Ministerio de Educación

Dirección Nacional de Escuelas Particulares

Escuela Juan Ramón

Trabajo de .

La Pintura en las Diferentes Épocas Históricas

III año

Noviembre de 2000

Introducción

Desde la aparición del hombre sobre la tierra, la pintura siempre ha expresado sus emociones y sentimientos.

Dependiendo de la época, se encuentran pinturas de animales, el ambiente que lo rodea, paisajes, figuras religiosas, retratos, en fin, expresiones, deseos y sentimientos mediante los cuales los artistas le comunican al mundo diversos mensajes.

En la edad Media, como en todo lo de esa época, en la pintura predominaba lo religioso. Aquí encontramos lienzos de Vírgenes, Santos y todo lo relacionado a la religión. La pintura seguía la influencia bizantina, con figuras largas, inmóviles e inexpresivas en su mayoría.

En la era Moderna, con los descubrimientos y revoluciones se da el Renacimiento, en el cual la pintura es el arte predominante. De esta época son los grandes maestros como Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio, Tintoretto, el Greco, etc. Los temas y motivos de esta era fueron variados y buscaban sobre todo, expresar la belleza.

Con la modernización se dan cambios en la pintura, surgen nuevas formas, nuevas influencias. En la actualidad, puede decirse que encontramos, desde las clásicas figuras de la edad moderna, la belleza y variedad del renacimiento hasta las modernas formas como las de Picasso y Dalí. También el arte abstracto es muy de nuestra era.

La Pintura a través de la Historia

Introducción

Origen de la Pintura

Edad Media

• Giotto

• Cinbue

• Jan Van Eyck

• Fra Angélico

• Jacopo Bellini

• Robert Campin

Edad Moderna

• Leonardo Da Vinci

• Miguel Angel Buenarotti

• Rembrand

• Rubens

• Murillo

• Van Dick

• Caravaggio

• Sandro Botticelli

• Durero

• Poussin

Edad Contemporánea

• Monet

• Renoir

• Delacroix

• Van Gogh

• Goya

• S. Dalí

• P. Picasso

• Orozco

• Botero

• Diego Velásquez

Harmenszoon van Rijn Rembrandt
1606 - 1669

Leiden, Holanda

Artista holandés del barroco, hijo de un molinero perteneciente a la clase media holandesa. A pesar de provenir de una familia con escasos medios, sus padres le procuraron una educación esmerada. Comenzó a cursar sus estudios en la Escuela Latina, y con 14 años entró en la universidad de Leiden. Allí permaneció durante algún tiempo pero pronto salió para estudiar arte.

En 1631 partió hacia Amsterdam. En 1634 contrajo matrimonio con Saskia van Uylenburgh, prima de un conocido marchante de arte, hecho que le ayudó a impulsar su carrera, al ponerle en contacto con clientes adinerados.

Sus cuadros mitológicos y religiosos eran muy aceptados entre el público. Pintó numerosas obras maestras de gran dramatismo, como El cegamiento de Sansón (1636). Debido a su gran fama como maestro, su taller contaba con un enorme número de discípulos.

En contraste con la fortuna de su carrera pública, la vida familiar de Rembrandt estuvo marcada por la desgracia. Entre 1635 y 1641 Saskia dio a luz cuatro niños, de los que tan sólo sobrevivió uno. Su esposa falleció en 1642.

A pesar de su éxito financiero tanto en el campo del arte, como en el de profesor y marchante, su inclinación a la vida ostentosa le llevó a la bancarrota en 1656.

Algunas de sus grandes obras son: La novia judía (1666), Los síndicos del gremio de pañeros (1661, Rijksmuseum, Amsterdam), Bathsheba (1654, Louvre, París), Jacob bendiciendo a Efraín y a Manasés (1656, Staatliche Gemäldegalerie, Kassel) y un autorretrato (1658, Frick Collection).

Su único hijo Titus falleció en 1668. Rembrandt falleció en 1669 en Ámsterdam, Alemania.

Petrus Paulus Rubens
1577-1640
Siegen

El más insigne representante del Barroco flamenco.
Rubens inició a clases en la Escuela Latina pero problemas económicos motivan su ingreso como paje al servicio de una noble dama. Rubens fue un pintor precoz, al igual que un temprano estudiante de las lenguas modernas europeas y de la antigüedad clásica. En 1598 adquiere el rango de maestro pintor en la guilda de san Lucas de Amberes.

