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ARTE DEL SIGLO XVIII NEOCLÁSICO

ARTE DEL SIGLO XVIII NEOCLÁSICO

Surge, a mediados del siglo XVIII pero se mantiene, junto con otras tendencias a lo largo del siglo XIX. Centros principales: Roma y París.

Reacción clasicista frente al Barroco favorecida por la Ilustración. Es un intento de someter la creación artística a reglas racionales y de elaborar modelos de validez universal: por ello, carece de fuerza creadora y resulta un arte de escasa originalidad. Su aceptación popular fue mínima.

Algunos factores contribuyen a su desarrollo:

• Las publicaciones de los tratadistas preconizando el i griego como punto de partida, de toda belleza, defendiendo un r torno a las fuentes de la Antigüedad. Hay que destacar la obra de Winckelmann Historia del arte de la Antigüedad" de 176

• Las excavaciones de Herculano (1719) y Pompeya (1748).

• Las expediciones arqueológicas inglesas a Grecia.

• La creación de las Reales Academias que dirigen la estética de su tiempo de acuerdo con una normativa clásica.

• Se refiere especialmente a la arquitectura aunque sin olvidar totalmente a la escultura y pintura.

• ARQUITECTURA

Características.

Reacción contra los efectos decorativos del Barroco y del Rococó.

Se inspira en los monumentos, clásicos, pero no es una copia de los mismos sino que los recrea.

Es una arquitectura erudita y racional. Representa un concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en las formas geométricas claras, en la medida clásica. Frente al subjetivismo barroco se opone la objetividad de la belleza basada en la racionalidad.

Gusto por la sencillez y severidad: predomina lo arquitectónico sobre lo decorativo. Para Winckelmann la belleza de los edificios radica en su monumentalidad, simetría, proporciones sujetas a las leyes de la medida y de las matemáticas.

Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: las columnas, los órdenes especialmente el dórico y el jónico, los frontones las bóvedas y cúpulas, etc.

Los temas decorativos también son tomados de la antigüedad: guirnaldas, rosetas, ovas, meandros.

El edificio clásico más empleado como modelo por el arte neoclásico es el templo griego, especialmente el pórtico y el frontón, que se emplean incluso como modelo á e las construcciones civiles.

A pesar de sus preferencias por los modelos griegos rompen con el “antropocentrismo" de estos y tienden a la monumentalidad romana.

Las construcciones son, principalmente, de carácter civil: museos, academias, bibliotecas.

El urbanismo busca los trazados geométricos, de damero o, estrellados, con amplias, avenidas y plazas. En la ciudad zonas verdes.

Dentro de la arquitectura neoclásica se pueden estudiar dos tipos:

Una arquitectura que sigue siendo básicamente barroca en cuanto a la exaltación del poder, pero que simplifica sus elementos. Es llamado el "barroco vitrubiano" y es la más extendida por Europa e incluso por Estados Unidos.

La "arquitectura de la razón", preocupada por la adecuación entre funcionalidad y forma. Se huye de todo tipo de decoración. Se planean obras de tipo práctico o industrial en relación con los cambios económicos y sociales: bolsas de comercio, bibliotecas, teatros, cementerios, hospitales. Es considerada como la más propiamente neoclásica.

• Francia.

Abandona la decoración de interiores de la época de Luis XV y Luis XVI tendiendo hacia formas más puras.

Cobra especial importancia en el Imperio de Napoleón: desarrollo del urbanismo y de los monumentos conmemorativos.

JACQUES GABRIEL (1698-1782). Ej.: Petit Trianon. Palacio de Versalles. (1762-1764).

SOUFFLOT (1713-1780). Ej.: Iglesia de Santa Genoveva actual Panteón de Hombres Ilustres. París (1758).

GONDOIN y LEPÉRE. Ej.: Columna de Austerlitz. Plaza Vendome. París. (1806-1810).

VIGNON (1763-1828). Ej.: Iglesia de la Magdalena. París.

FONTAINE y PERCIER. Ej.: Arco del Carrusel. París. (1806-1809).

CHALGRIN (1739-1811). Ej.: Arco de la Estrella. París. (1806-1836).

CLAUDE NICOLAS LEDOUX y ESTEBAN LUIS BOULLÉ.

Sus obras están relacionadas con la "arquitectura de la razón" aunque muchas de ellas no pasaron de ser meros proyectos.

• Alemania.

Se desarrolla especialmente en los países protestantes. Fue decisiva la dirección de Winckelmann. Centros principales: Berlín y Munich.

LEON VON KLENZE (1784-1864). Ej.: Gliptoteca de Munich. Propileos. Munich. El Walhalla. Ratisbona.

LANGHANS (1732-1808). Ej.: Puerta de Brandeburgo. Berlín

• Inglaterra.

Influencia de la tradición griega y de la arquitectura renacentista palladiana: algunos autores piensan que el neoclasicismo inglés es una continuación del renacimiento debido al escaso desarrollo del barroco en este país.

Juntamente con el Neoclasicismo se advierte un fortalecimiento del gótico tardío, estilo nunca abandonado totalmente en Inglaterra.

Hermanos ADAM.

JOHN NASH (1752-1855). Ej.: Regent's Park. Londres. Cumberland Terrace. Londres.

WILKINS (1778-1839). Ej.: National Gallery. Londres. (1833).

SMIRKE (1781-1867). Ej.: Museo Británico. Londres. (1823-1847).

• Estados Unidos.

El Neoclasicismo se desarrolla paralelamente a la independencia y construcción del nuevo país.

THORTON, BULFINCH y WALTER. Ej.: Capitolio. Washington. (1827-1865).

• España.

Hay varios factores que favorecen el desarrollo de la arquitectura neoclásica: la Academia de Bellas Artes de San Fernando, fundada en 1752 por Fernando VI, reaccionó contra el Barroco adoptando como modelo artístico el ideal grecorromano.

La llegada al poder de los Borbones que se rodean de artistas italianos y franceses muy imbuidos del espíritu neoclásico.

El impulso dado a la arquitectura y al urbanismo por Carlos III (1759-1788). Rasgo distintivo de la arquitectura española del Neoclasicismo es la abundante construcción de edificios religiosos, consecuencia del poder de la Iglesia en España.

Desarrollo del urbanismo: en Madrid se planea el Salón del Prado decorado con fuentes como la de Neptuno, Apolo y Cibeles, se construyen nuevas puertas monumento les como la de Alcalá, Toledo, se remodelan ciudades ya existentes y se construyen ciudades de nueva planta como La Carolina y El Ferrol Nuevo que imponen el trazado regular.

FRANCISCO SABATINI (1722-1797).

Aunque su formación es barroca, es considerado como el iniciador de la transición al Neoclasicismo.

Colaborador de JUVARA en la planificación de los jardines del Palacio de oriente de Madrid.

Ej.: Fachada de San Francisco el Grande. Madrid. Casa de la Aduana. Ministerio de Hacienda). Madrid. Puerta de Alcalá. Madrid. (1778). Ampliaciones del Palacio de Aranjuez. Proyectos para la urbanización del Salón del Prado. Madrid.

VENTURA RODRÍGUEZ (1717-1765).

Evoluciona desde el barroquismo de Borromini hasta el clasicismo de Juvara y Sacchetti. Ej.: Iglesia de San Marcos. Madrid. Capilla de la Virgen. Basílica del Pilar. Zaragoza. Fachada de la Catedral de Pamplona. Capilla del Palacio Real. Madrid.

JUAN DE VILLANUEVA (1739-1811). Principal arquitecto del Neoclasicismo español. Eliminó los restos barrocos de la arquitectura neoclásica española. Anticipó la concepción funcional y la austeridad de formas y volúmenes de la "arquitectura de la razón".

Ej.: Casita de Arriba. El Escorial. Casita del Príncipe. El Escorial. Portada del Jardín Botánico. Madrid. Museo del Prado. Madrid. Iglesia-Oratorio del Caballero de Gracia. Madrid. Observatorio Astronómico. Madrid: influencia de Palladio. Reconstrucción de la Plaza Mayor. Madrid. (1790).

Otras obras importantes.

Proyecto del Monumento del Dos de Mayo. GONZÁLEZ VELÁZQUEZ. Madrid.

Palacio de Vistahermosa. LÓPEZ AGUADO. Madrid.

Puerta de Toledo. (1813-1817). Madrid. LÓPEZ AGUADO.

Teatro leal. Madrid. LÓPEZ AGUADO.

Congreso de Diputados. (1843-1850) PASCUAL Y COLOMER.

Conjunto de Guernica. ANTONIO DE ECHEVERRÍA.

Biblioteca Nacional. Madrid. FRANCISCO JARRETO.

Edificio de la Bolsa. Madrid. E. REPUELLES.

Palacio del Senado. Madrid. ALVAREZ BOUQUEL.

Fachada del Casón del Buen Retiro. Madrid. VELÁZQUEZ BOSCO.

• ESCULTURA

Características.

Predomina la racionalidad de la expresión serena y sosegada sobre la irracionalidad de lo impetuoso.

Imita el estilo de los grandes escultores de la Antigüedad, principalmente de los griegos. Se toman como modelos los temas clásicos porque quieren razonar intelectualmente sobre la belleza.

Frente al realismo y expresionismo de la escultura barroca se oponen la serenidad y belleza de la escultura clásica: hay una reacción contra los efectos pictóricos, la teatralidad y el movimiento desbordado del Barroco.

Los artistas neoclásicos procuran plasmar formas correctas, ideales; existe una tendencia a destacar la formara valorar el contorno y la belleza formal de las figuras y objetos; se evitan los fuertes contrastes de claroscuro; se dota a la representación de un modelado suave y de un acabado pulido y homogéneo.

En general, interesó más la belleza puramente formal que la fuerza espiritual de la obra. Por eso caen en la frialdad y en la excesiva uniformidad.

Materiales preferidos: mármol blanco y bronce.

Principales manifestaciones: grupos escultóricos, ornamentación de edificios públicos, monumentos conmemorativos, monumentos funerarios, retratos, etc.

• Representantes europeos.

ANTONIO CANOVA (1757-1822). Propugnó la vuelta a los cánones clásicos. Combina la sensibilidad veneciana con el idealismo neoclásico resultando un arte suave y delicado. Se inspiró en las copias romanas de las obras griegas. No conoció los originales griegos hasta el final de su vida.

Gran técnico: virtuosismo en la ejecución.

Temas: mitológicos, sepulcros, retratos, Ej.: Mausoleos de Clemente XIII y Clemente XIV. Venus. Paulina Borghese. Perseo. Eros y Psiquis.

ALBERTO THORWALDSEN (1770-1844). Danés, residió y se formó en Roma. Se interesó por las obras griegas de las que conoce los originales: en su obra se advierten las influencias de Policleto, Fidias y Praxíteles.

Estilo grandioso y monumental para representar lo heroico. Figuras frías y académicas debido a la excesiva corrección formal.

Ej.: Jasón y el vellocino de oro. Amor y Psiquis. Ganimedes y el águila.

• España.

Lento y tardío arraigo de las formas neoclásicas. Mármol y bronce desplazan a la madera policromada.

Temas preferentemente profanos: monumentos conmemorativos y retratos; los temas religiosos pierden mucha importancia.

JOSÉ ALVAREZ CUBERO (1768-1827). Influenciado por Canova.

Ej.: Defensa de Zaragoza. Madrid. (1825). Apolino. Amor dormido.

DAMIAN CAMPENY (1771-1855). Influenciado por Canova aunque algunas obras tienen ya un aire romántico. Ej.: Lucrecia muerta. (1804).

ANTONIO SOLA (1787-1861). Ej.: Monumento a Daoiz y Velarde. Madrid. (1830). Estatua de Cervantes. Madrid. (1835).

PONCIANO PONZANO y JOSÉ PIQUER. Marcan la transición entre neoclasicismo y romanticismo. Ej.: Frontón de las cortes. Madrid. (P. Ponzano).

• PINTURA.

Características:

Triunfa a finales del siglo XVIII favorecido por los principios éticos propugnados por los enciclopedistas que atacaban el carácter artificioso de muchas de las obras del Rococó.

Al no contar con restos pictóricos de la antigüedad grecorromana, el Neoclasicismo se inspira en la escultura, en especial en los relieves, lo que dotará de un marcado carácter escultórico a las representaciones pictóricas neoclásicas.

Predomina el dibujo academicista sobre el color.

Luz clara y difusa.

La base de la belleza es la armonía de las proporciones y de las líneas.

Los principales temas serán: retratos, mitológicos, cuadros de historia.

• Francia.

JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825). Representante de la pintura neoclásica francesa. Estilo frío, severo, equilibrado, opuesto al espíritu rococó. Cuida mucho el dibujo: da primacía a la forma sobre el color y la luz. Las figuras aparecen con contornos bien delimitados, como esculturas.

Composiciones simétricas de escasa profundidad y con figuras ordenadas en filas paralelas.

Busca los temas heroicos y el desnudo como exponentes de la belleza y de la perfección, tanto si representa temas de la antigüedad como temas de su época.

Vinculado a la Revolución Francesa será, posteriormente, nombrado pintor oficial de Napoleón Bonaparte: todo esto será reflejado por él en sus cuadros.

Ej.: El juramento de los Horacios (1784). Rapto de las Sabinas (1789). Muerte de Marat. (1793). Coronación de Napoleón (1805-1807).

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1760-1867). Discípulo de Luis DAVID, sin embargo practica un estilo más poético, prerromántico prácticamente. Su pintura pierde el contenido político que tenía la de su maestro.

Destaca el tratamiento del desnudo femenino y los temas de carácter oriental. Mal aceptado en Francia, trabajó casi exclusivamente en Roma. Preocupación psicológica en sus retratos.

Ej.: Apoteosis de Homero. El baño turco. La fuente (1864).

GIRODET, GROS, GERARD.

Todos ellos son discípulos de DAVID. Presentan ya una concepción prerromántica en el tratamiento de los temas.

• Inglaterra.

Escaso arraigo de lo clasicista. Algunos pintores tratan temas fantásticos y alegóricos como FÜSSLI (1741-1825) y

BLAKE (1757-1828). Los temas más utilizados siguen siendo los paisajes. Paisajistas como CONSTABLE y TURNER enlazarán con el paisaje romántico.

• España.

Importante papel de la Academia de Bellas Artes de San Fernando creada en 1752 por Fernando VI. Predomina la pintura profana, costumbrista y adquiere un gran desarrollo el fresco.

Pintores extranjeros:

ANTON RAFAEL MENGS (1728-1779). Alemán, viene a España llamado por Carlos III permaneciendo hasta 17ó8; regresa en 1771 hasta dos años antes de su muerte. Iniciador, impulsor y difusor del Neoclasicismo en España.

Practicó el retrato y la pintura al fresco con temas alegóricos, religiosos y mitológicos. Como retratista aún participa del refinamiento rococó aunque con la frialdad propia del Neoclasicismo. Dibujo seguro y meticuloso.

Ej.: Sala Gasparini. Palacio Real. Madrid. Cámara de la reina. Palacio Real. Madrid. Carlos III.

Pintores españoles:

FRANCISCO BAYEU (+1795). Pintor de cámara de Carlos III. Decorador al fresco.

RAMÓN BAYEU (+1793). Pinta escenas costumbristas en cartones para tapices.

MARIANO SALVADOR MAELLA (+1819).

VICENTE LÓPEZ (1772-1850). Primer pintor de cámara de Fernando VII. Fue, ante todo, retratista.

Academicismo, estilo dibujístico y minucioso, sentido del color que aplica como si fuera esmalte. Visión idealizada de la sociedad.

Ej.: Retrato de Fernando VII. Retrato de Goya.

JOSÉ MADRAZO (1781-1859). Discípulo de LUIS DAVID, practica un neoclasicismo frío y grandilocuente. Pintor de cámara y director del museo del Prado (1838-1857). Temas: retratos, históricos religiosos, etc.

De todos los pintores españoles del siglo XVIII el más destacado es GOYA y por lo tanto merece una mención especial y un sentido más detenido.

• FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES (1746-1828)

• Vida

Nace en 1746 en Fuendetodos (Zaragoza). Después de realizar sus primeros estudios en el Colegio de las Escuelas Pías de Zaragoza, ingresa en el taller de JOSÉ LUZAN (1760). Se traslada a Madrid en 1763 con la pretensión de ganar los concursos de la Real Academia de San Fernando y conseguir una de las becas o pensiones que este organismo otorgaba para estudiar en Italia. Fracasa y en 1770 viaja por su cuenta a Italia, en donde aprende la técnica del fresco, el arte de componer y el colorismo.

En 1772 decora una de las bóvedas del Pilar de Zaragoza y realiza varios cuadros para la Cartuja del Aula Dei.

Su matrimonio en 1773 con Josefa Bayeu, hermana de los pintores Bayeu, le facilita el ingreso como cartonista en la Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara. Aquí permanecerá desde 1774 hasta 179 Durante estos años también tendrá acceso a las Colecciones Reales y podrá conocer a los grandes maestros, especialmente a Velázquez.

En 1780 es nombrado académico de San Fernando, presentando en el acto de su recepción en la Academia el cuadro de "Cristo en la Cruz", de clara influencia velazqueña. Su fama en la Corte va creciendo y en 1786 es nombrado pintor de Carlos III. En 1789 Carlos IV le nombra pintor de cámara. Inicia una intensa relación con los Ilustrados: Jovellanos, Moratín.

Después de una grave enfermedad sufrida en Cádiz en 1792 queda prácticamente sordo y esto influye decisivamente en su pintura: pierde el carácter alegre y optimista y se hace más intimista y pesimista. Este cambio se aprecia en algunos cuadros de esta época como "El entierro de la sardina, o "Casa de locos". Realiza también dos de sus obras más importantes: "Los Caprichos" y los "Frescos de la ermita de San Antonio de la Florida".

En 1799 Carlos IV le nombra primer pintor de cámara con lo que alcanza la cumbre del triunfo oficial. En estos tiempos es cuando realiza los más importantes cuadros de la familia real.

En 1808 se produce una nueva crisis en la vida de Goya: la Guerra de la Independencia acrecienta su pesimismo y su carácter crítico. Es obligado a ser pintor de cámara de José I.

En 1812 muere su esposa Josefa Bayeu.

Al regreso de Fernando VII en 1814, Goya tiene problemas por sus ideas ilustradas y liberales y por algunos de sus cuadros con la Inquisición y con el mismo rey.

En 1819 se traslada a una finca, al otro lado del Manzanares, la llamada "Quinta del Sordo". Allí pinta una de sus obras más famosas: Las Pinturas Negras. Padece una nueva y grave enfermedad que intensifica su aislamiento.

Ante el recrudecimiento del absolutismo después de 1824 y ante el temor de las represiones por parte del rey, Goya marcha a Burdeos en donde permanecerá, excepto en dos cortos viajes a España, hasta su muerte ocurrida el 16 de Abril de 182

• Estilo

No fue un artista precoz. Su estilo se fue formando y evolucionando lentamente bajo la influencia de los acontecimientos que le tocaron vivir y que le afectaron profundamente.

Su arte se encuentra en permanente evolución: paulatino progreso en la técnica, búsqueda de nuevas formas expresivas, continua corrección y profundización.

El arte de Goya se nos presenta lleno de contrastes: representaciones de fiestas alegres que exaltan la vida al lado de sucesos dramáticos y de muerte; escenas de niños que juegan felices y otras misteriosas y alucinantes de brujas participando en aquelarres; retratos de la nobleza pero también de los ilustrados y de los "majos" y las "majas" que simbolizan lo popular. Pintó lo bello con exquisita delicadeza, pero también supo reflejar lo feo, lo terrible, lo monstruoso.

En Goya apunta algo que, según Víctor Hugo, es propio del mundo moderno: lo grotesco. Se enfrentó con el academicismo de sus maestros y de sus contemporáneos, oponiéndose a la estética neoclásica. El dibujo pierde importancia frente al color, a la inspiración y al movimiento.

Fue pintor esencialmente colorista: la esencia de la pintura, para él es el color. Afirmaba que sus verdaderos maestros habían sido Velázquez, Rembrandt y la propia naturaleza. Del primero hereda el amor por el retrato psicológico; del segundo, la profundidad espiritual y la técnica pastosa; de su tercer maestro, la naturaleza, hay abundantes pruebas en los paisajes de los cartones para tapices.

Pero aún hay otro factor, la imaginación. Goya no conoció límites para sus facultades y en esto se aprecia su romanticismo. Combina el realismo con la imaginación creando, a partir de lo real, un mundo propio en el que la fantasía y la crítica juegan un papel aún más importante que la realidad visual.

Crea un arte testimonial y comprometido en el que lleva a cabo una crítica de todos los estamentos sociales: Corte, iglesia, nobleza, la sociedad en general. Temáticamente su obra es muy variada, estando presente en la misma casi Iodos los géneros.

Utilizó principalmente la técnica del óleo que aplica sobre los más diversos materiales (lienzo, tabla, pared, etc.) pero también realiza frescos, litografías, aguafuertes, etc.

Empleó normalmente composiciones de tipo neoclásico, es decir, tiende a la ordenación geométrica y regular. Las figuras se agrupan en triángulos, cuadrados, pirámides. Para que se distingan bien los personajes en los retratos colectivos crea líneas paralelas oblicuas. Sin embargo, en la etapa de madurez busca la libertad compositiva pero siempre mantiene unas líneas rectoras que evitan el caos compositivo.

De una forma muy general se pueden distinguir en Goya dos formas de hacer:

• visión optimista y alegre de la vida:

Temas alegres de ambiente rococó.

Dibujo de trazo continuo.

Colores vivos y luminosos aplicados a base de pinceladas muy iguales.

Composiciones ordenadas geométricamente.

• visión pesimista y patética de la vida:

Temas críticos, dramáticos y de una fantasía sombría.

Dibujo discontinuo e incluso, en ocasiones, poco correcto.

Aplicación del color a base de manchas, de pinceladas sueltas con vibraciones luminosas.

Mayor libertad en las composiciones.

Es indiscutible la importancia histórica de Goya: es contemporáneo de LUIS DAVID y sin embargo es el polo opuesto de su pintura. Influyó en muchos pintores españoles como ALENZA Y LUCAS y sobre todo en pintores franceses del romanticismo y del realismo, especialmente en MANET y COURBET.

Anuncia una serie de movimientos pictóricos posteriores:

• Romanticismo: por su individualismo, por la preocupación psicológica de sus retratos, por el apasionamiento y exaltación de algunos de sus temas. Ej.: La carga de los mamelucos.

• Impresionismo: por su pincelada suelta y vibrante. Ej.: La lechera de Burdeos.

• Expresionismo: por su despreocupación por la forma para conseguir un mayor valor expresivo. Ej.: Las pinturas negras. Desastres de la guerra.

• Surrealismo: por el mundo de fantasía que representa. Ej.: Disparates, caprichos.

• TEMAS Y OBRAS

• Cartones para tapices:

Más que cartones son, en realidad, cuadros al óleo. Realiza 54 durante su estancia en la Real Fábrica de tapices.

Trata los temas populares de Madrid: verbenas, romerías, juegos, etc. Son escenas llenas de gracia y poesía.

Los personajes populares aparecen ataviados con los trajes típicos de los majos y las majas.

Utiliza colores claros, una gran gama cromática y desdibuja los contornos lo que dificulta la labor de los tejedores. Se aprecia en ellos una clara evolución:

• En los primeros, coincidentes con el reinado de Carlos III, en torno a 1776, utiliza colores planos, fuerte dibujo y temas de cacería.

• Más tarde, con Carlos IV, hacia 1780, realiza temas costumbristas con manchas de color y celajes de influencia rococó. Mantiene una composición central geométrica con árboles que marcan una diagonal y fondos arquitectónicos. Obras:

• El quitasol.

• El cacharrero.

• El columpio.

• Las cuatro estaciones.

• La gallina ciega.

• El pelele.

• En sus últimos cartones, por influencia de la Ilustración, realiza temas en los que se manifiesta una cierta crítica social, como “La Boda”.

• Retratos:

Fue el género que más cultivó, posando para Goya gentes de todas las clases sociales: reyes, nobles y personajes populares. Sintió especial predilección por el retrato femenino.

Se caracteriza por su realismo y sinceridad, reflejando perfectamente al retratado, aunque en ocasiones se manifiesta el interés, simpatía o indiferencia que Goya sentía ante el retratado.

Evolucionó desde los retratos elegantes y estáticos de los primeros años hasta los ejecutados alrededor de 1800 a base de pinceladas sueltas, cortas y luminosas, de dibujo a base de trazos rotos, discontinuos y de mayor penetración psicológica.

Excelente tratamiento de las calidades de los vestidos, objetos, etc. Obras:

• Carlos III cazador.

• Familia del duque de Osuna.

• La tirana.

• Francisco Bayeu.

• Josefa Bayeu.

• Las majas.

• Condesa de Chinchón.

• Familia de Carlos IV (1800).

• Fernando VI.

• Autorretrato.

• Marianito Goya.

• La lechera de Burdeos (1827).

• temas históricos

Principalmente temas sobre la Guerra de la Independencia: destacan por su expresionismo, auténtico alegato contra la crueldad y la barbarie de la guerra.

Sus composiciones son complejas, llenas de movimiento y acción. Obras:

• El coloso.

• Dos de Mayo o la Carga de los Mamelucos (1814).

• El tres de mayo o los fusilamientos de la Moncloa (1814).

• pintura religiosa

No fue muy cultivada por Goya y la realiza tanto en lienzos como frescos. Mientras algunos cuadros pecan de excesivo academicismo, otros poseen un profundo sentimiento religioso. Obras:

• Cristo en la cruz, Academia de Bellas Artes de San Fernando.

