MÚSICA CLÁSICA

Qué es Música Clásica. En realidad, el término debiera corresponder únicamente a la música culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. Pero el uso lo ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente.

Comunmente se le llama "clásica", pero los que saben, dicen que tal

nombre se debe reservar para tal música, pero sólo para la que se hizo

en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de

la música, aquel en el que brillaron Haydn, Mozart y el primer Beethoven.

Se le dice también música "culta"; pero en el concepto moderno,

toda música es producto de una cultura, entendiendo por ésta, el

conjunto de ideas, creencias religiosas, ciencias, artes y costumbres

que forman y caracterizan el estado social de un pueblo o de una raza.

En fin, lo que define a esta música, es excluyente. Se trata de aquella que no es popular ni folklórica. Es hecha por pocos, con la idea de que la gusten muchos, pero estos no lo son tanto. Sus autores y ejecutantes han estudiado una larga carrera en escuelas especiales que se llaman conservatorios, y sus oyentes, en general, han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que después puede cultivarse. Requiere de cierta iniciativa personal para llegar a ella. Lo que es definitivo, es que ha trascendido las fronteras del tiempo y el espacio. Es universal. Y aquí podría meditarse si lo es por su belleza o por su mensaje. Probablemente sea por esto último, porque la música clásica ha evolucionado en forma paralela al pensamiento occidental. Esta es su característica más notable: No es estática, está en un contínuo recambio de formas y modos, buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión. Esto no sucede en la música de otras culturas.

Aparte de las limitantes de no ser folklórica ni popular, la música clásica está confinada a un ámbito geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Hay también una limitante temporal. Con el término de música clásica nos referimos a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa postrenacentista.

Se excluyen las músicas medieval y renacentista, sin negar que en ellas están sus orígenes. Se excluyen también la oriental y la africana, sin desconocer sus valores. Y es que esta música clásica occidental nos dice de estados anímicos muy profundamente arraigados en los europeos, y por lo tanto en nosotros, sus herederos espirituales.

Es claro que existen otras estéticas musicales, tan valiosas como la música clásica, pero representan visiones muy diferentes del mundo. Ejemplo de esto, en nuestro tiempo, es el jazz de Norteamérica.

Normalmente en música entendemos por clasicismo, el corto periodo que va desde 1770 a 1810.

ESENCIA DEL CLASICISMO

Es un periodo artístico en el que se tiende a expresar la idea de perfección formal de la realidad, con la fuerza más absoluta; es decir, se tiende a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. Por ello se tiende a dar más la forma de las cosas, que es l a que refleja perfección, que el contenido o la ideología; en este sentido, el Clasicismo refleja al hombre como ser armónico y a la humanidad como sociedad perfecta y sin problemas; por ello el Clasicismo lleva consigo una contradicción y es que va a surgir durante la Revolución francesa, un período de rupturas, de cambios de todo tipo y no lo refleja en su estética. El hombre clásico es, pues, el ideal de lo bello, lo único que tiende a expresar.

CUALIDADES QUE DEFINEN LA MUSICA CLASICA

• Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.

• Para ello la melodía toma una importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta música, la melodía es el alma de la música clásica. Para encontrar estas melodías se va a recurrir a la música popular, música folklórica.

• Estas melodías se construyen de tal forma que reflejan esa perfección, con frases de ocho compases (divididas en dos períodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (ocho mas ocho) o de seis (tres mas tres). Es decir se crean unas melodías enormemente regulares.

• Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía.

• Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, éstos sólo se usan cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión; esta es una de las razones por lo que la música clásica aparece como algo alegre, brillante y claro.

• El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento.

• La música clásica tendrá como ideal el crear algo puramente bello, es decir, una música que no sirva a ninguna finalidad fuera de si misma, por ello que no intente servir, representar, imitar, que sea un arte que se sostenga por si mismo, sin propósitos concretos.

• La norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, y por ello simboliza al hombre como ser armónico y sin problemas.

• Por fin el Clasicismo ayudado de los ideales de la Revolución Francesa va a conseguir extender la música a la mayor cantidad posible de público, que desde ahora va a comenzar a valorar en toda Europa enormemente la música.

