La Edad Media

El periodo medieval se extiende entre los años 700 y 1500, en dos periodos: 700 - 1066 y 1066 - 1500. El año 700 coincide aproximadamente con la con la conquista normanda.

Los escritos en verso (épica) más importantes son:

• Manuscrito de Beowulf: Beowulf, Judith y otros tres trabajos en prosa.

• Libro de Exeter: Christ, Juliana, The Wanderer, The Seafarer, Widsmith y Deor

• Manuscrito Junius (de carácter religioso): Génesis, Éxodo, Daniel y Cristo y Satán.

• Vercelli (de tradición cristiana): The Fates of the Apostles, Address of the Soul and the Body, The Dream of the Rood y otros.

Todos éstos fueron escritos en dialecto sajón occidental (West Saxon dialect). No son homogéneos en lo que a contenido se refiere, sino que tratan diversos géneros literarios: lírica, épica, alegoría, didácticos). Hay también mezcla de contenidos cristianos, paganos y germánicos.

Origen del anglosajón:

Indoeuropeo	Germánico Germánico occidental Anglosajón West - Germanic Anglo - Saxon, Old English
		Griego
		Latín

Son todas lenguas flexivas, con declinaciones.

Toda la tradición oral se daba en verso, ya que la producción en prosa no evolucionaba y era pobre. Esta tradición oral era transmitida por los poetas, que tenían la misión de reunirla y transmitirla, a través de un proceso muy simple:

palabra	El héroe dice que va a hacer algo.
Hecho (deed)	Lo hace.
Palabra	El poeta lo transmite.
Leyenda	Lo que el poeta ha dicho se convierte en legendario.

El poeta actúa, así, como voz y memoria de una sociedad en la que la tradición es muy importante.

Características de la literatura medieval.

• El poeta conoce y utiliza gran número de fórmulas que sirven para elaborar el poema, adaptándolo siempre al tipo de audiencia.

• Por lo tanto, cada poema es único, aunque con un fondo común. Son diferentes versiones.

• No existe la rima, sino que el ritmo siempre viene dado por la distribución de los acentos (stressed language) y la musicalidad. Se solía acompañar de un instrumento musical.

• Uso constante de la aliteración. La importancia de los sonidos y de la forma de hablar es muy importante.

Estructura del verso.

Hay 4 acentos, dos en cada hemistiquio (half - line), de los cuales el tercero es el más importante (main stress). Se suele repetir el mismo sonido en el 2º y 3er acentos: aliteración. Este patrón es el mismo que el de la literatura germánica.

Hay muchas palabras con sentido metonímico. El uso de la metonimia (metonymy) es constante. Por ejemplo cuando al barco se le llama “madera”, o “arena” a la costa. También hay uso del lenguaje arcaico: ceol = keel (quilla), wudn = wood (madera). Las metáforas también son habituales: camino del cisne (swanrade) = mar. Hay que tener en cuenta que el lenguaje era entonces mucho más limitado que el actual.

Se usaban varias fórmulas para atraer la atención del público o para dar tiempo al poeta para reelaborar el poema, como repetir la misma cosa varias veces de distinta forma, intercalar fórmulas del tipo “hace mucho tiempo”, “durante muchos años”, etc. o terminar el primer hemistiquio con palabras que solían aparecer mucho en este tipo de poemas como “espada”, “dragón”, “valor”, etc, haciendo del segundo hemistiquio una variante del primero.

Beowulf.

No se sabe con certeza si Beowulf se originó oralmente o no. Lo que sí que parece seguro es que se compuso hacia el s. VIII, aunque refiere hechos históricos de las tres primeras décadas del s. VI en Europa.

Caracterización del héroe.

Beowulf es similar a otros héroes germánicos como Atila o Teodorico, aunque tiene un elemento fantástico, ya que lucha con dragones y monstruos.

En Beowulf hay gran cantidad de personajes que pueden ser nombrados de muchas formas. El héroe se define con el uso continuo de estructuras negativas, de acuerdo con la tradición germánica, por contraste o paralelismos con figuras positivas, normalmente con personajes menores. Si Heremod es violento, avaricioso y rechaza la gratitud de Dios, Beowulf es justo lo contrario. La comparación con figuras positivas es propia de la tradición cristiana, que a menudo se entremezcla con la germánica.

Otro aspecto importante es la libre voluntad de los personajes, con total libertad para elegir sus actos. Beowulf es totalmente libre de actuar a su antojo.