En 1600 llegó a Venecia, donde las obras de Tiziano, Veronés y Tintoretto dejaron en él una profunda huella, al igual que Miguel Ángel y Rafael en Roma, así como por la escultura greco-romana antigua.

A lo largo de su vida, Rubens fue contratado por importantes personajes de la época, tales como: Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua, el archiduque austriaco Alberto y de su esposa, la infanta española Isabel; La Iglesia contrarreformista de Flandes; la reina francesa María de Medici, Paris; el rey de España Felipe IV, el rey Carlos I de Inglaterra

Los intereses del estilo de Rubens, están resumidos en El juicio de Paris (c. 1639, Museo del Prado). En este cuadro, las voluptuosas diosas están situadas delante de un verde paisaje que simboliza la riqueza de la creación. El color es exuberante, el estudio de luces y sombras espléndido y la pincelada sensual. Todos estos elementos fomentan el significado de lo representado, que no es otra cosa que la selección de lo más bello, la preocupación de siempre en toda la obra de Rubens.

Los cuadros del pintor se conservan en la mayoría de los grandes museos del mundo. En el Museo del Prado de Madrid se encuentran, además de la antes mencionada: La adoración de los Magos (1609), El rapto de Proserpina, Las tres gracias (c. 1635) y El jardín del amor (1638).

Bartolomé Esteban Murillo

1617-1682

Sevilla, España

Pintor español nacido en Sevilla, cultivador de una temática preferentemente-religiosa.
A través de las colecciones privadas de su ciudad natal tuvo la oportunidad de conocer la obra de los maestros barrocos italianos y flamencos, junto a la de sus precursores españoles, pinturas que le influyeron poderosamente.

A partir de sus primeras obras, representaciones de la Virgen María o la Sagrada Familia, de espíritu algo distante, evolucionó hacia un tratamiento de los temas en un tono más humano y sencillo, dentro de interiores cotidianos, en los que introduce pequeños detalles y escenas de la vida cotidiana. Sus personajes se caracterizan por esa dulzura y sentimentalismo propios de su estilo. Un destacado ejemplo de ello es La Sagrada Familia del pajarito (c. 1650) que se puede contemplar en el Museo del Prado de Madrid.

Entre 1645 y 1646 realizó 11 escenas de vidas de santos que le dieron gran fama. En 1660 Murillo fundó y fue presidente de la Academia de Dibujo de Sevilla. Como pintor de escenas de género, destacó en la interpretación de personajes infantiles marginados de manera bastante emotiva, como por ejemplo en el Niño pordiosero (1645, Museo del Louvre, París). La Virgen y el Niño con santa Rosalía de Palermo (1670, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). De 1671 a 1674 realizó las pinturas de la iglesia de la Caridad de Sevilla, hoy dispersas por varios museos de San Petersburgo, Madrid (el Museo del Prado conserva numerosas obras suyas) y Londres.

Murillo es el artista que mejor ha definido el tema de la Inmaculada Concepción, del que nos ofrece numerosas versiones que destacan por la gracia juvenil y el rostro amoroso de la Virgen y el vuelo de los ángeles que la rodean.

En el siglo XIX las obras de Murillo alcanzaron gran popularidad e influyeron en algunos artistas de ese periodo

Sir Anthony van Dyck
1599 - 1641

Amberes

Con 11 años comenzó a trabajar como aprendiz del pintor flamenco de temas históricos Hendrik van Balen. En 1618 consiguió entrar en el gremio de pintores de Amberes. En los dos años siguientes, trabajó en el taller de Petrus Paulus Rubens en su ciudad natal.

Entre 1620 y 1627 vivió en Italia, donde nunca le faltó trabajo como retratista y alcanzó su madurez artística. La fuerza de la pintura flamenca de su primera época se fue suavizando hasta dar paso a un estilo más elegante y solemne. En sus retratos de aristócratas italianos dio paso a figuras idealizadas, con posturas enhiestas y orgullosas, físicos delgados y manos delicadas famosas por su expresividad. Recibió una gran influencia por maestros venecianos como Tiziano y Paolo Veronese utilizó colores brillantes y de gran riqueza.

Entre 1627 y 1632 volvió a su ciudad natal, donde realizó retratos y cuadros religiosos. En 1632 se trasladó a Londres donde trabajó como pintor de corte de Carlos I, que le nombró caballero poco después de su llegada. En 1635 pintó su obra maestra, Carlos I como cazador (Louvre, París).

