Indice 1

Arquitectura:

Basílica de San Pedro de Roma (Michelangelo) 2

Escultura:

El David (Michelangelo) 4

Pintura:

El Juicio Final (Michelangelo) 6

Bibliografía 8

Plano o Planta:

Hoy tiene planta de cruz latina aunque originalmente fue de cruz griega.

Alzado:

• Elementos sustentantes: muro de sillar y columnas de orden clásico.

• Elementos sustentados: Todos los arcos de medio punto así como la cúpula que se puede observar a simple vista: está formada por el tambor, la cúpula de media naranja y la linterna.

• Iluminación espacial: tiene numerosos vanos que dejan pasar la luz al exterior aunque éstos no son muy grandes.

• Elementos decorativos: en la fachada principal se puede observar el entablamento y las pilastras adosadas que quieren imitar a los templos romanos. También se ve decorando puertas y ventanas como encima del arco de medio punto que las dibuja, se colocan pequeños entablamentos. El tambor de la cúpula está ornamentado con motivos vegetales y pares de columnas que hacen que se asemeje mas al arte clásico.

Estilo y cronología:

Pertenece a la corriente renacentista del Cincueccento S.XVI. por su predominio de columnas, entablamentos y cúpula de media naranja típicos del arte de esta época.

Autor:

Miguel Ángel, figura más destacada del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto, escultor, pintor y poeta. Ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior a su época.

Evolución:

Siguiendo el esquema de Bramante, Miguel Ángel diseñó un templo de planta de cruz griega coronado por una espaciosa y monumental cúpula sobre pechinas de 42 metros de diámetro. Posteriormente, Carlo Maderno modificó la planta original y la transformó en una planta de cruz latina

Análisis histórico:

La dirección de las obras, iniciadas por Donato Bramante y continuadas, entre otros, por Antonio da Sangallo y Rafael, le fueron encomendadas por el Papa en 1546; por ello, siguiendo el esquema de Bramante, Miguel Ángel diseñó la cúpula de San Pedro del Vaticano que se convirtió en modelo y paradigma para todo el mundo occidental.

Forma:

Escultura exenta o de bulto redondo.

Tema e iconografía:

Representa a un joven que estudia a su rival, preparando las fuerzas para el asalto. Esta preparación para la acción hace que constituya un tema clásico.

Valores técnicos:

• Material: Mármol.

• Composición: El David es una gigantesca escultura de 4,34 metros, hecha de una sola pieza y realizada entre 1501 y 1504. El héroe del Antiguo Testamento aparece representado como un joven atleta desnudo, musculoso, en tensión con la mirada fija en la distancia, buscando a su enemigo, Goliat La intensa y penetrante mirada, la fuerza expresiva que emana del rostro del David es el mejor ejemplo de la terribilitá miguelangelesca, rasgo distintivo de muchas de las figuras del artista toscano así como también de su propia personalidad. Muestra el conjunto del cuerpo ligero de un adolescente, aún sin sazonar que estudia desde lo lejos a su rival. Este joven héroe bíblico demuestra que la fuerza interna espiritual vale más que cualquier otra arma. La crítica reconoce un excesivo desarrollo de manos pies y cabeza, así como un alargamiento excesivo de los brazos. Pero si tenemos en cuenta la perfección con que Miguel Ángel hace todas sus obras, cabe la posibilidad de que este defecto haya sido confeccionado con la intención de mostrar un cuerpo adolescente que todavía no ha culminado su completo desarrollo.

• Nunca se ha expresado tan bien el equilibrio de la fuerza en tensión. La anatomía se revela cuidadosamente estudiada, como se puede apreciar principalmente en la mano y en todo el brazo derecho que sujetan una piedra. Es una de las más bellas estatuas que se han hecho jamás.

• Estilo y cronología: La obra pertenece al movimiento renacentista del Cincueccento en el S.XVI por su naturalidad, estudio del cuerpo humano, su desnudo y aislamiento.

• Autor: Miguel Ángel, figura más destacada del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto, escultor, pintor y poeta. Ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior a su época.

