Birra, Italia pilsen (1920)

      ART-NOUVEAU EN ALEMANIA (Jugendstil)

      Fue un estilo tardío por razones como la desconfianza que los anuncios tenían hacia los artistas porque se fiaban mucho más de los editores de las imprentas. Los impresores llegaron a tener tanta faena que eran ellos mismos los que firmaban los carteles.

      Los carteles alemanes tenían interés principalmente cultural. Fue un estilo fuertemente influenciado por los carteles ingleses y franceses. Uno de sus máximos representante fue Otto Fisher que fue el pionero del cartel alemán.

      En Alemania surgen dos focos culturales importantes:

        • La escuela de Munich, liderada por la revista Jugend.

        • La escuela de Berlín, liderada por la revista Pan

      Ambos estilos son entre sí completamente opuestos. La de Berlín fue más tradicional, sus carteles eran más comerciales y más publicitarios, mientras que los carteles de la de Munich eran menos comerciales y más artísticos.

      Este art-nouveau va a ser superado por una segunda etapa que olvida la fase floral y medieval, enfocándose más en un estilo geométrico y lineal. Es el fin de la línea ondeante.

      El art-nouveau se popularizó lento en Alemania que cayó en la degradación. Esto ocurrió cuando empezaron a diseñarse objetos de todo tipo basados en el art-nouveau y fabricados por personas de tercera línea a bajo precio y poco a poco se fue saturando este movimiento surgiendo un nuevo concepto, se denominó sachsplakat y plakatstil, es un termino acuñado únicamente en Alemania para definir el cartel producto que aparte de mostrar dicho producto no dice nada más. Simplificaba el cartel al máximo, simplificando el mensaje que se quería transmitir y yendo directamente al producto, nada de textos explícitos. En el texto se señala el nombre de la marca o del producto y como mucho algún pequeño eslogan, se convierte por lo tanto en un cartel austero con productos sin contexto dando origen a un nuevo tipo de publicidad.

      ART-NOUVEAU EN AUSTRIA

      Se denominó también secesión. La obra secesionista fue recogida en una revista, Bersatom, que fue fundada entre finales de 1897 y principios de 1898, entre otros artistas colaboradores podemos destacar a G. Klimt digno representante de este movimiento en Austria. Esta revista surge como consecuencia de una protesta de artistas jóvenes porque en las exposiciones que se realizaban en Austria no permitían la participación de artistas extranjeros.

      • GUSTAV KLIMT:

      Pintor simbolista austriaco y uno de los miembros más destacados del movimiento art-nouveau en Viena. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Viena en 1879-1883, donde aprendió a trabajar las técnicas de las artes decorativas. También fue miembro honorario de las universidades de Munich y Viena. Sus mayores trabajos incluyen pinturas, murales, bocetos y otros objetos de arte, muchas de las cuales están en exposiciones de Viena.

      Fue el líder fundador de la Secesión de Viena y de su revista Bersatom, y es conocido principalmente por el uso de los colores oro en sus pinturas.

      También es famoso por representar a la mujer en sus pinturas siguiendo los criterios del art-nouveau, aparecen desnudas o semidesnudas como sirenas, rodeadas de flores y oro. Sus modelos eran en general mujeres que pertenecían a la alta burguesía vienesa, pero también tenía un séquito de mujeres prostitutas o de vida humilde queriendo reflejar la vida cotidiana.

      El tema que se trata en la mayoría de sus cuadros es la sexualidad femenina y el equilibrio con la masculinidad.

      Murió en Viena meses antes de la caída del imperio Austro-Hungaro, un número considerable de sus obras fueron confiscadas por la dictadura nazi, y al ver que la calidad de estas obras se iban a convertir en un motín de guerra, los austriacos decidieron quemar el castillo donde los nazis habían confiscado las obras.

      Obra: - Theseus and minotaurus (exposición): mitología griega, aparece la diosa Atenea observando a Theseus matando al minotauro.

      ART-NOUVEAU EN BÉLGICA

      El modernismo también se extendió por Bélgica, y se identificará con el estilo de la última parte del art-nouveau alemán.

      No es tan decorativo y las líneas predominantes van ser las geométricas. La curva deja de ser la línea predominante, su estilo se basa más en un sentimiento anímico basado en la geometría.

      Hay que destacar dos grandes aportaciones:

      • VICTOR HORTA: creador de importantes edificios, estableciendo las bases de la arquitectura moderna.

      • HENRI VANDEVELDE: fue arquitecto, diseñador y pintor. A este artista se le considera el más comprometido con el nuevo estilo.