• Frescos de San Antonio de la Florida, Madrid (1798).

• Última oración de san José de Calasanz (1819).

• La oración en el huerto.

• pinturas negras

Reciben este nombre tanto por el color empleado (blanco, negro, ocres, dorado-verdosos), como por su tenebrosa significación pesimista, sombría y desesperanzada. Son escenas macabras y de brujería de difícil interpretación, expresión de un mundo interior desolado y terrible, alucinante.

Una fantasía e imaginación desatadas presidieron su ejecución. Obras:

• Aquelarre.

• Viejos comiendo sopa.

• Las Parcas.

• Saturno devorando a su hijo.

• Perro hundido en la arena.

• grabados y dibujos

Son de gran fuerza expresiva y llenos de vigor. Mediante ellos lleve una crítica de la sociedad y de la política de la época y en ellos se entremezcla el pesimismo, el humor y la sátira.

• Caprichos:

• Comprenden un total de 80 láminas y comenzó su ejecución en 1797, siendo publicados en 1799. Por miedo a la inquisición los recogió y regaló a Carlos IV.

• Están inspirados en su propia imaginación, en estampas populares, en los dichos del pueblo y en libros de magia.

• Utiliza unas formas anchas, una composición maciza, un violento contraste en blanco y negro con el que acentúa los efectos de luz.

• La segunda parte de la colección, a partir de “El sueño de la razón” es invadida por una fauna horrenda o grotesca, de diablos y monstruos. Obras:

• El sueño de la razón produce monstruos.

• ¡Qué viene el coco!

• Dios la perdone y era su madre.

• ¡Qué sacrificio!

• Desastres de la guerra:

• Realizados entre 1810 y 1819, reproducen escenas de lo que ha visto, de lo que le cuentan o, simplemente de lo que imagina. Obras:

• Con razón o sin ella.

• ¡Grande hazaña! ¡Con muertos!

• Tauromaquias:

• Publicadas en 1816, constituyen una auténtica enciclopedia del arte taurino.

• Disparates:

• Realizados entre 1820 y 1822, expresan un mundo fantástico, onírico.

• Es la obra más personalista de Goya: parece anunciarnos el surrealismo.




ARTE DEL SIGLO XIX

• INTRODUCCIÓN

Situación cronológica y espacial: Cambios:

• ideológicos: desarrollo del liberalismo.

• económicos: revolución industrial. Ampliación del capitalismo.

• políticos: aplicación del liberalismo: paulatina sustitución de las monarquías absolutas por sistemas constitucionales, desarrollo del nacionalismo, expansión colonial.

• sociales: definitiva sustitución de la sociedad estamental por la de clases. Desarrollo de la burguesía. Formación del proletariado: la "cuestión social" y los movimientos obreros.

• Cultura: avances científicos. Aplicación de principios racionalistas y experimentales.

• CARACTERES GENERALES.

• Un aspecto fundamental de este siglo es la gran fuerza que presentan los cambios políticos, ideológicos, económicos y sociales y su enorme repercusión en el mundo artístico.

• Se desarrollan un gran número de movimientos artísticos que responden a la rápida evolución de la situación política, económica y social.

• Rebeldía contra la razón y el academicismo del siglo anterior.

• Avances científicos muy numerosos que influyen en los diferentes movimientos artísticos.

• El hombre del siglo XIX descubre las civilizaciones desconocidas o mal estudiadas: viaje de CHAMPOLLION a Egipto, investigaciones en el Próximo Oriente, inicio de los estudios sobre Prehistoria por BOUCHER DE PERTHES, triunfo de la arqueología iniciada en el siglo XVIII con los descubrimientos de Pompeya y Herculano, etc.

• El nacionalismo favorece el gusto por el folklore, por lo costumbrista, especialmente durante el Romanticismo.

• ARQUITECTURA

Características:

No hay correspondencia con la pintura y la escultura.

• La arquitectura se ve afectada por los profundos cambios sociales operados por la Revolución Industrial. Deberá dar respuesta a las nuevas exigencias de la sociedad:

• Los avances técnicos y la invención de nueva maquinaria para la producción exigirán la construcción de nuevas fábricas que sustituyan a los tradicionales talleres artesanales.

• El desarrollo económico y comercial plantea la necesidad de construir una nueva tipología de edificios acordes con las nuevas exigencias: puentes y obras públicas, museos, bibliotecas, pabellones para exposiciones internacionales, el aumento demográfico en las ciudades provoca grandes problemas urbanísticos.

• El siglo XIX se presenta como algo contradictorio en el campo de la arquitectura: a la estética de la forma se opone la estética de la función. A lo largo del siglo, dos grandes líneas de acción definirán el quehacer de la arquitectura: la arquitectura-arte y la arquitectura-ingeniería. Algunos arquitectos intentarán unir las dos tendencias buscando en el recuerdo de estilos pasados el medio de investigar nuevos materia les como el hierro (VIOLLET LE DUC), O bien, preocupándose por las posibilidades puramente estéticas de la ingeniería (EIFFEL).

• La arquitectura se verá favorecida por movimientos como el romanticismo y el colonialismo: se toman como modelos los edificios medievales y los de otras culturas exóticas.

• Juega un papel muy destacado en el desarrollo de la arquitectura la aparición de nuevos materiales. Algunos de ellos, como el hierro, ya se conocían en la antigüedad, pero su empleo fundamental es a partir del siglo XIX. Como complemento se usa el vidrio. El cemento no hará su aparición hasta fines del siglo XIX por lo que alcanzará su auténtica importancia ya en el siglo XX.

• El principal problema con que se encuentra la arquitectura es el de encontrar un nuevo estilo ya que se pone en duda el valor artístico del Neoclasicismo. La consecuencia que se deriva de esta búsqueda es la aparición del "Eclecticismo": se copia a otros estilos anteriores, principalmente el gótico, pero no se crea un nuevo lenguaje arquitectónico.

• La arquitectura del siglo XVIII se puede dividir en los siguientes cuatro apartados:

• Arquitectura historicista o ecléctica.

• Arquitectura de los nuevos materiales.

• La escuela de Chicago.

• Modernismo.

• Mención especial merece el estudio del urbanismo.

• ARQUITECTURA HISTORICISTA

Características:

• También es conocida como época de los “revivals”.

• Es, en esencia, un movimiento de carácter romántico que pretende resucitar e imitar las formas constructivas y estilos del pasado, especialmente los medievales.

• Varios factores contribuyeron a su implantación:

• La reacción romántica contra el frío neoclasicismo.

• El ansia de encontrar en el pasado las raíces de la propia personalidad en una época de profundo desequilibrio histórico.

• El rechazo de la nueva técnica deshumanizadora.

• Motivos políticos de exaltación nacionalista que pretendían buscar y resucitar los orígenes de la propia civilización.

• Existen notables diferencias entre la arquitectura historicista de las distintas naciones: su importancia no alcanzó la misma dimensión en todas ellas, ni tampoco resucitaron los mismos estilos. En generarlos más empleados fueron los de origen medieval, especialmente el gótico, pero también se levantan construcciones neoegipcias, neohindúes, neochinas, neomudéjares, etc.

• Esta arquitectura historicista no se aleja de la arquitectura de los nuevos materiales: hubo construcciones que utilizaron el hierro y el vidrio con formas arquitectónicas del pasado, Y, por otra parte, hubo arquitectos historicistas que con sus investigaciones prepararon el camino de la arquitectura moderna.

• El historicismo emplea uno u otro estilo según la función del edificio. Esto implicaba pensar en la forma como algo subordinado a la función, lo cual prepara el advenimiento de las nuevas concepciones arquitectónicas.

• Este historicismo también se aprecia en la literatura: destacan autores como Walter Scott, Víctor Hugo, Gustavo Adolfo Bécquer, etc.

• Francia.

EUGENIO VIOLLET LE DUC (1814-1879). Gran estudioso del estilo gótico.

Recomienda la utilización del hierro en estructuras góticas muy aptas, según él, para los nuevos edificios necesarios para la sociedad industrial.

Restaurador de edificios medievales: catedrales de Amiens, Vezelay, Santa Capilla de París, etc.

También se construyen en Francia edificios neobizantinos como el SACRE COEUR de París.

• Inglaterra.

Fue donde más aceptación tuvo el gótico que fue considerado como estilo nacional: en 1818 se llegó a promulgar una ley sobre la obligatoriedad de utilizar el gótico perpendicular para todas las nuevas iglesias que se construyeran.

BARRY (1795-1863) y PUGIN (1812-1852). Ej.: Reconstrucción del Parlamento de Londres.

RUSKIN (1818-1900). Gran teórico del neogoticismo: "Las siete lámparas de la arquitectura''.

SCOTT (1811-1878). Ej.: Monumento al príncipe Alberto. Kensington Park. Londres.

También se construyen edificios neohindúes como ejemplo de la influencia colonial destacando entre ellos el Pabellón Real de Brighton (1818) por J. NASH.

• España.

En esta época en España se produce una total desorientación: se combinan formas clásicas con elementos medievales y renacentistas.

Se resucitan, principalmente, el plateresco, el mudéjar y el gótico.

Destacan varios edificios importantes:

Escuelas Aguirre. Madrid. RODRÍGUEZ AYUSO. (Neomudéjar).

Banco de España. Madrid. E. ADARO. (Neorrenacentista).

Monumento a Alfonso XII. Parque del Retiro. Madrid.

Catedral de La Almudena. Madrid. Iniciada por el Marqués de Cubas y continuada CHUECA GOITIA.

Iglesia de San Ginés. Madrid.

Iglesia de San Jerónimo el Real. Madrid. NARCISO PASCUAL Y COLOMER.

Plaza de España. Sevilla.

• ARQUITECTURA DE LOS NUEVOS MATERIALES

Características.

La utilización de nuevos materiales no va acompañada de la creación de un nuevo lenguaje arquitectónico: se sigue haciendo uso de las soluciones y elementos de épocas anteriores.

Enfrentamiento entre arquitectos e ingenieros: los primeros se consideran creadores de belleza sin conectar con las nuevas necesidades de la sociedad industrial; los segundos buscan ante todo la solución de problemas, la utilidad, dejando a un lado los aspectos estéticos.

Como consecuencia de lo anterior las obras van a ser confiadas a unos u otros según el carácter de las mismas.

Materiales: hierro, fundido, vidrio, acero, hormigón armado.

Las ventajas de la utilización de estos nuevos materiales son muchas:

Hasta la utilización de los nuevos materiales la arquitectura se fundaba en la elevación de muros mediante la yuxtaposición de elementos sólidos. Los nuevos materiales cambian esta situación haciendo recaer el peso de la edificación y el equilibrio sobre una armadura cuyos huecos se rellenan después de otros materiales.

La invención de vigas, arcos y soportes, tanto metálicos como de hormigón, permiten un espaciamiento de los puntos de apoyo de la construcción y ordenar mucho más perfectamente los empujes.

La eliminación de los muros como elementos sustentantes y la reducción de la estructura vertical sustentante posibilita la libertad de composición y distribución de las amplias superficies cubiertas.

Se pueden levantar bóvedas de gran amplitud y superponer varios pisos aprovechando al máximo el espacio edificable.

Los nuevos materiales permiten realizaciones más rápidas y baratas.

En consecuencia, la altura del edificio, el aumento de la superficie cubierta y la amplitud de los volúmenes originados, todo ello crea una auténtica revolución en el mundo de la arquitectura.

Durante la primera mitad del siglo XIX, el hierro sólo es empleado por razones utilitarias, sin finalidad estética; a partir de la segunda mitad del siglo se empiezan a alzar voces en defensa del valor estético del hierro.

Tipos de obras.

• Puentes.

Los primeros puentes de hierro datan del siglo XVIII. Se realizan adaptando el hierro a métodos procedentes de la construcción en piedra.

En el primer cuarto del siglo XIX ya se realizan puentes colgantes.

Ej.: Puente sobre el río Severn. Inglaterra. (1779). Puente de Sunderland. Inglaterra. (1793). Puente colgante de Bristol. Inglaterra. (1832). Pont des Arts. París. (1801-1803). Puente de Austerlitz. París. (1806).

• Edificios.

De tipología muy variada: factorías, estaciones de ferrocarril, grandes almacenes, mercados, galerías comerciales, bibliotecas, etc.

A fines del siglo XVIII se empezaron a utilizar soportes de hierro en los interiores de los edificios. Los muros seguían siendo de materiales tradicionales (ladrillo, piedra, etc.).

Posteriormente es toda la estructura la que se hace de hierro, aunque en un principio sólo se aplica en los interiores. Los muros se convierten exclusivamente en elementos de cerramiento. Se aplicará a los exteriores cuando se combine con el vidrio.

El vidrio fue también muy utilizado para determinadas construcciones como galerías comerciales, invernaderos, etc.

En generarlos nuevos materiales se emplean para la construcción de edificios de carácter industrial; por razones de tipo estético se excluyen de las construcciones de tipo tradicional y, cuando se emplea la estructura de hierro, ésta se enmascara con mampostería mediante el uso de formas arquitectónicas tradicionales.

HECHOR HOREAU (1801-1872).

Defendió el uso de nuevos materiales sin ocultarlos, pero no pudo llevar a la práctica sus proyectos. Ej.: Proyecto para "Les Halles Centralles". París.

HENRI LABROUSTE (1801-1875).

Utiliza el hierro y el vidrio y se manifiesta en su obra un deseo racionalista por encontrar la forma arquitectónica derivada de la función. Ej.: Biblioteca de Santa Genoveva. París. (1843-1850). Biblioteca Nacional. Gran Sala de Lectura. París. (1868-1878).

C. BRODRICK. Ej.: Corn Exchange. Leeds. (1860-1863).

BARLOW y ORDISH. Ej.: Cubierta de la estación de San Pancracio. Londres. (1863).

G. MENGONI. Ej.: Galería Vittorio Emanuelle. Milán.

BRUNET y BELLANGÉ. Ingeniero y arquitecto respectivamente, colaboran en la construcción de nuevos edificios. Ej.: Mercado del trigo. París. (1811).

JAMES BOGARDUS (1800-1874).

Americano que tiene la idea de sustituir las paredes exteriores de los edificios por fachadas de hierro colado combinadas con cristal.

RICARDO VELÁZQUEZ. Ej.: Palacio de Cristal. Parque del Retiro. Madrid.

• Exposiciones Internacionales.

Se desarrollan a partir de la segunda mitad del, siglo XIX como signo del avance industrial y comercial de la economía liberal.

Los pabellones son construidos a base de elementos de hierro prefabricados que pueden montarse y desmontarse según las necesidades. Esto es la causa de que muchos de estos pabellones no se conserven en la actualidad.

La primera exposición data del año 1851 y se celebra en Londres; otras importantes fueron las de París de 1855 y 188

Palacio de Cristal. Londres. (1851)

• Cubría una superficie de 7000 m. Basado en el sistema de invernaderos. Construido con elementos prefabricados y de forma modular: abaratamiento en la construcción. Fue desmontado posteriormente.

• Palacio de la Industria. París. (1855). Realizado por CENDRIER y BARRAULT. Supera en luz (anchura interna de la nave) al de Paxton.

• Sala de las Máquinas. París. (1889). Realizado por DUTERT y CONTTANCIN. Enorme espacio interior cubierto sin columnas intermedias. Fue desmontada en 191

• Torre. Eiffel. París. (1889). Autor: GUSTAVO ALEJANDRO EIFFEL. (1832-1923). Muy criticada en su momento, es un símbolo de la ciudad de París.

• LA ESCUELA DE CHICAGO

A mediados del siglo XIX se produce en EE.UU. un fuerte impulso arquitectónico. Factores que favorecen este desarrollo son:

• El sentido práctico americano.

• La existencia de nuevas necesidades urbanas.

• El gran desarrollo de la técnica.

• Parten de la herencia europea pero planean ciudades con grandes avenidas y edificios de altura muy superior a la de los edificios europeos.

• Su ventaja sobre Europa es que no están sometidos a ninguna tradición y pueden diseñar los edificios en función de las necesidades del momento.

El punto de partida es el incendio de Chicago en 187 Se quiere reconstruir la ciudad con materiales incombustibles: hierro y hormigón armado y cerámica refractaria para las fachadas.

Subordinan el espacio a la función. Prescinden casi totalmente de la decoración. Se construyen rascacielos favorecidos por:

• La necesidad de aprovechar al máximo los solares dado su elevado precio.

• El descubrimiento del ascensor y del teléfono.

• La utilización de armaduras metálicas que permiten superponer numerosas plantas.

• La racionalización de la vida burocrática y social concentrando en una misma zona los diversos servicios.

La Escuela de Chicago impuso una nueva estética que cambió la fisonomía de las ciudades.

A. RICHARDSON (1838-1886). Discípulo de Labrouste. Ej.: Almacenes Marshall. Chicago. (1877).

WILLIAM LE BARON JENNEY (1832-1907). Iniciador de la escuela: primer constructor de rascacielos.

Sustituye los muros exteriores por estructuras metálicas lo que permite abrir grandes ventanas.

Más preocupado por la funcionalidad que por la estética. Equilibra verticales y horizontales con un cierto sentido academicista. Ej.: Home Insurance. Chicago. (1883-1885).

LOUIS SULLIVAN (1856-1924). Principal representante de la escuela.

Puso las bases del funcionalismo de la arquitectura moderna. Se le atribuye la frase: "La forma sigue a la función", fundamento de nuestra arquitectura racionalista y funcional.

Creó el tipo de ventana apaisada de tanto éxito en el siglo XX. Ej.: Auditorium. Chicago. (1887-1889). Wainwright Building. Saint Louis. Edificio Guaranty. Buffalo.

• EL MODERNISMO

Surge en Bélgica desarrollándose entre 1890 y 1910. Cuando aparece recibe el nombre de ART NOUVEAU de forma totalmente circunstancial: Van de Velde había decorado en París en 1895 una tienda llamada "L'Art Nouveau".

Se difunde rápidamente por Europa, gracias a las revistas ilustradas, recibiendo diversos nombres:

• España: Modernismo.

• Francia y Bélgica: Art Nouveau o Style Metro.

• Austria: Sezessionstil.

• Inglaterra: Modern Styl.

• Alemania: Jugendstil.

• Italia: Liberty.

Su estudio por escuelas es muy difícil debido a la gran originalidad de los artistas pero todos tienen en común su deseo de crear formas nuevas. Diversos factores contribuyen a su aparición:

• La nueva burguesía enriquecida y refinada, deseosa de un arte enraizado en el pasado pero más elegante y mejor que el de los arquitectos historicistas o el de los ingenieros del hierro.

• Los movimientos románticos que propugnan el uso de una fantasía libre y creadora, del subjetivismo y la defensa del placer que proporcionan las artes.

• El cansancio provocado por el historicismo.

• Reacción contra la arquitectura surgida de la nueva técnica: se vuelve a la decoración como un intento de crear un arte bello y amable.

• Las ideas de Morris y Ruskin que defienden la integración de las diversas artes y la vuelta a los métodos artesanales.

• Su antecedente inmediato es el movimiento inglés "Artes y Oficios" (Arts and Crafts) que propugnó la confección, mediante métodos artesanales, de los objetos decorativos y de uso común cuidando mucho la calidad estética de los diseños empleados en su ejecución.

• Individualismo y fantasía creadora.

El modernismo pretende, por una parte, hacer un arte nuevo, sin ninguna relación con las formas artísticas de la antigüedad, aunque normalmente está impregnado de recuerdos históricos; por otra parte, desea aprovechar las ventajas de la moderna técnica pero reaccionando contra la vulgaridad y fealdad de los productos manufacturados.

Existe un deseo integrador de todas las artes. Trata de abolir la tradicional separación entre las llamadas "artes mayores" (arquitectura, escultura y pintura) y las "artes menores" o aplicadas. Todas deben unirse para configurar un edificio.

Se emplean los nuevos materiales aportados por la industria, fundamentalmente el vidrio y el hierro, junto con otros que proporcionan cromatismo a los edificios (azulejos, ladrillos vidriados, esgrafiados, etc.).

La decoración ocupa un primerísimo plano en la arquitectura modernista:

• Se caracteriza por imitar a la naturaleza de una forma más, o menos abstracta. Los motivos decorativos son tomados de la flora y fauna: tallos florales estilizados y serpenteantes, capullos, árboles, pavos reales, pulpos, libélulas, predominan las líneas curvas y onduladas, la asimetría, los arabescos, etc., utilizan estos temas no de forma tradicional sino intentando crear un nuevo lenguaje decorativo.

• El edificio es concebido como si fuera un ser vivo: las superficies sinuosas, la asimetría en la distribución de las ventanas y puertas, los motivos decorativos, todo contribuye a producir la sensación de movimiento.

• El cromatismo es otra de las características del modernismo.

• El modernismo anticipó algunas de las soluciones arquitectónicas del siglo XX: deseo de que los elementos estructurales queden a la vista y funcionen como partes esenciales del sistema decorativo.

• Bélgica

VÍCTOR HORTA (1861-1947). Creador del estilo modernista. Fue el primero en dar e cuenta de las posibilidades decorativas del hierro. Curva los elementos estructurales como si fueran tallos vegetales.

Ej.: Casa Solvay. Bruselas. (1895). Casa del Pueblo. Bruselas. (1897-1900). Actualmente destruida.

HENRY VAN DE VELDE (1863-1957). Arquitecto, decorador y pintor. Dirigió en 190ó en Alemania la Escuela de Artes y oficios de Weimar, la famosa Bauhaus de los años 3 Dirigió también la primera revista de diseño moderno: la Werkbund.

Ej.: Museo Folkwang. Hagen.

• Francia

HENRI GUIMAR) (1867-1942). Se considera decorador más que arquitecto: trabaja artesanalmente dibujando cada uno de los elementos decorativos para después pasarlos al hierro. Preferencia por el empleo de este material, aunque emplea materiales de varios colores para dar más variedad a la decoración.

Ej.: Estaciones de Metro. París.

• Inglaterra.

CHARLES VOYSEY (1857-1941).

CHARLES HARRISON TOWSEND (1852-1928).

CHARLES RENNIE MACKINTOSH (1868-1928). Precursor del racionalismo: crea el espacio a base de volúmenes muy simplificados. Ej.: Escuela de Bellas Artes. Glasgow.

• Austria.

OTTO WAGNER (1841-1918). Preferencia por las superficies planas y estructuras geométricas. Libertad absoluta en la búsqueda de los espacios y en la distribución de los interiores. Terminó proclamando la primacía de la estructura sobre la decoración.

Ej.: Estaciones de Metro (Karlplatz y Schombrunn). Viena. Casa Majólica. Viena. Banca Postal. Viena.

JOSEPH Mª OLBRICH (1867-1908). Estructuras ortogonales. Ej.: Edificio de la Sezessión. Viena.

• España.

El centro principal es Cataluña: desarrollo industrial y existencia de una fuerte clase burguesa mercantil.

ANTONIO GAUDÍ (1852-1926). Considerado por Chueca Goitia como el arquitecto más genial del Modernismo europeo.

Comenzó practicando una arquitectura de carácter medievalista, evolucionando hacia una arquitectura más funcional y valorando la integración en la misma de la escultura, pintura y artes aplicadas.

Sus trazados son de una gran originalidad; prodiga las superficies ondulantes y los arcos parabólicos, las columnas inclinadas, etc. Todo parece cobrar vida. Vivo e intenso cromatismo.

Es el arquitecto que ha creado formas esculturales más atrevidas para remates de torres, chimeneas, etc. En sus temas decorativos destaca el amor a la naturaleza: formas vegetales, animales, etc. Utiliza todo tipo de materiales: cemento, piedra, hierro, mosaicos.

Ej.: Casa Vicens. Barcelona. (1880). Palacio Güell. Barcelona. Colegio Teresiano. Barcelona. (1888-1890). Parque Güell. Barcelona. (Iniciado en 1889). Casa Batlló. Barcelona. (1905-1907). Casa Milá (La pedrera). Barcelona. (1905-1910). Templo de la Sagrada Familia. Barcelona. (1883-192ó). Sin terminar. Palacio Arzobispal. Astorga. Casa de los Botines. León.

LLUIS DOMÉNECH I MONTANER (1850-1924). Ej.: Palacio de la música. Barcelona.

JOSEPH PUIG I CADAFALCH (1867-1957). Ej.: Casa Terrades. Barcelona.

• URBANISMO

Características.

La Revolución Industrial provoca profundos cambios en las ciudades, especialmente en las fabriles. El crecimiento demográfico y la concentración de grandes masas de población las convierten rápidamente en macrociudades.

No hubo, sin embargo buenas respuestas urbanísticas, prevaleciendo en el trazado de las ciudades razones puramente especulativas: el utilitarismo y razones de producción.

La ciudad se dividió en dos zonas claramente diferenciadas:

• Los barrios obreros, situados en torno a las factorías y configurados por viviendas aglomeradas, carentes de las mínimas condiciones de habitabilidad y de higiene.

• Las zonas residenciales de la burguesía acomodada con grandes avenidas y espacios verdes.

• Necesidad de adecuar la ciudad a los nuevos medios de transporte.

• REALIZACIONES Y PROYECTOS

Concepciones utópicas.

• Quieren crear nuevas ciudades en consonancia con el desarrollo y industrial y con mejores condiciones de vida para los obreros.

• Tuvieron un valor más testimonial que técnico: los proyectos no eran viables porque se basaban en la construcción de ciudades de nueva planta, olvidándose de los viejos núcleos urbanos en donde vivía mucha población y que no podían ser demolidos.

• Si influirán, indirectamente, en los proyectos de ensanche de las viejas ciudades.

• Antecedente: C. Nicolás LEDOUX.

ROBERT OWEN (1771-1858).

