1. CONCEPTO Y SIGNIFICACION DEL DISEÑO CONTEMPORANEO. EL NACIMIENTO DE LA SOCIEDAD DE CONSUMO. ARTE E INDUSTRIA.

-Caracteristicas que definen el diseño.

-Definiciones diseño, diseñador, forma-funcion.

-Relación arte-diseño y artista-diseñador.

-Artes suntuarias.

El diseño debe ser siempre una creación estética y funcional que refleja el gusto de la época, no es sólo adorno, sino tambien función. Es un proceso de creación visual con un propósito, a diferencia de las bellas artes (pintura, escultura). Tiene que tener una visión personal, que le dara el diseñador, pero a la vez tiene que conjugar las exigencias practicas.

2. LA RENOVACION DEL DISEÑO DECORATIVO.

Renovación del diseño decorativo Morris to Art and Graft. (2ª m. s. XIX)

Durante el s. XIX se produce una serie de cambios: sociales, economicos... que provocan el nacimiento de lo que se llama la Era Moderna.

El cambio no se centra en unos pocos elegidos sino que afecta a la gran masa occidental, transformación debida al desarrollo del proceso de industrializacion.

La tecnología era sinónimo de progreso, eficacia y avance, y la única capaz de dar soluciones a los problemas de la sociedad. Los arquitectos y diseñadores serán los primeros en sobrevalorar el desarrollo de la tecnología, lo que regía era una prudencia que deseaba toda originalidad e innovacion en el campo de la fabricacón, retomando ideas de los estilos históricos.

El diseño moderno nace como reacción a ese panorama y serán los arquitectos los que intentaran hacer diseños innovadores en sus interiores diseñan espacios y todos los objetos de relleno. Esta tendencia de los arquitectos en el siglo XIX tambien la tenemos en el s. XX, sobre todo en Europa rompiendo por tanto con la distribución de las areas de trabajo tradicional, ruptura de las areas laborales.

Inglaterra ya en el primer tercio del siglo XVIII tenemos antecedentes, el arquitecto William Rente realiza muebles para sus casas, Robert Adam tambien diseña muebles.

La labor renovadora se inicia en Inglaterra a partir de unas teorias de John Ruskin, Morris y Ashbee.

*Reloj (art & craft)

La renovación se inicia en Gran Bretaña con Ruskin y Morris que empiezan a cuestionarse el renacimiento constante de estilos antiguos: objetos carentes de gracia, de forma industrial pero repitiendo motivos del pasado.

Vieron via de salida a la recuperacion de la artesania, revolucion artesanal previa a la revolucion industrial querian establecer relacion estrecha entre el objeto y el creador.

Este movimiento resultaba algo provinciano y retrógado pero marcará el inicio o transición al diseño moderno, ya que algunas ideas modernas que influirán en el nuevo diseño.

La fecha clave inicial de esta renovación es en 1851 en Londres una gran exposicion universal: nuevas tecnologias potencian el comercio, fomentan interés por artes decorativas a través de las nuevas tecnologías.

Fue duramente criticada por J. Ruskin, era crítico de arte y sociólogo, defensor de Turner y de los Prerrafaelistas, defensor y amante de la naturaleza, pero una naturaleza no deformada por el hombre (art & craft precedente del art nouveau).

También Ruskin se preocupó por los problemas sociales que traían el avance industrial: ciertas ideas socialistas, ideología socialista en un principio de Ruskin y Morris (es un ideólogo)

Ruskin aborrecía los articulos de procucción industrial.

El rechaza por artificial la division que se habia establecido entre las bellas artes y las artes decorativas. Su ejemplo es que la capilla sixtina habia sido una mera obra decorativa.

Piensa que la revitalizacion de las artes se producia si los artitas volvian ala naturaleza y los historicismos (antecedentes del art nouveau)

Sus ideas fueron recogidas por su discípulo W. Morris: diseñador artesano, poeta,, arquitecto, teórico, politico socialista, editor, contribuyó enormemente al movimiento renovador de artes decorativas en R.V y Europa. Basa sus ideas estéticas en dos premisas:

1º - superioridad moral del arte medieval.

2º - rechaza a la sociedad capitalista contemporanea.

Su ideal de belleza se basa en la pureza y la simplicidad de la artesania medieval, este ideal se refuerza conla amistad que tuvo con los pintores prerafaelitas (Rosetti Dante Gabriel)

Comenzó Morris como pintor prerafaelita, en 1859 colabora y decora en la construccion de su casa, del arquitecto Webb, llamada Red House. Van a buscar la inspiración estética y moral en la edad media.

1859 fue un año clave para Morris, serie de artistas que fantasean con lo medieval, ellos llamaron una obra de arte completa, concepto que se va a convertir en el centro de la filosofia del Art & Craft y movimientos posteriores (art nouveau, art deco y luego la Bauhaus.

Todo el mismo estilo una misma finalidad estetica desde el contenido al continente.

Fundaron una empresa (Morris, Webb, Rossetti, Marshall...) La empresa se llamó Morris, Marshall, Folkner & CO. éxito comecial inmediato, un taller modesto, gran empresa, Morris & CO.

Fundan esta pequeña empresa ya que creian que artes decorativas en estado de degeneracion, ellos querian crear objetos bellos, útiles y accesibles.

Basaba su estructura en los gremios medievales en el, el artesano como figura y diseñador. Esto lleva a un aumento de precios y volumen pequeño de realizacion de piezas.

Como diseñador se inspiran en el mundo natural y en las representaciones de plantas, animales, pájaros que revelan observacion de la naturaleza, pero controlada y ordenada por Morris de modo simetrico.

Los diseños mas conocidos son para papel pintado.

Va a crear esquemas florales y de follaje siempre cuidadosamente equilibrados, estilo denso, rico, que se inspira en las telas del siglo XVII y XVIII y a veces en alfombras orientales.

Tambien tapices, tejidos, etc.

No imitan o copian sino reinterpretan, esto se hacia en la 1ª mitad del siglo XX en Reino Unido.

Otra idea clave: su predicacion del arte para las masas, siempre defiende esta idea, esta será posteriormente una premisa del diseño moderno.

Hecho por el pueblo y para el pueblo: gozo del autor y del usuario. Pero esta posicion es insotenible: productos a mano, muy costosos para gente normal, se convierten sus productos en elitistas, para una clase social privilegiada.

Eran objetos exclusivos. El resolvia este conflicto con ciertas ensoñaciones: habria un proceso de retroceso en la ideologia de la humanidad, que retomaria el sistema gremial mas justo. A esta esfera de irrealidad se guiarán los movimientos del Art & Craft ya que en 1888 se crea en Londres una sociedad llamada asi por el arquitecto Charles Robert Ashbee para reaccionar contra la mediocridad de la produccion industrial.

Ruskin y Morris serian figuras aisladas.

Art & Craft: Finalidad: Renovar las artes y los oficios. Surge de la corriente de Ruskin. Su propagandista es Walter Craine que escribio que la raiz y la base autentica de toda arte está en la artesania. Muere en 1942. Fue arquitecto y diseñador en diversos campos pero fundamentalmente muebles y lo mas importante: la plateria y la metalisteria.