      ART-NOUVEAU EN EE.UU.

      Este movimiento en EE.UU. se refleja en los carteles por una gran influencia inglesa. Tiene un gran desarrollo el cartel ilustrado a través de grandes tiradas y una excelente calidad en la impresión situando a este país a la cabeza del resto del mundo, junto con la industria impresora de Alemania.

      Los carteles estadounidenses al igual que los alemanes no van a ir firmados por los artistas.

      Si en Francia el ente promotor es el espectáculo, en EE.UU. lo será el mundo editorial y su industria de la reproducción gráfica, fueron carteles que no tuvieron gran repercusión internacional porque carecen de talento y creatividad, fueron carteles populares catalogados como aburridos y bastantes bajos a nivel de calidad.

      Fueron carteles que se caracterizaron por la simplicidad, escenas costumbristas que representaban la vida cotidiana de la clase alta americana.

      Algunos críticos no han escatimado a la hora de clasificar los carteles estadounidenses con la siguiente frase:

      “Son tan buenos, tan buenos, que no pueden ser peores”.

      Representantes mas destacados:

      • Hiil Bradley

      • Edgar Hildgrifd

      ART-NOUVEAU EN ESPAÑA

      El art-nouveau español en un principio tiene dos vertientes, por un lado por un lado el modernismo español en general y por otro lado el modernismo catalán. Cataluña quiso marcar diferencias con el resto de España para reforzar su carácter nacionalista. España va a adoptar todas las corrientes artísticas procedentes de Europa y sobre todo de Francia. El modernismo español al igual que en otros países se va a caracterizar por la libertad para crear nuevas formas anteriormente no aceptadas sacando el arte de sus limitaciones académicas. Se caracteriza por su riqueza arquitectónica dejando patente su interés por renovar las técnicas tradicionales de construcción combinando materiales antiguos como el ladrillo con materiales nuevos como el hierro.

      En Cataluña nos encontramos con Antonio Gandi, que fue un extraordinario arquitecto y diseñador. Su arquitectura fue apadrinada por Don Eusebio Güel. Puede considerarse como uno de los artistas del art-nouveau con mas frenesí y libertad, además de algunos edificios privados, Antonio Gandi realizo la construcción del parque publico bautizado con su nombre situado en el noroeste de la ciudad de Barcelona, este parque constituyo el punto culminante de la fase madura de Gandi cuya meta no era la superposición de elementos artísticos sino lo que significaban en su conjunto, los muebles y la herrería art-nouveau que adornan los edificios de Gandi, van a ser el inicio o el empuje de otros artistas de enorme talento.

      En cuanto a la industria cartelera en España siempre a sido un país con mucha tradición en sus carteles, vinculada principalmente a sus tradiciones festivas y más constantemente a la fiesta nacional, los toros.

      Aún hoy en muchas de nuestras ciudades y pueblos se pueden ver carteles taurinos dominados por los colores tejos y oro, en los q se invita al publico a que asistan a las corridas de toros. Carteles que por desgracia ya no tienen la importancia que tuvieron en su día. También ay que decir que en España no solo se realizaban carteles taurinos sino que también se realizaron carteles para obras de teatro y para productos.

      Podemos determinar que los carteles de toros tal y como los conocemos hoy en dia han nacido en España, el primer cartel taurino del que se tienen noticias es un cartel que corresponde a una corrida en la plaza de toros de Sevilla del año 1761, mientras que en la plaza de Madrid el primer cartel aparece en 1765. Comienzan a ser exclusivamente tipográficos, sin imágenes ni ilustraciones, mas tarde se va introduciendo en estos carteles viñetas que representan la suerte del toreo símbolos y trofeos de la fiesta nacional. La tendencia siguiente de estos carteles taurinos es la de incluir los retratos de los diestros anunciados en el cartel, más tarde se dejan de incluir los retratos y se pasa a incluir la figura del toro.

      En España uno de los mejores cartelistas fue Ramón Casas sin olvidar a otros como: Santiago Rusiñol, Miguel y Antonio Utillo, Alejandro Riquel, Rafael Penagos, Federico Rivas, Antonio Barbero o el valenciano José Renal.

      Las obras de todos ellos inicialmente comerciales y culturales cobraron otro matiz en la guerra civil española dando lugar a admirables carteles de propaganda bética.

      Después de la guerra el cartelismo en España fue decayendo sustituido por nuevos medios de propaganda aunque en la actualidad se puede observar el resurgir del cartel adaptado a la vida moderna y que se denomina el cartel moderno.