CHARLES FOURIER (1772-1837). Ej.: Falansterios.

JEAN BAPTISTE GODIN (1817-1889). Ej.: Familisterios: renuncia a la vida en común.

Las grandes transformaciones urbanas.

La solución más aceptada fue el trazado en cuadrícula, tanto por motivos económicos, especulación del terreno, como por motivos socio-politicos, mejor ordenación de la población.

• París.

El barón HAUSSMANN (1809-1891), alcalde de París, lleva a cabo la reforma del centro de la ciudad entre 1853 y 1870.

Trazado en cuadrícula: para facilitar el tráfico, para sofocar rápidamente cualquier lucha callejera de tipo revolucionario, para facilitar los desfiles militares, para evitar los focos de epidemias y crear amplias zonas de paseo (los bulevares, etc.).

Se realizaron grandes bulevares con paseos en el centro: principal contribución al urbanismo.

Unos critican la obra de Haussmann por lo que supone de destrucción de la ciudad medieval; otros la alaban porque mantuvo la visión barroca de las grandes perspectivas.

Influyó decisivamente en las ampliaciones de otras ciudades como Florencia, Viena, Bruselas, etc.

• Barcelona.

Se sigue el plan de ILDEFONSO CERDA (1816-1876), realizado en 1859. Estuvo guiado por las ideas del movimiento y comunicabilidad, trazando amplias diagonales.

Algo semejante se realiza en Madrid (barrio de Salamanca) en 1860 (Carlos Mª de Castro), en San Sebastián, Bilbao, etc.

• Proyecto de Ciudad-Lineal.

ARTURO SORIA Y MATA (1844-1920), pretende conciliar las ventajas de la vida en el campo (abundantes espacios verdes) con las de una gran ciudad. Su proyecto se basa en el trazado de una gran vía de circulación bordeada por una estrecha banda urbanizada, y cuyo crecimiento fuese sólo longitudinal. Daba especial importancia a los transportes colectivos.

Se puso en práctica en 1882 en Madrid pero no se finalizó y se desvirtuó poco a poco.

• Proyecto de ciudad-jardín.

HOWARD publicó en 1898 un libro titulado "Tomorrow" donde exponía sus ideas sobre un nuevo tipo de ciudad planificada. Su objetivo era construir pequeñas ciudades, rodeadas de terrenos para cultivo, enlazadas entre sí por rápidas vías de comunicación.

Tenían que ser de pequeño tamaño (no más de 3.000 personas) y autosuficientes, lo cual les daba una fuerte identidad. Basaba su proyecto en la defensa dé la propiedad colectiva del suelo como medio de evitar la especulación y el crecimiento exagerado de las ciudades.

• Proyecto de ciudad industrial.

TONY GARNIER (1869-1948) publica en 1917 un proyecto de ciudad industrial.

Divide la ciudad según sus funciones: trabajo, residencia, zonas de recreo, vías de transporte, etc. La zona industrial se colocaba en el exterior y el núcleo de la ciudad era donde se situaban los edificios públicos, hospitales, bibliotecas, etc.

Planificada en forma lineal para permitir su expansión. Anticipa el urbanismo racionalista del siglo XX: casas sobre pilares, terrazas-jardín, ordenación rectangular, etc.

• Proyecto de ciudad futurista.

ANTONIO SANT'ELIA (1888-1916) imagina el mundo moderno a base de torres de cristal e interconexiones del transporte a distintos niveles. Sus planes nunca llegaron a materializarse, pero influirá decisivamente en los arquitectos y urbanistas del siglo XX.

• ESCULTURA

Caracteres generales

El panorama escultórico europeo del siglo XIX no fue muy brillante si se exceptúan algunos artistas muy determinados como Rodin.

Dos factores pueden ser considerados como causas del retraso de la escultura en relación con la pintura:

• Mayor control de las Academias sobre los escultores: la escultura se convierte en un arte formalista, carente de sentido por completo.

• Limitaciones inherentes a la propia escultura: no hay una evolución continua y se puede comprobar un cierto aislamiento histórico-evolutivo.

La tendencia dominante fue la impuesta por la estética neoclásica. Los autores se mueven. Dentro de un cierto eclecticismo que dificulta su adscripción a un movimiento determinado.

• NEOCLASICISMO

Se mantienen los últimos artistas del siglo XVIII como CANOVA y THORWALDSEN.

• ROMANTICISMO

Características.

Se inicia a finales del primer cuarto del siglo XIX (hacia 1830). Reacción contra la frialdad y quietud de las manifestaciones escultóricas neoclásicas: defiende una escultura más movida y apasionada.

El modelado tiende a las superficies ásperas y a los gestos grandilocuentes. Se emplea una técnica más pictórica (efectos de claroscuro) y se pretende captar el movimiento y lo pasional. Se huye de los contornos para que el color sea el protagonista.

Estatuíllas de pequeño tamaño para decorar los interiores de las casas burguesas y se realizan también monumentos conmemorativos.

Temas: aquellos que destacan la exaltación nacionalista; monumentos a personajes ilustres y temas literarios que representan a las glorias nacionales.

Representantes.

FRANCOIS RUDE (1784-1855). Carácter nacionalista. Evolucionó hacia el realismo. Ej.: La Marsellesa. Arco de la Estrella. París.

JOSÉ GRAGERA (1818-1897). Ej.: Estatua de Mendizábal.

• REALISMO

• escultura

Características.

Centra su interés en la realidad circundante: la naturaleza sirve de inspiración al escultor. Temas de contenido social. Tipos populares.

Representantes.

JEAN BAPTISTE CARPEAUX (1827-1875). Considerado como iniciador del Realismo. Rompe con el clasicismo academicista resucitando un arte gracioso, basado en el Rococó francés. Gran veracidad en las representaciones. Se preocupa por captar el movimiento. Ej.: La Danza. La opera. París.

MEUNIER. Ej.: El estibador El forjador.

AUGUSTO RODIN (1840-1917). Principal escultor europeo del siglo XIX: rompe totalmente con el Neoclasicismo abriendo el camino para la escultura del siglo XX.

• Valoró lo inacabado como parte esencial de la realidad. Utilizó la técnica del "non-finito" aprendida de Miguel Ángel.

• Poderoso modelado de superficies rugosas.

• Supo captar la importancia de la luz en la escultura: multiplica los planos para conseguir efectos de claroscuro. Consumado maestro del movimiento.

• Fue más allá del realismo, pudiendo ser calificada su obra de impresionista.

• Temas: fundamentalmente los que tienen relación con el hombre.

• Evolucionó hacia el simbolismo y el expresionismo.

Ej.: El pensador. Los burgueses de Calais. (1886). El beso. La Edad del Bronce. (1876). Catedral.

RICARDO BELLVER (1845-1924). Es un ecléctico romántico-realista. Barroquizante en sus formas, sabe captar el dramatismo de sus figuras. Ej.: El ángel caldo. Parque del Retiro. Madrid.

AGUSTÍN QUEROL (1860-1909). Sigue a Rodin pero le falta su fuerza y expresividad. Modelado blando: las formas se desvanecen. Ej.: Monumento a Quevedo. Madrid. Tumba de Cánovas del Castillo. Panteón de Atocha. Madrid.

JOSÉ LLIMONA (1864-1934). Ej.: Desconsuelo.

MARIANO BENLLIURE (1862-1947). Practica un realismo casi impresionista. Gran calidad técnica: detallismo, expresividad, movimiento.

Ej.: Monumento al General Martínez Campos. Mausoleo de Joselito. Estatua de Goya (Museo del Prado)

• PINTURA

Caracteres generales.

El siglo XIX fue un siglo contradictorio, de profundos cambios sociales que repercuten en el mundo artístico, especialmente en la pintura.

Las tendencias artísticas se suceden con rapidez: el Neoclasicismo es reemplazado por el Romanticismo (hacia 1830); a éste le sucede el Realismo (hacia 1848) y se impone finalmente el Impresionismo (hacia 1875) que señala el comienzo del arte moderno.

Es difícil clasificar a los artistas en estos estilos, principalmente en lo que a romanticismo y realismo se refiere.

París se convierte en el principal centro artístico.

Son importantes las Exposiciones que reciben el nombre de Salones se convocan concursos y premios que modifican las relaciones de los artistas con el público.

En España el panorama pictórico no es muy brillante y no está en sintonía con el resto de Europa. A partir de Goya, no hay ninguna otra figura que iguale su importancia. En esta situación influye la inestabilidad política, económica y social de España durante estos años.

• NEOCLASICISMO

Continúa al Neoclasicismo del siglo XVIII; va a tener una corta duración en el siglo XIX debido a la aparición de unos pintores revolucionarios que anuncian el Romanticismo.

Preocupación por el dibujo; luz difusa que cubre todo el cuadro; vuelta a los temas clásicos, históricos y mitológicos; idealización de las figuras.

Se mantienen los mismos artistas que trabajaban a finales del siglo, anterior: Luis David, Ingres, Reynolds, Gainsborough, Bayeu, Goya, Vicente López.

• ROMANTICISMO

Características.

Movimiento ideológico iniciado en torno a 1830 que afectó a todos los ámbitos de la sociedad europea. Aspiraba a plasmar a través de todas las artes (literatura, música, pintura, etc.) los principios revolucionarios que en 1815 quedaron soterrados.

Hay una identificación del arte con el nacionalismo y lo que éste representa en cuanto al resurgir de las tradiciones y de los valores propios de cada pueblo. Es una reacción contra el arte severo, rígido y frío del Neoclasicismo: el artista romántico va a proclamar su libertad frente a las directrices académicas.

Individualismo. Se antepone el sentimiento a la razón rechazando el racionalismo de la Ilustración. Gusto por los gestos teatrales capaces de llamar la atención del espectador. Concepto subjetivo de la belleza.

Primacía del color frente al dibujo y la línea: colores brillantes y luz vibrante que destruye la forma. Composiciones dinámicas: el movimiento llega a ser convulsivo y los gestos dramáticos. Se usa una pincelada suelta, vibrante, para dar más expresividad a los cuadros.

Temas muy variados:

• Históricos: medievales, contemporáneos, con un carácter político o fatalista.

• Orientales: por su exotismo.

• Paisajes: su interpretación subjetiva es un excelente medio para manifestar los estados de ánimo.

• Retratos: representan a los personajes con un aire melancólico, de tristeza o soledad.

• Religiosos: con un gran valor simbólico.

• Francia.

THÉODORE GERICAULT (1791-1824).

Considerado como un pintor de transición: puede ser clasicista por la importancia que concede al dibujo y romántico por su preferencia por el patetismo y el movimiento. Tendencia al realismo en las representaciones. Ej.: La balsa de la Medusa. Derby en Epson.

EUGÉNE DELACROIX (1798-1863). Su formación es neoclásica pero sus preferencias se dirigen hacia Rubens y los venecianos. Es el principal representante del Romanticismo francés. Concede una primacía absoluta al color sobre el dibujo.

Abandona los colores terrosos y utiliza colores intensos, puros, luminosos. Contrastes violentos de color. Emplea el color con total libertad, de un modo arbitrario, sin ajustarse a la objetividad de la naturaleza. Mediante el color subraya la composición y da un aspecto escultórico, de relieves, a la pintura.

Pinceladas sueltas y vibrantes que acrecientan la sensación de movimiento.

Temas históricos, literarios, simbólicos y fantásticos. En los temas históricos se interesan tanto por los temas medievales como por los contemporáneos. Libertad en los temas.

Introduce los temas orientales en el romanticismo a partir de un viaje a Marruecos en 1832: le interesan estos temas no sólo por su iconografía sino por la luminosidad del colorido.

Ej.: Dante en los infiernos (1822). Matanza de Quíos. (1824). Guerras entre musulmanes y griegos). Muerte de Sardanápalo. (1827). Tema exótico: La libertad guiando al pueblo. (1830). Decoración de la Iglesia de Saint Sulpice. París.

CAMILLE COROT (1796-1875).

Anticipa el impresionismo. Paisajista: el paisaje llega a alcanzar tanta importancia que puede ser considerado como precedente directo del paisaje impresionista. Sus paisajes poseen un sentido moderno, superando la concepción del paisaje histórico que practicó en sus comienzos.

Muy influido por los paisajistas ingleses CONSTABLE y TURNER: en 1824 se celebra en París una exposición de ambos pintores que va a ser decisiva para la nueva concepción del paisaje.

La técnica de Corot fue evolucionando lentamente hasta alcanzar su consagración definitiva en 1855 con motivo de la Primera Exposición Internacional de París.

Se inspira en la realidad pero no la copia sino que realiza una recreación poética de ella; se advierte una tendencia ligeramente idealizadora de la naturaleza.

Colorido suave: decía que el color es un encanto suplementario del cual hay que usar con discreción. Se basa en los valores cromáticos, es decir, en las gradaciones tonales debidas a la luz y a la distancia.

La auténtica protagonista del cuadro es la luz: son los efectos lumínicos los que determinan estéticamente las formas de la naturaleza; mediante gradaciones de la luz consigue dar a los colores mayor o menor profundidad, obteniendo de esta forma la espacialidad del cuadro.

La composición está organizada mediante campos de luz. La luz clara parece desmaterializar los objetos: los contornos se desdibujan, como si los envolviese la bruma, creando un efecto de atmósfera.

Defiende la pintura al aire libre para poder captar los cambios de luz: esto le convierte en un precursor del impresionismo. Ej.: Coliseo de Roma. Catedral de Chartres. Puente de Narni. (1826).

• ESCUELA DE BARBIZÓN

A esta escuela pertenece Corot. Antecedente del impresionismo. Existe como tal desde 1830 hasta 1850.

Barbizón es una pequeña localidad cercana a París donde se reúnen un grupo de pintores que quieren poner en práctica las ideas de Rousseau sobre la vuelta a la Naturaleza.

Defienden el tema del paisaje con una concepción basada en la observación directa de la naturaleza, sin idealizaciones, hasta tal punto que algunas de sus obras parecen fotografías; no les interesa la visión fugaz del impresionismo.

Se preocupan por investigar los cambios atmosféricos, los efectos de lejanía y los efectos producidos por la luz al filtrarse entre los árboles.

THEODORE ROUSSEAU (1812-1867). Creador de la escuela: radical oposición al arte oficial. Centra su atención en el paisaje prescindiendo de los elementos humanos o animales. Gusta de representar luces matizadas por las sombras, los reflejos de la vegetación, los ambientes brumosos. Pinceladas pequeñas y vibrantes.

Ej.: El roble de roca. (1861).

JULES DUPRÉ (1811-1884).

NARCISO DÍAZ DE LA PEÑA (1807-1876). Gran colorista.

CHARLES FRANCOIS DAUBIGNY (1817-1878). Es, seguramente, el más cercano al impresionismo.

• Inglaterra.

La pintura paisajista del siglo XIX constituye el momento de máximo esplendor de la pintura inglesa y su mayor aportación a la historia de la pintura.

Se interesan por captar las impresiones fugaces de luces y colores; los ambientes melancólicos, brumosos o crepusculares. Característicos del paisaje inglés son el rico colorido y los efectos lumínicos.

Constable y Turner ejercen una gran influencia en los pintores franceses; son considerados como precedentes del impresionismo.

JOHN CONSTABLE (1776-1837). Practicó la pintura al aire libre anticipándose a Corot y los impresionistas. Capta la luz en el cuadro: en un momento determinado representa los reflejos y movimientos de la luz. Consigue extraordinarios efectos lumínicos.

Presta especial atención a los cielos nublados, a las sombras de las nubes en el suelo, a la lluvia y al viento.

A veces representó un mismo paisaje bajo diferentes condiciones lumínicas y atmosféricas. Aplica el color con gran soltura para conseguir más intensos efectos de luz. La materia, a veces muy espesa y grasienta, es aplicada a veces con espátula. Sus cuadros parecen abocetados.

Ej.: catedral de Salisbury. El carro de heno. El puente de Waterloo.

WILLIAM TURNER (1775-1851). Evolucionó hacia una mayor libertad en la interpretación, en el colorido y en la técnica: sus cuadros se convierten en algo totalmente imaginario.

En sus paisajes la naturaleza pierde forma y gana luz: las formas se disuelven en medio de una luz coloreada. Concede más importancia a los efectos atmosféricos como la lluvia, la tempestad, la niebla.

Fue el primero en aplicar los colores yuxtapuestos, es decir, sin mezclarlos, consiguiendo armonías cromáticas y efectos ópticos de gran belleza. Se anticipa a la pintura impresionista.

Ej.: Lluvia, vapor y velocidad, deforma incluso la realidad (1844). Batalla de Trafalgar. Tempestad de nieve.

• Alemania.

Los Nazarenos.

También llamados "Hermanos de San Lucas", están integrados por un grupo de pintores alemanes que se reúnen en Roma en torno a 1810 para llevar una vida comunitaria de carácter monástico. Este es su aspecto más romántico.

Tomaron como punto de referencia a los artistas anteriores a Rafael y esto les relaciona con los "Prerrafaelistas" ingleses. Practican un arte híbrido con una fuerte carga de religiosidad.

Valoran la forma y el dibujo más que el color, así como las composiciones simples y equilibradas.

FEDERICO OVERBECK (1789-1869).

PETER VON CORNELIUS (1783-1867).

Fuera de los Nazarenos también destacaron los paisajistas que representan la importancia del hombre frente a la naturaleza, lo fantástico. Destaca FRIEDRICH (1774 -1840) con su obra "El naufragio de la Esperanza".

• España

La pintura romántica tuvo un gran desarrollo: se mantiene la influencia goyesca. Destaca tanto el retrato como la pintura de paisaje y la costumbrista.

Retratistas.

ANTONIO MARÍA ESQUIVEL (1806-1857). Atmósferas melancólicas y sentimentales rodeando las figuras. Superficies lisas, composiciones academicistas. Ej.: La lectura.

FEDERICO DE MADRAZO (1815-1894). Discípulo de Ingres. Gran fama como retratista: elegancia en las figuras.

Evoluciona desde el dibujo academicista hasta el estudio de calidades y la difuminación de los contornos. También realizó cuadros de historia. Ej. -. Marquesa de Montejo. Gertrudis Gómez de Avellaneda. Condesa de Vilches.

Paisajistas.

JENARO PÉREZ VILLAAMIL (1807-1854). Mezcla el paisaje con los temas, de arquitectura medieval. Interiores de edificios góticos.

Costumbristas.

LEONARDO ALENZA (1807-1845). Refleja la "España Negra", satirizando las costumbres: influencia goyesca en este costumbrismo pesimista.

Temas: escenas populares, fiestas de toros, etc. Ej.: El gallego de los curritos.

EUGENIO LUCAS (1824-1870). También practica un costumbrismo pesimista: procesiones, cárceles, ajusticiados. Confiere a la representación un ambiente misterioso.

Totalmente identificado con Goya: a veces se han atribuido a éste obras de Eugenio Lucas.

Aplica el color a base de pequeños y rápidos toques, resaltando más la mancha que el contorno. Ej.: Corrida de toros.

VALERIANO DOMÍNGUEZ BÉCQUER (1834-1870). Costumbrismo alegre y optimista. Pintor de escenas regionales, especialmente andaluzas. Ej.: Baile de aldeanos.

• REALISMO

Características.

Tendencia pictórica que desplaza al Romanticismo a partir de 1848 aproximadamente; se mantiene hasta 187 Es una especie de puente entre el Romanticismo y el Impresionismo.

Hay varios factores que contribuyen a su aparición:

• Las transformaciones económico-sociales producidas por la Revolución Industrial.

• La difusión de la filosofía positivista que defiende la experiencia y la observación como única fuente de conocimiento; influirá decisivamente en los avances científicos.

• El nuevo sentido práctico de la vida.

• El cansancio provocado por las exageraciones románticas.

Frente al exaltado idealismo romántico los artistas defienden a la realidad concreta como auténtico fundamento del arte.

Los artistas toman conciencia de los problemas que afectan a las clases obreras: la pintura se carga de contenido social.

El carácter polémico y de crítica social de muchas de estas pinturas hace que los artistas se aparten del llamado arte oficial propugnado por las Academias.

Desde el punto de vista técnico, el realismo no introduce novedades sino que revitaliza la técnica de los grandes maestros barrocos, especialmente de los españoles. El realismo barroco, en cuanto al estudio de la luz y de las calidades, vuelve a tener vigencia.

La pincelada es firme, el contorno preciso.

Su desarrollo está íntimamente unido al desarrollo del socialismo en política y del naturalismo en literatura.

Reacciona contra los grandes temas mitológicos, históricos, religiosos, heroicos, que habían sido tratados con apasionamiento en el romanticismo.

Se utilizan nuevos temas, especialmente los que se refieren a los problemas de la sociedad contemporánea con lo que la pintura adquiere, en muchas ocasiones, un carácter de denuncia político-social.

Los personajes son tomados preferentemente de las clases sociales menos favorecidas: campesinos, obreros, emigrantes; es el mundo del trabajo en toda su miseria.

Los temas tradicionales son tratados con todo realismo y objetividad: paisajes tomados del natural, hechos históricos del pasado o contemporáneos.

Su preocupación por el enfoque real de los temas se ve favorecida por la aparición de la fotografía.

• Francia.

JEAN FRANÇOIS MILLET (1814-1875). Pintor de la vida rural, refleja la existencia dura y difícil del campesino. Su pintura posee un hondo sentimiento religioso y conjuga poesía con sentido social.

Realizó magníficos estudios del ambiente y de la luz del campo preparando el camino del impresionismo. Se adscribió a la Escuela de Barbizón pero da más importancia a la figura humana que al paisaje.

Horizontes amplios, colores terrosos: el conjunto parece aumentar la sensación de fatiga y resignación que manifiestan las obras. Ej.: El ahechador. El ángelus. Las espigadoras. (1848). La pastora.

GUSTAVE COURBET (1819-1877). Principal representante del realismo, del que también fue un teórico, y uno de los más destacados pintores europeos del siglo XVIII.

Su vida artística siempre estuvo mezclada con la política: concibe los cuadros como manifiestos de carácter político-social.

Pinta a base de grandes manchas con gruesos toques de negro. Realizó estudios sobre los efectos de la luz y los reflejos en los paisajes: es considerado como precedente de MANET y los impresionistas.

Gran variedad temática: destacan los de carácter socializante y crítico pero, según algunos críticos, sus mejores obras son aquellas en las que pinta la naturaleza.

Ej.: Entierro en Ornans. Buenos días, Sr. Courbet (El encuentro). (1854). El taller del pintor. Jóvenes al borde del Sena. Los picapedreros.

HONORÉ DAUMIER (1808-1879). Para él la pintura tiene una intencionalidad político-social de carácter crítico y satírico.

Los temas, frecuentemente, son de tipo costumbrista reflejando tanto el aspecto de marginación como el de la revuelta social.

Sus cuadros se caracterizan por el dibujo incisivo y vigoroso: las figuras están trazadas a base de perfiles sinuosos y cortantes, con aspecto caricaturesco, de gran expresividad.

Su profundo realismo coincide con unos fuertes juegos de luz y sombra lo que le convierte en un predecesor del expresionismo. Ej.: El vagón de tercera. La revuelta. La lavandera.

EDUARD MANET (1832-1883). Formado en el academicismo, evolucionó desde el realismo hasta el impresionismo por lo que es considerado como un precedente de este movimiento.

Se interesó por la pintura española, especialmente por Velázquez y Goya; también se interesó por la pintura japonesa y su sentido del color.

Trató de unir la tradición clásica del Renacimiento con el Realismo: "El almuerzo en la hierba” , y "Olimpia" son interpretaciones del "Concierto campestre" de Giorgione y de "Venus" de Tiziano, respectivamente, pero con nuevos planteamientos estéticos.

La figura humana, de dibujo preciso y plano, es sólo el pretexto para sus cuadros pues el verdadero protagonista es el color. Concibe las formas como masas de color: grandes manchas de colores puros y planos, con violenta oposición de tonos, aplicados con pinceladas sueltas. Los cuadros producen la impresión de abocetamiento.

El empleo de colores puros yuxtapuestos y la total falta de idealización hace que Manet rompa con lo tradicional.

Ej.: Almuerzo en la hierba. (1861). Olimpia. (1865). Bar de Folies-Bergere. Las majas del balcón. Fusilamiento del emperador Maximiliano. Retrato de Zola.

• Inglaterra.

• La Hermandad Prerrafaelista.

Movimiento místico-religioso y pictórico, contemporáneo del realismo que surge en Inglaterra hacia 1848 y cuyo principal teórico fue el crítico JOHN RUSKIN.

Defendían la vuelta a un arte primitivo, sin convencionalismos, simple imitación de la naturaleza, como el que habían realizado los maestros italianos anteriores a Rafael.

Defienden también los valores religiosos medievales en oposición a la nueva mentalidad surgida con la aparición de la sociedad industrial.

Para ellos la pintura debe poseer un carácter trascendente, místico y religioso, que eleve moralmente al espectador: se apartan de este modo de la concepción que de la pintura tenían los seguidores de la tendencia realista.

Su técnica es minuciosa y detallista, subordinando el color al dibujo y a la línea. Temas muy variados: paisajes, retratos, religiosos, asuntos medievales, etc.

DANTE GABRIEL ROSSETTI (1828-1882).

JOHN EVERETT MILLAIS (1829-1896).

FORD MADOX BROWN (1821-1893).

• España.

Realismo costumbrista.

MARIANO FORTUNY (1838-1874). Anticipa el impresionismo. Presenta rasgo realistas pero también románticos. Practica una técnica minuciosa y efectista.

Gran colorista: destaca en su pintura la brillantez y luz del color, consiguiendo efectos de luz casi impresionistas en la pintura al aire libre.

