Arte Contemporáneo

"Un paseo por las tendencias artísticas del Siglo XX"

INTRODUCCIÓN AL ARTE DEL SIGLO XX

Para comenzar haré una pequeña introducción antes de entrar en materia y hablaré brevemente de los antecedentes más inmediatos del arte del siglo XX, que comienza con el impresionismo ( por encuadrarlo en un movimiento artístico concreto).

La trayectoria del arte pictórico del siglo XIX está presidida por la preocupación por la luz, desde los encuadres luminosos vibrantes con que el Romanticismo acompaña su temática revolucionaria, hasta los poéticos paisajes de la escuela de Barbizón. En el último cuarto de siglo el Impresionismo culmina está tendencia de unir la luz y el color, inherente a toda la pintura occidental desde el Renacimiento, y afronta el problema de representar el paisaje con sus elementos fluctuantes, sus circunstancias atmosféricas, que varían de un momento al siguiente. Algunos de los precursores del Impresionismo, revolucionarios del arte en la época que vivieron, fueron por ejemplo:

• Botticeli (siglo XV, Florencia): técnica del claroscuro, que da la sensación de profundidad, un foco de luz dirige todas las sombras.

• Caravaggio (Barroco): es el primero que afronta la ruptura de luces y sombras, que representa gran dramatismo.

• En España: aparece el tenebrismo (fuerte contras entre luz y sombra); Rivera, Velázquez...

Gran parte de la pintura del siglo XX, va a representar dos dimensiones: la perspectiva y el punto de fuga, pero no lo hará simultáneamente porque no se puede. El impresionismo sigue el proceso inverso al renacimiento, va de la luz al objeto. Es un intento de acercarse a la visión real de las cosas, no como ya se sabe que son ( Luz - Color - objeto).

EL IMPRESIONISMO

Tengo que empezar diciendo que los títulos no dicen nada generalmente y este es el caso de Impresionismo, fruto de la fortuna, (aunque parece ser que el nombre lo dio un cuadro de Monet). A estos pintores se les etiqueta, sin su voluntad dentro del impresionismo. Este término se lo inventa un hombre que acudió a la exposición donde todos estos exhibieron sus obras.

El Impresionismo está encarnado por un grupo de pintores, que trabajaban en París entre 1860 y 1870, y que se reunieron por primera vez, como pintores independientes, en casa de un amigo fotógrafo. Estos artistas, englobados bajo el nombre de Impresionistas no formaban un grupo homogéneo. Solo tenían en común su pasión por el pintor Manet, la sala de exposición de sus obras y las características formales de este estilo pictórico.

Después de su exposición en la casa del fotógrafo, siguieron exhibiendo en un salón que se crearía más tarde y que se conocería como "El salón de los rechazados".

La diferencia de los impresionistas con algunos de los anteriores movimientos artísticos es que "Un pintor pinta de una manera determinada y por eso es impresionista, no por ser impresionista pinta así".

Los pintores se encontraban en cafés, junto con escritores y hablaban sobre pintura. Algunos de los impresionistas son: Monet (el verdadero impresionista); Pizarro (el más mayor); Renoir (sensible y sensual. Le gusta el volumen, el objeto); Sisley (de origen inglés); Gauguin; Cezanne ( padre de la pintura del siglo XX ) y Degas ( preocupaciones bastantes distintas del movimiento y el espacio). Las características comunes de estos pintores son:

• El rechazo a los salones académicos oficiales. Pintura nueva.

• Orientación realista ( realismo de retina, no de concepto, pintan lo que ven).

• Desinterés por el tema y preferencia por el paisaje. Esta característica era algo novedoso. Pintaban cualquier cosa, preferiblemente el paisaje porque buscan los cambios de luz y el color fuera del taller.

• Desprecio por la costumbre de pintar en el taller, disponiendo de modelo y comenzando por el dibujo y seguir con el claroscuro y coloreado. Los pintores impresionistas parten de la luz, que es la que crea el color y la que da los cambios, por eso trabajan al aire libre.

