Historia del Arte

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ARTE DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVII, PERÍODO LLAMADO POR LA HISTORIOGRAFÍA “NEOCLÁSICO”
EL ARTE ENTRE 1808 Y 1875, ÉPOCA DE LAS TENDENCIAS ARTÍSTICAS, QUE CITAN LAS FORMAS DEL PASADO, DENOMINADAS CONVENCIONALMENTE “ROMANTICISMO, HISTORICISMO Y ECLECTICISMO.
ARTE ENTRE 1875 Y 1975:LAS PERSISITENCIAS ACADEMICISTAS E HISTORICISTAS EN ESPAÑA Y LA INCORPORACIÓN ESPAÑOLA A LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS.

TEMARIO DE EXÁMENES

Las reales academias de Bellas Artes y la gestación del neoclasicismo.
La ciudad española durante la segunda mitad del siglo xviii
De Ventura Rodríguez a Juan de Villanueva
El Madrid de Sabatini y de Juan de Villanueva
El clasicismo y la visión de la edad media durante la segunda mitad del siglo XVIII
El historicismo en la arquitectura española del siglo XIX
El elemento clásico y lo medieval en la arquitectura española del siglo XIX
La ciudad neoclásica y romántica en España
Los ensanches de las ciudades españolas en el siglo XIX136
La arquitectura modernista en España217
Tendencias regionalistas y racionalistas en la arquitectura española del siglo xx263
La arquitectura durante la segunda república263
La arquitectura durante el régimen de Franco263
La escultura académica española
La escultura española en el primer tercio del siglo XX
La escultura española de vanguardia.
La escultura de Picasso, julio González y gargallo.
El retrato de y la visión de la historia en Goya
La pintura académica y Goya
La pintura romántica en España
El paisajismo en la pintura española del siglo XIX
La pintura española costumbrista del siglo XIX
Las vanguardias artísticas en España
El impresionismo español
Los pintores españoles en Paris durante el primer tercio del siglo XX
La aportación española al surrealismo
PICASSO
La pintura española durante el régimen de Franco 1936-1975
Arte y democracia en España(1975-1995)

De Ventura Rodríguez a Juan de Villanueva

VENTURA RODRIGUEZ

Formación Palacio Real
San Marcos de Madrid
Capilla El pilar
Filipinos de Valladolid
Teatro Quirúrgico de Barcelona
Capilla Palacio Real
Fachada Catedral de Pamplona

FRANCISCO SABATTINI

Puerta de Alcalá
Aduana
Convento de santa ana Valladolid

A la cabeza de los arquitectos neoclásicos ha de ponerse a Don Ventura Rodríguez (1771-1785)

De barroca evoluciona a las formas neoclásicas. Fecundidad y capacidad de esfuerzo lo convierten en una de las figuras máximas de nuestra arquitectura.

Se forma en torno al Palacio Real Nuevo de Madrid.

Es un producto del barroquismo clasicista de Juvarra y Sacchetti. El discípulo de Juvarra aparece patente en La Iglesia de San Marcos de Madrid, de claro signo rococó. Es barroco su edificio por el sistema mixto de abovedamiento, donde se disponen varias elipses interpenetradas. La fachada, aunque cóncava, tiene sencillez protoneoclásica. Pagina 208 alianza III

En 1750 se hacía cargo de la construcción de la capilla para la Virgen del Pilar, en Zaragoza, para proporcionarle recogimiento al lugar santo, dentro de la basílica, donde se veneraba el pilar de la aparición.

Su emplazamiento estaba fuera del eje principal y el pilar no podía ser el foco de la perspectiva, si esta se atenía a la simetría. Para esto Ventura inventó un especie de baldaquino (una capilla exenta dentro de un tramo de la nave mayor del templo: Una capilla dentro de otra capilla. Con traza barroca, cuatro pilares muy articulados, huecos, que alojan escaleras de caracol, se levanta la cúpula, la parte central es de planta elíptica, pero la cúpula se perfora con óculos ;Se rodea de cuartos de esfera. Obteniendo así un efecto de ligereza muy sutil. El pilar queda descentrado, pero queda disimulado pues queda alojado en una hornacina , simétrica de otra, quedando alojado en una hornacina, simétrica de otra, quedando entre ambas un retablo de mármol. Para favorecer la circulación, la capilla tiene tres entradas, de manera que la hornacina del pilar tiene perfecta visibilidad desde todos los ámbitos: esto era lo propugnaba Ventura, visibilidad y circulación fácil.

Una segunda etapa se inicia en la obra de Ventura con la muerte de Fernando VI en 1759. Depuración de formas, pero partiendo de la arquitectura escurialense. El edificio que marca el nuevo periodo es el Seminario de Agustinos Filipino de Valladolid. La vinculación al Escorial se ve en el uso de impostas y recercados de placa, empleo de pilastras toscanas y en la eliminación del ornato. La traza posee un sentido autónomo, forma una unidad. La iglesia está empotrada en el conjunto, que es un rectángulo. La fachada adquiere aire civil. El tramo de la Iglesia se continua en unas alas conventuales de la misma altura, adquiriendo así una horizontalidad palacial. La iglesia es de tipo de rotonda, abriéndose capillas en el anillo, el coro se sitúa detrás del altar, para que los fieles y la comunidad actúen simultáneamente en los cultos. En la parte posterior se dispone el único claustro, todo dentro de un riguroso rectángulo. Proyectada por Ventura, no fue concluida hasta bien entrado en siglo XIX.

En 1761 proyectó un teatro de operaciones para el Real Colegio de Cirugía de Barcelona. Tuvo que partir de la funcionalidad del recinto: una rotonda para las operaciones en el centro un graderío ascendente para los alumnos. En la estética extremó el puritanismo en la fachada.

La línea neoclásica de Ventura se acredita en la solemne Capilla del palacio Real Nuevo de Madrid, donde hubo de emplear materiales lujosos. Dio termino a la Catedral de Pamplona, con su fachada principal, cuyos torres acreditan una apariencia barroquista. Pero nada más neoclásico que el pórtico tetrástilo, de doble columnata en profundidad. En pocos ejemplos españoles se puede hablar de algo que es tan extraño entre nosotros: monumentalidad, mayormente sentida en la breve plaza en que esta fachada se encierra.

Francisco Sabattini.

La pérdida de favor real de Ventura al comenzar el reinado de Carlos III, coincide con la protección a favor de Sabattini 1772-1797. Esa protección se debe a que su yerno Luigi Vanvitelli sería el que hiciera para Carlos el palacio de Caserta en Nápoles con ayuda de este.

En rigor se dedicó a completar obras en otros edificios, singularmente en los palacios de El pardo y Aranjuez. Su obra más apreciable es un monumento honorífico: la puerta de Alcalá en Madrid.Con esta trajo el favor de Carlos III, a quien está dedicada. De cinco vanos y se remata en ático, donde se exhibe la tarjeta. Combina granito y adornos de mármol. Obra a estilo y escala de la ciudad de Roma, digna insignia de un Madrid monumental y neoclásico.

El severo edificio de la Aduana (hoy ministerio de hacienda), es laudable por la dignidad de sus huecos y la valentía de su cornisa, una vez más en parentesco con la arquitectura de la ciudad de Roma. El convento de Santa Ana de Valladolid fue proyectado por Sabatini y sufragado por Carlos III, al ser el edificio de patronato real, encargándose de su construcción Francisco Valsania, inaugurándose en 1787. Responde al concepto de “bloque”, fundiéndose iglesia y convento. Todo resulta de un sabor escurialense. En su interior, Sabattini dispuso una iglesia de planta elíptica, cubierta con cúpula adaptada a esta forma.

El Madrid de Sabatini y de Juan de Villanueva

Francisco Sabattini.

Juan de Villanueva

Villanueva se benefició de la protección y las orientaciones de su hermano Diego. Excepcional profesional por su ingeniosidad y por el esfuerzo aplicado. Tan solo contó con un rival; José de Hermosilla. Contó con la simpatía y ayuda del escritor y académico Antonio Ponz. Obtuvo en plena juventud el cargo de arquitecto de El Escorial, lugar muy visitado por Carlos III. En este punto empezará a brillar la estrella de Villanueva. Empezaba para El Escorial una nueva etapa; volvía a recobrar la imagen de residencia de Corte, pero ahora el sello regio se saldría del ámbito del propio monasterio. De este partiría el estilo. Para Villanueva El Escorial era todo menos un retiro. Iba a ser el arquitecto de una población en marcha, ocupada por personajes influyentes.

Primeramente realizó:

-La casa del cónsul de Francia y la del Marqués de Campo Villar.

Después los infantes Don Antonio y Don Gabriel le comisionan:

-La casa de Infantes para el alojamiento de sus criados, situada frente a la fachada de poniente del monasterio. En la fachada sigue el estilo general de las casas de Oficios de la época de Herrera. En el interior, lo más llamativo son las escaleras abovedadas, interrumpidas por rellanos, y con bifurcaciones de derecha a izquierda. Lo admirable es como articula los niveles mediante estas escaleras, que pese ala angostura suponen un subir lento.

Ya acredita en estas construcciones una lección aprendida del monasterio. Empleo noble del material, a base de grandes bloques, cortados en

Plantilla, que luego se ajustan. Desde ahora la arquitectura de Villanueva integra bloques, cortados enterizos: jambas, dinteles, peldaños. Fortaleza y firmeza avalarán a estas obras.

También llevó a cabo la casa del ministro de Estado. Se edificaba en vecindad con la anterior y había de buscarse algo que por la categoría del ocupante tuviera la debida prestancia fue una amplia escalera de tipo imperial. Los bloques ortogonales se manejan en ésta con la rotundidad de las formas del racionalismo del siglo XX. También había de emplearse al servicio de los monjes, para los que construyó una escalera en la parte del palacio real, recurriendo de nuevo a la escalera imperial. Su habilidad fue partir el espacio, en orden a obtener una ascensión suave, con varios rellanos y división de los tiros. El efecto es muy grato. La escalera es uno de los temas favoritos de Juan de Villanueva.

En el Escorial planea e 1773 la casita de Arriba, para el Infante Don Gabriel. Esta es de tipo central y se inspira en la arquitectura central y exenta de Palladio (Villa Rotonda.Todo parte de un centro: una habitación cuadrada; habitaciones rectangulares se disponen en los ángulos. Sobre la estancia principal se sitúa una cúpula. En el exterior de prueba de su independencia al disponer la cubierta como ático. Hay algo de mansarda barroca, pero también un claro prerromanticismo, por el afán e modular curvas, con aire oriental. La fachada principal se organiza con un cuerpo principal, avanzado. La puerta se potencia con dos columnas que se acercan a las jambas, reutilizando el viejo tema helénico, del templo “in antis”: en la hornacinas vacías y los recuerdos planos descubrimos la ascendencia escurialense.

La casita de Abajo o del príncipe, carece de carácter hermético y central. Hay un aire más festivo y aparece más abierta. Posee manifiestamente dos pisos. La fachada principal tiene un pórtico tetrástilo claramente diferenciado, y encima se sitúa un ático habitable, provisto de balcón. Aquí todo potencia la horizontalidad.

Para el mismo Príncipe Don Carlos levantó en El Pardo la llamada casa del Príncipe, emplea en su construcción ladrillo y piedra, bicromía también tradicional, pues se remonta al Palacio de Aranjuez. Esta casita es invocada como anticipo de soluciones aplicadas al Museo del Prado. El edificio dispone de una sola planta y es alargado. Rigurosamente simétrico y presenta dos fachadas de igual valor, la delantera y la posterior, cada una con su puerta. La posterior, hacia los jardines tiene un orden “in antis”, pero las columnas están muy separadas de las jambas,, actuando como verdadero pórtico. Las habitaciones de los extremos sobresalen en planta, de manera que el edificio ofrece tres elementos en resalto y dos en retroceso, que interiormente vienen a actuar como corredores.

En 1770 se encargaba de diseñar la sacristía y la capilla de Palafox, en la catedral de Burgo de Osma, la obra fue promovida por Fria Joaquín de Eleta, confesor de Carlos III. La sacristía responde al modelo habitual de sacristía, a base de un salón con grandes arcosolios para alojamiento de cajonería. Solo que en un extremo se abre a manera de ábside con bóveda de horno, como si fuera el presbiterio de una iglesia. La capilla de Palafox se sitúa en el lugar preferente funerario de las grandes catedrales: la central de la girola. Planta central, cubierta con cúpula, pero sobre ejes cruzados, que se interponen como naves cortas provistas de pares de columnas exentas que sostienen entablamentos. Vuelve a utilizar el tema de las columnas “in atis”. El desarrollo de un espacio central en estas condiciones nos conduce a la arquitectura de Palladio.

Se encarga del proyecto del Museo del Prado, primeramente José de Hermosilla había acometido el proyecto de nivelación del terreno. En 1776 Ventura intervenía sobre este proyecto, añadiéndose unos peristilos como paseos cubiertos con fuentes. En 1785 Carlos III encomienda a Villanueva el proyecto el museo. Es una obra a la vez arquitectónica y urbanística.

En esta construcción combina el uso del ladrillo y la piedra. Aprovechando el material desde el punto de vista de su máxima resitencia. Para ello se sirve de la piedra para las columnatas y ventanas. Repite la organización pentapartida de la Casa del Príncipe del El Pardo, pero logrando una mayor potenciación de cada elemento. La fachada principal se dispone a lo largo del Paseo del Prado. En el centro hay una monumental portada, constituida por un gigantesco pórtico dórico- toscano, pero no lo cubre con frontón, sino con un tablero rectangular, un ático que sirve para explayar un tema escultórico. El ajuste de piedras constituye una maravilla de nuestra arquitectura. De este pórtico exastilo, se ingresa en una sala dispuesta a manera de iglesia, cuyo extremo se cierra en semicírculo. Sin duda Villanueva a propuesto un lugar de reunión para el museo, una especie de “templo de la ciencia”. De esta suerte tenemos un nuevo eje. Dos largas salas conducen a los extremos, resueltos en forma de pabellones cuadrados. El del lado norte constituye el verdadero acceso del museo. No puede ser más palladiano, la entrada principal se efectúa por la alta, por medio de una portada “ in antis” de enorme profundidad. Hoy día se ha rebajado el suelo en este lado, y hay otra entrada por el piso bajo. Forma dentada en toda la fachada con imponente resalto. Villanueva ha ido acentuando los salientes y entrantes de su arquitectura, potenciando el claroscuro, coincidiendo su propósito con una tendencia romántica el tiempo, de crear un arquitectura “ de sombra”. En el pabellón norte encontramos una sala central redonda, una rotonda con columnas, de tradición palladiana y remotamente paleocristiana. Al otro extremo un pabellón cuadrado. También posee fachada lateral independiente, aquí con un peristilo alto y balcón. En el viejo museo aquí se situarían los laboratorios. Villanueva se dio cuenta del carácter polifacético del museo, al que era preciso dotar de comunicaciones autónomas. Al hacerse cargo de la monarquía Fernando VII cambió el uso, y lo destinó a Museo de Pinturas. Muchos detalles están inspirados en el viejo Escorial. Las salas alargadas que unen los grandes núcleos tienen un sistema de cubierta a base de bóvedas rebajadas y lunetos que repiten la sala capitular del monasterio. Por fuera tiene una rotundidad de volúmenes admirable. En orden a aumentar la capacidad del museo, el propio Villanueva diseñó el vigoroso ático. Como cubierta empleó el plomo, que permitía un mejor ajuste.

En relación con esta obra ha de mencionarse el cerramiento del jardín botánico. Villanueva realizó la puerta que da frente a la fachada sur del Museo del Prado, y la otra que sale el Paseo de la Castellana. Ambas son de sobria factura. En la primera utilizó de nuevo el tema del orden “in antis”.

Cursus Honorum de Villanueva:

-Director Honorario de la Academia de San Fernando,

-Arquitecto mayor del Rey Carlos IV

-Arquitecto municipal. Aquí añadió a la Casa de la Villa una columnata en el lado de la calle Mayor. En el 1790 se incendió la plaza Mayor y Villanueva hubo de realizar en rigor una nueva plaza. Redujo a tres el número de pisos y empalmó unas manzanas con otras. También remodeló zonas inmediatas, la calle Toledo. De esta manera se ve como el neoclasicismo perfeccionó la arquitectura de los Austrias.

En 1789 trazaba el oratorio del Caballero de Gracia. Proyecto de clara raigambre palladiana. El interior está dispuesto por una ancha nave, acompañada de otras estrechas separadas por columnatas, que sirven como corredores. El esquema es de basílica. Las bóvedas se decoran con casetones de fino ornamento. La fachada fue realizada por Custodio Moreno. En su última época acomete una rotonda y un kiosco chino,, para los jardines de Aranjuez, de signo romántico. Y cierra su producción otra obra de carácter científico: El observatorio Astronómico, proyectado en 1790. Constituye un

Volumen exento con una pureza inspirada en Ledoux. Otra vez tenemos el recuerdo de las villas de Palladio, ya que a un núcleo cuadrado se añaden cuerpos salientes. El que hace de fachada principal es un pórtico muy profundo exastilo y de dos filas de columnas. Se corona el edificio por un gentil templete columnario redondo, abierto y cubierto con cúpula. Expresada como villa renaciente, que mira hacia el exterior en todas direcciones. Admirable también por su sencillez, la delicadeza de la talla y la armonía de las proporciones.

Los ensanches de las ciudades españolas en el siglo XIX

La implantación definitiva del sistema político liberal, tras la muerte de Fernando VII, junto con los efectos de la revolución industrial introducirían profundas transformaciones que afectan al espacio y a las funciones urbanas. Al comenzar lo que se considera la Edad Contemporánea, la superficie de la mayoría de las ciudades apenas difería de la de finales del Medievo. Pero, por una parte , a lo largo de todos el siglo XIX, las nuevas condiciones propician la ruptura de aquellos límites mediante el derribo de las murallas, para atribuir valor al suelo extramuros; por otra, la desamortación decretada en 1836, de la que se derivó la venta de los bienes urbanos eclesiásticos , puso e el mercado una gran masa de edificios y solares, abriendo paso a la transformación interna de la ciudades , a través de los nuevos usos de las fincas vendidas y de su edificación en altura, frente al caserío bajo de la ciudad preindustrial. Hasta finales de siglo, bastantes núcleos no acabaron de consumir el espacio desmortizado, haciendo innecesaria la extensión en superficie, a pesar del crecimiento demográfico generado por una continua corriente migratoria campo-ciudad, que, en parte, no era fruto de una oferta proporcional de trabajo urbano, sino de la búsqueda de la supervivencia.

La multiplicación de los objetos de comercio producidos industrialmente, la renovación y extensión de los transportes y la progresiva formación del mercado nacional, contribuyen a expandir las actividades económicas y, con ellas, la burguesía,y , en medada mucho mayor, el proletariado, dando pie a la aparción de modelos muy defernciados de alojamiento, distribuidos en el espacio según el valor del suelo, de forma especialmente nítida en las poco numerosas ciudades industriales, pues en una consideración territorial el tipo urbano dominante era la ciudad de funciones terciarias, cuyo modelo más común estaba representado por la capital de provincia, fruto de la división provincial de 1833.