Aplica la materia mediante pinceladas menudas; al final de su vida predomina la luz y el color aplicado a base de grandes manchas.

Da una visión poética e idealizada de la realidad. Trata temas de historia, costumbristas, retratos, etc., introduciendo el elemento exótico.

Ej.: Batalla de Wad-Ras. Batalla de Tetuán. Fantasía sobre Fausto. (1866). El aficionado a estampas (1866). La Vicaría (1870). Viejo desnudo al sol. (1872).

Paisajistas.

CARLOS DE HAES (1829-1898). Introduce el paisaje realista en España, evita los aspectos folclóricos y románticos.

AGUSTÍN RIACHO (1841-1929). Es el pintor del paisaje de Cantabria. A pesar de su modernidad, aún utiliza los tonos oscuros de las sombras característicos de los pintores anteriores al impresionismo.

CASIMIRO SAINZ (1853-1898).

Pintores de historia.

Los temas de historia son los más representativos del realismo español. Cuadros de grandes proporciones con numerosas figuras y excesivos detalles secundarios que llegan, en ocasiones, a desvirtuar el asunto principal.

Interesa más la representación del tema que la calidad artística: gran erudición y documentación en la preparación y ambientación del tema por lo que el cuadro de historia pierde la exaltación y el idealismo del, romanticismo.

EDUARDO ROSALES (1836-1873). Sensación de atmósfera real en sus cuadros. Ej.: Testamento de Isabel la Católica.

FRANCISCO PARRILLA (1841-1921). Ej.: Dª Juana la Loca.

JOSÉ CASADO DEL ALISAL (1832-1886). Ej.: Rendición de Bailén.

• IMPRESIONISMO

• Introducción.

Se desarrolla como movimiento artístico en el último cuarto del siglo XIX.

Con su aparición se inicia el llamado "arte moderno": a partir de él las tendencias artísticas o "ismos" se suceden con una gran rapidez. Quizá una de las principales aportaciones del impresionismo radica en la dinámica de cambio y renovación que imprime en el arte occidental.

A partir de él se habla de "ismos" y no de estilos. La diferencia entre ambos estriba en que los estilos surgen como expresión de una cultura, mientras que el "ismo" es el resultado de una voluntad expresamente orientada hacia una finalidad.

Al igual que el realismo se basaba en el positivismo de Comte, el impresionismo lo hace en la teoría de las sensaciones de Locke: la sensación es la fuente de nuestro conocimiento. La sensación alimenta la vista que es la puerta de nuestra experiencia. De ahí que se desdeñe la forma; todo debe partir de lo que el ojo ve y sin ningún tipo de prevención.

Surge en 1874 en la Exposición de Artistas Jóvenes de la Galería Nadar. Entre los cuadros expuestos había uno, debido a MONET, titulado "l'Impresión, sol naciente". El cuadro fue duramente criticado por el crítico LEROY e incluso, fue el mismo critico el que peyorativamente calificó con el nombre de "impresionistas" a estos pintores; el grupo rechazó en un primer momento el nombre porque preferían llamarse “independientes".

La última exposición como , grupo impresionista" se celebra en el año 1886.

La sensibilidad social fue reacia a este tipo de pintura que durante mucho tiempo tuvo que soportar las críticas más adversas. Surge como rechazo de la pintura academicista y de estudio de carácter clasicista.

Este movimiento pictórico no tuvo una gran cohesión como grupo. Compartían unos intereses pictóricos y estéticos pero les faltaban unos manifiestos teóricos e incluso una línea de acción unitaria.

Antecedentes inmediatos fueron:

• La tradición lumínica española: Velázquez y Goya.

• Los paisajistas románticos ingleses: Constable y Turner.

• Los paisajistas franceses del siglo XIX o pintores de la naturaleza: Corot, escuela de Barbizón, MILLET, Courbet y especialmente Manet.

• cronología.

Antecedentes del Impresionismo.

• 1863: Manet presenta al Salón el cuadro "El almuerzo en la hierba" que supone una total innovación estética y técnica. Napoleón III consiente en la creación de un "Salón de Rechazados" en donde podrán exponer todos los pintores no admitidos en el "Salón" y que representan el enfrentamiento con el academicismo.

• 1870: Ante la guerra franco-prusiana muchos pintores, entre ellos Pisarro y Monet, van a Inglaterra en donde entran en contacto con los paisajistas ingleses. Allí también conocen al que sería su principal marchante y mecenas, Paul DURAND-RUEL.

Impresionismo.

• 1874: Exposición colectiva duramente criticada por Leroy en la revista "Le Charivari".

• 1876-1886: Se celebran nuevas exposiciones pero surgen disensiones en el grupo.

Se desarrollan nuevos movimientos que completan o rechazan las ideas del impresionismo:

• El neoimpresionismo o puntillismo.

• El Postimpresionismo: introducir tales modificaciones que pueden ser considerado como el punto de partida de la pintura del siglo XX.

Características.

Principio básico: la realidad que captamos no es única sino múltiple; no es permanente sino cambiante. La realidad es la apariencia de las cosas en el momento de ser contempladas.

Algunos de los factores que influyen en su desarrollo son:

• Descubrimiento de la fotografía: composiciones con nuevos encuadres (perspectivas cortadas, superación del concepto de punto de fuga único, etc.); el fotógrafo tiene una visión instantánea de la realidad al igual que el pintor, pero éste busca lo fugaz y lo inacabado frente al detallismo del fotógrafo.

• Las nuevas teorías científicas, especialmente las nuevas leyes ópticas y del color establecidas por CHEVREUL: este científico descubrió “la ley de contrastes simultáneos" que ya había sido advertida por Delacroix. El color no depende exclusivamente de él mismo, sino de los otros colores que le rodean, exaltándose o amortiguándose con ellos.

• Divulgación de las estampas japonesas, especialmente por su brillo y colorido y por la presentación de nuevos encuadres.

• La teoría empírica de la sensación como única fuente válida de conocimiento.

• La LUZ es la auténtica protagonista del cuadro: los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. Por eso se prefiere la pintura al aire libre ya que permite captar la visión momentánea y fugaz de los efectos producidos por la luz.

• No existen formas ni colores permanentes sino formas y colores mudables en función de la luz que reciban.

• Al ser los cuadros un simple efecto de luz, un mismo tema se puede representar varias veces y siempre de forma distinta con tan sólo cambiar la luz (su intensidad, su ángulo de incidencia, etc.).

• En cuanto al COLOR, utilizan la técnica de la división de colores, no mezclan los colores en la paleta sino que los aplican en su estado puro para que sea la retina del espectador la que los mezcle.

• Los colores complementarios (violeta, verde y naranja) se consiguen por la combinación de los primarios (amarillo, rojo y azul).

• Los colores se aplican en pequeñas pinceladas, cortas y yuxtapuestas.

• La gama de colores es muy reducida con lo que los cuadros adquieren una extraordinaria luminosidad y claridad.

• Los colores se refuerzan además mediante la aplicación de la ley de contrastes simultáneos de Chevreul.

• No emplean colores oscuros; desaparecen las sombras negras que se reducen a espacios coloreados con colores complementarios. En consecuencia, desaparecen los contrastes de claroscuro y el dibujo se suprime o queda reducido a trazos disueltos entre el color.

• Para captar mejor las vibraciones de la atmósfera rehuyen cualquier retoque de las pinceladas y prefieren las manchas pastosas y gruesas. Pinceladas sueltas aplicadas con pincel, espátula, los dedos, con el mismo tubo; toques yuxtapuestos de colores claros que serán distintos en cada pintor: en forma de comas en Monet, netos en Cézanne, en puntos en Seurat y Signac, largos y llameantes en Van Goght.

• Temas: la pintura impresionista es puramente sensitiva, el tema es algo accesorio, sirve sólo de soporte para el color. Se representan paisajes (tanto rurales como urbanos) escenas tomadas de la vida bohemia y burguesa, retratos, rechaza la pintura histórica. mitológica o religiosa.

Antecedentes.

• Se pueden considerar como tales todos los pintores preocupados por la luz: desde Velázquez y Goya hasta los paisajistas ingleses y franceses.

• El precedente más inmediato es Manet.

Impresionismo

Es el movimiento que refleja en su mayor pureza las características anteriores. Pintan la luz al aire libre.

CLAUDE MONET (1840-1926). Pinta la luz al aire libre. Es el autor más representativo del impresionismo y el más poético. Se interesó especialmente por los cambios de luz durante el día y por las variaciones atmosféricas en general. En este sentido realiza series sobre las "Ninfeas”, la "Catedral de Rouen".

Pinta, sobre todo, paisajes, marinas, escenas fluviales, etc. A veces pinta paisajes urbanos para ver como son modificados por la industrialización (“I'Estación de Saint Lazare").

Su pintura se basa en pequeños y rápidos toques de colores puros que dan un aspecto inacabado al cuadro.

Ej.: Impresión, sol naciente (1874). Puente de Argenteuil. Campo de amapolas. Catedral de Rouen. (1894). Parlamento de Londres. Ninfeas. (1919).

CAMILLE PISARRO (1830-1903). Paisajes rurales y urbanos a través de los cuáles busca la luz. Puntos de vista muy altos para conseguir una mayor sensación de espacio. A partir de 1886 evolucionó hacia el puntillismo.

Ej.: Tejados rojos (1877). La diligencia de Louvenciennes.

ALFRED SISLEY (1839-1899). Es un impresionista puro, dotando a sus cuadros de un gran lirismo. Pinta preferentemente temas de nieve e inundaciones.

Ej.: Inundación en Port-Marly. (1886). Campo de trigo. (1873).

AUGUSTE RENOIR (1841-1919). Clásico dentro del impresionismo. A partir de 1883 vuelve a dar importancia al dibujo frente al color.

Utiliza preferentemente el tema de los jardines para captar la luz, como chispazos centelleantes, según se filtren los rayos de sol a través de los árboles. Centra su atención en la figura humana, principalmente en el desnudo femenino. Representa formas gruesas y poco elegantes que recuerdan a Rubens. También realizó escenas de la vida bohemia parisina.

Otro rasgo distintivo de su pintura es el colorido voluptuoso, de tonos puros, que le convierten en un precedente del "fauvismo" y de las tendencias cromáticas del siglo XX.

Ej.: Le Moulin de la Galette. En el jardín de Luxemburgo. El palco (1874). Mujer al sol.

EDGAR DEGAS (1834-1917). Recibió una formación académica por lo que siempre dio importancia al dibujo. Prefiere la luz de interiores, la de las candilejas especialmente. Su preocupación es captar el movimiento, un instante en la acción: por eso es el pintor de las bailarinas y de las carreras de caballos. Consigue dar la sensación de fugacidad.

No se limita al mundo elegante del ballet sino que muestra los esfuerzos de los ensayos; pinta también el cansancio de los trabajadores e incluso escenas íntimas de mujeres pero tratadas de forma nueva.

Estas escenas de la vida cotidiana pueden ser calificadas de “l'expresionismo social”. Crea un tipo de primer plano en el que se secciona la cabeza de uno de los personajes, lo cual sitúa bruscamente al espectador ante el cuadro. Es un recurso para desencadenar la idea de proximidad que será aprovechado después por el cine.

Ej.: Los músicos de la orquesta. Los bebedores de ajenjo. Las planchadoras. Mujer lavándose en la tina. Lección de danza. Series de bailarinas. Carreras de caballos.

BERTHE MORISOT (1841-1895).

MARY CASSAT (1845-1926).

• Neoimpresionismo.

También llamado impresionismo científico, divisionismo y puntillismo. Lleva hasta sus últimas consecuencias los principios científicos de la pintura impresionista.

Técnica muy cuidada aplicando el color a base de pequeños toques, realmente puntos, que dan a los cuadros la apariencia de mosaicos.

Se oponen al impresionismo por su preocupación por el volumen y por la geometrización de las formas. Composiciones muy cuidadas, claras y ordenadas.

Su existencia fue efímera debido a lo fatigoso de la técnica y a la falta de realidad de la escena representada.

La minuciosidad de su técnica influirá en artes posteriores como el constructivismo y las tendencias abstractas del siglo XX.

Este estilo se extendió fuera de Francia, por Italia y Bélgica. En Italia, influirá decisivamente en la técnica del futurismo. En Bélgica influirá en la formación del Art Nouveau. Mas tarde, con ODILON REDON, dará lugar al grupo de los NABIS, los profetas.

GEORGES SEURAT (1859-1891). Creador de la técnica puntillista: pretende que la forma recobre el valor que había perdido con los impresionistas.

Composiciones claras y monumentales, basando la belleza en las proporciones matemáticas y en la estructura racional del cuadro.

Sus cuadros se distinguen por el contraste entré la superficie vibrante de la tela, llena de puntos románticos, y la estructura geométrica, casi cobista e as figuras y masas representadas.

Ej.: Bañistas en Asniéres. Domingo en la isla de la Grande Jatte (1886).

PAUL SIGNAC (1863-1935). Discípulo de Seurat y teórico del movimiento. Interpreta subjetivamente los colores. Al final de su vida dejó de emplear los tonos puros. Tuvo especial predilección por los temas marinos y por los de circo para captar el movimiento.

Ej.: Puerto de Marsella.

• Postimpresionismo.

Es un movimiento vinculado en un principio al impresionismo pero después se convierte en una revisión de sus ideas. Reacciona contra el abandono de la forma y del volumen que el impresionismo había practicado y quiere recuperar el dibujo aunque sin renunciar al color.

Quiere captar no solamente la luz sino también la expresividad de las cosas y personas iluminadas: buscan el análisis de aquello sobre lo que la luz incide. Con sus aportaciones prepara el camino para los movimientos pictóricos del siglo XX.

PAUL CÉZANNE (1839-1906). Reacciona contra el impresionismo que había practicado entre 1872 y 1882, revalorizando la formara estructura, el volumen del objeto representado.

Utiliza los contrastes de color para diferenciar las figuras y los planos. Emplea las sombras de tono violáceo renunciando al negro y gris tradicionales. Decía: "la línea no existe, un cuadro no representa más que colores".

Según él, bajo las apariencias de los objetos subyacen formas geométricas (esfera, cono, cilindro) que es donde, fundamentalmente, radica la belleza. Esto explica la apariencia geométrico que presentan los cuerpos en sus cuadros. Para evitar que el objeto se desdibuje recalca los perfiles mediante una fuerte línea oscura.

Aplica el color mediante fuertes y gruesas pinceladas, como si fuesen restregones; el dibujo es algo totalmente secundario, es el color el que modela las figuras.

Temas: paisajes, bodegones, retratos, flores, etc. No le interesa el tema en sí sino la esencia geométrico de lo representado.

Es precursor de la pintura del siglo XX, especialmente del constructivismo y del cubismo. Pueden distinguirse cuatro períodos en su vida:

• Romántico: en sus años de juventud, trabajando en la Académie Suisse, manifiesta la influencia de Delacroix y de Courbet: ambientes sombríos, colores borrosos, formas monumentales y ondulantes.

• Impresionista: mediante su relación con Pisarro empieza a pintar al aire libre y su pintura adquiere una mayor luminosidad. Llega a exponer con los impresionistas en 1874 y 1877 pero no se identifica plenamente con ellos, ya que, según él, la luz se come a la forma, devora al color".

• Constructivo: a partir de 1881 abandona la luz y utiliza al color como constructor de las formas. Inicia la geometrización y simplificación de los cuerpos.

• Sintético: por medio de la simplificación geométrico de los cuerpos y de la aplicación del color a base de pinceladas anchas consigue Cézanne la profundidad o relación entre el objeto, su entorno y el espacio, llegando de este modo a conseguir la unidad total del cuadro.

Ej.: Jugador de cartas. Bañistas. Paisaje de L'Estaque. Bodegones. Retratos.

PAUL GAUGUIN (1848-1903). La pintura para él es más creación que representación. Elabora intelectualmente los datos de la realidad.

El color es su principal aportación: emplea el color para plasmar estados de ánimo. Son colores puros, planos, de tonos vigorosos e intensos. El color se extiende en grandes manchas encajadas dentro de las líneas del dibujo. La pintura recuerda a los esmaltes o las vidrieras. Son colores puros, arbitrarios, con un valor decorativo y simbólico. El efecto pictórico consistía, para él, en la armonía de las manchas cromáticas.

Busca también los sentimientos a través de la sencillez de los personajes y de sus miradas conmovedoras. Renuncia a la perspectiva: los colores puros acentúan el aspecto plano del cuadro.

Las composiciones son muy cuidadas, sencillas y estáticas. Introduce el gusto por el exotismo a través de su estancia en la isla de la Martinica (1887), en la de Tahití (1891-1893, 1895-1901) y en la isla de Dominica (1901-1903). Antecesor del fauvismo, expresionismo y simbolismo.

Ej.: Cristo amarillo. Visión después del Sermón. (1882). Mujeres tahitianas.

VINCENT VAN GOGH (1853-1890). Holandés. Se dedicó a la pintura en los últimos años de su vida, sirviéndole como desahogo a un espíritu atormentado que terminará conduciéndole al suicidio.

Rasgo fundamental: la expresión de los sentimientos mediante el color y la deformación de la realidad. Utiliza colores puras, vivos, fuertes: rojo, azul, verde, amarillo (este color representaba para él al sol, símbolo de la divinidad panteísta). Colores arbitrarios: no reproducen la realidad objetiva sino que adquieren un valor simbólico.

Pinceladas fragmentadas, cortas y sinuosas que denuncian su angustia ante el mundo. Perfiles curvilíneos, serpenteantes, flamígeros.

Temas muy variados: paisajes, retratos,. Todos ellos con una fuerte carga de humanidad.

Arte subjetivo, independiente de la realidad sensorial. Quiere buscar algo más allá de las apariencias ya que las cosas no sólo son cosas sino que expresan algo. Está considerado como antecesor del expresionismo y, en cierta medida, del fauvismo.

Ej.: Las botas viejas (antecedente del expresionismo). La habitación del pintor. (El cuarto amarillo). La silla. Noche estrellada. Los girasoles. El cartero Roulin. Rama de almendro.

HENRI DE TOUSOUSE-LAUTREC (1864-1901). Sus cuadros se caracterizan por el dibujo coloreado y muy expresivo. Influenciado por las estampas japonesas. Dibujo de trazos cortos, sinuosos, combinado con colores puros y brillantes. Pinceladas yuxtapuestas.

Temas: le interesa representar el movimiento (danza, carreras de caballos), temas de expresionismo social (visión amarga y fuerte de la vida); ambientes de la vida bohemia parisina (cabarets, teatro). No se interesó por el paisaje ni por la pintura al aire libre.

Preocupación por captar la psicología de los personajes. Convirtió a los carteles anunciadores de espectáculos en auténticas obras de arte.

Ej.: Le Moulin Rouge. La Goulue (1891). Jane Avril.

• España.

Se desarrolla con ciertas diferencias con respecto al francés. La técnica de aplicar el color a base de manchas se anticipa con Rosales y Fortuny y algunos paisajistas, pero faltaba todavía la pintura al aire libre.

IGNACIO PINAZO (1849-1916). Practicó un cierto eclecticismo. Se caracteriza por ser un gran colorista. Ej.: Lección de memoria.

DARÍO DE REGOYOS (1857-1913). Muy puntillista. Uno de los pocos pintores españoles que adoptó el puntillismo. Temas: paisajes, fábricas, ferrocarriles. Algunas de sus obras participan del expresionismo crítico.

Ej.: Pancorbo. El gallinero.

JOAQUÍN SOROLLA (1863-1923). Principal representante español del impresionismo. Parte de temas de carácter histórico y social para convertirse en el máximo defensor de la pintura al aire libre. Es, sobre todo, el pintor de la luz levantina.

Con pinceladas largas consigue captar la luz vibrando en los cuerpos, en las superficies mojadas, en el agua. Utiliza colores muy claros aplicados a base de pinceladas largas y sueltas. Mantiene en muchos de sus cuadros un dibujo poderoso y afronta problemas de composición y movimiento que preocuparon poco en Francia.

Ej.: ¡Y aún dicen que el pescado es caro! Niños jugando en la playa. Paseo en la orilla del mar. Tipos regionales españoles. Sociedad Hispánica. Nueva York.

AURELIANO DE BERUETE. Paisajes madrileños.

SANTIAGO RUSIÑOL.




ARQUITECTURA Y ESCULTURA DEL SIGLO XX

• INTRODUCCIÓN

Situación cronológica y espacial.

• Economía: influencia del desarrollo científico. crisis del capitalismo liberal y avance del socialismo. creciente división entre los países desarrollados y subdesarrollados.

• Política: crisis de las democracias liberales en Europa: aparición de sistemas políticos autoritarios y totalitarios. aparición de un sistema político opuesto al liberal: el socialista. paulatina pérdida de la hegemonía europea debilitada por las guerras mundiales y por la descolonización.

formación de un sistema bipolar: dos bloques, capitalista y socialista, enfrentados en lo político, económico y social.

alteraciones que provocan la formación de un nuevo mapa europeo.

• Sociedad: gran conflictividad social en los primeros treinta años debido a la crisis económica del capitalismo liberal.

estabilidad social después de la Segunda Guerra Mundial, gracias al desarrollo económico de estos años.

reflejo en la sociedad de la crisis de los valores tradicionales a partir de los años sesenta, adquieren gran importancia sectores hasta entonces muy marginados: mujeres, juventud, etc.

• Cultura: grandes avances científicos que repercuten en todos los aspectos de la vida.

grandes y rápidos cambios ideológicos que transforman a los valores tradicionales.

• CARACTERES GENERALES

Entre el siglo XIX y el siglo XX no existe un corte rígido sino que están íntimamente ligados y los cambios iniciados a partir de 1880 configuran y determinan al desarrollo artístico del siglo XX.

El siglo XX se caracteriza por el fin de la unidad artística: ya no se suceden los estilos sino que conviven en un mismo periodo concepciones artísticas muy distintas. Esto da al arte contemporáneo un carácter de variedad y complejidad extraordinarias.

Se produce un rápido e intenso desarrollo de la fotografía y el cine, este desarrollo se debe, en parte, a que son. más fácilmente comprensibles por las grandes multitudes que las innovaciones producidas por las artes plásticas actuales.

El uso masivo e indiscriminado de todo tipo de materiales: algunos ya se usaban anteriormente (hierro, vidrio), otros son proporcionados por la industrialización (cemento, acero, plásticos), pero, además, se usan también materiales a los que hasta ahora nunca se les habían reconocido valores estéticos (papel, tela).

Gracias al Imperialismo y a los nuevos medios de comunicación se produce un fuerte contacto con otras culturas y sus consiguientes sistemas expresivos.

Tendencia a la internacionalización del arte: las escuelas nacionales pierden poco a poco su razón de existir.

Frente a la sensación de confianza y fe en el progreso anunciada en el siglo XIX, se alzaron, ya a principios del siglo XX, las voces de personas como NIETZCHE, EINSTEIN o FREUD que anuncian el fin de esa confianza y del racionalismo y homogeneidad del ser humano. El arte del siglo XX refleja esta nueva situación.

• ARQUITECTURA

Características.

La arquitectura modernista preparó el camino para la aparición de un nuevo lenguaje arquitectónico. Se produce la ruptura definitiva con la arquitectura historicista de ascendencia clásica (salvo algunas excepciones) y se condena el eclecticismo arquitectónico.

En los siglos anteriores, al arquitecto había centrado su atención e interés en los exteriores, en la ornamentación, ahora toma conciencia de que debe desarrollar una nueva arquitectura que esté en consonancia con las nuevas necesidades del hombre y que dé respuesta a los problemas planteados por el desarrollo de la moderna sociedad industrial.

Era evidente que los estilos tradicionales resultaban inadecuados para la construcción de los nuevos tipos de edificios: aeropuertos, estaciones de ferrocarril, rascacielos, fábricas, etc. De ahí la necesidad de buscar un nuevo lenguaje arquitectónico, aunque éste no se hará realmente notorio hasta la segunda década del siglo XX.

El tratamiento del espacio interior y la funcionalidad determinaron la nueva estética arquitectónica: la belleza del edificio no radica en la ornamentación sino en que sea apto para la función a la que está destinado.

Existe una intima vinculación entre arquitectura, ingeniería y urbanismo.

Se manejan los volúmenes y los espacios con criterios completamente nuevos, influidos también por los nuevos materiales con los que se trabaja.

Materiales: hierro, hormigón armado, acero, cristal, plásticos.

La estética arquitectónica del siglo XX se mueve entre dos polos: la búsqueda de la simplicidad de los volúmenes y la articulación con la naturaleza. Aunque no se niegan las grandes aportaciones de la arquitectura moderna, algunos críticos consideran que adolece de una monotonía exasperante hasta tal punto que ha conseguido que cualquier ciudad del mundo tenga el mismo aspecto que las demás, eliminándose las características propias.

• ANTECEDENTES DEL RACIONALISMO

Hasta la década de los años veinte, la principal influencia sobre la arquitectura es la ejercida por algunos de los "ismos" o movimientos estéticos de vanguardia surgidos a partir del Impresionismo: Cubismo, Futurismo, Expresionismo, Constructivismo que defienden la simplificación estructural decorativa, el gusto por las líneas ortogonales, la utilización de los nuevos materiales sin encubrirlos, etc. Se ponen las bases del nuevo Racionalismo.

Se produce una fuerte reacción contra el decorativismo del Modernismo y contra el Eclecticismo. Se defiende una arquitectura de espíritu geométrico, basada en la claridad y en la coherencia estructural.

Los edificios empiezan a ser expresión de una arquitectura de índole práctica y utilitaria. Proliferan las construcciones en hierro y hormigón armado.