• Estudio de sombras de color y relación de los colores complementarios. Un color se resalta con la mezcla de los otros dos primarios. La luz junto con el color, impacta en el ojo mediante una forma o mancha , y esta mancha que está coloreada es la que lleva al lienzo y esto da el objeto ( Luz - color - mancha ).

• Pretenden afrontar directamente la realidad, sin ninguna perspectiva romántica, intentan llevar al lienzo lo que entra por la retina. Se abre camino a la investigación artística moderna.

• Problemas impresionistas: confunden la realidad con su apariencia. Al quedarse con la apariencia, el objeto queda en segundo lugar. Este realismo además tiene otro problema, porque como su preocupación es la luz, cogen temas muy imprecisos y vaporosos, donde más se noten las diferencias de luces, los brillos... Esto se debe a que se dan cuenta de que con su "fórmula" se llega al abstracto.

¿CÓMO PINTAN?

Pintan siguiendo la luz, técnica ágil y sin retoques, es rápida por su afán de captar la luz en un momento determinado, antes de que varíe. No utilizan el color negro para sombrear. En el impresionismo lo que interesa es captar la realidad tal y como llega a la retina y representarla. En resumen, los impresionistas captan el impacto directo de la luz sobre los objetos y lo llevan al cuadro.

PINTORES "IMPRESIONISTAS"

Monet: Por la forma en que Monet percibe la realidad, y posteriormente la lleva al lienzo, es impresionista. La aportación de este pintor, es que nos enseña a tener en cuenta todos los elementos que captamos por la retina y los analiza.

En sus cuadros se observa un realismo de retina y así lo representa. Esta manera de entender la pintura hace que confunda la realidad con su apariencia, porque pinta el objeto como está en la naturaleza.

Le interesa el juego de la luz y donde mejor se aprecia es pintando al aire libre, de ahí su preferencia por el paisaje como tema de sus cuadros. La realidad en Monet es similar a la que capta una cámara fotográfica.

Esta preocupación por la luz lo podemos comprobar si conocemos la serie que hizo de la catedral de Roue, la cual pintó cientoveinte veces con cientoveinte apariencias distintas. El móvil para hacer esto era captar la incidencia de la luz en la catedral, en distintos momentos del día. Consiste en captar el color en el momento preciso, dado que la luz es la que fomenta los colores.

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Degas: Todos los pintores como Degas comienzan haciendo pintura académica, pero van evolucionando hasta interesarse solo por la captación del movimiento (carreras de caballos, mujeres con diferentes gestos, la mujer cansada, bailarinas en las posturas más inverosímiles,...).

A Degas le interesa el movimiento, la relación de una pintura con su espacio. Su técnica es rápida, abofetada, pinta en pastel, no utiliza el óleo. No pinta en exteriores, sino bajo la luz de unas candilejas.

Pinta con frecuencia escenas de clases de danza. No hace un enfoque encuadrado, sino de esquina. Es un pintor sensorial, trata en sus obras estilos e influencias muy diferentes. Su técnica es impresionista, aunque no es un pintor de retina y sus preocupaciones son distintas que las de "los impresionistas natos".

Degas en sus cuadros hace un tratamiento especial a los personajes, los margina de un modo empírico. Coloca los personajes en un pequeño lado, en un margen al que hay que llegar atravesando un gran desierto, un vacío de formas... el ejemplo más representativo de esto es su cuadro de "Los borrachos".

Renoir: Era un hombre muy sensual, tratará en sus obras estilos e influencias muy diferentes. Continuamente está oscilando entre el impresionismo y otros estilos, (Velázquez - colores planos). En ocasiones mezcla en un mismo cuadro, diferentes técnicas. Renoir dice que con el impresionismo se pierden las formas y él no se resigna a perderlas, sin embargo a veces su pincelada es suelta. Otros de sus cuadros recuerdan a los cuadros de Delacroix.

