Steven Spielberg.

Steven Spielberg. Creador innato.

Más que un director, Spielberg es un creador industrial de productos culturales, un gran mago de las finanzas en la figura de un director de cine, que, abarca, cualquier tipo de género cinematográfico, y alterna producciones "escapistas" -por utilizar un término que los críticos emplean - con otras más cercanas a sus pretensiones artísticas e intelectuales. Los críticos diferencian esas dos venas artísticas de Spielberg, una creada explícitamente para la taquilla y otra para la artística, pero es harto dificultoso separar una cosa de la otra en Spielberg, pues se fusionan irremisiblemente en toda su filmografía; E.T. fue rodada con pretensiones inequívocamente artísticas y personales por su director, el resultado fue todo un taquillazo, por otra parte, Tiburón fue un encargo de la universal y Spielberg así lo asumió, el resultado fue el reflejo de los miedos infantiles del director de La lista de Schilnder y una de las mejores películas de los últimos veinticinco años.

Esa doble vertiente, producción industrial-pretensiones artísticas caracterizan toda la vida filmográfica de Spielberg de director y productor, siendo la primera, la de rentabilidad económica la que ha denotado toda la obra Spielbergiana, un creador que todo en lo que participa lleva su sello de marca de forma irremisible.

Se puede decir que Spielberg es un director de cine innato, nacida para el cine y una de las pocas personas en el mundo que ha logrado desarrollar la faceta para la que ha nacido con un don, es como esos futbolistas que tienen la genialidad en su sangre, Spielberg es uno de esos futbolistas tiene una capacidad innata para crear cine, para descubrir la imagen y narrar historias con factores explícitamente cinematográficos, la imagen y la música.

Tampoco quiere decir que aproveche esas facultades innatas, la mayoría de sus artefactos son brillantes técnicamente pero tienen escaso fondo artístico, intelectual y humano.

Las inquietudes de Spielberg

Steven Spielberg nació el 18 de noviembre de 1947 en Cincinnati (Ohaio), siendo el hijo mayor de Arnold, ingeniero electricista y de una concertista de piano. Así que la familia Spielberg era una familia acomodada.

Educado en la religión judía, el niño Spielberg fue testigo de cómo poco a poco el matrimonio de sus padres iba desmoronándose, pues cada de ellos se iba cerrando en torno a un círculo de amistades. El resto de su familia se componía de tres hermanas menores que él, siendo el único varón de los hijos, cosa que, aunada a las riñas de sus padres, contribuyó al hecho de que este pasara muchos de sus días de niño aislado forjándose progresivamente un mundo propio.

De esta manera se crea el mundo Spielbergiano que marcará toda su obra productiva a lo argo de los años y que se prolonga hasta ahora, la creación artística de mundos maravillosos ajenos a la realidad, de ahí, que entre sus objetivos e inquietudes no estén el reflejo de los problemas determinados de una sociedad o del conjunto del ser humano y que la figura de Spielberg no halla llegado a ser un diseccionador de sentir del ser humano o de una sociedad concreta como la son o hayan podido ser Ford, Lean, Bresson, Antonioni... ( Por citar algunos directores a los que Spielberg considera como un ejemplo para él), volviendo a la consideración anterior Spielberg queda marcado por su infancia acomodada y triste obsesionándose con la construcción de mundos maravillosos, espectaculares cercanos más a las Caricaturas y al circo que al ser humano y la vida real ( aunque no debemos olvidar la naturaleza onírica del cine.

Creo que decidí hacer cine por varias razones. La primera de ellas es que mi padre solía hacer camping cuando yo era pequeño, y en vez de dormir en moteles dormíamos en tiendas de campaña o en sacos de dormir bajo las estrellas en medio del campo... mi padre se compró un equipo de cine familiar y empezó a hacernos películas, pero era muy malo filmando; La cámara temblaba en sus manos... entonces me nombré cámara de la familia,... mis primeras películas fueron filmaciones de todos los viajes de al familia... Así es comencé haciendo cine, como hobby, y pasándolo muy bien. Luego hay una segunda razón, y es que yo tenía un tren eléctrico maravilloso; en realidad era el único verdadero juguete que tenía. Me gustaba hacer chocar los trenes, éstos se rompían con frecuencia... hasta que un día entró mi padre en mi habitación y me dijo que si volvía a romper los trenes no me compraría nunca más piezas nuevas ni me los arreglaría. Entonces decidí rodar la escena del choque con la cámara familiar de 8mm. Entonces rodé la escena del choque don las dos locomotoras avanzando una frente a otra, y cuando terminé la película la terminé y la vi era fantástica, era como una película de verdad, con un choque de trenes de verdad. Allí es cuando creo que decidí a hacer cine dramático( Entrevista a Steven Spielberg. David Kaufmann.1989).

Queda claro entonces como surgió la relación de Spìelberg con el cine, siendo más una relación de necesidad que fortuita. En la más tierna infancia Spielberg conoció su verdadera vocación y se forjaba así el nacimiento de un niño prodigio del cine - más por sus dotes innatas que por el posterior aprendizaje de todo lo relacionado con la escritura cinematográfica - y de uno de los mejores artista en términos explícitamente comerciales.

Steven Spielberg es, ahora, un claro ejemplo de un "artista" educado por la televisión, es una "víctima" adulta de la televisión y el cine, el propio Spielberg ha indicado la influencia de la televisión en su infancia y es, por tanto, uno tantos que ha sufrido en sus carnes la aculturización

Promovida por la televisión y de la transformación de la obra de arte e obra mercantil, convirtiéndose el mismo en uno de los grandes exponentes de la última.

Spielberg era un niño que apenas leía con una portentosa imaginación, el resultado es una fuerza creativa impresionante pero vacía de contenidos y pronunciadamente unidireccional y plana.

Shils calificaba a la cultura popular - reproducida por lo medios de comunicación- como "mediocre" y "brutal", pues bien, Spielberg eligió ese tipo de cultura para conducir su mundo propio y su creatividad, produciéndose un círculo vicioso de producción.aprehenderización.

Otro factor determinante para clarificar las bases sobre las que se sustenta la obra de Spielberg es sus primeros aprendizajes directos de cine, bebiendo de la cultura" Disney" con frecuencia y olvidando y desechando otro tipo de cine y -por no decir de la literatura no ya elitista sino popular-. Factores que producen el futuro un director de cine alejado de los intelectuales como Scorsese, Coppola, Antonioni o Kubrick pero sin lugar a dudas un creador de "cultura" a la que no tildaría ni de nefasta o de pseudocultura.

Tengo que aclarar que Walt Disney fue mi única experiencia cinematográfica mientras fui niño. En mi infancia las únicas permitidas eran las de Walt Disney y el mago de oz. Recuerdo con claridad que la primera vez que lloré en el cine fue con fantasía, y también con Blancanieves y los siete enanitos; Bambi vino después... (Entrevista a S.Spielberg.David Kaufman.1989)

Disney se erige así en modelo a seguir por Spielberg produciéndole una especie de atrofia cultural, no por considerar Disney como un artefacto creador de basura y de amalgamación de la sociedad sino por la falta de recursos intelectuales que sufrió Spielgerg, no veía otro tipo de películas ni leía libros.

El joven Spielberg ya desarrolló un fuerte rechazó de la escuela; su convencimiento total de ser cineasta y su maracada introversión le obligaban a desdeñar desde un primer momento todo lo relacionado con la escuela.

Ansioso de plasmar toda la creatividad e imaginación que agolpaba en su interioren 1959 Spielberg rueda su primera película a los doce años(!). Se trataba de un western titulado The Last Gun. Su siguiente filme lo rodaría en 1961y llevaba por título Escape to Nowhere. Duraba cuarenta minutos y estaba ambientado en la segunda guerra mundial, la película sirvió como ejercicio de entrenamiento para su posterior filme Battle Squad (1961), que Steve consideraba por entonces su aportación definitiva a la historia del cine bélico y que fue rodada con la ayuda de sus compañeros de colegio.

Pero fue en 1963 cuando realizó en 1963 cuando realizó su película independiente más importante titulada Fireligth con un guión de ciento cuarenta páginas. La duración final fue 140 minutos, su presupuesto fue 500 dólares y recaudó 600.

Al año siguiente se produce un hecho doloroso para Spielberg, el divorcio de sus padres. Posteriormente parte a Loa Ángeles siendo rechazado en la " University Of Soutern California", donde cursaban estudios de cine jóvenes como George Lucas, John Milius o John Carpenter. Ingresara en el "Long Beach State Colege" donde debería haber estudiado la carrera de letras, pero su preocupación y sus anhelos van encaminados hacia el mundo del cine, reapareciendo así su desdén por la literatura y todo a lo cercano a lo intelectual.

En 1967 Dennis Hoffmann le produce "Amblin". , Un cortometraje premiada en el festival de cine de Atlanta y en e de Venecia.

El año siguiente, Steven Spielberg es contratado por los estudios "Universal" como director de programas televisivos.

En televisión, sus trabajos más importantes fueron: el telefilme eyes , el episodio piloto de la serie Ros Serling titulado Night Gallery y varios episodios de la serie Colombo.

La experiencia en la televisión le sirvió para conocer todas las técnicas televisivas que más tarde aplicaría a sus filmes más recientes. Spielberg se une así a la larga lista de directores de EE.UU. que se forman y foguean en la televisión: William Friedkin, John Frankenheimer, Sam Peckimpah, Robert Mullligan Arthur Penn, Martin Ritt, George Roy Hill...

Más tarde abordaremos la importancia de la televisión la obra de Spielberg, en factura técnica como en línea argumental y de puesta en escena.

La verdadera carrera cinematográfica de Spielberg, se inicia el 1 de noviembre 1971, con el estreno del telefilme "duel", que trata de la persecución a muerte de un vulgar e inofensivo conductor por parte de un monstruoso camión. El filme arrojó un coste de 400.000 dólares y fue todo un éxito de crítica y taquilla, fue acreedora del gran premio en el festival de cine fantástico de Avoriaz y del premio Gariddi de oro a la mejor ópera prima en el festival de Taormina.

En 1973,su segunda película, "loca evasión" resulta todo un fracaso económico, a pesar de recibir el premio al mejor guión original en el festival de Cannes..

Pero fue en el año 1975, cuando Steven Spielberg se hizo famoso en el mundo, al filmar, en mi opinión, una de las mejores películas de suspense y terror: Tiburón.

Con Tiburón nace el Spielberg que todo el mundo conoce, el director-caja registradora, el rey Midas de Hollywood, el único nombre de director de cine que todo el mundo conoce.

En los años 70 nace en Hollywoood el efecto Blockbuster "supertaquillazo" siendo Spielberg el precursor de tal efecto, pero también otros directores contribuyen a ello, William Friedkin (The french connection, El Exorcista), George Lucas(la guerra de las galaxias), Francis Ford Coppola(El Padrino).

De esta manera nacen las superproducciones destinadas a conseguir una alta rentabilidad en la taquilla anteponiendo los interese económicos a lo artístico.

Así que nos asalta una pregunta, ¿fue Spielberg quién relanzó la maltrecha industria Hollywoodiense o fue Hollywood quién creo a Spielberg?.

Hollywood se aprovechó de Spielberg y Spielberg triunfó gracias a Hollywood.

Hollywood conseguía salir de las crisis en que se veía sometida desde la desaparición de los grandes estudios.

Pero es necesario indagar en las causas del nacimiento de la producción de películas blockbuster:

Norteamérica sufre a mediados de los años cincuenta y durante todos los 60 la traumática desestructuración del sistema institucional (cuyo emblema podría situarse en el cierre de la R.K.O. EN 1957) tanto por su papel en la conformación del mismo como porque en su territorio se hacen sentir ante las razones externas e internas de su disolución, de la competencia de la televisión a la ruptura de los códigos de censura pasando por el descubrimiento y éxito de la producción independiente frente al fracaso de las grandes superproducciones o la política de imposiciones que mantenían la nuevas y viejas estrellas( Burt Lancaster, Douglas Sirk, John Gardfield, Marlon Brando, James Dean, Marilyn Monroe) provocó una profunda crisis en el sistema de estudios que simplemente ya no funcionaba e impedía la irrupción de nuevas olas y soluciones cinematográficas. Así que el exponencial aumento de los costes y los riesgos; el trasvase de público a las nuevas formas de entretenimiento; la continua reorganización empresarial y financiera certifican la muerte del viejo sistema de producción Hollywoodiense. Se produce la compra de los estudios por parte de las transnacionales de la comunicación y el entretenimiento; la mecanización de la producción ( de las series televisivas, secuelas y ramakes); la perdida autoral de las películas; el abandono de la producción y la asunción del control absoluto de los "productores independientes" a través de la distribución y exhibición.

La industria absorbe a la cultura cinematográfica que se regirá por la lógica capitalista aunque progresivamente los autores que se desarrollas en esa coyuntura hayan querido con posterioridad desmarcarse de esa lógica de producción.

La renovación económica toma como base el entretenimiento y para ello absorbe una nueva hornada de directores(Hiller, Spielberg, Lucas; Friedkin, De Palma, Donner, Hooper, Scott, Parker) aunque tampoco desdeñe autores con marcadas pretensiones intelectuales y artísticas( Altman, Coppola, Polanski, Cimino, Bogdanovich, Scorsese, Schrader, Allen, Eastwood).

Así que Spielberg obtiene su primer éxito con Tiburón en una industria acomodada a la política capitalista de producción.

Tiburón arrojó un coste de diez millones de dólares, la mayor parte destinados a la fabricación de tres escualos mecánicos, los actores no eran estrellas evitando así costes imposibles. La política de promoción fue muy importante, Verna Fields -montadora del film, Peter Benchley -guionista y escritor de la novela en la que se basaba el film, Y David Brown y Richard D. Zannuck se embarcaron en gira por toda la nación para promocionar lo que el departamenro de publicidad de la universal llamó "la toma de conciencia de Tiburón". La campaña publicitaria en la radio y televisión estaba especialmente bien ideada y enfatizaba continuamnete el hecho de que, a diferencia de El exorcista y películas similares de los setenta, Tiburón trataba sobre el terror real.

Estos anuncios se hicieron famosos por el slogan, en aquel entonces pegadizo y espeluznante: "Ninguna de las fantasías humanas sobre el mal se puede comparar con la realidad de Tiburón. La película tuvo un asombroso presupuesto de promoción de más de dos millones y medio de dólares e inició una tendencia que más adelante empezaría a formar parte de la comercialización de futuros grandes éxitos como La guerra de las galaxias, Encuentros en la tercera fase y Superman.

Coincidiendo con el estreno de la película, se comercializaron y vendieron millones de productos de relacionados con la película.

Finalmente la película se estrenó en Estados Unidos el 17 de Junio de 1975 convirtiéndose en la más taquillera de la historia. Comenzaba entonces la era Spielberg.

Tras el triunfo de taquilla y crítica Spielberg se embarca en la realización de una de sus películas más ambiciosas y personales, Encuentros en la tercera fase, donde Spielberg muestra por primera vez sus inquietudes morales, éticas e intelectuales. La cuarta película de Spielberg funcionó bien en taquilla alcanzó lo 40 millones de dólares pero no logró los espectaculares resultados de su anterior filme.

El rotundo fracaso de su siguiente película 1941, una parodia del cine bélico y del ataque de Pearl Harbor, provocó una reacomodación de Spielberg en la industria, ha partir del estrepitoso fracaso de 1941, Spielberg pensaría con mucho más detenimiento sus próximos proyectos. A partir de 1979 Spielberg toma conciencia de la primordial necesidad de triunfar en taquilla para acomodarse en una industria que apenas permite fracasos.

El presupuesto de la película se fue disparando durante el rodaje y la Columbia se unió a la Universal para hacer frente a la gran inversión que al final, sin llegar a saberse con exactitud, se estima en 27 millones de dólares. Spielberg ha afirmado en más de una ocasión que el proyecto se le escapó, literalmente, de las manos. De haberla hecho más sencilla y barata, hubiese sido mejor película. La película me dirigió a mí, no fui yo quién dirigió la película".