LAS FORMAS MUSICALES DEL CLASICISMO

De lo dicho anteriormente se deduce que lo esencial en este período es el respeto a las formas, a la ley y a la norma, dado que, para llegar a esa perfección que pretende el Clasicismo, lo primero que hay que hacer es respetar las leyes musicales. Es así como en este período va a tomar una enorme importancia la Sonata y la Sinfonía.

LA SONATA

Sonata (del italiano suonare, 'sonar'), composición musical para uno o más instrumentos. Por una parte, el término forma sonata se refiere a la estructura musical de los primeros movimientos de las sonatas y de los géneros relacionados con ella en los siglos XVIII y XIX. Pero también desde mediados del siglo XVIII, el término sonata ha sido utilizado generalmente para las obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano (solista) o con la sonata para violín (para violín con un instrumento de teclado). Se suelen usar términos distintos al de sonata en obras que presentan la misma disposición pero que están compuestas para otras combinaciones instrumentales; por ejemplo, la sonata para orquesta se llama sinfonía, la sonata para un instrumento solista se llama concierto, y la sonata para cuarteto de cuerdas se llama cuarteto de cuerdas

Esta forma había surgido ya en el período barroco, pero ahora cambia, imponiendo una forma muy estricta que debe de seguir el músico. Puede tener tres o cuatro tiempos o partes (sonata tripartita o cuatripartita), siguiendo este esquema:

A Introducción............modulante

Exposición a)I tema...................en el tono principal

b)puente...................modulante

c)II tema...................en un tono vecino

I ALLEGRO B

Desarrollo Desarrollo temático modulante

A'

Reexposición a')I tema.............en el tono principal

b')puente.............modulante

c')II tema.............en el tono principal

pequeña coda

Coda

Con dos temas Romanza sin palabras Primer tema

II ADAGIO Segundo tema

Andante o Repet. del primero

Largo Coda

(tono vecino) Con un solo tema Tema con variaciones

Primer Exposición del tema Se toca cada

período: Breve episodio y una dos veces

(minuetto repetición del tema

propiamente dicho)

III MINUETTO Segundo periodo Tema Se tocan dos

o SCHERZO Episodio y repetición veces cada una del tema

Tercer periodo Repetición exacta del primero,

tocando una sola vez cada parte

IV FINAL: Primera forma: Como el primer tiempo

allegro Segunda forma: Rondó Tema que se repite varias veces (4o5) separado

o Presto por episodios

(tono pral.) Coda

Al primero de estos cuatros movimientos se le suele denominar por antonomasia esquema de sonata, que consta de:

A................EXPOSICION

B.................DESARROLLO

A'................REEXPOSCION

Es importante tener en cuenta que este esquema es aplicable a la Sinfonía, Duo, Trío, Cuarteto, Quinteto, Sexteto u Octeto, que no son sino sonatas para orquesta o grupos de dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete u ocho instrumentos, pero con la estructura de sonata.

En los siglos XVI y XVII el término sonata, que aparecía con creciente frecuencia en los títulos de las obras instrumentales, significaba meramente pieza sonora instrumental distinguiéndose así de las composiciones vocales. El término no implicaba entonces una forma o estilo de composición específico. La forma y el estilo se desarrollaron en Italia a finales del siglo XVI y principios del XVII, al cultivarse por vez primera la música instrumental a gran escala. La forma tenía varias secciones claramente delineadas en tiempos y texturas contrastantes, como una sección tipo danza seguida de una melodía lenta con acompañamiento, a la que seguía una sección rápida en forma de fuga. Dichas composiciones no necesariamente se llamaron sonatas; más a menudo se utilizaban los términos ricercare o canzona. Durante la década de 1630 el número de secciones en dichas piezas tendía a disminuir a tres o cuatro, mientras que aumentaba la longitud de las secciones restantes y la estructura formal se volvía más compleja, incorporando relaciones a largo plazo en las que intervenían el ritmo, la armonía, la melodía y otros rasgos musicales. Finalmente, las secciones se convirtieron en movimientos separados.