Renovación tambien con rechazo al proceso industrial y volver a la artesania pero sera mas realista y sus antecesores y admite la necsidad de colaborar con la industria, escribira que la civilizacion moderna descenasa sobre la maquinaria. Para el ningun programa de enseñanza puede negar esto, el ve la luz en 1910, en 1915 abandona el diseño y la arquitectura y se va al Cairo como profesor de ingles. Estilo de Ashbee es una version mas aligerada del mundo de Morris.

Sus obras tienen gran influencia en el ámbito del reino unido y Austriaco.

*Tintero, caliz de plata, azucarero.

Walter Craine fue el propagandista y como diseñador se centro:

-papeles pintados infantiles, colores calidos, version mas simplificada que Morris.

1890 callejon sin salida. 1900 el movimiento Art & Craft que habia propuesto sencillez, ligereza y cierta elegancia. Estilo Reina Ana: Barroco sobrio, laca y marqueteria. Es un movimiento tnato artistico como social, se inicia 2ª mitad del siglo XIX y avanza tambien en el s. XX pero como estilo ya caduco, llega a Europa central e incluso a EEUU, surge como consecuencia de la creciente importancia de la industrializacion: se sacrifica la calidad ante la cantidad.

Es un grupo no homogeneo: arquitectos, diseñadores, filantropos, proponian reafirma la importancia del diseño y la artesania en todos los campos del arte. No es un estilo unitario y claro mas bien una idea u objetivo comun: romper con la jerarquia de las artes (pintura y escultura por encima de todas)

No solo intentan esto sino volver a la vida de la artesania, el segundo gran objetivo.

El tercer objetivo es crear obrar de arte al alcance de todos.

Su mayor innovacion radica en su ideologia, no es su estilo o diseño, ciertamente medieval, inspiracion no copia.

En la busqueda del reconocimiento de las artes decorativas.

Ideas pues futuristras que serán proyectadas en el siglo XX:

-deseo de diseño total, unión de bellas artes y artes decorativas. Deseo de obras de arte completas.

-Idoneidad en relacion al proposito: forma en relacion con la funcion.

-Honestidad de los materiales, recuperacion de materiales locales o autoctonos.

Ideas sin futuro:

-Rechazo de la fabricacion industrial.

-Hipervaloracion de la artesania.

-Total apego a metodos de fabricacion tradicional.

2ª mitad XIX:

-Corriente artesanal

-Otra corriente: otros diseñadores y arquitectos que piensan que el desarrollo de produccion industrial con comercializacion a gran escala puede ser viable.

Surge otra corriente de pensamiento y acción: comparte criticas a esos objetos repetitivos sin gracia, rechazar la vulgaridad de estos objetos: mismas ideas.

Solo digieren el proceso de fabricacion y comercializacion, esa corriente creia que era posible llevar a cabo una reforma práctica para combinar:

-los valores artísticos.

-la productividad.

-actividad comercial.

El propagandista de estas ideas será Henry Cole: el diseño tiene dos aspectos.

-refiere al valor utilitario del objeto diseñado.

-embellecimiento u ornamentacion de la utilidad.

Estas ideas tuvieron menos difusion que las de los Art & Craft, porque no tuvo un escritor como Walter Craine que defendia sus ideas con pasion. Defienden lo mismo salvo con el punto de la fabricación. Cole fue discreto, pero quien supo conciliar estas cuestiones a nivel práctico fue Cristopher Dresder:

*teteras azucareras.

TEMA 3. EL MOVIMIENTO MODERNISTA

EL ART NOUVEAU.

Movimiento artistico internacional. Se extiende hacia 1880 y dura hastga la 1ª guerra mundial. El momento álgido es en 1900 y a partir de ahi entra en declive, aunque en algunos sitios perdura como en Cataluña.

Surge como intento (muy exitoso) de crear un arte nuevo, que se pretendia distanciar del historicismo. Se encuentra en medios muy diferentes pero sobre todo es un nuevo estilo decorativo.

Tenia como objetivo enmarcar la distincion entre BBAA y artes decorativas.

Recibe diferentes nombres:

Alemania - jugendstil, nombre derivado de del titulo de una revista (Jugend).

España e hispanoamerica - modernismo.

Bélgica - paling stijl

Viena - sezession still

Italia - stile novile o floreale

El nombre de estilo "art nouveau" proviene de una galeria de Paris, inaugurada en 1895, el dueño, Bing le denomina así. Pretendian con esta galeria llevar a Paris el estilo Arts & Craft..

La esencia del art nouvea es la linea y enfasis que ponen en ella. Una linea representada siempre con atrevimiento y simplicidad. Puede ser determinante, enfatica, delicada, expresiva, unificadora, con gran diversidad de manifestaciones.

Hay dos corrientes principales basadas en la distinta interpretacion de la linea

-linea intrincada, enredada, sinuosa. Focos: Francia y Bélgica.

-enfoque mas rectilineo: Focos: Gran Bretaña (escuela de Glasgow, Austria y Centroeuropa.

Los orígenes del A. Nouveau se encuentran en el movimiento Arts & Craft. Toma este movimiento su revalorizacion de la artesania y tambien toma su determinacion de eliminar la distincion entre BBAA y A. decorativas. Contrariamente al movimiento Art & Craft el modernismo, aunque valoraba la artesania adopto nuevas materias y técnicas.

Los primeros ejemplos del estilo se deben a un diseñador A. Mack Murdo, tambien es arquitecto. Pertenece a la 2ª generacion de Arts & Craft. Figura de transicion entre ambos mov. Diseña el respaldo de una silla y la portada de un libro, La iglesia de Lurens, enmoncada por gallos esbeltos, considerada la primera obra art nouveau. Influenciado opr las formas naturales de Morris, que el convirtio en diseños alargados y elegantes. Frue el primero en introducir este lenguaje caracteristico del mov. art nouveau.

Diseño asimetrico y sinuoso.

Mack Murdo es ingles. En esa portada ponde de manifiesto las caracteristicas esenciales del modernismo . Colores encontrados. Ritmica sensacion de movimientos.

Su propio éxito hizo que el art nouveau decayera. Murio como consecuencia de su gran popularidad, popularidad que provoco saturacion del mercado y el nacimiento de copias de segunda y tercera categoria. El estiloque desbanca al art nouveau es el art decó.

Sintetismo:(Gaugin)

Sensacion de ligereza, libertad que va asociada tambien al empleo de nuevos materiales y tecnicas. Tambien nuevos temas. Materiales que suelen ser maleables, ligeros y tambien que podian adornarse para que asi lo parecieran.

Temas: la naturaleza sera el manual de consulta. Plantas, flores, tallos, hojas... todas las que se eligen tienen siluetas, curvas. Flores: orquideas, iris, lilas... pequeñas, delicadas. Insectos y su mundo. Pájaros, sobre todo el pavo real y la golondrina.

*tres peinetas, 1 con cada tema.

