Arte abstracto

Fauvismo. Cubismo. Expresionismo. Surrealismo. Pintura abstracta. Kandinsky. Klee. Neoplasticismo. Constructivismo

  • Enviado por: Rbk Watson
  • Idioma: catalán
  • País: España España
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El Arte Abstracto.

Precedentes del Arte Abstracto

El Fauvismo

Fundamentalmente el Fauvismo supone un reacción contra el Impresionismo en pro del color y del objeto, que los pintores a fin de siglo habían reducido a tonalidades luminosas.

El color vuelve a ser el ingrediente principal del cuadro y se utiliza de manera apasionada.Pero no se trata de una escuela artística, con un programa elaborado, pero sirve para agrupar a un buen número de pintores, animados, durante un período por los mismos o parecidos propósitos.

Sus principales representantes son: Henri Matisse, Albert Marquet, Roul Dufy, ect.

El Cubismo:

Tras la explosión de sensualidad cromática del fauvismo, aparace, por la inspiración de Picasso y Braque, un arte cerebral, intelectual, una especie de operación quirúrjica.

Los cubistas no utilizan la perspectiva convencional, ni los colores de la realidad, ni adoptan un punto de vista único.

Con el Cubismo la pintura inicia un viaje apasionante por las realidades que el cerebro humano puede construir o destruir libremente. Picasso y Braque fueron las dos figuras cubistas inspiradoras.

El Futurismo

La pintura futurista puede considerarse una especie de “cubismo dinámico”, cuyo desarrollo tiene lugar en Italia. Característico de este estilo será otorgar a los objetos una serie de posiciones nobre un plano con el deseo de representar el movimiento. Los representantes de este movimiento son: Balla, Boccioni, Severini y Carrá.

El Expresionismo

El Expresionismo ofrece matices y contradicciones que no tienen otros movimientos del arte contemporáneo. La dificultad deriva de la multiplicidad de sus manifestaciones.

Los caraxteres comunes son la primacia de la expresión subjetiva frente a la objetividad. Apasionamiento en el tratamiento del cuadro, con aplicación violenta,a veces, de la pasta pictórica. Los temas insisten en lo desagradable, lo prohibido, en lo sexual, fantástico y pervertido. Destacan Munch, Nolde, Heckel, Müller, Schmidt-Rottulff, Kandinsky, Klee, Kokoschka, etc.

El Surrealismo

Los artistas surrealista están interesados por el inconsciente, los sueños, el absurdo. El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños, de los fenómenos subconscientes, soterrados por la conciencia, fenómenos cuya importancia estaba siendo demostrada por el psicoanálisis.Se propugna un esteticismo involuntario que se basa en el automatismo, en el grafismo instintivo, en el que la mano no se deja conducir por ningún dictado del pensamiento. Se pueden distinguir dos corrientes dentro del Surrealismo, el Surrealismo abstracto (Miró), y el surrealismo figurativo(Dalí). Los principales artistas del Surrealismo son; Duchamp, Ernst, Dalí, Miró, Chagall, De Chirico, Magritte, Tanguy y Delvaux.

La Pintura Abstracta

El objeto había sido sometido en la pintura del siglo XIX a toda suerte de experimentos: reducido a color en el Fauvismo, geometrizado en el Cubismo, distorsionado en el Expresionismo, vibrado dinámicamente en el Futurismo, soñado en el Surrealismo; ahora en el arte abstracto se procede definitivamente a su eliminación. El propósito de los artistas abstractos es prescindir de todos los elementos figurativos para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad visual. Se trata de un intento anterior al Surrealismo, pero que lo desborda en el tiempo puesto que al agotarse la escuela surrealista la bandera que guía a los pintores es la de la abstracción. La obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, y por tanto ya no representa hombres, paisajes, casas, flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar, con un lenguaje sin formas, como el de la música, la necesidad interior. “En la pintura - escribe Kandinsky - una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”

Kandisnky y Klee

Es Kandinsky quien, en Munich, hacia 1908, tiene por primera vez la revelación de la pintura no figurativa. No rompe por entonces todavía con los elementos figurativos del Expresionismo, pero en 1913 publica en “Der Sturm” un artículo que defina la nueva concepción: “El elemento interior determina la obra de arte” . Si este elemento predomina, el exterior queda reducido a una simple emanación instrumental. Después de una estancia en Rusia, Kandinsky se traslada a Berlín en 1921 y allé se une a la Bauhaus; en 1924 funda el grupo de los “Cuatro Azules” con Klee, Feininger y Jawlensky. La aventura intelectual de Kansinsky es de una enorma audacia, ya que el maestro ruso aparece sumido en una constante duda, como dando tumbos. Su compañero, el suizo, Paul Klee, en sus clases en la Bauhaus y en sus escritos explica cómo los elementos gráficos - punto, línea, plano y espacio - adquieren significación por una descarga de energía dentro de la mente del artista.