      • RAMON CASAS:

      Es la figura clave del modernismo español, nació en Barcelona en 1866 y pronto demostró un gran interés por el dibujo. Pertenece a una familia acomodada y esto le va a dar la posibilidad de acudir a diversos talleres de pintura tanto de Barcelona como de Paris, ciudad a la que viajo en 1881 cuando esta ciudad era un hervidero de arte sobre todo de la obra de Toulusse Lautrec y de Steinlan. Sus carteles recuerdan a estos autores. Hasta su muerte en 1932 mantuvo una notable actividad artística y social, llevándole por distintos puntos de España, Europa y EEUU.

      En Paris y en Barcelona donde vivirá coincidió con Santiago Rusiñol.

      Esta muy influenciado por dos narrativistas franceses, Toulusse Lautrec y Steinlan, incorporando a sus carteles una visión y mas tendencias artísticas europeas su obra tiene carácter moderno, original y creativo.

      Es un gran comunicador y sus carteles incluyen todos los elementos que debe contener un cartel publicitario, su obra se caracteriza por el tratamiento del dibujo, del color, con una sencillez en el mensaje y por la utilización de la figura femenina en el ámbito de la publicidad.

      Es el 1º en introducir la figura de la mujeres los carteles españoles ç. La figura de la mujer va a aparecer en varias versiones distintas según el tipo de producto o dependiendo de público al que se dirija.

      Dentro de los carteles de Ramón Casas nos vamos a encontrar mujeres populares o mujeres refinadas, cultas o de la alta burguesía.

      Su estilo es personal basado en dibujos sencillos, realistas, con líneas expresivas y bien definidas, colores brillantes sobre todo en contraste con colores lisos de fondo.

      Su primer cartel lo realizo para la taberna modernista Els quatre gats de la que era fundador. Este cartel se titula Sombras quatre gats, en él quiso representar el ambiente y los personajes de las tertulias del local.

      En 1899 junto con otros artistas va a fundar la revista Pèl & Ploma, sustituida años mas tarde por la revista Forma (1904).

      En España uno de los elementos mas importantes a destacar son los concursos organizados con Vicente Bosch, como el de Anís del mono, o Codornieu organizado por Manuel Reventos, o los cigarrillos Paris organizado por Manuel Malagrida. Estos concursos van a dar la posibilidad a los artistas de darse a conocer. Con ellos Ramón Casas obtuvo gran éxito y gran prestigio, muchos de sus carteles obtuvieron premios importantes por ejemplo el primer premio de anís el mono con 1000 pts, el segundo de Codornieu con el q gano 500 pts y el tercero de cigarrillos Paris con el que gano 1800 pts.

      Ramón Casas fue el cartelista de moda, anunciador de marcas comerciales, revistas, libros...

      El cartel fue un medio al que se dedico con entusiasmo consciente de la gran repercusión e influencia que tenia en la sociedad.

      Obra:

      • Sombras quatre gats (1897)

      • Corrida de toros (1897)

      • Anís del mono (1898): concurso, participo con varias versiones. Fondo con colores lisos que resaltan a la mujer.

      • Quatre gats (1898)

      • Champany Codornieu: concurso que presenta varias versiones: Ambar y espuma y Lola plumet (1898)

      • Atelier (1898)

      • Portadas revista Pèl & Ploma(1899-1901-1902)

      • Papier a cigarrettes JOB (1900)

      • Fabra (1900)

      • Los cigarillos Paris, son los mejores (1901): tercer premio del concurso.

      • Enciclopedia Espasa Barcelona (1902)

      • Champagne KOLA (1905)

      • Jabón fluido Gorgot (1905)

      • Vino rioja (1910)

      • Real automóvil club (1914)

      • Servicios asistenciales sociales (tuberculosis) (1929)

      ART & CRAPTS

      Se desarrolla En Gran Bretaña entre 1850 y 1914. Es una tendencia artística que pretende dar un giro para volver a la artesanía, es decir, la creación de objetos hechos a mano. La artesanía como forma de creación artística durante una época de creciente producción en serie.

      Es un movimiento estético inglés, reformista, que influyó en las artes decorativas y que significa arte y oficio o el arte casero. Este movimiento se sitúa entre las dominaciones del art-nouveau y el art-déco. Surgió como búsqueda de los estilos auténticos, puramente artesanales.

      Este movimiento es fundado por William Morris en 1861. Argumentando que la verdadera base del arte residía en la artesanía. Morris y sus seguidores atacaron la esterilidad y fealdad de los productos en serie fabricados por la revolución industrial.

      Sus seguidores dedicaron su actividad a la producción de tejidos, libros, papel pintado y mobiliario.