Otro tema clave es el cuerpo femenino proque alli se encontraban posibilidades decorativas en el cabello sobre todo que se moldeaba con la fantasia (erotismo implicito), el mar ondulante busca envolver y modelar la totalidad del objeto, la forma y la decoracion quedan indisolublemente integrados. El cuerpo de una mujer puede ser una lampara o una libelula puede ser una joya.

Hay diferencias en el art nouveau, estas diferencias sobre todo de criterio formal e iconografico.

*lampara insecto (de techo)

Hay dos tendencias: 1-Francia, Belgica, EEUU, y 2-Alemania, Austria y Gran Bretaña.

La 1ª presta la misma atenticion a la decoracion y a la estructura. Destaca la escuela de Nancy (Gallé) y la escuela de París (Lalique y Guinard. En Bélgica destaca Horta y en EEUU Tiffanny.

La 2ª tendencia tiene como escuela mas importante la escuela de Glasgow, es la corriente mas sobria. Interesada más por la estructura que la funcion. Tambien la funcion social del arte y el artesano. Destacan Olbrist, Van de Velde, Mackintosh y Hoffmann.

España: Aquí apenas hay manifestaciones importantes fuera de Cataluña y concretamente en Barcelona: centro del modernismo español auge economico burgues que permitira esto. En el resto de España no hay una tendencia claramente modernista.

Figura extraordinaria Gaudi, tambien Masrriera, pero el modernismo catalan esta demasiado pendiente de las innovaciones francesas. Agotado por repeticion.

Escuela de Glasgow:

La primera figura tipica es Mackintosh pero son cuatro: estilo unico de los cuatro:

Mackintosh

Frances Mac Donald (hermano)

Margot Mac Donald (mujer)

Marido de esta ultima.

Trabajan aspectos diversos, era un grupo familiar y de amigos con nuevas ideas esteticas: mobiliario, vidrio, grafismo... Tiene mucha importancia ya que influyó directamente sobre el desarrollo del art nouveau mas geométrico, tambien en art nouveau de Viena.

Caracteristicas generales:

-Ornamentacion austera.

-Colores apagados.

-Lineas verticales en combinacion con lineas curvadas.

-Presentan unos estilizados motivos vegetales donde predominan las: rosas, huevos, hojas...

Silla mas representativa. Metodo trabajo colaboracionista.

Estilo enrejado con grandes lineas verticales y curvas.

Su produccion más importante en el campo del mobiliario: estilo puro y geométrico que influirá en algunas corrientes diseño s. XX

Henry Van de Velde: Arquitecto y diseñador belga: vive en Alemania un tiempo, fue uno de los fundadores de la DEUTSCHER WERKBUND. Estilo curvilineo, bastante sobrio dentro de la curva , trabajos mas interesantes, muebles y trabajo del metal. Sus ideas propuestas para el movimiento y su difusion es lo mas importante de este autor, predico desde algunas escuelas de diseño. Predicó los beneficios sociales, esta relacion de arte e industria. El arte tiene que conquistar a la monarquia. Crece apasionadamente en la obra de arte total: esto tambien en Art & Craft, movimiento que él defiende en este aspecto y en el exceso de ornamentacion, pero lo critica por anacrónico en el aspecto de la produccion. Avanza en la estructura del diseño. Punto débil concepto de artista: hombre apasionado e indisciplinado, visión romántica del artista.

Van de Velde:

arquitecto y diseñador belga. Vive en Alemania un tiempo. Fundador del Deutcher Warkbund. Es importante orque a nivel práctico tiene un estilo curvilineo pero sobrio dentro de la curva. Trabajo sobre todo el mueble y el metal. Quizás es mas importante por su obra teorica, sus ideas propuestas para el movimiento. El difunde estas ideas. Predicó siempre los beneficios sociales de la relacion arte e industria. En 1894 escribe "el arte tiene que conquistar a la máquina" cree apasionadamente en la obra de arte toral, algo que tambien se veia en el movimiento art & craft, movimiento que conoce y defiende, sobre todo en este aspecto y tambien en el aspecto de exceso de ornamentación peo lo critica por anacronico en el aspecto de la producion. Avanza ideologicamente en su concepcion de la forma y estructura del diseño. Piensa que el debate debe ser apasionado, indisciplinada vision romantica del artista. Personaje puente entre dos grandes siglos. Eslabon mas interesnate en el art & crafts. Art nouveau y diseño industrial.

Escuela de París: Francia:

Predomina una tendencia mas decorada y Florida, la mas espectacular dentro del Art Nouveau. Se crea en torno a la figura de Nancy Gallé.

Lalique y Guimard.

Productos lujosos y caros, incorporan estructuras curvilineas muy marcadas, decoraciones o motivos realistas de plantas e insectos. Emill Gallé muere en 1904. Dos carpinteros diseñadores: Eugenio Vallin y Luis Majorelle.

*Mesa de Galle: recuerda al mueble imperio pero con matiz distinto. Marqueteria de tema vegetal. Libelula.

*Chimenea de Vallin

Naturaleza pero uso mucho mas ecléctico. Figuras claves Hector Guimard y Rene Lalique (comienza en art nouveau y terminan siendo art decó

Naturaleza estilizada en escuela de Glasgow y Mackintosh.

Mobiliario:

Aquí tambien hay dos tendencias:

diseños ideados para la comodidad y utilidad y otras que hacen prevalecer el efecto estetico sobre lo anterior.

A ambas le proporcionan coherencia: lineas rectas y curvas, y la inventiva personal que refleja el mobiliario: art nouveau

Estructuras curvadas muy marcadas. Son piezas artesanales donde menos vemos los avances de la tecnica sin nuevas tecnologias. Realizados a mano.

Materiales: madera fundamentalmente olvidando el hierro, acero, cristal, considerados inapropiados.

Carlo Bugatti, Mackintosh.

Nancy Gallé:

Fabrica muebles desde 1880, muere en 1904, junto con su otra gran dedicacion, quiza la más destacada, el vidrio.

En un principio diseños algo pesados.

Se caracterizan tambien por profusa decoración con marqueteria, temas alegres extraidos de la naturaleza de forma muy realista.

Prefiere la madera (material estrella en art nouveau), el prefiere maderas blandas- toda era marqueteria, tecnica que el recupera y lleva a su maxima expresion.

No solo en planchas usa la madera sina tambien saca fuera de la superficie: patas, respaldos que son plantas o insectos. Preferia siempre las plantas locales aunque tambien a veces usaba el bambú (planta exótica)

*Mueble bar: apariencia pesada, opulento (otra caracteristica de su mobiliario).

*Cómoda: perfeccion tecnica en marqueteria que provocara que se reprodujera su firma en algunos de sus muebles, incluso introduce citas poéticas en marqueteria.

*Cama amanecer y crepusculos: a veces da nombre a sus muebles como en esta que es la obra mas famosa de Galle, tiene una gran mariposa en los pies y en el cabecero.

Mackintosh:

Es la figura central de la escuela de Glasgow, es un arquitecto y diseñador de orígen escoces, muerto en 1928. Sus obras más significativas son muebles destinados a decorar los interiores de los edificios que él construia: obra de arte completa". Programa interiores proyectados por el.