El Neoplasticismo

La “revolución cubista” tiene en Holanda una incidencia especial gracias a la constitución de un grupo de artistas en torno a la revista “De Stijl”. El fundador y animador principal es Theo Van Doesburg. La revista “De Stijl” propugna la abstracción y la simplificación.

La línea recta, los volúmenes prismáticos simples y los colores planos (liberar todo lo superfluo, para llegar a lo esencial, que para ellos es la línea recta), son las principales características de este estilo. El radicalismo en los principios estéticos es tal, que, cuando Doesburg busca variaciones a sus estructuras formales utilizando rectángulos con una inclinación de 45º, Mondrian, disgustado, abandona “De Stijl”. Pero lo más importante del Neoplasticismo radica en eso. Más importante que las obras realizadas son los fundamentos teóricos..

Piet Mondrian, el pintor más importante del grupo, repite en sus lienzos una y otra vez variantes de rectángulos de distinto tamaño, para los que usa solamente colores primarios, el blanco y el negro. Mondrian busca un “arte puro” despojado de lo particular y basado en alguna supuesta ley universal. Para Mondrian sus obras son una necesidad moral más que un principio estético.

El Constructivismo Ruso

La Revolución de Octubre de 1.917 libera el viejo imperio ruso, un inmenso caudal de energías. Repentinamente cae todo el sistema social y surge la posibilidad de crear in orden nuevo más justo y más libre.

En 1.920 se publica en Moscú el “Manifiesto realista” de Anton Pevsner y de Naum Gabo, donde se prescinde de todo análisis social o político. Unos meses depués, como réplica, se proclama el “Manifiesto del Grupo Productivista” que firman Tatlin, Rodchendo y Stepanova, quienes se preocupan por unir el arte con la política (no debe haber dinstinción entre las ortes, pensaban que la pintura también es contrucción y había que utilizar los mismos materiales). De este modo vemos que el Constructivismo” surge no tanto del deseo de cambiar el arte, como de edificar una vida nueva. La idea del artista-artesano, creador de un arte minoritario y restringido, empieza a ser rechazada. Como alternativa, el artista de la revolución será el que puedo ligar su trabajo en la industria para elaborar un arte de masas.

En pintura Kasimir Malevich es una figura decisiva. Funda el Suprematismo que consiste en la búsqueda de armonías entre formas geométricas simples (rectángulo, círculo, triángulo y cruz) de colores planos, situados sobre un fondo blanco tal como vemos en sus obras “Cuadro rojo sobre fondo blanco” o “Círculo negro sobre fondo blanco”. El propósito era crear un mundo privado de objetos, deseaba construir sólo con imágenes coloreadas. Para ello, decía, que era necesaria una tarea educativa que obligara al público a buscar una belleza distinta a la rutinaria. Su aportación fue bien recibida al principio, pero cuando el comunismo estableció como horizonte la pintura real, su arte se perdió en la oscuridad (1.919).

El Expresionismo Abstracto

Hemos examinado anteriormente la posición de aquellos artistas que utilizan el lenguaje abstracto para aludir a las formas y los aspectos concretos de la realidad. Este abstractismo es de calidad lírica y en él sobrevive y actúa el recuerdo de una verdad natural, fuente primera de inspiración. De índole distinta es el abstractismo definido como expresionista, que se manifiesta en Europa y en los Estados Unidos en una pluralidad de voces y de actitudes en las que se reconoce siempre una característica constante, para todos los expresionistas abstractos el problema ya no es evocar valdamente el mundo real, como el abstractismo lírico o crear armonías de líneas, superficies y colores inmóviles e inanimados, como sucede en la abstracción pura, sino dar a la composición pictórica, al color, al trazo, una violenta carga emocional, que equivale a una liberación de impulsos sin control.

El Expresionismo Abstracto Americano

Es apartir de la segunda mitad del s.XX cuando comienza el auge del Expresionismo Abstracto en Estados Unidos. Por primera vez Europa mira a América y muchos de los artistas europeos del momento huirán a EE.UU por nazismo y por la guerra. Estados Unidos adquiere su cultura propia, y el mismo Gobierno promoverá un programa de ayuda al arte y a los artistas.

Con el término de Expresionistas Abstractos de califican las obras más vigorosas, impetuosas y de mayor tamaño de algunos artistas afincados en Estados Unidos. Dos de las tendencias más importantes son:

Action- Painting

Jackson Pollock es la figura más representativa de la “action painting” (cuya finalidad es dar a la composición, al trazo y al color una violenta carga emocional, el artista deja liberar sus impulsos que trasladaba al lienzo sin ningún control. Sus obras son impetuosas, vigorosas y de gran tamaño,. Las características son: la violencia en el gesto, violencia en el color, pinturas de grandes tamaños, que muchas veces se situaban en el suelo para poder trabajarlas desde todos los ángulos y trabajar toda la superficie inagurando una técnica que se llama “all over”, de manera que el cuadro no tiene ni un centro ni un final definido, los precedentes se encuentran el el Surrealismo; automatismo y subconsciente, y en el Expresionismo; color). Jackson Pollock encarnó una clara voluntad de romper con el cuadro de caballete y para ello usó la técnica del “Dripping” (chorreado de pintura sobre la tela puesta en el suelo) con nuevos materiales como el barniz al aluminio, esmaltes sintéticos, etc. Pollock “danzaba” alrededor de su obra, corriendo a veces, con sus botes de pintura, a lo largo del estudio para poder conferir con uniformidad a sus grandes pinturas.