Hacia el siglo XVII emergieron dos categorías: la sonata da chiesa, o sonata de iglesia, una obra seria con cuatro movimientos con la estructura lento-rápido-lento-rápido y que reflejaba la complejidad del contrapunto de los más antiguos ricercare y canzona; y la sonata da camera, o sonata de cámara, una serie de movimientos cortos con origen en la danza, precursora de la suite. La combinación instrumental más típica para la sonata durante el barroco medio y tardío fue la sonata a trío: dos instrumentos melódicos acompañados por el bajo continuo (un instrumento bajo melódico apoyado por un instrumento armónico). El maestro por excelencia de la sonata a trío del siglo XVII fue el violinista italiano Arcangelo Corelli. También se escribieron sonatas para pequeños conjuntos instrumentales (incluidas muchas de Corelli) y para instrumentos solistas, como las sonatas de Johann Sebastian Bach para violín y para violonchelo solistas, y las sonatas para teclados solistas del alemán Johann Kuhnau. También se escribieron obras para un único instrumento melódico y bajo continuo, entre ellas las sonatas para violín del austriaco Heinrich von Biber, autor de las admirables sonatas del Santo Rosario para violín.

Durante la época preclásica y del clasicismo temprano, la sonata da chiesa, influida por la sonata da camera, evolucionó hacia una forma definida de tres o cuatro movimientos, el primero de los cuales generalmente estaba en forma sonata y poseía un tempo moderadamente rápido, el segundo tempo lento, y el movimiento final, en tempo rápido. Cuando se componía un cuarto movimiento, había un minué que se insertaba antes del movimiento final. A mediados del siglo XVIII el término sonata comenzó a utilizarse únicamente cuando el medio interpretativo era un instrumento de teclado solista o algún otro instrumento solo acompañado por un teclado. La forma sonata junto con sus principios, influyeron en la música de la época, no sólo en las sonatas instrumentales, sino también en las sinfonías, los conciertos y los cuartetos de cuerda, así como en otro tipo de música de cámara. La sonata clásica queda ilustrada con las obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, los grandes maestros del clasicismo vienés. Al igual que la mayoría de los compositores del siglo XIX, Beethoven escribió sonatas en cuatro movimientos, pero en sus últimos años a veces abandonó la disposición propia de la sonata en favor de una cantidad de movimientos menor o mayor.

Durante el siglo XIX, la tradición de la sonata clásica se mantuvo en manos de compositores austriacos y alemanes del romanticismo como Franz Schubert, Robert Schumann y Johannes Brahms. Sin embargo, muchos compositores, entre ellos el pianista polaco Frédéric Chopin, tenían más facilidad para las piezas cortas que para las obras de mayores dimensiones; cuando escribían sonatas, tendían a no tomar en cuenta las relaciones musicales a gran escala y escribían movimientos sorprendentemente diferenciados, cuya estructura interna realzaban haciéndoles corresponder unos episodios diferenciados. Otros, como el pianista húngaro Franz Liszt, no tomaron en consideración gran parte del esquema tradicional. Su Sonata en si menor es una obra larga en un movimiento, que se parece al planteamiento del poema sinfónico.

Los compositores del siglo XX han seguido esquemas muy diferentes para escribir sus sonatas. Algunas, como las de Samuel Barber, son largas piezas escritas en la tradición del siglo XIX. Otras, como las del ruso Ígor Stravinski, han vuelto a los principios clásicos de la contención y la claridad formal. Un tercer grupo, como las del estadounidense Charles Ives, utilizan el término sonata de forma indefinida para sugerir en la mente del oyente las grandes tradiciones del pasado, pero con una estructura y carácter que tienden al individualismo. El significado del término sonata, por todo ello, está volviendo a su definición original, algo ambigua, como pieza instrumental sin que implique de modo necesario unas características predeterminadas

LA SINFONIA

Sinfonía (del griego, syn, 'juntos'; phone, 'sonido'), en música, composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los interludios instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la 'Sinfonía pastoral' del oratorio El Mesías (1742) de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo XVIII.

