PATRIMONIO

CULTURAL

I.- MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS Y CULTURALES.

1.1.- LA NECESIDAD DE CONSERVAR, ENRIQUECER Y PROMOCIONARLAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS Y CULTURALES.

En 1954 se hizo el convenio cultural europeo, el primer texto para proteger el patrimonio. Hasta entonces los gobiernos se preocupaban cada uno de su patrimonio independientemente.

El término cultura se refería hasta el siglo XVIII al cultivo de la tierra, de ahí agricultura. A partir de ahí la ilustración cambió el significado de cultura.

El término patrimonio viene del latín patrimonium, que significa los bienes heredados de los padres.

Patrimonio cultural es lo que hemos heredado desde el punto de vista cultural de nuestros antecesores.

El patrimonio cultural consiste en:

1º Todos los bienes muebles o inmuebles que por su valor o significado cultural deben de ser protegidos para las generaciones futuras.

2º Toda huella material e inmaterial de la obra creada por el hombre, así como toda huella combinada del hombre y la naturaleza,

Hay que proteger el patrimonio cultural por:

1º Ser los herederos del patrimonio que nos ha dejado la gente de nuestro pueblo.

2º Proteger el patrimonio enriquece nuestra calidad de vida.

Medidas para la conservación del patrimonio cultural:

• Prohibición de las excavaciones clandestinas.

• Formación especializada de arquitectos ,ingenieros y paisajistas que se dedican a rehabilitar edificios históricos.

• Formación desde la enseñanza primaria de que hay que preservar el patrimonio.

• Ayudar a la no desaparición de los oficios artesanales.

• Publicación del patrimonio en la organización y ordenamiento urbano.

• Protección del patrimonio técnico industrial.

El patrimonio cultural es una forma de expresión del hombre a lo largo de la historia, protegerlo es conservar la memoria colectiva. El turismo ayuda a su conservación, además de ser cada vez más respetuoso con las visitas.

1.1.a. BIENES DE INTERÉS ARTÍSTICO: PINTURA Y DIBUJO, ESCULTURA, GRABADOS Y ESTAMPA. ARQUITECTURA Y URBANISMO, ARTES SUNTUARIAS...

Todos los gobiernos han tratado de conservar los bienes de interés artístico a través de leyes.

Estos bienes pueden ser desde un edificio a un cuadro, pasando por los bienes arqueológicos y los de interés cultural.

Arquitectura y urbanismo.

La arquitectura es un arte tridimensional. Bruno Celli dice que es un arte en 4 dimensiones porque también hay que considerar el espacio interior como otra dimensión, la cuarta dimensión.

La arquitectura era considerada como la mas importante de las artes, porque las demás estaban supeditadas a ella.

Dentro de la arquitectura hay dos grupos:

1º Arquitectura religiosa:

- Templos.

2º Arquitectura civil:

• Palacios.

• Edificios públicos.

• Puentes, acueductos...

Algunos términos específicos de la arquitectura son:

Planta: El dibujo que dejaría un edificio en el suelo.

Edificio exento: Esta separado de los otros, no toca con ninguno.

Alzado: Dibujo de la parte frontal del edificio.

Sección: Dibujo de un edificio cortado por la mitad.

Proyección: Dibujo de un edificio partido por diferentes partes.

Biptero, pseudoperíptero, períptero: Son el número de columnas.

Macizos: Son los muros, los tabiques, los elementos que soportan el peso.

Vanos: Puertas y ventanas.

Muro cíclope: Tiene unión a hueso, porque no utilizan nada para unirlo, como la puerta de los leones.

Sillares: Piedras homogéneas, que normalmente se unen a hueso formando muros de sillares.

Pilastra: Pilar adosado a un muro.

Ménsula: Soporta pequeños pesos, soporte que se apoya en la pared.

Techumbre:

• Adintelada.

• Abovedada.

Arcos:

• Medio punto: Medio círculo, el más simple. Formado por piedras o ladrillos, que se les llama dovelas, la dovela central se llama clave, es la última piedra que se pone.

• Apuntado: Suele usarse en el gótico. Surge a partir de un apuntamiento de un arco de medio punto. Varía según el apuntamiento, la elevación, etc.

• Conoquial: Se usa en el gótico y sobre todo en el alto tudor.

• Campanel: Se parece al medio punto, pero es diferente.

• Herradura: Se utiliza en el arte musulmán y visigodo.

• Alanzetado: Se llama asi porque recuerda la forma la forma de las lanzas, es una variedad de arco apuntado.

• Lobulado: Formado por varios lóbulos. En el arte islámico los lóbulos tienden a la herradura, y también tienden a cruzarse. Suelen tener un número impar de lóbulos.

• Herradura:

• Mixtilineo: Formado por curvas y rectas.

• Peraltado: Se le añade una peralta.