• Análisis histórico: En este tiempo, Florencia estaba pasando por un difícil periodo y sus ciudadanos tenían que estar alerta y movilizarse contra las continuas amenazas. Él usó el David como un modelo de heroico coraje con la esperanza de que los Florentinos entendieran su mensaje. El David, la escultura más famosa de Miguel Ángel creada por este entre los años 1501 y 1504 después de su regreso a Florencia. Llegó a convertirse en el símbolo de Florencia, colocada en un principio en la Plaza de la Señoría, frente al Palazzo Vecchio, sede del Ayuntamiento de la ciudad. En 1910 se colocó en ese lugar una copia del original que se encuentra en la Academia. Con esta obra Miguel Ángel demostró a sus coetáneos que no sólo había superado a todos los artistas contemporáneos suyos, sino también a los griegos y romanos, al fusionar la belleza formal con una poderosa expresividad, significado y sentimiento.

Tema e Iconografía:

Es un tema religioso cuyo nombre lo dice todo: El Juicio Final. Obra terriblemente trágica en la que se aprecia el terror, vértigo y pavor a lo que podría ser el juicio final del Apocalipsis. Al tener tan elevado número de desnudos, el papa determinó que éstos debían ser tapados con vestidos.

Valores técnicos:

• Técnica: Se realiza al fresco, obteniendo una mayor profundidad y utilizando el claroscuro. Tiene que hacer una reparación de la parad para darle una cierta inclinación, de forma que, al sobresalir la parte superior, el fresco se viera protegido del polvo.

• Composición: El mural no es desordenado puesto que aparece estructurado en varias franjas: Cristo, en actitud de Juez, levanta su brazo para descargar el peso de su justicia y se convierte en el centro de la composición. Su figura tiene más del Júpiter vengador que del Dios misericordioso; a la izquierda, la salvación de las almas que van ascendiendo al cielo; a la derecha, los condenados que van cayendo a un infierno dantesco. La misma Virgen aparece acobardada ante su ira. Cataratas de desnudos pregonan la fuerza del exterminio final.

• Luz: La luz que se percibe de este mural es muy poca ya que para representar el caos del Juicio Final se representa todo con pocas luces y contrastes. Predomina la sombra aunque hay contrastes para resaltar las escenas más significativas del mural como es la figura de Dios que se pone en el centro y con mayor luminosidad que otros cuerpos.

• Color: Lo más representativo es que está realizado con la gama de colores fríos: azules, morados, negros, etc. Los contornos están muy difuminados y no se distingue muy bien cuando acaba un cuerpo y empieza otro. Se consigue el volumen por medio de la pintura tonal: tonos de una misma gama de colores.

• Perspectiva: Se nota una cierta perspectiva ya que no solo se representa una sola dimensión sino que intenta semejarse a la realidad todo lo posible.

Estilo y cronología:

Pertenece al movimiento renacentista del Cincueccento del siglo XVI en Italia. Se denota por la aparición del desnudo con figuras muy proporcionadas, así como las técnicas del esfumato, claroscuro y la intención de conseguir el volumen con colores de la misma gama pero de distintas tonalidades.

Autor:

Miguel Ángel, figura más destacada del renacimiento italiano. En su condición de arquitecto, escultor, pintor y poeta. Ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior a su época.

Evolución:

Ya en Roma, Miguel Ángel comenzó a trabajar en 1536 en el fresco del Juicio Final para decorar la pared situada tras el altar de la Capilla Sixtina, dando por concluidos los trabajos en 1541. Como era normal en él, Miguel Ángel representó a todas las figuras desnudas, desnudez que fue tapada una década después con los paños de pureza, realizados por Daniele da Volterra (conocido como "Il Braghettone" precisamente por este motivo) en un momento en el que el clima cultural se había convertido en mucho más conservador. El propio Miguel Ángel aparece retratado en la piel desollada de san Bartolomé, a los pies de Cristo.

A finales de la década de 1970 comenzaron los trabajos de restauración de los frescos de la capilla Sixtina que con el paso del tiempo se habían deteriorado enormemente. Al limpiar los frescos, para lo que se emplearon las técnicas más modernas, aparecieron los colores originales de las pinturas. También se quitaron gran parte de los paños que cubrían los desnudos de las figuras, y sólo se han conservado los que tapaban las partes de algunas de ellas que no sólo se cubrieron, sino que incluso se borraron. La restauración se llevó a cabo en dos fases: en la primera se restauraron la bóveda y las paredes, en la segunda se restauró el Juicio Final, que fue presentado al público el día de Pascua de 1994 por el papa Juan Pablo II.

Historia del Arte: JJ Martín González. Editorial Gredos.

Enciclopedia Encarta 97

Página web: www.michelangelo.com

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