La sinfonía es como una gran sonata para orquesta cuyo origen está en la Obertura de la ópera que tenía tres movimientos y en los experimentos instrumentales de la escuela italiana del norte, la escuela berlinesa y vienesa y la de Mannheim, que se convierten en centros de actividad sonatistica y sinfónica desde 1750 y en la que destacan compositores como Giovanni Sammartini y Johan Christian Bach. En el siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general de sonata que hemos visto:

1º Allegro

2º Adagio o Andante

3º Minuetto o Scherzo

4º Allegro Finale o Rondó

LA CANTATA

Cantata, en música, composición vocal con acompañamiento instrumental. La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano. Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. Entre los compositores italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri. Hacia finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió en una composición para dos o tres voces. Compuesta especialmente para las iglesias, esta forma se conocía como cantata da chiesa (cantata de Iglesia). Sus máximos exponentes italianos fueron Giacomo Carissimi verdadero creador del oratorio, y Alessandro Scarlatti. En Alemania, durante este periodo, la cantata da chiesa, en manos de Heinrich Schütz, Georg Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude, Johann Sebastian Bach y otros compositores, evolucionó hacia una forma mucho más elaborada que su modelo italiano. Bach hizo de la cantata de Iglesia el centro de su producción vocal, si bien también compuso cantatas profanas como la célebre Cantata del café.

LA OPERA

Ópera, drama en el cual se canta todo o parte del diálogo y que contiene oberturas, interludios y acompañamientos instrumentales. Existen varios géneros teatrales estrechamente relacionados con la ópera, como el musical y la opereta.

Periodos Preclásico y Clasicismo de la Opera

 

Varios compositores intentaron, a mediados del siglo XVIII, cambiar las prácticas operísticas. Introdujeron formas distintas del da capo en las arias y fomentaron la música coral e instrumental. El compositor más importante de esta época fue el alemán Christoph Willibald Gluck. Uno de los factores que contribuyeron a la reforma de las prácticas operísticas durante el siglo XVIII fue el crecimiento de la ópera cómica, que recibía varios nombres. En Inglaterra se llamaba ballad opera, en Francia opéra comique, en Alemania Singspiel y en Italia opera buffa. Todas estas variaciones tenían un estilo más ligero que la opera seria italiana. Algunos diálogos se recitaban en lugar de cantarse y los argumentos solían tratar de gentes y lugares comunes, en lugar de personajes mitológicos. Estas características pueden verse claramente en la obra del primer maestro italiano de la ópera cómica, Giovanni Battista Pergolesi. Dado que las óperas cómicas ponían más énfasis en la naturalidad que en el talento escénico, ofrecieron la oportunidad a los compositores de óperas serias de dar más realismo a sus composiciones.

El músico que transformó la opera buffa italiana en un arte serio fue Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió su primera ópera, La finta semplice (1768), a los 12 años. Sus tres obras maestras en lengua italiana, Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790), muestran la genialidad de su caracterización musical. En Don Giovanni creó uno de los primeros grandes papeles románticos. Los singspiels de Mozart en alemán van desde el cómico El rapto del serrallo (1782), a la simbología ética de inspiración masónica de La flauta mágica (1791).

EL CONCIERTO

Concierto (género musical), composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta. El nombre de concerto unido a la música se utilizó por vez primera en Italia en el siglo XVI, pero no se hizo habitual hasta alrededor de 1600 al comienzo del barroco. Al principio, el concierto y su adjetivo relacionado, concertato, hacían referencia a una mezcla de colores tonales instrumentales, vocales, o mixtos. Se aplicaban a una amplia variedad de piezas sagradas o profanas que utilizaban un grupo mixto de instrumentos, cantantes o de ambos. Este grupo podía ser tratado bien como un conjunto mixto unificado, bien como un conjunto de sonidos opuestos unos a otros. Este estilo concertante fue desarrollado especialmente por el compositor italiano Claudio Monteverdi, especialmente en sus libros de madrigales quinto a octavo (1605-1638). Influido parcialmente por Monteverdi, el compositor alemán Heinrich Schütz aplicó el nuevo estilo a sus trabajos sacros en alemán. Este concepto siguió vigente hasta el siglo XVIII, como puede apreciarse en las muchas cantatas sacras de Johann Sebastian Bach que llevan el título de concertos.

