La Escultura Griega

Caracteres generales del arte griego

Los edificios griegos eran construidos a la medida del hombre. Los mismos eran concebidos para ser admirados desde el exterior, es por esto que le dan mayor importancia a los exteriores y no a los interiores. Los griegos siempre se esmeraron en los edificios públicos, ya que no daban importancia al hogar. Los edificios más construidos fueron templos, santuarios. Siempre se basaban en el concepto de conjunto.

En la arquitectura griega encontramos un elemento considerado básico: la Columna. Se la considera

elemento imprescindible de la estética de su arte.

La arquitectura griega es arquitrabada o adintelada, en ella dominan las líneas rectas, tanto horizontales como verticales.

Gracias al estilo de la columna distinguimos tres ordenes: dórico, jónico, y corintio. Los cuáles expondremos y explicaremos más adelante.

Los griegos también se destacaron por el hecho, de no sobreponer jamás pisos. Dedicándonos ahora a los materiales, recordaremos que en sus orígenes utilizaban la madera, posteriormente se hicieron con materiales más sufridos y duraderos. En un principio, utilizaron el aglomerado, y más tarde utilizaron el mármol y la piedra por largo tiempo. Se empezó a utilizar mármol en la época clásica.

Los edificios, en especial los templos, eran policromados. Normalmente se “policromaban” los frisos y los relieves. El fondo de las metopas era pintado de verde, y los triglifos de azul.

Ahora nos referiremos a la armonía visual, gran obsesión de los helenos. Para conseguir la total armonía y perfección en los templos, los griegos utilizaron varias técnicas. Entre ellas se destacan varias. Es el caso de la mala inclinación de las columnas, porqué desde lejos se veían torcidas. También se utilizó la entasis, que consistía en un ensanche central de las columnas, para evitar el deforme visual. Referido a las columnas, encontramos una desigualdad en la distancia entre ellas.

El arquitrabe se ve afectado por el defecto visual, por su posición totalmente horizontal. Para solucionarlo curvarán el estereóbato y el entablamento.

Nos centraremos ahora en los tres ordenes en que se divide la arquitectura griega.

Orden Dórico :

Es en el que encontramos la columna dórica, que es la más sencilla de todas. Esta columna no tiene base, el fuste tiene estrías de cantos vivos, y al pie del fuste encontramos el collarino, imitación al que hacían en los troncos de madera en los inicios. Su capitel está compuesto por dos partes: ábaco y equino.

Es una arquitectura arquitrabada, porqué tiene arquitrabe. Éste es liso y no tiene decoración. El friso se une al arquitrabe por las gotas. El friso se divide en triglifos y metopas. Éstas últimas contiene relieves. Se encuentran encima de la cornisa, saliente para el agua. Más arriba encontramos el frontón, y dentro del mismo el tímpano: zona triangular para realizar relieves. El frontón es triangular para dar lugar al techo a dos aguas. Tienen estereóbato.

Orden Jónico :

Caracterizado por la columna jónica. Ésta es más esterilizada y el fuste tiene cantos planos. El capitel representa el peinado de una mujer, representado por volutas en el ábaco y sobre el equino. Este capitel está formado por tres partes : el ábaco, el equino y las volutas. Aunque también se encuentran más elementos decorativos.

Encontramos un arquitrabe dividido en tres franjas. El friso es corrido, sobre el cuál está el dentículo , éste a su vez está debajo de la cornisa. Tras la base , esta columna tiene astragafo.

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Orden Corintio :

Este orden es muy parecido al jónico. Únicamente se diferencian en el capitel de la columna. Este orden no es muy utilizado por los griegos, puesto que surge en la época helenística. En cambio, será muy utilizado por los romanos.

Clases de Templos

Los templos son clasificados mediante los aspectos de las columnas. Las clasificaciones

más utilizadas son según el número y posición de columnas.

SEGÚN LA POSICIÓN DE LAS COLUMNAS

In antis : Cuando no tiene columnas en el exterior.

Próstilo : Cuando sólo tiene columnas en la parte delantera.

Anfipróstilo : Cuando sólo tiene columnas delante y detrás.

Períptero : Cuando tiene columnas alrededor.

Monoptero : Cuando el templo es redondo.

Época Arcaica

Este primer periodo se extendió desde finales del siglo VIII al siglo VI a. de C. En ese tiempo, el arte griego sentó las bases de todas sus manifestaciones artísticas, con un particular desarrollo de la arquitectura.

Lejos del monumentalismo de otras culturas, los griegos concibieron su arte siguiendo el postulado de Protágoras según el cual «el hombre es la medida de todas las cosas».

