EL MEDIO FLORENTINO: ESCULTURA

El arte medieval con su valor narrativo es un arte transcendental; el renacimeinto al contrario nos ofrece obras que nos proporcionanunpolacer puramente estetico.

Las obras civiles merodean, el artista abandona el anonimato y tiene conciencia de creador. Asi se enriquece el campo del arte. El hombre y la naturaleza son protagonistas y el cuerpo desnudo reaparece como portador de suma belleza. Juntamente se representan temas paganos, mitológicos o de alegorías a imitación de la época clásica. Los temas cristianos siguen predominando pero también en mente formal; realismo o idealizada sobre todo en esta primera mitad del s. XV.

El arte propende a la exaltación del sentimiento religioso, del estado y del individuo. En cuanto al estilo subsisten muchos elementos góticos como el plegado de los paños.

Hacia 1402 se producirá en Florencia un encuentro de importancia para la historia del arte: la competición de los grandes maestros de la escultura, para la ejecución del proyecto para la segunda puerta del baptisterio de Florencia (il duomo).

La primera ya habia sido realizada en torno al 1330 por el escultor Andrea Pisano. Cada concursante debía presentar un relieve de bronce con el tema del sacrificio de Isaac, la forma del marco tenía que ser tetralobular, igual que la ya usada por Pisano. Los más aproximados de los siete concursantes fueron los de B. y Ghiberti, pero económicamente eran más accesibles los de G y su técnica menos compleja por lo que esos fueron elegidos.

En la de B. parece que las figuras estan agrupadas pero no relacionadas entre si. Tiene claras inspiraciones clásicas y la escena principal para mas bien secundaria.

Sin embargo, Lorenzo Ghiberti (1378-1455) relaciona todos los elementos de su composicion entre si y las figuras quedan integradas en el paisaje. El cuerpo desnudo de Isaac es claramente clasico, mientras que el de Abraham se atiene mas a a tradiciones goticas. Tambien la escena de G. se asemeja mas a la historia verdadera biblica. Rico claroscuro. Ambos relieves se encuentran hoy en el museo del bargello en Florencia.

La calimala mando dorar el relieve del concursante elegido.

En 1425 menos de un año despues de haberse colocado la primera puerta, para el portal este, el artista y la calimala firmaron un nuevo contrato.

En este tiempo la posición social de Ghiberti había dado un giro, había ascendido de simple maestro artesano al cargo de arquitecto, status social complarable al de los letrados.

Se produjo por primera vez la emancipación del maestro de las exigencias del comitente y con esto el momento del cambio en la historia social del arte europeo.

* Las tres puertas (1425-1552)

-Tomó como referencia los relieves rectangulares en bronce de la pila bautismal del baptisterio de siena, redujo a diez el numero de escenas y desarrollo un concepto nuevo de sus marcos: marco escalonado rodeado por estrechas molduras articuladas rítmicamente.

-Cada cuadro está flanqueado por dos imágenes en un hornacina integradas en los largueros de cada hoja y en las cuatro esquinas círculos con bustos de relieves.

- Las figuras del cerco son mucho mayores que las de las escenas.

- Se consigue algo desconocido en el arte hasta el momento, que cada relieve tenga un valor propio dentro de la temática global.

- Logra profundidad espacial no conseguida en las puertas anteriores, efecto tridimensional, perspectiva.

- Debido a un comentario posterior de Miguel Angel ha tomado el nombre de puertas del paraiso.

- G. no crea una linea de fuga sino crea dimensiones espaciales casi intuitivamente.

- G. conocio a Donatello, Masaccio y tambien a Brunelleschi, usa el schiaccito o bajo relieve, aunque su gran creador fuera Donatello.

- Mantiene el refinamiento del mundo tardogótico (lo que también veremos en Boticelli)

* Figuras del púlpito de la catedral de Visturi

A partir de la edad media y a finales del romanico las figuras de iran separando del muro, hasta llegar a ser exentas.

*San Juan Bautista -

Estudio de paños y contrapostos, estudo de prototipos antiguos pero que nos siguen remitiendo a la escultura medieval.

Se encuentran dentro de un nicho (pilastras y fronton triangular) predomina el entasis y arco apuntado gótico.

NANNI DI BANCO:

*Profeta Isaias:

Se le encargo en 1408. Esta realizacion en marmol para la catredral de Florencia.

Hoy en dia se encuentra en la nave lateral dereccha de la catedral.

Su obra temprana se caracteriza por la indecision entre elementeos tradicionales goticos y las nuevas formas clasicistas.

La postura erguida descargando el peso del cuerpo sobre la pierna derecha, sino fiel a los ideales goticos del mismo modo la nariz vertical, el rostro ovalado, la utilizacion de paños con grandes pliegues como recurso expresivo y el rollo que sujeta en una mano.

De influencia clasicista son el enfasis que pone en la presencia fisica del cuerpo, casi palpable a traves de ropaje, los brazos desnudos, los rasgos faciales y el peinado a la antigua, caracteristica de principio del quatroccentro.

* Escultura sedente de san Lucas:

Para la fachada de la catedral junto contra de San Juan encargada a Donatello.

Hoy se encuentra en el museo que hay dell'opera del duomo.

Tunica ceñida a la cintura con un cingulo, amplia capa.

Tiene claras influencias de Donatello de su David:esbeltez del cuello, inclinacin de la cabeza, mano derecha que descansa sobre la cadera, y lo alargado de sus dedos.

. Tambien ejercio el gotico internacional, como el drapeado de la capa sobre las piernas

*Los cuatro santos coronados:

Para una de las hornacinas de OrsanMichelle.

Por el gremio de canteros florentinos.

En el zocalo se representan con relieves los cuatro oficios reunidos en este gremio: albañil, cantero, arquitecto y escultor.

Debido a sus dimensiones ocupo una frnacina mas grande que las demas.

Formando un semicirculo los cuatro conversan de pie en estrecha proximidad y con ropajes tipicos de la antigua Roma.

Di banco, tambienrealiza los relieve de las puertas laterales de la catedral de Folrencia, de la puerta de la Mandorla.