Renoir explora el camino de las curvas. Le interesan los torsos desnudos de mujeres, para captar así el volumen. El tema que más se repite en sus cuadros son las bañistas, que progresivamente van adquiriendo más volumen y grosor en sus formas. Llega un momento en que Renoir desborda las grasas (tendencia Tizzianesca) . Marca muy bien el claroscuro ( estos cuadros no son exclusivamente impresionistas). Su serie de bañistas van adquiriendo una tendencia escultórica. Renoir es un hombre fogoso que no se contiene. Al final de su trayectoria se dedica a hacer escultura.

NEOIMPRESIONISMO, PUNTILLISMO O DIVISIONISMO

El promotor de este movimiento pictórico es Seurat (1859 - 1891). Ha pasado a la historia como filósofo y teórico.

Dice que el impresionismo nos deja sin objetos porque confunde apariencia y realidad. Quiere recuperar el objeto y se quiere beneficiar de los avances en pintura. Va a potenciar el color del impresionismo y a atacar en el sentido del objeto. El objeto se tiene que construir muy geométricamente.

Respecto al color Seurat dice que los colores se deben mezclar en el cuadro, no en la paleta y que estos se deben yuxtaponer en forma de puntitos. Descomponen el color en sus ingredientes y debe ser el ojo quien los funda. Si no existiese color el cuadro perdería realidad. Las figuras en Seurat son quietas e hieráticas.

Con este tipo de pintura se rompe con el Impresionismo. Se resaltan las formas, claras y perfectas para que el ojo las perciba. Estos cuadros dejan de ser al aire libre, se compone en taller y si se representa un exterior es porque se saca de los bocetos, hechos previamente. Son cuadros muy difíciles y pesados de hacer. El Neoimpresionismo es muy poco realista, las formas son muy abstractas, porque se buscan definiciones muy geométricas. Otro pintor Neoimpresionista es Signac ( pinta con el punto más grueso).

EL POST-IMPRESIONISMO

Con el Impresionismo se ha conseguido dar importancia al color, por lo que la pintura posterior podemos calificarla de muy colorista. Tenemos dos tipos de color:

El color representado por Gauguin. Él libera al color en su labor de ser local. Es un pintor aliado con la música Impresionista. El mismo dice que su pintura entra en una etapa musical. El segundo tipo de color es el expresivo, representado por Van Gogh. El color es bastante más local que en Gauguin.

PINTORES POST-IMPRESIONISTAS

Gauguin : Nace en París, en junio de 1848 y muere en una isla del Pacífico en 1903. En 1880 se encuentra con Pissarro, y éste le acerca al Impresionismo. En 1883 deja la Bolsa para dedicarse a la pintura. Posteriormente viajará a la Martinica, buscando lo exótico, para llevarlo a sus cuadros. Trabaja en el Canal de Panamá. En 1885 vuelve enfermo a Francia. Tras unos años de convivencia con Van Gogh y su hermano Teo, estando en Normandía decide irse a las islas Marquesas en el Pacífico.

Su primera etapa pictórica, está dentro de la pintura tradicional, pero su pintura va a ser de la lejanía. Cuando está en la isla de la Martinica pinta más la cercanía y los colores van tomando importancia en la pintura de Gauguin. Tras esta etapa de la Martinica, sus cuadros parecen ya esmaltes. Pasando por estas tres etapas de Gauguin, llegamos al verdadero Gauguin. Las figuras entre sí no guardan relación ni en espacio, ni en tamaño. Los colores pierden totalmente su localidad y sus planos.

El cuadro se comporta como una vidriera; esto es lo que se llama un SINTETISMO. Como los colores son planos y además están delimitados por una frontera, el sintetismo también se llama CROISSONISMO.

