Este ensayo tiene como tema el surrealismo.

A lo largo del siglo XIX, los progresos técnicos, el desarrollo de la economía y el continuo avance de las ciencias habían forjado un tipo de sociedad occidental que se asentaba en una creencia que les parecía firme e inmutable: la fe en el progreso de la ciencia como elemento imprescindible un desarrollo humano que parecía ilimitado e incuestionable.

Sin embargo, las teorías de algunos pensadores y científicos como Nietzche, Einstein y Freud pusieron en cuestión la bondad del progreso basado en un desarrollo incontrolado de la técnica, la validez de principios éticos y morales no cuestionados hasta el momento y la importancia de la parte no racional de la persona, quebrando con ello la confianza y la seguridad de las hasta aquel momento optimistas sociedades de Occidente.

Los malos presagios que auguraban que el desarrollo de la tecnología no tenía por qué ir necesariamente ligado al progreso y bienestar se confirmaron plenamente en el período 1.914 - 1.918, durante la cual una espantosa guerra sembró el horror y la muerte por todo el continente europeo.

Tras la guerra, nació un mundo distinto. Por un lado, la URSS, Italia, Alemania y, en menor medida, otros países, vieron nacer y esarrollarse filosofías que dieron lugar al establecimiento de regímenes autoritarios; por otro, el sistema capitalista, basado en la iniciativa privada y la inhibición del Estado en la economía, entró en profunda crisis con sus secuelas de paro y miseria, y por último, el sistema democrático sufrió un cierto desprestigio al ser incapaz de garantizar seguridad y bienestar. Todos estos profundos cambios no fueron ajenos al mundo del arte.

A partir de entonces, el artista, en buena medida racionalista, academicista y confiado, dejó su lugar a otro con inquietudes distintas, más escéptico y receloso ante un porvenir incierto e inquietante.

El nuevo artista reniega de la misión que hasta ese momento realizaban sus colegas: la de plasmar la realidad. Lo que le interesa, por el contrario, es trasladar a sus lienzos o a la piedra sus inquietudes, su visión del mundo, sus sueños. En definitiva, el artista dejó de ser un fiel transmisor de lo que veía para convertirse en un creador.

Aunque surgieron movimientos de índole diversa, todos tenían un denominador común: la convicción de que el arte debía encontrar nuevos derroteros, liberarse de normas y formalismos pasados y de ser el resultado de las vivencias e inquietudes de cada autor. A estos movimientos se les conoce como vanguardias del siglo XX. Uno de ellos es el surrealismo.

El surrealismo nació oficialmente en 1.924, con la publicación del "Manifiesto del surrealismo", obra del escritor francés André Bretón. Aunque el propio Bretón lo llegó anegar, el surrealismo, que no sólo abarca el arte sino también la literatura, el cine (un perro andaluz, de Buñuel), la fotografía... Nació estrechamente ligado al movimiento dadaísta. Surgido tras la I Guerra Mundial y con una decidida orientación nihilista, el dadaísmo significó ante todo una abierta manifestación contra toda forma de arte tradicional, y llegó incluso al rechazo de cualquier forma de arte producida por formas convencionales... Y en este punto de rechazo y ruptura con el pasado se entronca con el surrealismo.

La diferencia está en que el surrealismo sustituyó el nihilismo dadaísta por una experimentación científica, con ayuda de la filosofía y la psicología. Esta conexión entre ambos movimientos explica que muchos de los componentes del dadaísmo (Ernst, Arp, Picabia, Ray) se adhiriesen posteriormente al surrealismo y que muchas obras se puedan encuadrar perfectamente en ambos movimientos.

El surrealismo fue definido por el propio Bretón como "automatismo psíquico puro, por el cual se propone expresar verbalmente, por escrito, o bien de otra manera, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de cualquier preocupación estética o moral".

El impacto que causó en los medios intelectuales de la época no fue inferior al escándalo provocado por el dadaísmo. Los surrealistas criticaban la pérdida de la libertad en los creadores, debida a que el pragmatismo, la rutina, el peso de la educación, "las buenas maneras" coarten al individuo de tal manera que no es necesario que exista una coacción física: la propia autocensura se encarga de limitar la capacidad de creación del individuo al no ser capaz de romper sus ataduras y dejar que la imaginación vague sin lazos ni trabas de clase alguna.