Muebles pesados, que demuestran el poco interes por los detalles de ejecución.

Muebles livianos, poca preocupacion por definir detalles.

No usa maderas nobles: no le interesaba la belleza natural de la madera.

Introduce el color: tonos claros, blanco o marfiles, tambien el negro.

Tambien pintaba sus muebles imitando piedras.

Mobiliario que crea más por efecto estético que por comodidad.

En sus muebles pueden aparecer curvas, pero para resaltas la rigidez de las lineas verticales, lineas curvas muy suaves.

*Silla: la de antes, predominan las lineas verticales.

*Sillón: tambien parecido con lineas verticales exageradas en el respaldo.

Influencia en Centroeuropa y en Olbrist.

Carlo Buggatti:

Muere en 1940.

Muebles difíciles de clarificar.

Representa la culminación de la fascinacion del XIX por lo exótico.

Para algunos es el precursor del art deco, para otros es, figura independiente dentro del art nouveau.

Es figura transitoria.

Combinacion de elementos árabes egipcios y bizantinos.

Obra inspirada en fantasía árabe, egipcio o bizantino, reinterpretación de estos modelos.

Efectos de fantasia.

Madera pintada, tallada, latón, cobre pulido, ricas sedas, cuero, aportandole al mueble aspecto teatral y pomposo.

*Escritorio: fantasia árabe.

*Silla: fantasia egipcia: pareja. Recuerda la estructura general del mueble a la de Tutamkamom claramente inspirados en el mundo egipcio.

*Sillon: cuero y cuerdas.

*Silla bargueño: linea inestable entre art nouveau y la estetica glamurosa del art decó.

EL CRISTAL:

Es uno de los campos donde mejor se expresa el estilo porque es un material muy adecuado para el espiritu del estilo. Material que remarca la delicadeza y ligereza que propone el estilo.

Hay unos claros avances tecnicos. Los grandes innovadores seran los franceses y norteamericanos.

Brocard resucitara la tecnica del esmaltado en vidrio, estudio el arte islamico que influira en la obra de Gallé.

Galle aunque es importante en el mobiliario, su maxima expresion y sus maximos logros los tiene en el vidrio.

Inspiración:

porcelana oriental

conocimiento de la botánica (experto en insectos) su trabajo venia heredado de una tradicion familiar. Creacion del cristal claro de luna que presenta una delicada tonalidad color zafiro y es traslucido.

Innovacion del cristal camafeo en relieve, el lleva esta tecnica a su maximo exponente (antecedente Vas Portland)

La unica tecnica que no usa es la talla con punta de diamante.

Explota habilmente las imperfecciones del vidrio: burbujas de aire, nebulosas... que los convierte en motivo decorativo

Investigó las posibilidades del color, experimentó con la oxidación de la pieza mediante el ácido.

Logró efectos de relieve moldeando el cristal y continuo las tecnicas conlos juegos de color y transparencias para crear efectos sorprendentes. Experimentó tambien con incrustaciones de otros metales en el vidrio: metal, polvo de oro, esmaltes...

Estilo delicado y etereo.

Las formas se inspiran en la naturaleza, insectos y vegetales.

*Frasco de perfume: impregna a las piezas de un sentido misterioso y poético.

*Jarron: realizado con vidrio camafeo.

Eran mas apreciados por ser valor artistico que por el sentido funcional. Unicamente decorativo. Estos objetos fueron piezas solicitadas por los coleccionistas.

Tambien suele incrustar cintas con las citas de sus poemas preferidos y la mayoria de los efectos que conseguia lo hacia en superficie: usando la talla, el color, el ácido...

Solía acabar las piezas a mano.

*nenúfares: (como si fuera una vela) insectos tipicos en sus decoraciones.

*lámpara: vidrio camafeo

Tiffany:

Murio en 1933. Estadounidense, hijo de un comerciante de arte. Pintor, decorador...Su aportacion mas importante es la creacion de un vidrio con reflejos metalicos que patento en 1880. Vidrio cridiscente que llamo Faurile glass. Cuando el vidrio esta fundido se le aplican polvos de metal que prvocan el efecto dicho anteriormente

*Jarrón crisema: con forma de flor, base circular con cuerpo fino y cuello que se abre formando una flor. Uso del vidrio con reflejos metalicos. Azul. La silueta de los jarrones Tiffany son simples, elegantes, estilizadas, a veces con formas atrevidas.

*Jarrones: marrones., uso de motivos naturales.

*Jarrones: estilizaciones de pluma de pavo real.

Nunca intenta imitar piedras semi-preciosas. Lo que lo hizo mucho mas famoso son sus lámparas porque han tenido una entrada en el mercado de consumo, se han popularizado. Fueron muy imitadas.

Para Tiffany la invencion de la lampara electrica incandescente supone un nuevo reto para crear lamparas que soportaran el calor. Fuel el primo en darse cuenta del potencial que guardaba la electricidad para el art nouveau. El potencial que el vio, lo vio porque podia tratar la luz y dosificar la intensidad de la luz que era una preocupacion del art nouveau. Diseñó unas lampara s que tenian una pantalla en ocasiones tampien pie, de paneles emplomeados de vistosos colores = vidrieras. El diseño de la base y el fuste eran de metal moldeado, casi siempre con formas de raices o troncos y en las pantallas decoraciones vegetales. Lo primordial para el era el color y sus posibilidades con la luz.

*lámpara

Tambien brillo por la creacion de vidrieras, era un medio de expresión mas para manejar la luz y el calor. Pretende crear un mundo idílico.

*vidriera: recoge un paisaje del rio Hudson.

*la ventana domestica: de todas sus vidrieras la mas importante es esta.

Expone 4 vidrieras en París: las cuatro estaciones. Estas impresionan a los críticos y comienza así su estela de imitadores.

*Verano: detalle.

METAL:

Destaca el trabajo en hierro forjado por sus efectos movidos y plásticos. Fue un complemento básico para la arquitectura art nouveau.

Destacan las bocas de metro de Guimard que demostrarán la versatilidad. Enlace entre edificio y estilo.

LA ORFEBRERIA:

Es escasa pero hay algunos artistas que la reactivan, uso de plata, estaño, "peltra?? (mezcla de plomo + estaño)

Obras de HOffmann (centroeuropea) en plata, etc.

*juego de cafe: clara conexion con la orfebreria rococó. En una bandeja (tapadera)

*juego de cafe: asas doradas y mangos.

Esta orfebrería es la más significativa del art nouveau. Conexiones con algunos aspectos del rococó mas sobrio.

JOYERIA:

Considera sus obras y piezas como obras de arte independientes y no como complementos.

No es una joyeria popular.

Predomina un vocabulario de temas naturales.

La joyeria anterior a esta corriente solo usaba piedras preciosas, tallado de corte importante y significativo.

Lalique:

Orfebre y joyero. Expone su joyeria en París en 1894 por primera vez. Tiene tanto exito que en 1897 ya le conceden la legión de honor francesa. Se liberó de los convencionalismos sociales del tradicionalismo y rompio con las normas tradicionales del diseño de joyeria. Él elegía las piedras preciosas por el color, las vetas o la superficie: piedras semipreciosas. utiliza toda clase de metales, el marfil, el ámbar, el azabache, incluso llega a usar astas de animales talladas. Fantasia desmesurada. Artista completo en este campo.