Se estrenó en Diciembre de 1979 y a pesar de que llegaría recaudar la nada despreciable cifra de 42 millones de dólares el alto coste de producción hizo que resultase un fracaso económico que le obligaría a reeditar Encuentros en la tercera fase para reestrenarla y así suavizar los efectos de los resultados en taquilla de su parodia bélica.

Como ya he comentado desde 1979 Spielberg opta por proyectos mucho menos arriesgados y tras crear su propia productora, Amblin, comienza a producir productos clónicos a los suyos y a empapar con su estilo a decenas de directores que se convierten en meros artesanos bajo la batuta del verdadero cerebro, Spielberg. Y es a partir más o menos de esta fecha cuando Spielberg comienza a alternar la realización de películas meramente escapistas con otras de lo que se ha denominado vertiente seria de Spielberg.

Comienza a producir películas muy cercanas a sus inquietudes pero de vertiente escapista, asimilando en su faceta de productor y creadora directores que no escapan de ser meros clones de Spielberg o continuistas de su cine:

Joe Dante(gremlins), Robert Zemeckis(frenos rotos, coches locos; Regreso al futuro,¿quién engaño a Rogger Rabbitt)), Tobe Hooper(Poltergeist) Richard Donner(Los goonies). E incluso se inmiscuye en la televisión produciendo y dirigiendo diferentes series de corte fantástico, rescatando sin éxito la clásica En los límites de la realidad e ideando otra como Cuentos asombrosos..

Queda claro entonces la acomodación de la "marca" Spielberg en la industria y su posterior proceso de producción para satisfacer las demandas de un publico juvenil ansioso de aventuras y de productos de rápido consumo y de inmediato olvido.

Esta realidad encaja a la perfección con el estudio Francfortiano respecto a la industria cultural. En palabras de Adorno y Horkeimer:

La industria cultural proporciona en todas partes bienes estandarizados para satisfacer las numerosas demandas identificadas como otras tantas distinciones a las que los estándares de la producción deben responder. A través de un modo industrial de producción se obtiene una cultura de masas hecha de objetos que llevan claramente la huella de la industria cultural: serialización-estansarización-división del trabajo.

A pesar del que proceso de producción de Spielberg se asemeje al citado por la escuela francfortiania y que esta de acuerdo en que la cultura de masas "ayuden" en la aceptación del sistema, interpretativamente me alejo de los postulados de esta misma teoría en qué afirman que la cultura de masas, y en este caso los productos Spielberg, provoque el control de las mentes de la sociedad ni que por ende esta sociedad sola se alimente intelectualmente de una cultura bárbara, denominada pseudo cultura. Habrá que apelar al eclectismo y denotar que no toda cultura de masas es evasiva y por tanto execrable ni tampoco que la cultura industrial y de masas sea una cultura que atente contra los principios del Statu quo del capitalismo. Pero esto es un tema que tendremos que tratar con mayor profundidad posteriormente y a lo largo de este trabajo.

Tomado como modelo la teoría francfortiana sobre el modelo de producción industrial estudiamos ahora con más detenimiento la evolución industrial de la obra de Spielberg:

Tras el descalabro artístico y comercial de 1941 Spielberg necesitaba por primera vez, más que nunca, un triunfo comercial, hecho, que, le lleva aceptar un encargo de su amigo y homólogo George Lucas, el proyecto tenía como idea resucitar aquellas películas de aventuras de los años cuarenta y cincuenta.

El proyecto era un encargo y Spielberg lo realizó como tal, como una manera de recaudar mucho dinero para afrontar sus proyectos más ambiciosos.

La película titulada En busca del arca perdida na-

rra las aventuras de un personaje situado entre James Bond - y todos sus gagdetts- y un Gunga Din.

Muy concienciado en disminuir costes Spielberg rodó el film ahorrando a la productora una cifra cercana a los veinte millones de dólares. En el film prima la acción antes que los personajes, el resultado es una película divertida como pocas pero vacía hasta límites insospechados.

La película fue todo un éxito recaudando una cifra cercana a los cien millones de dólares y además creó uno de los mitos del cine en los últimos veinte años, Indiana Jones.

Después de la primera aventura de Indiana Jones llegaría la que supuestamente es su obra más personal y uno de los títulos más emblemáticos para el público infantil, E.t. El extraterrestre.. E.T. es una película que habla de la amistad entre un niño sin padre y un extraterrestre, según algunos críticos es la película que mejor refleja la infancia pero que busca irremisiblemente la aceptación del publico infantil y la máxima recaudación en taquilla. El objetivo se cumplió a la perfección, recaudó 225 millones de dólares u desde entonces Spielberg pudo acometer con más libertad todos aquellos proyectos deseaba realizar.

Es a en 1982 cuando de verdad nace la industria Spielberg.

Entonces comienza la"serialización Spielberg "comienza a producir- dirigir películas y series televisivas que no son más que clones de sus películas más comerciales. Así antes de acaba r de rodar E.T. Spielberg ya había escrito el guión de otra película, la había producido y montado dejando las tareas de realización a un colega suyo, Tobe Hooper. El director tenía claro que la taquilla se convertía ahora en su principal foco de atención.

En una época, años 80, en la que el cine atravesaba un momento de crisis creatividad y de inversión, Spielberg se permitía ya afrontar dos proyectos a la vez debido a su inicial aceptación de las reglas de juego de producción Holywoodiense.

"Lo que trato de hacer son las películas que a mí me gustaría ver en el cine. Deseaba ver algo como E.T antes de hacerla y deseaba ver algo como Poltergeist. Como nadie tomaba la iniciativa, decidí trabajar en mi propio negocio, antes que esperar sentado por el "sí" de un ejecutivo. Siempre he sentido que soy el producto de establishment de Hollywood, he aprendido el abecedario en los estudios Universal, que en los años 70 era el símbolo de la industria del cine. Aprendí a trabajar en el sistema y no hay mucho desagradable que pueda decir de Hollywood, excepto que algunas personas en posiciones poderosas que tienen la posibilidad de decir sí a un proyecto de millones de dólares, generalmente le dan al menos indicado.(Declaraciones recogidas en “Steven Speilberg” de Marcial Cantero Fernández.

Amblin desde la perspectiva Francfortiana -o primero de los el procesos de serialización-estanadarización- división del trabajo de la producción Spielbergiana.

La teoría crítica basa sus análisis básicamente en la serialización, estandarización y división del trabajo como medio de producción. Afirma la absorción de la cultura por parte de la industria que la toma como un factor más de producción explotándolo como tal, produciéndola a gran escala para satisfacer las necesidades de una sociedad entrenada para el consumo y consiguientemente desintelectualizada ya que sustituyen una cultura minorista, intelectual y profunda por otra de masas, de júbilo, evasión y divertimento que amalgama la sociedad.

A mediados de la década de los 80, Steven Spielberg había conseguido ya en cierta manera cierta independencia de la maquinaria de producción Hollywoodiense - aunque siguiese sumido en su obsesión por la taquilla y el negocio-, los triunfos comerciales de Tiburón, Encuentros en la tercera fase, En busca del arca perdida e Indiana Jones y el templo maldito le permiten realizar el sueño de todo autor, Crear su propia Productora, Amblin Entertainment.

Por aquel entonces Spielberg ya había realizado una de su película más "serias", El color púrpura, la óptima respuesta de público y taquilla refuerzan su teoría alternar la producción de películas comerciales con otras más cercanas a sus inquietudes.

La teoría crítica refleja cultura de masas como cultura de evasión, evasión es Spielberg.

Comienza verdaderamente el proceso de serialización de los productos Spielberg, que si bien le otorgan una inmejorable posición económica y obviamente una revitalización del nefasto cine de los años 80, la crítica seria desdeña por completo todas loas obras que llevan su sello e incluso la academia de Hollywood "regaña" a Spielberg negando premiar a su película El color púrpura

-nominada a trece estatuillas- con un solo oscar.

Con la creación de Amblin enternainment Spielberg su sumaba a otros importantes directores de su generación, Coppola y Lucas, y a sus ansías de independencia y de lucha permanente por conservar la independencia creativa. Quizá Lucas Y Spielberg se armonizaban de un modo más notorio que Coppola con los productores de Hollywood debido a la impronta mucho más autoral que comercial de este último, que le llevan a decir frases como está: Detestó Hollywood. No son más que un grupo de mercaderes, burócratas que no saben nada de cine, su única ambición es hacer negocio.

De ahí que se pueda establecer que el factor principal por la que Spielberg se mantenga en lo alto de la industria desde hace treinta años ( al contrario de otros directores como Friedkin que tras una serie de fracasos fueron borrados literalmente del mapa) que armoniza a la perfección taquilla-pretensiones autorales -sin entrar a juzgar esas pretensiones-.

Una de las primeras películas producidas por Amblin fue Regreso al futuro de Robert Zemeckis - que había firmado el libreto de 1941-. El relato ofrecía unos ingredientes acordes con el propio estilo de Amblin Entrtainment: un joven de diecisiete años, forzado a viajar en el tiempo hasta 1955, se ve en la obligación de conseguir sus padres se enamoren para que el mismo pueda nacer años después.

En 1987 Spielberg produjo Esta casa es una ruina ( Richard Benjamin)y Fievel y el nuevo mundo

(Don Bluth). El éxito de su propia fórmula de entender el cine -acción, ingenuidad y buenos sentimientos- le lleva a producir una serie de películas calcadas a algunas de las suyas o incluso secuelas de las producidas o dirigidas por él, caso de Gremnlis II( Joe Dante.1989) o Indiana Jones y la última cruzada, dirigida por él mismo.

Tras los triunfos ya referidos con anterioridad, la compañía conocería pocos éxitos más entre las producciones no dirigidas por Steven Spielberg. Entre ellos cabría destacar las dos secuelas de Regreso al futuro, El cabo del miedo, Fievel va al oeste y los picapiedra. .

Los productos se Estandarizan, las películas de Dante( Gremnlis 1 y 2) eran sustancialmente diferentes a las de Zemeckis pues uno buscaba el público infantil y explotar el mito E.T. y el otro ansiaba la complicidad de un público juvenil y una recuperación emocional y afectiva de los años 50 (explotando el mito American Graffiti); Las películas infantiles de Dante eran diferentes a las de Fievel ya que estás eran de dibujos, y todas las demás dirigidas por directores relativamente novatos se diferenciaban de aquellas dirigidas por Martin Scorsese( El cabo del miedo) o Richard Donner (los Goonies) ya que estos contaban con mucha más experiencia que los otros y tal vez sus películas eran menos plásticas que las otras. Lo cierto es que todo el mundo ve diferencias entre unas y otras pero nadie hubiese podido jurar que no habrían podido ser dirigidas por el propio Spielberg, empeñado en explotar su propio centro creativo.

El cine de los años 80 se caracterizaba por vender películas psuedofascistas y violentas con personajes musculosos, estúpidos e inhumanos pero los 80 también es la época del desarrollo y establecimiento del cine juguete, del cine sin personajes que había nacido en los últimos años de los 70.

Spielberg dota al mercado de un cine de evasión, de usar y tirar aunque está afirmación se debe matizar y desarrollar con más detenimiento a lo largo del trabajo.

Así todo lo que toca las manos de Spielberg es un cine pasado por el filtro del cliché y del estereotipo, es un cine con personajes de mantequilla -salvo contadas excepciones -donde prevalece siempre el bien sobre el mal, el maravilloso mundo de la infancia por encima del decadente adulto y los valores norteamericanos son la bandera para llegar a ser felices y hacer mejor el mundo. Todo esto es tomado como natural, como algo que tiene que prevalecer y, por tanto, es inamovible y inexcusable. Son productos lanzados desde la propia cultura y el sistema para que prevalezca y se perpetué a sí mismo.

En 1987 Spielberg decide prolongar su vertiente seria y realiza El imperio del sol basado en una exitosa novela de James G.Ballard.. El resultado de la película fue un duro golpe para la propia autoestima de Spielberg siendo un batacazo en la taquilla y rechazada por la "crítica" que la tildó de obra fallida y demasiado Disneyniana.

Como es natural Spielberg realizó otros de sus artefactos ultra comerciales para recuperase de la escasa recaudación de su anterior film, la película no fue otra que la tercera entrega de la aventura de Indiana Jones, o lo que es lo mismo la segunda secuela de uno de sus trabajos menos personales. El film funcionó a la perfección en la taquilla pero como es natural la crítica la destrozó y solo destacaban la participación de Sean Connery- recién salido de Los intocables- que estaba en lo alto de su carrera.

En su siguiente film el director de Tiburón intentó aunar en una misma película el fondo de una obra intimista y la forma de un taquillazo. La película -como es normal en la última época del director- no pasó de registrar unos buenos resultados económicos y de ser cine discursivo, meloso( al igual que el color púrpura) que bebe éticamente y moralmente de Disney. Insoportable.

Preparado para hacer "su auténtica película" (la lista de Schindler) Spielberg realiza Jurassic park, un film basado en un best-seller del también director Michael Chriton. El film rompió el record de taquilla de E.T. retomando el estilo de suspense de Tiburón pero ni siquiera rozando los resultados artísticos de esta. (En sus ansias de alcanzar publico Spielberg es incapaz de matar a uno de esos odioso niños que acompañan su película, al contrario que en Tiburón donde fue realmente perverso, como si se tratara de Hitchcock.

En ese mismo año Spielberg realiza una de sus películas más comprometidas, fue La lista de Schindler, que no era más que un recuerdo -tal una postal- del holocausto 14/05/01judío.

Es una película dura de contenido desgarrador pero tramposa y lacrimógena, aunque no deje de ser una buena película y muestra una mirada - discutible o no- hacia un tema tan profundamente personal para el y su familia de procedencia judía.

Tras el triunfo alcanzado por la Lista de Schindler en la edición de los Oscar y el bestial éxito de Jurassic Park en todo el mundo Spielberg volvía a sorprender a los empresarios de Hollywood son un nuevo proyecto industrial. No se trataba de una simple productora sino de una auténtica Major llamada a competir con los grandes estudios audiovisuales. Spielberg se lanzaba a una nueva aventura en compañía de dos auténticos tiburones de las finanzas como el productor musical David Geffen y el ex-número dos de Walt-Disney, Jeffrey Katzenberg. Se reunían así, en una misma empresa tres de los hombres más poderosos de la cultura de masas.

Dreamworks o el segundo de los procesos “Spielberg” para la explotación de mercancías culturales

La compañía se llama Dreamworks SKG y se dedica a la explotación musical y cinematográfica. Spielberg decide ampliar la producción industrial:

Se invirtieron 100.000 millones de pesetas en películas, 25.000 millones destinados a producir cine de animación.

Más de 30.000 millones de pesetas en una división musical. 25.000 millones en productos para la televisión y unos 10.000 millones en videojuegos.

Las cifras son mareantes pero no son más que una simple cifra comparando con lo que esperan recaudar los inversores con el negocio en casi todos los ámbitos culturales de nuestra sociedad( extrañamente no confían en el negocio literario.)

La universal -primer productora que contrató a Spielberg y con el que mantiene una estrecha relación- será la encargada de distribuir internacionalmente todas las películas de cine y video que produzca Dreamworks. Con ello Spielberg sigue ligado a la productora que hasta hace poco era su casa favorita.

Dreamworks comenzó a producir películas netamente taquilleras y a decir verdad tuvo un comienzo algo flojo.

La llegada de 1998 fue vital para Dreamworks. Produjo Deem Impact(Mimi Leder) y Gladiator (de Ridley Scott) que fueron rotundos éxitos de taquilla e incluso la segundo fue otorgada con el Oscar de la academia aunque fuese más bien una película floja, las dos películas nacieron del deseos de Spielberg de resucitar el peplum y las películas catastrofistas que tan buen resultado dieron en los 70.

Lo que sí es cierto es que Dreamworks ha representado desde el principio una peligrosa competencia para Disney en el terreno de la animación. Parece ser que Spielberg se rebela contra papá Disney.

Películas como El príncipe de Egipto, La ruta hacia el dorado, Hormigaz, Shrek y Chicken run han sido una competencia feroz para la Disney tanto artística como comercialmente. Shrek arrebató el Oscar a Monstruos de la Disney.