El creador es, pues, un alienado de la sociedad, de la que sólo puede librarse mediante la exaltación de lo irracional, de la locura, del sueño; es decir, mediante la oposición de "otro mundo" al establecido y dominado por las clases dirigentes. Es esta la razón por la que algunos surrealistas se adhieren al marxismo, pues piensan que es el instrumento capaz de destruir el orden social y crear una nueva sociedad.

En el primer "Manifiesto del surrealismo", la pintura apenas fue objeto de atención. De hecho, los pintores que más tarde se integraron en el grupo mantuvieron, en principio, una cierta distancia, recelosos de perder su independencia. En 1.927, aparecieron una serie de artículos de Bretón con el título de "Surrealismo y pintura", en los que trataba de las vías por las que el pintor conseguía adentrarse en el mundo surrealista: la vía del automatismo y la del mundo de los sueños. Automatismo significaba para los surrealistas el mecanismo por el que las ideas y las asociaciones de imágenes surgían al exterior a través de la palabra, la escritura o la imagen de manera rápida, espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. Así aparecieron diferentes técnicas en el campo de las artes visuales como el collage, los fotomontajes y el frottage (procedimiento por el cual se pasa un lápiz sobre el lienzo extendido sobre una superficie rugosa), cuyos resultados eran la aparición de un conjunto de imágenes yuxtapuestas, en apariencia faltas de sentido. En cuanto a la vía de la exploración onírica, no se trataba del estudio de símbolos de los sueños, sino de la plasmación de imágenes oníricas, que podían proceder de sueños diferentes o podían recordarnos tan solo ciertas características de los mismos.

Cuadros que emergen de lo más profundo del alma. Si en Alemania a principio de los años 20 surgió una pintura comprometida y crítica con la sociedad a partir del dadaísmo, en Francia los artistas emplearon el principio dadaísta de lo ilógico, irracional y casual de su pintura para penetrar en los campos del inconsciente.

También ellos dejaron de creer en la realidad visual y se dedicaron a la búsqueda de una realidad universal “surrealidad”

(“Sur” francés para “sobre”).

Los surrealistas recibieron fuertes impulsos por parte del psicoanálisis desarrollado por simund freud. Las investigaciones de freud sobre los sueños demostraron que la mayor parte de nuestra psique es comparable a un iceberg que flota en el abismo de nuestro inconsciente y que tanto el pensamiento, como el sentimiento y el comportamiento del ser humano vienen determinados por fuerzas desconocidas. Los artistas quisieron penetrar con toda profundidad en este terreno que hasta entonces era completamente desconocido. Puesto que el inconsciente se manifiesta sobre todo en los sueños y en los estadios de trance, los surrealistas concedieron un importante significado al mundo de los sueños. Bretón también declaro, y con ello se hizo responsable del el nombre de movimiento, lo siguiente “ creo en la futura disolución del sueño y la realidad, circunstancias que en un principio parecen tan diferentes, en una especie de, si se quiere, superrealismo.”

La convicción de que junto al mundo real coexisten muchos ámbitos experimentales reprimidos que había que invocar mediante sueños, alucinaciones o sugestiones, unió intelectualmente a un grupo internacional de artistas, tanto artistas plásticos como escritores.

La complejidad del movimiento surrealista, que más que una doctrina o escuela era una toma de postura frente a la realidad que les tocó vivir, explica la variedad de estilos. Los hubo que se inclinaron por un surrealismo figurativo (Ernest, Dalí, Magritte, Delvaux), mientras otros como Masson, Miró y Tanguy optaron por la abstracción, también la famosa mexicana Frida Kahlo, por solo nombrar unos pocos. DE una forma totalmente diferenciada entre sí indagaron artísticamente el “ superrealismo”; no obstante, siempre trataron de poner la realidad espiritual en el lugar del mundo real. Mientras que una fracción se ocupo de describir las cosas y los sueños, reproduciendo un universo absurdo repleto de alucinaciones, otros artistas se dedicaron a plasmar un proceso de creación que no estaba guiado por el consciente.

Los pintores Giorgio de chirico y Salvador Dalí intentaron atravesar los procesos mentales guiados por el consciente mediante un irritante mundo pictórico impregnado de tensión, diseñados en estilo realista cuadros completamente irreales. De Chirico denomino su obra, en las que parecían reinar fuerzas sobre naturales, “arte metafísico”. Los surrealista deben sus mágicos cuadros enigmáticos, que de Chirico había pintado en la primera década del siglo, a unos impulsos decididos.