Peter BEHRENS (1868-1940). Combina el racionalismo (geometrismo) con el expresionismo del material constructivo (uso del ladrillo visto). Se inició en el Modernismo pero lo abandonó rechazando su decorativismo. Realiza edificios de carácter industrial utilizando preferentemente el hierro y el cemento.

Ej.: Fábrica de turbinas AEG.

Adolf LOOS (1870-1933). Rechaza el modernismo y el eclecticismo anticipando el racionalismo: practica una arquitectura escueta y simple, limitada a los elementos constructivos, de formas claras y distintivas. Por la simplificación decorativa y estructural se le relaciona con el cubismo.

Ej.: Casa en la Michaelerplatz. Viena.

Tony GARNIER (1869-1948). Destaca, todavía en el siglo XIX, por el estudio que realiza de la llamada "Ciudad Industrial”: es un proyecto racionalista y funcional que reúne los caracteres precursores de la urbanística moderna y anticipa la idea de que una construcción debe estar en función del adecuado marco urbano.

Propuso la utilización del hormigón armado para la construcción de todo tipo de edificios.

Augusto PERRET (1874-1954). Difundió el uso de estructuras de hormigón armado en la construcción de edificios para viviendas, no sólo como auxiliar constructivo sino como parte integrante y expresiva del lenguaje arquitectónico.

Ej.: Casa de la calle Franklin. París. Iglesia de Le Raincy.

Erich MENDELSON (1887-1953). Representante de la influencia expresionista: quiere mostrar lo que es el edificio, enseñarlo, sacando todo el partido posible de los materiales (hierro, cristal, etc.). Empleó con originalidad los nuevos métodos de construcción ofrecidos por el acero y el hormigón.

En los edificios para almacenes impuso un tipo de fachada a base de grandes fajas horizontales de ventanas corridas que fue muy imitada en los años posteriores.

Ej.: Einstein Tower. Postdam. (1921). Almacenes Schocken. Stuttgart.

• ARQUITECTURA RACIONALISTA O FUNCIONALISTA

Se designa como funcional, en general, al arte que manifiesta un interés específico por el uso al que se destinan las construcciones.

El funcionalismo surge y se desarrolla entre 1920 y 1930, consideraba la forma y estructuración de los elementos arquitectónicos, así como el material y la elaboración de muebles, como expresión de la utilidad práctica y de la construcción técnico-matemática.

Coincide con el Neoplasticismo en el afán de combinar espacios cuadrados y rectangulares, coincide con el Cubismo porque ambos intentan representar a los objetos desde varios ángulos de forma simultánea: tratan de obtener la simultaneidad de los volúmenes.

Las formas verticales se alternan con las horizontales, se abandona el concepto de fachada principal, todos los planos importan. Su afán de espacio interior se refleja en las cristaleras: el cristal fue el gran asociado del racionalismo.

En la arquitectura racional está presente el humanismo: el hombre y su bienestar son el motor de las ideas arquitectónicas.

Como principio básico se adopta la afirmación de L. SULLIVAN (Escuela de Chicago): "La forma sigue a la función". Para el Racionalismo la belleza de un edificio radica en su funcionalidad y en el empleo apropiado y eficaz de los materiales utilizados en su construcción.

• Predominio de las líneas rectas y de los volúmenes elementales.

• Conjuntos asimétricos.

• Estructuras vistas.

• Materiales: hierro, hormigón armado, vidrio, incorpora materiales nuevos como el aluminio, los plásticos, etc.

• En los edificios el muro deja de ser elemento de soporte, los techos son bajos, las ventanas apaisadas, horizontales, se emplean azoteas en vez de tejados, los interiores aparecen pintados de blanco.

LE CORBUSIER (1887-1965). Carlos Eduardo JEANNERET, suizo afincado y nacionalizado en Francia.

Es el arquitecto contemporáneo más internacional: existen obras suyas en Francia, Estados Unidos, Brasil, lndia, etc., y el que más ha influido en la arquitectura moderna.

Fue un gran teórico difundiendo sus ideas y proyectos mediante artículos y manifiestos, lo que ha contribuido a la divulgación de los principios de la arquitectura racionalista.

Investigó nuevas soluciones: idea suya fue el "rompesol" (brise-soleil), lámina que permite la entrada de la luz pero no del rayo solar.

Principios básicos:

• el volumen simple es el elemento arquitectónico primordial.

• construcción de los edificios sobre "pilotis" (pilotes), quedando de este modo el suelo libre y pudiendo ser utilizado por la comunidad.

• planta libre: cada piso puede ser distribuido independientemente del superior y del inferior.

• fachada libre: puede diseñarse en función de las necesidades de cada piso al no estar sujeta a una ordenación regular impuesta por los muros de carga.

• uso de ventanas apaisadas continuasen desarrollo horizontal, mayor iluminación.

• terrazas en lugar de azoteas: allí se ubican solarios, pistas de tenis, piscinas, jardines.

Su objetivo es tomar al hombre como medida de todos los objetos, inclusive de las viviendas. Por esto escribe su obra "El Modulor".

Considera que la vivienda es una "máquina de habitar", se elimina todo lo superfluo y se aumenta al máximo la comodidad, condición necesaria para una existencia adecuada del hombre.

Crea la llamada "unidad de habitación", especie de rascacielos pero con desarrollo horizontal. La finalidad de estos bloques es crear una sensación de comunidad y cooperación frente al aislamiento de la ciudad. Ausencia de decoración. Se interesó por los problemas urbanísticos.

Ej.: Villa Saboya. Poissy. (1929). Palacio de los Sindicatos. Moscú. Iglesia de Romchamp. (1925). Construcciones en Chandigarh. India. (1950). Unidad de habitación. Marsella. (1946). Ministerio de Educación. Río de Janeiro.

BAUHAUS

La Bauhaus o "Casa de la Construcción" fue una escuela alemana fundada en 1919 por Walter GROPIUS. Su primera sede estuvo en WEIMAR, trasladándose en 1925 a Dessau.

Ante la persecución nazi muchos de los arquitectos alemanes y profesores de la Bauhaus emigraron a EE.UU., que se convierte así en la primera potencia en la arquitectura moderna.

La Bauhaus es una escuela de carácter democrático basada en el principio de la colaboración. No era sólo una escuela de arquitectura sino que integraba todas las artes y revalorizaba la artesanía. Trabajaron en ella profesores como KANDINSKY y Paul KLEE.

Para los miembros de La Bauhaus también los objetos utilitarios producidos por la maquinaria debían estar dotados de valor estético, dando así una nueva importancia a los objetos hechos en serie. Diseñaron muebles, lámparas, tapicerías, sillas, carteles y letras de tipografía, etc. Ejerció una gran influencia en el diseño industrial.

Todos estos diseños no eran sólo estudios teóricos sino que los alumnos los llevaban a la práctica, con ello pretendan demostrar la relación entre arte y técnica y entre arte e industria.

En lo que respecta a la arquitectura difundieron las siguientes ideas:

• todo el edificio debía ser diseñado de acuerdo con unos principios estrictamente racionales.

• rompe con el principio de fachada única.

• prescinde de las cornisas: sustituye los tejados por azoteas.

• alterna planos macizos con grandes ventanales.

• propugna la construcción de viviendas standard a base de elementos prefabricados. la decoración, la luz, el mobiliario, etc., también deben realizarse de acuerdo con principios racionales.

Dentro de La Bauhaus destacan Walter GROPIUS y Mies Van Der ROHE.

WALTER GROPIUS (1883-1969). Fundador de La Bauhaus e iniciador de la arquitectura racionalista. idea fundamental: conjugar simplicidad, geometrismo y funcionalismo, concedió gran importancia a los espacios interiores.

Dio gran importancia a la construcción de viviendas con materiales prefabricados. Introdujo el uso de la carpintería metálica para las cristaleras en sustitución de la madera.

Prefiere las fachadas a base de hierro y vidrio, transparentes, y esto es posible al dejar de ser los muros los elementos de sostén. Con la llegada del nazismo se trasladó a EE.UU..

Ej.: oficinas Fagus. (1911-1914). Edificio Siemenstadt. Edificio Bauhaus. Dessau. (1926).

Ludwig MIES Van Der ROHE. (1886-1969). Sustituyó a Gropius en la dirección de La Bauhaus.

Es el gran impulsor de la arquitectura racionalista y uno de los grandes maestros de la arquitectura de la primera mitad del siglo XX. Afirmó que la estructura es la esencia de la arquitectura, rechaza la decoración.

Se interesó por los materiales constructivos como elemento expresivo, acero, mármoles, piedra, vidrio, etc., que deben ser utilizados en su más absoluta desnudez y pureza.

Sus edificios se caracterizan por el predominio de las líneas horizontales y los largos ventanales. Sus espacios no son nunca cerrados, son espacios abiertos que se pierden en los jardines: esto es debido a la influencia del grupo abstracto DE STIJL.

Perseguido por los nazis, se refugia en 1937 en EE.UU..

Ej.: Casa Lange. Pabellón alemán. Exposición Internacional de Barcelona. (1929). Rascacielos. Chicago. Seagram Building. Nueva York. (1956).

• ARQUITECTURA ORGÁNICA

Esta arquitectura, también llamada "racionalismo orgánico”, u "organicismo”, surge en EE.UU. hacia 1940 cuando se produce una crisis del Racionalismo, aunque acepta muchas de las soluciones técnicas aportadas por éste.

El nombre fue acuñado por Lloyd WRIGHT. Frente al racionalismo de La Bauhaus, los organicistas defienden que todo lo que el hombre haga tiene que entenderse no como un desafío a la Naturaleza, sino como una emanación de ella.

Sus materiales deben ser naturales: arcilla, madera, piedra, etc. y mantener siempre su relación y semejanzas con la naturaleza.

Las formas pierden el geometrismo anterior, deben responder a las formas naturales.

La arquitectura orgánica toma al hombre como referencia constante: no como medida sino en un sentido más individual. El arquitecto debe tener en cuenta la acústica, la armonía de los colores, el medio ambiente, etc., todo acuello que haga que el hombre se encuentre a gusto en el interior del edificio.

El edificio debe crecer de dentro hacia afuera y extenderse de acuerdo con las necesidades del que lo habita. Es una concepción totalmente distinta a las del paralelepípedo subdividido interiormente de Le Corbusier.

El organicismo persigue lograr una armonía entre el hombre, el ambiente y el edificio.

Frank LLOYD WRIGHT (1869-1959). Formado en la Escuela de Chicago, reaccionó contra la arquitectura racional-funcionalista fundando el movimiento organicista.

Humanizó la arquitectura poniéndola al servicio del hombre: siempre, tuvo presentes las características del hombre o del grupo de hombres a quienes iba destinado el edificio. En la década de los años veinte, en un viaje a Japón, recibe influencias de la arquitectura tradicional japonesa.

Desarrolla una arquitectura adaptada al ambiente que rodea la construcción ya que ésta se encuentra inserta en la naturaleza: el edificio ha de nacer a partir del suelo en que se alza.

Es también el arquitecto de los espacios interiores: deben ser amplios y continuos. En ellos deja los materiales en su estado natural.

Ej.: Casa, de la cascada. (Casa Kaufmann). Pensilvania. (1936-1937). Fábrica Johnson Wax. Guggenhein Museum. Nueva York. (1959). Casa Willitts. Illinois. (1902) .

Alvar AALTO. (1898-1976). Finlandés, influenciado por Wright, por el medio ambiente de su patria y por las formas populares tradicionales de la arquitectura rural finlandesa. Su interés está dirigido al interior, no al efecto plástico exterior.

Emplea con frecuencia la madera y los materiales más elementales (cal, ladrillo, etc.) dotando a las casas de exóticos tejados.

Ej.: Sanatorio de Paimio. Centro cultural de Wolfsborg. Ayuntamiento de Sáynátsalo. Finlandia. (1950).

• LA ARQUITECTURA ENTRE 1945 y 196

La actividad urbanística es la preocupación más importante de los gobiernos de los diferentes países por la necesidad de reconstruir ciudades enteras después de la Segunda Guerra mundial.

Uniformización de las corrientes arquitectónicas por el exilio de muchos de los arquitectos europeos a causa de las grandes alteraciones políticas e ideológicas.

• Norteamérica.

Trabajan aquí los grandes arquitectos europeos F. Lloyd Wright, W. Gropius y M. Van der Rohe.

Richard J. Neutra (1892-1971). Ej.: Casa Lovell. Los Ángeles. (1927).

• Francia.

Continua la labor de Le Corbusier que alcanza cada vez mayor difusión gracias a los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna (CIAM).

• Alemania e Italia.

Supeditan la arquitectura moderna a la necesidad de reconstruir las ciudades.

• Holanda.

Desarrolla un fuerte racionalismo, continuador del Neoplasticismo anterior.

• Brasil.

Se incorporan elementos tradicionales como los revestimientos cerámicas.

COSTA y NIEMEYER. Ej.: Proyectos para la ciudad de Brasilia (1917).

A. E. REIDY. Ej.: Conjunto residencial de Pedreglho. Río de Janeiro. (1950-1952).

• LA ARQUITECTURA DESDE 1960

Se continua la investigación de nuevos materiales más ligeros e isotérmicos, de sistemas de prefabricación de elementos, de grandes estructuras para cubiertas.

Se presentan una serie de modalidades:

• Nuevo brutalismo.

Revaloriza el material bruto en si mismo, sin manipulaciones ni enmascaramientos.

Austeridad, afán de mostrar las estructuras.

Ej.: Escuela de Hunstanton. Norfolk. ALISON y P. SMITHSON.

• Arquitectura Pop.

Construcciones modestas sin planteamientos políticos.

Destinadas al consumo popular: edificios-anuncio.

• Opción estructural.

Se pretenden cubrir grandes espacios aprovechando las nuevas tecnologías.

Entre los logros técnicos más importantes están las gigantescas cubiertas en forma de cúpulas geodésicas y las estructuras celulares poligonales en las que la resistencia es máxima y el peso es mínimo.

Otras experiencias buscan la arquitectura móvil a base de módulos que el individuo puede orientar como quiera.

• Ej.: Palacio de los Deportes. Méjico. Félix CANDELA.

• iglesia de Nuestra Señora de los Milagros. Méjico. Félix CANDELA.

• Palacio de los Deportes. Roma. Pier Luigi NERVI.

• Sala de Audiencias "Pablo VI”. Vaticano. Pier Luigi NERVI.

• Estación terminal de autobuses. Nueva York. Pier Luigi NERVI.

• Pabellón alemán. Exposición de Montreal. (1967). Otto FREI.

• Estadio olímpico. Munich. (1972). BERNISCH y PARTNER.

• Pabellón norteamericano. Exposición de Montreal. BUCY-MINSIER FULLER.

A partir de los años setenta todo se puede reducir a dos grandes tendencias:

• Neorracionalismo.

Trata de ordenar con lógica y disciplina el quehacer arquitectónico.

• Arquitectura postmoderna.

Es una recuperación del símbolo en arquitectura a partir de un cierto eclecticismo.

• LA ARQUITECTURA ESPAÑOLA.

Hasta la Primera Guerra Mundial.

Se mantiene el historicismo y eclecticismo del siglo anterior: neoplateresco, neomudéjar, neobarroco, modernismo.

Se impone una arquitectura nacionalista de carácter monumental que centra su atención en lo ornamental.

Antonio PALACIOS (1876-1945). Ej.: Palacio de Comunicaciones. Madrid. Edificio del Banco Central. Madrid.

Teodoro ANASAGASTI (1880-1938). Ej.: Monumental Cinema. Madrid.

Desde 1915 hasta 1936

Se produce un rechazo, por parte de los grupos más avanzados, de las tradiciones historicistas y regionalistas.

Llegan a España los primeros ecos de la arquitectura racionalista, impulsada principalmente por el GATEPAC (Grupo de Arquitectos y Técnicos Españoles para la Arquitectura Contemporánea), fundado en 1930 y cuyo antecedente fue el GATCPAC catalán (1928) creado por José Luis SERT.

La obra más ambiciosa de este momento es el proyecto de la Ciudad Universitaria de Madrid en el que participaron varios arquitectos dirigidos por:

Modesto LÓPEZ OTERO (1885-1962). Ej.: Casa de las Flores. Madrid. (1930). ZUAZO.

Nuevos Ministerios. Madrid. Hipódromo de la Zarzuela. Madrid. (1935) Eduardo TORROJA.

Colonia del Viso. Madrid. Hospital Clínico. Madrid. Dispensario Central Antituberculoso. Barcelona. (1943-1936). José Luis SERT. Pabellón Español. Exposición de París. (1937). José Luis SERT.

Desde 1936 hasta la década de los 50

Como consecuencia de la guerra civil se instala en España una arquitectura dirigida de cuño estatal. Problemas derivados del aislamiento internacional.

Son rechazados los intentos renovadores de tendencia racionalista y se toma el estilo herreriano-escurialense como expresión del nacionalismo del nuevo Estado.

No faltaron arquitectos que siguieron trabajando, dentro del escaso margen que les permitía la Administración, inspirados en el espíritu racionalista.

Ej.: Ministerio del Aire. Madrid. (1943-1951). L. Gutiérrez Soto. Universidad Laboral. Gijón. (1945-1956). L. Moya.

Basílica del Valle de los Caídos. Madrid. (1940). Méndez y Muguruza. Edificio de Sindicatos. Madrid. (1949). Cabrero y Aburto.

A partir de la década de los años 50

Paralelamente a una mala planificación urbanística, se construyen edificios acordes con las grandes corrientes internacionales.

Ej.: Iglesia de los Dominicos, Alcobendas. Miguel FISAC. (1960).

Edificio Torres Blancas y Edificio BBV Castellana. Madrid. SAENZ DE OIZA

Iglesia de Guadalupe. Madrid. Félix CANDELA.

Torres de Colón. Madrid.

• URBANISMO.

Sus problemas, ya antiguos, se agudizan cuando surgen las dificultades de habitabilidad de las ciudades del siglo XIX.

La población de las ciudades creció tan rápidamente que éstas se inundaron de un modo anárquico, sin que importasen las condiciones de vida de los antiguos y de los nuevos ciudadanos.

Se desarrollan los SLUMS, barrios insalubres, casas sin aireación, donde el hacinamiento

es la característica más específica, las casas se distribuyen en una cuadrícula perfecta, simplemente por razones económicas, es decir, por un mejor aprovechamiento del espacio.

A medida que avanza el siglo XX se produce el fenómeno contrario: el hombre intenta abandonar la ciudad y marchar al campo.

Surgen así tres tipos de ciudades:

• Ciudades antiguas que han crecido rápida y desmesuradamente: conservan la plaza mayor como centro del casco antiguo rodeado por las nuevas edificaciones. Ej.: París, Barcelona, Madrid, Londres.

• Ciudades antiguas que no son modificadas apenas por la industrialización. Ej.: Salamanca, Toledo.

• Ciudades de nueva traza, tanto de tipo administrativo como comercial o industrial, con más dificultad se podrían incluir aquí las "ciudades dormitorios" o "los complejos urbanísticos de descanso".

Las soluciones para evitar los problemas del hacinamiento e insalubridad, que a su vez podían ser causa de conflictos políticos o sociales graves, fueron buscadas por los estadistas desde mediados del siglo XIX aunque con diferente éxito. Aún hoy, sociólogos y ecologistas las siguen buscando para evitar el desastre y la autodestrucción.

• Antecedentes.

Ciudad-jardín.

Ruskin, Owen y Engels defendieron el principio de la ciudad como algo orientado a la Naturaleza como reacción contra el maquinismo y la concentración urbana.

Doble objetivo: mantener el equilibrio psicológico de los habitantes y evitar el abandono del campo. Salvar la ciudad y el campo simultáneamente.

Ciudades pequeñas recorridas por una calle de poco tráfico y rodeadas por las grandes vías de comunicación que relacionan a unas ciudades con otras y a todas con la central.

La solución de la ciudad-jardín fue superada pronto por el racionalismo del siglo XX. Basada en las teorías de HOWARD.

Ciudad-lineal.

Aportación del español Arturo SORIA. Eje central longitudinal alrededor del cual se alinean las casas y que sirve de medio de comunicación.

Este tipo de construcción determinaba el sentido en el que iba a crecer la ciudad y evitaba el aislamiento con respecto al campo. Válido para un número limitado de habitantes.

Ej.: Ciudad lineal. Madrid.

Cuadrícula.

Es el más simple y eficaz de los sistemas urbanísticos y el más utilizado desde la antigüedad.

En el siglo XIX se combina el sistema de cuadrícula con las grandes perspectivas teatrales del barroco: las grandes avenidas quedan cerradas por un gran monumento.

Se ha tratado de ver en este trazado un cierto intento de funcionalidad: evitar disturbios, aislar epidemias, dar más realce a los desfiles militares.

Ej.: Barón HAUSSMAN: remodelación de París. Ildefonso CERDA: remodelación de Barcelona.

Racionalismo.

Surge ya en el siglo XX ante la urgencia de acomodar la ciudad no sólo al crecimiento humano sino también al de los medios de transporte.

Se fija el concepto de urbanismo como proyección del concepto de arquitectura. Estos arquitectos-urbanistas racionalistas son eminentemente utópicos:

• dividen la ciudad en dos grandes zonas con funciones claramente diferenciadas y relacionadas por las convenientes vías de circulación.

• el sistema se puede considerar como modular: la ciudad resulta fácilmente ampliable.

Tony GARNIER. En 1901 diseña la "ciudad industrial" en la que ya aparece claramente la división de la ciudad según funciones: trabajo, residencia, zona de recreo, vías de tráfico.

Anticipa soluciones que después aportará Le Corbusier: casas sobre pilotes, ordenación rectangular, terrazas-jardín. Ej.: Zona industrial de Lyon.

Le CORBUSIER. Es el gran urbanista del racionalismo. Aplica al urbanismo sus principios arquitectónicos.

Defiende la extensión vertical más que la horizontal: colocando las casas sobre pilotes, el suelo queda libre para trazar vías peatonales, zonas de descanso.

Formula la teoría de las "Siete V" (Siete Vías) a base de ordenar las vías de comunicación según su importancia y según su función con respecto a la zona habitada.

A partir de estas vías se crea una zona habitada, el "sector”, únicamente consagrado a viviendas pero con una calle comercial.

Defiende la construcción de "unidades de habitación".

Crea una serie de proyectos: Plan Voisin (París), Buenos Aires, Sain-Die, Barcelona que no lleva a la práctica, otros si son realizados como la "Ciudad Radiante" de sella y Chandigarh, capital de Punjab.

Estos proyectos cristalizan en un documento, la "Carta de Atenas”, publicada en 1941 como resultado de los estudios realizados por los CIAM (Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna) a partir de 1933.

Sus sucesores reducen el urbanismo racionalista a secos volúmenes aislados, a vías de comunicación mal relacionadas.

Urbanismo orgánico.

Como reacción al racionalismo se defiende la vuelta a la naturaleza. Lloyd Wright resume sus ideas en el proyecto de la ciudad imaginaria de Boadacre City. Propone en realidad una reestructuración de la antigua ciudad-jardín.

Defiende la vivienda unifamiliar frente a la "unidad de habitación" de Le Corbusier. Busca una ciudad autosuficiente, con edificaciones no muy altas separadas por zonas verdes, las vías de comunicación no están tan perfiladas como en el sistema racionalista.

El resultado es una ciudad armoniosa pero utópica.

Soluciones actuales.

Ante la necesidad de reconstruir nuevas ciudades después de la Segunda Guerra mundial, se intentan conciliar los sistemas racionalistas y organicistas.

Los dos ejemplos más destacados en este sentido son la reconstrucción de Londres por Abercrombie y Forshaw, Y la construcción de Brasilia por Niemeyer y Costa.

En ambos casos, grandes vías de comunicación dividen sin separarlas zonas naturales y autónomas que a su vez pueden relacionarse con el centro histórico, en el caso de Londres, o con la Plaza de los Tres Poderes en Brasilia, en la cual los edificios se conciben para dar la sensación de esculturas.

Se siguen buscando nuevas soluciones: la mayor parte de ellas encuentran como único medio para humanizar una ciudades control del tráfico automovilístico. Así se ha hecho en el centro de Rotterdam, en Helsinki, en Vallingby (ciudad satélite de Estocolmo).

El gran problema para aplicar todas estas nuevas teorías urbanísticas es el de los intereses económicos, la especulación de terrenos.

• ESCULTURA

Caracteres generales.

Al igual que la pintura del siglo XX, también la escultura se vio afectada por los principios teóricos de los nuevos “ismos" y por el deseo de encontrar nuevas fórmulas escultóricas superadoras de los principios formales vigentes de la antigüedad.

También la escultura manifiesta con sus cambios la evolución política, económica y social del siglo XX. Por una vez se produce la pérdida del humanismo sustituido por el afán tecnicista y experimental, por otra parte, ha surgido un fuerte individualismo que no sólo se aparta de las normas tradicionales, sino también de todo aquello que su ponga relación con una escuela o modo de hacer determinado.

Las características más importantes de esta escultura son:

• la búsqueda de las nuevas estructuras esenciales de las figuras, humanas o animales, despersonalizándolas para destacar la naturaleza del material.

• creación de nuevas formas para conseguir una estructura plástica casi arquitectónica.

• experimentación con el valor expresivo de los nuevos materiales: piedra, metal, plásticos, que algunas veces llegan incluso a combinarse.

• la gran importancia concedida al espacio, al vacío.

• Los avances conseguidos se hacen más patentes si tenemos en cuenta que durante casi dos milenios la escultura fue entendida como el arte de ocupar el espacio con un volumen de un determinado material y como un arte de “imitación”. Ahora se concede especial importancia al vacío y se despreocupan del modelo.

• En este nuevo rumbo de la escultura influyó decisivamente el arte negro africano y el de las culturas oceánicas.