El valor economico o material no es muy destacado, predomina el valor estético. Piezad exóticas o impactantes.

*Broche: con caras (verde agua)

*Peineta: golondrinas, muy novedosa, nacar y ambar.

*Broche: palomas

*Broche: pavo real

*Pulsera: hojas, como una diadema.

*Alfiler: "dibujo"

*Medallón: mujer dentro, los bordes son dos serpientes.

*Colgante: dos caballitos de mar

Aluden al pasado renacentista.

Inspiró a una escuela de imitadores en Francia: hermanos Beuver? y resto de europa tambien.

Estos hermanos se especializaron en los esmaltes llevando la tipología de broche en forma de orquídea a su máxima expresión.

George Foquet:

Otro seguidor muy creativo pero no tenia mucha calidad técnica, contrato a mucha gente par que le realizara los dibujos y bocetos.

Masriera y Roses:

En el ambito español destaca la figura de este artista catalán, de formación tradicional en taller familiar, obra sin trascendencia a fines del s. XIX. Va a París y conoce el modernismo y a Rene Lalique. Regresa a Barcelona y ya realiza obras art nouveau. Su máxima aportaciñon es la tipología mas significativa. Esmalte traslúcido y opaco: esmalte barcelona, no utilizado desde el siglo XVII, recupera la técnica y la varía, la mejora. Versión del antiguo esmalte cloissoné, los medallones y colgantes son su máxima expresión: con esas ninfas colocadas ante un esmalte traslucido, utilización de las perlas o grandes diamantes tallados.

Carl Fabergués:

Figura independiente: algunos art nouveau, otros va por libre. Ruso orfebre y joyero, formación taller familiar. Su padre fue joyero en San Petesburgo. Perfecciona su formación en Alemania y Francia: perspectiva mas amplia de lo que se esta haciendo.

1881- obtiene el título de proveedor oficial de la casa imperial rusa.

1884- diseñó por primera vez para zar Alejandro III, uno de sus huevos de pascua. Tipología que lo hará conocido mundialmente.

El zar y su hijo Nicolás II ofrecían esto a sus esposas como regalos en estas fechas.

Cajas en forma de huevo y contiene en interior pequeña sorpresa. Amplia gana de materiales preciosos y semipreciosos. Sorpresa: minitaura, cesto flores, figurita, etc.

Gran fama en toda Europa, clientela extensa de la alta sociedad, gran éxito en UK, adquieren también sus famosas pitilleras, también cestos de flores.

Exiliado con la revolución muere en Suiza en 1920.

*Huevo: clara conexión con el art nouveau, normalmente van fechados.

Otra tipología: los ramitos de flores, los vasos de cristal de roca y cestos.

Siempre combinando semipreciosos y preciosos.

Algunos motivos ornamentales inspirados en modelos franceses del s. XVIII.

Su conexion con el art nouveau esta sobre todo en la utilización de materiales semipreciosos.

TEMA 4. ART DECÓ.

Auge epoca comprendida entre las dos guerras mundiales, pero existen otras piezas claves de 1910.

Suplanta al modernismo.

coexistia con los estilos maquinistas de la Bauhaus, Geber, etc.

En 1925 inicia su declive, se replantean sus formulaciones.

Toma del modernismo que los elementos técnicos artesanales, antihistóricos y la tendencia ornamental.

Rechaza la linea sinuosa del art nouveau.

Es practicamente una continuacion del art nouveau mas que un estilo claramente diferenciado e innovador u original.

Estilo preciosista, exclusivo, moderno.

Defiende la producción mecanizada y las formas maquinistas.

El tipo de mujer no tiene nada que ver con el art nouveau.

Tiende a los abstractos, y la utilización del color por el color (muy importante)

Cuando se recurre a la naturaleza se prefiere retratar animales o la belleza de formas femeninas en actividad: no a lal languidez y romanticismo del art nouveau.

Impregno todos los aspectos de la vida diaria.

Estilo integral: puro y limpio de lineas, creando las lineas se curvan: de forma gradual y con amplitud.

Se desarrolla en una época insegura, crisis política, económica, fascismo.

El art decó pretende llevar a la vida cotidiana diseños audaces, brillantes e inocentes en algunos aspectos.

En el estilo auténticamente del siglo XX

En el estilo internacional: adaptación a cualquier objeto producio por el hombre.

Uno de los componentes mas claros: Del Kisch: desviación de las ideas estéticas trasladándolas a un nivel inferior. El arte del mal gusto: influye el material, lo chabacano.

Oscila entre lo puramente funcional con decoración simple y cara; y puro ornamento.

Influyen serie de corrientes: fuentes del art decó:

-los movimientos artísticos de vanguardia en la primera década del siglo XX: cubismo sobre todo, tambien futurismo, movimientos holandeses style, movimiento alemán de la bauhaus.

El art decó es un movimiento de su tiempo, pues.

También gran importancia del art nouveau como fuente, aunque sólo fuewra un estilo que contrarrestar por parte del art decó: antitesis: muy relativo ya que realmente podemos decir que el art deco es la culminación de la evolución del art nouveau.

Olbrist y Hoffman (art nouveau) los que mas influyen en art decó.

También influencia del arte africano, primitivo en general. Todo ese arte que no fuera europeo, lo exótico, esto era algo que estaba en el ambiente.

Telas que imitan animales salvajes, cerámicas con motivos africanos.

Impacto de los ballets rusos que llegan a París a principios del s. XX donde se mezclan escenografía y vestuarios orientales con occidentales, tambien vanguardia con lo primitivo.

Inspirará la tendencia más decorativa.

Dos tendencias art decó:

-purista

-más decortativa.

Figurillas danzantes: marfil, cristal, muchos materiales.

Se recupera el arte oriental, lo exótico, gusto especial egipcio, extremo oriente y arte antiguo de Méjico.

Relojes destinados a decorar chimeneas: el tema de la pirámide. También estilizadamente algunas formas de templo del extremo oriente.

Inspiración: maquinista, acelera la adopción de nuevos materiales: plástico, baquelita y cromo.

Caracter juguetón. Se carece del sentido del ridículo.

Gusto por sacar las cosas de su contexto, lo que provoca con una intención kitch, simulación falsa dee objetos que se sacan se su contexto.

Uno de los atributos mas importante del art deco es la flexibilidad: productos en seri y bajo coste, lo mismo tambien con los materiales mas caros y poulentos.

Estilo de elite pero puede ser absorbido por el pueblo y realizado en serie.

Valoracion: estilo muy despreciado por las vanguardias artisticas hasta los 60, despreciado por su aspecto preciosista ydecorativo, se revaloriza en la decada de los 60.

Cronología: se decia que surgió entre 1920 y 1925 pero realmente muchas piezas importantes ya en 1908 y 1910.

No es una antitesis del art nouveau, en algunos casos es una extension sobre todo en la tendencia ornamental y en la depuracion de las tecnicas artesanales en el campo del mobiliario sobre todo.