En la segunda mitad del siglo XIX son importantes las mejoras urbanísticas experimentadas por las ciudades españolas. A la regularización de zonas céntricas, hay que añadir diversos planes de ensanches, con motivo de la asfixia que empiezan a experimentar los núcleos más poblados: Madrid, Barcelona, Bilbao, etc. Dotar deuncentro urbanizado a la capital de la nación fue una de las tareas iniciales. En 1857 el arquitecto Juan Bautista Peyronet hacia planos para la Puerta del Sol, hasta la sazón un espacio de grandes recuerdos históricos, pero desprovisto de unidad. Colaboró en su realización el ingeniero Lucio del Valle.Se tomo por eje el edificio de correos, describiéndose un semicírculo con entrada de calles, todo regularizado.Su traza responde al de una media luna, puesta de moda en el urbanismo inglés. Todos los edificios se regularizaron conforme a un modelo de gachada , yello permite obtener esa sensación de uniformidad, de plaza trazada conforme a plan. En 1857 se autorizó la redacción del plan del ensanche de Madrid, enconmendandose del proyecto el ingeniero CARLOS MARIA DE CASTRO, el cual fue aprobado en 1860.Aunque ensu realización hubo numerosa variaciones, de hecho a él se ha atenido la expansión de Madrid. Etre otras cossa se crearon diversos jardines y se favoreció la expansión del Parque del Retiro. Se deteminaron las anchuras de las calles, con generosa amplitud ,y las alturas de los edificios. Se establecieron zonas según la condición de los vecinos: familias aristoc´raticas en el Paseo de la Castellana, la burguesía en el Barrio de Salamanca, la clase obrera en los suburbios.Hay que mencionar el estudio hecho por Fernadez de los Rios( “El futuro de Madrid “) donde critica este plan y expone soluciones, most´randose muy propicio al enriquecimiento forestasl en el entorno madrileño.

Una feliz iniciativa, de resonancia internacional, fue la cocepción formulada por Arturo Soria de la “Ciudad Lineal” , que tuvo su realización precisamente en Madrid.Previendo el agobio de las poblaciones al aumentar la densidad de trafico , concibe como solución un tipo de ciudad dispuesta a lo largo d euna vía central, diponiéndose las manzanas con absoluta regularidad a uno y otro lado, y con plena uniformidad. La ventaja fundamental sería la rapidez de la comunicaciones, pero aparte de ello el contacto con la naturaleza , ya que por ambos lados los bloques asoman al campo. La via central sería muy ancha , de unos 40 metros como minimo, yendo por el medio una linea ferrea que acelerar las comunicaciones. Después d e formular la teoría, él mismo inició la edificicación de la Ciudad Lineal madrileña, que proyectada como un anillo en torno de la ciudad, sólo ha sido realidad en una pequeña parte.

En barcelona se suscitaba una grave problemática como consecuenci de la fuerte industrialización de la ciudad, la intensa emigración y el carácter progresista del ambiente. La vieja ciudad medieval resultaba una preciosa joya que habia de ser mantenida , pero slavando las exigencias de una moderna urbe.El arquitecto IDELFONSO CERDÁ redactó un plan, provisto de una densa documentación programática, que fue aprobado en 1859. En un concurso de proyectos convocado por el ayuntamiento de barcelones se dio sim embargo el primer premio al plan presentado por el arquitecto ANTONIO ROVIRA TRIAS. Aunque hubo una pugna sobre cual de los proyectos se acometería, se dio últimamente validez a Cerdá, que en gran manera ha sido llevado a la practica. Rovira estableció en torno a la ciudad vieja otra nueva en agrupaciones geométricas, de forma radial. Como previamente las murallas habían sido derribadas, entre la ciudad vieja y la nueva quedaba una amplia ronda, que facilitaba las comunicaciones. El proyecto de Cerdá se somete al principio de la cuadrícula, extendida de manera uniforme. La ciudad vieja queda también aislada, para no interferir las comunicaciones. En todos los cruces se matan las esquinas, de suerte que se disponen plazas ochavadas. Como las calles son anchas, estas plazas han proporcionado un enorme desahogo a la circulación rodada. El grave inconveniente es la monotonía, ya que el esquema se repite insistentemente. Pero al propio tiempo trazó Cerdá dos diagonales, con cruce en una plaza, pero sólo ha sido realizada una , “la diagonal “por antonomasia . Esta vía, muy ancha, permite acortar distancias cuando se atraviesa la ciudad de un extremo al otro.

Otro ensanche notable es eld e San Sebastián. Después del proyecto de Ugartemendía, que en la practica se limitó a la reconstrucción de la ciudad, se propuso el ensanche, con arreglo al plan redactado por Antonio Cortazar. Esto ha permitido que la ciudad tenga un regularidad no sólo en el trazado de calles, sino en la de las fachadas.

La arquitectura modernista en España

CATALUÑA

En este siglo XIX se opera en Cataluña un movimiento socio-politico cultural. Se habla de una Renaixance catalana, en el sentido de un resurgir en el marco de una personalidad propia. El proceso de industrialización estimula la riqueza y crea al mismo tiempo la palanca que hará posible una granarquitectura.Existe por otro lado una opulenta burguesía, que busca en la obra de arte el símbolo parlante de su hegemonía. Arte e industria se confabulan, ofreciendo un producto práctico y armonioso a la vez . Es el objetivo europeo de las Arts and Crafts. La artesanía hace posible qu eel producto de la máquina escape a mera fabricación en serie. Barcelana entra con decisión en la era de las exposiciones antes qu eMadird. Por esta vía penetra una corriente europea muy saludable. La más famosa fue la 1888.

En el modernismo bruselense existe una reivindicación de la edad media. En Cataluña este proceso se acentúa, ya que la Renaixença procura hallar un costado tradicional a todo el movimiento, y en balde el gótico fue la gran aportación catalana al arte peninsular. L afición a la cerámica, al mosaico y la azulejería se propaga desde Madrid , dentro de una corriente neomudéjar. El primer gran modernista, Luis Doménech y Montañer realizó sus estudios en la Escuela de Arquitectos catalanes, lo mismo que Elias Rogent,un ilustre premodernista. Además arquitectos catalanes trabajaban en otras regiones. El catalán Grases Riera es uno de los principales impulsores del modernismo madrileño.

Jose Puyg y Cadafalch se ha significado como un atento medievalista dentro del modernismo. Aparte de sus estudios sobre arquitectura y la restauración de monumentos, ha de recordarse por los edificios modernistas que acomete de progenie neogótica.Claramente modernista es la CASA AMATLLER, del paseo de Gracia 1898 El esgrafiado, la cerámica vidriada o la poedra se conjugan en esta fachada dominada por formas goticistas: frontis escalonado (centroeuropeo), doseles, molduras... Por lo que que respecta a la composición, es de destacar el dominio de la asimetría en la distribución de los huecos.

Luis Doménech y Montamer es más original. Con motivo de la exposición de 1888 realiza en Barcelona EL RESTAURANTE DEL PARQUE DE LA CIUDADELA, donde muestra una gran imaginación manejando elementos cerámicos. Pero la obra maestra de esta primera etapa modernista es el PALACIO DE LA MUSICA DE BARCELONA 1905.La importancia del ropaje decorativo en la arquitectura modenista se evidencia aquí en la enfatización de la esquina con esa abigarrada masa que sin embargo resulta ligera. Tambien realiza la EDITORIAL MONTANER I SIMON, 1880. la excelente combinación de hierro y ladrillo posibilita la apertura de amplios vanos; la decoración geométrica y la figurativa anticipan el inmediato modernismo.

Antonio Gaudí 1852-1926

Constituye la personalidad más descollante del modernismo catalán. Encaja a la perfección en la cultura de la Renixença por su amor a lo regional, por su exarcebado catalanismo. Se pone al servicio de la burguesía catalán, que exigía mansiones ostentosas. Pero le anima una profunda fe religiosa.

Dominó la profesión de arquitecto. Fue un investigador, aplicado a nuevas técnicas. Vigiló personalmente las obras que proyectaba, convencido de que toda buena arquitectura debe ser meticulosamente supervisada. Su método parte de experimentarlo todo. Lo proyecta todo: el mobiliario, los abridores de la puertas, las verjas. Se nota que su experimentalismo procede de la artesanía catalana. Concibe la arquitectura en relación con todas las artes. Sus chimeneas parecen esculturas; las superficies, pinturas. Y su misma arquitectura tiene un no se que de musical y poética.

No se puede desconocer el valor que otorga al ornamento, siempre sometido a ese ritmo ondulante, tan oriental. Pero como los modernistas, esta forma es ala vez estructura. Sus escaleras culebrean y soportan. La forma es estructura y adorno.

Si el empleo del hierro arranca de la propia tradición catalana, su afición por el azulejo reconoce ascendencia andaluza. Má su inventiva le hace obtener efectos similares a los de los cubistas; en efecto , añade a las superficies trozos de azulejería, que hacen el efecto de “collages”. Más por encimo de todo es un científico. Ingenia arcos parabólicos, paraboloides hiperbólicos, desmenuza las bóvedas en estructuras que parecen caprichosas invenciones y responde a un cálculo perfecto.

Hombre apasionado, fue excéntrico y solitario. Su labor es copiosa, agotadora y en gran parte llevado a término. Lástima que su egocentrismo le dejara prácticamente sin discípulos.

La primeras obras de Gaudí participan del eclecticismo de su época.

LA CASCADA DEL PARQUE

Pero su primera época con sello personal se halla determinada por la importancia que confiere a la cerámica y la azulejería. Se habla de un primer periodo mudejar u oriental. A este corresponde

LA CASA VICENS. Como se hizo para un fabricante de azulejos, la exhibición que de ellos oafrece en los parámetros constituye un elemento propagandistico de la firma. Cierra los miradores con rejas y celosías, a la manera oriental; hace un fumadero también con sabor asiático y emplea persianas de tipo japones . Un juego con la geometría inspirado en la arquitectura arábiga.

FINCA DE RECREO PARA LA FAMILIA GÜELL, y la verja adopta una disposicón ondulada y asimétrica, llamada del Dragón.

El marqués de Comillas le encarga la CASA DE CAMPO DE COMILLAS (SANTANDER). Aquí gaudí se atiene a las posibilidades de la azulejería. El recuerdo es más lejano: Persa, como parece confirmar la torre, que parece una torre- sepulcro islámica del Irán. Tambien de los hierros saca buen partido, como acreditan los balcones volados. En 1887 realizó un vieje por Andalucía y Tánger, lo que confirma su preferencia por este orientalismo que tenía tan proximo.

1883 empieza la historia constructiva de LA SAGRADA FAMILIA. Piedra de escandalo por sus pretensiones, no hay duda de que constituye la más prodigiosa invención del maestro. En una Barcelona progresista, llena del materialismo de la era industrial, pretendía Gaudí que fuera una llamada a la espiritualidad. La zona obrera donde se levante, daría a esta población un marchamo católico. Tan pura era la intención, que solo se aceptan limosnas , y el propio Gaudí llegó a implorarlas. Esta obra es el comienzo de la etapa neogótica. Viene a ser como una gran Catedral gótica con tres puertas principales, todo con un simbolismo que los diseños del maestro aclaran. Se revivían los antiguos esquemas góticos. Las piedras con sus formas naturalistas y colores hablan ellenguaje de la alegría. Las torres se elevan como esbeltos pináculos, pero por su forma de botella acusan un contacto con las chimeneas vistas por Gaudí en Africa. Lo botánico se enrosca y adapta a la arquitectura , trpa como flora tropical ;también los animales se incorporan . La arquitectura respira , hay un mimetismo romántico. Ls mismas piedras parecen que chorrean, con esa inestabilidad modernista, esa faz tonadiza y cambiante.Pero a la vez en la Sagrada Familia están presentes los avances y técnicas, en esa bovedas sujetas como por el varillaje de un paraguas. Más aun: quiso dar al templo un resonancia hacia el exterior. Por eso en las aberturas de las torres pensó colocar reflectores y altavoces.

Obra también goticista es LA CASA DE LOS BOTINES, EN Leon.Los esencialmente modernista es la reja que circunda el edificio, protegiéndole.

Para Astorga proyecta en 1887 el palacio Episcopal, que le encargara su amigo, el obispo Grau, que era de Reus como Gaudí. Surgieron luego diferncias, de suerte que en la realización Gaudí apenas intervino. Pese a ello, es de las construcciones mas ingeniosamente proyectado por este arquitecto. Admira el portico, con sus portadas de arco apuntado.

Eusobio Güell , el poderoso industrial y procer del movimiento de la Renaixença da muestras de munificencia comisionando a Gaudí un parque publico, en la ciudad de Barcelona, que lleva su nombre. El modernismo se habia mostrado muy sensible a la jardinería, y l mismo que el romanticismo, le interpretaba en unsentido animado, de naturaleza viviente. Pasta sabe que Güell deseaba reaizar un jardín de tipo inglés. La zona elegida era una ladera, de perfil ondulado. El proyecto empezaba por ser una obra de urbanización extrañamente hay elementos clásicos: columnas dóricas, aunque sin respetar la verticalidad. Eso haría el efecto de un bosque. El mismo techo es ondulado. Ayuna voluntaria eliminación de líneas rectas, para dar más apariencia natural. Es de ver como los pilares cilíndricos que sostienen las galerías se inclinan. Hay razones técnicas: actúan como contrafuertes , y además por dentro canalizan las aguas. Además lo recubre de una materia áspera, como corteza de arboles. Hace uso Gaudí en los paramentos de la azulería; con ella realiza incluso figuras de animales, queparecen metamorfoseados en el ambiente. Un jardín, en suma, que atrae porque invita a soñar.

Varias casas del primer decenio del siglo XX ,responden más claramente a los propósitos modernistas, en le sentido de no vincularse ni a mudéjar ni a lo gótico.

LA CASA BATLLO, o de los huesos. La fachada se decora con azulejos iridiscentes, y la cornisa se alabea, animada de una fuerza orgánica. Los balcones ofrecen antepechos que semejan fémures humanos, mientras que antepechos parcen pelvis.

LA CASA MILA O LA PEDREDA se ha dicho un montaña tallada por Gaudí, o una escultura para habitar. Forma un cuerpo orgánico , algo así como los acantilados desgastadospor le erosión del río.Es una obra barroca, a lo Borromini. Pero la naturaleza manda: los balcones se protegen conantepechos de hierros retorcidos, a manera de algas. Las habitaciones se disponen con un criterio de sorpresa, como de exploración espeleológica. En los techos se simulan las huellas que dejan las olas en las playas. Las plantas no son uniformes, ni en su altura ni en su trazado. A todo ello se suma la complicación de un mobiliario adaptado a la caprichosidad del diseño.

Gaudí es un arquitecto que se guía del instinto y de la imaginación.

VALENCIA Y MALLORCA

Influencidas por el modernismo catalán

Valencia fue circunstancia muy favorabe para el desarrollo de la arquitectura , el ensanche de la población, emprendido por arquitecto FRANCISCO MORA BERENGUER. Al principio parece continuar el eclecticismo, después los programs se van haciendo claramente modernistas. Una circustacia incidió ventajosamente: la tradición de la cerámica, especialmente dela azulejería. Entre las obras descollates hay que recordar EL MERCADO DE COLON, obra de Mora Berenguer, y la ESTACIÓN DEL NORTE, debida a Demetrio Ribes.

MAYORCA , el elemento catalán está muy acusado. El propio Gaudí interviene en la catedral de Palma. Doménech y Luis Montaner realiza el GRAN HOTEL DE PALMA , la obra más importante del modernismo en Mallorca. Entramos ya en la era del turismo balear: este edificio respondía a un esfuerzo en este sentido.

El retrato de y la visión de la historia en Goya

La pintura académica y Goya

En 1779 Carlos IV le nombra primer pintor de cámara con lo que alcanza la cumbre del triunfo oficial. En estos tiempos en cuando realiza los más importantes cuadros de la familia real.

En 1808 se produce una nueva crisis en la vida del pintor: la guerra de la Independencia acrecienta su pesimismo y su carácter crítico. Es obligado a ser pintor de cámara de José I.

En 1819 se traslada a una finca, al otro lado del Manzanares, la llamada “quinta del sordo. Alli pinta una de sus obras más famosas: Las Pinturas Negras . Padece una nueva y grave enfermedad que intensifica su aislamiento.

Ante el recrudecimiento del absolutismo después de 1824 y ante el temor de las represiones por parte del rey, Goya marcha a Burdeos en donde permanecerá, excepto en dos cortos viajes a España, hasta su muerte en

16 de abruk de 1828.

Estilo

Su estilo se fue formando y evolucionanado lentamente bajo la influencia de los acontecimientos quele tocaron vivir y que le afectaron profundamente.

Su arte se encuentra en permanente evolución:paulatino progreso en la técnica, búsqueda de nuevas formas expresivas, continua corrección y profundización.

El arte de Goya se nos presenta lleno de contraste:

Representaciones de fiestas alegres que exaltan la vida al lado de sucesos dramáticos y de muerte

Escenas de niños que juegan felices

Otras misteriosas y alucinantes de brujas participando en aquelarres

Retratos de la nobleza

De ilustrados y de los “majos” y “majas” que simbolizan lo popular

Pinto lo bello con exquisita delicadeza,pero también supo reflejar lo feo, lo terrible , lo monstruoso.

Un Goya apunta algo que, según Victor Hugo, es propio del mundo moderno: lo grotesco.Se enfrentó con el academicismo de sus maestros y de sus contemporáneos , oponiéndose a la técnica neoclásica. El dibujo pierde importancia frente al dolor, a la inspiración y al movimiento.

Esencialmente colorista:

La esencia para él es el color.

Afirmaba que sus verdaderos maestros habián sido Velazaquez, Rembrant y la propio naturaleza. Del primero hereda el amor por el retrato psicológico ;del segundo , la profundidad espiritual y la técnica pastosa;de su tercer maestro , la naturaleza, hay abundantes pruebas en los paisajes de los cartones para tapices.

Aún hay otro factor , la imaginación. Goya no conoció limites para sus facultades y en esto se aprecia su romanticismo. Combina el realismo con la imaginación creando ,a partir de lo real, un mundo propio en el que la fantasía y la crítica juegan un papel aún más importante que la realidad visual.

Crea un arte testimonial y comprometido en el que lleva a cabo una crítica de todos los estamentos sociales:corte, iglesia, nobleza, la sociedad en general. Temáticamente su obra es muy variada, estando presente en al misma casi todos los géneros.

Utilizó principalmente la técnica del óleo que aplica sobre los más diversos materiales, pero también realiza frescos, litografías, aguafuertes, etc.

Empleó normalmente composiciones de tipo neoclásico, es decir, tiende a la ordenación geométrica y regular. Las figuras se agrupan en triangulos, cuadrados, pirámides. Para que se distingan bien los personajes colectivos crea líneas paralelas oblicuas. Sin embargo, en la etapa de madurez busca la libertad compositiva pero siempre mantiene unas lineas rectoras que evitan el caos compositivo.

De una forma general se pueden distinguir en Goya dos formas de hacer

Visión optimista y alegre de la vida:

Temas alegres de ambiente rococo.
Dibujo de trazo continuo.
Colores vivos y luminosos aplicados a base de pinceladas muy iguales
Composiciones ordenadas geométricamente.