Caracterización de lo monstruoso.

En la antigua tradición germánica existían unos guerreros a los que se llamaba bersekr por su excepcional valor y fuerza. La historia era más o menos la misma: el héroe descendía a luchar a la guarida del monstruo y sus amigos le abandonaban creyéndole muerto, aunque al fin sale victorioso con la cabeza del monstruo y se le reconocía como a un héroe. Estos monstruos se llaman trolls, espíritus de los muertos.

En Beowulf él sería un bersekr y Grendel un troll. Grendel encarna todo lo apuesto a Beowulf. Sería el antihéroe, la parte negativa de la vida, identificada a veces con Caín. Si el Gran Salón de Heorot representa el orden social perfecto, la estabilidad social, las marismas en donde vive Grendel serían todo lo contrario. Grendel es el anti - rey que amenaza a la sociedad perfecta de Heorot, la sociedad germánica: realeza, fidelidad, caballería.

Grendel encarna, además, dos elementos recurrentes de la literatura germánica: la oscuridad y la muerte. Otro elemento recurrente es la futilidad del esfuerzo humano. Cuando Beowulf es joven lucha con Grendel y su madre, y encarna al perfecto guerrero. Pero cuando se enfrenta con el dragón es ya viejo y su papel es otro muy distinto. Este contraste es uno de tantos a los que nos tiene acostumbrados la literatura germánica, con su mensaje de que éste es un mundo hostil, indiferente al hombre, que sólo puede luchar para que detrás de él sólo quede el honor y la gloria.

La primera parte del poema (hasta la línea 2200)es de tono alegre y exitoso. Beowulf supera todos los problemas y no hay elementos negativos. La acción tiene lugar en lugares cerrados. Sin embargo, la segunda parte es de tono mucho más negativo. Beowulf ya no obtiene más victorias y la atmósfera es totalmente pesimista. La acción tiene lugar en sitios abiertos.

Estructura.

La estructura del poema es en anillo, esto es, en torno a un hecho central: la bajada a la cueva submarina para luchar con la madre de Grendel. Es cuando Beowulf más se acerca más a la muerte. Este hecho se asemeja a la bajada de Jesús a los infiernos o a la bajada de Ulises al Hades. La estructura de Beowulf parece inspirada en algunos pasajes de algunos poemas griegos clásicos, aunque es un poema muy elaborado:

Prólogo: Funeral de Scyld

Lucha con Grendel

Intermedio: Banquete.

Lucha en la ciénaga con la madre de Grendel

Intermedio: Banquete

Lucha con el dragón.

Epílogo: funeral de Beowulf

La baja Edad Media.

Este periodo se inicia con la conquista normanda en 1066. En este periodo, el lenguaje y la sociedad han evolucionado, así como la literatura. Si la sociedad altomedieval estaba caracterizada por nobles o aristócratas como el caballero o el héroe, personajes rudos y poco diplomáticos, en este periodo aparece el tópico del héroe romántico, más refinado y consagrado a su amor a una dama. Lo que se conoce como amor cortés. Además, aparecen nuevos elementos como los clérigos, los terratenientes, los comerciantes, etc. Además, si la espiritualidad de la Alta Edad Media se caracterizaba por una mezcla de tradiciones germánicas y cristianas, en este periodo va a desaparecer la influencia germánica y se va a reforzar la visión cristiana del mundo. Esta visión está caracterizada por las responsabilidades espirituales y la visión de este mundo como algo superfluo y despreciable, ya que sólo es un puente hacia la vida eterna.

Se empieza a usar el francés y el latín, aunque a finales de este periodo el inglés va a sustituir al francés traído por los normandos. Las principales obras literarias son Sir Gawain and the Green Knight (~ 1375) y Piers Plowman (~ 1365), como obras que volverán a poner de moda el verso aliterativo, y The Canterbury Tales, con un inglés más moderno y verso rimado, escrita hacia 1365.

Piers Plowman.

Es la obra más estrechamente ligada a la tradición cristiana, escrita por William Langland. Existen de esta obra tres versiones:

• Primera, con 2400 versos.

• Segunda, una revisión de la primera, con 4000 versos.

• Tercera, una revisión de la segunda.

Entre estas tres versiones hay coincidencia de estilos y de personalidad poética. La historia nos cuenta varios sueños, y es una historia de amor espiritual. Los sueños son alegorías, a veces difíciles de interpretar. Estas alegorías tratan de analizar la sociedad del s. XIV y también el Antiguo y el Nuevo testamento. Enseña un ideal de cristiandad, una teoría que luego trata de aplicar a la sociedad.