El panorama escultórico del siglo XX es muy complejo. No resulta fácil su sistematización y tampoco es fácil clasificar a un artista dentro de una determinada tendencia.

Las innovaciones plásticas del siglo XX son de una audacia innegable. En síntesis se podrían resumir en varios principios:

• El hueco: crea formas como el silencio en la obra musical (Gargallo).

• La deformación: constituye un recurso tradicional del artista con el que se descubren nuevas posibilidades expresivas (Moore).

• La incorporación del espacio: la escultura se funde con su contorno (Pevsner).

• La abstracción: las formas sin apoyo en la realidad han renovado el lenguaje escultórico (Chillida).

• El movimiento: unión de la energía y la forma en esculturas-máquinas (Calder).

• TENDENCIA CLASICISTA.

Primeros años del siglo XX.

Se manifiesta la influencia de Rodin en numerosos escultores. Actitud conservadora y realista. Humanismo.

Antonio BOURDELLE (1861-1929). Francés. Discípulo de Rodin, mostró gran interés por la escultura arcaica griega y la románica, su escultura es naturalista y clásica.

Se caracteriza por el culto a la fuerza: interés por representar el volumen, de formas geométricas y proporcionadas. Tema central: la figura humana.

Ej.: Hércules arquero. Monumento al General Alvear. Buenos Aires. Busto de Rodin.

Arístides MAILLOL (1861-1944). Francés. Se mueve dentro de la tradición clásica. Centra su interés en las formas puras, sin preocuparse por, los detalles y elementos accesorios.

Se distingue por su concepción del volumen: simple, redondeado y de modelado liso para que resalte más. Concepción arquitectónica del cuerpo humano, construyendo la figura según un esquema geométrico.

Tema central: el desnudo femenino, robusto de formas opulentas, compactas y pesadas. Ej.: La noche. Venus del collar.

Manuel MARTÍNEZ HUGUÉ (1872-1945). Español. Rompió con la escultura de aspecto hierático y fastuoso. Sus figuras son de un canon "rechoncho”, de pequeño tamaño, pero muy expresivas, de aspecto alegre y juvenil.

Mateo FERNÁNDEZ (1885-1957). Español. Gran animalista: representa a los animales en reposo, con superficies brillantes y tersas.

José CLARA (1878-1957). Español. Representante del llamado estilo mediterráneo.

Evolucionó desde una tendencia a la estilización hacia un acentuado naturalismo, mostrando gran interés por el modelo real, aunque representa una "modernidad" dentro de su clasicismo.

Sus esculturas se caracterizan por las formas estáticas y aplomadas, sabiendo conjugar la belleza formal con un sentimiento humano. Exalta el cuerpo femenino: aspecto robusto y sano.

Ej.: Pomona. Juventud.

José LLIMONA (1864-1934). Español. Se distingue por las formas concentradas y la fuerza expresiva. Tendencia a la simplificación y a la idealización.

Tema principal: desnudo femenino. Ej.: Desconsuelo.

Victorio MACHO (1887-1966). Español. Ej.: Monumento a Pérez Galdós. Monumento a Ramón y Cajal. Cristo del Otero. Palencia. Sepulcro de Menéndez Pelayo. Santander. Busto de Unamuno.

Mateo INURRIA (1869-1924). Español. Ej.: Estatua ecuestre del Gran Capitán.

Juan de ÁVALOS (1911- ) Español. Ej.: Estatuas del Valle de los Caídos.

• TENDENCIAS INNOVADORAS

Expresionista.

Centra su interés en el contenido espiritual del hombre: expresar los contenidos anímicos más profundos del ser humano como la tragedia, le angustia la miseria. Deforma los cuerpos que dejan de ser masas cerradas y compactas.

Utilizan nuevos materiales: hormigón, hierro, metales de desecho.

Germaine RICHIER (1904-1959). Francesa, discípula de Bourdelle. Parte de un cierto clasicismo hacia formas totalmente nuevas: figuras convulsionadas de miembros muy alargados.

Alberto GIACOMETTI (1901-1966). Suizo, iniciado en el naturalismo lo abandona influenciado por las corrientes de vanguardia. Sus primeras influencias fueron del cubismo y del arte negro africano.

Su obra de madurez se caracteriza por el expresionismo. Deshumaniza las figuras: personajes alargados, de aspecto torturado. Los cuerpos quedan reducidos a una serie de hierros retorcidos. Desmaterializa el volumen. Tema principal: el ser humano.

Ej.: Hombre andando. La mujer cuchara (1928). Palacio a las cuatro de la mañana. (1933).

Ernest BARLACH (1870-1938). Alemán. Quiso combinar estructuras cubistas con una expresión dramática.

Su arte viene definido por el empleo de la forma-cubo y la expresión de angustia, desesperanza y, en general, todo aquello que pueda transmitir un sentimiento patético al espectador.

Ej.: El terror. (1912). Los abandonados. (1913).

Abstracta figurativa.

Esta corriente se desentiende de los problemas espirituales centrando el interés en el mundo de las formas.

Cubismo.

El movimiento cubista, con sus presupuestos teóricos, fue determinante básico en la nueva orientación de la escultura. El cubismo se aparta de la estricta realidad figurativa reduciéndola a volúmenes geométricos. Lo que le interesa es la arquitectura plástica de las formas.

Persigue la representación simultánea que dé perspectivas incrustando unos volúmenes en otros. También se interesó por los vacíos o espacios interiores.

Prestó especial atención a los materiales en cuanto confieren a la obra una calidad especial y una significación determinada.

Al igual que en pintura, introdujo los "collages" escultóricos. Fue practicado, en algún momento, por la casi totalidad de los escultores modernos.

Pablo PICASSO (1881-1973). Español. Busca la geometrización de los volúmenes. Evoluciona hacia nuevas fórmulas expresivas pero nunca abandona el cubismo.

Ej.: Cabeza de mujer (1909). La copa de ajenjo (1914). cabra (1950).

Alejandro ARCHIPENKO (1887-1964). Ruso. No se puede clasificar en una tendencia determinada. La influencia cubista se aprecia en el geometrismo de algunas de sus formas en las que alternan curvas y triángulos.

Tiende a combinar las formas llenas las vacías. Se interesa por los vacíos excavando el interior de las esculturas y seccionándolas para que resulte visible el hueco.

Fue el primero en desmantelar la forma compacta. Mezcla la escultura y la pintura en algunas de sus obras. Inventó móviles a los que llamó “arquipinturas".

Ej.: Carrusel Pierrot (1913). Mujer peinándose (1915).

Jacques LIPCHITZ (1891-1973). Ruso. Sufrió una gran evolución a lo largó de su vida. Adoptó del cubismo su geometrización y simplificación de las formas reales, inventó la llamada “escultura transparente" en la que sobre todo cuentan los perfiles y sus superposiciones. Utilizó frecuentemente como material chapas de metal.

Ej.: Hombre con mandolina. (1917). Mujer con guitarra (1927). Prometeo. (1936).

Raymond DUCHAMP VILLON (1876-1918). Francés. Sus primeras obras manifiestan la influencia de Rodin, posteriormente se adhiere a los principios cubistas, especialmente al grupo de la "Section D'Or”.

En algunas de sus obras consigue la síntesis del movimiento, del espacio y de la forma, de lo orgánico y lo mecanizado.

Ej.: Cabeza de Baudelaire. (1911).

Julio GONZÁLEZ (1876-1942). Español, amigo personal de Picasso. Introdujo la técnica del forjado, convirtiendo al hierro, hasta entonces despreciado, en un medio específicamente moderno de expresión.

Se adhirió al cubismo pero posteriormente se liberó de su influencia acercándose a lo abstracto. Está considerado como uno de los grandes escultores contemporáneos, origen de una nueva concepción de la escultura.

Ej.: mujer peinándose. (1932). Bailarina de la paleta. (1933). Montserrat. (1938).

PABLO GARGALLO (1881-1934). Español.

Destaca, sobre todo, su escultura férrica. Su estilo fue cada vez más libre y expresivo aunque menos abstracto que el de Julio González. Gusta de representar los vacíos.

Ej.: Danzarina (1927). El profeta (1933).

Futurista.

Puede considerarse como una variante del cubismo. Analiza los volúmenes, pero no en un sentido estático como el cubismo, sino en un sentido dinámico. Defiende el empleo de toda clase de materiales. Fragmenta y distorsiona la figura.

Umberto BOCCIONI (1882-1916). Italiano. En su obra domina la expresión del movimiento. Se interesa por la interrelación del objeto con el espacio circundante.

Es típico de sus obras el dar la impresión de inacabadas, consiguiéndolo al dejar abiertas algunas porciones de la escultura o al dar toques quebrados sobre las aristas.

Ej.: Desarrollo de una botella en el espacio. (1913). Forma única de continuidad en el espacio. (1913).

Orgánica.

También es considerada como una variante del cubismo, distinguiéndose de éste por el sentido de continuidad de las superficies curvas de forma que los cuerpos constituyen un solo volumen.

Constantino BRANCUSI (1876-1957). Rumano. Se aparta de la figuración considerando que debe ser el material el que sugiera el tema y la forma. Juega con todo tipo de materiales.

Volúmenes de formas simples, esenciales, abstractas, de acabado pulido y perfecto. Formas ovales y fusiformes.

Ej.: Musa dormida (1910). Señorita Pogany (1913). Pájaro en el espacio. (1928). columna sin fin. (1937).

Amadeo MODIGLIANI (1884-1920). Influenciado por la escultura negra y su simplicidad.

Ej.: Cabeza de piedra. (1912).

Henry MOORE (1898-1989). Inglés. Recibió las más variadas influencias: arte precolombino, Miguel Ángel, Brancusi, Archipenko, Picasso, Surrealismo, Constructivismo. Tiene obras figurativas y abstractas. Alterna el vacío con formas planas, convexas y cóncavas.

Sus obras, incluso las abstractas, están llenas de humanidad. Expresan la austeridad, el dolor, la tragedia, las aspiraciones eternas del hombre.

Ej.: Figura reclinada. (1929). La novia. (1939). madre recostada con niño. (1960).

Hans ARP (1887-1966). Francés. Uno de los fundadores del dadaísmo. Formas inacabadas y muy simples. Evolucionó hacia formas de aspecto monumental en las que el volumen, las superficies curvas, la belleza de la materia y la unidad de conjunto son los valores esenciales.

Se inspira en la morfología de elementos naturales (cantos rodados, conchas pulidas) que sugieren elementos orgánicos humanos. Anticipa el informalismo o pura abstracción.

Ej.: Pastor de nubes (1953). Desnudo floral. (1957).

Henry LAURENS (1885-1954). Francés. El geometrismo de su primera etapa escultórica se debe a la influencia cubista. Evolucionó hacia volúmenes ondulados, curvos, estableciendo juegos entre las masas y los huecos.

Ángel FERRANT (1891-1959). Español. Evolucionó desde una figuración monumental y estilizado hacia una expresiva dad más rítmica de la forma, pasando a la abstracción.

Sus obras abstractas evocan monumentos megalíticos y esculturas de la Prehistoria. También hizo esculturas móviles y otras en las que el espectador cambia a su voluntad las piezas. Empleó materiales muy diversos: corcho, madera, latón, hierro, piedra, etc.

Ej.: Tres mujeres.

Abstracta no figurativa.

El objeto queda totalmente liberado de cualquier referencia al mundo circundante. La escultura es producto de la pura invención del artista.

Antoine PEVSNER (1886-1962). Ruso nacionalizado francés. Defensor del "constructivismo" para el que el principal problema de la escultura es la organización de la forma y de los planos del espacio.

Rechaza los volúmenes compactos concediendo gran importancia al vacío, a los huecos. Decía que "el espacio es parte integrante de la obra". También concede importancia al movimiento. Practica una escultura abstracta y matemática.

Ej.: Mundo.

Alejandro CALDER (1898-1976). Norteamericano. Creador de la escultura de "móviles”, nombre dado por Duchamp. El movimiento venía dado por un motor, por el mismo aire o por un impulso inicial.

Las obras están confeccionadas con alambres y otros elementos de diversas formas, policromadas. Se encuentran suspendidas y al moverse adoptan formas más variadas.

Ej.: Móvil. (1956). Pez.

Jorge de OTEIZA (1908) Español. Sus progresivas abstracciones tienden al volumen y al espacio encerrado en formas geométricas. Factura muy cuidada, pureza de la forma, calidad de la materia.

Ej.: Fusión de dos políforos.

Pablo SERRANO. (1910). Español. Fluctúa entre lo tradicional (figuración expresionista) y lo vanguardista.

Ej.: Unidades-yunta. (1969).

MARTÍN CHIRINO (1925). Español. Obras a base de bandas de hierro o acero que se revuelven en curvas y contracurvas, espirales.

Ej.: El viento. (1963).

Eusebio SEMPERE (1924). Busca el movimiento.

Eduardo CHILLIDA (1924). Geometrismo. Parece buscar el punto de encuentro entre escultura y arquitectura.

Ej.: Abesti Gogora.




PINTURA DEL SIGLO XX

• PANORAMA DE LA PINTURA EUROPEA DESDE FINES DEL SIGLO XIX HASTA PRINCIPIOS DEL SIGLO

Los postimpresionistas habían intentado desligarse del arte meramente sensorial y transitorio de los impresionistas optando por el antinaturalismo. Este alejamiento de lo natural y, sobre todo, de la función utilitaria de la pintura, que ya no podrá competir en este aspecto con la fotografía y el cine, dirigirá a las artes plásticas a la búsqueda de lo elemental, de la esencia de las cosas más que a simple reproducción.

El arte, durante este período, tiene dos características básicas:

• El antinaturalismo, que se manifestará de diferentes maneras:

Mediante un intento de ordenación intelectual de la naturaleza como se observa en las obras de Seurat y Cézanne. Pretenden pintar las cosas como son y no como la vemos: por eso, abandonan la visión única implantada por el Renacimiento y tienden a la visión múltiple de los modelos, o mejor dicho, de los elementos geométricos que forman estos modelos. El arte se convertirá a partir de ahora en el creador de un mundo subjetivo no en su representación.

Por un proceso de idealización de la naturaleza mediante un lenguaje plástico altamente simbólico cuyo iniciador fue Gauguin y que se continuará con el fauvismo, donde el color alcanzará una total independencia respecto a la forma>aunque seguirá manteniendo una referencia a ésta.

La aparición de la idea de que la pintura no debe imitar a la naturaleza sino expresar los estados de ánimo del artista, sus sueños, etc. Dentro de esta tendencia estarían el simbolismo, el surrealismo e incluso el expresionismo. Esta visión individualista y subjetiva marcará toda la experiencia artística del siglo XX, tanto si se mantiene en el campo de la figuración como si opta por el abstraccionismo.

• Independización de las reglas tradicionales de la expresión.

Esta independencia se reflejara en:

• El tratamiento del color, con el abandono convencional de éste o su casi total eliminación.

• La ruptura con los métodos tradicionales para representar:

• El volumen: no utilización del claroscuro.

• profundidad: eliminación de los puntos de fuga.

• El espacio: empleo de la visión múltiple en sustitución de la visión única.

• Abandono, más o menos acusado, de la base sensorial como punto de partida de la actividad artística desde Cézanne que parte de ella para su propia experiencia artística, pasando por el cubismo que crea a partir de ella un mundo objetivo, hasta la abstracción que conseguirá la total independencia de la experiencia sensorial, llevando así hasta sus últimas consecuencias la ruptura con la tradición grecolatina que estaba en el origen del arte occidental.

Esta liberalización de la simple representación iniciada por los impresionistas, impulsará una creciente búsqueda de nuevas fórmulas expresivas, los sucesivos "ismos" que investigando los distintos aspectos de la experiencia artística, no producirán un estilo globalizador a semejanza de épocas anteriores.

Estas características artísticas verán favorecido su desarrollo por los cambios políticos, sociales, económicos, ideológicos, que se producen a nivel mundial. Se genera un arte internacionalista, individualista, aunque a veces se intentan formar grupos relativamente homogéneos de artistas.

• CARACTERES GENERALES

El fenómeno pictórico del siglo XX es muy complejo. Se suceden rápidamente las tendencias pictóricas, a veces incluso aparecen varias tendencias de una forma simultánea.

La pintura de forma especial refleja los cambios políticos, sociales, económicos, de esta época.

Diversos factores influyen en el nuevo rumbo que toma la pintura:

• El desarrollo de los presupuestos pictóricos impresionistas y postimpresionistas.

• Los progresos de la fotografía que se manifiesta como el mejor medio para representar con total objetividad la realidad.

• El descubrimiento y divulgación del arte de otras culturas, principalmente el negro y el oceánico.

Los avances y descubrimientos técnicos y científicos, como, por ejemplo, las teorías psicoanalíticas de Freud (especialmente las referentes a las representaciones oníricas) y la teoría de la relatividad de Einstein (demuestra la pérdida de valor real de la geometría tridimensional, base de la representación espacial tradicional). El individualismo, que empuja a cada artista a forjarse su propio estilo, dificulta el análisis del arte contemporáneo por la práctica imposibilidad de clasificar a los artistas en unos grupos concretos y sistematizados.

• PRIMEROS MOVIMIENTOS VANGUARDISTAS DEL SIGLO XX: HASTA LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL

• SIMBOLISMO

• Se desarrolla entre 1888 y 1903.

• Suele incluirse en este movimiento a los "Nabis" (profetas).

• Antinaturalismo, carácter fantástico, subjetivismo, decorativismo.

• Su objetivo era representar, mediante formas y colores simbólicos, el sueño, el misterio, las experiencias místicas o espirituales.

• Defiende el "arte por el arte" siguiendo el principio enunciado por Maurice DENIS:

• "Recuérdese que el cuadro antes que un caballo, una mujer, una flor, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores dispuestos en un cierto orden".

• Para ellos el arte era un medio de manifestar la realidad profunda del hombre, por encima de su pensamiento convencional.

• Precedente inmediato es Gauguin que convirtió al color en símbolo. También recibe influencias de las estampas japonesas.

• Es un precedente del expresionismo.

• Odilon REDON (1840-1916).

• Maurice DENIS (1870-1943).

• Pierre BONNARD (1867-1947).

• FAUVISMO

El nombre procede del francés "Fauves" (fieras), término empleado por el crítico Louis VAUXCELLES al contemplar, en el Salón de otoño de 1905, una pequeña estatua renacentista que contrastaba con los violentos colores de las pinturas allí expuestas; esto le hizo exclamar: " ¡Donatello chez les fauves!". También recibieron el nombre de “incoherentes" e "invertebrados".

Es el primer movimiento vanguardista del siglo XX: reaccionan contra el modo de pintar entonces vigente.

Iniciado en 1903, alcanza su mayor auge entre 1905 y 1907; a partir de 1909 los componentes del grupo se dispersan siguiendo cada uno diferentes orientaciones pictóricas.

• Antecedentes: Gauguin y Van Gogh por su cromatismo y el valor que dan al color.

Frente al impresionismo defienden el color y la expresión del mundo interior del pintor.

• Sus dos principios básicos son:

• El DIBUJO: a base de grandes líneas de color; a veces utilizan varios colores en el trazado de una misma silueta.

• El COLOR: es un color vivo, estridente, violento, tonos puros y fuertes; lo emplean de un modo totalmente arbitrario (sin relación con la realidad objetiva); conceden al color un valor subjetivo y emotivo, convierten al color en un vehículo para expresar emociones y sentimientos.

• Aplican el color a base de manchas planas y anchas. Renuncian al claroscuro y al modelado.

• Composiciones planas.

• Consideran al tema como algo secundario: prefieren los paisajes, las naturalezas muertas.

• Henri MATISSE (1869-1954).

Principal representante del fauvismo.

Gran dibujante y colorista.

Organiza el espacio pictórico a base de planos de colores puros y tintas planas, dando el mismo valor a todos los elementos y zonas, del cuadro. Reemplaza la perspectiva y el sombreado por los contrastes cromáticos.

Valora lo curvo, tendiendo al arabesco.

Da una visión subjetiva de la realidad. Obras:

• Lujo, calma y voluptuosidad (1904-1905).

• La alegría de vivir (1905-1906).

• Retrato de la raya verde (1905).

• Maurice de VLAMINCK (1876-1958).

Se caracteriza por la intensidad del colorido y los violentos contrastes.

Composiciones exuberantes, llenas de expresividad colorística.

Distorsiona las formas.

Gran paisajista: obtiene un gran efecto de dramatismo.

Al abandonar el fauvismo practica el cubismo. Obras:

• El puente de Chatou (1904).

• Calle bajo la nieve en Chandais (1925).

• Andre DERAIN (1880-1954).

Es el más conservador de los fauvistas.

Destacan sus representaciones de ciudades contempladas desde un punto de vista muy elevado.

Se acerca después al cubismo. Obras:

• Puente de Westminster (1905).

• Albert MARQUET (1875-1947).

Destacan los contornos de gran fuerza y expresividad.

Principal paisajista.

Colorido menos brillante y puro.

• Francisco ITURRINO (1864-1924).

Incorporó la fuerza del color y la libertad poética al realismo español. Es, más bien un precursor del fauvismo.

Temas frecuentes: toros y caballos.

• Juan de ECHEVARRÍA (1872-1931).

Retratista de los personajes de la generación del 98 y autor de excelentes bodegones y paisajes.

Destaca la riqueza del colorido y las cuidadas pinceladas.

• EXPRESIONISMO

Se desarrolla entre 1905 y 1914, aunque después de 1920 todavía pueden encontrarse pintores expresionistas.

Surge en Dresde (Alemania) pero pronto se internacionaliza.

El nombre procede del crítico H. Walden que lo empleó como opuesto al de Impresionismo. Fue difundido por la revista "Der Sturm" ("La tormenta") que lo aplicó a todas las vanguardias surgidas entre 1910 y 1920.

Se encuentra dentro de las llamadas corrientes pictóricas subjetivas, aquellas que se interesan por el contenido de la obra de arte descuidando, o no valorándolos aspectos formales.

Sus raíces más inmediatas se encuentran en Gaugin (el color) y en Van Gogh (el gesto).

Coincidió cronológicamente con el Fauvismo, el Cubismo y el Futurismo.

Los artistas constituyeron dos grupos distintos: "El Puente" y "El Jinete Azul".

El principio básico es que el artista debe expresar en el cuadro su mundo interior. Debe prevalecer el sentimiento frente a la razón.

Frente a la objetividad impresionista aparece el expresionismo como un arte totalmente subjetivo: las cosas son según las siente cada uno.

El dibujo se forma con líneas rotas, figuras y objetos distorsionados, siluetas intensas. Esta deformación de la realidad acentúa la expresividad.

Los colores son violentos, de tonos oscuros, aplicados a base de gruesos e irregulares toques que recuerdan "zarpazos". Su función no es agradar los sentidos sino expresar el mundo interior.

Sus temas poseen una fuerte carga crítica tanto política como social. Quieren expresar los problemas y sentimientos del hombre: miedo, soledad, perversiones, etc.

Precedentes

• Edward MUNCH (1863-1944).

Dibujo de líneas sinuosas, figuras distorsionadas.

Colores arbitrarios, de tonos puros.

Representa rostros demacrados, de mirada extraviada, que reflejan el miedo a la soledad, la amargura, el dolor, la angustia, etc.

Influyó decisivamente en el movimiento expresionista. Obras:

• El grito (1893).

• La danza de la vida (1899).

• James ENSOR (1860-1949).

Rostros deformes y descompuestos.

Colores alegres y luminosos.

Intención burlesca en sus obras: unas veces enigmáticas, otras irreverentes. Se complace en lo absurdo y brutal para ridiculizar los defectos morales del hombre.

Las máscaras y los esqueletos tienen una gran importancia en su obra. Obras:

• Entrada de Cristo en Bruselas (1888).

• Baile de máscaras (1897).

• La muerte y las máscaras (1897).

• El Puente ("Die Brücke").

Surge en 1905 en Dresde como puente de unión entre todos los elementos artísticos revolucionarios.

Exageran las formas y los contornos.

Emplean colores puros, tonos oscuros, contrastes cromáticos. Es considerado por algunos críticos como una especie de "fauvismo germánico", incluso a veces más extremista que el francés.

Practica un arte subjetivo; sus obras resultan tensas, emotivas, visionarias. Ahondan bajo la superficie de una sociedad que consideran hipócrita y quieren transmitir las preocupaciones políticas, sociales y éticas existentes en la Alemania prebélica.

• Ernest Ludwig KIRCHNER (1880-1938).

Dibujo: formas angulosas, goticistas.

Color: estridente, especialmente al principio.

Pintura dura, expresión de la soledad y amargura de los hombres de su época.

Crea un tipo femenino desgarrado; resaltan también sus escenas callejeras.

• Emil NOLDE (1867-1956).

Dibujo: muy simplificado; distorsiona y deforma los rostros (parecen máscaras) y los objetos.

Color: intensos, chillones, bruscamente yuxtapuestos. Evocan las fuerzas del instinto y del espíritu.

Temas: religiosos (tratados con irreverencia) y de la naturaleza.

Su pintura resulta violenta y tumultuosa, manifestación de su personalidad mística y atormentada. Obras:

• Sol tropical (1914).

• Tríptico de Santa María Egipciaca.

• Oscar KOKOSCHKA (1886-1980).

Dibujo: figuras retorcidas y nerviosas; siluetas de gruesos trazos negros.

Color: triste, aplicado directamente con el tubo o con la espátula, dando como resultado superficies de arremolinadas manchas de color.

Temas: retratos de personajes de psicología complicada, vistas de ciudades. Obras:

• La novia del viento (1914).

• Paganos (1918).

• El Jinete Azul ("Der Blaue Reiter").