Una amplia muestra de sus obras se encuentra en el Museo del Prado: los retratos de Sir Endimion Porter y Van Dyck, el del pintor Martin Ryckaert y un retrato ecuestre de Carlos I.
Van Dyck fundó la escuela inglesa de pintura; Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough, retratistas pertenecientes a dicha escuela, fueron sus herederos artístico

Caravaggio

1573-1610

Caravaggio, Italia

Este artista, cuyo nombre verdadero era Michelangelo Merisi, fue uno de los exponentes más destacados de la pintura del naturalismo barroco de comienzos del siglo XVII.

De su primera época conocida tenemos varias obras como el Baco joven (c. 1592, Galería de los Uffizi, Florencia), Muchacho con cesto de frutas (Roma, Galería Borguese) y David, vencedor de Goliat (Museo del Prado, Madrid) Caravaggio alcanzó la madurez de estilo alrededor de 1600, cuando se le encargó la decoración de la capilla Contarelli en San Luis de los Franceses, en Roma, con tres escenas de la vida de san Mateo: San Mateo y el ángel, Martirio de san Mateo y Vocación de san Mateo (1599-1600), que se caracteriza por la utilización dramática de la luz dirigida. Alrededor de 1601 Caravaggio recibe su segundo encargo importante, el de pintar la Conversión de san Pablo y la Crucifixión de san Pedro para la capilla de Santa María del Popolo de Roma.

Caravaggio tuvo una vida turbulenta debido a su temperamento violento y pendenciero, lo arrestaron y encarcelaron varias veces. En 1606, lo acusaron de asesinato y huyó de Roma a Nápoles. A finales de ese mismo año viajó a Malta, donde le nombraron caballero de la Orden de Malta y pintó uno de sus pocos retratos, el del gran maestre de esta orden Alof de Wignacourt (1608, Museo del Louvre). En octubre de 1608 huyó de nuevo, esta vez a Siracusa, en Sicilia. Allí pintó varios lienzos de gran tamaño entre los que se incluyen el Entierro de santa Lucía (1608, Iglesia de Santa Lucía, Siracusa) y La resurrección de Lázaro (1609, Museo Nacional de Mesina). En ellos emplea muchas figuras y utiliza tonos oscuros y violentos efectos de luz para conseguir un gran dramatismo. Estas obras se cuentan entre las últimas de Caravaggio, ya que murió el 18 de julio de 1610, de malaria, en Porto Ercole, Toscana, después de haber sido arrestado por error.

No tuvo discípulos pero a lo largo del siglo, tanto en Italia como en otros países, floreció una escuela derivada de su estilo naturalista.

Sandro Botticelli

1445 - 1510

N. Florencia, Italia

Fue discípulo de Fra Filippo Lippi. Trabajó con el pintor y grabador Antonio del Pollaiuolo, del que aprendió el dominio de la línea, y además de la gran influencia de Andrea del Verrocchio.

Hacia 1470 ya tenía su propio taller. Dedicó casi toda su vida a los retratos, entre los que hay que destacar Retrato de Giuliano de Medici (1475-1476, Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.). La adoración de los Magos (1476- 1477, Galería de los Uffizi, Florencia) contiene personajes con rasgos muy parecidos a los de la familia de los Medici. Estuvo influido por el neoplatonismo cristiano, que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas. Ésto se observa en La primavera (c. 1478) y en El nacimiento de Venus (posteriores a 1482).

Además pintó temas religiosos, principalmente tablas de Vírgenes, destacando la Virgen escribiendo el Magnificat (década de 1480), La Virgen de la granada (década de 1480) y La coronación de la Virgen (1490), todas ellas en los Uffizi, y Virgen con el niño y dos santos (1485, Staatliche Museen, Berlín). En 1481 fue llamado a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos Las pruebas de Moisés, El castigo de los rebeldes y La tentación de Cristo.

Falleció el 17 de mayo de 1510. Son de destacar obras posteriores, como la Pietá (principios de la década de 1490, Museo Poldi Pezzoli, Milán) y sobre todo la Natividad mística (década de 1490, National Gallery, Londres) y la Crucifixión mística (c. 1496, Fogg Art Museum, Cambridge, Massachussets)

Alberto Durero
1471-1528
Nuremberg, Alemania

Artista del renacimiento alemán. Hijo de Alberto Durero el Viejo, orfebre y su primer maestro. De su primera formación heredó el legado del arte alemán del siglo XV.