Visión pesimista y patética de la vida:

Temas críticos, dramáticos y de una fantasía sombría
Dibujo discontinuo e incluso, en ocasiones, poco correcto.
Aplicación del color a base de manchas, de pinceladas sueltas con vibraciones luminosas
Mayor libertad en las composiciones.

Es indiscutible la importancia histórica de Goya: es contemporáneo de LUIS DAVID y sin embargo es el polo opuesto de su pintura .Influyó en muchos pintores españoles como ALENZA Y LUCAS y sobre todo en pintores franceses de romanticismo y realismo, especialmente en MANET Y COURBET.

Anuncia una serie de movimientos pictóricos posteriores:

Romanticismo:por su individualismo, por la preocupación psicológica de sus retratos, por el apasionamiento y exaltación de algunos de sus temas. Ej.: la carga de los mamelucos.
Impresionista: por su pincelada suelta y vibrante. Ej.:La lechera de Burdeos.
Expresionismo: por su despreocupación por la forma para conseguir un mayor valor expresivo. Ej.: las pinturas negras.Desastres de la guerra.
Subrrealismo : por el mundo de fantasía que reprenta. EJ.: disparates, caprichos.

Temas y obras

Cartones para tapices

Más que cartones son, en realidad, cuadros al óleo. Realiza 54 durante su estancia en la Real Fábrica de Tapices.

Trata los temas populares de Madrid: verbenas, romerías, juegos, etc. Son escenas llenas de gracia y poesía.

Lo personajes populares aparecen ataviados con los trajes típicos de los majos y las majas.

Utiliza colores claros, una gran gama cromática y desdibuja los contornos lo que dificulta la labor de los tejedores. Se aprecia en ellos una clara evolución:

En los primeros, coincidentes con el reinado de Carlos III, en torno a 1776, utiliza colores planos, fuerte dibujo y temas de cacería.

Más tarde , con Carlos IV, hacia1780, realiza temas costumbristas con manchas de color y celajes de influencia rococó. Mantiene una composición central geométrica con árboles que marcan una diagonal y fondos arquitectónicos. Obras:

El quitasol. 1777. Goya dispone las figuras en estructuras piramidal, incluso forzando laposición del parasol sotenido por el majo a espaldas de la dama, la cua parece mirarnos halagada por nuestra presencia, que intuye, dedicándonos su sonrisa, invitándonos a acompañarla.Apreciamos la vigorosas pinceladas de Goya, y el contraste de colores del atuendo de la dama, que luce una falda de tonos dorados y un corpiño azul celeste con flor de organiza blanca en el pecho.

El cacharrero. 1778-1779.Forma parte de la serie que Goya ideó para el dormitorio de los principes en el Palacio del Pardo. Aquí ya no hay concesiones hacia lostejedores, que necesitan de todo su arte para poder transferir a la tapicería las composiciones cada vez más complicadas y elaboradas.

El columpio.1779. Con este cartón se inicia la serie para el antedormitorio de los principes .La escena del columpio era recurrente en la época rococo, pero con connotaciones eróticas, cosa que no sucede enese inocente juego campestre que nos presenta Goya.

Las cuatro estaciones.1786-1787

La gallinita ciega.1788. Boceto previo para la composción del cartón definitivo para el tapiz quedebía de adornar el dormitorio de las ingantas en el pardo, y en cual Goya propone un clásico juego aristocrático, muy apropiado para las hijas del rey.Aspecto de la dama de la izquierda del corro y del galan que le tiende la mano.Con cuatro trazos Goya aboceta el vestido, que en el cartón definitivo insinuará sedas y encajes. Uno de los componentes del corro se agacha para no ser tocado por la cuchara que esgrime la gallina ciega, y poder continuar asi el juego

El pelele.1791-1792.Después de un tiempo negándose a realizar cartones porqueconsideraba que su talento mercía encargos más altos, el artista efectuó este boceto destinado al despacho de Carlos IV, siguiendo la estructura piramidal que habia usado en tantas ocasiones para los encargos de los tapices.

En sus ultimos cartones, por influencia de la ilustración, realiza temas en los que se manifiesta una cierta crítica social,como “la boda”

Retratos

Fue el género que más cultivó, posando para Goya gentes de todas las clases sociales:reyes, nobles y personajes populares. Sintió especial predilección por el retrato femenino.

Se caracteriza por su realimo y sinceridad, reflejando perfectamente al retratado, aunque en ocasiones se manifiesta el interés , simpatia o indiferencia que Goya sentía ante el retratado.

Evolucinó desde los retratos elegantes y estáticos de los primeros años hasta los ejecutados alrededor de 1800 a base de pinceladas sueltas, cortas y luminosas, de dibujo a base de trazos rotos, discontinuos, y de mayor penetración psicológica.

Excelente tratamiento de las calidades de los vestidos, objetos,etc. Obras:

Carlos III cazador.Falta de naturalidad, que en otras circunstancias el pintor hubiera captado.Incluso se ha sugerido que puede ser la réplica o copiade otro Carlos III cazador considerado original y conservado en la colección de la duquesa de Frenán Núñez.

Familia del Conde de Osuna .

La tirana

Francisco Bayeu. Fue realizado tras la muerte de este y apetición de su sobrina. A pesar de los enfrentamientos profesionales Goya mantenía un respeto a su cuñado que en muchas ocasiones le ayudó.Al no poder ejecutarlo al natural,Goya utilizo como modelo un autorretrato del mismo Francisco Bayeu. Aquí plasmó su concepción pictórica y le dio un lección póstuma a su cuñado, con una pintura libre de academicismos. Eliminó sistemáticamente los detalles superfluos de la composición, dejando de pintar los bordados del chaleco, y se centró en el rostro, que regleja ya un ser humano cansado y agónico.

Josefa Bayeu

Las majas.Maja desnuda 1797-1800.Maja vestida 1800-1805.De la colección de pinturas de Manual Godoy fue la célebre MAJA DESNUDA.No tienen fundamento las ideas recreadas en el siglo XIX de que ésta corresponde a la duquesa de Alba, entre otros motivos porque la maja representa a una mujer muy joven y éste ya no era elcado de la duquesa.Por otra parte, se ha apuntado que podría representar a Pepita Tudó,amante de Godoy, pues el cuadro fue ubicado en las dependencias de este último.Las extravagancias de Godoy eran más acordes con la idea de pintar desnuda a su propia amante, a pesar de que esta suposición también debe mantenerse con absoouta reserva.Pero sí que Godoy es el personaje más indicado para el encargo de una pintura de estas características, pues disponía de un “gabinate interior” con pinturas de Venus y desnudos femeninos, entre ellas la famosa “Venus del espejo” de Velázquez.

La maja desnuda dista mucho de la inconografía de las venus ,pues mantiene una mirada de complicidad con el observador, al vez que su postura, sus brazos, haces que exhiba su desnudez y exuberancia sin pudor alguno. Amños mas tarde , a pesar de desconocerse las cuertiones relativas al motivo del encargo, Goya debió pintar la Maja vestida y ambas formaron parte de la colección privada de Godoy. Por último, debemos indicar que en 1815 goya fue citado por la Inquisición para dar explicaciones de estos cuadros, sinque se conzca ninguna declaración suya al respecto.

Condesa de Chinchon .1797-1800.Entre otros tantos retratos pintados por Goya el de María Teresa de Borbón y Vallabriga, la condesa de Chinchón, aquien ya habia retratado de niña, representa la gran habilidad del artista por captar la sensibilidad y la expresión triste y melancólica de la condesa con un fondo oscuro que realza su figura. La codesa aparece sentada, embarazada de su primer hijo que tuvo de su matrimonio con Godoy.

Familia de Carlos IV 1800 .los primeros años del nuevo siglo fueron para Goya muy fecundos. Su labor de retratista y sus ganancias fueron abundantes. Tambien , finalmente, fue nombrado primer pintor de cámara duplicando su sueldo que percibía del estado. En 1800,recibió el encargo de pintar la Familia de Carlos IV. El rey ya había expresado su deseo de retratarse en familia, y Goya fue invitado a trasladarse a Arnjuez para estudiar y realizar los apuntes de los diferentes miembros de la familia real.

Es una obra maestra en la queculminó y demostró su habilidad y concepción pictórica. Por otra parte, está muy bien documentada y se conocen las diferentes etapas de su realización, conservándose los retratos y bocetos previos de los personajes.Mas tarde, en Madrid, Goya situó a sus modelos en la composición y ejecutó la pintura. En la escena aparecen 14 personajes, la reina Maria Luisa ocupa la posición central junto con sus hijos menore, y Carlos IV se sitúa en unapoción avanzada del gtupo.Los miembros masculinos llevan la banda de Carlos III y en algunos es visible en Toisón de Oro. Por su parte, las mujeres lucen la banda dela Orden de Maria Luisa. Todos han sido identificados, excepto la dama que aparece detrás del futuro Fernando VII.Goya aparece autorretrado detrás. Este detalle ha hecho pensar que el artista pintó una imagen reflejada en un espejo situado frente a la familia. De ser así, no se trataría de unretratode los manorcas, sino de un retrato de cómo se ven a sí mismos y también se ha apuntado que es el último intento de representar una monarquía ante el desplome que se avecinaba de la monarquía española.

Fernando VI.1808 Goya realizó el retrato del nuevo rey al poco de producirse la abdicación de Carlos IV, intentando enfatizar a un soberano que muy pronto sería depuesto por Napoleón, y ala ineptitud del cual se debió en gran parte la desastrosa invasión de España

Autorretrato.1815.Goya realizó a lo largo de su vida distintos autorretratos, en los que vemos su evolución como persona y como pintor.El que aquí se muestra (pag 7 de Goya) quizá sea uno de los más sinceros , mostrándonos un Goya madura, cuyo rostro presnta las huellas de las vicisitudes que le tocó vivr y que tan bien n o supo transmitir con su pintura.

Marianito Goya

La lechera de burdeos.1826-1827.Desde la realización de las pinturas negras, casi todos los retratos los realizaba a partir de tonos oscuros y monocromos. Una de sus ultimas pinturas escapa a esa regla. Aquí surge o se manifiesta unentusiasmo por el color, la luz, la imagen femenino... Otra vez más, Goya se adelantó a su tiempo y esta pintura expresa uno de los mejores exponentes del futuro movimiento impresionista.

2.4 Temas históricos

Principalmente temas sobre la Guerra de la Independencia:destacan por su expresionismo, auténtico alegato contra la crueldad y la barbarie de la guerra.

Sus composiciones son complejas, llenas de movimiento y acción. Obras:

El coloso.1810-1812. De estos años es una de sus pinturas más soberbias y enigmáticas.Una obra dramática y poética a la vez, que ha suscitado multiples y variadas interpretaciones. La gran habilidad del artista consiste en conjugar dos conceptos: uno real, de una muchedumbre que huye despavorida, y otro fantástico, con un gigante que se alza o avanza con una actitud enfurecida. Sabemos que fue pintado en los años de la guerra pero no puede descartarse que haga alusión a la tempestad o a cualquier otra fuerza aterradora de la naturaleza. Pero , sin lugar a dudas , anuncia o presagia un estado de terror y pavor.No existen comentarios de Goya sobre este cuadro, y las diversas interpretaciones han visto al coloso com un ser amenazante o, por el contrario, protector de algo situado imaginariamente más allá.

Dos de Mayo o la Carga de los Mamelucos de 1808. 1814.El pueblo de Madrid se levantó el 2 de Mayo contra el opresor francés , luchando con los pocos medios que tenía a su alcance para impedir la hegemonía de las tropas de Napoleón. Es una multitud anónima la que hace frente a la caballería invasora formada por norteafricanos.Los personajes de este drama matan cada uno por su cuenta, sin organización, unicamente con el ánimo deseoso de eliminar a los enemigos del pueblo. Goya pintó con la misma furia que se defendió el pueblo, sin establecer unas lineas compositivas claras, con manchas de color dispuestas de manera que atraigan nuestra atención sucesivamente.En el centro del abigarramiento de hombres y caballos destaca la figura del mameluco que empuña el puñal dispuesto a vender cara su vida haciendo frente a la muchedumbre.

Fusilamientos de la Moncloa o fusilamientos del 3 de mayo de 1808.1814. en febrero de 1814 Goya propuso al Consejo de Regencia “perpetuar con sus pinceles las hazañas o las escenas más notables y heroicas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa”. Eligió para su propósito una de las escenas más dramáticas de la represión contra el pueblo de Madrid. Punto de atracción del cuadro el la figura, que con los brazos levantados, espera estoicamente la descarga de los fusiles que apuntan a su cuerpo, ofreciéndose como victima, sin miedo a la muerte, casi desafiante. Ls espaldas de los soldados franceses se asemejan a un muro sombrío, compacto, sin personalidad alguna( ninguno nos muestra su rostro), símbolo de la barbarie que se apoya en el anonimato.Si en primer plano están los cadáveres de los fusilados , y en segundo término los que esperan la muerte de inmediato, al fondo se hallan los desesperados que se tapan el rostro para no ver el cruel fin al que también están destinados.

A pesar de que Goya debío vivir los primeros instantes de la Guerra en Madrid, la serie de desastres de la guerra, y en general toda su obra de tema bélico, debe de tener su génesis Zaragoza que realizó tras su primer asalto.Allí conoció la ciudad y sus gentes y debió documentarse visualmente y recoger multiples testimonios de la masacre. Así, en los meses siguientes idearia y proyectaría la serie de grabados de Los desastres de la guerra,ya que algunas de sus planchas están fechadas en 1810. En muchas de etas imágenes refleja experiencias y sucesos que el artista vivió de cerca o de lejos, pero la gran característica de esta serie es que se trata de hechos verídicos. Goya narra el terror y la violencia de la guerra y sus fatales consecuencias. No plasma acontecimientos victoriosos, sino escenas de bandidaje de las tropas francesas, del patriotismo de las guerrillas populares , de la ferocidad y vejaciones perpetradas por las dos facciones enfrentadas... Y muchas láminas son perfectamente documentables de hechos y sucesos históricos.

PINTURA RELIGIOSA

No fue muy cultivada por Goya y la realiza tanto en lienzos como frescos. Mientras algunos cuadros pecan de excesivo academicismo , otros poseen un profundo sentimiento religioso. Obras:

Cristo en la cruz.1780. Con este cuadro , Goya logró ser admitido como miembro de la Academia de San Fernando. Para la realización siguió la iconografía del Cristo de cuatro clavos establecida por Fernando Pacheco, el suegro de Velásquez. Destacan la serenidad del rostro y la ausencia de señales del martirio.

Frescos de San Antonio de la Florida 1798.

Ultima oración de san José d e Calasanz.1819. En esta composición goya da muestra de una fe profunda. Viejo , sordo, olvidado por los que le habían ensalzado, quizá se siente muy próximo a la figura moribunda del santo, que se prepara con la comunión para la etapa final de su vida. Una luz mística baña su rostro demacrado. Buena muestra de la gama de negros usada por Goya en esta composición es esta fervorosa figura arrodillada tra el sacerdote, que podría tratarse de un retrato , dadas las características individualizadoras que se aprecian en la figura.Es problable qu Goya se sintiese identificado con los monaguillos que asisten a la ceremonia con recogimiento ( las cabecitas ladeadas, los ojos gachos), ya que él habia sido alumno de la Escuelas Pías de Zaragoza, orden a quien iba destinada la obra.

La oración en el Huerto .

PINTURAS NEGRAS

Reciben este nombre tanto por el color empleado(blanco, negro, ocres, dorado-verdoso) como por su tenebrosa significación pesimist, sombría y desepeeranzada. Son escenas macabras y de brujería de difícil interpretación, expresión de un mundo interior desolado y terrible, alucinante.

Una fantasía e imaginación desatadas presidieron su ejecución. Obras:

Aquelarre.1820-1823.Decoraba el comedor de la Quinta del Sordo , cuando esta obra fue arracada de sus lugar de origen y traslada a tela;se perdió cerca de un metro y medio de composición,por su parte derecha, según revelan las fotografías tomadas antes del proceso de restauración, durate el cual sufrió diversos repintes para paliar la pérdida de materia.Goya no pinta individuos, pinta l amsa dshumanizada. Los brutales rasgos de los personajes simbolizan la ignorancia que impide alcanzar estadios más elevados. La vieja situada a la izquierda de la composició sería la introducción en el círculo, de la neófita que espera su integración en la masa informe y despersonalizada

Viejos comiendo sopa

Las parcas. Tres mujeres levitando por los aires, de las cuales sólo una presenta el atributo iconográfico correcto de las tijeras con que corta los hilos de la vida.

Saturno devorando a su hijo.1820-1823.Saturno dios de la melancolía, preside la sala, seguramente simbolizando el estado de ánimo del pintor y también su propia ancianidad.Durante la restauración, sufrió cambios y mutilaciones , como el pene erecto del dios que aparece en las fotografías anteriores, y que fue censurado.Tampoco son originales , al parecer , los ojos de Saturno y los hombros del hijo devorado, que se perderían en el arranque de las pinturas, siendo interpretados libremente por su restaurador Martínez Cubells.

Perro hundido en la arena.1820-23. es una de las más enigmaticas de la serie. Se ha aludido a una imagen agonizante de un perro hundido en la arena, atrapado y sin escapatoria posible.

GRABADOS Y DIBUJOS.

Son de gran fuerza expresiva y llenos de vigor. Mediante ellos lleva una critica a la sociedad y a la política de la época y en ellos se entremezcla el pesimismo, el humor y la sátira.

Caprichos:

Comprenden un total de 80 láminas y comenzó en 1797, siendo publicados en 1799. Por miedo a la inquisición la recogió y regaló a Carlos IV.

Están inspirados en su propia imaginación, en estampas populares en los dichos del pueblo y en libros de magia.

Utiliza unas formas anchas, una composición maciza,un violento contraste en blanco y negro con el que acentúa los efectos de la luz

La segunda parte de la colección , a partir de “ el sueño de la razón” es invadida por una fauna horrenda o grotesca, de diablos y monstruos.Obras:

El sueño de la razón

¡Qué viene el coco!

Dios la perdone y era su madre

Desastres de la guerra:

Realizados en 1810 y 1819, reproducen escenas de lo que ha visto, de lo que le cuentan o, simplemente de lo que imagina.Obras:

Con razón o sin ella

¡ Grande hazaña!¡Con muertos!

Tauromaquias

Publicadas en 1816, constituyen una auténtica enciclopedia del arte taurino.

Desgracias acaecidas en un tendido y muerte del alcalde de torrejón.

Disparates :

Realizados entre 1820 y 1822, expresan un mundo fantástico, onírico.

Es la obra más personlista de Goya: parece anunciarnos el subrrealismo.

Disparate nº 15.disparate claro

La pintura romántica en España

LA ESCUELA MADRILEÑA

Ferico Madrazo , hijo de José Madrazo es uno de los más ilustres representantes de nuestra pintura decimonónica. Artista bien dotado para el retrato, es el principal cronista de su época desde Fernando VII a Canovas del Castillo.Acaparó toda clase de honores,siendo nombrado primer pintor de Cámara, director de la Academia y del Museo del Prado, recibiendo la legión de Honor.Su estilo no lo muestra vinculado a Vicente López, con un dibujo apretado y un colorido acharolado,.Sabe dotar de nobleza y elegancia a sus retros como se compuerba en el de Doña Gertrudis Gómez de Avellaneda o en el de la Condesa de Vilches. Tambien cultiva el tipo ecuestre como se ejemplifica en el retrato de Duque de Osuna. Un gran número de duquesas , marquesas, condes, ministrosy generales posaron ante el, deseosos de obtener un retrato de Madrazo, artista esencialmente aristocrático. También cultivó, aunque con menos fortuna, el cuadro de historia.