      Este movimiento sirvió para que muchos representantes de la escuela de Glasgow difundieran sus ideas.

      En 1890 Morris fundó una imprenta artesanal, salieron tiradas reducidas de libros impresos caracterizados por su brillantez.

      Este movimiento ha defendido la figura del artesano frente a la producción masiva que amenazaba la creatividad y la calidad de las obras de arte. Estos artesanos estaban en contra del principio que defendía la sociedad industrial con la división del trabajo. Más tarde todo esto dio como resultado la aparición de los gremios de artesanos. Los integrantes de este gremio organizaron una exposición en junio de 1897 donde se iban a exponer cerca de 1000 objetos de arte realizados por 160 artesanos. Hay que decir que la mitad de estos eran mujeres. El éxito de esta exposición fue tan grande que además de aumentar el número de inscripciones a este gremio dio como resultado la redacción de un estatuto. Este estatuto promovía el trabajo artístico en todas las áreas de la artesanía animando a los artesanos a realizar diseños propios y únicos. La redacción de este estatuto de artes y oficios se basa principalmente en la vuelta a ese taller medieval donde el alumno debía aprender las técnicas y los modelos de creación de un maestro y después de lograr la perfección en esta técnica, estaba capacitado para proponer otro modelo que supere al de su maestro.

      Tema 5: EL CARTEL BÉLICO Y DE PROPAGANDA

      EL CARTEL DE LA I GUERRA MUNDIAL

      El periodo de tiempo en el que se encuadra la I Guerra Mundial es entre 1914-1918. Fue un momento decisivo en la historia del cartelismo ya que todos los avances que se habían llevado a cabo en la publicidad se ponen al servicio de la guerra y la propaganda política. Otro fenómeno interesante es que se producen campañas globales a nivel de comunicación. Hasta ese momento se habían planificado campañas de forma aislada en cada país.

      La guerra supuso la campaña publicitaria más grande hasta la fecha, el objetivo fundamental de los carteles de propaganda era muy diverso, desde recaudar dinero, o el reclutamiento de soldados, la implicación de la sociedad, estimular la producción o provocar los ultrajes y atrocidades en el bando enemigo.

      Lo primero que ocurre durante la IGM es que disminuyen los carteles comerciales. Se ponen al servicio de la guerra, el nuevo aparato propagandístico encuentra en la publicidad una herramienta importante, aunque no la única. Su organización y planificación es el inicio de los posteriores medios de comunicación de masas.

      En general en estos carteles prima la eficacia propagandística o comunicativa sobre el valor artístico.

      Max Gallo dijo: La guerra no admite equivocaciones, la propaganda va al mismo paso que la muerte, es preciso, primero vencer y luego convencer de que se tiene la razón. Convencer a la sociedad para que se comprometan y para que se pongan al lado de aquellos que combaten entregando a sus hijos, sus ahorros y su sangre, también fomentando el deber de auxiliar con amor y ayuda a las víctimas, a los mutilados, ofreciendo el brazo a los ciegos y sobre todo maldecir al país enemigo. El cartel bélico ofrece su lado más malvado porque un bando es bueno y el otro malo.

      El contenido de los carteles bélicos sigue teniendo éxito como medio publicitario, este éxito radica en la capacidad del cartel para comunicar mediante imágenes, que es lo que mayor peso tiene, el elemento visual predomina sobre lo verbal. El texto queda reducido porque gracias a la imagen se puede comunicar fácil y rápidamente.. Con ello trataban de llegar tanto a las clases altas como bajas, donde el analfabetismo era muy elevado. En definitiva se produce una simplificación del mensaje pasando a un segundo plano, el cartel apenas habla, la hace a través de la imagen.

      La IGM fue la primera gran oportunidad que tuvo el cartel para liderar y demostrar sus posibilidades como herramienta de producción bélica. El cartelismo de este periodo es de una gran variedad en el que intervienen los mejores artistas se todos los países.

      Por ejemplo: en Francia Steinlen era como uno de los cartelistas más característicos.

      También hay que decir que se llevan a cabo campañas de organizaciones caritativas pero sin duda las más numerosas son aquellas que trataban de implicar a la gente con amor a la patria, odio al enemigo, promocionando el ahorro o potenciando la venta de bonos de guerra.

      El estilo de los carteles bélicos era personal, muy marcado por el estilo del artista que tenía plena libertad para crear y diseñar carteles de guerra. En el estilo nacional, se apoyaban en el uso de emblemas, tópicos, leyendas... Y todo lo que corresponde a las enseñas y símbolos del país. En el estilo internacional hay que decir que los carteles alemanes son mucho más sobrios y menos populares que los americanos. Estos carteles americanos son de gran calidad y su objetivo principal era cambiar la actitud de la sociedad, manipularla, son más populares y cercanos al público.