En el año 1494, contrajo matrimonio con con Agnes Frey, tras esto partió a Italia. Fue allí donde realizó acuarelas de paisajes con gran minuciosidad de detalle, de las que cabe destacar una vista del castillo de Trento (National Gallery, Londres). Entre 1495 y 1505, produjo un gran número de obras que le ayudaron a asentar su fama. De éstas destaca la serie de ilustraciones para grabar en madera de El Apocalipsis (1498), los grabados de La gran fortuna (1501-1502) y La caída del hombre (1504).

En 1507 regresó a Nuremberg donde comenzó un segundo periodo de una ingente producción artística con obras como el retablo para la iglesia de los dominicos de Frankfurt (1508-1509, destruido en un incendio en 1729), la tabla de la Adoración de la Trinidad (1508-1511, Kunsthistorische Museum, Viena), Eva (1507, Museo del Prado, Madrid); retratos; y numerosos grabados, entre los que se encuentran dos ediciones de la Pasión y los grabados en madera para el Arco del triunfo encargo del emperador del Sacro Imperio Romano Maximiliano I.

Nicolas Poussin
1594 - 1665

N.Normandía, Francia

Poussin fue el fundador de la pintura clasicista francesa del siglo XVII.
Realizó estudios de pintura en París y puede que también en Ruán. En 1624 se radica en Roma para toda la vida. Sus primeras obras exponen las abigarradas composiciones y las animadas superficies que caracterizaron el manierismo de mediados del siglo XVI. Alrededor de 1630 su estilo empezó a cambiar, alejándose de la emergente exuberancia del barroco para dedicarse por entero a su pasión por la antigüedad, enfocando su pintura sobre todo hacia asuntos bíblicos y mitológicos.

En un primer momento, sus cuadros, como La peste de Azoth (1630-1631, Louvre, París), tienen la riqueza y brillantez cromática propia del veneciano Tiziano, pero después de 1633 Poussin derivó hacia tonalidades más sobrias y frías. Sus composiciones se hicieron entonces más serenas y sus figuras más esculturales, dentro de una línea próxima al estilo de madurez de Rafael, a la vez que intentó representar la emoción mediante gestos, posturas y expresiones faciales fácilmente reconocibles, como sucede en el cuadro Adoración del becerro de oro (c. 1634, National Gallery, Londres).

Los cuadros que realizó entre 1643 y 1653, tras su regreso a Roma, como por ejemplo La Virgen sobre los escalones (1648, National Gallery, Washington), constituyen la más pura encarnación del clasicismo francés. Se caracterizan por la calma, la composición estructurada, los colores fríos, la iluminación dura y clara y la solemnidad. Durante sus últimos años, de 1653 a 1665, el estilo de Poussin se desarrolló y cambió. Minimizó las expresiones y acciones de los rostros y los cuerpos pero manteniendo su intensidad emocional. La alegoría, el misticismo y el simbolismo representaron un papel aún mayor que el que tenían antes; sus escenas fueron, si cabe, más vitales e intensas. Donde mejor se manifiesta su técnica es en sus paisajes.

La influencia de Poussin alcanzó a artistas como Jacques-Louis David, Jean August Dominique Ingres y Paul Cesan.

Claude Monet

1840 - 1926

Paris, Francia

Llamado “El más impresionista de los Impresionistas”, su obra es todo un símbolo, y se localiza entre el arte moderno y el de los siglos anteriores. No obstante, no fue acogida con el éxito que merecia, y su autor conocio la miseria durante largos años.

Criticado por sus contemporáneos, despreciado por su familia, solo fue alentado por el amor de su esposa y por el entusiasmo de sus amigos pintores, que compartian las mismas pasiones pictóricas que el. Toda la evolución de su obra es una liberación total con relación al convencionalismo artístico tradicional, una independencia con respecto a la realidad, un camino hacia un mundo poético en el que la evocación de lo real no es más que un vago pretexto.

Su arte, lleno de lozanía y de juventud, sensible a los encantos de todas les estaciones, es luminoso como un canto de alegria

Encontramos de Monet obras como: Sol Naciente, El Almuerzo y Mujer con sombrilla.