DONATELLO:

Donato di Niccolo di Betto Bardi. (1386-1466)

Nació probablemente en Florencia y se sabe que sobre el 1406 aproximadamente esta formándose en el taller de Ghiberti, sobre todo se forma como broncista.

Durante su vida realiza viajes a Roma y por Italia, ampliando su registro de ideas estéticas.

Un mes mas tarde que di Banco recibía el encargo del profeta Isaias, él recibe el encargo de realizar otro de bronce para el mismo sitio (otro de los contrafuertes del coro): Un David.

Se considera la obra mas temprana de D.

Descansa su cuerpo sobre la pierna izquierda tocado con corona de laurel y la cabeza de Goliat a los pies. Se sostiene la capa con la mano izquierda y una coraza ajusada de cuero realza sus musculatura. La mano derecha la apoya sobre su cadera y la cabeza inclinada.

En 1408 se le encarga junto con N. di Banco otra escultura sedente para el otro flanco de la portada principal de la fachada oeste;

*San Juan:

Aparece con una túnica ceñida con un cíngulo, al igual que el san lucas de nanni di banco. Cubierto con una capa de marcados y anchos pliegues que le envuelve las piernas.

Presenta un aspecto de tensión en el movimiento contrapuesto de las piernas y la cabeza, así muestra una característica de la obra temprana de Donatello.

Establece una relación óptica entre la posición elevada de la hornacina y el punto de vista del espectador.

Tambien realizó obras para decorar el campanile del duomo (campanario de la catedral) Ghiberti donde simplifica las formas de las esculturas para ser mejor vistas desde abajo.

D. realizó una serie de profetas a los que dió una fisonomía individual.

*Habacuc, il zuccone:

Renuncia a los atributos iconográficos usuales.

Rasgos naturales y de fealdad. Los ropajes no dejan ver el cuerpo sino que mas bien hay que adivinarlo y parecen de fieltro con grandes bandas de pliegues que cuelgan del hombro izquierdo, así dan volumen y rotundidad a la figura.

Brazos descubiertos anatómicamente perfectos.

También tiene encargos para las hornacinas de orsanmichele.

*San Marco:

De composición en contraposto.

*San Jorge:

Florencia, museo dell'a opera del duomo.

Aparece como un joven, con armadura clásica y sujeta un escudo que descansa en el suelo.

Destaca la gran relación que tiene con la hornacina, de una manera opuesta a la de san marcos que parece aislada, lo que se aprecia entre otras, en que tiene sólo un punto de vista frontal, mientras que esta tiene vista casi por todos lados.

Domina el relieve, su punto de partida en el relieve que decora el zócalo de esta imagen en el que muestra una ruptura con los conceptos tradicionales del relieve: logra representar por primera vez la profundidad espacial dentro de un mismo plano. Esta nueva técnica se denomina, rilievo schiacciato o relieve plano o aplastado.

*David:

Florencia, museo nacionales del Barguello.

Imagen en bronce que segun las últimas investigaciones data los años 40 del quatroccento. Es de gran importancia ya que se trata del primer desnudo tridimensional, desde la antiguedad, en la imágen con la que donatello libera a la escultura de las ataduras funcionales que la unian y supeditaban a la arquitectura. Representa a un rey de Jerusalén. No tiene un sólo punto de vista sino una multitud, el resultado final es una cuestión intelectual.

Cuerpo juvenil que con un ligero contraposto apoya su cuerpo sobre la pierna derecha y su pierna izquierda arqueada reposa sobre la cabeza de Goliat vencido. Refleja un momento psicologico de post-climax, de vencedor. con su brazo derecho que arqueado descansa sobre el puño de la espada repite el motivo de esa misma pierna.

Parece relexionar, con una leve sonrisa ambigua y quizás melancólica. El tratamiento de la piel, lisa, finamente pulida y perfectamente patinada logra la sensualidad del cuerpo juvenil y su belleza casi andrógina.

las arrugas en el cuello o axila o en las posaderas, podría preconizar la imitación de la naruraleza, propia del ideal renacentista tardío.

Se sabe que originariamente estuvo colocado en el palazzo medici, en su centro y se cree que podría tener simbología política, propagandística.

Como ya dije antes, Donatello es el gran maestro en el campo del relieve, en un espacio sin profundidad, crea una gran profundidad, con figuras muy acusadas y el fondo practicamente liso.

Esto lo va a ir desarrollando con una serie de obras.

*Relieves de bronce para la pila bautismal del baptisterio de Siena:

Rodeando la pila coloca los relieves en placas auspiciadas por un marco arquitectónico.

Un ejemplo es *el festin de Herodes:

Se aprecia en la representación en perspectiva de la arquitectura clásica de la arcada que guía la mirada del espectador y le hace ver una profundidad hasta entonces ignorada. El uso de la nueva perspectiva central cuya invención se debe a Brunelleschi,encuentra ahora la aplicación más importante de todo el renacimiento temprano.

Sin embargo en ocasiones se rechaza la perspectiva: cantorias.

en 1432-33 vuelve a viajar a la roma y presta atención a los relieves de algunos sarcófagos y sobre todo a algunos temas mitológicos, Baco es el dios del entusiasmo y tener entusiasmo es tenerlo dentro de ti.

TEMA 5: EL MEDIO FLORENTINO: PINTURA.

En el desarrollo del renacimiento cuenta decisivamente la formación de una nueva clase social: la de los intelectuales. Hasta entonces la iglesia había ejercido un tutelaje en la vida intelectual europea, pero esta nueva clase, es fundamentalmente humanista y esta constituida por seglares.

El realismo flamenco del s. XV había despertado un gran amor por la realidad.

La geometria, las matemáticas, perspectiva y al ciencia de los números, serán de gran obsesión para los pintores

Otra victoria, importante desde el punto de vista formal es el abandono del arte esencialmente lineal exaltado por el románico y gótico donde el color es generalmente al igual que la linea, un elemento ornamental. Ahora resurge la tradición clásica del bulto pleno, buscando formas tridimensionales y a su vez situarlas en un espacio posible.