Desde la creación de su propia empresa multimedia el realizador de ET. ha dirigido Amistad, una película de temática antirracista realizada sin convicción , Salvar al soldado Ryan ,un film bélico ambientado en la Segunda guerra mundial y Artificial Inteligence, un proyecto de Kubrick que para más señas narra la búsqueda del amor maternal por parte de un robot y cuyo tema central es la presentación del amor como el concepto más alto de inteligencia.

Amistad tuvo un gélido recibimiento entre el público y la crítica , más que nada por que es una auténtica nadería. Salvar al soldado Ryan fue todo lo contrario que su antecesora, un film espectacular rodada con el sentido de la acción a flor de piel y que indica un giro de su creador hacia la madurez aunque todavía queden visibles defectos (patriotismo, personajes estereotipados... Inteligencia Artificial es un filme polémico, tachado por algunos de "gore sentimental", fallida por otros y hay quienes la consideran una auténtica obra maestra. Su última media hora es el centro de la polémica.

A.I. es la última obra de un director que pasa por ser unos de los más grandes creadores que existen el mundo, y a la vez, de uno de los hombres más poderosos. Nunca antes había estado la cultura y la industria mejor interiorizados en una persona.

Lo primero a destacar es la educación de Spielberg - ya antes levemente comentada-, el director nacido en Ohio es una persona educada en los valores del cómic, de la televisión y de las películas de Disney.

Hecho del que, siempre se ha arrepentido en su madurez. Porque la pobre intelectualidad, ingenuidad y el exceso y explícito uso de los valores estadounidenses en sus películas son una constante en su cine que ni el mismo es capaz de aplacar de alguna manera. Es un creador surgido de la cultura de masa y por ello la perpetua, aunque no por eso sea una cultura desdeñable ni de efecto narcotizante.

El propio Spielberg asume su vacío intelectual. Crecí pegado a la televisión, por eso soy un director tan visual. Ahora intento recuperar los libros que no leí en su día para ser un director tan culto como Antonioni, Copppola o Scorsese, que es el mejor director americano de nuestros días. Mi obsesión es hacer lo que aún no he hecho". "No suelo leer mucho. No soy de los que se sientan en casa y se leen todos los best-sellers; no leo a los clásicos. Nunca he sido capaz de abrir Guerra y paz o historia de dos ciudades y llegar hasta el final. Tampoco leo cómics. Nunca soy un buen lector y nunca lo he sido... siempre me ha dado más satisfacción el dibujar, hacer fotografía, cine, ingerir tanto cine como me es posible, esa es esencialmente mi literatura".

La teoría crítica francfortiana define la cultura de masas como pseudo cultura que reproduce inevitablemente los modelos y valores dominantes y advierte que la reproducibilidad de la obra cultural equivale la serialización y a la muerte de la creatividad produciendo un modelo de cultura sustentado en los estereotipos, o lo que es lo mismo, la industria de masas por el hecho de serlo es una industria brutal que no desprende otro mensaje que no sea el de reafirmar los valores del sistema y exaltarlos en el individuo.

Si bien es cierto que la mayoría de las películas de Spielberg se acomoden y se identifiquen con la denominación "pseudo cultura" destinadas únicamente a servir como entretenimiento y válvula de escape

(-que poco tiene que ver con dominación del individuo y control psicológico)- hay otras que - al margen de su calidad estrictamente cinematográfica- desprenden un aura autoral indiscutible o que reflejan el mundo artístico de un ser humano-casos de ET. o Inteligencia artificial- o por el contrario se identifican con trabajos verdaderamente autorales que reflejan las constantes de un director- Duel, Tiburón, La lista de Schilndler, Salvar al solado Ryan, aunque para ser justos él ha sido el gran responsable de bajo status en la crítica especializada -aquellos que todavía consideran el cine como arte- por eso obstinación por amasar dinero a base de productos muy estereotipados que han perjudicado la creatividad en el cine comercial.

Responder a la pregunta ¿pseudo cultura o no? Opto por el relativismo. Muchísimas sí, otras no. ¿Control de mentes?. Depende del receptor.

Parte 2 y 3 del trabajo. Análisis de los textos.

En esta parte trabajo arrojaremos un estudio sobre la obra de Spielberg ,es decir, de sus textos así como el contexto en que fueron producidos y realizados, también la recogida que tuvieron entre público y crítica si como la variedad de interpretaciones que se arrojaron sobre ellas.

Como ya se ha visto las producciones de Spielberg hasta antes de entrar en Dreamworks no son más que

proyectos cercanos a sus inquietudes o meramente interesantes para él, por lo que es mucho más efectivo entrar directamente en le estudio de las obras dirigidas por el mismo, combinando en el estudio

Sus obras personales y más comerciales en todos los géneros cinematográficos que ha tocado durante su "carrera". Los filmes finalmente que estudiaremos son: Tiburón, Encuentros en la tercera fase, E.T, El color púrpura, La lista de schilnder e Inteligencia Artificial.

Tiburón, por ser la película que le lanzó a la fama y por ser uno de los pocos filmes de encargo que ha realizado. Encuentros en la tercera fase representa la primera plasmación de las creencias religiosas/ morales del director en una película. La presencia de E.T. pasa por tratarse de una de las películas más taquilleras y autobiográficas. El color púrpura debido a su status de película seria, La lista de Schindler por ser las más reconocida críticamente. Inteligencia Artificial una especie de híbrido entre obra de encargo y personal, fracaso entre los aficionados y éxito en los círculos críticos.

En la obra de Spielberg se repiten continuamente unas máximas bien claras tanto en sus películas más personales como en las puramente espectaculares( aunque a veces estos dos términos e confundan dentro de sus películas), esos valores son religión-familia-mundo infantil y valores democráticos.

Por otro lado las películas de Spielberg son tan sencillas -tanto en su narración como en su contenido- que es tremendamente difícil lanzar interpretaciones desde diferentes perspectivas, es, por tanto, un cine sencillo y casi discursivo( por su carácter explícito a la hora de aleccionar y mostrar).

La escuela Franfortiana. , Influenciado por la ideología izquierdista de Freud, Hegel y Marx, llega afirmar que la sociedad de consumo y la cultura de masas son componentes de una misma realidad, es decir, que la cultura de masas y en este caso el cine de Spielberg constituye el instrumento de integración de las clases populares, en este caso todos los aficionados y consumidores, en la lógica capitalista armonizando las necesidades individuales para que el sistema se mantenga y prospere. Como ya indicó Adorno en su teoría "estructura de múltiples estratos": ... en la práctica se verá que la relación entre el mensaje explícito y el mensaje oculto es sumamente compleja. Así, el mensaje oculto tiende a menudo a reforzar actitudes convencionalmente rígidas y "seudo realistas", análogas a las ideas aceptadas que propaganda forma más racionalista el mensaje superficial. Y a la inversa, se permite que cierto número de gratificaciones reprimidas que desempeñan un papel importante en el nivel oculto se manifiesten en la superficie en forma de chistes, observaciones de subido de tono, situaciones sugestivas y otros artificios semejantes.

Esta teoría, mejor dicho el planteamiento, concuerda perfectamente con el mensaje de las películas de Spielberg, -filmes discursivos donde los valores de la familia y la defensa del "statu quo" social y político son el epicentro de la narración y del mensaje explícito e implícito respectivamente- pero discuto y pongo en tela de juicio la esta determinada investigación cuando advierte que El dominio de las conciencias y control social serás resultados de la propia sociedad de consumo y de las mercancías culturales generalizadas. La teoría no tiene en cuenta las predisposiciones del espectador ni sus propios valores ni la diferente interpretación - aún cuando sean películas tan sencillas como la de Spielberg- además da por hecho que el receptor se implica en el producto cuando mayoritariamente - y sobre todo en el cine- la mercancía, producto cultural o como quiérase denominar no pasa de ser un artilugio de diversión que no va más allá, en la mayoría de los casos, de sus duración ficticia. Aunque también ha de aclararse que este tipo de " insuficiente" puede llegar a ser perjudicial intelectualmente sino es complementada con otra. Pero bien es cierto que la cultura de masas no es un sustitutivo de la cultura elitista, intelectual o de círculo cerrados, la gente que no leía antes tampoco lee ahora y los que antes se veían interesados por Cervantes, Snitzler, Kafka o Canetti en el mundo de los literatos , o Erice, Bresson, Bergman o Dreyer en el cine-por ilustrarnos con unos ejemplos claros- no van a sustituirlos por Stephen King, Michael Chriton o en el caso del cine por Spielberg, Cameron, Lucas o De Palma.

Es más creo que la cultura popular puede ser un primer paso para acceder a las capas más altas de la cultura intelectual. Spielberg puede ser un primer paso para acceder a Hitchcock y de este pasar a Welles y de Welles a Bukowski y de este a Hemingway...

Pero hemos puesto la condición de que el individuo anhele un conato de intelectual id y de búsqueda de respuestas y formulación de preguntas más o menos existenciales(todos los artistas o aspirantes buscan lo mismo), si esa condición individual no se descubre se corre el peligro de que el individuo caiga en una atrofia intelectual. Roman Gubern, catedrático de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Barcelona, en su ultimo libro "Del bisonte a la realidad virtual" explica su postura ante la dicotomía de la cultura visual, la del video-clip y de los efectos especiales y del videojuego y la otra, mucho más tradicional y pausada."Hay una sistemática falta de educación visual. Se da por sentado que el alfabeto se debe aprender con un libro y un profesor, pero en cambio no se enseña la cultura de la imagen. Al niño habría que enseñarle a leer críticamente las imágenes y a defenderse de la agresión publicitaria y a la manipulación icónica... esto es una realidad indiscutible. La protagonista de la ionosfera occidental de las últimas décadas ha sido la televisión. Y es evidente que los productos televisivos han buscado el efectismo, el ritmo, la rapidez...El público acostumbrado a este tipo de filmes, encuentra insoportables los filmes de Antonioni, de Murnau o "La mirada de Ulises", porque utilizan el tiempo de otra manera y porque tienen unas estructuras narrativas diferentes. Y cuidado, ese público tampoco puede disfrutar de cuadro de Velázquez. Y eso es malo.)

Las deficiencias de esta teoría al intentar definir estas teorías se basan -creo- exclusivamente en pasar por alto la propia individualidad del ser humano y sus distintas reacciones ante un mismo estímulo.

Como ya he indicado en diversas ocasiones l cine de Spielberg es sumamente sencillo, personajes estereotipados, lucha entre el bien y el mal en un fondo donde se mezclan la familia, los valores sociales y en ocasiones el patriotismo.

En cada una de las películas hay unos personajes en los que Spielberg se define, Spielberg, por encima de todo, es un autor que nunca deja hablar de sí mismo.

Tiburón.

Tiburón es la película que lanzó a la fama al director de cine más famoso de toda la historia.

Spielberg se interesó por el proyecto tras leer la novela en la que se iba a basar la película y los productores Zanuck y Brown decidieron encomendarle el encargo tras la insistencia de este. O sea que a pesar de ser una obra de encargo Tiburón fue una historia por la que Spielberg sintió un profundo interés y una acomodación con sus inquietudes que le llevó a dirigirla de forma personal y casi espiritual

La película se realizó en un momento de crisis del cine norteamericano; la televisión había ocupado el lugar del cine en la cadena de entretenimiento y las grandes Majors y estudios clásicos habían desaparecido uno tras otro. El cine necesitaba una revitalización, se necesitaban contar nuevas historias o mínimamente contarlas de forma diferente. La llamada generación de lo 70 (Spielberg, Coppola, Lucas, Friedkin) otorgó al cine una nueva calidad u estrenaron una nueva concepción el cine; el blockbuster.

El estreno de Tiburón (y también de Encuentros en la tercera fase)coincidió con la salida del poder del nefasto Richard Nixon. La sociedad norteamericana esta inmersa en una especie de depresión tras la

Guerra de Vietnam y todo lo acaecido en el escándalo público y político del Watergate.

Así que el Spielberg artístico nació bajo una coyuntura económica-política y social que necesitaba recuperarse, el cine de evasión y espectáculo era una buena receta para ello.

La historia ha sido en miles de ocasiones contada, el mal que acecha al bien, la lucha entre hombre y bestia, la obsesión por alcanzar unos determinados objetivos, la sea de venganza.

En la película aparecen tres personajes principales totalmente estereotipados, presentados a grandes trazos pero que funcionan a la perfección dentro de la película:

Brody(Roy Scheider): Es el personaje con el que se identifica el autor. Es un padre de familia y policía que se encuentra en condiciones adversas. El sentido del deber y del honor le llevan a emprender un viaje a los infiernos. Brodio es el eje de intercomunicación entre el film y los espectadores, Brodio se siente y actúa como lo haría una persona normal, acobardándose y actuando siempre con recelo."Necesitarás un barco más grande". Le dice Brody a Quint cuando el primero divisa al enorme escualo por primera vez.

La elección de Roy Scheider para el papel no fue casual, Spielbeg quería a una persona y no a una estrella que representara su ideal de padre de familia comprometido. El propio Spielberg explicó su identificación personal con el personaje interpretado por Roy Scheider. : El se hace en la película las mismas preguntas que yo me hubiera hecho en una situación parecida. ¿Cómo podemos luchar contra algo tan grande?.¿Cómo podremos hacerlo con una barca tan pequeña?. Yo también preguntaría todo eso, por que básicamente soy un cobarde, como Roy Scheider, que es un cobarde que al final de la película se convertirá en un héroe.

Hooper(Richard Dreyfuss): Es un estudiante, ictiólogo. También hay rasgos de su autor en este personaje muy similar a él en cuanto a edad y personalidad. Es un hombre casi recién salido de la ingenuidad juvenil. Es gracioso y travieso y como él rico. Tal vez por ello y por establecer un final feliz el personaje no es engullido por el Tiburón, tal como ocurría en libro.

Quint(Robert Shaw): Es el personaje menos "Spielberg" de los tres, pero en él se aúnan las características del cine del director, truculencia, espectacularidad, acción y diversión.

Quint es el personaje que actúa, que no piensa en las consecuencias, es poco profundo aunque no exento de sentimientos. Su caracterización se debate entre el capitán Ahab de Moby Dick y el veterano marino de El viejo y el mar. La muerte de Quint, devorado por el enorme escualo, pasa por ser una de las más violentas y estremecedoras de la historia del cine y da a la película aires de tragedia clásica.

El tema familiar - metido con calzador e inadecuado-aparece esbozado incluso en esta espléndida película de suspense. A pesar de la levedad en el tratamiento la condición de Brody como padre de familia y su lucha será el rasgo fundamental del personaje. La secuencia entre la comunicación intergestual entre Brody y su hijo pequeño es una muestra de la preocupación de Spielberg por mostrar sus obsesiones con el tema familiar y la figura del padre, aunque en esta película no sea el eje central.

La química entre los personajes es lo mejor de la película, ver como discuten, como se relacionan entre ellos y como finalmente se entrelazan para hacer frente a un destino que como a Quint, se le tiene reservado desde hace mucho tiempo. Es la muerte lo que fuera les espera y únicamente ellos pueden eludirla..

Tiburón es una excelente película de acción y suspense nacida para un público sumido en la tristeza y en búsqueda de olvidase de la realidad durante unas pocas horas. Sin duda Tiburón logró sus objetivos.

El éxito de Tiburón provocó la explotación -serialización de la industria de este tipo de género. Entre las secuelas o remakes -declarados o no -cabe citar Orca. La ballena asesina (Michael Andersson.1977), Piraña(Joe Dante.1978) y Tiburón 2 ( Jeannot Szwarc.1978).

Desde el punto de vista de la escuela franfortiana y su teoría crítica, Tiburón, puede ser la película que más se acerque sus postulados de control psicológico de las mentes por parte de un producto industrial.