Pierre Auguste Renoir
1841 - 1919

Limoges, Francia

Durante su infancia trabajó como decorador en una fábrica de porcelanas de París, a los 17 años copiaba pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas.

Fue admitido en la Academia de Bellas Artes y en 1862, se matriculó en la academia del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde se encontraría con Fridéric Bazille, Claude Monet y Alfred Sisley. En su obra más temprana se pudo observar la influencia de pintores de la talla de Monet en su tratamiento de la luz, y de Eugène Delacroix en su tratamiento del color.

En 1864 tuvo lugar su primera exhibición en París, pero no fue verdaderamente reconocido hasta 1874, en la primera exposición de pintores de la nueva escuela impresionista. Su baile del Moulin de la Galette (1876, Museo d'Orsay, París) es una de las obras más famosas del impresionismo.

Habría destacar como otros ejemplos de retrato: Madame Charpentier y sus niños (1878, Museo Metropolitano de Nueva York) y Jeanne Samary (1879, Museo del Louvre de París). Otras destacadas pinturas de Renoir son: El palco (1874, Galerías del Courtauld Institute de Londres), Mujer del abanico (1875) y El Columpio (1875), ambas en el Museo d'Orsay de París, El almuerzo de los remeros (1881, Colección Phillips de Washington), Los paraguas (1883, National Gallery, Londres) y Jarrón de crisantemos (1895, Museo de Bellas Artes de Ruán, Francia).

Consiguió una gran reputación con la exposición individual celebrada en la galería Durand-Ruel de París en 1883. Entre 1884 y 1887 realizó unas series de estudios de grupo de figuras desnudas conocidas como Las grandes bañistas (Museo de Arte de Filadelfia). Estas obras revelan su extraordinaria habilidad para mostrar el brillante y nacarado color y textura de la piel y para comunicar un sentimiento lírico unido a la plasticidad del tema. La gran mayoría de sus últimos cuadros tratan también el mismo tema pero en un estilo cada vez más acentuado rítmicamente. En sus últimos 20 años sufrió artritis, pero continuó trabajando con un pincel atado al brazo.

Finalmente falleció el 3 de diciembre de 1919 en Cagnes

Eugéne Delacroix
1798 - 1863

Charenton-Saint Maurice, Francia

Estudió en la escuela del pintor francés Jacques-Louis David, en la que recibió una formación neoclásica pero también se vió afectado por pintores influyentes como como Petrus Paulus Rubens y Pablo Veronés. La carrera artística de Delacroix empezó en 1822 cuando su primer cuadro, Dante y Virgilio en los infiernos (1822, Louvre, París), fue aceptado en el Salón de París. En 1824 creó Las matanzas de Kíos con las que obtuvo un gran éxito entre la población. Tras viajar a Inglaterra en 1825, recibió una gran influencia de Richard Parkes Bonington, que utilizaba colores brillantes. Como obra más influyente y con más Romanticismo hay que nombrar a La libertad guiando al pueblo, también conocida como La barricada. Gracias a esta obra le concedieron Delacroix fue considerado en Francia el pintor más importante del Romanticismo.

Nunca le faltó el trabajo, recibió muchos encargos oficiales para hacer murales y decorar el techo de diversos edificios gubernamentales. Los impresionistas se vieron muy influidos por la técnica que aplicaba a sus obras: grandes contrastes de color, que al aplicarlos con pequeños golpes de pincel creaba un efecto de vibración.

Entre las más famosas de sus obras encontramos: La Libertad Guiando al Pueblo, La Barca de Danté, La Muerte de Sardanápalo.

Delacroix falleció en París el 13 de agosto de 1863.

Vincent Van Gogh

1853 - 1890

Groot Zunder, Holanda

Quien con el tiempo llegaría a ser un grán pintor, nació en un pequeño pueblo de Holanda, al norte de Europa. Fue un niño difícil, sensible y nervioso. Su hermano Théo, a pesar de ser cuatro años menor que Vincent, siempre cuidó de él, pues era mucho mas sensato. Los lazos de afecto que unían a los dos hermanos eran excepcionalmente fuertes. Muy pocas veces se ha oído hablar de una relación fraternal tan conmovedora. Siempre estuvieron muy cerca el uno de el otro y ni siquiera la distancia pudo separarlos. Cuando, ya adultos, las circunstancias los obligaron a vivir en ciudades distintas, se escribían a diario y en ocasiones hasta dos veces en un mismo día.