También comienza el proceso de separación entre el arte y el tema, buscando un goce estético, este proceso llega en el s. XX al cúlmen de su desarrollo.

La perspectiva es lo principal.

En Florencia bajo Cosme de Médicis, la ciudad vive un momento supremo de actividad pictórica.

MASACCIO:(1401-1428 aprox.)

Renovación de la pintura, representa mucho en la conquista de los valores tactiles. Maestro suyo fue Masolino da Panicala, pero este lo supero, aunque todavia hay obras que no se sabe a quien pertenecen. Las figuras de Masolino poseen todavia un espiritu tardogotico, mientras que las de Massacio estan modeladas plasticamente, tienen un sentimiento profundo.

Massacio reencarna la monumentalidad giottesca pero fusiona mejor las figuras con el ambiente.

Causa un gran impacto.

En los primeros años del s. XV, contemporáneamente a Massacio habia una corriente de una delicada pintura tardogorica sobre fondos dorados, carentes de peso, de gravedad, sin volumen, se trataba de un arte más que nada decorativo. Pero Massacio supone como ya dije, una vuelta a Giotto; hacia pinturas mas realisatas y naturalista pero con ciertos volúmenes, también causó gran impacto S. Francisco de Asis con su nuevo concepto de la naturaleza; se dirige a los pájaros, habla con las flores, con el rio....

Marca una inflexión en la sensibilidad de la naturaleza.

Massacio frente a Giotto, usa la perspectiva y como ya he dicho marcó un espacio racional y la historia es también racional, tampoco puede haber diferencia de escala como ocurre en la pintura gótica.

En massacio vemos cierto feismo muy cerca de la violencia de Donatello.

*Crucifixión con la Virgen y San Juan: (Masolino)

Composición heredada del treccento.

Aparece un pelícano cargado de simbolismo aparece con sus hijos)

Convencionalismo de San Giovanni y la virgen: se apoyan la mano en la mejilla como gesto de dolor.

No hay estudio de la realidad, todos son signos.

*Deesis con la virgen, san juan y la magdalena (Masaccio)

En origen constituia la parte superior del Poliptico de Pisa, hoy disperso en varios museos (Pisa, Londres y Berlin) éste está en el de Nápoles.

El torso de Cristo es mucho más realista que la cabeza y encontramos en la composición una gran carga de dramatismo, nueva hasta ahora.

En la Magdalena encontramos la máxima expresión del dolor

Masaccio desconfia de los signos convencionales y acude como modelo a la naturaleza.

*La Trinidad(santa maria novella)

´ Fresco sobre revoco de base todavía húmeda.

Simula un nicho abierto y profundo en el muro lateral de la basílica.

Es una de las primeras pinturas que hace uso de la perspectiva central: todas la lineas convergen en un punto de fuga situado al fondo de la imagen poco más abajo de la base de la cruz y a la altura de los ojos del observador.

Clara influencia de Brunelleschi (perspectiva central) en la bóveda acasetonada que simula y en las dos grandes pilistras acanaladas con capiteles compuestos que flanquean el arco de medio punto sustentada por columnas adosadas con capiteles jónicos; posiblemente las pinto Brunelleschi para Masaccio.

Composición triangular, en la cúspide el señor, y en la base los comitentes con las cabezas a la misma altura. Todos los personajes estan a la misma escala. En la zona inferior un sarcófago sobre el que reposa un esqueleto, triunfo sobre la muerte.

Vemos el crucifijo sobre una pequeña colina que simboliza al monte Golgota en Jerusalem, bajo el cual yacen los restos mortales de Adan. Ya no hay fondo dorado.

*Madonna en el trono:(En Londres) Formó parte del panel central del Políptico de Pisa. Es la obra más convencional, la virgen y el niño reales suponen una revolución.

Muestra la búsqueda de poderosas masas geométricas, son pinturas robustras, que pesan.

*Tablas de la Predalla: Repartidas por distintos museos

*Adoracion de los reyes magos, personajes creíbles.

*Crucifixion de San Pedro:, siempre preocupado por la construcción del espacio.

*La degollacion del Bautista: Hay muchos elementos que nos recuerdan a Piero della Francesca.

*San Pablo: El fondo es de oro, peor con la luz crea volumen, realza el personaje.

*Capilla Brancacci: en la iglesia de santa maria del carmine (Florencia)

Masaccio creó un número considerado de frescos para esta capilla, hoy de gran importancia para la pintura renacentista y por su fuerza innovadora sirvieron como fuente de inspiración a los artistas durante el siguiente centenario.

La decoración con las escenas de la vida de San Pedro fue iniciada en 1424 Masolino da Panicale, pintor todavia comprometido con el gótico internacional, pero que atendiendo a la construcción en perspectiva de sus espacios arquitectónicos, ha de considerarse entre los precursores del arte renacentista.

También Masaccio quien dejó inconclusas cuando en 1428 murió en Roma a la edad de 26 años y la capilla sería terminada 60 años más tarde por:

Filippino Lippi:

Los frescos se leen de arriba a abajo y de izquierda a derecha.

*Tentación de Adán y Eva y expulsión del paraiso (Brancacci)

Ambos frescos se encuentran en los pilares de la entrada a la capilla, a la derecha la de Masolino y a la izquierda la de Masaccio, lo cual nos invita a una comparación (comparación entre los ideales gótico tardío y los del renacimiento temprano)

La de Masolino se caracteriza por la precisión de la ejecución y su elegancia, los contornos nítidos, la firma del rellano y la delicadeza y esbeltos del modelado de los cuerpos y por el contrario las de Masaccio rebosan de energía y vitalidad que casi cobran vida en los modelados de forma realista. Mientras los de Masolino no muestran ninguna emoción Masaccio hace del drama humano su tema central: la desesperación, la vergüenza, el arrepentimiento.

*Tributo de la moneda, o tributo al César (Masaccio) Brancacci.