Sir Gawain and the Green Knight.

Es un romance que habla de honor, de amor cortés, magia, hechos sobrenaturales, combates, aventuras, Dios, la aristocracia y los caballeros. En el manuscrito hay tres historias: Pearl, Sir Gawain and the Green Knight y Purity and Patience. Podemos diferenciar dos líneas de acción: el combate con el Caballero Verde y el juego amoroso con la mujer de Bercilak.

El Caballero Verde.

Se presenta como retador en forma de gigante y a caballo, siempre verdes. Aparece al principio como portador o revelador de la verdad y también como provocador, causando un disturbio en la perfecta sociedad del rey Arturo.

El color verde del caballero nos da una visión ambigua del caballero (esta ambigüedad, en este y otros muchos aspectos, se va a convertir en una característica fundamental de Sir Gawain): por un lado, el color verde representa la naturaleza, la primavera, etc. Sin embargo, también puede representar lo antinatural, y el Caballero Verde representaba también el lado negativo del ser humano, y también al hombre salvaje u hombre del bosque, de gran fuerza y extraños poderes sobre las bestias. Así pues, el Caballero Verde es un personaje ambiguo, por un lado de porte aristocrático, alto, robusto y vestido al uso, y por el otro lado como un gigante portador de un hacha monstruosa y con largos barba y cabellos. Su comportamiento es también ambiguo y aunque, si bien trata con deferencia y educación a la corte del rey Arturo, se muestra también arrogante e impetuoso.

La tentación de Sir Gawain: el test del héroe.

Si el reto de sir Gawain con el Caballero Verde es una prueba de su fuerza, valor y coraje, la tentación de la mujer de Bercilak pondrá a prueba su moral y su fidelidad. En un principio se muestra firme, aunque la tercera vez acepta el cinto (girdle) como amuleto, aunque esto ponga en peligro su juramento de fidelidad. Sin embargo, tampoco puede rechazar el ofrecimiento de una dama, porque iría en contra de los buenos modales. Así pues, tenemos u n grave conflicto: ceder a las tentaciones para no poner en entredicho sus modales, o rechazarlas para no romper el juramento de fidelidad. La aceptación del cinto sería una diplomática e inteligente solución intermedia.

***

Estas dos líneas constituyen cada una de ellas una prueba, un test ideado para poner a prueba al caballero, por lo que Sir Gawain and the Green Knight sería básicamente una historia de una prueba, o sobre una serie de pruebas.

Sin embargo, hay otros elementos que caracterizan al poema, tales como algunos elementos folklóricos: la cabeza que el Caballero Verde recoge tras haberle sido cortada, la magnificencia de los banquetes, los tres golpes simbólicos del Caballero Verde a sir Gawain, etc.

Hay elementos en Sir Gawain que han cambiado con respecto a la literatura anterior. Si en Beowulf el mundo era difícil y duro, aquí se nos presenta en la corte del rey Arturo como un mundo ingenuamente feliz, con fiestas y gente joven e inexperta. El Caballero Verde va a irrumpir violentamente con un comportamiento totalmente contrario a las normas. Aun así, la respuesta es completamente nula: nadie reacciona hasta que sir Gawain se levanta y reacciona de forma no violenta. El ideal de héroe ha cambiado, siendo éste moderado y comedido, capaz de controlar sus emociones. Además, sir Gawain acepta caballerosamente el duelo. Esta escena hubiese sido totalmente diferente si Beowulf se hubiese encontrado en la estancia. Se nos presenta, pues, una evolución desde el héroe tradicional (Beowulf), dependiente de su dureza y de sus actos heroicos, hasta el héroe cristiano, en quien se valoran la paciencia, la perseverancia y la fe.

Estructura, simetría y símbolos.

PARES	TRÍOS
2 días de Año Nuevo. 2 simulaciones de decapitación. 2 cortes reales. 2 confesiones.	3 tentaciones. 3 días de caza. 3 besos. 3 golpes de hacha.

El poema gira en torno a dos símbolos: el escudo (shield) y el cinto (girdle). Se arma dos veces al caballero:

Hacia la Capilla Verde: desarrollo simbólico.

El poema sugiere la imposibilidad de alcanzar la perfección. Somos seres humanos y, por tanto, imperfectos. El comportamiento cristiano y cortés que sir Gawain no puede alcanzar es precisamente el opuesto al comportamiento humano.