El terror que provocó y la "paranoia" "no te metas en el agua" afectaron a gran parte del público que vio el film. Así, pues, parece que este hecho coincide con las tesis de las escuela Francfortiana: El dominio de las conciencias y control social serán resultado de la propia sociedad de consumo y de las mercancías culturales generalizadas. El efecto no fue más que pasajero impactado por la película pero hay que tener en cuenta las propias experiencias del espectador en este caso que seguramente supo diferenciar ficción y realidad aún cuando el cine intente trasmitir una pseudo realidad. No creo que haya mucha gente todavía que no quiera bañarse en la playa por haber visto Tiburón aunque piense en ella al meterse en el agua.

Tiburón en principio es una película sencilla que no busca una determinada interpretación, no busca hacer pensar porque es un filme hecho para el divertimento del público. Hecho para estar angustiado durante dos horas con su música y sus imágenes para pasar un buen rato. Olvidar, en cierto modo, la realidad y sumergirse-nunca mejor dicho- en una obra onírica y pesadillesca."Tiburón viene a ser algo así como la tabla de los diez mandamientos del cine familiar. Un inteligente cóctel en el que su director y sin duda Verna Fields, su montadora, luchan contra una historia mediocre para convertirla en una narración formidablemente compensada en todas sus partes. (Casablanca por Felipe Vega)

A pesa de su sencillez y, tal vez, de su mediocridad en términos morales y éticos, los críticos y aficionados vertieron interpretaciones de toda clase sobre la película.

La teoría crítica pasa por alto la propia interpretación del consumidor / espectador del mensaje de la película, olvida que es un sujeto activo y que interpreta el texto del film desde sus propias convicciones.

Eco y Fabri, investigadores en campo de la semiótica interpretativa, estudian el proceso comunicativo llegando a concluir que en proceso de comunicación entre emisor y receptor existen determinados factores que pueden "provocar" una lectura diferente del texto, es decir, los destinatarios del mensaje

-en este caso la lucha a muerte entre tres hombres y una bestia irracional- realizan una interpretación del mensaje divergente con el sentido que a este le dio el emisor, otorgándole un significado denotativo más difuso y, por tanto, diferente.

Varios críticos cinematográficos "quisieron" ver en Tiburón una metáfora de una crítica a la política despiadada de Nixon - por aquel entonces había dimitido como presidente- al que veían reflejado en le personaje del alcalde, quizá vieron una connotación política dentro de la película que de por í, intrínsecamente, carecía. Quizá se deba por contaminación con la novela, donde si había una clara y oportunista crítica. El propio Spielberg negaba que en su película hubiera algún tipo de connotación política: Nunca he pensado en una simbología política. "Tiburón" ha sido pensado y realizado para asustar al mayor número de personas posibles, toda referencia política es puramente accidental. Incluso el personaje del alcalde Amity ,la imaginaria población balnearia donde el enorme Tiburón comienza a devorar, que hace todo lo posible por esconder la realidad del peligro como medio para garantizar los ingresos de la temporada turística, entra en la historia no tanto para dar una imagen negativa del poder como para aumentar posteriormente el suspense antes del drama final.

El lector modelo de la película era, sobre todo, un público de mediana edad - juvenil. Un público ansioso de pasar un buen rato en su butaca del cine.

Tiburón fue entendida por "el lector modelo" o el principal público objetivo -excluimos intelectuales y demás profesionales "comprometidos" como lo que era, una película divertidísima no exenta de mensaje, pero por suerte -de la película- no era discursivo sino que emanaba de la propia acción; la humanidad que despiertan los tres personajes, el miedo a una muerte terrible, los lazos de compañerismo entre ellos, el valor y la valentía, el acecho del pasado y del destino...

El film desprende todo estos mensajes aunque explícitamente no parezca que sean lo prioritario a mostrar. Luis Tomás Melgar define perfectamente este tipo de mensajes." En ocasiones, la voluntad de transmitir ese mensaje está en la raíz misma de la obra creativa. Son las obras de denuncia, por ejemplo... pero son muchas las obras, las películas en este caso, que no han sido escritas o producidas con el propósito concreto de transmitir un determinado mensaje. Se quiere contar una historia y conseguir con ello algún tipo de reconocimiento. Aún en ellas, si no son un puro ejercicio lingüístico o una vaciedad sin sustancia, si son obras consistentes bien construidas, es posible encontrar una enseñanza que se desprende de lo que el autor nos relata, una moraleja, un mensaje. También en ellas hay un mensaje, siquiera el autor lo haya dejado allí inadvertidamente".

Es por ello que considera la película una obra con mensaje aunque a simple vista parezca que este exento de ella.

Así todos los que vieron en Tiburón una mutación de "el enemigo del pueblo" de Ibsen (por aquello de unos intereses colectivos anteponiéndose a una realidad ecológica) hicieron una lectura "diferente" a la que Spielberg deseaba mostrar. Se produjo así, lo que Eco y Fabri denominaron "decodificación aberrante"; los destinatarios realizan una interpretación del mensaje divergente con el sentido que a este le dio al emisor. Estos dos mismos autores establecieron cuatro causas principales por la que se produce el fenómeno "decodificación aberrante”: 1) Porque hay una ausencia total de códigos que permitan significar el mensaje recibido. 2) Porque no se comprende el mensaje en los mismos términos que el emisor debido a disparidad de códigos 3) Porque la incomprensión se produce por interferencias circunstanciales. 4) Aún comprendiendo el mensaje, el sistema de creencias del receptor provoca una interpretación intencionadamente distorsionada del mismo, por razones de divergencia ideológica con el emisor.

Esa lectura "política" de la película por parte de algunos sectores se debe al libro sobre el que se basa -muy ligeramente - la película, una novela mediocre que era una especie de revisitación de la nombrada "El enemigo del pueblo" y por supuesto de "Moby Dick".

Generalmente la crítica interpretó la película tal y como Spielberg lo hubiera deseado, pero a pesar de la innegable calidad del filme ya mucho de los críticos comenzaban a modelas sus prejuicios sobre le cine de evasión y, en definitiva, de Spielberg:

¿En definitiva, de qué se trata? Exáctamente de lo mismo que "El exorcista" a la que Tiburón se acerca más que a los Pájaros: es la mordedura del sexo que se agita en la conspiración y de la gran sacudida que aterroriza el cuerpo". (Cahiers du cinéma, por Pascal Bonitzer)

Incluso algunos de los críticos vieron en la película mensajes implícitos de índole reaccionaria.

"Tiburón es vista como una épica de la misoginia, comenzando con la muerte de una joven después de hacer una proposición sexual en una fiesta en al playa y terminando con el trío de machos que prueban su masculinidad enfrentándose con el gran tiburón blanco" (SIC. (the complete Spielberg?, por Chris Auty.)

Tiburón es una película, en cuanto a mensaje y potencial amenaza al sistema, inocente, y sólo interpretaciones intoxicadas por la novela o por los simples prejuicios de algunos críticos, cegados por su propia intelectualidad y ansiosos de buscar siempre amenazas donde no las hay - recuérdense críticas anteriormente nombradas- pueden ver en ella una amenaza reaccionaria, moral o ética, por que si de algo peca este film es de inocencia y de ingenuidad, como la de un niño travieso-.

En el apartado de ideología quizá lo más importante sea el tratamiento que hace Spielberg de la familia, de la descripción sentimental que hace de las relaciones entre padre e hijo, de ese mundo perfecto de sentimientos amenazado por algo extraño a ellos. Pero esa descripción, ese tratamiento es demasiado endeble, demasiado superficial para querer dominar las conciencias -según las teorías de Hegel y Marx- o siquiera para reforzar la ideología predominante.

18 años después Spielberg Volvería a realizar una película que tenía algunos puntos temáticos y argumentales con Tiburón, Jurassic Park. Jurassic Park es, tal vez, desde el punto de vista de "mensaje" el lado opuesto a Tiburón, hay un mensaje apenas esbozado -el peligro de jugar con la naturaleza- que parecía ser el verdadero mensaje, que es substituido por la terrible obsesión de Spielberg por los niños -y su mundo de descubrimientos maravillosos - incluso se permite narrar la evolución de un personaje desde su rechazo a los niño hasta su acercamiento como figura paterna a ellos. La película a parte de los tradicionales valores de Spielberg contiene algunos momentos verdaderamente "vergonzosos": Las constantes reminiscencias de productos de merchandising de la película dentro de la propia película, una política de autopromoción y de persuasión tan inteligentes como reprochables.

Es tal vez una película sentimental y más comprometida con su propia base ideológica, en la que por suerte esta vez, se centra en la niñez y sus aventuras en lugar del patriotismo que más tarde mostrará en otras películas como la lista de Schilndler o Salvar al soldado Ryan.

Queda claro que Tiburón no entra en discusión con el sistema, -pues forma parte de él y bebe directamente de su doctrina ideológica-o el "statu quo" social o político, es una de las pocas películas de Spielberg que no intenta adoctrinar ni aleccionar con sus artefactos sentimentaloides y patrióticas..

Aunque tampoco debemos acomodarnos a un pensamiento único, a una inocua reflexión que nos sugiera

Únicamente que la película es tan inofensiva como divertida.

Stuart Hall perteneciente a los Estudios Culturales anglosajones en su texto "codificación/decodificación" considera que es posible una apertura de lecturas sobre el texto como espacio de competencia, indicando que es posible hacer más de una lectura de texto.

De esta forma declara que hay varios tipos de lectura: lectura de aceptación, negociada y lectura de oposición.

Mayoritariamente Spielberg (ahora hablamos de su cine en general), en la sociedad capitalista, recibe una "lectura preferida" de sus obras. Reciben un mensaje banal que representa lo banal. Nada que objetar. Los buenos vencen al malo, un par de lágrimas, gritos de diversión, bandera americana, buenos sentimientos y nada más. No hay crítica, no hay reflexión y, por tanto, no hay respuestas adversas dentro de la ideología más capitalista.

De esta manera sus obras son criticadas por sus elementos cinematográficos y no por su contenido ideológico. Las críticas a Tiburón así lo demuestran:

"Fundamentalmente es una película de director, y no hay duda que la dirección de Spielberg constituye la más conseguida manipulación de las emociones del gran Publico desde Psicosis" (the films of Steven Spielberg, por Neil Sinyard.)

"En el cine moderno hay pocas escenas como las primeras de Tiburón; estas, como la escena de la ducha en Psicosis, aterrorizarán a toda una generación"

Encuentros en la tercera fase.

Desde el punto de vista religiososo-metafísico, Encuentros en la tercera Fase es la película más importante de Steven Spielberg, hecho, que chocará con la opinión del espectador normal que la ve como una simple película fantástica o de ciencia-ficción con los habituales efectos especiales y demás parafernalia relacionada y atribuible a este género cinematográfico y especialmente al director del que hablamos.

Al igual que Tiburón, este film fue lanzado en la época inmediatamente post-nixon, y, si la primera nacía de una mutua simbiosis de necesidad de evasión del espectador y de renacimiento de Hollywood, está respondía a la necesidad de transmitir un mensaje de "ilusión y esperanza" al público especialmente norteamericano muy abrumado por las secuelas dejadas por la guerra de Vietnam y toda la depresión producida por la muerte años atrás de J.F.K.

Con esta película Spielberg ,creo, fracasó en su empeño por modernizar el cine religioso, el público no lo interpretó enteramente como tal sino como una fábula fantasiosa que narra una especie de invasión extraterrestre y que extrañamente termina con un precioso y efectista"happy end".

Spielberg intenta aunar en esta película sus inquietudes más metafísicas y religiosas con un argumento comercial - y casi banal-, intenta conjugar fondo -religión. y forma- ciencia-ficción, fantasía- para rejuvenecer el inerte cine religioso -con reminiscencias de Cecil B. De Mille- y llegar a un público masivo ansioso de evasión y pero muy susceptible en temas religiosos. Podemos indicar que la película tiene un mensaje bien claro "no estamos solos" y otro más bien explícito que sugiere la existencia de un ser divino que nos protege y que trae un mensaje de hermandad”.

La teoría critica advierte que el mensaje oculto puede ser más importante que el mensaje explícito, eludiendo el primero los controles de al conciencia, se hundirá en la mente del espectador. A la vez indica que la industria cultural se convierte en un "formidable medio de control psicológico"

Aunque ese mensaje religioso quizá no sea captado por el gran público dudo que estos al salir del cine hubieran sentido una mayor fe religiosa o reforzara, si quiera, sus creencias, por lo que no comparto la tesis de la teoría crítica aplicada a esta película.

En este film vuelve aparecer la figura de Spielberg en los personajes importantes. Spielberg sigue mostrando sus ansía incontrolada de autoría y de cierta megalomanía. El tratamiento de las relaciones familiares, del mundo de los sueños, del recuerdo de la infancia y los sentimientos de hermandad, paz y felicidad aparecen ya explícitamente.

El hecho de que el propio Spielberg se encargara del guión nos explica su omnipresente presencia en todos los personajes principales que representan su figura en distintas capas de sí mismo.

Roy( Richard Dreyfuss): Es l personaje sobre el que recae el mayor protagonismo de la historia. Es un joven padre de familia y un hombre normal. Representa en ciudadano medio americano y, a su vez, es una caracterización del Spielberg de esa época, un hombre normal pero que busca respuestas y tiene obsesiones. Roy presencia un ovni cuando regresa a su casa, desde ese momento se obstina en comunicarse con ellos y captar el mensaje que traen consigo, para ello, no duda en hacer actos que se calificarían cívicamente como extravagantes e incluso llegar a abandonar el mediocre hogar donde ha establecido su vida con su aburrida mujer y sus casi insoportables hijos ansiosos de crecer (hecho que siempre ha condenado Spielberg. Roy representa el viaje a la verdad, al mundo de las ilusiones, el abandono de las responsabilidades y el regreso a la ilusión perdida en la madurez.

Barry: Representa la inocencia, la curiosidad y, en definitiva, el mundo de las obsesiones infantiles de Spielberg. El personaje de Barry es el Spielberg que se empañaba una y otra vez en chocar los trenes, el Spielberg de la imaginación y de la pasión por imaginar mundos maravillosos.

Barry, es como el mesías, es el que primero contacta con la fuerza divina, porque solo la ingenuidad y la ilusión -seres puros- permiten comunicarse con lo "divino".

Lacombe( Francois Truffautt) : Científico francés que estudia el fenómeno de los ovnis, es alguien cordial e inteligente. A diferencia de Roí y de Barrí no ha sido elegidos para ser uno de los profetas que expandan el nuevo "mensaje" pero su perseverancia, su lógica y buen hacer le llevan a comunicarse con los extraterrestres. Es el Spielberg más maduro y el de la curiosidad por toda la parafernalia científica.

Momentos clave

Para remarcar el carácter religioso y de reivindicación de la infancia del film, Spielberg inserta en unos de las secuencias más "comprometidas" de la película un homenaje a Los diez mandamientos de De Mille y a Pinocho de la factoría Disney.

En esa secuencia, Spielberg o Roy en la ficción, intenta explicar a su hijo lo que es una fracción, mientras tanto en la tele están dando la película religiosa antes comentada. Más tarde se produce un choque de opiniones entre un hijo, que ya se ve mayor, y un padre muy

inmaduro y anclado en la niñez. Su hijo protesta por tener que ir a ver Pinocho por considerarla demasiado infantil. El padre

le suelta una reprimenda que no es más que el carácter discursivo de Spielberg:

Roy: ¿qué edad tienes?

Hijo: Ocho.

Roy: ¿quieres tener nueve?

Hijo: Sí.

Roy: ¡pues vete mañana a ver Pinocho!

Otro de los momentos de la película importantes por su significación, son todos aquellos en lo que aparecen las naves que son identificadas inmediatamente con la luz, con los buenos sentimientos y con una música muy melódica e inocente y por su puesto la identificación de algunos personajes con la figura de profetas extraídos directamente de la Biblia. También algunas analogías con la película Los diez mandamientos:

Roy y los demás elegidos, como Moisés, reciben la llamada de Yavé(los ovnis) para que llevar a su pueblo al paraíso y mostrarles así el camino hacia un mundo mejor.

Toda referencia a la religión a la Biblia que da clara con las palabras del reverendo cuando se muestran los extraterrestres y procesan su mensaje de hermandad y de paz: "Díos ha enviado a sus ángeles para protegernos".