Reproduce un hecho referido en el evangelio para hacer de él una escena narrativa de carácter dramático. Es una composición basada en en tres momentos narrativos: el mas importante se situa en el centro donde aparece Cristo rodeado por todos sus discipulos y el recaudador de contribuciones estatales y el segundo a la izquierda, Pedro coge una moneda de un pez, y el tercero este mismo se la da al recaudador.

En su pintura, Masaccio ha logrado captar esplendidamente la realidad enla perspectiva central del marco escénico, los personajes se mueven libremente caaracterizados induvidualmente con rasgos fisonómicos realistas, es una sensacional galeria de retratos; reflejan estados de ánimo, son figuras macizas.

Pero este realismo tambien se hace patente en la reproducción natural de las montañas y de los fenómenos atmosféricos, o en las sombras alargadas que proyectan los cuerpos. Es un tema iconografico poco común en esta época.

*Los milagros de San Pedro: (Brancacci) Masolino, Masaccio Filippo Lippi. Son verdaderas reprensetaciones urbanas florentinas y con colores muy apagados.

*San Pedro curando a un paralítico y la resurrección de la Tabitá: (Masolino) Reuniño dos acontecimientos que se narran en distintos pasajes del nuevo testamento. Para lograr la unidad de ambas escenas independientes Masolino las situa en una plaza colocando en su centro a dos jóvenes vestidos a la moda que los usa como eje y transición entre ambas composiciones.

La elegancia de las poses y de sus vestimentas y la delicadeza del modelado de sus rostros, denotan la preferencia de Masolino por el lenguaje formal del gótico tardío.

Fue uno de los pocos de su tiempo que dominaba la perspectiva central. La plaza es de gran realismo.

*San Pedro resucita a un muerto: Masaccio y Lippi.

*Pedro curando con su sombra: Masaccio.

*Liberación de S. Pedro de la cárcel: Filippino Lippi.

En las fronteras entre época medieval y moderna, Masaccio será el primer pintor moderno, aunque durante los próximos cien años habrán incluso pintores retardatarios.

EL DISEÑO, LA PERSPECTIVA Y LA VENTANA AL MUNDO: UCELLO Y CASTAGNO:

En la Florencia del siglo XV, hubo un gran número de tratados, estos son los argumentos construidos con una selección de hechos convincentes para la teoría del autor en cuestión.

El modelo de Vasari (1511-1574) es y fue de gran importancia, Giorgio Vasari fue uno de llos biógrafos de artistas del s. XV; este dató la gran renovación del arte italiano desde finales del s. XVIII y la asoció con artistas florentinos como por ejemplo Giotto, con lo que afirma que hay una continuidad en la evolución del arte italiano desde Giotto a Miguel Ángel.

Refiriendose a la epoca de Giotto, Vasari ve la gran renovación del arte, la imitación de la naturaleza.

Hoy en día la obra de Vasari sirve de base a la historia del arte que nosotros estudiamos, como ya vemos se trata de una derivación ideológica, en la que Vasri modifica, suprime, etc para crear su propio modelo.

En Florencia hay una revolución de artistas con grandes restos de influencias góticas, ya que los "casoni" eran los compradores y eran lo que pedían, incluso después de la teórica "revolución" perduran durante mucho tiempo los modelos anteriores. Por ejemplo el "brutesco" arte de Donatello, en su tiempo no gustaba pero de todas formas las aportaciones de Brunelleschi, Donatello y Masaccio supusieron un gran impacto, cuya reacción fue el gran golpe del sentido de la volumetría"

PAOLO UCELLO (1397-1475):

Típico artista de taller, trabajó con un colaborador del Lorenzo Ghiberti y participó en la obra de la puerta del baptisterio, realizó mosaicos, vidrieras, taraceas de madera, pinturas, etc.

Se formó en la tradición tardogótica pero recibe el impacto de la novedad de Masaccio (conseguir tres dimensiones en dos)

En Ucello encontramos una yuxtaposición entre tradición y novedad.

Se conoce gracias a una crítica de vasari, su gran obsesión por la plasticidad y sobre todo, la perspectiva.

*Fresco: monumento funerario en homenajes a John Hawkwood: Giovani Acuto (catedral de Florencia)

En 1436, Ucello recibió este encargo de la ópera del duomo florentino, destinado a la pared lateral norte de la nave principal de la catedral.

sustituyó la tridimensionalidad real de la escultura por la irreal de lapintura. Gran ilusionismo en sus formas.

Esta pintura llama la atención por las distintas vistas en perspectiva que presentan tanto el grupo ecuestre como su base en piedra formada por un sarcófago y un pedestal; mientras que el primero la encuentra en perspectiva central (no está fugado, el segundo si estaba fugado y pensada para ser vista más desde arriba; discrepancia que resulta sorprendente en Ucello, ya que no solía descuidar la unificación de la perspectiva en sus obras.

Se aprecia clara obsesión por la línea analítica, característica de la escuela florentica en la que la línea es la base del diseño.

Como se estipulaba en el contrato, Ucello pintó el fresco en un solo color y utilizó la terra verde para crear el efecto de un monumento en bronce. El color esconde un significado: esto era caracteristica de la escuela veneciana.

Volviendo al diseño, en Ucello prima siempre el dibujo, que luego usa como soporte.

*Fresco del diluvio universal: (claustro verde) en Santa Maria de Novella.

Seria su gran obra de arte, pero hoy está totalmente destruida. Fresco de gran viveza y dramatismo; en su lado izquierdo la destrucción de la humanidad, en el centro la lucha por la supervivencia en medio de las aguas torrenciales que todo lo arrasan y en la derecha ya se han realizado las aguas, gran panorama de la muerte. Ucello establece una clara separación temporal ante ambos acontecimientos, reproduciendo el arca dos veces y como transición entre ambas, la enigmática figura de un hombre con la vista perdida en el vacío que aunque está sobre una frágil tablilla da una gran sensación de estabilidad y seguridad en medio de la muerte y el caos; se cree un retrato de Cásimo de Médici que hace referencia a su papale como garantia de la paz en Florencia.