Pintores costumbristas

La descripción de las costumbre y del folklore español fue uno de los temas predilectos de Romanticismo españos.Fue Goya quien incio esta corriente.

Uno de los más insignes costumbrista españoles y figura capital de nuestro romanticismo fue el madrileño Leonardo Alenza 1807-1845, heredero del inmortal Goya. Excelente retratista, no es un artista cortesano como Madrazo sino un pintor de clases humildes. Destacan sus retratos llenos de hondura espiritual como el prodigioso “autorretrato” del Casón de técnica vaporosa y rostro melancólico. Escasos sus retratos por el contrario son bastantes numerosos sus cuadros y dibujos de la vida popular y barriobajera del Madrid de su tiempo, cuadros queconvierten a Alenza en fiel cronista de las gentes humildes y de las costumbres contemporáneas. Por su originalidad han de destacarse los dos cuadritos de Museo Romántico que forman pareja y satirizan la moda del suicidio romántico. Artista malogrado, Alenza murió joven sin poder desarrollar sus amplias dotes de pintor.

Eugenio Lucas 1817-1870. reconoce a Goya como a su principal maestro, con quien a veces se confunden sus obras. Es el mejor representante del costumbrismo romántico. Toros y majas constituyen el repertorio fundamental de sus cuadros castizos,.Innumerables son sus obras de encierros, capesas,palcos con majos y manolas, romerías, mascaras, aquelarres y dramáticas escenas de bandoleros y ajusticiados. Rico colorista, fue Lucas un pintor de gran inventiva y facilidad técnica y deshecha, llegando a ultilizar en lugar de pincel, la espátula o una caña apuntada para extender los colores.

Francisco Lameyer 1825-1887.Fue el gran ignorado.Pintor por vocación, pues siempre disfrutó de una desahogada posición económica;residió varios meses en Marruecos en donde hizo numerosos dibujos y apuntes, de los que salieron algunos de sus mejores cuadros de escenas marroquíes, cultivando con brillantez esta temática que habia consagrado Delacroix.Soberbio dibujante, posiblemente sea el mejor ilustrador español de su tiempo(ilustraciones para las “escenas Andaluzas) de Estebanez Calderón,para varios clásicos españoles y peridiócos de la época).También viajó a París en donde conoció la pintura de Delacroix con quien coincide ensu interés por los temas orientales que desarrollo en sus escenas marroquíes. Valga cmo ejemplo el magnifico combate de moros” , de brillante colorido y pincelada nerviosa.

El paisaje romántico

Jenaro PérezVillaamil 1807-1854.Es un artista muy fecundo;sus numerosos óleos y acualerelas lo revelan como el mejor paisajista romántico. Su tipo de paisaje se inspira en el que realizó en nuestro país el escocés david Roberts.Villamil deforma la realidad, imaginando en sus paisajes escenarios de grandes montañas, castillos de ensueño, ruinas medievales en donde encaja escenas pintorescas. También pintó interiores de los grandes monumentos góticos españoles como el interior de la Catedral de Toledo”, tratado con gran exquisitez y delicado colorido.

ESCUELA SEVILLANA

Antonio María Esquivel 1806-1857.Se formó en Sevilla aunque desarrolló gran parte de su obra en Madrid. Pintor de vida muy agitada y romántica; en el 1831 se trasladó a la corte, en esta época pinta escenas sevillanas y cuadros religiosos, obras muy sentimentales en las que sigue a Murillo. En 1838 gozando de cierto éxito regresa a Sevilla, pero un año más tarde queda ciego, abandonando con ello el ejercicio de la pintura. Recupera la visión después de un tratamiento médico,reanudando su carrera, siendo nombrado pintor de Cámara y académico de la de San Francisco.

Se distingue como buen retratista, destacando en los retratos colectivos como se comprueba en su obra maestra “zorrilla recitando en el estudio del pintor”, que ilustra admirablemente el ambiente literario de la época. En el taller de Esquivel se ha dado cita 41 poetas románticos españoles, ataviados con la moda típica de entoces. El pintor interrumpe un momento su labor pictórica para prestar atención al recital del joven Zorrilla. Esproceda y el Duque de Rivas, ya difuntos cuando se pintó el cuadro1846 son introducidos en la escena en dos cuadros con sus marcos.

Entre buenos retratos de Esquivel puede citarse el ecuestre el general Prim y su proprio Autorretrato.

Jose Gutierrez de la Vega 1805-1865.su obra ofrece muchos puntos de contacto con Esquivel. Como retratista ha de recordarse su hermoso retrato de la reina Isabel II.

Valeriano Domínguez Bécquer 1834-1870. Hermano mayor del poeta, fue uno de los mejores y más deliciosos interpretes del costumbrismo romático.Abundan en su producción las escenas regionales y folkloricas, donde tipos populares aparecen vestidos con sus trajes típicos. En 1865 el ministro Don Antonio Alcalá Galiano amigo del pintor quiso favorecerle concediéndole una modesta pensión para viajar por toda España pintando cuadros de temas religiosos. Entre estos liezos es el que representa a un conspirador carlista.Fue también une excelentedibujante realizando numerosas ilustraciones para diversas publicaciones madrileñas.

El paisajismo en la pintura española del siglo XIX

El paisaje romántico

El paisaje realista

El paisaje relialista está bien representado en nuestro pais por el Belga Carlo de Haes.En España consigue por oposición la cátedra de paisaje de la Escuela de San Fernando que hasta entonces habia sido ocupada por Villamil.Su labor como paisajista sería altamente fructífera.Frente al paisaje romántico Haes opone un tipo de paisaje naturalista, de gran objetividad;descubre la belleza de los montes y picachos serranos españoles.

En esta misma líena hay citar a sus discípulo ,Martín Rico y Casimiro Sainz, autor de frescos paisajes de la Montaña, de verdes luminosos,celajes y atmósferas húmedas.

Una de las personalidades más interesantes del paisaje decimonónico fue Agustín Riancho(1841-1929,sus cuadros están llenos de sinceridad, son siempre de pequeño tamaño ,advirtiéndose en el recuerdo de Corot y Courbet, insinuándose el impresionismo en algunos de sus paisajes.

El paisajismo catalán del siglo XIX se halla bie representado por el gerundense Joaquín Vayreda (1843-1894) quien vivió y pinto en Francia, donde se dejó influír por el plenairismo de la Escuela de Barbizón. En 1874 regresó a Cataluña, y apartir de entonces pinta verdes y jugosos paisajes del pueblo de Olot, donde se afincó, siendo el iniciador de toda una escuela de paisajista conocida como la escuela de Olot .

El impresionismo español

El impresionismo paso rozando por España

Adolfo Guiard 1860-1916 amigo de Degas, Francisco Oleer 1833-1917),alumno de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Desde 1858 residió en París, donde fue condiscípulo de Manet en el taller de Couture.Tras una breve estancia ensu isla antillana regreso a París trabando amistad con otros pintores franceses, entre ellos Cezanne y Pisarro.José Salis 1863-1926,su pintura luminosa y su técnica rápida puede encuadrarse dentro del impresionismo más ortodoxo.

La gran figura del impresionismo madrileño fue Aurelio de Beruete1845-1912. se formó como paidajista al lado de Carlos Haes;abogado de profesión su verdadera vocación fue la pintura.Espíritu refinado, infatigable viajero, hombre de buena posición economicarehusa vender cuadros.Abandona los paisajes grandiocuentes de Haes y se enfrenta directamete con el paisaje de Toledo, Cuenca y sobre todo Madrid y sus alrededores que serán sus escenarios predilectos. Capta admirablemente la blancura nítida y la luz del cielo madrileño.Con toda razón puede decirse de Beruete que es el gran pintor de Madrid y de su paisaje suburbano.

Dario de Regoyos,si bien entreverado de puntillista y en cierta mediada de naif.Discípulo de Carlo Haes en la Academia de San Fernando, pronto emigró a París y luego a Bruselas, donde formó parte del grupo de vanguardia de artistos llamados “L`Essor(el vuelo).Con varios de sus componentes realizó en 1882 un viaje or España buscando escenarios y tipos pintorescos y dramáticos . Consecuencia de dicho viaje será la publicación en 1899 de un libro titulado “ La España negra”.Le interesa a Regoyos el paisaje sencillo, intimista , casi infantil.Enamorado del Norte Vascongado supo interpretarlo con amor y fidelidad.Le interesan los más dispares escenarios:el campo, la ciudad, la playa, el río, el bosque, paisajes sencillos, optimistas, como el hermoso “ gallinero”.Por su técnica puntillista sus paisajes nos lo muestran muy proximo al divisionimo francés de Seurat y Signac.

La pintura española costumbrista del siglo XIX

Pintores costumbristas

La descripción de las costumbre y del folklore español fue uno de los temas predilectos de Romanticismo españos.Fue Goya quien incio esta corriente.

Eugenio Lucas 1817-1870 reconoce a Goya como a su principal maestro, con quien a veces se confunden sus obras. Es el mejor representante del costumbrismo romántico. Toros y majas constituyen el repertorio fundamental de sus cuadros castizos,.Innumerables son sus obras de encierros, capesas,palcos con majos y manolas, romerías, mascaras, aquelarres y dramáticas escenas de bandoleros y ajusticiados. Rico colorista, fue Lucas un pintor de gran inventiva y facilidad técnica y deshecha, llegando a ultilizar en lugar de pincel, la espátula o una caña apuntada para extender los colores.

PICASSO (1881-1973 Málaga)

1891. La familia se establece en La Coruña. Picasso empieza a pintar.

1895. Nuevo traslado a Barcelona.Ingresa en la Escuela de Bellas Artes (hizo en un solo día el tema de admisión , trabajo pára el que disponia de una mes). Demuestra un gran dominio del dibujo y del color.

1896.Instala en Barcelona su primer taller

1897. Consigue entrar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

1900.Primer viaje a París.Entra en contacto con lo impresionistas y postimpresionistas, adaptando un técnica muy similar a la utilzada por los fauves, inclinándose su temática por las representaciones de cabarets y vida noctura, recordando el mundo de Toulosse Lautrec, también escenas callajeras con sentido crítico;lineas sinuosas y onduladas;colores de tonos agrios.regresa a España y funda “arte joven” revista vanguardista que refleja el modernismo del grupo de “ Els 4 Gats”.

1901 regresa a París donde intenta un camino de Expresionismo social que desemboca en su Periodo Azul, que proseguiría hasta 1904.

1902 regresa a Barcelona realizando los cuadros más importantes de esta etapa.

1904 se establece definitivamente en París. Allí reúne en su casa del “ Bateau Lavoir” a toda la vanguardia parisina.

Toma conciencia de que la pintura debe expresar, no imitar, y de que el color debe ser vehículo fundamental para la expresión.

ÉPOCA AZUL

Color dominante el azul.

Pintura triste, reflejo de su visión pesimista de la vida:atmosfera de tristeza y dolor en un clima desolado.

Figuras estilizadas, delagadas, famélicas, pálidas;representa una humanidad dolorida:mendigos, niños y mujeres abandonados, artistas de circo ambulantes.

Especial tratamiento de las manos. Obras:

La tragedia 1903

La planchadora 1904

Maternidad 1903

Pobres a la orilla del mar 1903.Donde el frío, el hambre y la tristeza parecen atenazar a estos personajes.El color azulado acentúa esta descorazonadora sensación.El asunto del amor angustiado, con parejas que parecen incapaces de aliviar su soledad.

El guitarrista 1903.La temática trista y desgarrada, pero esta típica pintura de su època azul muestra a un figura geometrizada que parece anticiparse a las investigaciones cubistas.La pobreza extrema del personaje y el aire de denuncia social que parece implicar elcuadro, concordarían bien con las ideas anarquistas de Picasso, muy extendidas por los demás en la Barcelona coetánea

ÉPOCA ROSA

Combina el rosa con los tonos azulados.

Pierde fuerza el pesimismo anterior.

Figuras más llenas y modeladas.Obras:

Familia de acróbatas con mono 1905.esta pareja disfritu feliz con el triunfo de su relación:el color rosa de esta etapa anuncia un espiritu más optimista y esperanzado que en el periodo anterior.

Dos desnudos 1906.el color predominante es el rosa, pero el canon corto y el tratamiento de los rostros revelan ya la influencia del arte ibérico y primitivo:es un paso previo a las Señoritas de Avignon.

ÉPOCA NEGRA O PROTOCUBISTA 1907.

Influencia de Cezanne y de la escultura negra.

Se interesa por la representación de las formas en el espacio sin referencias de perspectiva.

Estilo denso y macizo. Obras:

Las señoritas de Avignon.1907.Parece que el tema de la obra surgió com una especie de homenaje a Casagemas, un amigo de Picasso que se había suicidado por amor ahcia unos años:en efecto, algunos bocetos preparatorios nos muestran a un joven, con un calavera en la mano, penetrando en una habitación donde había varias mujeres desnudas. Era un memento mori, una evocación de la muerte en el lugar del placer.Todas las implicaciones moralizantes desaparecierton en la obra final, donde hay solamente cinco mujeres en posturas insinuantes(se suponen que estarían en un prostibulo de la barcelonesa calle de Avinyó).El hipotético actor masculino es ahora el espectador. Como una especie de punto intermedio entre el interior y el exterior, en la parte más baja del cuadro, hay un frutero. Todo está violentamente geometrizado, a base de triángulos, con agudos esquinamientos, y no es fácil determinar en todos los casos los límites entre el fondo y las figuras. Una cierta diferencia de estilo entre las dos mujeres centrales (más clásicas) y las otras tres, a derecha e izquierdda(más violentas), ha hecho pensar en lainfluencia combinada del arte iberico y de las máscaras africanas. Con este trabajo, tan alejado de la tradición occidental, Picasso sentaba la bases de una pintura completamente nueva:el cuadro se regía por leyes que nada tenían ya que ver con las de la perspectiva renacentista.

ÉPOCA CUBISTA 1908-1916

Junto a su amigo Braque imponen los principios del nuevo movimiento.

Evoluciona del cubismo analítico al sintético.

A partir de 1912 introduce los collages. Obras:

La mujer del abanico 1908

Los paisajes de Horta del Ebro 1909

Botella de Pernaud 1912

Naturaleza muerta con silla de rejilla 1912.Elaño 1912 fue bastante decisivo:Marcel Duchamp pasó por una crisis de la cual surgirían los primeros ready-mades, y Pablo Picasso realizó este bodegón que es el pirmer collage de toda la historia del arte.Es un óvalo horizontal, pequño 27x34.9 cms, cuya mitad superior está pintada siguiendo las premisas “analíticas” que seguin entonces Picasso y Braque: los colores son apagados, a base de grises y tonos verdosos, y las líneas del dibujo se encablagan formando intrincadas geometrías.Las cosas parecen representadas desde fuera y desde dentro, como si estuvieran hechas ( o vistas) con un oscuro cristal de roca semi-transparente y fraccionado.

Pero hay una relativa novedad: las letras de “JOU”[rnal]” periodico, no pertenecen al ámbito de la pintura sino al de la tipografía.La introducción en las obras cubistas de textos má o menos enigmáticos, había permitido, hacia muy, que la pintura volviera a recobrar ese diálogo con la literatura que existió en el Renacimiento y el Barroco, y que ya mantenían bien losnuevos medios de masas como el cine yla historieta. Y lo más significativo de todo: el enrejado de caña que ocupa la mitad inferior, honesta pintado. Picasso recortó un trozo de hule impreso con ese dibujo y lo pego sobre e lienzo.También rodeo todo el perímetro con un soga de cáñamo, sustituyendo de este modo paradójico el marco ennoblecedor con el que se venían aureolando las pinturas tradicionales. El cuadro, pues, ya no es tanto una pintura como una construcción.Los encolados de este tipo favorecieron a los grandes planos con tonos uniformes, y así es como la minuciosidad pictórica del cubismo analítico dio pso ala simplicidad del cubismo sintético. De aquí partieron numerosas experiencias vanguardistas, desde la escultura dadaísta a la constructivista.

Hombre con clarinete 1911.Pese a la maraña de los planos anliticos,esta obra tiene una gran claridad estructural.La música como tema acentuaba la dimensión mental del cubismo.Realizado por Picasso a su vuelta de Ceret, en el otoño de 1911 o quizá en el invierno siguiente , es una de su obras cumbres de todo este periodo. Calificado por Pierre Daix com “la obra maestra de la serie”, fue ya reproducido por Apollinaire en 1913 en les peintres cubistes.Entonces perteneceá a Wilhelm Uhde;después sería de Douglas Cooper, otro de los grandes amigos de Picasso y una de las mayores autoridades sobre la pintura cubista. Como ha escrito Daix, mientras que los lienzos con personajes que había pintado en Ceret el año anterior “ tienen dificultades para destacar su armazón de fondos llenos de referencias informativas,éste”se identifica con el armazón abstracto que recorta el espacio del personaje en el continente espacial” , con lo que, por primera vez desde las obras de Cadaqués ,>resucita una continuidad gráfica que asume algunas de las funciones del contorno, pero que sigue siendo discontinua, abierta y por tanto facilita multiples pasos, con lo cual restituye la unidad en el espacio que ella misma parecía negar> . Conviene resaltar tambien la sutileza de las texturas y de la gama cromática- con pequeños toques de color turquesa mezclados con las tonalidades grises y verdes dominantes-que alcanza un grado de refinamiento prácticamente sin igual en otras obras del periodo.

Cabeza de hombre 1913-1914.Pintada seguramente a finales de 1913, esta Cabeza se relaciona con un número relativamente amplio de estudios de figuras realizados por Picasso en Ceret en el verano de ese año y en los meses que siguieron a su vuelta a París. En esos momentos, y como consecuencia esencialmente del empleo del collage, Picasso y Braque estructuraban sus imágenes con unaamplitud y claridad que son características de lo que coocemos cmo fase sintética de cubismo. La imagen aparece definida, de acuerdo con la típica organización central del cubismo, por una serie de planos rectangulares superpuestos en los que se inscriben un conjunto de detalles naturalistas convertidos prácticamente en signos y formas dibujadas esquemáticamente, com los cabells, que vienen a suavizar el geometrismo del conjunto. Las zonas planas conviven con otras en las que se acentua deliberadamente el relieve y otras más en las que la transpcripción de las texturas costituye la preocupación esencial del pintor. Típica también de esta fase de distensión es la introducción de la ironía y un claro sentido del humor. Como se ha hecho notar en varias ocasiones, el atildado bigote, el cabello cuidado y-especialmente-el hecho de que se adorne con un cuello de pieles y lo que parece ser la roseta de la Legión de Honor sugieren que estamos ante un personaje de un relieve social cierto.

Ma jolie 1914.