• Rampante: Hace una rampa, se utiliza en estructuras ascendentes, donde se suceden una después de otra.

Cuando se suceden los arcos forman una bóveda. Como la bóveda de cañón, que esta formada por una sucesión de arcos de medio punto.

Cúpulas:

Son una bóveda semiesférica o media naranja. Suelen cubrir espacios cuadrados.

Esta es de media esfera sobre pechinas. Las pechinas ayudan a pasar de la planta circular de la cúpula a la cuadrada. Hay edificios que no necesitan pechinas porque son de plante circular.

Una linterna es una cúpula pequeña sobre la cúpula.

SECCIÓN: Es el edificio de perfil.

CIMBORIO: Elemento de techumbre que suele tener forma poligonal.

Según el espacio que cubra la cúpula puede ser:

• Bohinda.

• Anular

• De cuarto de esfera:

• Celifales o de arcos entrecruzados

• De crucería: Se juntan varios arcos, que por arriba se llaman nervios, y en el centro donde se juntan esta la clave.

Urbanismo.

Es una forma de distribuir los edificios siguiendo un diseño.

En Roma estaba el urbanismo efímero, que surgía de los campamentos romanos, que tenían dos calles principales, una mas larga que otra, que se juntaban en el centro. Cuando el campamento se quitaba se creaba una ciudad allí, siguiendo el diseño dejado. En el centro ponían el foro y después disponían todo siguiendo el esquema dejado, a esto se le llama urbanismo colonial. También se utilizó mucho en América durante su colonización.

El urbanismo medieval es un caos, porque en la edad media las ciudades son ciudades defensivas, donde buscan laderas de montañas o zonas cercanas a un castillo.

Artesonados y armaduras.

Recuerda la forma de una artesa invertida, que es un objeto hecho en madera y tenía forma de una barca que servía para la matanza del cerdo. Está formado por vigas de madera que se entrecruzaban formando figuras geométricas llamadas estrelladas. Proviene del arte musulmán, fue tomado como propio por el arte mudéjar. A la decoración que se hace se le llama lacería. Estas formas geométricas están pintadas con colores muy llamativos. En los artesonados mas ricos se usan maderas de diferentes colores en vez de pintar, se le llama panacea.

Una armadura es una techumbre con vigas de madera que se unen en la parte superior y después se le ponen tejas. No tienen decoración: Las vigas se llaman pares y se unen en la hilera: Por eso se le dice armadura de parhilera.

ARBOTANTES: Sirven para contrarrestar el peso del techo.

PINÁCULOS: Aportan peso a los elementos en que están apoyados.

Escultura.

Es un arte tridimensional, táctil. Dentro de la escultura hay técnicas como la talla, el modelado, el cincelado... Tallar y cincelar es trabajar sobre materiales duros, con instrumentos como sierras o cinceles. Se cincela madera, piedra, etc.

Aunque el modelado también se utiliza, este consiste en hacer modelados con las manos sobre materiales blandos.

BULTO REDONDO: Cuando la escultura se puede rodear, no esta pegada a una pared.

Relieve: Es un arte tridimensional, pero esta pegado a un soporte. Tipos de relieve:

- Alto relieve: Cuando lo que se quiere representar sobresale del fondo más del 50 %.

- Medio relieve: Sobresale, pero no tanto como el alto relieve.

- Bajo relieve: Un relieve muy plano, que apenas sobresale del fondo.

- Hueco relieve: Un relieve que se hunde, se excava por algunas partes, normalmente los bordes, que se hunden en el fondo.

Estatismo.

Da nombre a estatua, que es el reposo, la quietud, la falta de movimiento. Las primeras civilizaciones lo utilizan mucho, aunque poco a poco va iniciándose en el renacimiento.

* Estatua cubo: Rotundo, asentado, se utiliza mucho en el arte egipcio, ya que para ellos era muy importante la vida de ultratumba, y tenia que representar una escultura del muerto. Para ello utilizaban formas muy macizas, para que no se rompiesen y así el alma no se pierda al romperse su doble en piedra. Esta figura en piedra se suele representar en cuclillas con el cuerpo en forma de cubo y la cabeza pegada al cubo encima.

* Discóbolo: Movimiento contenido, justo el momento antes del movimiento. Da la sensación de dinamismo.

* David de Bernini: Movimiento contenido antes de lanzar la onda contra Goliat.

Composición: Piedad de Miguel Ángel, composición triangular. El vértice es la cabeza de la virgen. La composición puede ser diagonal, serpentinada, etc.

Contraposto: El escultor quiere dar sensación de movimiento. En el caso del * Doníforo de Policleto lo que hace es poner el peso en una pierna, de esta forma se da sensación de movimiento.