Se trata de una mezcla enre tradición y cambio (continuidad y evolución)

*Vidriera de la natividad: catedral de Florencia.

*Mosaicos de San Marcos: Venecia.

*Tres escenas de la batalla de San Romano:

De nuevo los Médici utilizaron las obras de arte para visualizar y glorificar al gobierno de los Médici.

Estos tres frescos representan la victoriosa lucha sostenida en 1432 por lo florentinos bajo el mando del condotiero Nicola da Tolentino contra los ejercitos de la ciudades de Lucca, Siena y Milán.

se realizaron para la habitación de Lorenzo de Medici, pero hoy están repartidos entre el Louvre, la national gallery y la galería de los Ufizzi en Florencia.

Las tablas originariamente en su parte superior tenían un remate mixtilíneo que se modificaron posteriormente.

Dos de ellos representan la marca de los florentinos con su jefe a la cabeza:

Ejes verticales que con las lanzas crean fondos. Las figuras se salen del cuadro y casi se meten en el lugar del espectador con lo que crea profundidad.

Otro de estos se trata de un grupo en las lanzas y caballos que por sí solo crean profundidad.

El tercero, el de los Uffizi que fue originariamente el central contiene la escena de la batalla propiamente dicho:

el primer plano con perspectiva central, peor Ucello no sabe solucionar los lejos ya que la perspectiva se corta a mitad del camino como con una especie de telón, que un resultado de un escenario con muy poco fondo, se trata de una influencia europea, de los tapices flamencos.

El dramatismo del encuentro entre los caballeros se combinan con un sentido casi mágico del relato con colores y luces que parecen irrealies como sacados de una novela caballeresca. Crea un mundo poetico que nos recuera al mundo al revés del Louis Carrol

En las tres escenas aparecen los Mazzocchi, grandes sombreros con facetas, que tanto estudió Ucello debido a la peculiar dificultad de su realización en perspectiva.

*Cacería nocturna (Oxford)

-Una obra muy tardia

-Una serie de arbolitos, crean la ilusión de espacio, en un ambiente nocturno.

-Se trata de un agitación sin orden, con lo que demuestra desinterés por crear una historia,m solo la usa como pretexto, ya que sus máximos intereses son la forma, las tres dimensiones, y el color. Se trata de una yuxtaposición de estilos.

*San Juan y el dragón:

Se trata de una predella o banco de retablo.

-Clara influencia por las representaciones teatrales y sus decorados; la cueva del dragón parece de cartón piedra.

*Presentación de la virgen en el templo:

- Pertenece a un grupo de pinturas de la catedral de Prato.

- Estilo antiquísimo, el templo es como los antiguos Thollos, concepción cláscica.

ANDREA DEL CASTAGNO.

(1423-1457) Toscano, sin educación formal, fue en Florencia.

Asimiló la perspectiva.

*Fresco ecuestre, de Nicolo de Tolentino

Pared norte de la nave central de santa maria del Fiore, junto a la de Acuto de Ucello.

Obsesión por la tridimensionalidad.

Este condotiero (batalla de san Romano) encontró el encumbrado lugar que merecía, junto al otro gran guerrero que también había servido tan fielmente a Florencia.

*Ultima cena:

(convento de santa polonia, Florencia) Techo de artesonado fugado y el suelo también está fugado. Gran contraste con las figuras de Masaccio.

*Ciclo de hombres y mujeres famosos:

Son contemporaneos y con cierto contenido mítico.

En la década de 1440, Castagno se fue ganando paulatinamente el reconocimiento de los florentinos como pintor de frescos.

En Italia se conocen pinturas de hombres y mujeres famosos desde la edad media. Se utilizaban para decorar las paredes de palacios y ayuntamientos y cuya función era recordar a personajes cuyas vidas tenían un contenido ejemplarizante.

Tradición que se conserva también durante el quatrocento.

En el ciclo de Castagno aparecen generales y poetas, que contribuyeron a la fama y gloria de Florencia, así como mujeres de la historia bíblica.

*Sibila de Cumas:

a lo clásico, forma parte de la triada de personajes femeninos.

*Farinata degli Uberti:

Pertenece a la triada formada por los jefes militares, que se encuentra justo enfrente dela formada por poetas: Dante, Petrarca, Bocaccio. Se trata de otro condotiero que rompe con la estética medieval, más moderno.

El mito del condotiero es que el hombre se hace así mismo que por su virtud (humanismo) llega a ser condotiero.

*Otro condotiero:

Con espada, cierto feísimo, agresivo. Saca un pie y una mano fuera del marco.

*Bocaccio:

Pertenece a la triada de poetas ya citados. Se trata de un letrado italiano. Ideal caballeresco: guerrero y letrado.

*Trinidad con las santas Paula y Eustaquia y San Jerónimo:

Florencia (santisima annunciata)

La gran proliferación de los gabinetes de estudio entre los humanistas, vino acompañada por una creciendo la demanda de pinturas, siendo la más frecuentes las representaciones de San Jerónimo dado que el santo se había convertido en el prototipo del audito?? humanista gracias a su traducción de la biblia del griego al latín.

En el 1400 aparece un nuevo tipo iconográfico en el que el santo aparece haciendo penitencia en medio de una naturaleza inhóspita, a este pertenece el frresco de Castagno.

San Jerónimo aparece sobre un suelo pedregoso, con un rostro demacrado y carente de los dientes delanteros. Este realismo toma claramente como modelo la Magdalena de Donatello. Representa una visión mística del santo: la santísima trinidad, también el león que se encuentra tras él parece percibir algo de la aparición.

El protagonista está flanqueado por dos santas mujeres. Claro colorido y resplandeciente atmósfera

TEMA 6. MEDIO FLORENTINO. PINTURA, SUPERVIVENCIAS TARDOGÓTICAS: GENTILE DA FABBRIANO:

La pintura florentina del siglo XV se caracteriza por el predominio de una forma tardía del gótico, que los historiadores lo denominan gótico internacional. El punto de partida ha de buscarse en la región franco-flamenca y en sus cortes, dando las cuales irradiarían estos ideales a toda europa gracias a la preferencia por obras de arte de pequeño formato y así fáciles de transportar, así los artistas viajeros, entre ellos Gentile da Fabbriano, llevaron el repertorio formal de elegancia palatino hasta italia central y así el gótico tardío se abrió paso rápidamente, incluso triunfó en ciudades como Florencia que en un principio se habían cerrado a una nueva corriente.