Ambos viajes tienen estructuras similares, con paralelismos y oposiciones:

PRIMERA SALIDA	SEGUNDA SALIDA
- Se arma al caballero: el escudo.	- Se arma al caballero: el cinto.
- Viaje al castillo.	- Viaje a la Capilla Verde.
- Descripción del castillo.	- Descripción de la Capilla Verde.
- 3 tentaciones.	- 3 golpes con el hacha.
- Confesión al sacerdote.	- Confesión al Caballero Verde.
- El castillo está en lo alto de una colina.	La Capilla Verde es subterránea. Misterio, ambigüedad.
- Descripción humorística de las tentaciones. El amor cortés se invierte. El caballero es seducido por la dama. Bromas y comedia.	- Peligro real en la Capilla. Miedo. Evolución de la comedia al drama y la tragedia.
- Falsa confesión al sacerdote. Sir Gawain no es sincero.	- La confesión al Caballero Verde es sincera. Le confiesa sus pecados, miedos y errores.

Los elementos positivos, como sir Gawain son más sencillos de analizar, mientras que los negativos, como el Caballero Verde, son más ambiguos. La visión del Caballero Verde evoluciona desde una visión negativa a otra más relajada,. De gigante de misterioso color verde a una persona amable y más humana.

Geoffrey Chaucer.

Obra:

• The Book of the Duchess,

• The Book of Fame,

• The Parliament of Fouls,

• Troilus and Criseyde,

• The Canterbury Tales.

Los tres primeros libros son alegorías. En ellos se encuentran tres tradiciones: la italiana medieval (que él no conocía), los romances ingleses y la tradición francesa, en donde los romances son sustituidos por alegorías o sueños. Chaucer estuvo influenciado por Piers Plowman, Roman de la Rose y The Divine Comedy.

The Book of the Duchess.

Esta obra tiene dos personajes principales: la dama, Blanche, y el hombre de negro, su marido. Cuenta la historia de cómo la dama muere y las consecuencias que esto acarrea en la sociedad. El narrador es también un personaje muy importante. Chaucer nos habla del mundo de la aristocracia y la nobleza y no de los campesinos.

Es muy importante la forma en que el texto está estructurado: tiene estructura gótica. Primero, el autor nos da un mensaje y durante el resto de la obra éste se refuerza. La idea central es la tristeza exagerada del hombre de negro por la muerte de su esposa. Esta pena excesiva no le permite comportarse tal y como se supone que debe hacerlo un hombre de su posición, lo que es criticado por Chaucer.

La función del poeta es doble: por un lado entretener y por el otro reforzar la autoridad. El narrador, después de la lectura, sueña con la caza (actividad aristocrática) y con que se pierde y se encuentra con un extraño personaje, con un sentimiento de miseria y de tristeza. Se nos presenta pues, una dicotomía:

Grupo social	Vida individual, intimidad
Concepto medieval de la sociedad	Concepto renacentista de la sociedad

El hombre de negro, sin embargo, encuentra la felicidad al darse cuenta de su error.

The Book of Fame y Parliament of Fouls.

Nos hablan de la fama y el honor, dos elementos básicos de la sociedad medieval, aunque estos elementos ya nos son válidos debido a cambios producidos en la economía, la sociedad, etc. El poeta da un paso adelante expresando ideas propias e individuales.

Troilus and Criseyde.

Esta obra representa otro paso adelante. Se olvida la estructura medieval de los sueños alegóricos y se abandonan las clases altas para bajar en la escala social a los escalones más bajos para mostrarnos también sentimientos y reacciones propios e individuales.

Troilus and Criseyde nos cuenta una historia de amor, no un romance. Una historia real que nos muestra el amor tal cual, y no una excusa para analizar algo. Esta actitud individualista y de cambio de normas supone una ruptura total con la tradición medieval.

La estructura literaria presenta un contraste entre la estructura gótica y la horizontal, basada ésta en una relación causa - efecto, en donde las cosas suceden porque algo ya ha sucedido antes, lo que acaba culminando en un clímax.

La caracterización no nos da personajes estereotipados, sino gente individual y real. Los personajes son descritos dentro de un espacio y un tiempo determinados.

El estilo es también diferente entre los personajes. Así Troilus habla de forma más cuidada, mientras que Criseyde tiene un estilo más coloquial.