El cuadro se convierte en algo no realista, el color pretende evocar algo cálido y la pintura cobra musicalidad. Esto pertenece ya al verdadero Gauguin. En la etapa en que Gauguin y Van Gogh viven juntos hay cierta influencia de Gauguin en Van Gogh y viceversa.

A Gauguin no se le incluye entre los impresionistas porque por un lado hemos definido el Impresionismo como un realismo de retina y Gauguin dice que el Impresionismo es una tontería el no es impresionista. Por otro lado, el Impresionismo tiene un color local y Gauguin dice que el color tiene que ser libre, no local.

Lo fundamental para Gauguin no es el tema, sino el acorde mágico de los colores. Este pintor sabe muy bien que el color impacta; de ahí que le de tanta importancia al color, porque es capaz de sacar los sentimientos, la musicalidad,...

Gauguin critica a Van Gogh en cuanto a la musicalidad de los cuadros de éste segundo, porque es estridente y cortante (en contraposición a la suya que es armoniosa).

La realidad visible en este pintor en su etapa de mayor esplendor, consiste en convertir el cuadro en algo no realista, el color pretende evocar algo cálido y la realidad cobra musicalidad. Gauguin en cierto modo subjetiviza el color, los colores tienen un lenguaje y cada uno evoca un sentimiento.

Este pintor para resaltar la solemnidad de lo que esta pintando, sacrifica el movimiento de las figuras y les aporta rigidez e hieratismo. Gauguin rechaza radicalmente el realismo, hay que partir del espíritu, en sus cuadros el tema pierde importancia.

El mismo pintor escribía "La aspiración de querer reproducirlo todo sólo da origen a una pintura inferior. La impresión, en cambio, que se desprende de la simple distribución de colores, luces, y sombras es la música del cuadro".

Algunos de sus cuadros son:

"Las viejas de Arlés"; parece más un cuadro de Van Gogh que de Gauguin y ello se debe a que lo pintó en 1888, cuando vivía con este pintor en el Sur de Francia,

"La oración el huerto"; es un cuadro como autobiográfico. Se siente solo y de hecho lo está, porque ha abandonado a su familia (mujer y cuatro hijos).

"El autorretrato"; no hay realismo. Refleja rasgos físicos, que él mismo dice que son de sus antepasados.

En las islas Marquesas es donde empieza la verdadera pintura de Gauguin:

" La Anunciación"; el colorido tiene gran calidad. Es un cuadro extraño, pues la virgen (mujer exótica de las islas), sostiene ya al niño en el hombro.

"Tamatete" (El mercado); en él los colores van cambiando. Coloca algo en función del todo. Este cuadro recuerda a las figuras egipcias.

Gauguin utiliza la colores de un modo subjetivo, es decir, como él quiere. Juega con elementos subjetivos, pero que producen efectos objetivos. Por ejemplo: El color azul se coloque donde se coloque, siempre aleja; el rojo acerca; el amarillo y el naranja excitan; ...Los colores tiene un contenido que no sabemos porque, de una manera o de otra no influyen. Otro de sus cuadros es:

"Las flores rojas de los senos"; en él, el azul y el rojo resaltan. Se comporta como una vidriera. Tiene todo un festín de colores.

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Van Gogh: Los datos biográficos de este pintor son muy importantes, porque se reflejan en todas sus obras. Nace en Holanda en 1885 y muere en París en 1890. En sus cartas a su hermano Teo, se observa su existencia trágica. La presencia de Teo en la vida del pintor es muy importante, continua y alientadora a través de estas cartas.

Van Gogh viajará a Inglaterra e intenta ser predicador, quiere apostolar a la gente pobre, pero fracasa porque le faltaban conocimiento éticos. Van Gogh se entregó en cuerpo y alma a una sociedad minera, pobre y explotada. El obispo le destituye porque le considera demasiado impulsivo.

A raíz del color de un atardecer, Van Gogh decide ser pintor. En 1882 comienzan sus ensayos de pintura al aire libre. A partir de esos años comienzan ya sus trastornos psicológicos, aunque nunca estuvo del todo loco. Su obra se reduce a un periodo productivo de diez años.