      Los tipos de los mensajes de los carteles bélicos son 4:

    • Carteles de reclutamiento de soldados o fomentando el patriotismo.

    • Carteles para la suscripción de préstamos públicos.

    • Carteles emotivos, que canalizan las emociones de la gente.

    • Carteles de denuncia, aparecen al final de la guerra.

    • Carteles de reclutamiento

      Carteles que fomentaban la disciplina y el patriotismo militar para el reclutamiento de soldados. La finalidad de estos carteles era conseguir que los hombres de cada país se alisten en el ejercito, era fundamental en aquellos países sin servicio militar obligatorio. Esto se consigue apelando al orgullo masculino porque el hombre tenia la obligación de defender a la mujer, a los hijos, a la familia y al hogar. Este concepto de familia se va a utilizar en los carteles como mensaje persuasivo, para ello se recurre a un lenguaje de intimidación, el mensaje se dirige a un tú directo, con apelaciones directas al interlocutor tratando de crear un sentimiento de culpabilidad en aquellos que no se han alistado todavía en el ejercito.

      Carteles de compra de bonos

      Se utilizaron con el fin de recaudar fondos para la guerra. Europa se endeuda con EEUU, y los mensajes principales de estos carteles es que unos están luchando ofreciendo sus vidas y otros lo pueden hacer aportando dinero. Cada uno ayuda en la medida de sus posibilidades, unos aportan vidas, otros ayuda o esfuerzo, otros trabajo y otros sobre todo la burguesía aportan dinero. Estas clases altas jugaron un papel fundamental en este sentido, hasta el punto de quedar arruinados lo que trajo como consecuencia una profunda crisis a nivel internacional.

      Como ejemplo: tu dinero nos ayuda a conseguir la victoria porque la victoria es la paz. Cumplid todos con vuestro deber a la patria.

      Carteles emotivos

      Tratan de canalizar las emociones de la gente para fomentar el ahorro y el animo a los soldados.

      Este tipo de carteles tratan de sensibilizar a la sociedad ante la guerra para que ayuden, colaboren y se responsabilicen ayudando a los héroes, levantando el animo a los soldados y ahorrando alimentos para mandárselos.

      Estos carteles agradecían también las ayudas económicas donadas por los ciudadanos y que servían para financiar hospitales y trenes hospitales de la cruz roja.

      Carteles de denuncia

      Son antibélicos, se dan al final de la guerra y surgen cuando la guerra a avanzado en el tiempo y ciertos sectores de la sociedad se dan cuenta de las consecuencias negativas de la guerra. Son contrarios a los anteriores, fomentan el no a la guerra y apelan a que los niños no tienen nada para comer.

      Características de la propaganda política:

      • Enorme producción y grandes tiradas. Aparecieron millones de carteles que fueron producidos, impresos y distribuidos por todos los países. Las mayores campañas se organizaron en EEUU.

      • Alto nivel artístico y técnicas industriales aplicadas en ellos. Se inicia un proceso de tecnificación dando la posibilidad de esa amplia cobertura, facilitando su propagación y aumentando sus objetivos en cuanto a manipulación psicológica.

      Los carteles en Alemania(de la IGM) se caracterizan por ser una continuación de las tradiciones de la secesión vienesa. La cartelería alemana se basa en una simplificación de imágenes de formas potentes y novedosas, y por la representación de los símbolos gráficos de la guerra, tratando de recuperar su patriotismo y su espíritu alemán.

      Como conclusión de estos carteles de la IGM Juan Antonio González Martín dice: Estos carteles de la IGM expresan todo el sentir de las rencillas entre países y de los fantasmas que surgieron durante la guerra.

      La IGM, según él, es la fragua donde se forma nuestra época, la publicidad bélica se enfoca en los mismos términos que la publicidad comercial, pero cayendo en la ingenuidad de predicar el patriotismo como estilo de vida.

      La propaganda política apela al miedo interiorizando su culpabilidad de modo que no puedan escapar al sentido del deber.

      Ejemplos:

      • Alfred Leete: Tú patria te necesita. Lord Kichener te quiere a ti. (1914)

      • James Montgomery Flagg: Tio Sam (1917)

      • Por la gloria de Irlanda, ¿va ir usted o debo ir yo? (anónimo)

      • Howard Chandler Chisty: Yo te quiero a ti para la marina.