Geoffrey Chaucer: The Canterbury Tales.

En 1381 hubo una gran revuelta campesina, durante la cual los campesinos hicieron un viaje de Canterbury a Londres exigiendo más libertad individual y más derechos.

En The Canterbury Tales hay 2 características muy importantes:

• Cada personaje representa una parte de la sociedad, y cada cuento una ideología.

• La estructura del poema es una inversión del viaje: de Londres a Canterbury.

Sin embargo, esta estructura es contradictoria, y la intención del autor, de posición conservadora, confusa, ya que se ve traicionado por sus propios personajes.

La historia - marco.

The Canterbury Tales es una historia - marco, que incluye dentro de sí otras historias. En esta época ha habido otras historias - marco:

• Las 1001 noches y Los siete sabios, cuyo objetivo es posponer la muerte de un personaje.

• Las fábulas de Bidpai y Disciplina Clericalis, de intención didáctica. El autor se presenta como maestro, y el lector como pupilo.

• Filocolo, Decamerón y Ameto, de Bocaccio, de intención lúdica, lo que recuerda a Chaucer y al paso del Gótico al Renacimiento.

• Las metamorfosis de Ovidio y Novelle de Sercambi, similares a las anteriores.

The Canterbury Tales se caracteriza por la movilidad de sus personajes, ya que están viajando, por el desarrollo paralelo y simultáneo de la historia principal y el cuento, y por la importante conexión entre el narrador y la historia (no como en las citadas anteriormente), ya que el contenido contribuye a desarrollar la personalidad del personaje.

Personajes.

Chaucer describe a sus personajes con gran ironía. Las descripciones son muy gráficas, lo que nos permite visualizar fácilmente a los personajes. Sin embargo, debemos diferenciar dos tipos de descripción, dependiendo de la actitud del personaje: las descripciones físicas suelen ser negativas y acompañan también a personajes negativos, mientras que los personajes más positivos tienen descripciones psicológicas de las que suelen salir bien parados.

Los personajes son arquetipos de la sociedad medieval:

• Terratenientes: el Caballero.

• Trabajadores de las tierras: el Campesino.

• Trabajadores “espirituales”: el Párroco.

Se organizan por clases sociales, de arriba abajo y de positivas a negativas, en cada grupo:

• Grupo feudal:

• Caballero

• Escudero

• Arquero

• Grupo religioso:

• Priora

• Monje

• Fraile

• Profesionales:

• Mercader

• Contable

• Jurista

• Hacendado

• Cocinero

• Marinero

• Médico

• Viuda de Bath

• Clases bajas

• Sirvientes con gente a su mando

• Seculares

• Molinero

• Administrador

• Mayordomo

• Religiosos

• Buldero

• Alguacil

• Sirvientes sin gente a su mando

• Párroco

• Campesino

El origen del teatro.

En Roma, el teatro no era representado, sino sólo leído o citado, ya que fue reemplazado por el circo.

La Iglesia trató de acabar con él, ya que lo consideraban inmoral. A finales del s. IX y principios del X las cosas cambiaron y el teatro reapareció poco a poco en Inglaterra. Al fin y al cabo, las misas son un tipo de representación, y los misales como un guión que no puede ser modificado a menos que las modificaciones fuesen pequeñas y por motivos estéticos.

Esas pequeñas modificaciones se llamaron tropos. Uno de los más conocidos, el Quem Quaeritis, se representaba en Semana Santa y puede ser considerado como una pequeña representación, lo mismo que el Officium Pastorum, representado en Navidad.

La acción tenía lugar en principio en el altar, aunque poco a poco fue ocupando más espacio. Salió de la iglesia, pasando al mercado o al campo. Empezó siendo representada en latín, aunque se fueron introduciendo poco a poco la lengua vernácula y el latín, junto con el humor y el realismo, hasta que la representación fue adquiriendo personalidad propia.

Temas.

Eran siempre temas religiosos, como el nacimiento de Cristo, la Redención, Adán y Eva, etc., con enseñanza moral y religiosa. Durante los ss. XIII, XIV y XV se volvió mas complejo y se extendió por Europa, añadiéndose nuevos temas:

• Creación - caída:

• La predicación de Jesús

• La crucifixión

• La Resurrección

• La segunda venida.