Anteriormente ya remarcábamos la escasa interpretación y aceptación de esta película como de género religioso. Spielberg intentó algo muy loable, rejuvenecer un tipo de género de películas dándola un toque de modernidad y una técnica al servicio del espectáculo. Todo ello para que pudiera ser fácilmente digerible por el público más joven y masivo. El problema de realizar un híbrido de este calibre es que en la memoria de los espectadores quedaba solamente los buenos efectos especiales, en definitiva, y el envoltorio de fantasía de la película. Incluso los algunos críticos descartaron la posibilidad de encontrarse ante una película de mensaje religioso. El propio Spielberg ha comentado en más de una ocasión el carácter metafísico de la película. "Estoy convencido de que hay un centro en el universo de donde todo proviene, como una especie de explosión. Nunca he creído que el hombre fuera el único habitante del universo ni que estuviera solo ante sí mismo. Todos estamos unidos en esta creencia en algo más grande que nosotros. Es como un sueño colectivo. Para mí, es casi metafísicamente imposible que estemos solos. Es esto lo que se me ocurre pensar cuando miro las estrellas, algo que el hombre de hoy ha olvidado hacer y no vendría mal. Esto quizá explique por qué mis películas muestran otras formas de vida..."(Steven Spielberg, el riesgo..."

El "lector modelo" era, como en el caso de Tiburón, una persona situada mayoritariamente en el público juvenil y, al parecer, no entendió la película como Spielberg quiso mostrarla. En esta película se produce una mezcla de dos géneros, religioso-metafísico y ciencia-ficción, que produjo una confusión entre el público que carecía de los códigos idóneos para analizar la película como su autor hubiera querido. El desconocimiento del género provocó en el espectador una confusión que le llevó a interpretarla como una película más de efectos especiales y de naves resplandecientes. Produciéndose así, el llamado fenómeno de "decodificación aberrante", el espectador filtró el supuesto mensaje de la película haciéndolo suyo: "una película más de naves... como 2001". Incluso una parte del público más infantil la consideró como una especie de película de terror.

Como sus anteriores películas, Encuentros en la tercera Fase carece de una mirada crítica del sistema, el mensaje que expande Spielberg en esta obra no es más que el sentimiento de no estar solo, de hermandad de explicación a las teorías religiosas, es decir, intenta añadir respuestas a las preguntas que lanza el propios sistema, no hay un ápice de rebeldía en el hecho de que el protagonista abandone a su familia sino de ingenuidad y de ilusión, la alusión a la existencia de ovnis no es una crítica al cuerpo militar y todas sus intrigas sino un intento de mostrar la caridad de los militares que velan por la seguridad de sus conciudadanos. No hay un halo de resistencia, sólo un afán de mostrar lo maravilloso reencontrarnos en nuestro mundo feliz donde los ovnis vuelan libremente en busca de ilusión sobrevolando las casas de los inocentes habitantes de EE.UU. Y McDonalds.

Si hay algo de transformador en este film es sin duda el argumento, nunca antes los extraterrestres invasores habían tenido tan loables objetivos y tan profundos sentimientos.

En definitiva, la película es un artefacto entrañable con buenas intenciones pero demasiado endebles en su tratamiento como para ser una película revolucionaria o por la contraria retrógrada - a espera de interpretaciones-. Lo que sí es cierto es que el film describe a la perfección el medio de americano medio, como respiraba, donde come, cómo piensa...

Aunque él publica nunca haya advertido el carácter religioso parte de la pública si lo encontró, una crítica especializada que, en general, trató moderadamente bien al film.

"Hay algo religioso, una especie de euforia inefable en la atmósfera de las últimas escenas. Hacen creer que los mensajeros del cosmos traen un mensaje de felicidad eterna a los terrícolas. Este optimismo, que contrasta con las obsesiones y los temores que suelen tener las narraciones de ciencia-ficción, acentúa el carácter fantástico del filme... que no quiere más que

Nuestra inocencia, nuestra alma pura, nuestra entrega. Más que un espectáculo es un sorprendente espectáculo" (le monde, por Jean de Baroncelli)

"Marca una evolución en la historia del cine de ciencia-ficción americano, incidiendo en lo positivo de la aparición de los extraterrestres"( Dicctionaire des filmn, por George Sadoul)

La mayor parte de la crítica advirtió la irregularidad del guión(escrito por el propio Spielberg) como principal problema de la película en la que durante el metraje se alternaban los buenos momentos con naderías plásticas e icónicas.

"Aunque Spielberg la montó y luego volvió a hacerlo para la segunda versión, siempre me ha parecido que tenía un gran comienzo y un gran final, pero poca cosa en el medio"

A pesar de ser una nueva vuelta de tuerca al cine religioso, la mayoría de la audiencia aceptó la película y a pesar de captar o descuidar el mensaje metafísico proyectó una lectura preferida del film. Aceptaron los contenidos aún cuando no interpretaron a la perfección el mensaje.

E.T. el extraterrestre

"Era un tema que me apasionaba; quería hacer una película pequeña, sin grandes dosis de efectos especiales, intimista, que probablemente no daría grandes rendimientos en taquilla". (Entrevista a Steven Spielberg. David Kaufman)

Con estas modestas palabras define Spielberg una de sus películas más taquilleras, E.T., el extraterrestre que supuso un hito en la historia del cine fantástico e infantil. Spielberg adoptó el proyecto de E.T. como el de una pequeña película con toques autobiográficos pero irónicamente este proyecto tan personal no solo fusionó espléndidamente en las taquillas de todo el mundo sino que rápidamente llegó a convertirse en unos de los más grandes taquillazos de la historia del cine desplazando de los primeros puestos a películas dirigidas por el mismo como Tiburón. , Encuentros en la tercera fase o En busca del arca perdida.

La película nació en una de las peores décadas de la historia cinematográfica; la elección del republicano Reegan y el establecimiento de una política derechista y de intervención militar exterior tuvo como consecuencia la implantación y desarrollo del cine de héroes musculosos terriblemente fascistas, así al amparo y en armonía con la política reeganiana nacieron durante esta época engendros como el fenómeno Rambo y casi todas las películas protagonizadas por Sylvester Stallone( Rambo I, II, III; Cobra), Arnold Schwarzenneger ( Comando, Ejecutor, Depredador, Danko calor rojo...), Chuck Norris (Desaparecido en combate) o Michael Dudikoff (El guerrero americano.)

Con ET. Spielberg relanzó en cine infantil y más aventurero -algo que ya había practicado un año antes con la primera entrega de Indiana Jones- como receta a una situación política bastante incómoda por su vertiente casi fascista. Principalmente el cine producido en Hollywood en los 80 se dividía en dos vertientes:

La vertiente continuista de la política, con los superhéroes musculosos, y la vertiente puramente de evasión con las obras dirigidas o producidas por Spielberg.

En más de una ocasión Spielberg ha declarado que este film es, sin duda, el más autobiográfico de todos los que ha rodado y por ello, el más personal. Como en sus anteriores películas a los personajes les cuesta separarse del propio Spielberg llegando al límite que cada personaje humano no es más que la mera réplica de Spielberg ya sea el Spielberg "niño" o el Spielberg adulto meláncólico y sentimental.

El análisis de los personajes aclara nuestra tesina:

Elliott (Henry Thomas): Es el niño protagonista de la película. El niño en fase de descubrimiento de la vida. Es solitario y echa en falta la figura de su padre(como el propio Spielberg). En definitiva es alguien falto de cariño y de amor que encuentra en un ser extraño el "juguete" perfecto para establecer una relación de amistad y afecto mutuo. El propio Spielberg admite las similitudes entre Elliott y él: Elliot, el protagonista, tiene mucho en común conmigo. Es un niño normal y corriente que está creciendo entre cuatro paredes, jugando con juegos modernos. Está en esa etapa en que todo lo que le rodea comienza a aburrirle. Ve mucha televisión, no lee, empieza a mirar a las chicas... También el carácter de Elliott y mi carácter tiene un común un sentimiento de soledad. (David Kaufman.1986).

Keys(Peter Coyote): Es el científico que busca, desesperadamente, al extraterrestre. Es un personaje parecido al de Lacombe en Encuentros en la tercera fase pero, en este caso, esta representado por un aura de amenaza muy necesario para la oposición que refleja la película entre la infancia y la madurez, entre niños y adultos. Keys es el álter ego del Spielberg maduro, del hombre en busca de unos determinados objetivos que le devuelvan su niñez y su mundo inocente donde se predica la religión Disney.

En un momento Keys indica a Elliott que él también ha estado esperando a E.T.: "Él vino a mí también. He deseado esto desde que tenía diez años".

Mary (Dee Wallace): Es la madre de Elliott. Es una madre a la que le falta su marido. Es una madre convencional de la cultura occidental, una mujer preocupada por sus hijos. Representa los valores de lo que Spielberg considera una buena madre.

Al margen de los personajes caracterizados a imagen y semejanza de Spielberg los demás no son más que meros acompañamientos de sus propios sentimientos, personajes sin hondura ni carácter que sirven de apoyo dramático y de complemento de acción. Son simples marionetas que no muestran nada y que están al servicio de los personajes "Spielberg", incluso el extraterrestre , que da nombre a la película, no es más que un mero juguete muy especial en manos de un niño en busca de aventuras y falto de cariño.

Momentos clave

Una de los factores a tener en cuenta en esta película es el tratamiento que se hace la iluminación para diferenciar lo máximo posible el mundo adulto del mundo infantil, así todos los espacios dominados por los niños están iluminado por luces naturales y rojas -representado por E.T y su corazón, en contraposición aparece la luz blanca y artificial que, al contrario que en su anterior película, muestra un claro sigo de amenaza.

El desarrollo de la película se basa netamente en la relación entre E.T. y Elliott y los descubrimientos que hacen el uno sobre el otro, y los dos en conjunto de la propia realidad formando una especie de simbiosis que les lleva a emborracharse e incluso a llegar a enfermar por la falta de libertad espacio-sentimental.

Al margen de estas situaciones meramente descriptivas y elementales hay que destacar una secuencia que describe y subraya el carácter muy ligado a la mercadotecnia de su director: En la secuencia en que Elliott intenta persuadir a E.T. el primero muestra en sus manos - en un plano corto- unas chocolatinas con su marca correspondiente.

Después del comentario anecdótico de esta secuencia con detalles tan discutibles entramos a valorar las secuencias para mi gusto más impactantes desde la perspectiva del mensaje.

La secuencia de la enfermedad

El amor que se profieren uno sobre el otro les lleva a enferrmar conjuntamente al ser privados de su espacio invadido por el ente adulto y científico.

Los dos personajes yacen muy enfermeros en una especie de camillas conjuntas. Al parecer el amor y la amistad no-solo unen sus almas sino también sus físicos. Spielberg parece querer mostrar una especie de reencarnación metafísica o de una representación de la hermandad más allá de los límites humanos.

La muerte y resurrección de E.T.

Tras pasar un proceso degenerativo conjunto E.T muere y Elliott se recupera. Parece ser que el lazo cósmico que el mundo de los sueños se ha roto para siempre. Increíblemente E.T. vuelve de la muerte -que simula una nueva reminiscencia metafísica- y con la ayuda de Elliott y sus amigos logra escapar de la persecución policial y volver junto a sus congéneres.

La despedida

Durante el trayecto en bici la magia de E.T. se despierta logrando que la bicicleta vuele hacia la libertad.

El mundo de las ilusiones aparece de nuevo.

En la despedida ET le pide a su amigo terrícola que vaya con él, por su parte Elliott le pide que se quede. Pero la separación se hace inevitable, es imposible vivir mágicamente en un mundo que ha perdido todo sentimiento de inocencia y de jovialidad.

Tras haber analizado las secuencias más importantes parece verse una clara analogía

entre E.T. y Encuentros en la tercera fase, los continuos reclamos a la metafísica y a los mensajes mesiánicos hacen que parezca E.T. una clara continuación del mensaje de Encuentros... -

Pero la realidad es muy distinta, todos los mensajes teológicos desaparecen en E.T. dando paso a un huracán de sentimientos y demás apelativos al mundo de la infancia y ciertamente a la búsqueda -y abuso-

del sentimentalismo y a la lágrima fácil. Spielberg siempre ha intentado remarcar que E.T. no representa lo mismo que Encuentros en la tercera fase”: Posiblemente es mi película más emocionante, porque trata sobre valores humanos, sobre la necesidad de comprendernos unos a otros. Pero también es una película sobre la compasión...esa situación de desamparo de uno y otro transforma su relación en una especie de Love Story para ambos."

La enfermedad compartida e incluso la resurrección de E.T. no son más que meros trucos para apelar al sentimentalismo más infantil que todos llevamos dentro. Todo en la película está conducido para la traca final donde el espectador no solo llora por la marcha de E.T. sino inconscientemente por la marcha irremisible del tiempo y de la infancia. Miguel Marías, uno de los críticos cinematográficos más respetados, así lo atestigua: E.T. es una película divertida, sin un fallo de ritmo, emotiva y simpática. Que se hace querer, incluso si en ocasiones Spielberg bordea la mendicidad para conseguir, dilatando desmedidamente la despedida final y usando enfáticamente la música, para que nos conmovamos. La verdad es que no era precisa tanta insistencia, que está a punto de ser contraproducente, ya que el tono de la película, el más auténtico y original, no es ese, sino el más ligero y divertido de la mayor parte del trabajo.

Spielberg tiñó con un nuevomensaje la película, una apología de la amistad pero en el fondo volvían a ser lo mismo, el mensaje implícito, aquel que representa los verdaderos valores de su creador-porque así hay que llamarlo, tiene total libertad- son los mismos; La búsqueda da la magia, la ingenuidad de la niñez y su mundo maravilloso y la descripción de los buenos valore Disney, buenos sentimiento americanos -un híbrido entre Frank Capra y Walt Disney-. en una narración que se asemeja más a un cuento que a un film.

Theodor W. Adorno en su estudio Televisión y cultura de masas define la finalidad de los cuentos: Los cuentos enseñan a sus lectores que hay que ser realistas, que hay que desechar las nociones románticas, que hay que adaptarse a cualquier precio y que no puede esperarse nada más de individuo alguno. El perenne conflicto de clase media entre la individualidad y la sociedad ha quedado reducido a un recuerdo instintivo y el mensaje es invariablemente el de identificación con el status quo.

Al contrario de la afirmación de Adorno este cuento narrado por Steven Spielberg opta por la fantasía en lugar de la realidad, promulga con la ilusión de que algo caiga del cielo para salvarte de la soledad en lugar de aceptar la propia situación en que estás inmerso. Pero todas esas fantasías no son más que la forma donde se enmarca la obsesión Spielbergiana, el núcleo familiar y la infancia . En todas sus películas Spielberg opta por la ilusión y por la infancia como uno de los factores más importantes para la consecución de una familia unida que afronte con garantías la vida.

A pesar de esa múltiple estructura de estratos por la que la película muestra una serie de valores a través de un envoltorio diferente no creo que se produzca o que se pueda producir un control de las mentes aunque, ciertamente, esta representación de valores no sea advertida en un principio por un público, sobre todo, infantil. Aunque esta resolución debe ser ampliada y explicada con datos en la posterior fase del trabajo.

A diferencia de la película antes analizada E.T. fue comprendida por el público infantil, y todo el público en general en lo mismos términos que Spielberg quiso mostrarla. Quizá se deba a la sencillez de la película donde -análisis fílmicos a parte-pocas interpretaciones dispares pueden esgrimirse.

Es una historia sencilla, con diálogos muy elementales que fueron "perfectamente" entendidos por el público que no ve en ella más que una tiernísima historia de amor -aunque suene mal- entre un extraterreno y un niño solitario. El crítico Pedro Miguel Lamet, habitual en las tertulias de Qué grande es el cine, definió la película de manar similar”: Se puede resumir que E.T. es la realización de un sueño, de un cuento de niños, para un mundo demasiado adulto, demasiado colonizado por la praxis material del realismo impuesto por la sociedad de consumo. Si el fenómeno de la ciencia -ficción responde globalmente a esta urgencia, E.T. ha tocado la fibra sensible de la necesidad de evasión precisamente porque rompe los moldes de esta sociedad"(Cine para leer, 1982.Pedro Miguel Lamet)

Desde el primer momento de proyección se ve en la película una ansía por agradar a todo los públicos, sean de la edad que sea y de la ideología a la que pertenezca. E.T. es la muestra más clara de un cine acomodaticio de un director acomodado en una industria que aprecio lo "higth tech" por encima de todo.