Los cuadros de dalí aparecen visiones y sueños repletos de signos y códigos inexplicables arrastrados a la luz del día que afectan al espectador en un nivel de percepción que esta mas allá de cualquier tipo de lógica y concepción racional del mundo. Dalí que afirmaba de sus cuadros que eran “ fotografías de sueños pintadas a mano”, pertenece al grupo de los denominados “ surrealistas ilusionistas”( o veristas).

La alineación del mundo material abre al espectador el camino a niveles del consciente más profundos y a una realidad detrás de la realidad visual.

Tambien el belga René Magritte realizo un analisis de la realidad. No obstante, el se guía por un principio totalmente diferente; no quería evocar lo familiar que sé había reprimido al mundo del inconsciente mediante imágenes visionarias y traumáticas, sino que deseaba descubrir lo extraño dentro de lo tradicional “ con demasiada frecuencia existe la costumbre de relacionar lo extraño con lo familiar mediante una sugestión mental” declaro en una ocasión. Con unos cuadros sutiles quería alcanzar justamente lo contrario “ me esfuerzo por reintegrar lo familiar en lo extraño”. Su cuadro el imperio de las luces provoca irritación al contemplarlo mas detenidamente: sobre un paisaje nocturno con una casa iluminada se observa un resplandeciente cielo veraniego. El día y la noche están entrelazados tan naturalmente que la contradicción toma la apariencia de la realidad. Con la peculiar afirmación del cuadro, el espectador se pregunta porque la realidad es tal y como es y no de otra manera.

Magritte comenzó a principios de los años 20, influenciado por el surrealismo, a demostrar intensamente en sus cuadros las diferencias entre el arte y la realidad. Con continuas ideas nuevas, quería desencadenar un proceso de reflexión en los espectadores, en cuyo final se encontraba una comprensión del mundo diferente, como por ejemplo en su famosa representación d una pipa bajo la que escribió “Esto no es una pipa”(sino solo la imagen de una pipa).

Para Magritte la pintura era en primer lugar un arte de reflexión. Con sus desconcertantes cuadros, el pintor llevó a la conciencia la relación entre l aparente y lo real, ente la imagen y la reproducción. Esta concepción fue recogida de nuevo por los artistas de los años 60. Cuando Jaspear Johns

Titulo un cuadro que mostraba la bandera americana (¿ es una bandera o una pintura?).

La alineación del mundo material, ya sea mediante el superrealismo de Salvador Dalì, o a través de los cuadros para reflexionar de Magritte, solo son unas pocas de las muchas posibilidades que ofrecían de penetrar en las capas mas profundas del inconsciente. Otras de las posibilidades que tomaron en consideración los pintores fue la de dejar vía libre al mundo de la imaginación. Max Ernest fue uno de los principales pintores que hizo uso de esta concepción; Fue uno de los surrealistas que más experimento y empleo técnicas como el frottage, el grattage o la calcomanía, que le permitieron crear estructuras abstractas que en un principio no reprecentaban nada, pero que inducían, como las nubes, a ver cosas en ellas. Con frecuencia se dejo inspirar por estructuras que había creado por casualidad, de las que posteriormente extraerían sus motivos. Este procedimiento es conocido gracias al “Test de Rohrschach” del mundo de la psicologia: También aquí la interpretación material de una mancha de tinta debe proporcionar información tanto sobre los pensamientos como sobre los sentimiento oculto en el inconsciente.

Otro de los procedimientos, muy parecidos a este ultimo, para eliminar al máximo el consciente durante el procedimiento pictórico es el automatismo psíquico, en el que los pintores dejan fluir con toda libertad sus pensamientos y su forma de pintar. Este proceso de creación no dirigido por la conciencia les pareció a los surrealistas un camino valido para transportar las imagenes de las profundidades del inconsciente sobre el lienzo o el papel y sin ningún tipo de filtros. Esta técnica fue recuperada en los años 40 y 50 por los pintores informales y desarrollada por Jack Pollock en forma de “pintura en acción”.

Las figuraciones de los gestos escritas “automáticamente” son la documentación y la plasmación de las disposiciones psíquicas y a su vez en un campo de asociación del espectador.