Durante el periodo arcaico, la escultura griega se caracterizó por la rigidez y la llamada «sonrisa arcaica». Así, las representaciones humanas que, sin duda, pretendían exaltar la belleza y la armonía de los jóvenes atletas y de las vírgenes de los templos, son esculturas que carecen de movimiento, aunque pretenden transmitir esa sensación. Son característicos de este periodo los Kuroi y las Koré, en los que la anatomía está aún reducida a esquemas geométricos. De las cabezas, cabe destacar la sonrisa ya citada y el tratamiento del pelo, siempre rizado en bucles simétricos. Es un periodo que podríamos considerar de formación de las bases estéticas de la escultura griega.

GRECIA ANTIGUA: LA ESCULTURA MAYOR.

La mayoría de las estatuas griegas eran de carácter religioso, por lo menos en los primeros tiempos. Algunas se empleaban en la decoración de los templos, como por ejemplo los grupos de los pedimentos, los frisos y las acróteras, otras como estatuas para el culto en el interior de la naos y otras en los monumentos votivos erigidos en los santuarios. La mayoría de las esculturas griegas que se han conservado en su estado original son de carácter arquitectónico .

La escultura conmemorativa representó también un papel importante. Una victoria decisiva podía celebrarse con la erección de una estatua o de un grupo, el triunfo en una competición atlética con una estatua del vencedor o la firma de un tratado entre dos ciudades con la erección de una estela.

Además de ellas había gran demanda de monumentos funerarios por parte de los particulares. Consistían en estelas o lápidas decoradas con relieves o pinturas y rematadas con pináculos, estatuas de bulto redondo grandes vasijas de piedra decoradas con relieves. Se levantaban al aire libre, en cementerios familiares o, a veces, en los públicos, como el del Cerameico de Atenas.

Los temas escogidos en la escultura griega, como los de las otras ramas del arte griego, pueden dividirse en dos grupos principales: los que ilustraban los múltiples mitos de los griegos, con las pintorescas historias de sus dioses y los hechos valerosos de sus héroes y las que reflejaban la vida diaria de la época, o sea competiciones atléticas, luchas de guerreros, mujeres con niños y sirvientas y plañideras en las tumbas. Raramente se ven representadas directamente escenas y batallas históricas que desempeñaron, en cambio, un papel fundamental en el arte egipcio, en el asirio y, más tarde, en el romano. En su lugar se hallan los encuentros míticos entre dioses y gigantes, griegos y amazonas, y lapitas y centauros.

Al parecer la erección de retratos de personajes importantes a cargo de sus parientes o del estado empezó en el siglo V a.C., colocándose más habitualmente en los lugares públicos que en las casas particulares, por lo menos hasta la época helenística.

Los principales materiales usados por los griegos para la escultura mayor eran la piedra (la caliza y el mármol), el bronce, la terracota, la madera, una combinación de oro y marfil y, ocasionalmente, el hierro (...). Las que se han conservado son generalmente de piedra. La madera e desintegró en el clima húmedo de Grecia, el oro y el marfil eran demasiado valiosos para conservarse intactos, el bronce se fundió en casos de emergencia y el hierro se ha corroído.

Como es lógico, aunque la evolución estilística de la escultura fue la misma en todos estos materiales, sus técnicas eran distintas.

En los primeros tiempos las esculturas de piedra e hicieron siempre a cincel, puesto que el llamado sistema del punteado no apareció hasta la época romana. Con él podía copiarse mecánicamente el molde de un original multitud de veces (...). Las herramientas básicas usadas por los griegos fueron el punzón o puntero, el buril y los diversos cinceles (la uña, el desbastador, el cincel plano y la gubia), todos ellos manejados junto con la maceta . El perforador se introdujo al parecer en el siglo V a. C. , mientras que la sierra se conoció desde los primeros tiempos.

Como es lógico, el transporte de grandes bloques de piedra presentaba dificultades. Por ello, las grandes estatuas se tallaban en forma aproximada en la misma cantera. En el monte Pentélico y en Naxos pueden verse todavía varias que por alguna razón no se terminaron. De ser preciso no se vacilaba en usar varias piezas; a menudo se hacían las cabezas y los brazos extendidos por separado, añadiéndose más tarde con grapas de metal y espigas de piedra que generalmente se pegaban con plomo fundido. Las piezas menores podían añadirse con cemento.

Cada escultura de piedra, ya de caliza o de mármol, se pintaba total o parcialmente. Aunque la mayor parte del colorido ha desaparecido, quedan bastantes trozos como para atestiguar su uso generalizado, como lo había sido en Egipto, incluso con la piedra de color, considerándose atractivo bajo la brillante luz de Grecia. Otra práctica griega habitual fue la añadidura de accesorios de diversos materiales. A veces se incrustaban ojos hechos de piedras de colores, vidrio o marfil, o se añadían rizos, diademas y coronas de metal e incluso pendientes y collares, así como lanzas de metal, espadas, riendas y bridas. Sin embargo, generalmente sólo quedan de todos ellos los agujeros donde se incrustaban o ajustaban.