ET es un claro paradigma de una obra perteneciente a la "cultura hegemónica" que raramente sufre resistencia entre el público que la aplaude vehementemente. Tampoco quiere decir que los consumidores y el público de E.T en general o de otras películas que muestran exactamente lo mismo pero de forma distinta -véanse Gremnlis, Regreso al futuro o la serie Amazing histories en televisión sean dependientes culturales sino que son espectadores activos que interiorizan el film dándole un propio sentido acorde con sus intereses. Un niño no sale mejor persona después de ver E.T. ni tampoco sale salvaje tras ver

una película de ese director efectista que es Tarantino.

La lista de Schindler

La lista de Schindler es junto a Salvad al soldado Ryan su película más política que ha realizado, la que más y mejor muestra la ideología de Spielberg, demócrata y hasta hace poco seguidor de Bill Clinton.

La lista de Schindler es también la muestra del carácter oportunista del cine de Spielberg que se aprovecha de la coyuntura social y política para lanzar sus nuevas películas, sobre todo, provistas de mensaje porque la etapa seria de Spielberg bien podría denominarse cine-mensaje con textos muy claros y maniqueos y estrictamente cerrados.

La película es la consecuencia de los deseos por mostrar una vez más su vertiente seria de un director, de cine de entretenimiento, que aspira a un papel mucho más trascendente. La clave para mostrar esa nueva vertiente -aún más seria sí cabe que la mostrada en El color púrpura o El imperio del sol-.

Para ello decide adaptar cinematográficamente la experiencia más demoledora para la civilización moderna occidental: El holocausto judío en la II guerra mundial.

La primera justificación social utilizada en la promoción de la película, fue el resultado de una encuesta realizada a finales de 1992 en Estados Unidos y que tenía como tema el holocausto. Según estos datos uno de cada cinco norteamericanos dudaba que el exterminio físico de los judíos hubiera sucedido realmente, lo que llevaba a pensar que las falsedades aventadas por la propaganda neonazi y la literatura negacionista estaban calando en la opinión pública. Esto provocó la movilización de organizaciones de supervivientes y colectivos en favor de los derechos humanos para recuperar la memoria del mayor genocidio. Spielberg aprovechó la coyuntura para resucitar un proyecto que guardaba recelosamente desde 1984 y que anteriormente había ofrecido a Martin Scorsese.

Spielberg lanzó a la vez La lista de Schindler y Jurassic Park creando a la vez dos modas bien diferentes, la del recuerdo del "horror" y la de la revitalización de los dinosaurios como juguetes.

Cierto es, que las películas de la vertiente "seria" se diferencian de las otras, de corte más escapista, en que los personajes se desmarcan moralmente de Spielberg lo que es una muestra de "madurez" y de una dosis menor de "megalomanía" y de querer hablar solo de sí mismo.

Personajes de la película.

Oskar Schindler(Liam Neeson): Es el ángel de la guarda de los judíos. El único alemán que es capaz de salvar de la muerte a más de un millar de personas destinadas a ella. Representa el "acto singular" del heroísmo.

Es un personaje al que se le dota de contradicciones -se puede ser alguien bueno y a la vez, machista, mujeriego, vividor y explotador de las causas más ruines-. Sufre una evolución moral dentro de la película, pasa de aprovecharse de los judíos para hacerse rico para finalmente arruinarse y jugarse la vida para salvarles de una muerte segura. Representa también los valores cívicos que anteriormente han mostrando algunos personajes del director -como Brody en tiburón, Alan Grant en Jurassic Park o Ian Malcom en Jurassic Park II- la aceptación de una responsabilidad y el requerimiento de llevarla hasta el límite.

Itzhak Stern( Ben Kingsley): Es el "pepito grillo" particular de Schindler. Es la mano derecha de Oskar. Se encarga de la financiación de la empresa y todo lo relacionado con la administración de la empresa de Schindler que cobija a más de un millar de judíos.

Amon Goetz (Ralph Fiennes) : Es la Némesis de Oskar Schindler. Es un nazi radical que considera a los judíos como animales a los que se puede matar sin contemplación. Representa los valores más extremistas de la política nazi. Está caracterizado con todo lo que no es aceptado moralmente, es un borracho, un mujeriego y, por encima de todo, un auténtico asesino que carece de empatía y de conciencia. Se enamora de una judía estableciéndose en él una fuerte contradicción que intenta solventar proyectando su ira y sus propias inseguridades en la mujer de la que está enamorado. Utiliza la rabia en lugar de la reflexión certificando así su propia muerte no ya físico sino como ser humano con principios éticos y morales. Está descrito con tal ánimo crítico que nunca parece ser un ser humano.

Al no poder disfrutar de una vida con una judía se promete a sí mismo matarla. Finalmente se la vende a un implorante y diplomático Oskar Schindler.

La descripción de los personajes nos advierte del talante con el que Spielberg adoptó el que debería ser el talante de la película. El film debía ser la recuperación realista de uno de las mayores barbaries acontecidas en el pasado siglo. En manos del mensaje la película pasó a ser un instrumento de propaganda - destinado a crear una moda- echo por un prosélito y dirigida principalmente a otros prosélitos o simpatizantes. En toda la película no se ven más de cuatro alemanes que parezcan humanos, todos los nazis que aparecen -menos Schindler- están seguros de sí, no dudan, no reflexionan y pocos d ellos tienen inquietudes morales. El film es políticamente correcto pero terriblemente maniqueo.

La lista de Schindler refuerza el cine de discurso de Spielberg muy marcado por las tendencias conservaduristas y muy acorde con los valores americanos de unión familiar y "buenos"· valores que llevan a jugar a las personas sin ni siquiera comprenderlas, los malos son muy malos y los buenos muy buenos. No hay término medio. Son los habituales errores, en el tratamiento del mensaje y de los protagonistas, de un director empeñado en reflejar una realidad social bajo la mirada infantil, y de valores muy genuinamente norteamericanos.

Spielberg nunca ha negado sus raíces judías por lo que esta película planteaba un problema muy personal para él. En palabras de Spielberg: Algunos de mis parientes eran supervivientes. Venían a tomar las lecciones de inglés que mi abuela les daba. Mi madre nació en Estados Unidos y mis abuelos vinieron de Rusia y Austria. El sufrimiento que sentí cuando me enfrenté con el dolor de esa gente no es nada.

Un año antes de emprender la realización de la película Spielberg volvía a practicar el judaísmo, religión que había abandonado a los catorce años tras la muerte de sus abuelos, así que, se sentía más motivado que nunca para dirigir el proyecto que guardaba desde 1984.

Momentos a destacar

Desde el punto de vista de significación caben destacar secuencias que si bien son brillantes - como todas las de Spielberg- contienen la esencia moralista, tremendista y rectilínea que despide la película:

Relación Amon Goetz- Helen Hirsh:

Tras una fiesta muy concurrida por el alcohol- creo recordar- Amon Goetz baja al sótano, doce vive su esclava judía, en busca de comprensión y en definitiva de ser aceptado por el ser al que considera inferior y exento de virtudes. El nazi experimenta una fuerte atracción que intenta aplacar con una fuerte represión. En un momento del monólogo del nazi ante la mirada aterrorizada de Helen este llega a decir algo como:

-ya sé que no se os puede considerar como personas en sí, y llegan a decir que sois peores que ratas...

pero tienen las ratas estos ojos... tienen las ratas esta cara (acariciándola)...

Finalmente despierta de su propio engaño y somete a una brutal paliza a la judía.

Apariciones breves del color en una película en blanco y negro.

A pesar de ser hechos muy aislados dentro de la película son harto significativo y denotan las intenciones y la ideología de la película:

La película comienza en color en in ritual judío: Comienza la guerra, el color desaparece y con él la alegría de un determinado pueblo.

La niña vestida de rojo. Aparece en dos secuencias dramáticas, una donde los niños corren a esconderse y otra donde yace ya muerta en una escombrera humana. Es la muestra del tono excesivamente sensimental del film para tratar un tema histórico y realmente dramático.

La clausura de la película: Los judíos son liberados. Reaparece el color mientras el pueblo judío maltratado es filmado ocupando todo el horizonte.

La despedida de Schindler: Schindler se derrumba cuando sus judíos le regalan un anillo de oro en muestra de gratitud. Schindler rompe a llorar y muestar su arrepentimiento por haberse aprovechado de los judíos y no haberse esforzado más para salvar la vida de más de una persona.

-El coche... podía haber salvado mil más... este abrigo ... el pin nazi ... podía haber salvado una vida más.

Tras estudiar los personajes y los entresijos de producción, a parte de las secuencias, queda claro que esta notable película es una obra demagógica y parcial desde el punto de vista ideológico.

Tomás Fernández Valentí, Crítico de la revista Dirigido por, advierte también y recrimina la parcialidad de la película: Lo único que realmente ha cambiado en Spielberg estos últimos años es el alcance de sus pretensiones moralistas. Dicho de otro modo, si el conservadurismo que siempre ha anidado en el cine de Spielberg estaba mejor arropado bajo el contexto metafórico de sus films fantásticos, duranta los noventa ese moralismo se ha hecho más explícito. La "lista de Schindler" es, entre otras cosas, una muestra fehaciente de las inclinaciones pro judías de su director, y resulta comprensible que quien no las comparta pueda, en primera instancia, rechazar la película por él, sobre todo si se sigue la acusada tendencia a personalizar el discurso ideológico de un film, aceptándolo o desechándolo en función de si encaja o no con el ideario particular. (T. Fernández Valentí. Dirigido por. N 288)

La lista de Schindler nació con el objetivo de conmover y aleccionar desde la textura de un film "comprometido". Es por ello que esta película sea una de las más rechazadas por Spielberg atendiendo aspectos meramente ideológicos; Algunos países musulmanes rechazaron la película e incluso el pueblo israelí sometió a prueba al film antes de ser estrenado. La ruptura del tabú de la irresponsabilidad del genocidio , la sustitución de la historia por la anécdota en la que un nazi bueno salvó judíos, la combinación de elementos melodramáticos para acercarse a un tema de tan profunda gravedad y la americanización a través de un lenguaje Hollywoodiense e impreciso en la narración histórica tuvieron la culpa de la polémica que abrió en Israel. Finalmente la película fue aceptada como tal, como un alegato prosélito.

Contrariamente Alemania dio un gran recibimiento a la película, el hecho de que fuera un alemán fuera el salvador de los judíos fue como un bálsamo para una conciencia germana ávida de perdón.

La película, como las anteriores de su director, sigue mostrando un apego importante a la ideología dominante y al sistema capitalista americano, y es que Spielberg no ha dejado de dirigir el mismo fondo de película una y otra vez pero con distinta forma, dividiendo su filmografía en dos vertientes, espectáculo popular (caso de Indiana Jones o Parque Jurásico) y el espectáculo con pretensiones( caso de La lista de Schindler, Amistad o Salvar al soldado Ryan. Pero lo que es ciertamente palpable en Spielberg es que un creador de modas tanto en el aspecto de merchandising como en el fondo de sus películas. Sus obras se encargan de establecer una ola intensa de una determinada ideología, la explotación del holocausto, de los héroes americanos, de la presencia de vida exterior, del terror al agua... son mensajes tan fugaces como el brillo de una estrella de cine. Si acaso lo que más perdura -desde el punto de vista del mensaje- del cine de Spielberg es la apología continua a los valores norteamericanos y a la descripción psicosocial del norteamericano medio.

El mensaje implícito de una obra cultural y sus consecuencias era el centro de atención de la Teoría critica que creía ver dominación simbólica e intelectual en la masa que compone la sociedad industrial.

En mi opinión creo que ese mensaje implícito carece de la fuerza suficiente para propagar directamente una dominación sobre el individuo, la propia experiencia, la familia y la exposición a otros mensajes impiden que el individuo se convierta en una marioneta.

La lista de Schindler es un texto sencillo que no busca la reflexión ni hacer pensar al espectador sino emocionarle y apelar al sentimiento (en lugar de apelar al raciocinio tal y como pedía el tema de la película. Es por ello que vemos difícil encontrar interpretaciones a lo que linealmente se ve. O se rechaza por su ideología o se acepta. En la película no se ve más que la clásica estructura de personaje bueno-salva a los indefensos- de las garras de los malvados. Se reitera una y otra vez la moralina, aceptar tus responsabilidades, ser condescendiente con el prójimo y aplacar el mal.

El lector modelo de esta película cambia sustancialmente al de otras anteriores, esta es una película supuestamente más madura y reservada a un público más experimentado y paciente -aunque es tan divertida como cualquier otra- y por ello la recaudación de la película fue sensiblemente menor a la de sus otros éxitos. El público comprendió e interpreto la película en los mismos términos que Spielberg y mayoritariamente se posicionaron en una latitud de aceptación -lectura preferida-de la película, condenando la barbarie de los nazis. El pueblo israelí, por ejemplo, adoptó una posición más critica -lectura negociada- aceptaron el contenido pero rechazaron algunos aspectos del film, "si está bien lo que se narra pero eso de que en alemán salve a los judíos... y también está la propia rectitud histórica..."

Inteligencia artificial

Si alguna vez Spielberg ha adoptado la crítica existencial y del statu quo como fondo de su película ha sido Inteligencia Artificial la que mejor lo ha denotado. A través de la técnica esgrimida en sus brillantes obras anteriores Spielberg realiza un giro de ciento ochenta grados en su posición ideológica y mora.

A.I. es una película densa, muy abierta y compleja que adhiere en si misma un híbrido de frialdad y de sensibilidad -no confundir con melosidad- y un conato de preguntas sin responder y de respuestas inacabadas. Es un filme triste y desolador donde el pesimismo reino sobre todo y donde ni siquiera la infancia y el amor es capaz de superar las barreras de una sociedad inculta y deshumanizada.

Como es habitual Spielberg aprovechó una determinada coyuntura para lanzar su producto. Esta vez fue la muerte de Stanley Kubrick. El proyecto de A.I. pertenecía a Stanley Kubrick, pero este decidió encomendárselo a Spielberg viéndose incapaz de hacer frente a una obra que necesitaba una visión del amor y unas cotas de sensibilidad que él carecía. Spielberg dio largas durante más de una década a Kubrick viendo la dificultad de llevar a buen puerto el proyecto.

Tras le muerte de Stanley Kubrick en 1999 Spielberg decidió rescatar el proyecto y escribir a solas el guión, algo que no hacía desde Encuentros en la tercera fase.

La película está narrada -como E.T.- como si de un cuento se tratase, un cuento sombrío y lúgubre.

Durante la película aparecen reminiscencias de las tragedias griegas: Psiqué (de cómo el amor salva al amado), Edipo (de la búsqueda de la propia identidad)y Dédalo(un niño perdido en un laberinto truculento.

Los personajes ahora mucho más profundos y humanos muestran el "giro" crítico y de madurez de Spielberg:

David(Haley Joel Osment): Es un androide con la capacidad de amar. Es acogida por una familia adoptándolo como un substitutivo de su hijo biológico caído enfermo. Es un robot que solo busca ver correspondido el amor que le da a su madre. Finalmente tras la recuperación y regreso del hijo biológico David es abandona en el bosque por su madre que opta por el abandono como medida menor.

David representa al "niño" Spielberg pero tratado y caracterizado de una forma más amarga y madura.

Es un niño robot que comienza un tortuoso camino para encontrar la reaceptación de su madre - y por tanto la correspondencia del amor que él le ha promulgado- además de hacerse con su propia identidad humana.

Profesor Hobby(William Hurt): Es el creador de David. Intenta el imposible milagro de recuperara el hijo perdido a través de su encarnación en un ser bio-mecánico. Es un hombre de ciencia que defiende que él más alto nivel de inteligencia es el amor.