El Concierto Clásico

A mediados del siglo XVIII el cambio musical decisivo que significó el paso desde el barroco al clasicismo no podía dejar de afectar al concierto. Aparte del breve florecimiento de un derivado francés llamado sinfonía concertante, el concerto grosso murió y dio paso a la sinfonía, que mantuvo gran parte de sus rasgos. No obstante, el concierto para solista persistió como vehículo del virtuosismo, indispensable para los compositores que a la vez eran intérpretes de su propia obra. El piano suplantó gradualmente al violín como instrumento solista preferido. Fue el instrumento favorito tanto de Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió los conciertos más importantes a finales del siglo XVIII, como de Ludwig van Beethoven, cuyos cinco conciertos para piano y su único concierto para violín (1801-1811) dieron la consagración definitiva a su desarrollo.

Durante el clasicismo, el concierto creció aún más. Su estructura era el reflejo de un compromiso con la forma tradicional del ritornello, en un alarde de virtuosismo, así como de las nuevas formas y estilos desarrollados con la sinfonía. Los primeros movimientos se construían como una variante del ritornello. Tanto éste como la primera sección solista se parecían a la sección de la exposición del primer movimiento de una sinfonía. El resto del movimiento también seguía un desarrollo similar al primer movimiento de una sinfonía, pero con el solista y la orquesta tocando juntos o de forma alternada. El movimiento final era generalmente un rondó con una especie de estribillo recurrente. Los movimientos lentos quedaban menos determinados en su forma. Al igual que las sinfonías, los conciertos se convirtieron en obras grandes, con una personalidad propia y distintiva, que se interpretaban en salas de concierto públicas, delante de una gran audiencia.

HISTORIA DEL CLASICISMO

El Clasicismo se va a ver reflejado en las obras de tres grandes músicos Haydn, Mozart y uno tercero, que es clásico y romántico, Beethoven; hay otros muchos de segunda categoría a quien habría que tener en cuenta y que vivirán en las famosas escuelas: La italiana con Sammartini, Rinaldo de Capua, Jommelli; la Austriaca donde surgen los Haydn y Mozart y la de Mannhein, gran centro musical de esta época, con los Stamitz, Cramer, etc.

CONSTITUCION ORQUESTAL

En el siglo XVIII la Música instrumental adquiere una preponderancia que antes parecía reservada a la Música vocal en buena parte. Las cortes y los palacios aristocráticos fomenta ese cultivo con el concurso de músicos asalariados que constituyen orquestas privadas. La sinfonía y la música de cámara ganan solidez y prestigio. Los instrumentos a cargo de solistas muestran primores novísimos. Las formas musicales acrecientan su número a la vez que perfeccionan su calidad.

Los conjuntos instrumentales adquieren cohesión y fijeza crecientes. También aumenta el número de sus individuos. El bajo cifrado, que dejaba al clavista libertad para el relleno de las partes intermedias, va cediendo el paso a minuciosas partituras, y se escribe para cada instrumento la parte musical reservado al mismo. Todo ello iniciará el cultivo de grandes formas sinfónicas trompas y clarinetes aumentarán la plasticidad y plenitud sonoras del conjunto instrumental.

PRINCIPALES EXPONENTES SEGÚN PERIODO DE MÚSICA

Barroco

• Canons and Fugues of J.S. Bach

• George Frideric Handel, 1685-1759.

• Johann Sebastian Bach, 1685-1750.

• The Heinrich Schütz , 1585-1672.

Bach (Juan Sebastián)

{Biografía} {Música} (1685-1750). Principal representante de la música alemana del período barroco tardío, que en su tiempo gozó de la admiración pública tanto como en nuestros días, por su extremada maestría como intérprete del clavecín y perfeccionado del pianoforte (piano), así como organista.

De familia originalmente húngara, él nació en Eisenach Turingia, bajo el signo de Piscis. Su padre era un consumado violinista en la corte ducal de Eisenach. A la muerte de sus padres, quedó al cuidado de su hermano mayor, Juan Cristóbal Bach, quien era organista en Ohrdruf, y hacia 1700 a los 15 años, participaba ya en el coro de los niños pobres de la iglesia de San Miguel en Lüneburg, donde pudo familiarizarse con las sutilezas de la ejecución de teclados y de la composición musical, con el gran maestro Dietrich Buxtehude. En 1708 entró al servicio de los duques de Weimar, y su maestría ya resultaba asombrosa, y su carrera no se detuvo hasta su muerte.