Al principio su pintura es pastosa, oscura, clásica y utiliza la temática de los marginados. Sus primeros cuadros están cercanos al sentimiento de la gente, busca la expresión, recoge la miseria, la pobreza y la compasión, son retratos de gente campesina y pobre.

Cuando va a París y se encuentra con los impresionistas y aclara su paleta, de golpe su pintura cambia radicalmente. Pasará por etapas puntillistas, llegando hasta la expresión de un colorido exagerado. No distingue entre color y dibujo (predominan los colores luminosos, sobre todo el amarillo). El color es eminentemente expresivo por si solo, y sus cuadros están llenos de luminosidad. En su búsqueda por un mayor colorido, supera el impresionismo y el neoimpresionismo. No cree que sea conveniente, ni posible el color natural. La pintura japonesa influye mucho en Van Gogh, igual que había influido en Manet.

El realismo en la etapa más madura de Van Gogh, comienza cuando este pintor empieza a pintar las cosas como las siente, no como las ve. El pintor hace una pintura humanizada se mete en el cuadro. Si en un elemento de la naturaleza ve pasión, él mete pasión. Van Gogh: " El arte es el hombre agregado a la naturaleza, a la que él libera, como realidad, como verdad, pero también con una significación que el artista agrega al expresarla".

Sus autorretratos son muy numerosos, porque no tiene dinero para pagar modelos. En ellos aparece con la mirada fija, profunda y el ceño fruncido. Comienza la lucha autorrealizada de Van Gogh contra Van Gogh. En algunos de estos autorretratos, se pude apreciar la fuerza que crea el campo magnético alrededor de Van Gogh.

Su pincelada es cada vez más suelta. El pintor en una de sus cartas a su hermano Teo le dice así: "Quisiera pintar de manera que todo el que tenga ojos en la cara pueda ver, con toda claridad, un trabajo sin puntillismo, nada más que pinceladas cambiantes".

Su pintura va evolucionando, a la vez que su estado psicológico se va degradando más. Su pincelada cada vez es más suelta, nerviosa y expresiva. En otra ocasión escribe: "Las emociones que me sobrecogen delante de la naturaleza se exageran hasta el desmayo. Conozco instantes el entusiasmo se exalta hasta la locura o hasta la profecía."

En el Sur de Francia quiere organizar un consorcio de pintores y se va con Gauguin, pero en seguida se separan por diferencia de ideales. *Una vez pintó la silla de Gauguin y su silla. La primera, la de Gauguin, tenía colores trágicos, enigmáticos, arabescos, curvas, pintó el suelo como si fuese un mosaico. La suya en cambio, la pintó recia, colores lisos; amarillos y naranjas. Impregnó a las sillas de personalidad.

En esta etapa de su vida malvive con el dinero que su hermano Teo le puede mandar. Gauguin y Van gogh tienen una convivencia difícil y tensa, incluso en un arrebato de locura Van Gogh intenta acuchillar a Gauguin. Más tarde arrepentido, se cortará el lóbulo de la oreja.

En este periodo de su vida (Sur de Francia), es importante el tema del paisaje, la técnica varía continuamente en este pintor. Introduce cada vez más el tema del ciprés en sus cuadros (símbolo del silencio). Alguno de sus cuadros son:

• El campo segado, donde exalta el color amarillo. Es una etapa todavía muy serena.

• Retrato del cartero, al que Van Gogh transforma en un auténtico almirante. Van Gogh transforma todo lo que toca.

Cada vez, el cuadro va siendo más ancho que alto, la tierra se mete en el cielo y éste, cada vez se va a agitar más. Comienza su etapa más turbulenta, incluso él mismo se ve cada vez más degradado. En sus últimos cuadros, representa los cielos de pesadilla y oprime la tierra cada vez más ancha.