Vincent tenía interés en hacer muchas cosas, pero por razones que él mismo desconocía todo lo que emprendía lo dejaba a la mitad. Sin embargo, sí fue muy constante en dos cosas: su relación con su hermano Théo, durante toda su vida, y su amor por la pintura, a partir de que, a los veintisiete años, decidió ser pintor.

Vincent, que tenía los nervios frágiles y se angustiaba con facilidad, se dió cuenta de que dibujar lo tranquilizaba. Como para él no era facil comunicarse con los demás, escogió el camino del arte para expresar sus sentimientos. Los temas que en esa época trató fueron los realcionados con mineros y campesinos.

Después de una crisis de nervios, Van Gogh siguió pintando girasoles, retratos y vistas de alrededores del hospital con los vivos colores y las vigorosas pinceladas con que intentaba expresar sus emociones.

Entre sus obras podemos mencionar: Dormitorio en Arles (1888), Noche Estrellada (1889) y Cuervos sobre el Trigal (1890).

Van Gogh falleció por causa de una nueva crisis nerviosa. Théo, su hermano, falleció seis meses después, pero podría decirse que ni la muerte logró separar a los dos hermanos.

Francisco Goya

1746 - 1828

Fuendetodos - España

A quien se considera ser “El Padre del Arte Moderno”, empezó su carrera como artista inmediatemente después del periódo “Baroque”. Al expresar francamente sus pensamientos y creencias, como fue su costumbre, llegó ser el pionero de las tendencias nuevas que llegaron a su culminación en el siglo 19. Para entender el alcance del arte de Goya, y para apreciar los princípios que governaron su desarollo y su tremenda versatilidad, es impresendible entender que su labor cubrió un periódo de mas de 60 anos, porque continuó dibujar y pintar hasta la edad de 82.

La importancia de este factor es evidente cuando se compara su actitud hacía la vida en su juventud, cuando aceptó felízmente el mundo tal como era, durante sus años como adulto, cuando empiezó a criticarlo, y en su vejéz cuando llegó ser amargo y desilusionado con la gente y la sociedad.

Como artista, Goya fue por temperamento lejos de las obras clásicas. Solo en algunas de sus obras llegó cerca de un estilo clásico pero, en la gran mayoría de su trabajo, el estilo “Romántico” triumfó.

A la edad de 17, se fue a Madrid, donde trabajó para las fábricas e hizo dibujos para varias tapicerías. Fue en este período que ganó fama para sus representaciones de la vida folklórica y paisajes. Empezó con escenas de cacería y de pesquería, que fueron de origen francés.

En 1792, se enfermó y se encontró totalmente sordo. Estos eventos causaron un cambio radical. La alegría desapareció lentemente de sus pinturas; los colores se tornaron más obscuros y su modo de pintar más libre y expresivo.

Entres sus obras se destacan: La Maja Desnuda, La Maja Vestida, la Familia de Carlos IV y Los Desastres de Guerra.

Salvador Dalí Doménech

1904- 1984

N. Figueras, España

Dalí nació tres años después de la muerte de su hermano primogénito, el nombre que le pusieron, Salvador, es el mismo que tenía su hermano muerto, de quien el pintor parece el gemelo.

Salvador Dalí se convirtió, precozmente, en un pequeño déspota. Las crisis histéricas y teatrales, desencadenadas a propósito para conmover y llamar la atención de la familia, eran habituales. Ni siquiera el nacimiento de su hermana Ana María, a quien estuvo ligado por mucho tiempo, logró aplacarlo. Al contrario , a medida que pasaba el tiempo, más irresistible era el deseo de expresar su propia diversidad.

En 1924 conoció a Picasso en París, y diez años más tarde , en Londres, Stefan Zweig le presentó a Sigmund Freud.
Conoció a Luis Buñuel y García Lorca en Madrid en 1923, con quien tuvo una gran amistad

En 1929 conoce a Gala, hija de un abogado ruso y compañera del poeta surrealista Paul Eluard. Pocos meses después, profundamente enamorados, se van a vivir juntos. Desde aquel momento. Gala será para Dalí amante y amiga, musa y modelo, consuelo y, sobre todo, directriz de su existencia.

Durante su vida pinta obras como: La Piedad (1982), el Camino del Enigma (1981) y Atleta Cósmico (1968)

En 1982 muere Gala. Desde entonces casi dejó de pintar, Dalí se instala en el acstillo de Pubol donde es sepultada Gala y pinta un centenar de obras, que serán las últimas.