Se desarrolla entre 1911 y 1914.

El nombre procede de un almanaque del mismo título en el que se reprodujeron por primera vez unas obras del grupo en honor de Kandinsky (al que le gustaba pintar caballos) y de Marc (el azul era su color preferido).

Se opusieron al cubismo, rechazando el fondo racionalista del mismo.

Mientras que "El Puente" critica la sociedad, "El Jinete Azul" la idealiza exaltan do sus valores espirituales.

A este grupo se deben dos aportaciones fundamentales:

• Dieron consistencia teórica al movimiento expresionista.

• Hicieron evolucionar la pintura desde el soporte figurativo a la abstracción.

• Vasil KANDISKY (1866-1944).

Perteneció a la Bauhaus.

Evolucionó mucho, siendo uno de los creadores del arte abstracto. Llegó a basar sus composiciones en el trazado de líneas, ángulos, cuadrados y círculos coloreados con pinturas planas.

Dibujo de formas geométricas y planas. Gran colorista. Forma y color son los instrumentos de que se vale para hacer visible su mundo interior. Obras:

• Con el arco negro (1912).

• Improvisación IV.

• Paul KLEE (1879-1940).

Perteneció a La Bauhaus.

Evolucionó hacia la abstracción.

Distribuye con armonía y delicadeza las líneas, los colores, las formas.

Practicó la abstracción, pero también el arte figurativo de formas más o menos abstractas.

Difícil de clasificar ya que unas veces es abstracto y otras expresionista o su realista.

Sus caligrafías "infantiles" guardan cierta relación con la pintura de Miró. Obras:

• Ad Parnassum (1932).

• Senecio (1922).

• Franz MARC (1880-1916).

Es el más figurativo del grupo, aunque también llega a la abstracción en algunas obras.

Su estilo puede ser definido por el esquematismo y la arbitrariedad del color (rojos, amarillos, azules), al que otorga un valor simbólico. Obras:

• Caballo rojo y azul (1912).

• Georges ROUAULT (1871-1958).

Alterna el expresionismo con el fauvismo.

Dibujo: contornos de líneas gruesas muy marcadas a base de negro que recuerdan los planos de las vidrieras góticas.

Colores: tonos fuertes y planos, opuestos entre sí.

Temática religiosa debido a su ferviente cristianismo. Algún crítico ha dicho de él que es el mayor pintor religioso después de Rembrandt. Obras:

• Jesús entre los doctores (1894).

• Los clowns (1917).

• El Expresionismo en España e Hispanoamérica.

• Isidro NONELL (1873-1911).

Hábil dibujante.

Dota al color, a la atmósfera y la pincelada de un valor expresivo profundo, intimista y dramático.

Representa la miseria y la angustia de la gente pobre en los barrios bajos de Barcelona.

• Ramón CASAS (1866-1932).

Emplea un colorido claro y es menos patético que Nonell.

• José GUTIÉRREZ: (1886-1945).

Dibujo a base de trazos gruesos.

Color: tenebroso, gamas terrosas.

Pintura pesimista que llega a lo tétrico. Pinta la "España Negra" de los desheredados, los mendigos y marginados. Gusto por lo feo, lo amargo, lo doloroso y desagradable. Obras:

• Las chicas de la Claudia.

• Ignacio ZULOAGA (1870-1945).

Estilo enérgico y fuerte.

Influenciado por Solana, ejecuta una pintura costumbrista áspera, aunque menos dura que la de aquel.

Reproduce tipos duros y tierras secas; visiones fantasmales de castillos ruinosos, pueblos desolados.

Algunos críticos le consideran dentro del fauvismo.

• Rafael ZABALETA (1907-1960).

Combina el cubismo y el expresionismo con lo popular.

• Benjamín PALENCIA (1902-

Pintor de la sobriedad y sencillez de los campos de Castilla.

Fundó la "Escuela de Vallecas".

• José Clemente OROZCO (1883-1949). Mejicano.

Se inspira en el folklore y en el arte azteca.

Su realismo se mezcla con lo simbólico y visionario. Obras:

• Frescos del castillo de Chapultepec, Méjico.

• Diego RIVERA (1886-1957).

Mantuvo contactos con el cubismo.

Temas preferidos: los relativos a la revolución mejicana y los populares. Obras.

• La civilización zapoteca. Frescos del Palacio Nacional. Méjico.

• EL CUBISMO

Generalidades

Se desarrolla entre 1908 y 1914 aunque permanecerá latente en todos los movimientos posteriores.

El nombre fue puesto por el crítico Louis de Vauxcelles al comentar unos cuadros de Braque expuestos en el "XXV Salón de los Independientes" y afirmar que estaban compuestos por "pequeñas masas cúbicas". Según algunos historiadores, el primero en hablar de "cubos" para referirse a Braque fue Matisse; el crítico lo oyó y lo empleó en su escrito.

Las primeras manifestaciones cubistas se producen en París en 1907: Picasso pinta el cuadro “Las Señoritas de Avignon” (en realidad debería llamarse de "Avignó", nombre de una calle de Barcelona), y Braque realiza una serie de paisajes basados en el espíritu constructivo de Cézanne. Son los dos creadores de la estética cubista.

Antecedentes

Cezanne con su espíritu constructivo, sus intentos de reordenar los elementos de la realidad v su principio de que la naturaleza debe ser considerada por las formas geométricas puras que la forman.

La valoración en los ambientes artísticos del arte de las culturas primitivas, especialmente del arte africano, con su tratamiento de las figuras a base de planos angulares.

El neoimpresionismo o puntillismo con su tendencia a la estructuración geométrica del cuadro.

Características

El cubismo fue una reacción plástica contra el fauvismo: el cubismo no pretende retornar al realismo pero si restablecer el volumen en la figura.

Es un arte intelectual. Se publicaron numerosos tratados teóricos sobre el mismo.

Apollinaire principal teórico del cubismo, decía que "el cubismo pretende pintar conjuntos nuevos con elementos tomados no de la realidad de la visión, sino de la realidad del conocimiento". El cubismo intelectualiza la realidad representando no al objeto captado visualmente sino como es aprehendido por el entendimiento. Para el cubismo la realidad es concebida como constituida por cuerpos geométricos puros: pretende ver en la realidad el reflejo de los volúmenes fundamentales de la geometría del espacio.

Representa la ruptura total con la pintura tradicional

Desaparece la perspectiva tradicional.

Utiliza colores apagados: grises, pardos, verdes suaves, amarillos, blancos. No son reales por su excesiva neutralidad. Gaya Nuño dice: "Todos los pintores cubistas pusieron su paleta a pan y agua". Eugenio D'Ors afirma: "Después del carnaval impresionista se impone la cuaresma cubista".

Tratan de dar una visión de los objetos desde diversos puntos de vista: de ahí que junten la visión de perfil y la de frente de un rostro. Esta síntesis de visiones corresponde al espacio-tiempo, es decir, al afán de estabilizar el volumen en un tiempo determinado.

La suma de varios ángulos visuales se efectúa sincrónicamente en el cuadro, cuando en la naturaleza esto no es posible: "Debe darse la vuelta en torno al objeto para tomar varias apariencias sucesivas que, fundidas en una sola imagen, le reconstituyan".

Se sirven de los engaños ópticos, es decir, de la relatividad de las formas, ya que al yuxtaponerse se afectan mutuamente, resultando diferentes. Así, una elipse dentro de un polígono parece una circunferencia. Las formas de los cubistas adquieren su verdadero valor en función de las colindantes. Algo similar habían hecho los impresionistas con el color.

Descomponen los cuerpos en formas geométricas y después las recomponen.

Para el pintor cubista el tema, propiamente dicho, carece de importancia: lo que le interesa es la composición de las formas. Introducen la técnica de los "collages": se incorporan a los cuadros todo tipo de materiales (papel de periódicos, trozos de revistas, telas, etc.) para lograr un efecto más llamativo.

Algunos críticos consideran al cubismo como la mayor revolución plástica intentada desde el Renacimiento.

• Cubismo analítico

Se desarrolla entre 1908 y 1911. El artista lleva a cabo un análisis intelectual del objeto descomponiéndolo en figuras geométricas y recomponiéndolo posteriormente asociando las distintas partes con entera libertad tal y como las recuerda.

Prescinden del punto de fuga único, característico de la perspectiva del Renacimiento, y utilizan tantos puntos de fuga como sea preciso para abarcar la visión total del objeto.

El resultado es la representación de objetos constituidos por una serie de formas geométricas diferentes y complementarias, fragmentadas por una serie de líneas y planos.

Pretende dar con ello una visión global del objeto, aunando todos los puntos de vista desde los que se puede contemplar el objeto.

Esta descomposición del objeto puede dar una visión tan complicada del mismo que algunos críticos le llaman CUBISMO HERMÉTICO.

Utiliza unos colores apagados (marrones, ocres, grises); tiende a la monocromía

• Cubismo sintético

Se desarrolla entre 1912 y 1914. El hermetismo en que había desembocado el cubismo analítico provoca una intensa reacción y se intenta recuperar la objetividad perdida haciendo reconocible el tema representado.

El artista selecciona los puntos de vista más esenciales del objeto y procede a hacer una síntesis de los mismos, de manera que el tema se haga reconocible.

Guy Habasque llama al cubismo sintético cubismo EIDÉTICO para expresar que lo que se pretende es representar sólo lo "esencial" del objeto.

Introduce la técnica del "papiers-collages" para conseguir determinados efectos estéticos al mismo tiempo que se recobran fragmentos de la realidad, que caracterizan esencialmente al objeto.

El collage contribuye también a dar un relieve de carácter escultórico a la pintura.

Representantes

• Pablo Ruiz PICASSO (1881-1973) Málaga.

1891. La familia se establece en La Coruña. Picasso empieza a pintar.

1895. Nuevo traslado a Barcelona. Ingresa en la Escuela de Bellas Artes (hizo en un sólo día el tema del examen de admisión, trabajo para el que disponía de un mes). Demuestra un gran dominio del dibujo y del color.

1896. Instala en Barcelona su primer taller.

1897. Consigue entrar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

1900. Primer viaje a París. Entra en contacto con los impresionistas y postimpresionistas. Realiza escenas de cabaret y callejeras con sentido crítico; líneas sinuosas y onduladas; colores de tonos agrios.

1901-1906. Época del Expresionismo social.

Alterna sus estancias en París, Barcelona y Madrid. En 1904 se establece definitivamente en París. Allí reúne en su casa del "Bateau Lavoir" a toda la vanguardia parisina.

Toma conciencia de que la pintura debe expresar, no imitar, y de que el color debe ser vehículo fundamental para la expresión.

• Época Azul

Color dominante el azul.

Pintura triste, reflejo de su visión pesimista de la vida: atmósfera de tristeza y dolor en un clima desolado.

Figuras estilizadas, delgadas, famélicas, pálidas; representa una humanidad dolorida: mendigos, niños y mujeres abandonados, artistas de circo ambulantes.

Especial interés por el tratamiento de las manos. Obras:

• La tragedia (19031).

• La planchadora (1904).

• Maternidad (1903).

• Época Rosa (1905-1906).

Combina el rosa con los tonos azulados.

Pierde fuerza el pesimismo anterior.

Figuras más llenas y modeladas.

• Temas del circo.

Toma contacto con poetas como Apollinaire y Gertrude Stein. Obra:

• Familia de saltimbanquis.

• Época Negra o Protocubista 1907.

Influencia de Cézanne y de la escultura negra.

Se interesa por la representación de las formas en el espacio sin referencias de perspectiva.

Estilo denso y macizo. Obra:

• Las Señoritas de Avignon (1907).

• Época cubista 1908-1916

Junto con su amigo Braque imponen los principios del nuevo movimiento.

Evoluciona del cubismo analítico al sintético.

A partir de 1912 introduce los collages. Obras:

• La mujer del abanico (1908).

• Los paisajes de Horta del Ebro (1909).

• Botella de Pernaud (1912).

• Ma jolie (1914).

• Época del cubismo Neoclasicista 1917-1924.

Representa, bajo un aspecto cubista, formas sugeridas por el arte greco-romano renacentista.

Figuras femeninas de aspecto escultórico y formas monumentales, modeladas de una manera muy clásica. Obra:

• Las tres bailarinas.

• Época de las "Metamorfosis" 1925-1934.

Personajes violentamente deformados, formas retorcidas. Color hueso sobre fondo azul.

Guarda una cierta relación con lo surrealista, aunque nunca llega a pertenecer totalmente a este movimiento.

Realiza una serie de metamorfosis en las que intenta representar ciertos síntomas de la nueva sociedad: la aparición de los fascismos, el consumismo desatado el totalitarismo comunistas.

Las figuras se deforman y la pintura se convierte en signos, en metáfora de la realidad. Obra:

• Mujer sentada al borde del mar 1934.

• Tauromaquias

En ellas se refleja el dramatismo que subyace en el fondo de la humanidad.

Incorpora el caballo blanco, símbolo de la inocencia y víctima indirecta de las tragedias.

• Período expresionista 1936-1950.

Figuras angulosas y deformadas.

Representa el horror que sólo queda compensado con la dulzura que emana de los rostros de los niños.

También se interesa por los temas mitológicos, especialmente el minotauro. Obras:

• El Guernica (1937).

• La mujer que llora.

• Cráneo de buey (1942).

• Homenaje a Julio González.

• Período ecléctico 1950-1973.

Mezcla todos los estilos dando primacía al cubismo.

Realiza recreaciones de cuadros clásicos bajo el punto de vista cubista.

Visión optimista de la vida.

Realiza también trabajos de cerámica, escultura, grabados.

• Las Meninas.

1973. Muere en Mougins (Cannes) el día 8 de Abril.

Es un auténtico símbolo de nuestra época: refleja los miedos, las angustias, supersticiones y mitos del hombre del siglo XX.

Profesó un auténtico y profundo humanismo, comprometiéndose con los problemas de los hombres de su época.

Nunca se sintió vinculado a una estética determinada: toda su vida actuó con total libertad, permaneciendo en una continua búsqueda de fórmulas nuevas. Participó en todas las tendencias, pero interpretadas por su gran personalidad.

Esto dificulta la clasificación y sistematización de su obra

• Georges BRAQUE (1882-1963)

Junto con Picasso, fue el creador de la estética cubista.

Se diferencia de Picasso en que prescinde casi siempre de la figura humana y se dedica a la naturaleza inerte: botellas de vino y cerveza, guitarras, dados y naipes, periódicos y cartas.

Sus temas básicos fueron los bodegones y los interiores de habitaciones a los que proporciona una auténtica intimidad.

Contribuyó decisivamente al uso y difusión de los collages.

Aunque siempre fue fiel al cubismo, a partir de 1945 evolucionó hacia una mayor claridad y sencillez, dando a los objetos representados un valor cada vez más destacado. Obras:

• Paisajes de L'Estaque (1908).

• El portugués (1911).

• Composición con as de trébol (1912).

• Juan GRIS (1887-1927).

Nombre verdadero: José Victoriano González.

Practicó un cubismo sintético, rechazando los hermetismos anteriores.

Se interesó por la estructura de las obras con independencia de la visión de los objetos que las componen.

Valora el cromatismo y la simplificación formal.

Se interesó por el espacio interior.

Ha sido denominado el "Zurbarán del cubismo" por el ascetismo de su pintura. Obras:

• Tablero de ajedrez. Guitarra, vaso y frutero (1918).

• Amadeo MODIGLIANI (1884-1920).

Influido por Cézanne y por el arte negro se acerca al cubismo pero sin pertenecer realmente a este movimiento.

Figuras de estilización total. Obras:

• Joven pelirroja con collar (1918).

• María GUTIÉRREZ BLANCHARD (1881-1932).

Practica un cubismo figurativo.

Su pintura se caracteriza por la melancolía y la ternura. Obras:

• La convaleciente.

• Daniel VÁZQUEZ DÍAZ (1882-1969).

No es estrictamente cubista pero manifiesta en sus obras interés por la construcción arquitectónica de la pintura.

Terminó practicando una pintura tradicional y académica.

Gran dibujante.

Autor de grandes murales.

• Francisco GUTIÉRREZ COSSÍO (1898-1970).

Geometriza las representaciones: retratos, bodegones, marinas.

Movimientos derivados del Cubismo.

Preocupación por las formas geométricas simples.

Intenta asociar el arte con los objetos industriales, mecanizados: sus formas parecen "mecanos".

Marca los contornos de las figuras con fuertes trazos negros.

• Fernand LÉGER (1881-1955).

• Los albañiles (1950).

• ORFISMO

Término ideado por Apollinaire. Coincide con el cubismo pero incluye el colorido en sus composiciones y concede gran importancia a la luz.

• Robert DELAUNAY (1885-1941).

Junto con Kandinsky llegará a ser el pionero de la pintura abstracta.

• Formas circulares (1912).

Sección D'Or o grupo de Puteaux. Estudian la relación entre líneas y colores mediante medidas armónicas constantes.

• Marcel DUCHAMP (1887-1968).

• Desnudo bajando la escalera.

• FUTURISMO

Se extiende entre 1910 y 1915. Surgió y se desarrolló casi exclusivamente en Italia. No alcanzó la difusión internacional de los otros movimientos.

MARINETTI, poeta italiano, publicó en "Le Figaro" el manifiesto del movimiento futurista: exaltaba la belleza de la velocidad y de la máquina como nuevos valores de la civilización y símbolos de la sociedad industrial: un automóvil corriendo es más bello que la Victoria de Samotracia.

Hace una crítica del arte tradicional.

Propugna la quema de bibliotecas, museos, centros de cultura.

Defiende la guerra, la violencia, el militarismo, el antifeminismo.

A las tesis de MARINETTI se adhirieron en 1910, publicando otro manifiesto, un grupo de artistas dirigido por Boccioni.

La actitud provocadora de los futuristas fue un anticipo de la que adoptarán otros movimientos como el Dadaísmo y el Surrealismo.

El movimiento futurista tuvo un contenido político de carácter fascista, asociándose y sirviendo de propaganda al fascismo italiano.

Objetivo principal: representar la velocidad y el dinamismo en cuanto exponentes de la nueva sociedad industrial.

Intenta plasmar el movimiento mediante el color y la multiplicación de las posiciones de un mismo objeto, dando como resultado una serie de imágenes sucesivas vistas simultáneamente.

Desde el punto de vista técnico no aportó nada nuevo: los artistas no supieron encontrar la técnica adecuada para llevar a la práctica sus teorías.

Los críticos lo consideran como una especie de "cubismo dinámico".

• Umberto BOCCIONI (1882-1916).

Teórico del movimiento futurista.

Terminó orientándose hacia la abstracción geométrica.

También fue escultor.

Mezcla la técnica puntillista con el uso del color de los expresionistas, mientras que la relación entre figura y espacio es plenamente cubista.

• Visiones simultáneas (1911).

• Giacomo BALLA (1871-1958).

Fue el más original de todos ellos.

Pasó sucesivamente por el realismo, divisionismo y cubismo.

Su forma de captar el movimiento le fue sugerida por el cine: plasma las sucesivas posiciones de las piernas y de los brazos al caminar.

Derivó hacia la abstracción geométrica.

Compenetración iridiscente

• Paso de Mercurio ante el Sol.(1912-1914).

• Muchacha corriendo por una galería (1912).

• Dinamismo de un perro con correa (1912).

• Gino SEVERINI (1883-1966).

Pintura alegre, brillante, de rico colorido.

Mediante la utilización de líneas curvas deriva hacia la abstracción total.

• Danzarina azul.

• Carlo CARPA (1881-1966).

Escribe un manifiesto: "La pintura de los sonidos, los ruidos y los olores”, defendiendo la integración de las diversas artes.

Anticipa el dadaísmo y la pintura metafísica.

• Los funerales del anarquista Galli (1911).

• Simultaneidad.

• PRIMITIVISMO O MOVIMIENTO NAÏF

Se desarrolla durante los primeros años del siglo XX.

El término francés "naif” significa ingenuo, infantil.

Es una reacción contra el arte intelectual, conceptual y simbólico.

Representa figuras de aspecto irreal en un espacio bidimensional.

Su sencillez hizo que fuera muy bien aceptado por el gran público.

• Henri ROUSSEAU (1884-1910).

Francés; llamado el "aduanero" en relación con su auténtica profesión.

Es el iniciador del movimiento "naif”.

Los temas, el color, la luz, dan a sus cuadros una atmósfera de magia y misterio.

• Guerra (1894).

• La gitana dormida (1897).

• El sueño de Yadwigha (1910).

• PINTURA METAFÍSICA

Comprende el período entre 1910 y 1915. Surge como reacción contra el dinamismo futurista. Giorgio de Chirico decía que su arte era más complejo y metafísico que el de sus coetáneos.

Persigue la inmovilidad; defiende la vuelta a la serenidad clásica y a la figuración.

Coloca las figuras en perspectivas bien construidas, en un ambiente de soledad y misterio.

Las figuras son tan esquemáticas, despersonalizadas, tan parecidas a máquinas, que semejan imágenes oníricas y fantásticas, próximas al surrealismo.

• Giorgio de CHIRICO (1888-1979).

Greco-latino. Pretende dar una visión irreal utilizando ambientes gélidos y mezclando elementos reales e irreales.

Representa "interiores metafísicos”: especie de habitaciones cerradas, con luz espectral y con elementos derivados de la civilización, por medio de los cuales quiere simbolizar el laberinto interior del hombre moderno.

• El enigma del oráculo.

• Lucha de lapitas y centauros. (1909).

• Juguetes de príncipe. (1914).

• Las musas inquietantes. (1917).

• MOVIMIENTOS PICTÓRICOS A PARTIR DE LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL HASTA LOS AÑOS CINCUENTA

Generalidades

Los movimientos pictóricos surgidos entre las dos guerras mundiales pueden ser considerados como consecuencia del desarrollo de las experiencias pictóricas anteriores. La Segunda Guerra Mundial puso fin a las llamadas "vanguardias históricas".

A partir de los años 50 las corrientes innovadoras se multiplican buscando los artistas nuevas formas y modos de expresión.

• DADAÍSMO

Surge en Zurich entre 1916 y 1921. Allí se reunieron un grupo de artistas, dirigidos por el poeta Tristán TZARA, con el objetivo de desmitificar y ridiculizar todos los valores de la cultura.

La palabra no tiene ningún significado artístico determinado. Dadá es una palabra con la que los niños designan a sus "caballitos". Fue elegida abriendo al azar un diccionario.

No es propiamente un estilo artístico sino una actitud de oposición a la sociedad y a las artes vigentes.

Sus seguidores defendían la irracionalidad, la rebeldía: se sublevan contra el arte, la moral y la sociedad vigentes.

Consideran que el arte se había convertido en un artículo de lujo al servicio de la burguesía: por eso adoptan formas destructivas, un humor crítico con el que pretenden escandalizar e irritar a la burguesía.

Defienden el "antiarte" del absurdo: según ellos la pintura no hay que comprenderla.

Utilizan el "collage", empleando toda clase de materiales de desecho (trapos viejos, papeles sucios, clavos roñosos, ruedas viejas de bicicleta) y el fotomontaje.

Influirá en el surrealismo.

Diversos factores influyen en su aparición:

• Los horrores y consecuencias de la guerra.

• El desencanto personal de unos pintores escasamente considerados.

• Su deseo de llevar a la pintura la destrucción que asolaba a Europa.

• Marcel DUCHAMP (1887-1968).

Había militado anteriormente en las filas de la Section D'Or pero por influencia de su amigo Picabia se inicia en el dadaísmo.

Introdujo el dadaísmo en Nueva York.

Crea los "ready-made": objetos manufacturados de uso común, desechados, a los que añadía o quitaba algún elemento para convertirlos en objetos artísticos.

Introdujo el movimiento real iniciando el llamado “arte cinético".

Ridiculiza el arte clásico, llegando al extremo de hacer una versión de la Gioconda con bigotes.

• Desnudo bajando la escalera (1912).

• Rueda de bicicleta. (1916).

• Fuente (un urinario) (1917).

• Max ERNST (1881-1976).

Practicó la técnica del "Frottage”: frotando con lápiz en hojas de papel aparecen huellas que, una vez completadas, sugieren obras misteriosas, pobladas de animales extraños y fantásticas vegetaciones.

Tiene también una vertiente surrealista.

En colaboración con ARP realiza una serie de collages denominados FATAGAGAS.

• Hans ARP (1887-1966).

Combina su carácter de escultor con el de pintor de collages y de composiciones muy simples.

• Francis PICABIA (1879-1953).

Origen hispano-cubano.

Ligado al cubismo órfico pasa al dadaísmo y, a través de él, al surrealismo.

• Udine (1913).

• El niño carburador.

• SURREALISMO

Características

Desarrollado entre 1925 y 1945.

La palabra fue empleada por primera vez por Apollinaire en 1917 para referirse a un movimiento relacionado con la pintura Dadá y que a veces también recibe el nombre de Suprarrealismo o Sobrerrealismo.

En 1924 André BRETON publicó el primer manifiesto surrealista en el que defendía el automatismo psíquico puro como medio para poder expresar, por escrito, verbalmente o de cualquier otra forma, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de toda preocupación estética o moral

En 1925 se celebra la primera exposición de pintura surrealista en la Galería Pierre de París.

El inicio de la Segunda Guerra Mundial supuso el fin del movimiento surrealista como tal, aunque sobrevive hasta hoy como tendencia.

Antecedentes inmediatos: la pintura metafísica y el dadaísmo. De, éste heredó la actitud irracionalista, el gusto por el escándalo, los gestos teatrales y el espíritu de rebeldía social.

Su objetivo es distinto al del dadaísmo: tender un puente entre arte y sociedad, dar solución a los problemas planteados por la Primera Guerra Mundial para que el arte refleje mejor al hombre moderno en su totalidad.