• Antiguo Testamento:

• Los profetas

• El arca de Noé

• Jonás y la ballena

• Daniel en la cueva del león

• Sansón y Dalila

• Vida y martirio de los santos

Las representaciones se volvieron ambulantes y recorrieron toda Europa. Iban en carromatos y cada uno correspondía a una fase de la representación. Comenzaron también a surgir gremios de actores, aunque el teatro estaba controlado por la Iglesia.

Su intención era didáctica, sobre las virtudes y los vicios. Los temas más comunes eran las psicomaquia (los 7 pecados capitales y la piedad y la paz para alcanzar la verdad y la rectitud) y la danza de la muerte, con la muerte como mensajero de Dios.

MANUSCRITO MACRO

• El castillo de la perseverancia - Argumento.

• Parte 1 - El hombre

• Ángel bueno - virtudes

• Ángel malo - 7 pecados capitales

• Parte 2

• Las 4 hijas de Dios

• Caridad

• Paz

• Verdad

• Rectitud

• Codicia muerte

Henry Medwall, en Fulgens y Lucrens, introduce algunas innovaciones, como la adición de un subargumento, que se desarrolla en los interludios. Es de corte cómico y sus personajes parodian a los principales.

El teatro va evolucionando con el paso del tiempo y ganando en complejidad. John Rastell, en La naturaleza de los cuatro elementos, nos habla de la educación y de la religión, y trata de dar una formación humanista sobre la nueva ciencia y geografía.

John Heywood tuvo una producción muy amplia. Destacan La obra del tiempo, muy cómica, y Un juego divertido entre Johann Johann, el marido, Tyb, su mujer y sir Johann el sacerdote, que incluía música y baile. No pretendía instruir sino divertir y entretener.

Los argumentos evolucionan desde la religión y la moral hasta el entretenimiento, teniendo en cuenta los cambios y las reformas. La religión desaparece y es reemplazada por la política. Los personajes son estereotipos y abstracciones, aunque van apareciendo personajes más complejos y detallados.

El Renacimiento

El soneto isabelino.

Introducción. Fuentes.

El soneto isabelino nace de las traducciones al inglés de los sonetos de Petrarca, quien, a su vez, fundió las tradiciones provenzal y toscana.

La tradición provenzal es la que más peso tiene en Petrarca. Los sonetos nos hablan de los sentimientos del amante. Compara el amor con las flores, las miradas con los dardos, etc. También se refleja el miedo del poeta a la rivalidad con otros amantes o a la difamación. Hay un fuerte deseo físico y una actitud erótica. El soneto no está muy elaborado.

La tradición toscana habla más de amor espiritual y de idealismo. El poeta proyecta su amor por Dios en el de una persona. La actitud es más espiritual y con trasfondo religioso, con una mayor elaboración y complejidad.

Petrarca va a fundir ambas tradiciones. Intenta adoptar las convenciones provenzales y combinarlas con sus sentimientos personales, y reelaborar la tradición italiana con sentimientos menos idealistas y más terrenales. Va a reelaborar también la metáfora, que cobrará mayor importancia y complejidad. Tendrá dos elementos fundamentales: la imagen libre, una metáfora rápida y sencilla y la imagen fija, que consistirá en una metáfora fija con significados añadidos.

La naturaleza va a representar un papel muy importante debido a la fuerte relación entre el poeta y la naturaleza, entre el poeta y los sentimientos que éste provoca en él.

Wyatt.

Muchos de sus poemas van a ser traducciones de Petrarca, aunque con intención de mejora. Su obra no permite mucha profundización, y aunque está hecha para ser cantada. Su producción literaria va a tener tres fases:

• Traducciones de Petrarca. Hay una constante experimentación con la rima y la métrica, intentando escapar de la rigidez petrarquiana. La temática va a ser amorosa.

• Traducciones de Petrarca interpretadas. La actitud del poeta cambia y se hace más dura y crítica frente al rechazo de la amada. La temática seguirá siendo amorosa.

• Abandono de la temática amorosa. Aborda aspectos de la vida pública.

Wyatt mantuvo el mismo esquema, o muy parecido, que Petrarca. Suele hacer un pareado con los dos últimos versos a modo de conclusión lógica. Fue más allá de los versos endecasílabos, incómodos para el inglés, sustituyéndolos por decasílabos, aunque sin decidirse por una forma fija para la estructura.

El contenido también se vio modificado, debido a la variación formal:

• Hay una mayor intelectualización, debido al último pareado a modo de moraleja.

• Existe también mayor evolución temática.

• Abandona el amor como tema central.