En el siglo XV hay en Florencia artistas que se ocupan del color con gran interés, pero se trata de una subtendencia, ya que lo dominante era el interés por la perspectiva.

Los artistas que marcan un punto de inflexión entre las dos tendencias son Filippo Lippi y Domenico veneziano.

El óleo había permitido, ya desde la edad media crer un color brillante y luminoso.

DOMENICO VENEZIANO: (1400-1461)

Contactos con Florencia. Su discípulo fue Piero della Francesaca.

*Retablo en Santa Lucía de Magnoli (Palla?)

-Tabla principal en la galeria de los Uffizi

-Concepto del espacio balbuceante, taraceas de mármoles de colores, figuras arquitectónicas.

-Ambiente de claridad y tonos pastel, carácter luminoso de la pintura. El rosa y verde botella dominan la tonalidad del colorido.

-El brillante colorido y la clara atmósfera serían impensables sin la influencia del tratado que en 1435 publicó León Battista Alberti sobre la pintura, este consideraba que la luz y el color estaban vinculados entre sí.

Su estilo es característico de una tendencia apreciable en la pintura florentina entre aproximadamente 1440-65, que ha recibido el hombre de pittura di luca en la que también entran Fra Angélico, Ucello, A. del Castagno; este concepto solo se refiere a luces y colores, pero no tiene en cuenta la fascinación de los pintores por la perspectiva. Tema que también difundió Alberti en su tratado Della Pittura.

*San Juan bautista en el desierto: enfásis en el torso, clima poético.

FILIPPO LIPPI: (1406-1469 aprox)

Junto a Fra Angelico era el pintor mas renombrado de aquella ciudad. Tiene una poética indudable y dota a sus obras de un clima personal.

Era fraile y de sus amores con la monja Lucrecia tiene a su hijo Filippino Lippi, que adoptará el oficio del padre.

Cósimo de Medici fue su principal comitente.

Lippi inicia su carrera como pintor en el convento de santa María del Carmine, Florencia, poco más tarde Masaccio empezó a pintar la capilla Brancacci: obra que causó clara impresión e impactó en Lippi. Así en la década de 1420 su obra será con figuras de gran rotundidad, con volúmenes, con protagonistas platónicos de fuerza y solemnidad.

Se aprecia su interés por el realismo.

Otra influencia se nota en la creación del espacio con ayuda de planos arquitectónicos. Ejemplo

*Escenas de la vida de San Ambrosio.

Hacia 1437 creó la Madonna Tarquinia, en la que se refleja su gran innovación iconográfica, evoluciona a un gusto por lo lineal, pero su gran innovación fue colocar a la virgen con el niño, entronizada, dentro de un ambiente doméstico (1ª vez en la pintura italiana) y no llevan nimbo; con estas dos novedades Filippo consigue humanizar a ambos personajes. Lippi llevo la pintura del renacimiento un paso más en el realismo que se puede apreciar desde Giotto y que más tarde fue reforzada por Gentile da Fabbriano y Masaccio.

Pero esta novedad de Lippi se explica por los articulas que recibió del arte flamentco de la època. Jan Van Eyck, Van der Weyder, etc. ya estaban haciendo a principio del s. XV representaciones celestiales en ambientes domésticos.

*Detalle del baile de Salomé: Se identificaron los paños de Salomé con lo de las ménades griegas. Bellezas de las mujeres parecida a la de Boticelli.

FRA ANGELICO: (1400-1455)

Goza de gran fama desde el siglo pasado, ya que antes era considerado como "el último resplandor del agonizante medievo", pero las últimas investigaciones lo incluyen en el renacimiento temprano florentino.

Mezclando corrientes antiguas y nuevas crea un característico lenguaje personal. Su obra está llena de lirismo, basado en el gótico internacional.

En la representación de los espacios arquitectónicos se hace evidente la influencia de Masaccio y del escultor L Ghiberti en el modelado de sus figuras.

Era un fraile dominico del convento de San Marcos en Venecia, donde la corriente pietista va en contra de la pintura como expresión personal, sino de la comunidad y de la moral. Representaciones de experiencia místicas.

La orden de los dominicos eran partidarios de un movimiento impuesto por un retorno a las reglas primitivas de pobreza y castidad. En las celdas de todos los monjes habían frescos utilizados como vehículos de las reflexiones religiosas.

En sus primeras obras se aprecia un cuidadoso estudio de las obras de Masaccio, cuyo reflejo es el mayor eimero?? para reproducir los espacios y en la claridad de la composición, ej:

*Juicio final

*Anunciación- donde la arquitectura se convierte en uno de los elementos compositivos esenciales de la pintura, pero en el lirismo que se aprecia en la delicadeza del encuentro del arcángel con la virgen, es una reminiscencia del gótico tardío.

Repite imágenes de Berrociano el cual pinta para su convento y su comunidad mística. En ocasiones utiliza motivos medievales. Evita el uso de todo elemento superfluo a la narracion para evitar la distracción de los monjes. Actitud espiritual del artista, unida a los deseos del comitente han determinado el aspecto estético de sus obras.

Los frescos de las celdas estaban destinados a que los monjes se adentraran en la mística de la vida de cristo, mediante la meditación profunda.

DOMENICO GHIRLANDAO: (1449-1494)

2ª mitad del s. XV Florencia.

Representa la relajación de la tensión investigadora de este momento, crea una síntesis fácil. Paralelismo con los della Robbia.

De los pintores de su época es el que sabe captar la vida de su tiempo de un modo mas claro y realista, que trasladó las escenas bíbllicas a las calles y plazas de Florencia e hizo que participaron en los acontecimientos reproducidos en ellas, las personalidades más renombradas de la ciudad.