Después de haberse salvado de un incendio en el castillo de Pubol, el 23 de enero de 1984, muere en el hospital de Figueras, a los 84 años de edad.

Fernando Botero

1932 -

Antioquia, Colombia

Pintor, dibujante y escultor antioqueño. Autodidacta, estuvo por poco tiempo en la Academia de San Fernando de Madrid y luego en la Academia de San Marcos de Florencia Botero es el artista más importante de Colombia en los últimos decenios. Su vastísima obra, en la actualidad plenamente consolidada, su deliberada aversión por el arte contemporáneo y su amplio conocimiento de la historia de la pintura clásica hacen de Botero un artista excepcional en el país y el resto de América Latina. Las primeras obras que se conocen de Botero son dibujos: las ilustraciones para el suplemento literario del periódico El Colombiano de Medellín.

A los 20 años decide viajar a Europa, donde permanece hasta 1955. En 1956 viaja a México, después pasa a Washington y en 1961 se instala en Nueva York, donde trabaja durante doce años; después se radica en París. No obstante, Botero es un auténtico representante del arte latinoamericano no sólo por sus temas de monjas, prelados, militares, pueblos de casas sencillas y bodegones con frutas tropicales, sino por su realismo mágico.

El catálogo de la exposición de Botero, organizada por el Museo Hirshhorn de Washington en 1979, dividió sus obras en seis categorías: 1) Religión 2) Grandes maestros 3) Naturalezas muertas y vivientes 4) Desnudos y costumbres sexuales 5) Políticos-presidentes, primeras damas, militares y 6) Gente real e imaginaria

Desde 1976 Botero ha combinado su trabajo de pintor y dibujante con el de escultor. En 1977 expone por primera vez sus esculturas, en el Grand Palais de París.

Algunas de sus obras son: Mona Lisa a los doce años (1959), Escena familiar (1969) y Baile en Colombia (1980)

Diego de Silva Velázquez
1599- 1660

N. Sevilla, España

Pintor español, criado en el seno de una familia burguesa sevillana, Diego fue el mayor de seis hermanos.

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Las primeras obras de Velázquez, realizadas entre los años 1617 y 1623, pueden dividirse en tres categorías: el bodegón, retratos y escenas religiosas.

Muchas tienen un marcado acento naturalista, como La comida (c. 1617, Museo del Ermitage, San Petersburgo), bodegón que puede considerarse como la primera obra independiente del maestro. En el Aguador de Sevilla (c. 1619-1620, Aspley House, Londres) los magistrales efectos de luz y sombra, así como la directa observación del natural, llevan a relacionarlo inevitablemente con Caravaggio.

Velázquez pintó pocos cuadros religiosos, entre ellos destacan el Crucificado (c. 1632), La coronación de la Virgen (c. 1641) y San Antonio Abad y san Pablo primer ermitaño (c. 1634), todos ellos en el Museo del Prado.

Las obras más importantes de las dos últimas décadas de su vida son Las hilanderas o La fábula de Aracné (1644-1648, Museo del Prado) composición sofisticada de compleja simbología mitológica, y una de las obras maestras de la pintura española Las Meninas o La familia de Felipe IV (1656, Museo del Prado), que constituye un imponente retrato de grupo de la familia real con el propio artista incluido en la escena.

Poco antes de su muerte fue nombrado Caballero de Santiago, distinción que nunca había sido concedida a un pintor ni a ningún personaje que no hubiera acreditado su nobleza por medio de lo que se conocía como "probanza de sangre", y que Velázquez logró debido a la estima personal de Felipe IV.

Orozco, José Clemente

1883-1949

Zapotlán - Jalisco, México

Pintor muralista mexicano, contribuyó a recuperar la técnica, el diseño y los temas de la pintura al fresco. Está considerado como uno de los más destacados muralistas desde los tiempos del renacimiento.

A los 7 años se trasladó a la ciudad de México, donde realizó sus estudios superiores en la Escuela Nacional Preparatoria y en la Escuela Nacional de Bellas Artes. En 1922 se unió a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros en el sindicato de pintores y escultores, que buscaba recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno mexicano.