      La marina te necesita a ti.

      El espíritu de América.

      Lamento no ser un hombre.

      Podemos hacerlo.

      Si quieres luchar únete a la marina

      • Cartel anónimo que apoyaba a los soldados que se van a la guerra.

      • Cartel americano, anónimo, que fomenta el ahorro de alimentos.

      EL CARTEL DE LA REVOLUCIÓN RUSA

      La evolución más significativa de la historia del cartel político y una de las más importantes en la historia de los medios de comunicación se produjo en Rusia. El cartelismo revolucionario ruso se inició con la revolución blanca de febrero de 1917 y con la posterior revolución de octubre del mismo año, que coincide con el fin de la Rusia imperial, cuando abdica el zar Nicolás II.

      Después de estallar la Revolución Rusa de octubre de 1917 los artistas y escritores fueron convocados por el gobierno revolucionario a una conferencia en Petrogrado, para explicarles su función y el papel que iban a desempeñar en el nuevo orden social.

      Lo que Lenin pretendía era implicar directamente a los artistas y escritores para llevar a cabo una revolución cultural sin precedentes. Lenin entendió a la perfección el papel fundamental que podía jugar a nivel estratégico, el cartel político y la prensa. Por ello su objetivo era controlar a los intelectuales tratando de manipular y controlar a una sociedad muy manejable.

      Todo ello venía apoyado por la situación de la sociedad cuyo índice de analfabetismo era superior al 80%. El cartel tuvo una gran importancia para hacer llegar la revolución a una población ignorante, que rondaba los 140 millones de ciudadanos rusos.

      En 1919 aparece un nuevo tipo de cartel cuyo título genérico era Ventana satírica de los telégrafos rusos, aunque se le conoce por la abreviatura de Rosta. Estos carteles fueron diseñados para ser expuestos en ventanas cara al exterior, en las oficinas públicas, organismos oficiales o casas. Cada cartel era una secuencia de 3, 4 o más dibujos que describían una historia sobre una consigna específica como el hombre, la sociedad proletaria, la alfabetización, aspectos educacionales, sanitarios, políticos...

      Las dimensiones de estos carteles por norma general eran de 50x40, con una imagen en la parte superior y un texto al pie del cartel que recordaba las viñetas de los cómic.

      Eran carteles numerados con lo que se creaba una secuencia y un esquema de información. Además los cartelistas rusos produjeron carteles de concepción innovadora, es entonces cuando nace la vanguardia creadora soviética, que en cartelismo adopta la teoría artística del constructivismo, que trata de expresar desde la clase trabajadora una visión revolucionaria de lo que está ocurriendo en todas las partes de la URSS.

      Tema 6: EL CARTEL DE ENTREGUERRAS

      CONSTRUCTIVISMO:

      Fue un movimiento artístico y arquitectónico que surge en Rusia, llega a su punto álgido después de la revolución de octubre. Es un termino de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte puro del arte usado como instrumento para la construcción del sistema socialista.

      El constructivismo desarrollo un estilo de agitación en la construcción de los carteles, el movimiento como tal surgió de los pintores de izquierdas y de los partidarios de una sociedad de masas.

      Era análogo a los movimientos contemporáneos como el cubismo, el dadaísmo y en particular el futurismo. Al igual que el futurismo, el constructivismo manifiesta su rechazo al arte burgués y a la búsqueda de un nuevo orden social y estructural en lo tecnológico y en lo industrial.

      Los artistas que potencian este movimiento vieron su punto de partida en los caminos abiertos por la revolución de octubre y la posibilidad concreta de romper el aislamiento entre el arte y las masas y construir un nuevo arte para una nueva sociedad.

      Este periodo durará hasta 1933 y solo en algunos casos serán algo más que proyectos dando lugar a nuevas fábricas y nuevas urbanizaciones. Sin embargo y debido al choque con los problemas reales esté movimiento irá cayendo y su fin se producirá hacia 1933 aunque los motivos reales no van a ser enfrentamientos de la sociedad, sino el retraso tecnológico de la Unión Soviética, porque las ideas formales del constructivismo resultaban desfasadas e inútiles. Los constructivistas rusos se fijaban como meta la reconstrucción de una sociedad que en realidad chocaba mucho con lo que vivía en la sociedad.

      Se caracteriza por el uso de un lenguaje formal, por el uso de ideas sociales, por el uso de formas abstractas y por una similar valoración entre espacio, tiempo y luz.