-Gusto por la arquitectura clasicista, arqueológica.

-Gran influencia flamenca.

*Triptico del altar Portinari- (Florencia

*Adoración de los pastores- marcado realismo apreciable sobre todo en la sencillez de los pastores.

*Adoración de los pastores-(Hugo Van der Goes) De inspiración flamenca

*Retrato de anciano con un niño- realismo (anciano) más idealismo (niño) Realismo también influido por la escuela flamenca.

En Roma contribuyó para la capilla sixtina, donde se han reconocido muchos retratos. Se trata de frescos hoy recién restaurados. Ej: *Cristo eligiendo a los apóstoles: con este intenta elevar su posición a un nivel superior.

Marcado punto de fuga.

Rompe la unidad temporal colocando en un mismo cuadro escenas sucesivas. (Típico medieval).

*Ciclo de frescos para Santa María Novella: Encargados por Giovanni Tuornabuoni.

*El nacimiento de la Vírgen María: Se trata de una sala dividida en dos por unas pilastras a la que desciende una escalera. En el friso con que decora la parte alta de esa habitación, un friso con una hilera de angelotes danzando, con clara influencia de la cantoría de Donatello.

-Es una galería de retratos de los Tuornabuoni, los cuales miran al espectador: "Retratos a lo divino". Se realiza la acción en un ambiente contemporáneo. Estos frescos se consideran de sus obras más importante debido a su riqueza narrativa.

*Capilla Sassatti": ciclo de la vida de San Francisco" (iglesia de Santa Trinitá: frescos estudiados por Miguel Ángel)

*Confirmación de la regla de la orden de San Francisco": Diversas personalidades de Florencia como participantes del acontecimiento y al fondo una gran arcada que se abre a la piazza dell signoria de Firenze.

ANTONIO POLLAIOLO: (1431/32-1498)

Antonio y su hermano Piero (1443-96) crearon la mayoria de sus pinturas en estrecha colaboración. Pero mientras PIero se dedicó solo a la pintura, Antonio alcanzó fama sobre todo como orfebre y escultor en bronce. Constrantan con la serenidad de Ghirlandao.

Antonio fue uno de los pocos artistas de su tiempo que estudió a fondo la constitución anatómica del cuerpo humano, diseccionando cadáveres o con el estudio de modelos vivos; aspecto que también se aprecia en su obra, por ejemplo:

*La lucha de diez muchachos desnudos.

Entre otros pertenece una vanguardia de la tradición florentina de la línea movida.

*Adán: énfasis en la línea, que nos recuerda a Andrea Castagno, pero con más dulzura.

-Valora el paisaje, comienza a haber un sentimiento del paisaje en Florencia, lo que se acentuará en el romanticismo

-Las imágenes de lejos, se decoloran debido a la distancia, podría ser un comienzo o antecedente de la "perspectiva aérea"

*Apolo y Dafne: dentro de un paisaje ideal. Vestidos de forma contemporánea.

EL HUMANISMO DEL CIRCULO MEDICCEO: SANDRO BOTTICELLI:

Botticelli no se entiende sin los Medici. Esta familia comenzó fundando la casa de la banca en 1348 y poco a poco fueron estableciendo un dominio sobre las instituciones florentinas.

Cósimo el viejo, fue uno de los primeros, tenía gran sensibilidad por el arte y fue un gran mecenas, pero su nieto, Lorenzo el Magnífico", fue el máximo protector Botticelli, era un poeta, interesado por la filosofía y las artes, por el amor, el refinamiento y los placeres sensuales y muy aficionado al hijo y a la ostentación.

Muere en 1492 y en 1494 fueron desterrados temporalmente; y uno de los factores más influyentes fueron los sermones del monje Savonarola?? que atacó contra el lujo y la riqueza sobre todo de los Medici y en 1497 erigió en la plaza de la señoria un "auto de fe de las vanidades", en el que los ciudadanos debían quemar sus lujosos vestidos, muebles, libros, pinturas, etc... pero que finalmente se vuelven contra él y es quemado en la hoguera, así los Medici recuperaron en 1512 el señorío de Florencia.

Los Medici eran también grandes mecenas intelectuales, muy apegados a la filosofía medival basada en Aristóteles. A Platón no se le conocía, pero se empieza a conocer con la diáspora de bizantinos que llevaron la obra a Florencia, se trataba de la antítesis a la idea Aristotélica y causa gran éxito: metáforas, parábolas, etc...

También se empieza a leer la obra de los neoplatónicos como Ofirio??, Proclo, eran casi místicos (mitad s. XV, Florencia).

La obra de Botticelli se ve claramente influida por la idea de amor de Masili Ficino?, filósofo influyente de la época, al cual los Medici le prestaron una villa para que allí se reuniera con su grupo de neoplatónicos y así exploraran los textos neoplatónicos; hablaban del ascenso del alma con el impulso amoroso a un mundo tan bello que no era la tierra: Eros era el primer motor del universo y Venus se le presentará como la Virgen.

Este era el mundo botticelliano el cual es rechazado por los florentinos a raíz de los sermones de Savonarola.

Miguel Angel también se reunió con estos filósofos y poetas desde pequeño.

Hablando de la "hoguera de las vanidades" de Savonarola, decir que Botticelli quema muchas de sus pinturas, lo que supone un retroceso.

SANDRO BOTTICELLI: (1445-1510)

TEMA 8.

BALDASSARE CASTIGLIONE:(1478-1529)

(Ambientado en Urbino) Escritor italiano. Estudió en Milan entró al servicio del duque de Urbino G. de Montefeltro. Autor del célebre manual de amor y caballerosidad. Il cortegiano (1508,1516) y publicado en Venecia en 1528, donde habla de las cualidades y rasgos que daba tema al gentilhombre y terminó hablando acerca del amor platónico. Describe a un hombre ideal, inventado y superior al ser humano.

*Urbino, palacio ducale:

-Sobre terreno irregular.

-Concebido casi como una ciudad ideal.