Aunque los trabajos de Joan Miró están sometidos a reflexiones contextuales, también deben contemplarce como juegos de la fantasía. Influido por el arte folklórico catalán, este artista dibujo en sus obras posteriores abreviaciones poéticas de formas sugestivas y colores variados que escondían una gran cantidad de significados. Sus cuadros que flotan entre la figuración y la abstracción, y sus oscilantes líneas, estrellas, círculos y soles incitan a fantasear y estimular la imaginación, Los trabajos de miró se parecen a los cuadros abstractos de Kandinsky.

También Miró deseaba “ mover el alma del espectador”.

La investigación surrealista de las profundidades del alma tuvo que llevarce acabo obligatoriamente de forma personal. Los surrealistas, a excepción de algunos pocos, no expusieron directamente en su obra los acontecimientos políticos europeos ( el nacional socialismo en Alemania, o el fascismo en España e Italia y finalmente la segunda guerra mundial).

Su posición política se manifestó en su posición defensiva: justamente su decisión hacia lo interno puede conciderarce como una negación critica de un mundo que se está destruyendo a sí mimo y que es plenamente consciente de ello.

La producción artística en Alemania había disminuido considerablemente a causa de la guerra y de las acciones de “limpieza del arte” llevadas a cabo por los nacionalistas. La exposición “arte degenerado” realizada por los nazi en Munich en 1937 allanó el camino para una encarnizada compañía difamatoria contra todos los artistas modernos y vanguardistas que no seguían el pseudorrealismo embellecedor de la doctrina artística de los nacionalistas. Las obra de los artistas contemporáneos más importantes fueron retiradas de los museos, destruidas o vendidas al extranjero. A los artistas difamados se les prohibió pintar y se les persiguió, situacione que obligo a muchos a inmigrar. Puesto que un gran numero de artistas huyo a los Estados Unidos, Nueva York se convirtió en los 40 en el punto de encuentro artístico; muchos surrealistas se volvieron a encontrar ahí. A pesar de que a principios de los 40 el surrealismo ya había superado su punto culminante, consiguió proporcionar al desarrollo artístico fomentado justo después de la prosguerra un impulso imprescindible.

Salvador Dalí creó un método propio que denominó "crítico paranoico" para "materializar las imágenes de la irracionalidad concreta". En sus obras, dotadas de una técnica extraordinaria gracias a la calidad del dibujo y el color, abunda la mezcla de detalles provenientes de la observación de la realidad con otros originados por los sueños. El resultado es un conjunto de imágenes delirantes, a veces desagradables, enigmáticas o escatológicas ("El gran masturbador", "La persistencia de la memoria").

Max Ernst, llegó al surrealismo procedente del expresionismo y el dadaismo. Su pintura, muy influenciada por De Chirico, sobre todo en lo que se refiere a la estructura y tratamiento de la luz, fría e intensa, es laque mejor representa las imágenes inquietantes del surrealismo. Fue capaz de crear un mundo alucinante, alternativo a lo cotidiano (Napoleón en el desierto); todo ello, junto a su trabajo de investigación y búsqueda de nuevas técnicas, le convierten, posiblemente, en el mejor representante del surrealismo.

René Magritte pintó obras capaces de producir un fuerte impacto visual, en las que aparecen asociaciones de imágenes desconcertantes, como en el cuadro "La isla del tesoro", en el que unas palomas con el cuerpo de vegetal y raíces clavadas en tierra simbolizan el angustioso contrasentido de la naturaleza humana.

André Masson basó su obra en la liberación total de la acción de pintar, dejando que el fluido de gestos y trazos fuese totalmente espontáneo sin intervención alguna de la mente. Fue el creador de dibujos sobre arena, consistente en rociar arena sobre un lienzo en el que se había extendido de manera aleatoria cola de pegar. Tras arrojar la arena sobre el lienzo, se agitaba y la arena quedaba adherida a la cola formando imágenes que luego el pintor completaba (Las constelaciones).

Joan Miró se unió al surrealismo después de haber experimentado en el modernismo, fauvismo y cubismo. Su carácter le fue conduciendo hacia un tipo de pintura muy personal en la que crea un mundo propio de colores vivos y figuras cada vez más esquematizadas que aparecen trasladarse por el lienzo, a imagen y semejanza de un microcosmos (El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados).

Ives Tanguy recreó en sus obras un mundo inquietante, poblado de formas en las que algunos de sus críticos han querido ver evocaciones gráficas de la teoría de la evolución. En su cuadro "Cita de las paralelas", el pintor nos representa un paisaje desolado y misterioso en el que abundan minerales y huesos que sorprenden e impactan al espectador