Musicalmente, la creación de Juan Sebastián Bach corresponde a una etapa de transición en que se Incorporan a ella conceptos más abstractos y, al mismo tiempo, se procura tocar la afectividad profunda del hombre laico, fuera del medio religioso. Sus obras más célebres, que a muchos entendidos parecen la cumbre absoluta del arte musical, son, El Arte de la Fuga, las Variaciones Goldberg, su Doble Concierto para dos Violines y Orquesta, la Pasión Según San Mateo, los Conciertos de Brandemburgo y, por sobre todas, la Ofrenda Musical, donde su maestría alcanza a límites sobrehumanos de complejidad y belleza impecable.

Clásico

• Antonio Soler

• Johan Helmich Roman

• Mannheimer Schule

• Tromlitz, Johann George, 1725-1805.

• W. A. Mozart 1756-1791.

Mozart (Wolgang Amadeus)

{Biografía} {Música} Compositor alemán (1756-1791). Niño prodigio, desde los cuatro años de edad viajó por Europa como concertista de piano y violín. Como compositor destacan las óperas Don Juan, Las Bodas de Fígaro, La flauta mágica, Cosí fan tutte, 41 sinfonías, 27 conciertos para piano y otros instrumentos, sonatas, cantatas, Requiem, Tedeum, Ave verum, etc.

Cronología Mozartiana

1756.- Nace en Salzburgo, Austria, el 27 de enero. Hijo de Leopold Mozart, músico de la corte del arzobispo Segismundo von Schrattenbach, y de Anna María Pertl.

1759.- Comienza a encontrar acordes en los instrumentos de teclado y a recordar pasajes oídos (3 años de edad).

1760.- Su padre le enseña pequeñas piezas de piano que él toca correctamente (4 años de edad).

1761.- Compone pequeñas piezas para piano, que sorprenden a su padre (5 años de edad).

1762.- Primer viaje a Munich por tres semanas (6 años de edad). Con su padre y hermana tocan ante el elector de Baviera.

1763.- Extensa gira de conciertos por munich, Augsburgo, Heildelberg, Frankfurt, Coblenza, Bruselas, Colonia y París. Compone las primeras Sonatas para clave y violín (7 años de edad).

1764.- Toca en numerosos conciertos. Es invitado por Luis XV. Viaja a Londres con su familia.

1765-66.- Conciertos en las principales ciudades europeas.

1767.- Regresa a la ciudad natal donde enferma.

Romanticismo

• Alexander Nikolaievich Scriabin, 1872-1915.

• Anton Bruckner, 1824-1896.

• Antonin Dvorak, 1841-1904.

• Arthur Seymour Sullivan, 1842-1900.

• Beethoven, 1770-1827.

• Edvard Grieg, 1843-1907

• Gábor Darvas 1911-1985.

• Gustav Mahler, 1860-1911.

• Hector Berlioz, 1803-1869.

• Johannes Brahms, 1833-1897.

• Richard Strauss, 1864-1949.

• Richard Wagner 1813-1883.

Beethoven (Ludwig van)

{Biografía} {Música} Célebre compositor alemán, autor de la opera Fidelio y de sonatas y sinfonías admirables. Escribió más de 300 composiciones. Al final de su vida padeció completa sordera. Nació en Bonn en 1770; murió en Viena en 1827.

Se le considera como la culminación de la llamada Escuela Clásica de Viena, y, como renovador de los conceptos de armonía, tonalidad y colorido instrumental, llevó a la perfección el género sinfónico. Entre sus particularidades técnicas, se cuenta el haber desechado el clásico ritmo de minuet por el más vigoroso del scherzo, obteniendo así contrastes emotivamente más intensos y aumentando la sonoridad y variedad de texturas en las sinfonías y música de cámara. Como músico, recibió la consideración y admiración de sus contemporáneos y él, que había comenzado a ganar el sustento de su hogar a los 16 años, terminó su vida en un confortable bienestar económico. El día de su funeral, más de 20.000 vieneses acudieron a rendirle homenaje.

Cronología Beethoveniana

1770.- El 16 de diciembre nace Beethoven en Bonn, donde es bautizado al día siguiente. Hijo de Johann van Beethoven y María Magdalena Keverich.

1778.- Sepresenta en sus primeros conciertos. Su padre rebaja su edad en un año, engaño en que Ludwing se mantendrá por mucho tiempo.