Junto a Pollock hay otros artistas de la misma tendencia:

Kline que pintó aplicando vigorosos brochazos negros sobre superficies blancas; el resultado se parece a las pintadas tachadas de algunos muros callejeros.

Kooning pasa de una pintura figurativa a la abstracta alternativamente. Su lenguaje, sin embargo, se mantiene inalterable porque es constante el tono encendido de su paleta, el desgarrante furor expresivo de su colorido, surcando por una continua carga energética. Es famoso por su serie figurativa “Mujeres” que son figuras femeninas grotescas con aterradoras muecas.

Tobey acusa una enorme influencia de la caligrafía china (después de haber entrado en un monasterio Zen) pintando cuadros con infinidad de pequeños signos indescrifrables, se tratan de fondos oscuros con redes de líneas blancas de las que emana un silencio de profunda emoción, invitan a la meditación.

Rothko no pinta con ese furor expresivo del reto de sus cuadros. Se desprende una atmósfera de silencio. Cuadros con vaga organización geométrica. Las superficies son lisas, y siempre emenan de ellas una sensación de serenidad muy distinta de a la torturada

impresión que produce en las las líneas del expresionismo abstracto. Por eso Rothko es considerado expresionista abstracto y en otras ocasiones es considerado informalista.

El Informalismo

La Segunda Guerra Mundial dejó en la Europa de postguerra una tmósfera desesperada, un sentimiento de soledad y ansiedad. En este marco se desarrolló el Informalismo, un movimiento paralelo al “Action Painting” pero que presenta aspectos más tristes y siniestros. Es un movimiento heterogéneo en el que se incluyen diversas tendencias.

MATERIA Y GESTO: Es una tendencia no figurativa representada por Fautrier, Wols, Soulages, Hartung y Dubuffet. Estos pintores reflejan en sus obras toda la angustia, miedo y desesperanza de las generaciones que habían padecido la guerra.

Fautrier hace obras de pequeño formato, con un gran empaste central que parecen configurar formas embrionarias humanas. Su exposición en París en 1.945 causó un gran impacto; sus obras fueron contempladas como una visión de muerte y desolación convertida en objeto pictórico.

Wols realiza obras automáticas en las que, sobre un fondo de color, a veces rayado y a veces uniforme, traza manchas y rápidas pinceladas. Pero de esa maraña sin sentido lógico y aparentemente sin significado, surgen a veces, ecos y recuerdos de la realidad.

Hartung pinta obras en las que las líenas oscuras adquieren un tono dramático y atormentado.

Dubuffet elaboró una técnica a base de pigmentos mezclados con arena, tierra y otras sustancias que le permitían crear una superficie pictórica de gruesa textura sobre la que trabajaba, rascaba, para conseguir una calidad matérica de la que emergen grafitti, configuraciones monstruosas, caricaturas violentas de mujeres, mesas, animales, etc.

Soulages que alcanza la cima de la violencia expresiva con la superposición de tonalidades pardas y negras.

EL GRUPO COBRA: Se desarrolló entre 1.948 y 1.951 en los Países Bajos. Su nombre hace referencia al lugar de procedencia de sus miembros; Copenhague, Bruselas y Amsterdam. Su aportación principal fue la recuperación de la violencia cromática de tradición expresionista pero resuelta con más crudeza visual. Sus representantes son Asger Jorn y Karel Appel.

EL INFORMALISMO ESPAÑOL: Después de la Guerra Civil y la implantación de la dictadura franquista, España presentaba un panorama desolador. Los primeros signos de un resurgir artístico se apreciaron en Barcelona con la aparición del grupo Dau al Set integrado por diversos artistas e intelectuales entre los que desctaca Antoni Tàpies que utiliza materiales diversos como el polvo de mármol mezclado con látex y otros pigmentos, trabajados en gruesos empastes sobre los que gestos, signos e imágenes de objetos aparecen como rastros, huellas y emblemas.

Otro grupo importante es El Paso, fundado en 1.957 en Madrid, integrado por diversos artistas entre los que destacan Antoni Saura y Manolo Millares.

Saura elaboró una obra de carácter gestual con resonancias figurativas con las que alcanzó cotas de dramática, violenta y desgarrada expresión, como se puede ver en sus “Crucifixiones”. Millares con sus arpilleras rotas, sus trapos arrebujados, el grafismo tenue o el denso pigmento construyó una desoladora ruina y destrucción para hablarnos de una humanidad torturada.

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