ÉPOCA DEL CUBISMO NEOCLÁSICO 1917-1924

Representa , bajo un aspecto cubista, formas sugeridas por el arte greco-romano renacentista.

Figuras femeninas de aspecto escultórico y formas monumentales, modeladas de una manera muy clásica. Obras:.

Las bañistas 1918.La estilización realista y laamabilidad decorativa de esta pintura se corresponden bien con el repliegue antivanguardista que siguió en Francia a la Primera Guerra Mundial.

Los tres músicos 1921la técnica del cubismo sintetico reemergía en esta obra, pero su ácido sentido del humor preludia algunas características de la etapa surrealista.

EPOCAS DE LAS METAMORFOSIS 1925-1934

Personajes violentamente deformados, formas retorcidas. Color hueso sobre fondo azul

Guarda una cierta relación con la surrealista, aunque nunca llega a pertenecer totalmente a este movimiento.

Realiza una serie de metamorfosis en las que intenta represtar ciertos sontomas de la nueva socieda:la aparición de los fascismos, el consumismo desatado el totalitarismo comunista.

Las figuras se deforman y la pintura se convierte en signos en metáfora de la realidad. Obra:

Mujer sentada al borde del mar 1930.la figura descarnad parece el resultado de una extraña erosión geológica . También hay aquí vagas alusiones a la mantis femenina, devoradora del objeto de su amor.

Los tres músicos 1925.las figuras están distorsionadas con violencia y algunos órganos evocan otras formas corporales(seno-ojo)La silueta de la derecha es ladel amigo de Picasso, Ramón Pichot, que había muerto recientemente.

Desnudo acostado 1932.las formas suaves y onduladas de este cuadro evocan la relación de serena y feliz sensualidad que Picasso mantuvo con Marie-Thérèse Walter.

TAUROMAQUIAS

En ellas se refleja el dramatismo que subyace en el fondo de la humanidad.

Incorpora el caballo blanco, símbolo de lainocencia y victima indirecta de las tragedias.

PERIODO EXPRESIONISTA 1936-1950

Figuras angulosas y deformadas

Representa el horror que solo queda compensado con la dulzura que emana de los rostros de los niños.

También se interesa por los temas mitológicos , especialmente el minotauro.Obras:

El Guernica 1937.A principios de los años 30 Picasso retomó con fuerza la vieja temática taurina. Pero no se enfrentó alasunto desde la óptica optimista y floklrica demandada normalmente por los entusiastas de la fiesta nacional , sino que enfatizó lo que pervive en ese espect´culo de los rituales sangrientos de la Antigüedad . El toro era unsímbolo de la fuerza instintiva de la naturaleza, no contaminada por las convenciones de la civilización. Picaso convertía también al caballo en una metáfora sexual: su horrible muerte en la plaza, corneado por la fiera, parecía aludir al orgasmo. El amor y la muerte, pues, hermanados en representaciones de una enorme fuerza expresiva.

En estos años Picasso se mantuvo muy proximo a los surrealistas y coincidió con ellos ensu deseo de buscar una nueva moral que afirmase lalegitimidad de losimpulsos básicos del ser humano. En 1936 la política francesa se radicalizó y Picasso tomó partido por el Frente Popular. El alzamiento militar en españa terminó empujando al genio hacia los acontecimientos históricos de este mundo. Indignado cotra el fascismo ejecutó obras militantes como los dos grabados conocidos con el nombre de “Sueño y mentira de Franco”. Sus claras simpatías hacia la Republica se hicieron más patentes cuando acepto pintar una gran obra para el Pabellón de la republica Española en la Exposición Universal de París en 1937.

Picasso eligió como tema el bombardeo de los aviones nazis de la indefensa población vasca de Guernica. Todos los elementos de su iconografría ( toro, caballo, guerrero, pájaro, mujeres y niños) volvían a estar presentes, perooo de un modo nuevo. Lo que había servido para aludir a las fuerzas oscuras del inconsciente, representaba ahora a la libertad aniquilada por la brutalidad del franquismo. En este cuadro se conciliaban al fin la vanguardia artística y la política- social

El osario 1945. Esta evocación del holocausto causado por los nazis fue otro intento de reincidir en la temática del Guernica utizando la misma técnica y colorido.

Mujer que llora

Craneo de buy 1942

Homenaje a Julio Gonzalez

PERIODO ECLÉCTICO 1950-1973

Mezcla todos los estilos dando primacía al cubismo

Realiza recreaciones de cuadros clásicos bajo el punto de vista cubista.

Visión optimista de la vida

Realiza tambien trabajos de cerámica, escultura,grabados.Obras.

Las Meninas 1957En esta versión del célebre cuadro de Velásquez se aprecia la exuberancia decorativa de algunas obras tardías de Picasso

En 1973 muere en Mougind el día 8 de abril.

Es un auténtico símbolo de nuestra época:refleja los miedos, las angustias, supersticiones y mitos del hombre del siglo XX.

Profesó un auténtico y profundo humanismo, comprometiéndose con los problemas de los hombres de su época.

Nunca se sintió vinculado a una estetica determinada: toda su vida actuó con total libertad, permaneciendo en una continua búsqueda de fórmulas nuevas. Participo en todas las tendencias,pero interpretadaspor su gran personalidad.

Esto dificulta la clasificación y sitematización de su obra.

Los pintores españoles en Paris durante el primer PICASSO y juan gris (1881-1973 Málaga)

JUAN GRIS 1887-1927

José Victoriano Gonzalez que llevará más tarde el nombre de Juan Gris,

Nació en Madrid.1887

En su juventud de dedicó a ilustrar revistas como “blanco y negro , Madrid Cómico” e incluso dibujos humorísticos en el semanari barcelonés “papitu”.

En 1904 se inscribe enun curdo de pintura dirigido por Moreno Carbonero,pintor academicista entrando en relación conel modernismo alemás. Se traslada a París en 1906 y se instala en el Bateau-Lavoir junto a Picasso. Conoce en esa época a Kahnweiler que se convierte en su mejor amigo. Continúa con sus colaboraciones humorísticas (Charivari) mientras inicia el camino de la pintura cubista.

Su pintura permanecerá siempre dentro de un realismo intelectual, sin caer en extremos de hermetismos.El tema será reconocible. Su cubismo a partir de 1913 estará presidido por la claridad y pureza. Elige lo esencial de los objetos, caracterizándole una mezcla de serenidad y austeridad.Cultiva con acierto el retrato y utiliza igualmente collages. Es el padre del cubismo sintetico.

A partir de 1920 se separa de sus compañeros y persigue en solitario un ideal cada vez más puro dentro de la estétic cubista.

En su obra se aprecia un gran interés por la luz, aspecto nuevo entre los cubistas, así como una predilección por las diagonales que más tarde darán paso a un proceso de estabilización entre líneas horizontales y verticales concibiendo el cuadro como una cuadricula. Aficionado a los estudios de matemáticas, se puede apreciar un cierto influjo de estós sobre su producción.Cultivó especialmente la naturaleza muerta y en Ceret practico el paisaje concediendo gran interes al colorido.Obras:

“vaso de cerveza con cartas”

“naturaleza muerta ante una ventana:Place Ravignan” 1915.un ejercicio típico del cubismo sintético se halla situado ante un paisaje “ realista”. Dos modos de visión conviven en la misma obra.

Bodegón 1911. es bastante temprano para y por ello su geometrismo y su simplicidad sorprenden aún más. Está dedicado a la derecha “ à mon cher Raynal, Juan Gris”. Maurice Raynal era un critico amigo de los cubistas que en diciembre de 1913 publicó en Comoedia Illustré un ensayo titulado Qu `est-ce que le cubisme? Y posteriormente daría a la luz otros trabajos sobre Léger, Picasso , Gris y Braque. Gris lo retrató en 1911. En su conferencia Quelques intentions du cubisme publicada en 1919, Raynal decía que Gris analizaba en primer lugar los objetos y después “mediante un trabajo sintético que realiza con la ayuda de todos estos medios pictóricos, constituye a partir de estos elementos, un conjunto nuevo”.

El fumador 1913. En el fumador el armazón lineal se ha visto simplificado por la influencia de las experiencia con papeles pintados, con los que gris había comenzado a experimentar en 1912 por influjo de pIcasso y que en liezos como éste le llevaron a estructurar la composición mediante grande bandas longitudinales que recordaban la utilización del tiras de papier collé..Ello iría unido a una recuperación del color, que alcanzaría ahora una luminosidad y un punto de saturación muy superiores a los de las obras de sus amigos cubistas.Una mirada atenta permite reconstituir la figura del fumador y observar la serie de visiones parciales que casi a modo de rompecabeza ha reunido el pintor. NO obstante, quizá convega recordar que ya Kahnweiler advirtió qu en cuadros como éste el análisis habia sido llevado tan lejos que la multitud de aspectos representadosno se volvía a uir más que difícilmente en la percepción del espectador, incluso en la del experto

Botella y frutero 1919.al estudiar la obra de Gris entre 1916 y 1919, Kahnnweiler la agrupó bajo el epígrafe< “Arquitectura”,” “La arquitectra plana y coloreada” en que quiere convertir la pintura>, decía el marchante, “ se presenta cerrada y soberbia”. Todo se encamina a la superficie plana.Los objetos que se inscriben son emblemas inventados, verdaderos “conceptos”. Se abandona la descripción múltiple de los objetos. Hay menos disociación del dibujo y del color. Son los mismos emblemas los que se escalonan en la arquitectura y se puede decir queestán sometidos a la estructura. Ella los deforma y los decolora”.Ya en marzo de 1915 el pintor le comentó a su marchante que creía haber hecho grandes progresos( mis telas, le escribía, tienen ahora la unidad de que anters carecían. Ya no son simplemente esos inventarios de objetos que me deprimían tanto).Y a partir de entonces sus obras, aparentemente más simples, cobraron unaspecto más conceptual..Los objetos se hicieron más abstractos, pareciendo responder más bien a la transcripción de ideas que de cosas concretas, el juego de los planos ganó en sutileza espacial y al tiempo el colorido- siempre refinado en él-pareció apaciguarse.Nadie podría explicar la naturaleza de sus búsquedas mejor de cómo lo hizo éll en su Declaración personal de 1921. “ yo trabajo con los elementos del espiritu , con la imaginación. Trato de concretar lo que es abstracto , voy de lo general a lo particular, lo cual quiere decir que parto de una abstracción para llegar a un hecho real.Mi arte es un arte de síntesis, un arte deductivo, como dice Raynal.

“Quiero llegar a una calificación nueva, quiero llegar a crear individuos especiales partiendo del tipo general.

“considero que el ado arquitectónico de la pintura es lamatemática, el lado abstracto; quiero humanizarlo:Cezanne hace un cilindro deuna botella: yo parte del cilindro para crear un individuo de untipo especial, de un cilindro yo hago una botella, una determinada botella. Cezanne vahacia la arquitectura , yo parto de ella, por eso compongo cn abstracciones (colores) y decido cuándo estos colores se hacen objetos [...]. Esta pintura es a la otra lo que la poesía a la prosa.”.

La aportación española al surrealismo

Surrealismo.automatismo psíquico puro a través del cual se pretende expresar verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Dictodo delpesnasmiento, sin laintervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral.El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta ahora, en la omnipotencia de los sueños y en eljuego desinteresado del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los demás mecanismos psíquico y a sutituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida(André Bretón:Manifiesto del Surrealiasmo, París,1924)

SALVADOR DALÍ 1904-1989.surrealismo figurativo

Hijo de un notario, Dali Doménech nación en Figueras el 11 e marzo de1904. En 1921, con 17 años, ingresó en la Escuela de la Academis de Bellas Artes de San Fernando. Sería expulsado de ella por un año en 1923 y definativamente en 1926.Entretanto, y viviendo en la Residencia de Estudiantes de Madrid, se relacionó con Lorca, Buñuel, Alberti, Moreno Villa y otros jóvenes artistas.En 1925 participó en la Exposición de Artistas Ibéricos en Madrid y celebró su primera exposición individual enla Galería dalmau de Barcelona. Al año siguiente, y tras ser expulsado de la Escuela de Bellas artes, viajó por primra vez a París y conoció a Picasso. En 1927 relizaría “La sangre es más dulce que la miel, considerada su primera obra surrealista, y en 1928 publicó con L.Montanyà y S. Gasch el Manifest groc. Tras volver a París a finales del ese año, colaboró con Buñuel en el guión de Un perro Andaluz y tras conocer a Breton a través de Miro entró a formar parte del grupo surrealista.En los años siguientes-la fase central de su carrera- colaboró conBuñuel en la película La edad del oro, publico escritos en diversas publicaciones surrealistas e ilustró obras de escritores de libros y dibujos y diseños de modas. Además publicó en 1942 The secret Life of Salvador Dalí. Tras volver a España en 1948 se instaló en Port-Lligat, cerca de Cadaqués, e inició con La Madonna de Port- Lligat su serie de pinturas religiosas. En 1974 inauguró en Figueras el Teatro-Museo Dalí, en elque había comenzado a trabajar en 1970. Varios años después en 1982, se inaugurararía en Saint Petersburg (Florida) el Museo Dalí con obras donadas por A. Reynols Morse. Miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979 y hecho marqués de Púbol en 1982, murió en Figueras el 23 de enero de 1989.

Excelente dibujante;técnica muy minuciosa, muy elaborada ,descriptiva y con gran dominio de la perspectiva;reaismo casi fotografico.
Considera que para comunicar las visiones oníricas al espectador , y que resulten inteligibles, hay que manifestarlas con la máxima cantidad de medios pictóricos y tanexplicitamente como sea posible.
Asocia distinton elementos en el cuadro de un modo insólito:resultan escenas extrañas y alucinantes.
Es un mundo de fantasía, onírico, con marcada inclinación a lo sexual y erótico
En algunas obras la distorsión y el alargamiento de la figuras alcanzan efectosde gran dramatismo.
Dice que su actividad es paranoico-crítica:para algunos críticos es una actitud simplemente publicitaria
Colorido brillante y luminoso.
Su mejor etapa surrealista es la que se extiende hasta 1936; a partir de este año comercializa su pintura.Obras:

Pierrot y guitarra 1924. es uno de los ensayos que realizó por entonces valiéndose del lenguaje cubista y, al menos en cuanto al tema, no es Gris sino Picasso quien está detrás del él.La estructura centralizada y la articulación a base de amplios planos rectangulares entre los que emergen claramente identificables la caja la guitarra y, arriba, el bigotudo arlequín( una figura humorística de claras resonancias picasianas),muestran una profunda deuda con los métodos del cubismo sintético. Tmbién el empleo del collage:dos trozos de cartón sobre los que dalí añadió, sujetándolos con cuerdas elásticas, dos platillos y tres cucharillas.Hoy falta una de ellas.

Gravida encuentra las ruinas de Antropomorfos.1931., fue la primera obra de Dalí centrada en la figura de la heroína de la novela Gravida de Wilhem Jensen. En su relato, en el que mezclaba realidad , sueño y fantasía,Jensen contó la historia de un arqueólogo que tras comprar un vaciado de una escultura clásic que habia visto en Roma y que era llamada Gravida, soñaba encontrarse en Pompeya en el momento inmeiato a la erupción, contemplaba , aún viva, A Gravida avanzando hacia el templo de Júpiter.Al sentarse para descansar, ésta era exactamente igual al de la escultura.La fascinación de los surrealistas por este personaje procedía de sus lecturas de Freud, que en 1907 analizó la novela de Jensen poniéndola enrelación con sus teorías psicoanaliticas.En 1938 André Bretón abrió una galería de arte a la que dio el nombre de la heroína de Jensen.Y todavía en 1971 dali recordo que él llamaba a Gala Gravida “porque ha sido la que avanza”.En su cuadro Dalí ha situado la escena en un espacio infinito y misterioso. En primer plano la mujer viva-un desnudo velado-abraza la estatua horadada que, sorprendentemente, exhibe una rubia cabellera y tiene sobre su hombro izquierdo un tintero(¿Una alusión a la novela?)Tras ellas,las sombras se disuelven dejando ver,en la llanura desierta, ruinas y otras dos pequeñas figuras cálidas.

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar.1944.El propio Dalí escribió a propósito de este cuadro, pintado en 1944 mientras estaba entablecido en Nueva York: “ poner en imágenes por vez primera el descubrimiento de Freud del sueño típico de la larga fantasía argumental, consecuencia de la instantaneidad de un accidente que provoca el despertar y un largo sueño qu elelleva hasta la guillotina, el ruido de la abeja provoca aquí el picotazo del dardo que desperterá a Gala. Toda la biología creativa surge de la granada explosianada. Situado al fondo, el elefante de Bernini lleva un obelisco con los atributos papales”.Lieberman ha recordado que la abeja es un símbolo tradicional de la Virgen y que la granada es asimismo un símbolo cristiano de la fertilidad. Aquí, la granada sobre el suelo una sombra en forma de corazón. Gala flota dormida abandonadamente y el picotazo de la abeja se transforma, en su sueño, en el estallido de la granada, del que surgen, amenazantes, el pez, los tigres y la bayoneta.El obvio contenido erótico de la imagen se ve forzado por la aparición, al fondo, del elefante de Bernini, utilizado por el artista en otras obras de ese periodo y especialmente en “Las tentaciones de San Antonio”.

“ el gran masturbador” 1929.Durante el verano de 1929 dalí recibió en Cadaqués la visita de algunos ilustres representantes del movimiento surrealista.Entre ellos estaba Gala, que acompañaba a su marido de entonces, el poeta Paul Éluard. Aquella mujer despertó una intensa y súbita pasión en el joven pintor, a la cual correspondió ella tomándolo bajo su “ protección” y facilitando su introducción en el núcleo parisino del surrealismo. Gala habría de ser para Dalí su gran amor, pero también una eficaz secretaria y asesor, tanto en los grandes dilemas intelectuales y moraled del momento, como en las minucias prácticas de la vida.Tras un breve idilio, ella regresó a París dejando solo a dalí, hasta que volvieron a reunirse en el otoño de aquel mismo año. Durante este intervalo de tiempo pintó este cuadro. Dalí se representó a sí mismo como un ser blando, casi amebiforme, con los ojos cerrados y una prominente nariz reposando sobre el suelo. Un anzuelo con el sedal roto engancha su cuero cabelludo. ¿Alude a la captura abandonada momentáneamente por su “pescadora”? Los paseos por la playa de ambos amantes sonrecordados mediant los cantos rodados y conchas marinas que se encuentran sobre la cabeza del artista. Hay otros símbolos de fácil desciframiento en la iconografía daliniana, cmo el león (las pasiones), o el saltamontes con hormigas en el vientre que alude a la detumescencia implícita en la temática de la obra.Más obvio es el significado de ese rostro femenino muy art nouveau, acercándose a un ente masculino fragmentario que emerge en la parte superior derecha del cuadro. Aquí está ya plenamente desarrollada la poética daliniana de lo duro del entorno (arquitecturas o paisaje natural) frente a lo blando y delicuescente de las figuras, cuyo proceso de transformación (y confusión) conecta con las premisas del “ metódo paranoico- crítico” sobre el cual teorizará el artista muy poco después.

El juego lúgubre .1929 Tecnica de miniaturista se ofrece aquí un catálogo sistemático de símbolos eríticos incoscientes.