• Hay cierta crítica velada, con el soneto funcionando en dos niveles: el superficial, como un poema amoroso, y el profundo como crítica a algún personaje.

Surrey. (1517 - 1547).

Completa, en cierto modo, la experimentación de Wyatt. Su producción literaria también evolucionó, y tradujo sonetos de Petrarca aunque aportando, como Wyatt, cambios de actitud. Usó también el soneto para abordar otros temas además del amoroso. En Love That Doth Raine usó la rima definitiva del soneto: abab cdcd efef gg. Hizo sonetos no sólo de amor no correspondido, sino también a amigos, damas, el rey, etc. También hizo algunos satíricos, críticos o elogiosos.

El drama isabelino.

• Dinastía Tudor

• 1485 - Enrique VII

• 1509 - Enrique VIII

• 1558 - Isabel I

• Dinastía de los Estuardos (Stuart)

• 1603 - Jaime I

• 1625 - Carlos I

• 1642 - Guerra civil

• 1660 - Restauración: Carlos II

En esta época el teatro se desarrolló en cuanto al lugar, pasando a ser representado en un lugar propio ya que pasó de ser eclesiástico a aparecer los primeros gremios de actores. Los escritores se hacen profesionales y deja de ser exclusivamente religioso a hablar de la educación, la política, o la ética. Las obras más importantes son Magnificence, King Johan, de Barle, y The Mirror of Magistrates, anónima. Hay un análisis detallado de los sentimientos personales de los conflictos internos, y una evolución de lo colectivo a lo individual. Se mezclan dos tradiciones: la clásica y la popular, esta última con temas como la gente corriente de la calle, la tradición folklórica o las baladas populares. Esta tradición nos da personajes caricaturizados, comedia realista, alegorías, escenas violentas, argumentos no muy bien construidos y una mezcla de comedia y tragedia.

La tradición clásica está representada por autores como Séneca, Terencio e imitaciones modernas de autores romanos. En tragedia destacó la traducción de The Ten Tragedies de Séneca. En este autor encontramos lujuria, crueldad, asesinatos y una visión sombría de la vida y de la sociedad, en donde los personajes actúan movidos por las pasiones. No hay un análisis profundo ni personalidades muy detalladas. Influyó en Damon and Pithias, de Richard Edward, en New Interlude of Vice Containing the History of Horestes, de John Pickening, y en Garbaduc, de Thomas Sackville y Thomas Norton.

En comedia destacaron Res Publica de Nicholas Udal y Ralph Roister Doister, con el tema sacado del Miles Gloriosus de Plauto. También Gamer Gurton's Needle de William Stevenson, adaptado de una comedia de Plauto, así como algunas obras de George Gascoigne, como Supposes, La fierecilla Domada, The Two Gentlemen of Verona y Much Ado About Nothing.

En esta época los autores se hacen profesionales y la corte decide formar los suyos propios. Hubo una gran censura, aunque desapareció en 1583. Se abrieron también un gran número de teatros, como The Theatre, en 1576. Los había privados y públicos, estos últimos profesionales, con obras menos elaboradas y más libertad. Hubo también muchos autores profesionales seculares, del grupo University Witts. Destacaron:

John Lyly (1554 - 1606).

En Euphemes, Campaspe y Endimión vemos un estilo elegante y artificial, elaborado y con alusiones históricas y clásicas. Con Galathea y Love's Metamorphosis mezcla monstruos y otras criaturas con humanos. Anticipa la comedia de Ben Jonson y Shakespeare.

George Peele (1558 - 1596).

Utiliza el verso libre junto con otros tipos de verso. Tiene gran variedad de estilos e incluye canciones líricas. Son obras muy elaboradas.

Robert Greene (1558 - 1592).

Era más conocido en prosa. Imitaba el estilo de Christopher Marlowe. Describe paisajes muy reales, argumentos extremadamente elaborados, con unos dentro de otros. Solía usar básicamente el doble argumento. Instituyó la comedia romántica anticipándose a Shakespeare. Destacaron Twelfth Night y As You Like It).

Thomas Kyd (1558 - 1594)

Sólo escribió una obra, The Spanish Tragedy (1580), pero con ello instituyó el género de la tragedia romántica. Este género toma muchos elementos de Séneca. Es una historia de conspiraciones, asesinatos y venganza, sin romanticismo. Este tipo de obras conectó muy bien con el público y tuvo mucho éxito. Se habla del honor personal, del mundo feudal sin leyes. Hay pasión, intriga y una violencia extrema. No hay un análisis detallado de los personajes, sólo sienten y actúan, no piensan.