1782.- Comienza a tomar clases con el organista de Bonn C.G. Neefe, y publica las primeras series de Variaciones para piano.

1784.- Inicia su amistad con la familia Breuning y se le nombra organista de la Corte.

1787.- Primer viaje a Viena. Probable encuentro con Mozart, quien haría un estimulante juicio sobre el músico. Muere su madre.

1788.- Es nombrado viola de la orquesta del Teatro de la Corte.

1790.- Compone Cantata a la muerte de José II.

1792.- F. J. Haydn, de paso en Bonn a su regreso de Inglaterra, conoce a Beethoven. En noviembre viaja a Viena, donde se establecerá. Muere su padre.

1793.- Beethoven toma clases con F. J. Haydn. Se da a conocer como pianista e improvisador.

1794.- Toma clases con J. Schenk, A. Salieri y J. Albrechtsberger.

1795.- Debuta como solista de sus primeros conciertos para piano y orquesta, en el Burgtheater de Viena.

1796.- Realiza una gira como concertista por Praga, Dresde, Leipzig y Berlín. No le satisface la recepción del público.

1798.- Confiesa a Wegeler y Amenda los primeros síntomas de su sordera. Sonatas para piano Opus 10.

1799.- Conoce a las hermanas Von Brunswick y a Giulietta Guicciardi. Sonata patética para piano.

1800.- Primera Sinfonía.

1801.- Sonata Claro de Luna, Cuartetos Opus 18.

1802.- Segunda Sinfonía. En el suburbio de heligenstadt escribe a sus hermanos Carlos y Juan el "Testamento".

1805.- Estrena la tercera Sinfonía Heroica, la primera versión de Fidelio en el Teatro An der Wien.

1806.- Cuarta Sinfonía. Estreno del Concierto para violín y orquesta.

1807.- Quinta Sinfonía. Estreno del Cuarto concierto para piano y orquesta. Sexta Sinfonía.

1809.- Sus amigos de la nobleza vienesa le fijan una renta anual, para asegurar su permanencia en Viena.

1810.- Estreno de la música de escena para Egmont, en Hofburgtheater de Viena.

1812.- Música de escena para Rey Esteban. Ruinas de Atenas, de Kotzebue, es estrenada en Pest. Viaje a Teplitz y encuentro con Goethe.

Impressionismo

• Claude Debussy, 1862-1918.

Debussy (Claude)

{Biografía} {Música} Compositor francés (1862-1918), de la, escuela impresionista. Obras: Pelleas et Mélisande, Preludio a la siesta de un fauno, Arabesques pour piano, Chansons de Bilitis, La Cathédrale, La Mer y Nocturnes, etc.

Siglo XX

• William Alwyn

• Britten Benjamin, 1913-1976.

• Elgar Edward, 1857-1934.

• Paul Hindemith

• Gustav Holst ,1874-1934.

• Herbert Howells , 1892-1983.

• Charles Ives, 1874-1954.

• Zoltán Kodály , 1882-1967.

• Jos Kunst , 1936-1996.

• Kenneth Leighton, 1929-1988.

• Harry Partch

• Arnold Schoenberg, 1874-1951.

• Arnold Schoenberg

• Dmitri Shostakovich

• Jean Sibelius, 1865-1957.

• Robert Simpson, 1921- .

• John Philip Sousa

• Ralph Vaughan Williams, 1872-1958.

• Edgard Varese

• Heitor Villa-Lobos, 1887-1959.

• Kurt Weill

Contemporánea

• David Carson Berry

• Harrison Birtwistle

• John Cage

• Ronald Caltabiano

• Nestor de Hollanda Cavalcanti

• Jason Eckardt

• Morton Feldman

• Matthew H. Fields

• Lukas Foss

• Jeff Harrington

• Christos Hatzis

• Anthony Hedges

• Carlos Gomes

• Daron Aric Hagen

• Hosokawa Toshio , 1955- .

• David A. Jaffe

• Reine Jonsson

• George Lloyd

• James MacMillan

• Alexander Mihalic

• Mark M. Moya

• Frank Tveor Nordensten

• Arvo Pärt, 1935- .

• Douglas Quin

• Reale-Rydell

• Chris Sansom

• Michael Torke

• Peter Vermeersch

• Iannis Xenakis