Calidad: La magistralidad con la que un escultor consigue dar sensación de realismo en objetos inanimados. Ejemplos son la técnica de los paños mojados que desarrollo Fidias. O la Magdalena penitente de Pedro de Mena, que tiene un atuendo que hace pliegos al colgar.

Vanguardias artísticas.

Movimientos a partir del principio del siglo XX, ejemplo es el cubismo. Son estilos que rompen con la representación que se daba hasta entonces. Cambian el concepto y las formas del arte. Cambia también la forma de representar el movimiento.

AQUÍ FALTAN COSAS

TALLA ARTICULADA: Cuando alguna parte del cuerpo de la figura se puede mover

ESCULTURAS MÓVILES: Son figuras opuestas a lo estático. Como puede ser una escultura que esté sujeta por el techo y valla pendiendo de hilos con objetos sujetos.

Materiales de la escultura.

A lo largo de la historia ha habido materiales clásicos, como la piedra en sus diferentes clases: granito, basalto, etc, que son muy duras y se utilizan por ejemplo en Egipto. También hay piedras mas blandas como el ollizo y la arenisca.

La piedra más perfecta es el mármol, pero también es la más costosa y cara, y encarecía las imágenes, también hay muchos tipos de mármol, y el más perfecto de ellos es el mármol blanco, como el de la cantera de Naxos en Grecia, Carrara en Italia o Monsonaz en Portugal.

En la edad media el mármol fue mas raro, se utilizaba la piedra del lugar, porque era mas barata. También se utilizan los metales, el bronce es el que más se usa. La madera también se utiliza, con esta también pasa que tiene muchas variedades, no como el bronce que siempre es igual. La madera debía de ser poco fibrosa, que al secarse estuviera dura, etc. Dependiendo del lugar se utilizaba una u otra. Había maderas muy utilizadas, como las de pino, de cedro, nogal ciprés, limonero, peral, etc. También se llegó a utilizar caoba y ébano, que eran el equivalente al mármol. Se utiliza incluso el tejo.

El marfil también se utilizó, pero a este al igual que a la madera también le atacaban las bacterias, la humedad, el sol, etc. Es un material que siempre ha sido muy caro. En la época prehistórica se hicieron algunos objetos de marfil. En Bizancio se puso moda, como en la época del califato de Córdoba, donde se utilizó para hacer cajitas pequeños objetos.

El barro es otro material usado, el barro cocido, que se utilizaba para hacer esbozos de otra escultura en otro material. A veces el barro cocido se queda en escultura definitiva. Hubo una escultora, Luisa Roldán, hija de Pedro Roldán, que hizo muchas esculturas en barro cocido, y luego las policromaba. Y esto le daba el aspecto de madera policromada, si no se toca no se nota que es barro cocido.

Técnica de la escultura en piedra:

1º Se hace un boceto, con las proporciones.

2º Se moldea un modelo para tener idea de la escultura, esto es el barro.

3º Se hace una escultura en barro a escala real.

4º Hay una máquina que mide desde la estatua en barro las partes sobresalientes y las traslada a la piedra. Es como un compás que mide las medidas de partes como la nariz para después trasladar estas medidas a la estatua de piedra, pudiendo pulir los errores en el modelo.

Técnica de la escultura en bronce:

1º Boceto.

2º Modelo. Pero después se utiliza la técnica de la cara pendida. En los casos más sencillos se hace un molde a partir del modelo de barro, en ese molde se echaba el metal fundido y después se saca ya sólido.

La pintura es un arte bidimensional, con un soporte plano. También existe pintura sobre escultura. Se utiliza mucho la línea y el color. Los pintores han intentado dar la sensación de perspectiva, de profundidad, y esto se consigue buscando la perspectiva lineal y también la perspectiva aérea.

La perspectiva lineal consiste en utilizar los objetos deformados conforme se supone que va alejándose nuestra vista. Ej: el laboratorio, de Tintoretto.

La perspectiva aérea consiste en querer representar algo que no se ve, como el aire que envuelve la figura. Da sensación de que hay aire. Lo hacen utilizando la paleta de colores difuminando las figuras, los objetos.

Algunos que lo consiguieron fueron Da Vinci en la Gioconda o Velázquez en las meninas, ellos fueron los primeros que utilizaron esta perspectiva.

ESCORZO: Proyectar un objeto hacia el espectador.

Color y línea son dos términos muy utilizados en la pintura. La línea está presente en donde los perfiles son bastante limpios, mientras que los colores predomina donde las líneas no se notan mucho.

También puede haber pintura monocromática, donde solo hay color, no hay líneas.

Calidades.

Se consiguen con la utilización de líneas y colores, creando la sensación de realismo.

Composición.

Consiste en situar los elementos de una forma estudiada, destacando los que se quiere que se vean más.