Estos elementos serán tomados más tarde por Marlowe y Shakespeare. Se contrasta la locura real con la fingida y se actúa de forma maquiavélica.

Christopher Marlowe.

Fue el dramaturgo más importante aparte de Shakespeare. Combina el verso libre con sabor y musicalidad poéticos, y captura muy bien la imaginación isabelina.

Tambourlaine the Great.

Fue escrita en dos partes. Tambourlaine se abre paso matando y aniquilando, convencido de su invencibilidad y de su ansia de controlarlo todo. Analiza el ansia de poder y el efecto de éste en los hombres. Está muy ligado al Renacimiento y a la nueva posición del hombre en el mundo. Refleja los cambios en el pensamiento, la geografía, etc., la fascinación que tiene el hombre por tener todo bajo su control y por los descubrimientos. No hay límites para el poder del hombre, amo de su destino. Se enfrenta al hombre con Dios. El hombre tiene una ambición sin límites, quiere conquistar el mundo con el objetivo de controlarlo todo y tener más poder.

Doctor Faustus (The Tragical History of).

Es similar a Tambourlaine pero en el nivel intelectual. El hombre es consciente de las consecuencias de su comportamiento, de sus limitaciones morales. Los personajes están más definidos, aunque cuanto mejor dibujado está el personaje, más trágica será su historia. Hay un fondo cristiano, un pacto con el Diablo por la inmortalidad, vende su alma a cambio del conocimiento prohibido. El héroe es individual, sin oponentes, sin confidentes ni apoyo ni consejo.

William Shakespeare. Comedias románticas.

The Two Gentlemen of Verona.

Escrita hacia 1594. Es una obra experimental en la forma en que mezcla los elementos y construye los personajes. Hay un argumento y un sub - argumento.

Love Labour's Lost.

Es una obra de amor cortés, para gente cultivada, en donde critica y parodia el ideal romántico. Está llena de alusiones tópicas y de combates de ingenio.

The Merchant of Venice.

El argumento es un cuento de hadas. Hay análisis e implicaciones morales y psicológicas.

Much Ado about Nothing.

Es una mejora de la obra anterior. Mezcla un argumento romántico con uno trágico, sin contradicciones entre ellos. Hay una tercera línea de acción, cómica.

As You Like It y Twelfth Night.

La última es una mejora de la anterior. As You Like It es más ligera de tono y el patrón moral más simple. La forma en que se desarrollan los acontecimientos da un final feliz. El tema central es el amor.

Twelfth Night también tiene al amor como tema central. Mezcla el peligro, la mala fortuna, la desilusión, etc. Coexisten diferentes niveles de realidad y hay una visión más compleja de la vida.

William Shakespeare. Obras históricas.

Henry IV, Richard III y Richard II.

Son obras de aprendizaje. Henry IV es su mejor obra. Combina la política y el humor. El tema es la educación del futuro rey. Habla de la influencia de la moral. Falstaff representa el vicio y el modo de vida medieval y es rechazado por el príncipe. Se muestra al hombre de la calle, de clase media.

William Shakespeare. Tragedias.

Romeo and Juliet.

Habla de un amor condenado desde el principio. Es amor en su estado más puro, aunque hay diferentes concepciones de este amor según cada personaje. Es una tragedia por las circunstancias, una cuestión de mala suerte. Tiene un final trágico y los personajes mueren, aunque la razón de esta muerte para los personajes, a diferencia de otras obras, está clara.

Julius Caesar.

Habla de la relación entre el comportamiento público y el privado. Bruto está caracterizado como una persona idealista. Los personajes son íntegros y perfectos, y va a ser esta perfección la que va a ocasionar la tragedia. Su honestidad les impide enfrentarse al mundo real debido a su idealismo, el shock sería demasiado fuerte. La tragedia surge del propio personaje.

Primera vez

Escudo (shield)

Virtud

Valor, fuerza

Pentáculo (pentangle)

Fuerte significado simbólico

Segunda vez

cinto (girdle)

Falta

miedo ( a la muerte, al futuro)

La virgen

• recordatorio de su devoción

• perfección moral y espiritual

• Auto conservación

• Caída en la tentación

Las 2 caras del

Héroe

Exterior Interior

Shakespeare, Marlowe, University Witts.

Drama isabelino (Ben Jonson). Se cierran los teatros (puritanismo).