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Cezanne: De él van a arrancar los mayores movimientos artísticos del siglo XX. Tendrá una larga vida, nace en 1836 y muere en 1906. Tiene una buena formación, hace estudios clásicos y derecho. Viajará a París para iniciarse en la pintura, allí entrará en contacto con algunos pintores. Conocerá a los impresionistas a través de su amigo Zola (caso Dreiffus), y expondrá con ellos en 1877, fecha en la que consigue colocar sus cuadros en el Salón Oficial.

En 1886 su amistad con Zola se romperá a raíz de un libro que publica Zola. En esta obra el protagonista es un pintor fracasado y Cezanne se identifica con él.

Vivirá en los alrededores de París y en el Sur de Francia. Morirá de un síncope en una tormenta.

Al principio su pintura es pastosa. Luego su pintura pasará por una etapa, en la que la pasta se acomoda al volumen. Continuamente cambiará de técnica, hasta que consigue gran perfección.

Para él, el retorcer de los árboles , el refinar la expresión... es literatura. Hace una crítica a Van Gogh. Así escribe Cezanne refiriéndose a la pintura de Van Gogh " Si se quiere forzar a la naturaleza, a convertirse en expresión, retorciendo arboles y haciendo gesticular rocas, o bien se quiere refinar demasiado la expresión, todo esto sigue siendo literatura...". Para el pintor lo único verdadero son los colores: "No se debe representar la naturaleza sino realizarla, y ¿Con qué medio? Por medio de equivalentes cromáticos, estructuradores. Solo hay un camino para reproducirlo todo: El Color. El color - diría yo - es biológico: Sólo el da vida a las cosas". El color es biológico en Cezanne, solo él construye el cuadro de forma mental.

La pintura es solo una realización mediante el color de las sensaciones que reciben.

La realidad visual en Cezanne se puede entender si comprendemos esta afirmación que dijo el pintor: " Ojo y cerebro, deben prestarse un mutuo acuerdo". Cezanne tiene la capacidad de aunar lo mental con lo sensorial. Para él, lo único verdadero son los colores. Para el artista las percepciones coloreadas, se construyen mentalmente y se llevan al cuadro. La pintura es la realización, mediante le color de unas sensaciones que se reciben.

Cezanne dice: " No existe ninguna línea, no existe ningún modelado solo existen los contrastes (...) Modelar no es más que la exactitud en la relación de los matices cromáticos. Si están correctamente yuxtapuestos y están todos allí, el cuadro se modela por sí solo"

Para comprender la pintura de Cezanne, hay que mirar objetivamente y ver el mundo como un objeto, sin intervención del orden sentimental. Para Cezanne lo fundamental es pasar el impacto de un objeto en la retina y construirla en el lienzo. Su pintura es construcción. EL resultado de su método y su estética es armonía.

Cezanne igual que Van Gogh, supera el impresionismo. A este artista no le interesa el cambio de las cosas que provoca un impresionista. Quiere un arte monumental, como el de los clásicos, pero preservando la impresión en la imagen visual.

El esquema de su método, sería el siguiente:

• Sensación: Impacto primero de la imagen.

• Realizar: Adquirir o darse cuenta de.

• Construir: Solo con color puro y modulado.

Su arte solo se puede comprobar si se conocen algunos de sus cuadros y entre ellos tenemos:

"La esposa de Cezanne": Es una señora quieta, estable y sin embargo liviana, parece que flota. En este cuadro Cezanne busca el equilibrio de la figura humana. El verdadero equilibrio es que la figura esta viva y refleja tranquilidad.

Todo el cuadro es una construcción y la construcción es el tema.

"Paisaje": Cezanne no representa, copia. El cuadro está compuesto de formas geométricas y colores vivos. Son colores planos tan perfectamente colocados, que por si solos insinúan profundidad. Este pintor no mezcla los colores.

"Viejo sentado en una silla": Construcción geométrica (resalta la dignidad del campesino).