Tenebrismo: Una serie de obras en las que el pintor lo que hace es proyectar un foco de luz sobre los elementos que él quiere destacar, dejando los demás en penumbra. Es una forma dramática, expresiva de representar la luz.

Caravaggio fue el primero en el siglo XVII que utilizó este estilo para llamar la atención sobre distintas partes del cuadro. Incluso también se le llama a este estilo caravaggismo.

Idealismo: Representar las cosas quitando los defectos, haciéndolo más bonito de lo que en realidad es.

Esquematismo: Esquematizar los rasgos llevándolos alo imprescindible.

La temática es muy variada:

• Temática religiosa.

• Temática mitológica, se utilizó para representara los desnudos y excusarlos, ya que estaban prohibidos.

• Temas fantásticos, uno de los pintores más importantes es Goya.

• Retrato, dentro de este está el autorretrato.

• Bodegones y naturalezas muertas, cuando el autor hace composiciones en los que la figura humana está ausente y se retratan objetos inanimados.

• Pintura histórica, que representa un momento real.

• Tema de género: Escenas cotidianas, personajes anónimos, en esto los flamencos fueron maestros.

• Paisaje: Siempre ha existido este tipo de pintura, pero solo se daba importancia como fondo. Pero a partir del siglo XIX se le da importancia, hasta el punto de que se representan paisajes sin figuras humanas o supeditadas al paisaje.

Tipos de soporte de pintura.

• Pintura exenta, de caballete o mueble: Pintura que se puede trasladar, puede ser en diferentes materiales, incluso piedra. También son la madera, muy utilizada en la edad media, el lienzo o tela, sobre todo a partir del renacimiento. La madera como soporte se busca con pocos nudos, dura, ,que no se corrompa, etc. A esa madera se le da un tapaporos, se imprime, o sea darle una capa de yeso, y después se pinta.

El lienzo más utilizado suele ser de algodón, también lino y cáñamo, pero ya menos. La tela de algodón se coloca sobres un bastidor y luego se imprime.

Algunos pintores le daban a la imprimación un color ocre, para resaltar el tenebrismo y los claroscuros. A lo largo de la historia se han utilizado como lienzo el pergamino , el papel , el cuero ,el cobre, etc.

• Pintura mural: La que se aplica a las paredes y a los techos, su soporte va a ser el muro, que puede ser de varias clases.

Una vez delante del lienzo el pintor tiene que pintarlo, y los colores se obtienen con diferentes técnicas.

El color era una mezcla de polvo sacado de óxidos metálicos y elementos naturales, y mezclado con un elemento aglutinante. El trabajo de pintar era como de alquimista, mezclando elementos para obtener el color deseado.

Cuando hablamos de pintura al olea nos referimos a los colores mezclados con un aceite, por eso se llama óleo, que significa aceite o grasa. Podía ser aceite de oliva, grasa de amapola, grasa de nuez, etc. De ahí surgen las características del color: acuosidad, luminosidad, etc.

Esta técnica permite utilizar pinceles muy finos para pintar cosas muy delicadas y finas, y que con otras técnicas esto no era posible, esta técnica fue impulsada por los hermanos Van Dic.

El temple es la mezcla de pigmento con una proporción de yema o clara de huevo. Esta técnica se utilizó mucho en la edad antigua y meda : El problema es que cuando envejece la pintura se resquebraja, eso se llama craquelado. SE utilizaba mucho esta técnica sobre madera.

La acuarela era mezclar los colores con agua, se suele utilizar en materiales pobres como papel o cartulina. Con acuarela se hacían boceto , pera hacer dibujos tomados del natural.

Encáustica, es una técnica muy antigua de pintura, con ella se utilizaba un proceso muy dificultoso. Consiste en mezclar los colores con cera, a la cera para que esté derretida le hace falta calor y tiene que estar continuamente caliente. Ese tipo de pintura no se ha usado mucho.

También hay pintura al pastel, con tiza, etc.

Los fresquistas tenían dos técnicas:

• Fresco: Ponerse a pintar el muro directamente. Tenía el problema de que con el tiempo se iba a estropear.

- Buen fresco: Preparar el muro con una capa de cal, que cuando está húmeda es cuando pinta: Conforme se va secando la cal, la pintura se va impregnado en ella,, y así en más difícil de que se estropee el fresco.

También estaba la jornada, que era poner cal solamente al trozo que se iba a pintar ese día, así se pintó la capilla sixtina. Esto era porque cuando había que pintar una pared muy grande no daba tiempo tiempo mientras se secaba el fresco.

Los fresquistas primero hacían unos bocetos, luego los pasaban a escala normal, lo hacían en cartones para tapices. Muy a menudo estos cartones los colocaban sobre la pared, señalando los contornos, y así ya tenían la composición. También usaban la cuadrícula, que era hacer un boceto, hacerlo cuadrícula y después pasarlo en otra cuadrícula al cuadro.