Está muy relacionado con la obra de Freud, especialmente con los estudios realizados por éste acerca de los sueños.

Persigue la representación de la realidad del mundo del subconsciente: conceden a la realidad contemplada en estado subconsciente más valor y veracidad que a la percibida en estado de vigilia.

Automatismo en la ejecución: movimiento libre e incontrolado de la mano y del pincel para poder escapar al control de la razón.

Este automatismo se aplicaba tanto a la pintura como a la escritura y se combinaba con otros juegos como el del "cadáver exquisito", en el que cada uno de los participantes debía escribir una palabra sin conocer la palabra anterior a la posterior. El juego se bautizó así porque la primera frase que se escribió fue: "El cadáver exquisito beberá vino blanco".

A pesar de esta búsqueda del automatismo los pintores surrealistas presentan una cierta cohesión de escuela en los recursos que utilizan: animación de lo inanimado, metamorfosis, aislamiento de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, confrontación de cosas incongruentes, perspectivas vacías, todo rodeado de una atmósfera espectral y gélida.

En la pintura surrealista predominasen generales dibujo sobre el color.

Los temas están basados en el mundo de los ensueños, en las pesadillas y obsesiones mentales.

• Surrealismo figurativo

Tendencia objetiva, naturalista: los objetos, a pesar de ser combinados de forma ilógica, son reconocibles.

Emplean un lenguaje figurativo y una perspectiva ortodoxa.

Los objetos se transforma al variarse sus proporciones respecto al ambiente en que se sitúan y se crean conjuntos de objetos dispares en un contexto ambiental que únicamente se da en la mente.

• Salvador DALÍ (1904-1989).

A partir de 1929 se instala en París identificándose con la pintura surrealista, con el surrealismo figurativo.

Excelente dibujante; técnica minuciosa, muy elaborada, descriptiva y con gran dominio de la perspectiva; realismo casi fotográfico.

Considera que para comunicar las visiones oníricas al espectador, y que resulten inteligibles, hay que manifestarlas con la máxima cantidad de medios pictóricos y tan explícitamente como sea posible.

Asocia distintos elementos en el cuadro de un modo insólito: resultan escenas extrañas y alucinantes.

Es un mundo de fantasía, onírico, con marcada inclinación a lo sexual y erótico.

En algunas obras la distorsión y el alargamiento de las figuras alcanzan efectos de gran dramatismo.

Dice que su actividad es paranoico-crítica: para algunos críticos es una actitud simplemente publicitaria.

Colorido brillante y luminoso.

Su mejor etapa surrealista es la que se extiende hasta 1936; a partir de es té año comercializa su pintura.

• Seis apariciones de Lenin sobre un piano.

• La persistencia de la memoria (1931).

• El nacimiento de los deseos líquidos (1932).

• Las tentaciones de San Antonio.

• Max ERNST (1891-1976).

Dadaísta que se acerca al surrealismo tanto figurativo como abstracto.

Recuerdo del dadaísmo son la sátira amarga y la crítica social.

Investiga nuevas técnicas: el "frottage”: colocar debajo del lienzo un objeto áspero y frotar con un carboncillo o pincel y el "dripping”: aprovechar las formas surgidas al azar sobre el lienzo al caer sobre él la pintura contenida en un recipiente agujereado.

Sigue practicando el collage.

• Napoleón en el desierto.

• El manto de la novia.

• El elefante de las célebes (1921).

• La mujer de las cien cabezas. (1929).

• Oscar DOMÍNGUEZ (1906-1957).

Difusor del surrealismo figurativo aunque poco a poco se acerca al cubismo.

• La máquina de coser electrosexual (1935).

• Drago (1933).

• René MAGRITE (1898-1967).

Dota a los objetos representados de propiedades que por su propia naturaleza no les corresponden: piedras ardiendo, cuerpos fragmentados.

Combina lo insólito y lo cotidiano, lo erótico y lo macabro: resultan obras intrigantes. Manías de grandeza.

• El imperio de la luz.

• El falso espejo. (1928).

• La tumba de los luchadores (1960).

• Paul DELVAUX (1897)

Especializado en representaciones nocturnas, de escenografías delirantes y atmósferas de ensueño, con sonámbulos inquietantes y figuras femeninas de carácter erótico y como hipnotizadas.

Su técnica se aproxima a la tradición realista tanto en el dibujo como en la forma.

• Alba (1937).

• La ciudad dormida.

• Surrealismo abstracto.

• Tendencia antiobjetiva

Las representaciones, de carácter abstracto, recuerdan formas orgánicas combinadas sin lógica aparente.

• Joan MIRÓ (1893-1984).

En sus inicios estuvo influenciado por Cézanne, Van Gogh y el fauvismo, pero a partir de 1925 practica un surrealismo que deriva cada vez más hacia la abstracción.

Desde sus comienzos se plantea el problema de la liberación del hombre a través del arte.

Su pintura es aparentemente ingenua, de aspecto infantil, pero está muy elaborada técnicamente.

Composiciones de gran colorido: tonos puros (amarillo, azul, rojo), armonías cromáticas.

Lo desrealiza todo: ha inventado numerosos signos y símbolos que sustituyen a los objetos y constituyen un auténtico lenguaje jeroglífico en el que cada signo adquieren sentido por su relación con los demás.

No plasma ni el volumen ni la perspectiva.

También practicó la cerámica.

• El oro del azul del cielo.

• La corrida de toros.

• La alquería (1921-1922).

• El carnaval del arlequín (1924-1925).

• Interior holandés.

• Decoración cerámica. Edificio de la UNESCO. París.

• Ives TANGUY (1900-1955).

Se dedica a la pintura por influencia de Giorgio de Chirico y en 1925 se adhiere al movimiento surrealista.

Mezcla las dos visiones del mundo: la surrealista y la metafísica.

Paisajes poblados de seres de ambigua naturaleza, bien vegetal, bien animal, o tal vez producto de las alucinaciones.

• El tiempo amueblado.

• March CHAGALL (1887-1985).

Su estilo es difícilmente clasificable: es una síntesis del arte folklórico ruso, del colorido fauvistas y de la geometrización cubista.

Es al mismo tiempo fantasiosa, simbolista y expresionista por la intensidad con la que trata el problema humano.

Cuadros de escenas visionarias en las que no se tienen en cuenta las leyes de la gravedad ni de la verosimilitud, ni la lógica asociativo (gato con cara humana, figuras al revés).

Gran colorista.

• A mi mujer.

• París visto desde una ventana.

• Autorretrato con siete dedos (1912-1913).

• PINTURA ABSTRACTA

Recibe el nombre de pintura abstracta aquella obra pictórica que no hace referencia a ningún ser o forma conocida de la naturaleza, es decir, la que no es figurativa. No se consideran como figuras estrictamente dichas las formas geométricas. El pintor abstracto prescinde del objeto incluso como pretexto para pintar. La pintura abstracta no tiene en cuenta ninguno de los postulados de la pintura clásica como el modelado, la perspectiva, la ordenación del espacio pictórico, etc.

Su principal objetivo reside en la adecuada distribución v armonía de los colores y de las formas n la realidad visual.

La abstracción es la tendencia más opuesta al realismo: desaparece en la obra artística el tema; en lo representado no hay alusión a la naturaleza o a la figura humana.

Ya desde inicios del siglo XX el objeto había sido sometido a todo tipo de experimentos:

• El fauvismo lo redujo al color.

• El cubismo lo geometrizó.

• El expresionismo no dudo en distorsionarlo.

• El futurismo lo hizo vibrar dinámicamente.

• El surrealismo lo soñó.

• El arte abstracto culmina este proceso procediendo a su eliminación definitiva.

La abstracción tiene presente el postulado del pintor "nabi" Maurice Denis: "Recordad que un cuadro antes que un caballo, una mujer, una flor, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores dispuestos en un cierto orden".

• Abstracción geométrico

Se inicia durante la segunda década del siglo XX. Reduce el contenido del cuadro a puras composiciones geométricas de líneas y colores planos.

Existen diversas tendencias dentro de la abstracción geométrico pero todas tienen unos caracteres comunes:

Empleo de formas geométricas con predominio de la línea recta.

Ausencia de toda referencia a las imágenes de la naturaleza. El arte no debe ser "representación" sino "construcción".

Sometimiento a unas normas estrictas de procedimiento.

Utilización de colores puros y claros.

Basado en el cubismo y en la obra de Robert Delaunay, miembro fundador de la Section D'Or.

Recibe generalmente el nombre de Constructivismo y ha evolucionado de una manera progresiva e ininterrumpida hasta el momento actual.

• Neoplasticismo

Surge en Holanda hacia 1917. También es conocido como movimiento "Der Stijl” (El Estilo), nombre de la revista que lo promocionó.

Está relacionado con el cubismo, al que se considera como inmediato precedente, pero se distingue del mismo por negar el volumen.

Defiende la abstracción geométrico y la simplificación. Su objetivo es armonizar el espaciosa forma y el color.

Emplea formas geométricas ortogonales a base de horizontales y verticales.

Colores: los tres primarios (amarillo, rojo, azul) y los no-colores (blanco, negro, gris), valorando cada color mediante la separación por líneas negras, por el tamaño de la superficie coloreada y por la intensidad del tono.

Las superficies coloreadas se distribuyen y yuxtaponen hasta formar una organización y significación plásticas consideradas como "arte puro".

La influencia del neoplasticismo se dejó sentir en la arquitectura, en el urbanismo, en el diseño.

El punto de partida en el neoplasticismo es el espacio que al estructurarlo hace surgir la forma.

• Piet MONDRIAN (1872-1944).

• Composición

• Tableau II.

• Theo Van DOESBURG (1883-1931).

• Suprematismo

Creado por Malevitch, en Rusia, hacia 1913 y dado a conocer en 1915.

Es considerado como una rama del Constructivismo.

El nombre se lo dio Malevitch al preconizar la supremacía de la sensibilidad o percepción pura.

Pretende armonizar las formas geométricas totalmente simples (el cuadrado, el círculo, el triángulo) de colores puros y situadas sobre un fondo plano.

Se diferencia del Neoplasticismo en que mientras que éste crea la forma de estructurar el espacio por medio del colores suprematismo estructura el espacio a través de la forma.

Influyó en la Bauhaus.

• Kasimir Malevitch (1878-1935).

Suprematismo 417, cuadrado negro sobre fondo blanco (1913). Cuadrado blanco sobre fondo negro (1918).

• Constructivismo

Parelelo al suprematismo.

Defiende la funcionalidad de la obra artística.

Va a ser tan importante en pintura como en escultura.

• Vladimir TATLIN (1885-1952).

Creador del movimiento constructivista.

• EL LISSITZKY (1890-1941).

Combina formas planas con otras de carácter tridimensional.

Algunas pinturas pueden ser transformadas en esculturas y adquirir movimiento.

• Proun.

• Antoine PEVSNER (1886-1962).

Junto con su hermano NAUM GABO, publica el "Manifiesto realista" en 1920, base de futuros experimentos aplicables tanto a la pintura como a la escultura.

• Abstracción expresiva

Surge en Europa a partir de la Segunda Guerra Mundial desarrollándose en la década de los años 50.

El término expresionismo abstracto se generaliza a partir de 1950 aunque fue empleado por primera vez en 1929 por el crítico Alfred Barr al referirse a las "improvisaciones" de Kandinsky.

Algunos críticos utilizan el término l informalismo" como sinónimo del expresionismo abstracto"; con ello quieren señalar que se trata de una pintura en la que están ausentes las formas definidas.

El punto de partida del expresionismo abstracto son Kandinsky y el Expresionismo.

Se diferencia de la abstracción geométrico en que ésta emplea formas rígidas toma das de la geometría mientras que la abstracción expresiva emplea formas flexibles, es decir, formas que no pueden ser definidas.

Es una pintura basada en la intuición y en la subjetividad, que intenta reproducir sobre el lienzo los efectos de un determinado estado emocional ya que para ellos el sentimiento debe prevalecer sobre la razón.

Existen varias tendencias pictóricas pero todas tienen unas características comunes:

Es una pintura de acción.

La obra es gestada en el mismo acto de pintar.

El azar, más o menos controlado, es parte importante del proceso creador.

• Vasily KANDISKY (1886-1944).

Parte del expresionismo pero poco a poco se aleja de él, acercándose sólo al color que se ordena libremente a impulsos de la inspiración.

Trabajará en la Bauhaus con Paul Klee.

Realizó no sólo obras prácticas sino también teóricas.

• Puntas de arco.

• Tachismo

El nombre procede del francés “tache", mancha, y fue utilizado en 1954 para designar a una pintura que emplea manchas y manchones de colores.

Algunos críticos le denominan "Art Autre" con el fin de designar a una pintura que debería diferenciarse de cualquier otro género preexistente.

Valora la expresividad del artista y su proyección psicológica en la obra artística.

Es una pintura en la, que se anula, todo tipo de estructura formal o conceptual y que no se somete a ningún principio teórico.

No se encuentra en ella forma alguna que recuerde al mundo exterior ni objeto inventado.

• Jean FAUTRIER (1989-1964).

• La judía.

• “Action Painting” (Pintura de acción).

Es el nombre con el que se conoce en EE.UU. al expresionismo abstracto y se lo dio el crítico Harold Rosenberg en 1952 para resaltar que se trata de una pintura en la que se valora el acto físico de pintar.

Reaccionó contra el academicismo cubista y surrealista que había triunfado entre las dos guerras mundiales.

Lleva hasta sus últimas consecuencias técnicas del automatismo, valorando la espontaneidad del artista en el momento de ejecutar la obra; la acción" debe ser autónoma e incontrolada.

Es una pintura vigorosa. impetuosa, violenta, que emplea lienzos de gran tamaño y colores violentos, estridentes, agresivos.

Algunos pintores practicaron la técnica del "dripping”, chorreando pintura sobre tela de manera que, al menos parcialmente, se extienda al azar.

• Jackson POLLOCK (1912-1956).

• Senderos ondulados.

• Composición nº 13.

• Franz KLINE (1910-1962).

• Pintura nº 2. (1954).

• Willem de KOONING (1904)

• Mujer II.

• Mark ROTHYO (1903-1970).

• Rojo, blanco y marrón.

• Pintura sígnica y gestual

Aunque sígnico y gestual no son exactamente lo mismo, los críticos suelen agrupar conjuntamente a los artistas de ambas tendencias.

sus raíces hay que buscarlas en el automatismo surrealista y en el descubrimiento de las grafías y pictografías del Extremo oriente.

• Sígnica: utiliza un particular grafismo para crear "nuevos alfabetos.

• Gestual: basa la pintura en la ejecución rápida y no controlada racionalmente.

Rasgos típicos:

• rapidez en la ejecución.

• impulso personal irreflexivo.

• creación de signos abstractos: el cuadro es una especie de indescifrables caligrafías orientales.

• Alfred Otto WOLFGANG WOLS (1913-1951).

• Composición V.

• Georges MATHIEU (1921

• Jean DUBUFFET (1901-1985).

Fue el creador del concepto "Art Brut" para designar las obras de los psicópatas y de los niños.

• Paisaje filosófico.

• Pintura matérica

Los materiales empleados en la confección de la obra deben ser los que centren la atención del artista, la única motivación del cuadro.

La materia ocupa el primer lugar en la escala de los valores artísticos; es el medio expresivo por excelencia, incluso es más importante que la forma.

Se preocupan por el aspecto físico y técnico de la obra, desinteresándose del dibujo y la composición.

La obra es confeccionada con los más diversos materiales: cortezas, trapos, arpilleras, telas metálicas, jirones de tejido cosidos sobre un armazón metálico, arena, serrín, barnices, etc., unidos y pintados para conseguir efectos sorprendentes.

La utilización de materiales de este tipo y otros muchos de desecho se hace cada vez más frecuente (Pop Art, Arte Povera). Los primeros ejemplos de esta nueva importancia dada a la "materia" se encuentran ya en determinados trabajos de los primeros surrealistas y entre los dadaístas.

• Alberto BURRI (1915

• Saco nº 5.

• Antoni TAPIES (1928

• Blanco y naranja.

• Manolo MILLARES (1926-1972).

• Representantes españoles

Se forman dos importantes grupos que toman como punto de partida el Surrealismo:

• DAU AL SET, nacido en Barcelona en 1948.

• Modest CUIXART (1925).

• Antoni TAPIES (1928).

• EL PASO, celebra su primera exposición en 1957 en Madrid.

• Antonio SAURA (1930

• Manuel MILLARES (1926-1972).

• Rafael CANOGAR (1934

• Manuel VIOLA (1919

• Martín CHIRINO (1925

• ULTIMAS TENDENCIAS

Generalidades

A partir de la década de los años 60, Norteamérica impone su primacía en el terreno artístico, tomando la iniciativa con la invención de nuevas técnicas y lenguajes artísticos.

Este período se caracteriza por la búsqueda de nuevos caminos. Los artistas utilizan toda clase de métodos naturales o no naturales (por ejemplo, las drogas), así como materiales no considerados como artísticos hasta ahora (plásticos, chatarras, objetos usados).

A veces resulta difícil establecer si se trata de esculturas o pinturas ya que los cuadros introducen los elementos más variados.

Se concede gran importancia a la luz, al movimiento y al sonido en las nuevas experiencias plásticas.

Las corrientes o tendencias aparecen y desaparecen rápidamente, algunas incluso no han pasado de ser infructuosos intentos de nuevas experiencias.

Como reacción contra las tendencias geometrizantes y abstractas anteriores, se tiende, a partir de 1960, a una nueva figuración aunque no se olviden totalmente las experiencias pasadas.

• TENDENCIAS NEORREPRESENTATIVAS O NEOICÓNICAS

Comprenden aquellas tendencias cuyas representaciones son identificables con la realidad objetiva.

• Neofiguración o Nueva Figuración

Fue una reacción contra el expresionismo abstracto, intentando recuperar la realidad pero sin caer en el realismo académico.

Se pretendía hacer un arte asequible a las mayorías.

Composiciones desordenadas, colores vibrantes, perspectivas extrañas y no convencionales.

Temas: principalmente interesa la figura humana contemplada bajo un punto de vista pesimista, para lo cual distorsiona los miembros de las figuras.

• Francis BACON (1910

• Retrato de Henrietta Morales

• Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez.

• Antonio SAURA (1930

Tonalidades muy sobrias.

• Retrato de Brigitte Bardot.

• Jean DUBUFFET (1901

• Ser y parecer.

• POP ART

"Popular Art", entendiendo por "popular" lo vulgar, se conoce también como novorrealismo.

Se desarrolla fundamentalmente en EE.UU. aunque surge en Inglaterra.

Antecedentes: dadaísmo y los “ready-made" de Duchamps.

Se basa en la inclusión en la obra de arte de objetos tomados de la sociedad de consumo (botellas de Coca-Cola, latas de cerveza, elementos de objetos de uso común, materiales de desecho); hasta entonces considerados indignos de figurar en una obra de arte y a los que se intenta dotar de un valor artístico.

También emplea materiales "kitsch”: término alemán equivalente a objeto o acción de mal gusto.

Se inspira en los comics, en los anuncios publicitarios, en las fotonovelas, etc.

Se pueden presentar dos corrientes: una de carácter conformista y otra crítico-social.

• Robert RAUSCHENBERG (1925

Mantiene la técnica del frottage surrealista.

• Odalisca.

• Roy LICHTENSTEIN (1923

Realiza serigrafías a base de ampliaciones de comics.

• Felices sueños, nena.

• Tom WESSELMANN (1931

• Gran desnudo americano nº 98.

• James ROSENQUIST (1932

Mezcla publicidad y pintura.

Anteojeras para caballo.

• Andy WARHOL (1930-

Realiza series en las que repite objetos de la vida cotidiana: botellas de Coca-Cola, latas de sopa, etc.

• Marilyn

• Hiperrealismo

También llamado realismo radical o fotorrealismo.

Surge en Norteamérica en 1966 al celebrarse en el Museo Guggenheim de Nueva York una exposición sobre fotografía. A Europa llegará hacia 1972.

Trata de conseguir que la realidad pintada sea tan real como la realidad de la naturaleza, de tal forma que puedan incluso confundirse.

Incluso en ocasiones pone de manifiesto que hay aspectos de la realidad que el ojo humano no puede percibir.

Técnica: se sirve de proyecciones ampliadas de diapositivas y fotografíaselo que se traduce en una falsa creatividad pues, aunque las imágenes están técnicamente muy cuidadas, parecen copias.

• John C. KACERE (1920

• Noel MEHAFFREY (1944

• Richard BLACKWELL (1938

• Antonio LÓPEZ GARCÍA (1936

• Realismo social

También conocido como "Crónica de la sociedad".

Sus obras poseen un sentido crítico de la problemática moderna y un fuerte sentido político.

Temas: la violencia, el terror, la desmitificación de acontecimientos históricos y culturales.

Técnicas muy variadas, heredadas de movimientos anteriores.

• Juan GENOVÉS (1930-

• Fila rota, En torno a una prohibición.

• Rafael CANOGAR (1934

• “EQUIPO CRÓNICA”

Desmitificación de las grandes obras de arte como Las Meninas.

• ARTE ÓPTICO-CINÉTICO

Op Art.

Abreviatura de Optical Art. Término utilizado, en contraposición al de Pop Art, para designar el arte visual interesado sobre todo en los fenómenos perceptivos y cinéticos.

Su antecedente fue la abstracción geométrico.

No pretende representar el movimiento sino dar la sensación de movimiento.

se basa en principios científicos y utiliza medios estrictamente pictóricos: reproduce figuras geométricas capaces de originar efectos ópticos de movimientos mediante la interacción de líneas y colores.

Este efecto óptico se incremento al desplazarse el espectador.

Su excesivo tecnicismo provoca un arte un tanto impersonal.

Se diferencia del arte cinético en que sus obras no poseen un movimiento real.

• Víctor VASARELY (1908

• Bridget RILEY (1931

• Carlos CRUZ-DIEZ (1923

Arte Cinético.

Es un reflejo de la obsesión de la cultura moderna por el movimiento.

Es el arte del movimiento producido mediante mecanismos incorporados a la obra, o bien por la acción del aire producido al desplazarse el espectador o al manipular éste la obra de arte.

Se persigue crear un arte global y público.

En ocasiones incorpora la luz física: arte cinético-lumínico.

• Julio LE PARC (1928

• Nicolás SCHÓFFER (1912

• OTRAS MANIFESTACIONES

Lo que caracteriza a los movimientos artísticos de la década de los años 70 es su afán de profundizar en el proceso creador, dando preponderancia al concepto de arte sobre el objeto artístico en sí.

Desaparece la distinción entré escultura y pintura, creándose obras tridimensionales que participan de ambas.

Minimal Art.

"Arte Mínimo", "Primary Structure", "ABC Art”, son varios de los nombres que recibe este arte.

El término fue creado por Richard Wolheim en 1965. El tema desaparece de las obras: no pretende crear una escultura o una pinturas¡ no realizar formas visuales reducidas al mínimo tanto perceptiva como formalmente y donde lo importante es el "todo".

Utiliza estructuras simples y elementales, geométricas la mayoría de las veces, destacando la claridad estructural.

Antecedentes: el suprematismo de Malevich al adoptar el cuadrado y el cubo como las formas más elementales, más simples, y al mismo tiempo "mínimas" en cuanto a estructuras.

Materiales: simples, a menudo toscos, no sofisticados (acero, hierro, aluminio, plástico, madera, etc.), pero siempre de enormes dimensiones. El artista sólo realiza el boceto o diseño, dejando la ejecución en manos de otras empresas. De esta manera se da más importancia al proceso de creación que a la realización física de la obra.

• Dan FLAVIN.

• Donald JUDD.

Arte Conceptual

Otros nombres: "arte microemotivo, arte situacional”.

El término fue utilizado por primera vez por Sol Le Witt en 1967.

Arte teórico o del concepto que intenta sustituir al arte tradicional o del objeto. Sus seguidores lo consideran no como arte, sino como una actividad creadora sin materia.

Pierde interés por la materialidad de la obra. Con la idea basta.

Lo que se hace es dar a conocer la teoría: escritos, documentos, catálogos, fotografías y, fundamentalmente, vídeo. Intenta desmitificar el hecho de la creación artística.

Guarda una cierta relación con el pensamiento oriental (Zen).

• J. KOSUTH.

• Robert BARRY.

Arte Povera

También conocido como "Process art” o "Arte procesual".

Se desarrolla en Italia, fundamentalmente en Turín, a partir de 1967.

Utiliza materiales pobres (andrajos, madera, yeso, paja) y evita los sistemas complicados con el fin de que el espectador pueda rehacer fácilmente el proceso seguido por el artista.

Coincide con el Minimal Art en que se interesa más por el proceso de la obra que por su elaboración. Difiere en que sus formas no son geométricas y acabadas si no ambiguas y casuales.

También difiere de la pintura matérica en que los materiales utilizados no son transformados sino que se conservan en estado natural.

• MERZ.

• ZORIO.

• BOETTI.

Arte ecológico

También recibe los nombres de "Land Art”, “Earth art", "Earthwork”.

Nació a finales de 1967 en Norteamérica.

Se trata de realizar operaciones artísticas dirigidas a transformar los paisajes naturales (campos, praderas) por medio de divisiones espaciales (zanjas, surcos, muros de tierra).

Está estrechamente vinculado al arte conceptual con el que coincide en el rechazo de los tradicionales medios artísticos y en dirigir su atención hacia nuevas posibilidades expresivas.

Se vale de la fotografía o del cine para fijar las operaciones sobre el terreno.

• OPPENHEIM.

• SMITHSON.

• DE MARÍA.

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