Es el último estilo que utiliza estas tecnicas.

A partir del art deco los materiales no van a tener la importancia que en este momento.

Influencias tiene a veces contradictorias pero no se le da importancia.

Surge en Francia y se extiende al resto de Europa y EEUU donde su particularidad es la interpretación más intelectualizada basada fundamentalmente en el funcionalismo y la economia. Cede el paso alo que sera ya el estilo moderno en el siglo XX que impregnara todo el desarrollo ya del siglo XX sobre todo en el campo del funcionalismo.

Figura femenina activa, deportista.

Las tecnicas mas extendidas fueron la ceramica, papel importante en sociedad de arte deco llegando los diseños a todos los niveles.

Sus formas son geometricas y rectilineas.

La ceramica contribuyo a introducir en los hogares las tendencias art deco: tambien las estatuillas de bronce y marfli, y atletas.

La ceramica tenia importancia y todos los paises tenian sus fabrica (Francia, Alemania...)

Tendencia rectilinea que se introdujo fundamentalmente en los diseños de objetos domesticos.

Clarice Cliff:

La mas destacada diseñadora nace en 1900 con diseños coloristas que tienden a la abstraccion.

Los temas naturales se estilizan por lo que no es naturalista.

Aportación como novedad: las formas de platos, tazas, platos hexagonales.

Otra novedad en la forma: lineas rectas en las asas.

Ceramica de caracter figurativo: lineas tambien geometricas y quebradas.

Su obra escultorica mas significativa es el grupo de jazz.

La temática del musico de jazz en boga en los años 20, musica revolucionaria.

VIDRIO ART DECO:

Rene Lalique aunque joyero art nouveau se pasa al vidrio art decó.

Maurice Marinot.

Adornos de esos jarrones, joyas,

Vidrios para proyectar algunos edificios - gran renovacion e innovacion.

Gran avance tecnico del vidrio, se creal el vitroflex: se puede curvar alrededor de los pilares, nuevas composiciones de vidrio y facilitan los trabajos.

Se recuperaron tecnicas del pasado com el tallado a punta de diamante.

Marinot:

1882-1962

Activo en vidrio hasta 1937

Su especializacion es el grabado y esmaltado del vidrio.

Obra fundamentalmente de caracter ornamental, jarrones, frascos, cuencos, modelados, como si fueran obras escultoricas macizas introduciendo color: emparedar el nucleo del vidrio coloreado entre dos capas de vidrio.

Investiga metodos para dejar burbujar de aire dentro del vidrio.

Sobre todo en jarrones y botes decorados.

Vidrio coloreado, esmaltado, grabado (especialidades de Marinot)

Utilizacion: sacar partido a las imperfecciones del vidrio: burbujas de aire, cuarteos, sacandole a estas imperfecciones una funcion decorativa.

Frascos, juego entre imperfecciones y tallados.

Lalique:

Su figura en este campo es de las mas interesantes, vemos aqui la evolución de Lalique

Reconoce el potencial expresivo del vidrio como material.

Estatuillas, jarrones, adornos de caracter menor.

En los años 20 experimenta con fabricacion de muebles de vidrio: no es una novedad absoluta ya que en el siglo XIX intentos de casa Bacarrat francesa.

Sobre todo adornos de pequeño tamaño: estatuillas, lo mas destacado de su producción:

-frascos de perfume ligeramente coloreados.

-placas de vidrio decorativas: musas, bañistas...

Metodo de trabajo: novedoso porque daba forma al objeto deseñado en oro material, luego al molde de escayola y vertia aqui el vidrio fundido con vantaja de obtener asi produccion en serie y obtiene formas que no se obtienen mediante la tecnica de vidrio soplado.

*cabeza de mujer

*placa reloj

Frascos de perfume que marcara ya toda una linea de creacion: cada perfume asociado a una casa determinada.

Tuvo prestigio tambien en el vidrio porque diseño parte de cristaleria, vidrio y placas decorativas del Trasatlantico Normandía.

JOYAS ART DECO:

Gran elegancia, cuidado y destreza en la facura.

Se aparta completamente en el diseño y no en materiales del art nouveau.

Los diseños art decó impera la línea recta, geometrica, linea quebrada, efectos de color, negro y rojo sobre toda combinacion.

Los cambios de joyeria se deben a los cambios en la moda: vestidos sin manga, talle bajo: joyas cuello, muñecas, caderas, cinturones caidos.

Pelo corto de moda, aparece tipologia de pequeños pasadores para el pelo.

Tipo de peinado art deco: raya al lado, recogido y con pasador.

Diseños caros que por su traza podian trasladarse a diseños mas baratos con materiales menos costosos.

Materiales semipreciosos: coral, azabache, laslázuli.

Novedad: adopción del platino como montura, siempre para la montura se hace casi una constate.

Gran éxito: pitilleras, collares geométricos, anillos, pulseras, polveras.

Pitillera: seña de identidad y de snobismo para la mujer que empieza a fumar.

Relojes de pulsera para el dia y para la noche.

Siempre diseños geométricos, lineas muy puras.

Françoise Cartier y Luis Cartier:

Muere en 1904. Luis muere en 1942.

Fue una de las casa que mejor adopto las tendencias decó.

El taller se creo en 1847 por Françoise Cartier: seguia la tradición.

Adquiere la importancia que tienen hoy.

Luis Cartier transforma la casa en sociedad y acoge el art deco.

El modelo de reloj pulsera surge en los años 20.

Diseños geometricos, sin suntuosidad, aunque a veces se use el diamante como material estrella.

*pendientes: colgantes hexagonales.

*broches: utilizacion del negro con diamante en juegos geometricos

Frederic Boucheron:

Crea la casa Boucheron. S.A. francesa fundada en 1858. Muere en 1902.

La otra casa que acoge estas tendencias es Boucheron: ensombrecida por el exito de Cartier.

Su importancia fundamental ya que sus diseños pasaran al campo de la bisuteria: menor calidad de los materiales.

Tras morir Frederic la direccion retomada acoge el art decó.

Caracteristicas geometricas, pero lo mas caracteristico es la utilizacion de tres colores fundamentales.

El color frente a Cartier, diseños geometricos pero mas movidos y una utilizacion de una mayor gama de materiales.

Tipologia clave: unas telas, y broches surtidos algo mas curvados y más plástico que la pieza de Cartier.

TEMA 5. HACIA EL DISEÑO INDUSTRIAL:

LA DEUTSCHER VERKBUND: Asociación que surge en Alemania en los años 20 ya que Alemania a fines del siglo XIX tuvo impacto rapida industrializacion: motivos de debate, enfretamientos entre los distintos grupos, preocupacion por la relacion arte e industria. Preocupación en los talleres por los productos de calidad de las artes aplicadas iban a mejorar la calidad de vida, e iban a aportar mejora a la situación economica.

En 1907 se cierra este debate con la creaciñon del Deutscher Werkbund: federación alemana del trabajo liderada por arquitectos alemanes, se pretendia reconciliar el arte y la máquina.

Asociación de arquitectos, diseñadores, artistas industriales de vanguardia.