      El nombre de constructivismo fue utilizado por primera vez por los artistas que consideraban su trabajo del mismo modo que la actividad de ingenieros o arquitectos, es decir, como un construir de objetos útiles aunque frecuentemente estos artistas tuviesen que inventar la finalidad de estos objetos. Los constructivistas pensaban que los artistas debian dedicarse a actividades útiles para la sociedad como pueden ser la arquitectura, la producción industrial, el diseño publicitario y la tipografía entre otros. A pesar de esas metas aparentemente homogéneas, no puede decirse que el constructivismo ofrezca demasiadas características encaminadas a un estilo unitario. Lo que sí es cierto es que influyó de manera determinante en la evolución artística y el diseño grafico.

      El final del constructivismo coincide con la llegada al poder de Stalin, quien no perdonó a los artistas del cartel, sufriendo muchos de ellos represalias y prisión, todos estos artistas, o bien se exiliaron o fueron enviados a campos de trabajo forzoso, pero en definitiva sus obras fueron perdiendo vitalidad. El final de este movimiento artístico dio lugar a otros movimientos como el art-déco.

      Los máximos representantes del constructivismo fueron: Tatlin, Rodtschenko, Lissitzky y Naum Gabo.

      FUTURISMO:

      Es considerado uno de los primeros movimientos de vanguardia artística de entreguerras. Fue fundado en Italia por Fillipo Tommaso Marinetti, fue un movimiento principalmente literario aunque también tuvo sus repercusiones en el campo de la cartelería, de la pintura, de la arquitectura y la música.

      El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado y por considerar que los museos, especialmente los de Italia eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común lo envolvía todo.

      Los partidarios de este movimiento artístico pensaban que había que romper con todo lo anterior y crear un arte nuevo, partiendo de cero de acuerdo con la mentalidad moderna y las nuevas realidades.

      La estética futurista pregonaba una idea fundamentalmente machista, misógina y provocadora. También defendía entre sus principios de defensa la guerra como una formula o solución para el saneamiento del mundo.

      El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimientos para ello se sirven como modelos las máquinas y sus virtudes como la fuerza, la rapidez y la velocidad. En pintura y en concreto en el cartel, el futurismo guarda ciertas similitudes con el cubismo. En algunos aspectos como la descomposición de planos y volúmenes, donde se estudiaba el movimiento aunque prescindiendo de las líneas continuas y de la armonía.

      En España el futurismo se extendió como una actitud espiritual, cultural y política orientada hacia el futuro aunque muy pocos pintores y cartelistas españoles siguieron este estilo. Destacamos a Gabriel Alomar quién fundó la revista Futurisme y a R. Gómez de la Serna quien fundo la revista Prometeo.

      Sin embargo nunca llegó a existir en España un futurismo profundamente instaurado, a diferencia de países como: Rusia, Bélgica, Portugal o Uruguay.

      Este movimiento tras alcanzar su esplendor a mediados de los años 20 fue decayendo hasta desaparecer en la década de los 40.

      CUBISMO:

      Nació en el Salón de los independientes y es un movimiento artístico que surgió entre la primera y segunda década de 1900. Los máximos representantes del cubismo van a ser Picasso, Gris y Braque.

      Son tantos los representantes como los fundadores de esta corriente que revolucionó las bases de esta pintura y del arte en general a pesar de ser considerada pintura de vanguardia, los géneros o temas que representa no son nuevos. Se pintaban bodegones, naturalezas muertas y retratos. El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en el mismo plano pero se le considera un movimiento de vanguardia porque rompe con el principio de la perspectiva. La representación del mundo pasaba a no tener, ninguna importancia y pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. Su característica principal es que busca recomponer la realidad mezclando imagen y conceptos al azar.

      Picasso y Braque crean dos tendencias dentro del cubismo. La primera se considera cubismo hermético, son obras que parecen casi abstractas por la cantidad de puntos de vista diferentes y opuestos representados. De este modo la imagen era casi imposible de identificar a no ser por algunos objetos que permitían distinguir lo que se estaba representando. El cubismo hermético se llevó tan lejos que con miedo de caer en la abstracción se transformó en lo que se conoció como segundo periodo, el cubismo sintético. El cubismo sintético lo inició Braque al poner papel pegado directamente sobre la pintura de los carteles. Picasso y Braque comenzaron a poner periódicos comenzando con lo que conocemos como collage.

      DADAÍSMO:

      Se considera un movimiento antiarte que comenzó en Zurích. Características por gestos y manifestaciones provocadas, en los que los artistas pretendían destruir todas las manifestaciones del arte anterior a la especia antiarte por la rebelión que alteró el orden establecido.