-Los arquitectos: Francesco di Giorgio y Luciano Laurana, es de fachada curva que da a la plaza mediante puertas y ventanas de estilo clásico.

-Otra fachada con dos torres cilíndricas, entre ellas fachada de marmol que la enmarca, éstas parecen medievales pero son un curioso ejemplo del uso de elementos inspirados en la arquitectura de fortificaciones antiguas.

-La fachada que da al jardín, tiene ventanas para poder observar la naturaleza.

-Los arcos clásicos que adornan su palacio permite hacerse una idea de lo rico ycomplejo del decorado de las dependencias interiores. El más importante es el STUDIOLO, que encima tiene pinturas de personajes famosos como si estuviesen tallados en madera. Es una obra de arte con la técnica de la taracea (en los armarios)

-Puerta de acceso al patio- taller de los pontelli.

-Patio (laurana): bóvedas de pañuelo, en la esquina un pilar en L a la que se adosan semicolumnas y la enmarca pilastras, la vista se detiene en la esquina, es una unidad independiente.

-Planta baja: colúmnas corintias y en la 2ª planta pilastras corintias.

-Uso de la epigrafia, en la planta alta, ventanucos cuadrados

-Almocaras??, los Tondi en sus enjutas.

-Cuarto de baño con bañera y piscinas.

-Rompe con el ideal toscano de palacio exento.

FRANCESCO DI GIORGIO:

-Tratadista y arquitecto de Siena, ingeniero militar.

*Fortificación militar.

*San Bernardino: fachada e interior

*Santa Maria del Calcinaio?? Cortona.

PIERO DE LA FRANCESCA:

-Clasicismo muy abstracto, surrealismo.

-Crea obras en zonas apartadas como Sansopulcro o Arezzo y para la corte de casas principales: Malatesta en Rímini, Montefeltro en Urbino pero nunca para los Medici en Florencia.

-Pintura muy personal.

-Reducción a formas geométricas elementales (inspiración a los cubistas del s. XX)

-Idealización geométrica y composición en perspectiva de los espacios arquitectónicos.

-Fondos detallados: paisajes y reproducción táctil de los materiales- conocían la pintura flamenca.

-Atmósfera llena de luz "Pittura di luca", aprendido de Domenico Vewneciano cuando era su ayudante en 1439 en Florencia.

Obra temprana:

*Bautismo de Cristo:(1440-1445)

Riqueza en el colorido, atmósfera resplandeciente. Modelado sutil y suave.

*Resurrección:(1459)

Sant Sepolcro. Fuerte contrastes claros y oscuros.

Las estructuras geométricas básicas ganan en definición cada vez más a lo largo de la carrera de Piero de la Francesaca.

*Tabla centro, políptico santsepolcro:

Virgen hierática (la cara es un ovoide perfecto), el cuerpo es como una columna acanalada.

Ciclo de frescos en Arezzo:

1450- vuelve a la Toscana en Arezzo, realiza frescos para la capilla de San Francisco.

*Exaltación de la cruz.

*Muerte de Adán y su entierro.

*Encuentro entre Salomón y la Reina de Saba.

Las esperanzas de unificación de la iglesia de Gri occ?? (tratado Florencia 1436) se derrumbó con la caida o conquista de Constantinopla por los turcos 1453.

Esta escena sería para los participantes del concilio en Florencia antecedente de la unificación, pero con la conquista de Constantinopla cambia de Sitio?? , ahora petición de ayuda a Oriente.

Los franciscanos se convirtieron en los más apasionados y partidarios de las cruzadas.

*El sueño de Constantinopla: agudísimo escorzo, casi barroca.

*La anunciación.

*Adoración de la vera cruz.

La leyenda de la Vera cruz era de gran importancia para las iglesias de los franciscanos.

*La flagelación de cristo.

Reconstruida. Dos composiciones divididas por unas columnas.

*Derecha, primer plano: tres hombres de la época en medio de una plaza (A. de Montefeltro y sus malos consejeros)

*Izquierda, la flagelación: Cristo, Pilatos sentado y testigo.

-dos escenas en un mismo plano, pero se separan:

-los tres hombres ignoran el hecho bíblico.

-diferente dec. del suelo

-incidencia de luz distintas.

Es como una pintura dentro de otra.

Los tres hombres: el de la izquierda está vestido como bizantino (oriente) y de la derecha como príncipe de occidente- simbología que nos recuerda a la de la reina de Saba y Salomón.

-Los críticos coinciden en que se trata de un llamamiento contra las cruzadas de los turcos.

*Anunciación: (políptico) Perugia.

Encuentro en ángulo recto. Perspectiva arquitectónica de luces y sombras.

*Madonna de Senigallia:

Influencia flamenca en la pintura italiana.

*San Agustín (hoy en lisboa)

Casi de miniatura flamenca.

*Federico de Montefeltro:

1460: gran contacto con el duque de urbino.

1455: el duque mandó iniciar las obras del palazzo ducale en Urbino.

1465: fundó su biblioteca. De Piero se conservan dos pinturas.

*Retablo de Montefeltro: (Hoy en MIlán)

-contacto flamenco

-contraste entre la vírgen y los santos.

-huevo de avestruz colgando=pureza

*Díptico con doble retrato de los duques de Urbino:

(Galeria Uffizi en Florencia)

TEMA 10. NORTE DE ITALIA. ANDREA MANTEGNA:

Del norte de Italia, pero nos introduce en el mundo veneciano. Nace en Padua, alli hay una gran Universidad donde tendrán gran conciencia, los paradigmas de la antigüedad. Cuando tenía diez años fuen entregado como aprendiz al maestro Francesco Squarcione, el cual crea un taller que se llama Academia con una colección importante de antiguedades (los conoció en su viaje a Grecia.

Squarcione encarga a sus discípulos decorar la iglesia de los eremitas en Padua que exigía pintar líneas finísimas, gusto por lo clásico y capacidad de composición escultórica. Mantegna con las líneas delimita claramente los colores. Hay que tener en cuenta la admiración de aquel entonces por la admiración de aquel entonces por los hallazgos de la antigüedad clásica.