La persistencia de la memoria 1931.Relojes blandos sobre la cabeza detumescente del artista como “Gran masturbador”. Todo ello en un marco paisajistico y arquitectónico de gran dureza mineral.

La miel es más dulce que la sangre.1927.Los aparatos de origen dadaísta y el tema del burro podrido conviven en esta puntura protosurrealista del joven Dalí.

El enigma sin fin 1938. Hasta seis imágenes diferentes aisló en esta pintura el propio dalí.El rostro central podría ser García Lorca.

JOAN MIRÓ

Hijo de un joyero,Miró nación en Barcelona el 20 de abril de 1893. En 1907 ingresó en la Escuela de Comercio y al tiempo comenzó a asistir a las clases de la Escuela de la Lonja,dependiente de la Academia de Bellas Artes de Barcelona.Entre 1912 y 1915 completó su formación pictórica en Barcelona en la Escola D´Art de Francesc Galí, donde conocería a Ricart y Artigas.En 1918 celebró su primera exposición individual en las Galerías Dalmau de Barcelona.En 1919 hizo su primer viaje a París, donde a partir de 1921 se relacionó con Masson y los poetas y pintores del futuro grupo surrealista.Integrado plenamente en el grupo desde 1924, celebro en 1925 en la Galerie Pierre una exposición individual que constituyó uno de los primeros acontecimientos importantes de la actividad plástica del grupo y poco después, en ese mismo año, participó en la primera exposición surrealista realizada asimismo en la Galerie Pierre.En los años treinta su evolución le afirmó como uno de los principales exponentes de la pintura surrealista pero, de forma característica en él, se mantuvo al margen de las querellas y divisiones del grupo. En 1937 participó con El segador (el payés catalán en rebeldía) en la decoración del Pabellón de la Republica Española en la Exposición Internacional de París. Aunque identificado con la causa republicana, tras el inicio de la Guerra Mundial volvió a España en 1940.Aquí, y viviendo en Montroig, Palma de Mallorca y Barcelona , llevó una vida retirada durante toda la dictadura franquista.Entretanto, las exposiciones que le organizó Pierre Matisse en Nueva York le granjearon una extraordinaria reputación en los Estados Unidos.Interesado cada vez más por nuevos medios de expresión, a partir de los años cuarenta realizó junto a pinturas, escultura, grabados y cerámicas, una serie importante de decoraciones murales ( en el Terrace Hilton Hotel de Cincinnati, en 1947;Harvard University Graduate School,1950-1951;edificio de la UNESCO en París, 1955-58;aeropuerto de Barcelona,1970;edificio IBM en Barcelona, 1976;Palacio de Congresos de Madrid, 1980), muchos de ellos de cerámica en colaboración con Artigas, así como algunas vidrieras y tapices. En 1956 se trasladó a Mallorca definitivamente, a su casa de Son Abrines, donde José Luis Sert construyó para él un espléndido taller. En 1975 se inauguró en Barcelona la Fundaciónm Joan Miró en el edificio proyectado por José Luis Sert en Montjuich. Murio en Palma el 25 de diciembre de 1983

Mesa con guante 1921.Esta especie de cubismo decorativo, heredero de Juan Gris, no disimula la incongruencia “Presurrealista”de los objetos agrupados sobre la mesa.

El carnaval de Arlequín 1924-25.Pintado en mismo anño en que apareció el Primer manifiesto del surrealismo, este cuadro es uno de los primeros adscribilbles conscientemente al movimiento capitaneado por André Breton.Aquí están ya presentes, desde luego, asuntos clves del surrealismo, como el automatismo poético la ingravidez espacial y las imágenes múltiples.Veamos cómo explicó su génesis y significado el propio Miró,muchos años después:”Intente plasmar las alucinaciones que me producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños sino que el hambre me provocaba una especie de trance parecido al que experimentan los orientales.Entonces realizaba diujos preparatorios del plan general de la obra, para saer en qué sitio debía colocar cada cosa. Después de haber meditado mucho lo que me proponía hacer comencé a pintar y sobre la marcha introducía todos los cambios que creía convenientes. Reconozco que el Bosco me interesaba mucho, pero yo no pensaba en él cuando trabajaba en el Carnaval. En la tela aparecen ya elementos que se repetirán después en otras obras:la escalera que es la de la hiuda y evasión, pero también la de la elevación, los animales y sobre todo los insectos, que siempre me han interesado mucho.L a esfera oscura que aparece a la derecha es una representación del globo terráqueo , pues entonces me obsesionaba ya una idea: ¡Tengo que conquistar el mundo!;el gato, que lo tenía siempre juntoa mí cuando pintaba. El triangulo negro que aparece en la ventana representa la torreEiffel.Trataba de profundizar el lado mágico de las cosas”. Es muy perceptible aquí el contraste entre la apariencia ortogonal (euclidiana) de la habitación y la indeterminación filiforme de los seres que pueblan ese espacio. Se diría que el delirio necesita para expresar la apoyatura de la razón.

El campesino catalán de la guitarra 1924 unos de los primeros cuadros en los que los elementos flotan sobre un campo de color uniforme, la figura humana ha quedado y areducida a su ideograma. El tronco es sólo una línea vertical , la piernas y pies una secuencia de rectas en ángulo y los brazos un segmento de círculo en cuyos extremos se disponen la pipa de arcilla (enorme y de apariencia casi “ realista con la llama saliendo de ella) y la guitarra (dos formas arriñonadas y un triángulo unidos por una línea recta). Una gran barretina-el típico gorro catalán de paño rojo-ocupa el lugar de la cabeza y abajo, en el tronco, encontramos una forma de corazón invertido. El antecedente de este campesino es el cazador del Paisaje Catalán comenzado el año anterior en Montroig, que ya exhibía la barretina y la pipa como atributos y cuyo cuerpo esta construido de una manera muy similar; el consecuente más claro, la última de la cuatro versiones de Cabeza de Campesino catalán del año siguente.La importancia que adquieren aquí las formas arriñonadas trae el recuerdo la tan debatida posible influencia de Arp sobre Miró (fue precisamente en 1924 cuando ambos se conocieron en Paris), pero más allá de influjos o sugestiones ajenas conviene resaltar que éste es uno de los primeros cuadros en los que el léxico mironiano se afirma en su madurez.La combinación de líneas ideogramáticas y elementos “ realistas”- de formas sin peso y otras volumétricas-,la sugestión de un espacio abierto imaginario y, sobre todo, la simplicidad del arreglo cromático y su espléndido equilibrio hacen de él una obra maestra.

Pintura sobre fondo blanco 1927.En los inviernos de 1925-27 Miró realizó en París más de un centenar de pinturas sobre fondo monocromo (azul,blanco,gris, ocre). En ellas, la línea-simple, cursiva, desprovista de peso- aparece casi totalmente despojada de us antiguo papel descriptivo para convertirse en mero signo, en vehículo de un impulso vital o en simple expresión de energía.La fechas en que fueron realizados estos lienzos y el aroma de urgencia ymisterio que desprenden han llevado a ponerlos en relación con el núcleo central de las teorías surrealistas.Dupin, que creía que habían sido realizados bajo el dictado de los sueños o de impulsos espontáneos, los calificó de “oníricos” mientras que Rubin vio en ellos una muestra de pintura automática. A esta interpretaciones contribuiria el propio pintor , quien dijo que en 1925 dibujaba ya casi siempre a partir de ensueños y alucinaciones, afirmando que la fuente de éstas era el hambre que se vio obligado a sufrir. Sin embargo, hoy sabemos que casi todas estas obras fueron fruto de una elaboración más bien paciente a partir de dibujos preparatorios.Pintura sobre fondo blanco, fechada en 1927, sigue de un modo casi literal el dibujo preparatorio, conservado en la Fundación Joan Miró de Barcelona y como otras muchas obras del periodo es posible que encierre cierta simbología sexual. Sim embargo, debe adevertirse que pretender “leer” estas pinturas atribuyéndole a cada signo un valor representativo sería tan equivoco como hacerlo en términos pura y exclusivamente plásticos. Miró , que dijo que no hay nada abstracto en mi pintura y cada una de las formas, cada color en mis cuadros, deriva deun trozo de la realidad, afirmó asimismo que en esa época -como en todas- el aspecto plástico predominaba sobre el simbolico.

Mujer 1934.este ser extraño, con cabeza esqueletizada de anilmal y un sexoútero gigantesco, encarna los temores y anhelos surrealistas frente a la mujer.

El pájaro relámpago cegado por el fuego de la luna.1955 pintado al óleo cartón en 1955, es una muestra magnificadle estilo que a veces se ha denominado “clásico de Mir´y que el pintor puso ya a punto con la serie de Las Constelaciones de 1940-1941.Formas lineales y manchas planas de color se disponen sore un fondo claro y finamente modulado de aspecto granuloso que crea un espacio indeterminado sobre el que aquéllas parecen flotar.Todos los elementos quedan fuertemente trabados entre sí, bien a través de la retícula lineal bien a través de las correspondencias cromáticas. Los colores, aplicados sin modulacioes y siguiendo contornos precisos, quedan reducidos a los primarios y los secundarios(excepto el violeta,rara vez usado) y en algunas zonas se yuxtaponen unos a otros dando lugar a una especie de ajedrezado. Generalmente las manchas de color quedan circunscritas a las líneas y su naturaleza plana y opaca es, como se ha dicho tantas veces, la que parece exigir el fondo nebuloso y lleno de luminosidad sobre el que aparecen como si estuvieran extendidas paralelas al plano de la tela.En este tipo de Obras Miró alcanzó sus más altas cotas de musicalidad y de lirismo.Incluso los títlos constituyen con frecuencia hallazgos poéticos dotados de un alto poder de sugestión. No siempre descriptivos y concebidos a veces con posterioridad a la realización de la obra, su papel es el de abrir el vuelo a la imaginación definiendo una realidad poética( “Encuentro mis títulos”, dijo el autor, “a medida que trabajo”, de acuerdo con la manera en que voy poniendo las cosas sobre la tela. Cuando he encontrado el título , vivo en su atmosfera. El título se convierte entonces para mí en la realidad total, como el modelo, una mujer (tantas veces asociada al pájaro). El núcleo central de la iconografía mironiana de esos años. Con su prodigiosa inventiva, el artista imaginó no sólo pájaros-relámpago sino tambien pájaros-cohete, pájaros flecha, pájaros lunares y otras aves tan maravillosas como improbables.

Mesa con guante 1921.Esta especie de cubismo decorativo, heredero de Juan Gris, no disimula la incongruencia “Presurrealista”de los objetos agrupados sobre la mesa.

Las vanguardias artísticas en España

Uno de los centros artísticos más importantes en España es el País Vasco.Sus artistas valoran su paisaje y las costumbres de su tierra natal
Aurelio Arteta 1879-1940. En 1911 funda la Asociación de Artistas Vascos.

Frescos del Banco de Bilbao en Madrid 1922-1923 y los motivos populares son frecuentes en sus obras( Campesinos Vascos).Arte con una técnica muy facetada y un modelado escultórico reflejan su natural bondad y su espíritu apacible.

Hermanos Valentín 1879-1963 y Ram´n Zubiaurre 1882-1969 madrileño el primero y vasco el segundo, han dejadp las imágenes más auténticas de la vida popular vascongada (escenas marinas, romerías,etc)Valentín se sintió siempre atraido por la meseta central como lo demuestran sus tipos segovianos.
Juan Echevarría 1872-1931.Trató el paisaje vasco con especial delicadeza.

Retratos de la Generación del 98 (Valle Inclán, Unamuno) resueltos con un delicado colorido y profunda penetración sicológica son lo más representativo de su obra.
Floreros y bodegones,colocados en interiores, reflejan al mismo tiempo que su categoría intelectual llena de armonía y equilibrio, un rico colorido fauve.

Ignacio Zuloaga (Eibar.1870-Madrid ,1945)

en 1890 marcha a París y allí entrará en contacto conel Post-impresionismo, entablando gran amistad con los catalanes Casa y Rusiñol.Al conocimiento de la pintura moderna francesa unirá la atracción hacia nuestros pintores barrocos, especialmente Velázquez.También el Greco y Goya le interesaron muy particularment.Regreso a España , se instala en Sevill donde pinta numerosos cuadros de toreros, arte en el que también probo fortura el pintor.En 1898, gracias a tío el Ceramista Danial, Zuloaga descubre la vieja Castilla,dedicándose a pintar en numerosas ocasiones los paisajes y tipos populares de la tierra castellana, singularmente de Segovia

Se dice que Zuloaga perteneción a la generación del 98 y sus obras no

En es España de los monstruos enanos como “Gregorio el Botero” de la de pueblo o de la espeluznantes imágenes devotas como “El cristo de la Sangre.Una de sus obras más famosas de tema taurino donde se refleja la tragedia del espectáculo es la

La victima de la fiesta”.los protagonistas de us cuadros son seres derrotados de una España , punzante y sin esperanza

Zuloaga destacó también como buen retratista, especialmente de hermosos modelos femeninos:

La duquesa de Noailles”

Desde su estudio de Zumaya, conoce la fama y el reconocimiento más alla de nuestras fronteras, y llega a exponer en Madrid, trabajan algunos de los pintores más representativos de la primera mitad del siglo.

José Gutiérrez Solana 1886-1945

Su afición por el dibujo le hizo ingresar en 1900 en la Escuela de Bellas Artes de SanFernando de Henares, interesándose muy particularmente por la anatomía .Incansable viajero e impenitente curioso recorre la geografía madrileña obteniendo una visión tétrica ,amarga y morbosa de la España que le tocó vivir.El mundo de los bajos fondos, la exhibiviones chabacabas, las escenas de hospital e incluso de cementerio, le ponen en contacto con la esencia de lo popular, donde las evocaciones goyescas no dejan de estar presentes :

El entierro de la sardina
Los disciplinantes

Pretende ser cantante y también torero, pero su verdadera vocación era la de narrador a pluma o pincel de la vida misma. En 1912 publica “Madrid ,escenas y costumbres” convirtiéndose en el cronista de la España Negra, denunciando con sus tétricas visiones las parte más desagradable de la existencia.
Los temas más frecuentes en su obra son :El Carnaval y sus márcaras, y las corridas de toros, cuadros en definitiva de costrumbres,tratados con una inmediatez yhasta brutalidad muy características:

La tertulia del café Pombo.una de su obras más famosas.
Retrato a Unamuno, el pintor parece identificarse conel dolorido mundo del escritor.

Daniel Vazquez Díaz 1882-1969

Estudió comercio en Sevilla, en donde entra en contacto con la obra de Zurbarán y se aficiona a la pintura.
En 1906 marcha a París y presencia la génesis del movimiento Cubista y aprovecha las experienciad del cubismo para aplicarlas a su pintura que siempre fue figurativa.
En 1915 regresa a España y se establece en el País Vasco, región que ha inspirado numerosos temas (pescadores, El bidasoa, Hendaya).
Instalado en Madrid, pinta

Los frescos del monasterio de Santa María de la Rábida (huelva) en 1929, dedicados a narrar el escubrimiento de America

Gran retratista por su estudio desfilan intelectuales (Unamuno, Ruben Darío vestido de cartujo) o artistas (María Guerrero, Zuloaga, Antoni Bienvenida).
Su colorido,de gran sobriedad, le acerca a la tradición castiza española.

Andalucia

En Cordoba trabaja Julio Romero de Torres 1880-1930,que une en su lienzos realismo con una fuerte carga de simbolismo poético.Celebre por sus cuadros sensuales y agitadas mujeres andaluzas, que han despertado tantos desmedidos elogios como en ocasiones un injusto desdén.Algunas se conservan en el museo dedicado al pintor en Cordoba

Retablo del Amor
El poema de Cordoba

Rafael Zabaleta 1907-1960

Nació en Quesada (Jaén)
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Madrid y frecuentó los ambientes literarios: Gómez de la Serna, Lorca, etc.
En 1934 hace un viaje a París
Pasada la guerra civil se dedica pintar visiones del pueblo natal, Quesada: la plaza mayor, los tipos de la calle, la sierra proxima, sin deseo de regionalizar ni dramatizar lo representado. Su obra inundada de luz y color refleja la soledad de los hombres y del paisaje, inmersa siempre en un profundo humanismo emenado de us aguda capacidad para la contemplación. Notas surrealistas (Sueños de Quesada) junto con el interés por el cubismo sintético son rasgos que se aprecian en muchas de sus obras, pero será un fuerte realismo lo que mejor le caracteriza (campesinos y paisaje del sur)

Cataluña

Ramón Casas 1886-1932.

Síntesis del impresionismo con el modernismo catalán.
Participo activamente de la bohemia y de la vida cultural barcelonesa.
Es conocido por sus escenas parisinas del ambiente de Ontmartre que recuerdan a Toulouse-Lautrec, en especial el cuadro:

Al aire libre.

Ha dejado una formidable colección de retratos al carbón de los escultores y personajes más celebres de su época, de gran interés iconografico (Baroja, Unamuno, Benavente, E. D ´Ors y Picasso Joven).

Santiago Rusiñol 1861-1931

Nació en Barcelona
Asistió a los cursos de Bellas Artes de la lOnja y fue discípulo del Pintor Tomás Moragas.
Tras una primera etapa modernista, paso a pintar reiteradamente los más bellos jardines de España.

Isidro Nonell 1873-1911

En 1897-99 viaja a París y expone en la galería Volard. Su colorido suntuoso y su pincelada pastosa se ponen al servicio de una reducida temática y muy característica del pintor, repitiendo los mismos asustos sin apenas variaciones: hieráticas y aisladas figuras femeninas, especialmente gitanas de los suburbios de la ciudad y pobres y sobrios bodegons. A pesar deus corta vida fue uno de los más geniales pintores catalanes .

Hermenegildo Anglada Camarasa 1872-1959

De los más sugestivos pintores contemporáneos y a la vez el más deslumbrante colorista español.
Originalidad y modernidad tales que hacen inevitable su comparación con los pintores fauves franceses.
Su color rutilante yfantastico, su sentido ornamental, su alegría y optimismo vital, le convierten enuno de nuestros pintores más admirados. Entre sus obras mas celebres

Campesinos de Gandía
Desnudo bajo la parra
Muchachas de Burriana

Jose María Sert 1874-1945

Gran decorador naturalista que se complace en las formas colosales y miguelangelescas, proyectándolas en amplios escenarios que evocan los del veneciano Tiépolo.
Técnica espontánea y vaporosa y su colorido monocromo, ocre- terroso aplicado sobre fondos de oro, dando un carácter arcaizante.
Sobresalió en las grandes decoraciones religiosas (catedral de Vich, iglesia de SanTelmo de San Sebastián).
También pintó composiciones para edificios civiles como

la “Exaltación del Trabajo”(Sociedad de Naciones de Ginebra )

La pintura española durante el régimen de Franco 1936-1975

Juan Echevarría 1872-1931.Trató el paisaje vasco con especial delicadeza.

Retratos de la Generación del 98 (Valle Inclán, Unamuno) resueltos con un delicado colorido y profunda penetración sicológica son lo más representativo de su obra.
Floreros y bodegones,colocados en interiores, reflejan al mismo tiempo que su categoría intelectual llena de armonía y equilibrio, un rico colorido fauve.