      El dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como rechazo absoluto, en el fondo es un movimiento anti-humanístico, tanto en lo artístico como en lo literario, donde cuestionar la existencia del arte.

      La expresión del dadaísmo fue amplia, desarrollándose principalmente en Alemania, Francia e Italia, donde surge principalmente como movimiento negativo, en contra de otros movimientos como el cubismo y el futurismo.

      Es un movimiento que se manifiesta contra la belleza eterna, contra los principios, contra las leyes de la lógica, contra la pureza de los conceptos abstractos. En cambio defendía la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo actual y la contradicción. En definitiva defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección.

      La aportación principal del dadaísmo, es el continuo cuestionamiento de qué es el arte porque todo es cuestionable y no hay reglas fijas ni eternas.

      Los carteles dadaístas son auténticos collage de ideas y la técnica que utilizaban consistía en pintar un dibujo que rompían posteriormente, después mezclaban esos trozos rotos y los tiraban al azar.

      ART-DÉCO:

      Se daba también en el periodo de entreguerras, en los años 20, y llega a su cumbre en los 30. Es un movimiento que se inspiró en otros diferentes como el cubismo, futurismo o dadaísmo.

      Se distingue por una división de elementos decorativos, uno era el que defendía el cartel como arte y la otra postura veía el cartel como un modo decorativo. Su meta es poner el conflicto entre arte e industria y la vieja distinción entre artesanos y artistas.

      Tiene su punto cumbre en la exposición de París de 1925 y surge como necesidad de romper con el pasado.

      El art-déco es un movimiento neoclasicista, que reivindica la limpieza de elementos decorativos. Es un mito popular fácil de entender y asimilar.

      Características:

      • Fascinación por la tecnología.

      • Predominio por lo exótico.

      • Relación con el mundo africano: máscaras y danzas.

      Representantes:

      • A. CASSANDRE:

      Impulsor del cartel. Obra caracterizada por el predominio de comunicación eficaz y agresiva. Supo definir y entender el lugar que el cartel ocupó entre las artes pictóricas, al referirse a este tema definiendo la función de comunicación.

      Cassandre afirma que el cartelista emite y transmite un mensaje que no debe contener noticias ni información detallada, únicamente se exige al cartel que establezca una clara, poderosa, simple y precisa comunicación.

      Estaba en contra de lo que otros artistas defendían y piensa que el cartel no es ni una pintura, ni un decorado teatral, sino que es algo diferente aunque a menudo utilice los mismos medios que en las pinturas.

      Defendía la idea de que el cartel exige una absoluta renuncia por parte del artista, porque este no debe afirmar en el cartel su personalidad, si lo hiciera estaría yendo más allá de sus obligaciones. Piensa que el cartel es solo un medio de comunicación para conseguir un fin, es un medio entre el comerciante y el público. El papel del diseñador de carteles es fundamental en este proceso de comunicación porque es él el que proporciona un enlace claro y exacto.

      • JEAN CARLO:

      Representa la línea más racionalista y tiene un estilo más riguroso que el anterior. Para él el cartel tiene una finalidad clara, según él no basta con que sea visto sino que tiene que ser recordado.

      El diseño de los carteles debe tener un efecto óptico de tal modo que cree una fusión entre la visión y la memoria.

      Piensa que ya que la ciudad esta llena de carteles, hay que hacer carteles que no pasen inadvertidos.

      • PAUL COLIN:

      Ha pasado a la posteridad por hacer carteles de la bailarina Jossephine Beker.

      Su estilo es moderno, con líneas puras y ausencia de decoración. Se caracterizaba además por la sobriedad en los colores pero también tiene un carácter alegre y fantástico.

      Se le identifica con el Cheret del art-nouveau.

      Pinta carteles con ambiente de fiesta y nocturnos, y ofrece en su obra una visión del París cosmopolita y frívolo de su tiempo.

      • CHARLES LOUPOT:

      Suizo que trabajó y triunfó en París donde coincidió y colaboró con Cassandre.

      Es conocido sobre todo por el diseño que realizó para la marca San Rafael. Desarrollo para ella toda la imagen corporativa, diseñó un logotipo a su medida y usó en él el rojo, negro y blanco. La marca se expande en todo tipo de soportes, desarrollo toda una campaña de comunicación con carteles, murales, folletos, autobuses, uniformes, posavasos...

      30

      Medievalistas

      Bizantinos

      Grasset

      Berthon

      De Feure

      Orazi

      Mucha

      Nabis

      Montmartrinos

      Bonnard

      Ibels

      Dennis

      Toulousse Lautrec

      Steilen

      Grün