Objetivos: mejora del trabajo profesionales a través de la cooperativa del arte, de la industria y la artesania a la que habia que unir la educacion y la publicidad.

Otros de los objetivos: lograr una calidad elevada en el producto industrial.

Werkbund: Se inspiraba en un movimiento británico del art & craft.

German??: Convencido que la clave del diseño alemán se encontraba en la calidad y en aportar un estilo propio a los diseños modernos. Su meta no era cambiar en Alemania solo sino influir sobre el carácter de toda una generacion, educar a varias generaciones y en definitiva todo el siglo en Europa, EEUU.

Figura destacada: Peter Behrens, que muere en 1940. Fue nombrado director artistico de la empresa AEG lo que provoco la definicion estilistica de la compañia y la creacion de una identidad corporativa propia (esto hoy en dia en todas las empresas) que se reconozcan los productos de esa empresa.

Diseñó productos: los primeros exponentes del diseño industrial con una identidad muy marcada.

El es la figura que realizó la transiciñon de las artes aplicadas al diseño industrial, igualdad entre forma y función.

En los años XX la Werkbund evoluciona cada vez más hacia la industrialización.

1ª guerra mundial:

En 1934 se disolvió esta asociación por problemas económicos en Alemania y auge del nazismo.

Como asociaciñon resurge en 1950 después de la 2ª guerra mundial.

Su esfera amplió a proyectos caráteres más políticos, planos reurbanización, proyectos medioambientales.

Lo que más nos interesa son los primeros años.

Gran influencia en Europa, asociaciones simililares: Suiza, Austria.

Fundaciñon Asociación Diseño e Industria en UK en 1915.

Sus ideales fueron tambien recogidos por Gropius para la Bauhaus.

Werk:

Creo pautas para el desarrollo del diseño industrial y la plena aceptación de la máquina.

Centró la atención en la necesidad de industrialización del diseño.

Estableció en gran medida la reputación de buen diseñador y alta calidad que lo productos alemanes tenian en la actualidad.

En estos años se publica el artículo (nada que ver con Werk) que va a revolucionar : Ornamenteo y delito de Adolf Loss, 1908. Arquitecto y teorico austriaco que influye decisivamente en la teoria en el diseño industrial. Obra teórica que condena el empleo de la ornamentación y las curvas.

Artículo capital para la comprensiñon del funcionalismo.

Diseñó objetos cotidianos en el campo del mobiliario y objetos domésticos: diseños sencillos, funcionales y materiales ricos: objetos descargados de ornamentacion y decoración.

TEMA 8. LA CRISIS DEL VANGUARDISMO:

Grupo Alchimia y Mendini.

En los 60 se crean unos grupos de diseño en Italia, germen de las de los 70 que marcan el desarrollo del diseño posmoderno, por ejemplo el grupo Alchymia, de aqui uno forma el grupo Memphis.

Alchymia es un grupo experimental de diseño fundado en 1976 en Milan: cran nuevas imágenes para el s. XX, principal propulsor es Alessandro Mendini. Fundador del grupo arquitectonico italiano Alesandro Gurriero.

En un principio concebido el grupo como una galeria para exponer los prototipos que realizaban tambien colaboradores no pertenecientes al grupo pero afines a él.

En 1978 tambien Etore Sosa es de este grupo, él se consolida ahora como figura central del grupo. Junto a él otros como Alessandro Mendini, Andrea Branzi y Lucchini. Alchymia rechaza de plano los principios de la Bauhaus, del funcionalismo, rechazan tambien " el buen diseño" (vinculado con el funcionalismo)

Apuestan por creaciones anarcas, banales, simbología que trascendia al hombre inteligente, ven mas alla de lo banal.

*Sofá Kandisnky (A. Mendini)

Sus diseños ironicamente llaman a sus colecciones Ba Haus. Colecciones que se inspiran en al cultura popular, el kitsch: que vulgariza el diseño, contrariamente a lo que puede ser llamado buen diseño.

Alchymia, nombre elegido con intencionalidad del burla e ironia, se burla de la racionalidad cientifica del movimiento moderno funcionalista hasta ahora imperante.

En 1980 Etore Sosa abandona el grupo y algunos más.

Se queda sólo A. Mendini que se convierte en el mejor exponente del grupo Alchymia, realizando objetos de diseño: reinterpretaciones de diseños clásicos del s. XX fundamentalmente mobiliario: ridiculizan los principios del buen diseño y del buen gusto hasta ahora habituales.

1ª exposición de Mendini en 1978, en el el sofa Kandisky donde todo lo que es el contorno, todo es movimiento, esas banderolas, el uso del color, romper la silueta de lo normal de un sofá.

*Sillón Proust: Inspirado, reconvertirt un sillón del XVIII francés en algo totalmente nuevo. Pared simulando mosaicos de colores: muy de moda en los 80. Es el inicio de todo eso que hace Mendini a fines de los 70 y a principios de los 80.

*Rediseño de la silla de plástico que una década antes había realizado Joe Colombo, italiano que se habia adelantado a todo esto con la decoracion de marmolizado conectado con los años 50.

*Silla zig-zag de Riebel: rediseñada también. Es el mejor rediseño que hace, convierte el respaldo en una cruz, cátedra de la élite religiosa. Ironía fina, sutil, otros diseños más.

*Silla de Brevel: rediseño con la misma estructura pero aplica color.

*Silla de Gioponti: rediseño en 1978, que ironiza con el padre del diseñador italiano de posguerra, lo único que hace es introducir los banderines italianos de color.

*Silla Tonet: rediseñado en 1979, un carpintero y ebanista alemán que introduce color y unas varillas tambien de color.

Esto hace que algunos diseñadores del grupo no les interese, Sosa y Belucchi, que querían hacer muebles comerciales y no sólo para coleccionistas que se comercializarán.

Nace pues el Grupo Memphis en 1981.

A. Mendini:

Nace en Milán.

Vinculado a la formación arquitectonica.

Relacionado siempre com la vanguardia arquitectonica italiana.

Redactor 1970-76, revista Casabella, vanguardista.

En 1977 al 81 revista de diseño Modola?

De 1981 al 85 revista emblemática Domus.

Encauza así los gustos del diseño a través de estas publicaciones.

En 1989 se asocia a su hermano Francesco y montan un estudio de arquitectura y diseño: "Atellier Mendini", colaboraciones de dibujantes, etc. Se convierte en un gran estudio consolidandose a nivel mundial, vendió Mendini un montón de rediseños ya que objetos coleccionista.

Sección experimental en el campo del diseño, trabajos en mas de tres países, diseñan edificios, entornos públicos, mobiliarios urbanos, en todos estos campos han modificado su sentido original.

*Paradas de autobús en Hanover (Alemania) En la línea de la arquitectura que ellos hacen.

El color siempre es protagonista, un color que lleva a la fantasía.

Aunque Mendini desprecia la obra de Gioponti (porque este rediseña partiendo del pasado clásico italiano) En realidad, este desprecio no existe ya que aunque rechaza esa reinterpretacin del pasado tambien estampa sus obras como lo hiciera Giopanti.