El bronce fue el metal favorito para la estatuaria durante toda la historia de Grecia. Las más antiguas esculturas de bronce eran sólo chapadas, o sea hechas con láminas de bronce martilleado soldadas sobre un núcleo de madera. Más adelante se introdujo el vaciado. El macizo, aunque apropiado para estatuillas (...) no es indicado para la escultura mayor y por ello se introdujo el molde hueco, usado ya en Egipto desde tiempos remotos, durante el siglo VII a.C., según muestran algunas piezas, regularizándose su empleo en el siglo VI. Se empleaba tanto el método de la cera perdida como el molde de arena. En el primero se cubría un modelo de cera, macizo o formado sobre un núcleo, con una capa de arcilla y arena, calentándose hasta que se derretía, derramándose luego el metal fundido en el espacio dejado por la cera y retirándose el núcleo, que se había sostenido con unas barras. En el sistema del molde de arena la figura solía hacerse en varias piezas. El principio de vaciado era el mismo que en el sistema de la cera perdida, excepto que el modelo era de madera en lugar de cera; se colocaba en una caja llena de arena húmeda, formándose así un molde para el metal fundido.

Los bronces griegos se dejaban en su color dorado natural; las pátinas que generalmente los recubren en nuestros días se deben a la acción del tiempo.

En Chipre, Etruria, Sicilia y el sur de Italia, donde el mármol era escaso, han aparecido gran cantidad de estatuas y relieves de terracota. Sin embargo, también en Asia Menor y en Grecia, donde abundaba el mármol, se empleaba a veces la terracota para la decoración de los templos y ocasionalmente para figuras votivas o religiosas.

Al principio las estatuas de terracota se hacían de paredes gruesas usando rollos y bolas de arcilla mezclada con arena y partículas de barro cocido para evitar la de formación de las figuras o que se contrajeran durante la cocción. En las épocas helenística y romana el vaciado reemplazó al moldeado en la mayoría de las piezas.

Recientemente se ha dilucidado la técnica de las famosas estatuas criselefantinas (o sea de oro y marfil) griegas. Los moldes de terracota que se encontraron en 1955-56 en Olimpia en un terraplén junto al lugar preciso identificado como el taller de Fidias muestran que el lienzo de oro de la estatua de Zeus (...) se había martilleado en varias piezas sobre moldes de terracota, reforzándose los mayores con barras de hierro; el oro se adornaba luego con incrustaciones de vidrio. Es posible que las cabezas de marfil de tamaño natural aparecidas bajo la Vía Sagrada en Delfos pertenezcan a estatuas criselefantinas.

LA GRECIA CLASICA

ESCULTURA:

Con el final de la guerras médicas se producen una serie de cambios en la concepción escultórica, la “SONRISA ARCAICA” desaparece. Se produce la plena integración del personaje en el espacio, se da una mayor profundidad al rostro. El realismo del movimiento intelectual y el ideal atlético dominan este perio-do. Esta nueva visión es patente con la koré ofrecida por Eutidikos en el 480.

Como decíamos el ideal atlético se halla presente, obra de Critias y Nesiotes es el grupo escultórico de los tiranicidas, hoy es conocido por las copias de época romana. Este ideal atlético del espíritu dorio se halla presente en la obra de Mirón, tal es el caso de discóbolo obra en bronce de la que tan solo nos han llegado las copias romanas en mármol.

Ejemplo monumental de este periodo es la decoración de uno de los grandes conjuntos el templo de Zeus en Olimpia la figura de Zeus enmarca dos grupos, en los cuales se representa la carrera de carros entre Enomao y Pelops por la mano de la hija del primero. En el frontón occidental se representan la lucha entre centauros y lapitas, en este caso el eje central es la figura de Apolo. Tanto el Poseidón como El auriga de Delfos son los ejemplares en bronces más sobresalientes de este estilo severo. Fuera de Grecia, destaca el llamado trono ludovisi en Magna

Grecia, de fines de esta primera mitad del siglo V. En el que las modas jonias y el estilo severo se encuentran reunidos en un leguaje de gran delicadez en la representación de la desnudez.

En el s. v preferían la utilización del bronce como materia prima, el IV será el mármol con delicada policromía. Decadencia de la cerámica pintada. Entre los primeros escultores destaca la figura de Escopas, que participó en la decoración del mausoleo de Halicarnaso. Se expresó con una fuerza patética que ejerció gran influencia sobre diversos monumentos de artistas contemporáneos y posteriores, otras de sus representaciones más importantes Menade danzante.

Polícleto:

El culto de los atletas vencedores en los juegos, encuentran su expresión el los bronces, hoy solo copias de mármol, de fines de siglo, destacar el doríforo. Las proporciones, las dimensiones y las líneas constituyen en canon perfecto, naturalista y vigoroso, la articulación de las piernas se libera completamente de las imposiciones severas, el torso sigue el movimiento implicando la espalda y la cabeza.