Aparece de nuevo el "Spielberg" del afán científico y metafísico pero de una manera más profunda y resignada que sus predecesores.

Mónica Swinton ( Frances O´Connor): Es la mamá de David que en principio lo rechaza por considerarlo una metáfora de algo poco ético y moral (sustituir un hijo por otro.

Finalmente lo acaba aceptando. La madre sufre viendo a David siendo rechazado por su celoso y cruel hermano. Mónica opta por abandonarle en lugar de desconectarle y llevarle a una muerte segura.

Es una de las primeras veces en el cine de Spielberg que una madre tiene una identidad ideológica y una moral bien determinadas y no es la típica mera comparsa del niño y su mundo de juguetes.

Gigoló Ojee: Androide programado para satisfacer todas las necesidades todas las fantasías sexuales de los humanos. Destacan en él su erotismo y el cinismo. Es una de las voces críticas de la película. Su inteligencia fría e inhumana le hacen ver el mundo de forma lúcida, desengañada y nítida. Es capaz de analizar las fragilidades y debilidades de los humanos.

Representa un personaje anómalo en la filmografía de Spielberg. Ningún personaje antes se había atrevido a cuestionar el sentido de la experiencia religiosa en los humanos

Teddy: Es un oso de juguete que pasa de manos de Martin Swinton (el hijo biológico de la mamá de David) a David. Es una especie de "Pepito Grillo"y se encarga de dar una visión realista al viaje idealista de David.

El personaje de la conciencia, de la responsabilidad es ya muy característico de la obra de Spielberg apareciendo en otras películas como La lista de Schindler, Tiburón...

Momentos a destacar-

Por su tono crítico, pesimista y desolador Inteligencia Artificial es una obra bastante atípica en la filmografía de Spielberg, parece ser la única película que opta por la resignación, por la tristeza y por poner en cuestión los valores de una sociedad que si bien es del futuro, es consecuencia directa de nuestra actual sociedad regida por os valores occidentales y bajo la batuta económica y militar de EE.UU. América. El director de Tiburón admite ese cambio de 180 grados en su visión del mundo: No creo que me haya vuelto cínico, sólo un poco más realista sobre el mundo. El hecho de adaptar la historia de Stanley Kubrick, de ir a un área más oscura para mí donde las respuestas no son tan fáciles, creo que no sólo es un honor a Stanley, sino que me permite ser más honesto conmigo mismo, con mi propia edad. (EL País Semanal.2002)

-El comienzo de la película: Una voz en off nos cuenta la desaparición de los casquetes polares por efecto del cambio de temperatura promovido por la contaminación y el efecto invernadero.

Para empezar no está nada mal la visión pesimista y cínica de la película de Spielberg. Hay una frase que me parece clave en la película. Cuando la madre se vuelve a David y le dice: "lo siento nunca te he hablado del mundo". En eso me vuelto algo cínico porque creo que vamos a todo gas a la hora de empeorar el efecto invernadero y destrozar la capa de ozono sólo porque cuesta demasiado dinero arreglarla y porque eliminaría los beneficios de las grandes compañías. Sé que el calentamiento de la atmósfera y el deshielo de os casquetes polares también son parte de la evolución geológica y que ocurrirán hagamos lo que hagamos. Vivimos en un planeta que tiene su propia evolución, pero nosotros estamos ayudando a acelerarla.

-La feria de la carne: Una especie de visión futurista de los campos de fútbol unida a la caza de animales. Los humanos descargan su ira, sus depresiones y sus tristezas, destrozando androides inútiles para una sociedad que solo busca rendimiento. Se muestran a los humanos como seres egoístas, crueles e indiferentes hacia el dolor.

-Dr.Know: Es una especie de "gurú" al que acude David que busca las respuestas que todos buscamos.

La secuencia es tan ilusoria y tan poco realista como las respuestas que el Dr.Know dan a David.

No hay respuestas a las preguntas que todos nos hacemos.

-Un Manhattan apocalíptico: La contaminación y en definitiva los errores de los humanos producen catástrofes en las grandes ciudades. Una de los enclaves más emblemáticos del capitalismo, Manhattan aparece desolado y hundido en las aguas. La estatua de la libertad también está hundida. Es el pasado de una civilización vil y estúpida.

-La secuencia final: Un robot avanzado o extraterrestre le explica a David la desaparición de la raza humana. Los robots intentan volver a hacerla aparecer pero es imposible hacerlos vivir más de un día.

Es una raza que perdió su oportunidad, unas almas destinadas al olvido.

Los críticos han advertido y agradecido el cambio argumental e ideólogo experimentado por Spielberg, al que anteriormente tildaban de ser un director plano, acomodado, amalgamador y ciertamente reaccionario.

A.I. de muchas dimensiones y de extraordinaria belleza. Es una obra de profundo significado e donde el amor enfrenta un poderoso dilema moral para vencer los obstáculos que se le presentan. Merece más que un aplauso una ovación no sólo porque estamos ante una obra en todos los sentidos sino porque es un ejemplo de obstinación y perseverancia (Kubrick) y de un alto concepto de lo que es la amistad (Spielberg. (Las críticas de Rubén Román.2001)

A.I. es con sus (muchos) aciertos y (perdonables) defectos, una obra de arte absoluta. Un titulo cumbre en la trayectoria de sus creadores. Una lección de cine. (José Parera. Imágenes. N 206)

Aunque muchos de ellos criticaron duramente el epílogo, juzgado como "dulzón", que según ellos estropeaba el tono crítico anteponiendo el habitual sentimentalismo ñoño de Spielberg a la reflexión.

Si Spielberg hubiera tenido el pundonor de poner fin a la película en esa escena prodigiosa en la que el joven e increíble actor de Inteligencia Artificial se deja caer desde una torre neoyorquina a las aguas que cubren la ciudad, Inteligencia Artificial sería una de las películas más impresionantes que uno hubiera visto nunca. Dicen que la primera parte de la película es deuda absoluta de Spielberg para con Kubrick, mientras que la prórroga mezquina y sentimentaloide se deben a ese defecto de Spielberg de estropearlo todo con epílogos llorones. No sé... lástima que ese epílogo sea maraca de la casa Spielberg, esa llorona heredada del máximo representante del cine gore sentimental americano. ( Jesús Bonilla. El Mundo. 4-12-2001)

A.I. es, por supuesto, la más firme representante del cine crítico de Spielberg ( tal vez la otra sería 1941, parodia bélica que se reía de las obsesiones políticas americanas) y una de las pocas que han fracasado -relativamente- en la taquilla. Este film ha funcionado exactamente en la dirección opuesta que sus otros filmes, en este caso ha tenido una fría acogida entre el público pero un buen recibimiento de la crítica, eso sí con lagunas excepciones.

Es interesante estudiar estas películas y sus efectos entre el gran público. De nuevo remarcamos nuestra "escasa" coincidencia con la teoría crítica, A.I. pertenece como Tiburón o Jurassic Park a la cultura popular y no creo que ambos tipos de película idioticen al espectador, mientras una promueve la reflexión la otra es una historia principalmente de evasión y que poco tiene que ver con la realidad -así que veo discutible que el espectador la interiorice como pseudo realidad y sea dominado por una percepción dirigida por los medios de comunicación y la industria-. A.I. es un producto nacido de la industria más comercial, dirigida por un director maniqueo y amasa fortunas que pretende -¡horror!- hacer pensar.

La película fue "mal" interpretada desde el comienzo, los espectadores que fueron a verla creyeron que iban a presenciar una especie de secuela de E.T. o una nueva versión Disney de Pinocho, al contrario,

Se vieron impactados por una película seria, contemplativa, de ahí que el film fuera rechazado por los Fano de Spielberg. La película funcionó saltándose las previsiones del crédulo espectador.

Así se produjo el efecto "decodificación aberrante", el film fue leído como una secuela de E.T en lugar de un cuento frío y exintencialista que bebía de técnica narrativa de Pinocho. La película estaba destinada a gente madura y reflexiva y no para los niños que no se adaptaban al "lector modelo" ideal para la interpretación del film. Recordemos que el film forma parte de la ideología dominante, no por ser una crítica, se despega de ella. Por ello la mayoría de los espectadores han hecho una lectura de negociación, han entendido la película pero no se la han creído.

Parte 3 del trabajo.

En esta parte del trabajo intentaremos clarificar el grado de influencia de la obra de Spielberg en los espectadores, si produce en ellos una atrofia reflexiva, una imposibilidad de generar propios sentimientos o por el contrario no se produce y el efecto de la mercancía Spielberg es algo que se consume y luego se execra.

En ni opinión la obra de Spielberg, en general es como una Hamburguesa, algo sabroso de contenidos discutibles que se disfrute durante un tiempo, pero que el mismo espectador-consumidor reconoce la escasa calidad del producto, un producto al que solo acude por evasión-disfrute pero que no obstante

Puede entrar a formar parte de su fisiología-ideología. Cada persona es diferente e interpreta el producto de distinta manera a otra, a algunos les marcará profundamente a otros simplemente les divertirá intensamente. El estudio y las entrevistas posteriores nos aclararán nuestras disyuntivas.

Quizá sean los fans de este director los que más han sido marcados ideológicamente por su obra y sus mensajes en muchas ocasiones conservadores -en torno al núcleo familiar y a cómo actuar y para quién, l

La diferencia extrema entre buenos, loa americanos, y malos, los demás.-. Veamos las declaraciones y si hacen alguna alusión importante, es decir, si han cambiado su modo de entender la vida, de reflexionar sobre un acontecimiento...

*Todas las críticas están sacadas de un club de Fano de Spielberg en www.thedreamers.com

Tiburón.

La vi en el cine, en video, en la tele, la tengo en Dvd, sin mentir la he visto más de 50 veces desde que tengo conciencia...

Odiolosbodrios

No me canso de verla, la tengo en video y es una de las películas que me han gustado desde siempre. Spielberg se lo montó muy bien con una de sus películas comerciales muy buenas. Lo mejor sin duda el terror que desprende el tiburón y las diferentes caracterizaciones de los tres protagonistas: Roy Scheider, Richard Dreyfuss y Robert Shaw, sobre todo este con una interpretación magnífica, ¿cómo no le nominaron al oscar al mejor actor de reparto?

Darth Steven.

La mejor película de la historia del cine. Los tres protagonistas no son actores, son dioses. La música de Williams no es de este planeta. Son los 120 minutos más maravillosos de la historia del cine."Ya me marcha de aquí linda dama española. Adiós que me voy, OH preciosa mujer.

Potato.

No es que Tiburón me parezca bien o mal, es que forma parte de mí mismo, como mi brazo o mi pene.

E.T.

Como fanática de este director no puedo escribir todo el caudal de sensaciones extraterrestre que me causó esta obra cuando pequeño y ahora cuando mayor, sería interminable mi comentario, o lo que es peor, acabaría haciendo un análisis detallado de ella. Para los que han dicho que no tiene idea argumental o al que ha tachado de exclusivamente infantil les remito a que recuperen sus neuronas leyendo el libro de Antonio Lara donde en un capítulo dedicado a E.T. se explaya un análisis donde deja sobrada cuenta de sus virtudes narrativas.

Darth Steven.

Un niño y un ser entrañable pasando por un bosque al atardecer un día de Halloween en busca de la nave espacial. Esa escena y su música es la mejor parte para mí. Cada vez que veo la peli me emociono mucho y me vienen a la mente miles de recuerdos de mi niñez. Lloro, y lloro cuando veo esta película. Me veo muy identificado con muchas cosas de la película. No puedo explicarlo con palabras. Pero es tal como yo concebía el mundo en mis comienzos. Tengo 22 años y no puedo evitar emocionarme al ver E.T. y acordarme de esos años a los cuales echo de menos.

La película central de Steven Spielberg que marca un nuevo hito en su vida de director... y aunque la actuación de Drew Barrymore está sobrevalorada destaca el argumento, los efectos e indudablemente la banda sonora de Williams..

Marinero.

A.I.

... a mí el final es lo que más me gustó porque encuentro que redondea la historia de manera perfecta: Al principio es la madre la que, para suplir una falta -la de su hijo- usa a David, a pesar de que para ella es un pobre sustituto de su hijo; al final ocurre justo lo contrario, y es David, Quién, por su necesidad de una madre, revive a ésta, aunque sabe que realmente, ni va a durar ni es como su madre de verdad. Le doy un 10.

Teddy.

Los cuatro puntos más destacables de esta película son: 1) Las actuaciones espléndidas de todos los personajes .2) Los escenarios y fotografía son impresionantes, sobre todo el modo de ver las ciudades del futuro.3) La música me encantó, sobre todo la especie de melodías de violines. 4) Le dedico este punto al oso Teddy, yo quiero uno, me partí de risa con él...

Creo que mucha gente la vio sensiblera ya que en la actualidad en la que vivimos está llena de gente violenta y con ganas de acción, se esperarían una película como Terminator...

Puntuación: 8.

Cris.

Indiana Jones

¿Quién no vio alguna vez la película de este fantástico personaje?.....nadie. Esta trama de aventura de Steven Spielberg ya es un clásico en la vida de cada uno, no solo esta, también Indiana Jones y la ultima cruzada e Indiana Jones en el templo de la perdición. Además para la época en la que fue echa esta realizada muy bien con sus pocos efectos pero efectos al fin, además hay que destacar la gran actuación de Harrison Ford, que con esta película fue lo que lo mando al estrellato, soy tan fanático que las grave todas y siempre un fin de semana me veo alguna, no para de entretenerme nunca, la recomiendo, es la mejor.

El eterno aventurero

Los cazadores del arca perdida, es el primer logro que obtuvo Spielberg luego de Tiburon, y varios fracasos, es una película netamente de aventuras, como esas viejas, es como ver a H.Bogart en El Tesoro de Sierra Madre, o a Alan Ladd en Shane. Hacia años Hollywood no daba por la pantalla una de aventuras, por eso el gran éxito de este film de Spielberg, el actor elegido no había sido H.Ford, sino Tom Selleck el de magnum, pero este durante la filmacion rechazo el trabajo por firmar el contrato de Magnum, y por ese motivo Spielberg llamo al set a Ford ya que habÍa sido recomendado por Lucas, ya que lo tuvo en Star Wars. La película obtuvo 8 nominaciones al oscar, y aunque no lo crean la banda de sonido no gano, la famosa marcha de los cazadores perdió ante otro monstruo musical de ese año Superman, del mismo compositor. Este film comienza perturbando al espectador,

con un sin fin de excitantes escenas que se realizan al limite de la imaginación y mantiene electrizado al observador, que pegado a su butaca no puede creer como la música une perfectamente la imagen y la velocidad de la acción. Indiana jones es indestructible en este film, pero dentro de un relato coherente y muy sólido, nada se les escapo a los realizadores, nada. Jamás una equivocación distrae la atención de espectador, ni un solo momento piensa en otra cosa que lo que viene en el film. Mantiene el interés del que la ve, y como es absolutamente creíble se convierte en un film imperdible, para grandes o chicos. Las subsiguientes películas de este tenor tuvieron grandes y asombrosos efectos, por ese motivo esta es de las tres la mejor, no necesito de trucas ni de efectos para narrar correctamente una historia de aventuras ambientada en los 40. La dirección, impecable, la actuación de todos perfecta, la iluminación de interiores correcta, y el montaje, es simplemente una obra de arte. Cómprense unas gaseosas y algunos sanwiches, y prepárense haber, si es que no la vieron, a una película que no los dejara ir al baño. Esa es mi opinión

Sirlaw.

Tras ver las vehementes opiniones de los más acérrimos fans de Spielberg queda completamente claro que estos seguidores se apropian del valor de las películas, de los sentimientos que despiden, haciéndolas propias y reforzando su propia identidad a través de una obra que, Según la Teoría Critica de la escuela francfortiana, aspira a controlarlos sistemáticamente.

En mi opinión los seguidores y todos los habituales consumidores de "Spielberg" nos adueñamos del sentido de la película, somos espectadores activos, interiorizamos la película y la añadimos al conjunto de experiencias culturales más emisoras y fuentes de diversión que de refuerzo de valores y estabilizadores del sistema, aunque si bien es cierto que tampoco son críticos.