En los 90 los estampados estos triunfan (muebles de tenedores)

Mendini pretende exteriorizar lo banal, Gioponti pretende rechazar la banalidad y retomar los dieños de tradicion clasica italiana.

Los dos desarrollan la preocupación por la decoracion del espacio donde se integra el mueble: busqueda de la decoracion total, cubrir todas las superficies del mobiliario.

También Mendini realiza obras nuevas y personales no rediseños como:

*silla terra.

*Mueble aparador: 1981, ruptura de contornos, color, metal tubular, no tiene por que rechazarse por su funcionalismo.

*Silla inestable: los 80, juega con la ironia, confunde intencionadamente la funcion y la forma.

*Mueble contenedor: de los 80. Si atiende a la función.

*Silla Sabro: 80's. Se transforma en mesa, tambien decoracion o estampacion total

*Otro mueble contenedor: 80's

*Mesa: 1988, forma de banderín.

*Estanterias: 1988, intención de mosaicos, auténticas teselas fingidas.

*Diseños de vidrio de Mendini

*Botellas de Mendini: intentando aportar renovación a los diseños del vidrio italiano. Técnica petro a fili. También pues dentro de esa línea de3 recuperación del diseño en vidrio.

*Mesa.

TEMA 9. HACIA EL NUEVO MILENIO:

Estilo postmoderno. El movimiento moderno en diseño nace de una ideología progresista social, a mediados del s. XIX con Morris, Ruskin, se refuerza a principios del s. XX quedando definitivamente vinculado a la produccion industrial. Este movimiento va a enfatizar el funcionalismo, rechaza la decoración y tiende a la estandarización.

Este movimiento se consolida con la Bauhaus aportando por nuevos métodos industriales, de produccion, nuevos materiales especialmente el metal tubular.

A partir de los años 30 surge un estilo internacional de modernidad que se caracteriza por el minimalismo, uso de formas rectas y por el industrialimo.

Quien mejor proporcionará esta estética a nivel mundial, es Le Corbusier, se mueve por America, Europa, sobre todo en arquitectura.

El estilo posmoderno es el movimiento de diseño que imperó en ámbito internacional en los 70 y los 80, es un movimiento contrario a la premisa de que la forma debe seguir a la funcion, contrario también a la potenciación sólo de un pragmatismo de los objetos. Partidario de potenciar la función simbólica del objeto (banalidad, ironía, inteligencia, etc)

El término postmodernismo se empleó primero en el campo de la arquitectura desde los 70.

El primero que habla con una generalización del movimiento es el arquitecto y deiseñador Charles Jencks: "El lenguaje de la arquitectura postmoderna" libro de referencia para principios del postmodernismo arquitectonico.

Los principios del estilo postmoderno se remontan a los 60, pero se sitematiza con la obra de Jencks en lols 80. Se produce una revolución POP, y grupos radicales de diseño italiano de antidiseño.

Los años 70 suponen el fin del dominio del único movimiento de diseño internacional, el funcionalismo. El movimiento moderno empieza a ser criticado por los italianos como Alchymia.

Los últimos creadores del funcionalismo trataban de convencer al público de que la tecnología era la que debía seguir marcando la funcionalidad de un objeto de diseño.

En los 70 se establecen dos lineas en el campo del diseño:

-estilo postmoderno: e. neofuncionalismo: alcanza su culminacion en el llamado High Teach basado en la estetica industrial.

-minimalismo formal: en el campo de la arquitectura ejemplo claro emblemático el Pompidou de Paris.

A parir de los 70 es cuando surge el pluralismo en los estilos de diseño, no sólo ya una linea a seguir.

Algunos diseñadores se mueven por esta pluralidad.

*Hervidera de Supper: neofuncionalista 1983.

TEMA 10. EL DISEÑO ESPAÑOL:

Hasta los 50 no hubo diseño español, solo propuestas inconscientes, etapa protodiseño español.

La figura que encabeza estas primeras propuestas es Gaudi: para aplicar a su arquitectura los herrajes, puertas, muebles.

Mobiliario novedoso: tecnicas artesanales pero especial atencion a proyectacion, la funcion, etc.

*silla calvet: 1902, madera de roble, tallada, tecnica tradicional, inspiracion y modelo para otros, que la primera pieza del diseño español.

*taburete gaudino: gaudi + mollino de tusquet 1989.

Por lo tanto, Gaudi fue una figura aislada.

Eugenio Dor acuña término "novecentismo" conjuga aspectos del arte contemporaneo con formas autoctonas catalanas y con las raices populares del Mediterraneo.

Primera mezcla del s. XX arte deco, tambien diseños aislados, de la casa catalana Mirurgia, de Esteve Moregal que diseña frascos, envases art decó.

*perfume Granada: aspecto de incensario.

*frasco de Maderas de Oriente (1929), escalonado, ciertas referencias exoticas, hoy es igual y se sigue comercializando.

En 1929 Exposicion Barcelona marca un progreso hacia el diseño pero se trunca con la guerra civil.

Ya se usa el término diseño industrial.

*Flexo: años 30. Anónimo, hoy popularizado.

En 1930 se crea GATEPAC, grupo de artistas, arquitectos y técnicos españoles para el progreso del arte contemporaneo: su objetivo es la defensa de la arquitectura funcionalista, clara linea de Le Corbusier.

Sus impulsores: Jose Luis Sert y Fernando Garcia Mercadal (arquitectos)

Dividido en tres sectores:

-S. Norte: Pais Vasco

-S.Centro: Madrid

-S.Este: Cataluña

*Midbar: tienda que GATEPAC monta en el paseo de Gracia de Barcelona.

*mesa trabajo: acero curvado, linea Bauhaus pero no de calidad.

*Lampara: pantalla algo tosca.

ROCALOMAC: En Madrid, surgen dos arquitectos importantes

-Luis Gutierrez Soto: 1934 diseña mobiliario para Chicote.

*sillon chicote: armoniza el confort del acolchado con estilo funcional.

-Luis Feduchi: circulo de Madrid. Autor de historia del mueble español clásico.

*edificio capitol (Madrid) diseña muebles para el bar.

*taburetes de madera curvada

*carrito capitol

Francisco Javier Barba- crea muebles para la casa Pedrera.

*Lampara Pedrera

*Mesa Pedrera

*Silla Pedrera.

Rafael Marquina-1960

*vinagreras- se soluciona el problema el goteo inspirandose en el instrumental del laboratorio, como tubos de ensayo. Hoy versiones de todo tipo, popularizadas como iconos del diseño español.

Andre Ricart Sala: el primer diseñador auténtico, sin otro trabajo. Uno de los de mayor protagonismo es la profesionalización del diseño. No era arquitecto, sigue una linea funcionalista cerca a Escandinavia. Fue el primer premio nacional de diseño en 1987.

*ceniceros Copenhague: plastico, 1963.

Vinculación a la casa Puig: Agua Brava, Estivalia, Carolina Herrera.

Preocupación excesiva por el usuario. Sus diseños siempre de un manejo simple, formas ambles, cantos inofensivos, amplias prestaciones y fácil limpieza.