Este canon de belleza tiene su expresión en el Diadúmeno, conocido por copias. Fidias como señalábamos con anterioridad también fue un gran escultor, creando escuela, a través de lo que se ha dado en llamar la “técnica de los paños mojados”. A este grupo pertenecería el

autor de la Victoria desatándose la sandalia, de fines del siglo V.

Lisipo:

(380 a. C.- 318 a. C.).

Entre los últimos escultores del período clásico encontramos a Lisipo. Trabajó en Macedonia y allí realizó varios retratos de Alejandro Magno, aunque su obra más famosa es el Apoxiomeno, hoy guardada en el Museo Vaticano. El estilo de Lisipo se caracteriza por su naturalismo y la disposición de las figuras en el espacio, lo que obliga al espectador a contemplarlas desde diferentes puntos de vista, consiguiendo dotar de mayor belleza a sus trabajos.

Fidias:

(498 a. C.- 432 a. C.).

La revolución cultural y artística que vivió Atenas en tiempos de Pericles tiene en Fidias a uno de sus máximos artífices. Desgraciadamente conservamos sólo una pequeña parte de su producción pero su particular estilo sobrevivió gracias a los numerosos autores que copiaron

sus trabajos o se inspiraron en ellos. Pericles le encargó al dirección de las obras de la Acrópolis donde trabajó en la decoración del Partenón, realizando la famosa estatua crisoelefantina de Atenea que decoraba su interior, las metopas, el friso de las Panateneas y los frisos exteriores. También realizó la estatua de Atenea Promacos que presidía la Acrópolis. Sus trabajos se caracterizan por la serenidad y majestuosidad, la armonía y la belleza de las formas femeninas que se intuyen bajo los paños mojados, elemento que identifica buena parte de su obra.

Praxíteles:

Ateniense, fue el artista más preciado de la antigüedad griega. Escultor que conocía todos los materiales trabajó sobre todo el mármol. Formas suaves en la representación de los jóvenes

adolescentes. La belleza, la voluptuosidad y el equívoco juegan un papel fundamental en su obra. Graciosas y elegantes curvas definen la obra de Praxíteles, uno de los más importantes escultores de la época clásica griega. Se considera el autor de más de cincuenta obras de las que conservamos muy pocas. Todas ellas están caracterizadas por la elegancia con la que las dota el maestro, gracias a la flexibilidad que otorga la curva con la que se modelan las figuras. Los rostros tienen una expresión melancólica mientras que los paños están modelados suavemente. Sus obras estaban policromadas, al igual que las demás esculturas, eligiendo al pintor Nicias para dar color a sus figuras.

Destacar obras como Hermes , Afrodita de Tespias o Venus de Arlés, así como el Apolo sauróctono y el hermafrodita. O la Venus de Cnido causa de un profundo escándalo por representar a la divinidad no desnuda, sino como cualquier mortal.

Otro escultor fue Leocares que participó en los relieves del mausoleo, sin embargo su conocimiento y fama nos ha llegado a través de una copia romana de un Apolo conocido como Belvedere.

ARTE HELENISTICO.

Esta época se situaría entre el año de la muerte de Alejandro el año 323 hasta el sometimiento del Mediterráneo Oriental a Roma, la nueva gran potencia. Se trata de un periodo caracterizado por la expansión de la cultura griega y su contacto con antiquísimas y nuevas civilizaciones, lo que dará lugar a lo que conocemos como helenismo.

Desde el punto vista artístico cabe resaltar la gran variedad de producciones. Las cortes de los monarcas helenísticos ofrecen los medios necesarios para enriquecer artísticamente el “medio cotidiano”.

ESCULTURA

Durante los primeros años de esta fase se mantiene la influencia de Praxíteles y Escopas, cuyo centro de influencia se sitúa en la ciudad de Atenas. La Venus de Milo se mantiene en esa línea, de igual modo que lo hacen la Venus arrodillada, la Venus capitolina o la Venus calipigia.

Otra línea escultórica sigue los ideales de Lisipo, como es el caso de la Victoria de Samotracia. Este gusto por la representación de los vestidos femeninos se halla presente en las representaciones conocidas como Tanagras , por su principal centro de producción en Tanagra, Beocia.

El virtuosismo realista del helenismo llevará a producciones que caen en el recargamiento expresivo: Homero ciego o la vieja ebria. Es en la representación de grupos donde este barroquismo se halla presente con mayor fuerza tal es el caso de Laoconte y sus hijos, adaptación romana en mármol de un bronce helenístico.

Durante el último periodo de la época helenística, Atenas se encuentra de nuevo en el centro de la cultura.

Arte griego

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