Ignacio Zuloaga (Eibar.1870-Madrid ,1945)

en 1890 marcha a París y allí entrará en contacto conel Post-impresionismo, entablando gran amistad con los catalanes Casa y Rusiñol.Al conocimiento de la pintura moderna francesa unirá la atracción hacia nuestros pintores barrocos, especialmente Velázquez.También el Greco y Goya le interesaron muy particularment.Regreso a España , se instala en Sevill donde pinta numerosos cuadros de toreros, arte en el que también probo fortura el pintor.En 1898, gracias a tío el Ceramista Danial, Zuloaga descubre la vieja Castilla,dedicándose a pintar en numerosas ocasiones los paisajes y tipos populares de la tierra castellana, singularmente de Segovia

Se dice que Zuloaga perteneción a la generación del 98 y sus obras no

La victima de la fiesta”.los protagonistas de us cuadros son seres derrotados de una España , punzante y sin esperanza

Zuloaga destacó también como buen retratista, especialmente de hermosos modelos femeninos:

La duquesa de Noailles”

Desde su estudio de Zumaya, conoce la fama y el reconocimiento más alla de nuestras fronteras, y llega a exponer en Madrid, trabajan algunos de los pintores más representativos de la primera mitad del siglo.

José Gutiérrez Solana 1886-1945

Su afición por el dibujo le hizo ingresar en 1900 en la Escuela de Bellas Artes de SanFernando de Henares, interesándose muy particularmente por la anatomía .Incansable viajero e impenitente curioso recorre la geografía madrileña obteniendo una visión tétrica ,amarga y morbosa de la España que le tocó vivir.El mundo de los bajos fondos, la exhibiviones chabacabas, las escenas de hospital e incluso de cementerio, le ponen en contacto con la esencia de lo popular, donde las evocaciones goyescas no dejan de estar presentes :

El entierro de la sardina
Los disciplinantes

Pretende ser cantante y también torero, pero su verdadera vocación era la de narrador a pluma o pincel de la vida misma. En 1912 publica “Madrid ,escenas y costumbres” convirtiéndose en el cronista de la España Negra, denunciando con sus tétricas visiones las parte más desagradable de la existencia.
Los temas más frecuentes en su obra son :El Carnaval y sus márcaras, y las corridas de toros, cuadros en definitiva de costrumbres,tratados con una inmediatez yhasta brutalidad muy características:

La tertulia del café Pombo.una de su obras más famosas.
Retrato a Unamuno, el pintor parece identificarse conel dolorido mundo del escritor.

Daniel Vazquez Díaz 1882-1969

Estudió comercio en Sevilla, en donde entra en contacto con la obra de Zurbarán y se aficiona a la pintura.
En 1906 marcha a París y presencia la génesis del movimiento Cubista y aprovecha las experienciad del cubismo para aplicarlas a su pintura que siempre fue figurativa.
En 1915 regresa a España y se establece en el País Vasco, región que ha inspirado numerosos temas (pescadores, El bidasoa, Hendaya).
Instalado en Madrid, pinta

Los frescos del monasterio de Santa María de la Rábida (huelva) en 1929, dedicados a narrar el escubrimiento de America

Gran retratista por su estudio desfilan intelectuales (Unamuno, Ruben Darío vestido de cartujo) o artistas (María Guerrero, Zuloaga, Antoni Bienvenida).
Su colorido,de gran sobriedad, le acerca a la tradición castiza española.

Rafael Zabaleta 1907-1960

Nació en Quesada (Jaén)
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Madrid y frecuentó los ambientes literarios: Gómez de la Serna, Lorca, etc.
En 1934 hace un viaje a París
Pasada la guerra civil se dedica pintar visiones del pueblo natal, Quesada: la plaza mayor, los tipos de la calle, la sierra proxima, sin deseo de regionalizar ni dramatizar lo representado. Su obra inundada de luz y color refleja la soledad de los hombres y del paisaje, inmersa siempre en un profundo humanismo emenado de us aguda capacidad para la contemplación. Notas surrealistas (Sueños de Quesada) junto con el interés por el cubismo sintético son rasgos que se aprecian en muchas de sus obras, pero será un fuerte realismo lo que mejor le caracteriza (campesinos y paisaje del sur)

Cataluña

Hermenegildo Anglada Camarasa 1872-1959

De los más sugestivos pintores contemporáneos y a la vez el más deslumbrante colorista español.

Originalidad y modernidad tales que hacen inevitable su comparación con los pintores fauves franceses

Su color rutilante yfantastico, su sentido ornamental, su alegría y optimismo vital, le convierten enuno de nuestros pintores más admirados. Entre sus obras mas celebres

Campesinos de Gandía
Desnudo bajo la parra
Muchachas de Burriana

Jose María Sert 1874-1945

Gran decorador naturalista que se complace en las formas colosales y miguelangelescas, proyectándolas en amplios escenarios que evocan los del veneciano Tiépolo.
Técnica espontánea y vaporosa y su colorido monocromo, ocre- terroso aplicado sobre fondos de oro, dando un carácter arcaizante.
Sobresalió en las grandes decoraciones religiosas (catedral de Vich, iglesia de SanTelmo de San Sebastián).
También pintó composiciones para edificios civiles como

la “Exaltación del Trabajo”(Sociedad de Naciones de Ginebra ).

LA ESCULTURA

La escultura académica española

Un hecho fundamental en la aceptación del clasicismo será la fundación en 1752 de la Real Academia de San Fernando, el principal elemento del neoclasicismo .Los Borbones continuaron manteniendo su protección a las Bellas Artes ,sigularmente Carlos III y Carlos IV, ejercieron un eficaz mecenazgo. Durante el reinado de Carlos IV tiene lugar el florecimiento de la escultura neoclásica española, perdurando el estilo durante todo el primer tercio del siglo XIX.

La escultura neoclásica española, conoce en la actualidad , merced a recientes e importantes estudios, un justo interés y revalorización. La escultura neoclásica también se inspiró en la antigüedad clásica; gran parte el tema mitológico, señalándose gran numero de desnudos como consecuencia de los asuntos representados.También se impuso el culto a la personalidad, a los grandes hombres, de ahí la gran abundancia de retratos y monumentos sepulcrales

Por el contrario se hace extremedamente raro la temática religiosa decayendo la madera policromada. Los esculturos españoles completan su formación marchando a Roma, disfrutando de pensiones oficiales que facilitaba la academia

Lo inicios de la escultura neoclásica en España se sitúan en mediados del siglo XVIII.

-Juan Pascual de Mena 1707-1784.,cultiva la escultura en madera policromada, de un aire dulzón y rococó. Llegó a ser director de la Academia de San Fernando. Se puede considerar como uno de los primeros representantes del neoclasicismo español por uno de lo más famasos monumentos de Madrid, LA FUENTE DE NEPTUNO.Labrada en en mármos de Montesclaros, siendo proyectada por Ventura Rodríguez.Representa al dios del mar coronado y con tridente, de pie sobre su carro tirado por caballos marinos. Otra de sus mejores obras es el busto de Carlos III, de la Academia de Bellas Artes.

Las dos tendencias-tradicional y neoclásica- se aprecian igualmente en

-Luis Salvador Carmona 1709-1767.su obra de carácter religioso se encuentra dispersa por Madrid, Salamanca y Valladolid.SU PIEDAD de la catedral de Salamanca es una de las obras más inspiradas de la escultura española. Merecen destacarse EL CRISTO ,de gran virtuosismo técnico , y de un barroquismo clamado y aristoc´ratico,EL SAN JO´SE del conjunto de San Fermin de los Navarros (desparecido),LA CABEZA DE SAN FRANCISCO, EL CRISTO DEL PERDÓN, las obras que talló para su pueblo natal(Nava del Rey), y los dos retablos de Lesaca (Navarra).Uno se su obras maestras es el hermoso CRISTO FLAGELADO RECOGIENDO SU TÚNICA, .Como escultor cortesano, sabemos que trabajó en la decoración del Palacio Real, labrando en piedra trofeos y esculturas de la serie de los Reyes de España,así como un medallón de mármol en relieve que representa al Papa San Damaso y San Jerónimo.

Muchos otros escultores colaboraron en la talla de las monumentales estatuas con que había de coronarse el palacio de Madrid. Entre estos escultores académicos hay que cital al gallego Felipe de Castro 1711-1775, de quien son dos interesantes bustos de Fernado VI y Bárbara de Braganza , para la Real Academia , en los que sigue el ripo francés.

LOS GRANDES ESCULTORES DE NEOCLASICISMO ESPAÑOL

FRANCISCO GUTIERREZ 1727-1782:

-formado en Madrid , en 1749 marchó pensinado a Roma, donde permaneció doce años, asistiendo a las lecciones que se impartían en la acadmía de San Lucas

-cuando regreso a España consiguió el nombramiento de escultor de cámara de Caarlos III, interviniendo la decoración de la puerta de Alcala .

-Su obras principales son el MOMUMENTO SEPULCRAL DE FERNADO VI Y BÁRBARA DE BRAGANZA, Y LA POPULAR ESTATUA DE MÁRMOL DE CIBELES 1781 en la fuente de su mismo nombres, en en centor de Madrid. Los Leones que arrastran el carro de la diosa, fueron realizados por el francés ROBERTO MICHEL.

MANUEL ALVAREZ tambien cultivó la escultura religiosa, pero debe su fama a una de las más bellas fuentes de Madrid, la de APOLO O DE LAS CUATRO ESTACIONES.Grupo neoclásico que proyecto Ventura Rodríguez.Testimonio de su estudio de la escultura de la Antigüedad, la figura del dios Apolo evoca el del Belvedere.

El valenciano MANUEL TOLSÁ difunde la escultura neoclásica en Méjico.Le corresponde una de la obras neoclásicas españolas,LA ESTATUA ECUESTRE DE CAROLO IV,en la que reverdece toda la majestad imperial romana.

Los escultores hasta ahora mencionados trabajan en el ambiente cortesano madrileño.A distancia de la corte el neoclasicismo pierde fuerza frente al barroquismo consdervador.En provincias se sigue cultivando el arte de los imagineros. En Galicia se distingue JOSE FERREIRO 1738-1830,PROPULSO EN Galicia de una escuela italianizante de suaves formas.Destacan LOS CUATRO EVANGELISTAS de la iglesia de San Martín Pinario. En Canarias debe ser recordado el imaginero JOSÉ LUJÁN 1756-1815, cuyas obras muestran un estrecho parentesco con lo andaluz y el arte de salzillo.

Durante el siglo XIX el neoclasicismo afirmó sus conquistas, intensificándose a raiz del afrancesamiento de la cultura española consecuencia de la Guerra de la Independencia.Las obras civiles sustituyen a la tradicional imaginería religiosa.Se da´ paso al mármol . La influencia de Canova se hace evidente en nuestros escultores.

La personalidad más descollante fue JOSÉ ALVAREZ CUBERO 1768-1827..el más importante escultor neoclásico español. Se traslada a Madrid e interviene en la Fuente de Apolo donde le correponde la escultura del Invierno. Asiste a las clases de la Academia de San Fernando,, y en 1797 gana el primir premio de escultura en el concurso organizado por esta institución, lo que le vale una pensión para viajar a París. Trabaja en el taller del escultor Claudio Dejoux. Triunfa en Paris,siendo coronado por Napoleón. Posteriormente pasa a Roma en donde residirá 20 años.Niega a José Bonaparte con monarca lo que le valió ser encarcelado en Sant´angelo.Pero de todas formas realizó el encargo de modelar cuatro bajorrelieves destinados al dormitorio de la Napoleón, que no llegaron a colocarse. En Roma conocio a Canava, sientiendo con entusiasmo los idelaes del neoclasicismo.

Trabajó para la casa de Alba,realizando algunos buenos retratos de miembros de la familia, como el BUSTO DEL DUQUE CARLOS MIGUEL, BUSTO DE LA DUQUESA DE BERWICK, O EL SEDENTE Y MUY CLÁSICO DE LA MARQUESA DE ARIZA, . También a de destacarse el espléndido RETRATO DE LA REINA MARIA ISABEL DE BRAGANZA, DE tipo sedente a la romana. En su apolino O EN EL joven con un cisne, hace revivir el gracioso arte praxitélico.Su obra maestra y pieza clave del Neoclasicismo español es el grupo de la DEFENSA DE ZARAGOZA, que conmemora el heroico comportamiento de la ciudad aragonesa en la Guerra contra el invasor francés.El grupo exalta el heroísmo y la valentía juvenil,inspirándose y enlanzado con obra griegas tales como los “Tiranicidad” o “ Las gálatas dándose muerte”.

En Aragón JUAN ADÁN 1741-1816 se formó primero en Zaragoza, marchando después a Roma en donde completa su formación. , estudió las obras clásicas , dibujando y copiando eculturas tan celebres como el Laoconte, el Marsias de la Villa Medicis o el Moisés de Miguel Angel. Llegó a ser escultor de cámara, y director de la Academia. Hizo buenos bustos como el de CARLOS IV Y LA REINA MARIA LUISA..Su más bella creación es sin embargo la VENUS DE LA ALAMEDA DE OSUNA.También trabajó en el Real Sitio de Aranjuez, ejecutando para el jardín de la isla, la fuente de HERCULES Y ANTEO.

El valenciano JOSE GINÉS 1768-1823. .Llegó a ser nombrado escultor de cámara de Carlos IV, e intervino en los Nacimientos para el principe e Asturias, realizando las expresivas figuritas barrocas de la DEGOLLACIÓN DE LOS INOCENTES.Como escultor neoclásico dejó una de las grandes obras más representativas del nuevo estilo, VENUS Y CUPIDO, encargada por Carlos IV para decorar una fuente de la Casa del Labrador.

Entre otros escultores neoclásicos deben ser recordados el murciano RAMÓN BARBA 1767-1831, también formado en Roma, y autor del gran grupo alegórico que corona la Puerta de Toledo, y de 16 Medallones del Museo del Prado, representando a los más famosos artistas españoles de todas las épocas, entre los cuales incluyó a Alvarez Cubero. VALERIANO SALVA TIERRA,1789-1836, que tambén trabajó en Roma al lado de Thorwaldsen y Canova. Fue escultor de cámara. Su obra más importante ,EL SEPULCRO DEL CARDENAL LUIS DE BORBÓN, en la sacristía de la Catedral de Toledo, inspirándose en el Monumento fúnebre de Clemente XIII de Canova.

Fue´ Cataluña la única escuela regional capaz de competir con Madrid. En la Ciudad Condal, la Esculela de Bellas Artes de La Lonja, jugó un papel importante, simiar al de la Academia de San Fernando en Madrid. Cataluña dio a la escultura neoclásica dos grandes figuras :DAMIÁN CAMPENY Y ANTONIO SOLÁ. El primero 1771-1855 no tuvo la fama que debiera haber tenido. Estudio en Romas, gozando de la amistad de Canova y remitiendo a España importantes obras que le valieron el ingreso a la Academia .En 1816 regresó a Barcelona. De todas sus esculturas merece destacaarse como obra capital, la celebre LUCRECIA MUERTA, labrada en 1834 en mármol de Carrara, que envió desde Roma. Obra de gran finura y sensibilidad, muestra a la joven ya muerta, sentada , a la mera romana, huyendo de toda violencia expresiva.

Tambien trabajó en Roma ANTONIO SOLÁ 1787-1861, desde donde enviaba sus obras, algunas de ellas de temática mitológica , como su escultura de MELEAGRO.Sin embargo debe su fama al grupo de

-DAOIZ Y VALVERDE 1830.,con el que Madrid quiso conmemorar la insurrección contra los franceses.Representa a los dos héroes en actitudes solemnes , llenas de nobleza y gallardía, tomando cmo modelo la concepción clásica de los Tiranicidas. Visten ropas de l aepoca, para hacer mas nacional su significado y aparecen asidos de la mano empuñando espadas, adoptando la actitud de conjura. Es una de la máximas creaciones dela estatuaria neoclásica española,muy elogiada ya en su época. Menos interés ofrece su escultura de CERVANTES que apunta ya a un ca´racter historicista.su obra ofrece ya algunos rasgos de romanticismo..

ESCULTURA ROMÁNTICA EN ESPAÑA

Durante el segundo tercio del siglo XILX pervive el neoclasicismo en la escultura españoñal mientras hacen lentamente su aparición el realismo y el nuevo gusto romántico.. Se ponen de moda los monumentos publicos dedicados a los políticos y hombres ilustres, sustituyéndose las ropas clásicas por levitas yuniformes contemporáneos, cuando se trata de militares.En ocasiones se prefiere el tipo ecuestre como más apropiado para la exaltación del héroe. El primer escultor romántico es;

-JOSE PIQUER 1806-1871,viajó a México y Estados Unidos . reside en París en donde realiza una de sus mejores obras, EL SAN JERÓNIMO. Isabel II le encargó su su propio retrato. Su obra más celebrada es sin embargo claramente neoclásica, EL SEPULCRO DEL GENERAL ESPOZ Y MINA,en el claustro de la Catedral de Pamplona, copiando el monumento sepulcral al poeta Alfieri de Canova.

Otros escultores fieles al neoclasicismo son el zaragonazo

-PONZIANO PONZANO 1813-1877 que estudió en Roma, le corresponde el relieve del timpano del Palcio de las Cortes,1848 , poblado de alegorías,y leones que guardan la entrada del Congreso .

-SABIANO MEDINA 1812-1888 merece destacarse su hermosa escultura de EURIDICE MORDIDA POR UN ÁSPID,

La escuela catalana sigue dando muestras de vitalidad.Consecuencia en parte del auge que conoce por estos años la Ciudad Condal y la importancia del Comercio. Deben citarse:

-MANUEL VILAR Y ROCA 1812-1860, autor de la ESTATUA DE COLON, de la plaza de Buenavista en México.

- El gerundense JUAN FIGUERAS VILA 1829-1881 MONUMENTO DE CALDERÓN, de la plaza de Santa Ana de Madrid.

-HERMANOS VALMITIANA, VENANCIO 1828- Y AGAPITO 1830-1905. del primero ha de celebarse como su mejor obara el FIGARO.La obra maestra de su hermano Agapito es el CRISTO YACENTE,

-JERONIMO SUÑOL,a quien corresponde DANTE PENSATIVO.

JOSÉ GRAGERA 1818-1897 es el máximo representante del romanticismo en nuestra plástica , autor del ESTATUA DE MENDIZÁBAL, verdadero retrato romántico de carácter .

ARTURO MÉLINA , autor el SEPULCRO DE COLON, inspirándose en los sepulcros góticos, en queel difunto es transportado en andas.

JOSÉ TOMAS muerto en1848 realizo las fuentes más hermosas de la estatuaria romántica, LA FUENTE DE LAS GALÁPAGOS, del Retiro madrileño.

SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX.

Los escultores fueron requeridos por el estado y los organismos públicos en monumentos expuestos a la contemplación pública como homenaje patriótico. Los artistas siguen acudiendo a la Academia en busca de premios y pensiones. Barcelona, con su Escuela de Lonja, aglutina a unselecto grupo de artistas. Sin duda en esta ciudad surge lo m´s original de la escultura española de la segunda mitad del siglo XIX. Pero es Madrid, con todo el peso oficial, el núcleo que absorbe la gran masa de artistas. De cualquier modo hay un intercambio continua enre Madrid y Barcelona.La formación académica de los escultores y el pensamiento en Roma y Pa´riss eran circunstancias quemejoraban el nivel de ejecución. Hay en los artistas un exceso de sabiduría. Labor descriptiva , que reduce las posibilidades de inspiración.