Una de sus primeras y más destacadas obras fue la serie de murales que hizo para la Escuela Nacional Preparatoria sobre la conquista, la colonización y la Revolución Mexicana. Entre 1927 y 1934 trabajó en Estados Unidos. Allí realizó un grupo de murales para la New School for Social Research de Nueva York y en el Pomona College de California pintó un mural con el tema del héroe griego Prometeo

De regreso a su país realizó grandes murales en el Palacio de Bellas Artes (1934) o la Suprema Corte de Justicia (1941) en la ciudad de México, además de diversas series en importantes instituciones de la ciudad de Guadalajara, como el Palacio de Gobierno, la Universidad o el Hospicio Cabañas. En la década de 1940 pintó algunos lienzos caracterizados por las líneas diagonales y el color gris que ya venía utilizando para sus murales.

En los últimos años su estilo se fue simplificando, buscando sobre todo un carácter más dramático y violento que le aproximara más al expresionismo.

Orozco murió en México D.F. el 7 de septiembre de 1949. Fue enterrado en la Rotonda de los Hombres Ilustres, honor que por primera vez se dio en México a un pintor

Leonardo Da Vinci

1452 - 1519

Florencia, Italia

Uno de los grandes genios del Renacimiento; fue ingeniero, arquitecto, escultor, pintor, músico y poeta; se ocupó de la química, hizo estudios sobre anatomía, fisiología y medicina. Se destacó también como inventor, escribió ensayos sobre navegación aérea y submarina.

Al genio Leonardo Da Vinci se le deben La Gioconda o Mona Lisa y La Última Cena, ambas creaciones figuran entre las obras maestras de la pintura universal.

Es característico en sus pinturas de mujeres, la expresión siempre apacible, los grandes ojos de mirar profundo, la nariz larga, delgada y recta, y sobre todo, la sonrisa velada y enigmática, que se ha hecho famosa en La Gioconda.

Entre otras de sus obras encontramos: La Virgen de las Rocas y La Virgen y Santa Ana.

Jacopo Robusti, il Tintoretto

1518 - 1594

Venecia, Italia

Pintor manierista veneciano, tomó el sobrenombre de la profesión de su padre que era tintador. Estudió durante diez días con Tiziano, pero le expulsó celoso de sus posibilidades; el recelo entre estos dos grandes pintores perduró a lo largo de toda su carrera profesional.

Tintoretto fue creando su estilo con influencias de los pintores manieristas florentinos como Miguel Ángel, de quien aprende el dibujo. Del pintor Andrea Schiavone a aplicar la pintura de manera ligera y abocetada. Pinta el gran San Marcos (1548) para la “Scuola di San Marco” en Venecia, en el que se aprecia la atención que prestó a la luminosidad.

Su amor por la pintura es tal, que pinta casi gratuitamente, cobrando sólo el material y algo para mantenerse.

En su madurez artística trabajó los fuertes contrastes de luz y sombra, las profundas perspectivas y escorzos forzados y grupos escenográficos que recalcan el dramatismo de la representación. De entre sus obras destacan las de tema religioso como los tres lienzos que, sobre los milagros de San Marcos, pintara para la Scuola di San Marco (1562-1566), El lavatorio, La última cena (1594) de la Iglesia de San Giorgio Maggiore y las escenas bíblicas con las que decoró los techos y muros de la Scuola di San Rocco entre 1564 y 1587 .

Falleció en Venecia el 31 de mayo de 1594.

Pablo Ruiz Picasso

1881 - 1973

Málaga, España

Pintor y escultor español, con 10 años realiza sus primeras pinturas y a los 15 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Consiguió el ingreso presentando su gran lienzo Ciencia y caridad (1897). En 1904 se establece en París.

Sus temas se centraron en el mundo del circo, creando obras como Familia de acróbatas (1905). En la figura del arlequín, Picasso pintó su alter ego, lo que repitió en posteriores trabajos.

Influenciados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de "pequeños cubos", imponiéndose así el término cubismo. La monocromía prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos del artista fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, se destaca el retrato de uno de sus marchantes Daniel Henry Kahnweiler (1910).

Durante la I Guerra Mundial, se traslada a Roma, allí conoce a la bailarina Olga Koklova, con la que contrae matrimonio. Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París).

Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugène Delacroix y Édouard Manet.

En el año 1972 realiza su última pintura "Embrace" El día 8 de abril, Pablo Picasso fallece en Notre-Dame-de-Vie, Mougins. Dos días más tarde es enterrado en el castillo de Vauvenargues.