Ahora pasaremos al análisis de un círculo más cerrado, más etnográfico para analizar las consecuencias de este tipo de cultura en la sociedad.

Las preguntas de la entrevista, formulada a varias perdonas, fueron estas:

-¿Cuántas películas dirigidas por Steven Spielberg Has visto?

-¿cuáles crees que son los valoresde Steven Spielberg?

-¿Qué es lo mejor que tienen las películas de este director?

-¿qué buscas cuando ves una película de este director?

-¿Crees que se trata de un verdadero artista?

-¿Qué película te ha marcado más y por qué?

-¿Crees que hay un tono de crítica en sus películas?

-¿Cuáles crees que son las constantes del cine de Spielberg?

-¿Son películas cómodas o algo complicadas de ver?

-¿Con qué elemento de la cultura norteamericana compararías el cine de Spielberg?

-¿Cuál crees que es el mensaje de Tiburón?

.¿Crees que hay algún mensaje ético o moral?

-¿has pensado alguna vez en Tiburón al meterte en el agua?

-¿Cuál es el mensaje de Encuentros en la tercera fase?

-¿Crees en la existencia de ovnis después de haber visto la película?

-¿Tiene mensaje la trilogía de Indiana Jones?

-¿Te sientes mejor después de haber visto E.T.?

-¿Refuerza de algún modo la amistad y la tolerancia?

-¿Cuál crees que es el mensaje de E.T.?

-¿ A parte de la amistad que mejor plasma la película?

-¿Has leído últimamente un libro?

-¿Has ido a ver alguna película no comercial?

-¿Qué prefieres ver las tele (series, programas) o una película?

-¿Por qué no lees?

Cuando buscas información ¿Dónde acudes?

¿Por qué motivo leerías un libro?

Volviendo a Spielbeeg,¿Cuáles son los valores de el Color púrpura?

¿Es un film antirracista, feminista o un simple melodrama familiar?

¿Detestas algo del cine de este director?

¿Qué valores se reflejan en El imperio del sol?

Tras haber visto una serie de películas del director ¿Cómo crees que es?

¿Cúal crees que es su ideología?

¿En qué crees que se diferencian el mensaje de Hook y el de Peter Pan?

¿Cómo definirías la película Jurassic Park?

¿Crees que hay algún mensaje?

¿Fuiste a ver la película¿ ¿Por qué?

¿Qué es lo que más te gusta de la película?

¿Qué opinas de todo lo ocurrido en los campos de concentración?

¿Qué opinas de los alemanes de la II Guerra mundial?

¿Qué sabes del pueblo judío?

¿Qué te aportó La lista de Schindler?

¿Qué opinas de los Alemanes de la II Guerra mundial?

¿Qué sabes del pueblo judío?

¿Qué te aportó La lista de Schindler?

¿Ves diferente el holocausto tras haber visto la película?

¿Cuál crees que es el mensaje del film?

¿Ves algún tipo de maniqueísmo?

¿Qué refleja el film Salvar al soldado Ryan?

¿qué mas explícito está en la película?

¿Con qué imagen te quedas?

¿Qué valores fluctúan en el desarrollo de la película?

¿Quiénes eran más crueles en la II Guerra Mundial?

Dime tres palabras con las que identificarías la peli.

¿Cambia de algún modo tu forma de pensar sobre los militares americanos?

¿Qué comunica A.I.?

¿qué valores intrínsecos tiene la película?

¿Te pareció manipuladora?

¿Crees que las películas de Spielberg cambian tu manera de pensar?

¿Han sido las películas de Spielberg un factor importante para aceptal los valores americanos?

¿Qué piensas de EE.UU.?

Respuestas.

Iñigo Fernández Laorden. 20 años. Estudiante de comercio y marketing. Tendencias izquierdistas.

10

Patriotismo y entretenimiento.

Diversión y efectos especiales.

Entretenimiento.

Sí pero está sobrevalorado.

Tiburón, por el terror, y A.I. por el mensaje.

Generalmente no.

Familia , amor a la infancia y evasión.

Cómodas, muy cómodas.

Con la hamburguesa, rica y fácil de digerir.

“No te metas en el agua”

No

No

“No estamos solos”

No

No tiene

No

A la larga no

Amistad y compasión.

Niño medio americano.

No.

Sí.

Una película.

No leo por pereza.

A la tele, a los informativos.

Por adquirir cultura.

No la he visto.

-

Su patriotismo.

No la he visto.

Muy americano, ingenioso, sentimental y muy inteligente.

Patriota.

Hook es un film más nostálgico.

34.Una de acción maravillosa pero muy comercial.

No.

Sí. Porque todo el mundo fue a verla.

La acción, la acción y la acción.

Que fue una barbaridad.

Que eran unos inhumanos.

Bastante poco.

Historia y valores.

-

-

-

Sí porque antes no sabía casi nada.

Projudío y antinazi.

Sí, es demasiado parcial.

El horror bélico.

El dramatismo.

Con la escena del desembarco. Es muy realista.

Compañerismo y patriotismo.

Todos eran igual de crueles.

Guerra. Terror . Compañerismo.

No.

Un androide busca su identidad y un amor que le corresponda

La búsqueda del amor, el rechazo, el existencialismo...

No.

No, para nada.

Puede que no para aceptarlos pero sí para acostumbrarte a ellos.

Que es un país tremendamente conservador y puritano

Hurko Sáez Crespo.21 años. Estudiante de Segundo Logse. Se considera antipolítica.

-10

-Americanadas , patrióticas.

-Entretenimiento.

-Diversión y suspense.

-Sí.

-Tiburón. Me acojonó.

-No.

-Dinero, dinero y más dinero.

-Cómodas.

-Con el tío Sam.

-No tiene.

-No.

-Sí, pero no siento ningún miedo.

-No.

-No-

-No.

-No.

-No.

-Amistad.

-El dolor de la despedida.

-Sí.

-No.

-Por supuesto... una película.

-Leo algo si me parece previamente divertido o interesante , pero sin resultar pesado.

-A la tele.

-Por diversión.

-

-

-Es demasiado americano y comercial.

-

-Rico...

-Un poquito conservador ¿no crees?

-En nada, todas son igual de infantiles.

Acción, humor e infancia.

No ... solo está la acción... lo demás es secundario.

Sí... porque todo el mundo fue a verla.

Los efectos especiales.

Que fue un horror... sobre todo para los que lo sufrieron.

Unos hijos de...

Sé algo de su cultura y lo del conflicto con Palestina. También son unos hijos de...

Conocimiento sobre el holocausto.

-

-

-

-No.

Sí que es bastante parcial... pero bueno, de un americano no se puede esperar otra cosa.

Sí.

La guerra, la sangre.

Lo gore.

Con la escena del principio.

Patriotismo por todos lo lados-.

Todos eran igual de cabro...

Americanada -Efectos especiales

No

No la he visto.

...

...

No para nada.

Creo que no, a casi todo el mundo le choca ese patriotismo de andar por casa.

Que son unos cabro....

Violeta Raposo Bautista. Dependienta. Estudios universitarios. Se considera de izquierdas.

-8.

-Moralina.

-Entretenidas e interesantes.

-Diversión.

-Sí.

-“La lista de Schindler” , por tratar un tema tan delicado y no hacerla aburrida.

-En las serias, sí.

-“Happy end”, amor al prójimo y justicia.

-Muy cómodas.

-Series televisivas Yankees.

Hay que evitar el sufrimiento de inocentes.

Sí, el más fuerte se come al débil.

Sí.

No.

...

No.

Sí.

Lo intenta.

Amistad y tolerancia.

El drama familiar que supone una separación.

Sí.

Sí pero en la tele.

Una película. La tele ,los programas, no vale para nada.

Leo para reflexionar.

Tele.

Tema interesante.

Una mezcla de las dos.

Demasiado americano.

...

Muy humano y sentimental.

Demócrata. Creo que era seguidos de Bill Clinton ¿no?

...

Acción, comercial e inocentes.

No.

No... no iba por entones al cine.

La acción.

Pena y dolor.

Xenófobos e ignorantes.

Cultas, religiosas y hombres de negocio.

Acercarse a la miseria del holocausto judío.

...

...

...

No.

Todos somos personas y hau que ser responsable.

Sí. No todos los alemanes eran malos y no todas las personas en campos de concentración eran judíos.

...

...

...

...

...

...

...

...

...

...

No.

Sí, otra cosa es que no se acepten.

Es un estado hipócrita y egoísta.

Estas tres entrevistas son tres de las seis entrevistas que hice y básicamente son un resumen de las demás. Es importante resaltar el gran conocimiento general que tenemos de la obra Spielberg. Todos se han visto 8 o diez películas y en muy raros casos -aquí tenemos uno- no han visto sus películas más clásicas, como E.T., Tiburón y las de Indiana Jones.

Todos los entrevistados coinciden en su escasa afinidad por leer y admiten que no lo hacen porque les resulta aburrido y muy poco entretenido. Al preguntarles que hacían para informarse normalmente la respuesta era acudir a la televisión, el periódico ni siquiera lo nombraban. También otra forma que destacaban era la información directa, bien de los amigos o de la familia.

Así que podría llegarse a la conclusión errónea de que los jóvenes de hoy en día están totalmente manipulados por la información que les llega de los medios audiovisuales, también podríamos creer que es una juventud crédula que se creen todo lo que ven y escuchan... Pero lo cierto es que estamos ante unas personas que extrañamente son escépticas, si bien se dejan informar por los medios de comunicación, pero que son bastante críticos con el sistema y, en esencia, aborrecen todos los sistemas retrógrados. Por otra parte es importante destacar que esta "nueva" sociedad tiene una atrofia intelectual

-no quiero decir estúpidos- que les lleva a desdeñar cualquier tipo de lectura reflexiva y, por tanto, son - o somos- la consecuencia de una sociedad educada en lo visual y que en cierto modo, a nivel muy inconsciente, alimentamos nuestros valores a través de la televisión, el cine y la publicidad. Me explico contraponemos nuestros valores heredados de la familia a los valores mostrados por la industria cultural / cultura de masas a la que acudimos principalmente en busca de evasión.

Conclusiones:

Discuto la teoría de la escuela Francfortiana que advierte que la cultura de masas es pseudo cultura y, por tanto, brutal y mediocre. Aunque si es cierto que gran parte de la cultura popular es execrable esta afirmación no es extrapolable a todo el ámbito cultural, donde se pueden diferenciar obras de calidad “populares” y obras deleznables, vagas y blandas. No es lo mismo dentro de la cultura popular y del campo del cine hablar de “Vértigo” que por ejemplo de “Godzilla”. Los ejemplos abundan pero no creo que sea necesario dotar con más ejemplos mi postura.

Daniell Bell y Edward Shills dictaminan que “el elemento que contribuyó a amalgamar nuestra sociedad funcional ha sido la cultura popular”. Promulgan que los medios culturales adhiere en si y expande el igualitarismo moral y la civilidad.

Marcuse dictamina que la industria cultural y los medios constituyen el instrumento integrador de las clases populares en la lógica capitalista, armonizando las necesidades individuales para que el sistema se mantenga y prospere. O lo que es lo mismo, que el dominio de las conciencias y el control social serán resultado directo de la propia sociedad de consumo y de las mercancías culturales generalizadas.

Personalmente y aunque estas teorías me parezcan apreciables -y excesivamente elitistas y burguesas- creo que no es del todo correcto exagera de tal modo y ver una anticipada decadencia intelectual. Se deberían de dar unas condiciones extraordinarias para producirse el control psicológico que la Teoría Crítica recoge en su teoría.

Olvidan que el individuo es un ser activo que interpreta e interioriza los mensajes a los que es expuesto, cuando no se da el caso que en cuanto consume un determinado ente cultural lo vomite al poco tiempo, quedándole únicamente interiorizados valores sumamente débiles como para discutir o o forzar los valores personales hacia un determinado extremo.

Spielberg es un claro ejemplo, sus productos son tan sencillos, tan escasamente simbólicos -son tramposos pero no simbólicos- que es dificultoso interpretar el mensaje en otros términos que el propio director ha explicitado. A pesar de su sencillez esas películas entran a formar parte del individuo, de sus experiencias y no es que le obliguen a reforzar o a contrariar los valores éticos sino que son reasumidos para detallar los gustos y la propia personalidad de un individuo que elige activamente ver Tiburón y hacerla suya -estoy hablando de mi caso- modelando su estructura intelectual y completando su ansía de diversión aunque, en muchos casos, no se crea o no comparta el mensaje implícito del film o los valores que de él emanan.

Consumimos esa “execrable” cultura popular porque nos produce un placer, una gratificación y es por ello, que, la propia cultura industrial avance cada vez más rápidamente hacia una iconografía poco reflexiva, que aporte placer inmediato, y abandone paulatinamente la expresión artística. Acudimos a ver películas de Spielberg por una mera necesidad afectivo estética ( Katz, Blumler y Grenwitz dixit ) , por la obtención y necesidad de evasión, de recreación y de la búsqueda del espectáculo. Viendo a Spielberg acudimos al mundo onírico de la infancia, del ensueño...- aunque muchas veces el mensaje moral de la película muestre lo contrario-a parte de establecerse su obra al completo como un factor importante para la integración social, -todo el mundo ha visto la mitad de las películas de Spielberg, todos hemos interiorizado ese mundo de aventuras que en miles de ocasiones nos han servido para juguetear y relacionarnos - y para el desarrollo de la capacidad de evasión intrapersonal.

Lo que es cierto es que esa cultura popular , aunque no amalgame e idiotice, es sobradamente eficaz a la hora de satisfacer las necesidades hasta el punto de llegar a erigirse en uno de los elementos que contribuyan al mantenimiento del sistema. La continua exposición a películas de Spielberg nos pueden llevar a no rechazar -no digo aceptar- los valores que el proceso sobre la familia y sus afinidades éticas con Disney.

Vemos las películas y, en ocasiones, no vemos el trasfondo moral, lo que provoca un continuo acercamiento al no-rechazo aunque nos demos cuenta.tardíamente o no- que no concuerda con nuestro pensar.

Ya hemos indicado con anterioridad la dificultad de interpretar de forma no rectilínea las películas del director de Tiburón, principalmente las “únicas” películas un tanto ambiguas son E.T., Encuentros en la tercera fase y A.I. pueden tener interpretaciones extravagantes.

Aunque esa sencillez tampoco nos debe llevar a que no es posible decodificar sus películas en otros términos a los dados. Si el análisis del Rey León nos deparó que estábamos ante una película sumamente retrógrada el análisis de las películas de Spielberg nos pueden llevar a admitir que estamos ante un director en la línea continuista del “genio” de la animación. Spielberg es tomado, mayoritariamente, e interiorizado a niveles conscientes por su vena formal, el fondo queda difuso. Todo el discurso sentimental y ñoño es el que es principalmente captado por una audiencia poco dada a las reflexiones.

Hay que aclarar que las interpretaciones dependen, más de la participación y reflexión del espectador que de las características del texto -cerrado o abierto.

Así el espectador de Spielberg no es un dependiente cultural, ni una persona que acude a ver la obra moral de un personaje que refuerza con su obra sus valores éticos -morales- y sociológicos. Spielberg es el ilustrador de las aventuras oníricas de unas personas demasiado desinteresadas y “desmotivadas” para buscar aventuras en otro tipo de productos menos exóticos y plásticos y por el contrario más serios, audaces e inteligentes.

Spielberg es evasión... aunque a veces esa evasión ayude acostumbrarnos a unos valores procedentes de la propia industria aunque eso no nos lleve a aceptarlos...

Como conclusión hago mía una frase que explica t resume mi teoría sobre Spielberg.

.

“Al arraigar un mensaje e incorporarlo rutinariamente a nuestras vidas, nos implicamos en la construcción del sentido del yo, de quiénes somos y dónde estamos en el espacio y en el tiempo, estamos modificando activamente un yo a través de los mensajes y el significado facilitado por los productos mediáticos. Este proceso de auto actualización no es súbito y tiene lugar de manera lenta, imperceptible, de día en día y de año en año.” (J.B.Thompson)