SIGLO XX

Este siglo se caracteriza por "una aceleración del cambio"; por un rechazo a la pintura del siglo XIX y porque todas las artes se convierten en lícitas e inmutables.

Uno de los movimientos artísticos pictóricos de comienzos de este siglo fue el Fauvismo.

FAUVISMO

Este movimiento no surge de una preocupación concreta y clara, buscan el color más fuerte. El fauvismo dura de 1905 a 1907, es efímero. Y se caracteriza por el entusiasmo y exuberancia del color (fuerte y chillón), por los temas: paisajes y bodegones y porque no es crítico ni agresivo.

El fauvismo nació de una exposición , donde se mostraron cuadros con mucho colorido, juveniles y fogosos. Alguien que fue a la presentación de estos cuadros les etiquetó de fieras y de ahí su nombre FAU. Una vez más, igual que paso con los impresionistas, se engloban varios pintores, heterogéneos donde los halla, bajo un mismo título.

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Matisse : Este pintor inaugura el fauvismo en 1905, pero solo es una etapa más de su pintura, porque también pasa por una época impresionista y otra puntillista.

Es posible que Matisse junto con Picasso sea uno de los mejores pintores del primer cuarto de siglo.

Este artista exalta la belleza con gran fuerza vital. Era un hombre muy refinado, que estudiaba minuciosamente a la mujer, a pesar de la deformación de ésta en sus cuadros. En una ocasión el pintor dijo: "Nunca pensé que mis creaciones fueran monstruos encantados, ni siquiera encantadores. A alguien que me dijo que era imposible que viera las mujeres tal como las representaba, le contesté: Si encontrara alguna parecida por la calle, huiría espantado. Antes que nada no estoy creando una mujer, sino que estoy pintando un cuadro".

Su filosofía la podríamos resumir con esta cuestión: "¿Para que queremos copias, si tenemos los originales?".

Matisse era un gran observador, que pintaba con gran libertad, superando el perjuicio de la realidad.

Una obra de arte no es percepción inmediata, se necesita conocimiento. Hay que analizar el arte poéticamente, como si el cuadro fueran juegos de metáfora. Nunca se pretende, al menos Matisse, hacer copias de la realidad.

El artista consigue el equilibrio perfecto de los colores en todos sus cuadros. Él logra que al combinar los colores, ninguno pierda importancia y pase a segundo plano. Juega con el color para dar lejanía o cercanía. El rojo acerca; el amarillo exalta; el azul y el verde, son pacíficos y alejan.

El dibujo en Matisse tiene una única medida. Cada dibujo está en proporción con el folio. El dibujo para Matisse era la comunicación del espíritu con el papel.

La carrera de Matisse va de pintar con técnicas más difíciles, evolucionando hacia lo sencillo. El camino que sigue por ejemplo: Pinta una realidad después de analizarla; primero con color y tonos, después capta la luz; más tarde a carboncillo y cuando conoce perfectamente la realidad, se limita a dejar la mano suelta y que dibuje el objeto solo con leves trazos.

Matisse es el pintor de la alegría y esto lo demuestra en sus cuadros. En cuanto a sus ideas estéticas, el trazo es lo más importante en sus dibujos.

Si la obra de arte está muy cerca de la realidad, tenemos un arte clónico, y si se aleja de ésta tenemos el abstraímo. Matisse se encuentra a camino de estas dos tendencias, entre lo objetivo y lo subjetivo.

Para el pintor la composición debe estar encaminada a la expresividad. Y según él "... la expresividad no reside en la pasión que está a punto de estallar en un rostro o que se afirmará por un movimiento violento (...)La composición no es más que el arte de disponer de manera decorativa, de los diversos elementos con los que un pintor cuenta para expresar sus sentimientos".

Comenzó con pintura marrón, bodegones, aunque poco a poco fue introduciendo su gusto por el colorido en pinturas sobrias. Cada vez más los dibujos van perdiendo realismo y la gama de colores es buenísima.