La misión exaltadora que acompaña al encargo, deja escaso margen a la labor creacional. La carga temática priva sobre el sentido emocional

Los géneros

La estatuaria publica

Se distribuye por calles, plazas y jardines.
La estatua ofrece una gama muy variada:

De busto, estatua de pies, sedente y ecuestre.

El personaje acostumbra a lucir sus condecoraciones y viste según la condición de su rango.
El artista procura caracterizar al retratado según su profesionalidad.
La posición sedente se prefiere en las estatuas situadas delante de los edificios

EDUARDOB. ALENTORN realiza la de

Jaime Salvador y Félix de Azara en la delantera del Museo Martorell de Barcelona

JOSE ALCOVERRO realiza las

Las que están en la escalinata de la Biblioteca Nacional

ANICETO MARINAS realiza la de

Diego Velázquez, delante de la fachada principal del Museo del Prado

Los personajes pertenecen ordinariamente a la época , pero también rinde tributo a la historia nacional. Es la época de reivindicación de Cristóbal Colón.
Surgen monumentos en Barcelona, Madrid, Valladolid, etc.

Para los generales se prefiere la acción de guerra y sobre todo el retrato ecuestre.

ANDRÉS ALEU TEIXIDOR

Marqués de Duero (paseo de la castellana ) , el caballo marcha al paso y el general está en actitud de arenga

PABLO GIBERT ROIG deja firmada en Madrid la

Don Baldomero Espartero, duque de la victoria (calle de Alcalá, junto al retiro ). Compuesta con sobriedad y elegancia, muestra al general descubierto y saludando, en actidud de parada militar.

MARIANO BENLLIURE

General Martínez Campos (Parque del Retiro).Esencialmente descriptiva, capta al escultor lo instantáneo . Sorprendido el general en plena campaña, está envuelto en su capote, notándose lo desapacible del tiempo ; caballo y jinete forman una unidad plástica.

Los jardines se pueblan de fuentes y estatuas. El parque de la Ciudadela de Barcelona y el Retiro de Madrid ofrecen una cuantiosa nómina de piezas.

También el género funerario ha de recordarse. Es el complemento de la estatuaria urbanística. Se generalizan los panteones de hombres ilustres.

En Madrid se crea el de la Basílica de Atocha.

A parte se aprovechan los cementerios para colocar grupos monumentales, pero también los monumentos antiguos, como sucede en la catedral de Sevilla, donde se halla el mausoleo de Cristóbal Colon , obra de ARTURO MÉLINA.

Decoración de edificios, singularmente los frontones. Se juega con símbolos nacionales y alegorías de la industria, las artes , la ciencia, la política. La obra más significativa es

Frontón de la biblioteca nacional, realizado por el catalán AGUSTÍN QUEROL

Menudean las obras de carácter popular.

Se tiende a crear un imagen típica del pueblo, como clase social desamparada, pasando hambre y frío.
No hace aparición entre nosotros el tema obrero.
Tan solo son dignos de recordar las estatuas que se realizan para la iglesia madrileña de San Francisco el Grande.

Cataluña

La escuela catalana aporta el mayor número de escultores de este periodo, si bien muchos actúan en Madrid.

JOSE ALCOVERRO
ANDRÉS ALEU
JUAN SAMSÓ , autor del mausoleo de Espartero, en el Pateón de Hombres olustres de Madrid,
JERÓNIMO SUÑOL
AGUSTÍN QUEROL, ETC.

En los inicios hay que situar a

JUAN ROIG SOLER, quien aparte de numerosas esculturas de tema religioso y funerario, realiza la DAMA DE LA SOMBRILLA, que es todo un símbolo de la poderosa burguesía urbana que estimulaba el progreso de la ciudad. Es sin duda una de las más castizas esculturas del periodo realista en España.
JOSÉ REYNÉS , digno de mención por SU VIOLINISTA
MIGUEL BLAY, obtuvo al igual que el anterior la medalla por el grupo escultórico LOS PRIMEROS F´RIOS.
CARLOS MANI CON claros aires modernistas. Su obra LOS DEGENERADOS viene ser el paralelo de las figuras de infortunados pintados por Picasso en su época Azul
JERÓNIMO SUÑOL 1840-1902.sus estudios juveniles en Roma le inspiran la estatua de DANTE. Sobria figura, en que aparece el poeta en actitud pensativa, sentado en silla curul, en oposición a la vana retórica de la escultura oficial. EL SEPULCRO DE O´DONELL es una tumba de arcosolio, de estilo neoplateresco. Coronó el monumento a COLON erigido por MELIDA con la estatua del Descubridor. La estatua DE DON JO´SE DE SALAMANCA, el prohombre de la banca que creó el barrio aristocrático que lleva su nombre.Aparece erguido , en indumentaria civil, , una mano en el bolsillo.
AGUSTÍN QUEROL 1860-1909. Gracias a la pensión en Roma pudo realizar LA TRADICIÓN, obra con la que ganó un primera medalla. Es un grupo descriptivo y anecdótico, que mereció aprobación popular. El político Canavás del castillo mostro su entusiasmo por esta obra y se erigió en protector del artista. Montó un descomunal taller. De este taller salieron infinidad de monumentos que poblaron en mundo hispánico. Multiplica el número de figuras y funde los perfiles, de suerte que forma un relieve pictórico exento de fuerza. De ello da testimonio el propio MAUSOLEO de su benefactor CANOVAS. Su obra de mas empeño , la decoración DEL TIMPANICA DEL PALACIO DE BIBLIOTECAS DE MADRID. Ha de recordarse el BUSTO DE TULIA, que le valió en 1895 una primera medalla.

Madrid

RICARDO BELLVER 1845-1924.pensionado en Roma, se familiariza enesta ciudad con la estatuaria clásica.. No de otra manera acusa su ANGEL CAIDO. Con yeso preparatorio había ganado primera medalla en la exposición nacional de 1876. Vaciodo en Bronce, se halla al presente en los jardines del retiro de Madrid. Su laocontismo es patente. El demonio se precipita en el infierno tras su rebelión. La iconografía de Luzbel, Una serpiente se enrosca en el cuerpo del angel ,, mientras un grito de rabia se escapa de su garganta. Belver no se limitó a seguir las directrices del mármol helenistico, sino que lo trdujo a un lenguaje directo, todo moderno. Pro tras este esfuerzo, su musa languideció, con una serie de obras retratísticas y funerarias. Su chispa resurge en la ESTATUAS DE SAN BARTOLOMÉ Y SAN ANDRES , que realiza para San Francisco el Grande de Madrid. La ultima ofrece un ímpetu como nacido de la corriente barroca. Ciertamente pocas veces han hecho los escultores españoles ha hecho cosas tan nobles en material petreo.
EDUARDO BARRON. Su VIRIATO, en una plaza de Zamora, es ejemplo sobrio monumento histórico. Mas descriptivo es el grupo de NERÓN Y SÉNECA.

Susillo y Marinas

ANTONIO SUSILO 1857-1896. Su arte oscila entre las figuras anecdóticas (Lazarillo de Tormes ), y los monumentos de personajes históricos .Realiza en Sevila los MONTAÑES Y VELÁSQUEZ, su obra mas considerable es la de CRITOBAL COLON, Susillo realizó todo el conjunto de estatuas y relieves, que fueron fundidas en París. En la parte superior, el Almirante se dispone a desembarcar para tomar posesión de la tierra recién descubierta. Estatuas sedentes guardan las cuatro esquinas del pedestal, mientras que en los medallones se refieren episodios relacionados con el descubrimiento, Tiene el merito de la coordinación plastica y temática
ANICETO MARINAS, se aplicó sobre todo a la estatuaria pública. Ya se ha recordado su monumento a Velásquez. Pero se trabajo más considerable es el monumento a DAOIZ Y VALVERDE, en Segovia.

Mariano Benlliure

Larga existencia1862-1947.Define muy bien el carácter de la escultura de la segunda mitad del siglo XIX, que prolonga inalterablemente hasta su fallecimiento al mediar nuestra centuria. La facilidad de su técnica y el excesivo favor publico de que gozó, perjudicaron a su obra. Tomo la realidad por maestra en tal medida que el relato se impone. De la anécdota salta a la realidad.

En la exposición de Madrid de 1884 se le premiaba su MONAGUILLO. El niño chupa los dedos, mientras cae el incensario. El efecto es puramente instantáneo . Su precocidad es asombrosa. En 1877, recibió el encargo para realizar el paso procesional, del DESCENDIMIENTO.

Su temática priva lo popular: gitanos, toreros, bailaoras, con una evidente monotonía.

Tenia sin embargo habilidad para variar las posturas, hasta el extremo de que después de Goya nadie ha historiado la fiesta de toros con tanto garbo. Su fama se acrisoló en el campo del retrato, desde el simple busto, hasta el monumental de abigarrada concurrecia. En el retrato ecuestre obtuvo gran éxito, siendo su obra maestra el de MARTINEZ CAMPOS. Pero se prodigó en los que realizó para américa:GENERAL URQIZA para Paraná, general BULNES EN SANTIAGO DE CHILE, GENRAL SAN MARTÍN PARA PERÚ,

En los retratos de única figura le ha seguido el mayor acierto; el de MARIA CRISTINA.

Tambien el género funerario fué cultivado por este. TUMBA DE JOSELITO realizada en bronce.Un cortejo de gente popular lleva a hombros el ataud, sobrel el que se exhibe el cadáver del torero. Aquí el escultor se entretiene en los pormenores de la descripción, aquí sobre todo en los trajes. En cambio se echa de menos emoción verdadera en los rostros.

La escultura española en el primer tercio del siglo XX

Idealismo mediterráneo

Jose´ Lllimona 1864-1934, hace de abanderado. Participa en el movimiento “modernista “, con esculturas imbuídas de la corriente “wagneriana,

Su SAN JORGE viene a ser expresión de aquel espíritu nostálgico e historicista.
Con el tiempo fue privando el desnudo femenino en su producción.
Hereda de Rodin el concepto de unidad- bloque, testimonio es DESCONSUELO, donde la perfección de un desnudo blando-femenino- se deja acompañar por la intensidad del sentimiento.
MOMUMENTO AL DOCTOR ROBERT.poetica asociación ideológica plastica de la muchedumbre arremolinada en una forma orgánica que pareceregirse por leyes propias..

Todo no se puede limitar al foco catalan

JOSÉ PLANES,ejerció su magisterio en Madrid. Ejemplo de cómo es posible lograr un estilo propio con fórmulas generales humaniísticas.Su ritmos se abstractizan, hacia formas de peces, muy estilizadas.Escurridiza tersura de los seres marinos. Un movimiento embrionario se desata en estas formas, que conectan con el movimiento “orgánico”
MATEO INURRIA 1869-1924 .SU escultur

FORMA, muestra la delicadeza del desnudo clásico: un torso femenino, lleno de encanto praxiteliano.
Tambien la carga clasicista del renacimiento tiene asiento en su obra del retrato ecuestre del GRAN CAPITAN, en Cordoba..Necesario evocar los modelos italianos del siglo XV.Hay en el jinete la gallardía y altivez de quien asombró al mundo con sus hazañas.Maravilla el delicado idealismo obrado por un escultor español, que ofrece en esta obra la réplica a tantas estatuas insulsas del realismo decimonónico.

JULIO ANTONIO 1889-1919, nacido en Mora de Ebro, es otro ejemplo de este equilibrio entre clasicismo y realismo en que se debate lo mejor de nuestra escultura en el primer tercio del siglo XX.Afirmará una tendencia proclive al realismo.Se aplicó a monumentos conmemorativos, si bien era ya pasado en tiempo de la retórica.

Su obra más lograda en este campo es el MONUMENTO A LOS HEROES DE TARRAGONA.. buen corretivo era aplicar módulos clásicos. De ahí que los personajes aparezacan con cabelleras radiales, a la usanza arcaica griega. El bloque mantiene su integridad plástica. Una serenidad noble todo lo penetra. Y para robustecer este clasicismo, hay un vago recuerdo miguelangelesco, delos Esclavos y las Piedades.
Como Unamuno y Azorín, empieza a pergrinar por nuestras tierras.Y así saltan figuras populares de la geografía: EL CABRERO DE ZAMORA, EL VENTERO DE PEÑASORDO, MARIA LA GITANA , EL MINERO. Toda una serie escultórica, de busto, titulada LA RAZA.,pero una raza histórica, sin presunciones, llena de humanidad, antirracial por tanto.EL VENTERO DE PEÑALSORDO se eleva a la categoría de los Césares por su pensar, por su mirada sin límites.
En eso consite la grandeza de Julio Antonio:eternizar lo efímero, evadirse de lo accesorio,descubrir lo valores de lo aldeano.

MAESTROS REALISTAS

EMILIANO BARRAL 1896-1936

Admirable su dominio técnico.
Su ascendencia rodiniana se aprecia en sus retratos, que emanan de un bloque apenas desbastado.Pero salen llenos de vida y de amor, con el rostro suavemente perfilado. Lo que había de fiero orgullo en aquel segoviano lo apreciamos en su autorretrato. La blancura asoma en el de su madre yla soñadora inteligencia en el de Antonio Machado, quien le dedicó unos amorosos versos.
Lástima la cortedad de la existencia de este escultor, que en el campo del retrato prolonga la serie de La Raza de Julio Antonio.

La escultura española de vanguardia.

La escultura de Picasso, julio González y gargallo

CUBISMO.

PABLO PICASSO 1881-1973 su aportación escultórica es considerable y el reconocimiento de de su m´rito y la amplitud de su catálogo se han consolidado desde las grandes exposiciones celebradas en 1967 en el museo de arte moderno de nueva york y la tate gallery de Londres. La producción escultótico se inserta en el cuadro de su itinerario pictórico, existiendo un claro paralelismo. El nacimiento del cubismo y el interés despertado en él por la escultura negra, son vias de ejemplo.Su capacidad de invención es asombrosa, y su esfuerzo por dominar las técnicas resultó invencible: barro cocido, yeso, plomo , hierro, soldadura autógena,cerámica policroma, hormigón... Su arte va oscilando desde loreal a lo abstracto;participa en la creación del cubismo, asimila el fenómeno surrelista, se ocupa de expresar los grandes dramas de la naturaleza , y por eso tambien fue un expresionista; y finalmente, tambien llegó a la riberas de la pura abstracción.

En barcelona modela su primera escultura, MUJER SENTADA,que no nos suministra una fórmula naturalista, acorde con el periodo azul. Este naturalismo se mantien en EL BUFÓN
DE 1909 CABEZA DE MUJER, obra plenamente cubista, dentro del cubismo integral.Planos rígidos, formas quebrqadas diseñan la arquitectura de esta cabeza.CABEZA DE FERNANDE OLIVIER 1909.primer intento de trasladar a la escutura la descomposción en planos arbitrarios tipica del cubismo analitico
Nuevas experiencias realiza a partir de 1912. Variedad cubista, a manera de collages, ya que integra objetos varios, como alambres, tablas,cartones, si bien sometidos a una idea general, por lo comun una guitarra o violonchelo.EL VASO DE AJENJO es una de las esculturas mas peculiares de este instante. GUITARRA 1912-13,con chapa metálica cuerda y alambres se hizo una escultura que es ya una autentica construcción fielmente derivada del cubismo simétrico.
En 1928 se interesa por la escultura alambrica , en la que pese a la abstracción siempre es posible reconocer un tema
En 1929 Julio Gonzalez le influye en su escultura ferrica.Su escultras acusan claramente este influjo, como MUJER EN EL JARDÍN.
La decada de 1930 está dominada por la escultua cerámica. Composiciómes ingeniosas, de un sabor subrrealista, modeladas con formas redondeadas; otras veces son bajorrelieves con rostros femeninos
Los temas españoles , los toros, salen relucir.Con notable ingenio imagina una CABEZA DE TORO con el manillar y el sillin de una bicicleta. La fase expresionista comienza a rendir sus frutos en la decada de los 40.Figuras como CALAVERA, EL HOMBRE CON OVEJA Y LA CABRA ,son obras bien reveladoras.
Desde 1947 le interesa la cerámica. Salen obras como brillantemente policromadas. Se trata de jarrones , platos, figuras de animales,etc Otro repertorio es el de figuras obtenidas con superficies planas, generalmente a base de planchas de metal. Y para que nada le fuera ajeno, se proyecta también como escultor de figuras de hormigón, aptas especialmente para exponer al aire libre. UNA CABEZA DEMUJER luce a orillas del lago Vänern, en Suecia

JULIO GONZALEZ 1876-1942

Mayor aportación al cubismo
Clan familiar, compuesto por CONCORDIO GONZALEZ Y SUS HIJOS JUAN Y JULIO, Y ROBERTA HIJA DE JULIO.la familia se entrega a la pintura y a la plástica del hierro. Roberta se erigió en continuadora de la escultura férrica de su padre.
La tradición catalana de la forja del hierro fue el caldo de cultivo en que generó el arte de Julio Gonzalez.
En 1892 enviaba oras a la exposición de Chicago, obteniendo distinciones.
Le venció la seducción de París, donde se encontraba en 1899.
Al estallar la primera guerra mundial empezó a trabajar en la factoría Renault, y allí aprendió la técnica de la soldadura autógena, que incorpora a su escultura.
Sus trabajos escultóricos importantes empiezan a fecharse en 1927.
Julio captó de Picasso la esencia del cubismo, pero a su vez él fue quien enseñara técnica a éste. Tomó parte en numerosas exposiciones como al de 1925 en Madrid, dedicada a los Artistas Ibéricos, y en otra en 1933, también en Madrid. Vivió permanentemente en Francia, pero los contactos con España fueron asiduos. Con motivo de la Exposición internacional de París de 1937, presentó en el pabellón diseñado por José Luis Sert LA MONSERRAT 1937esta mujer de pueblo , sostienea su hijo como si fuera el escudo con el que habrá que defenderse contra el fascismo.
Muchas de sus pinturas incluso vienen a ser bocetos o elementos complementarios de la escultura. La chapa recortada es el material básico que usa González en el comienzo de su carrera arti´stica. Con ella compone máscaras de rasgos sumarios pero expresivos. La técnica se presta admirablemente al desarrollo de la estética cubista. En efecto la chapa permite diseñar la forma de un recipiente, con un vacío interior. El hierro permitía el fibujo en el espacio. Nunca las líneas han estado mejor definidas. Dos vertientes:

De un lado las creaciones abstractas, que se intensificanen el último periodo.LA MUJER DEL HAZ DE LEÑA O LA MUJER DE LA ESCOBA SON reveladoras de la primera tendencia .EL TORSO , realizado mediante soldaduras de chapa, es incluso un espécimen de clasicismo. La MONTSERRAT , de la exposición de 1937, es sin duda la obra maestra de esta tendencia, ya que representa a una mujer del pueblo, con un aspecto plebeyo intencionadamente buscado .EL DONQUIJOTE. el camino hacia la abstracción está marcado.La escultura se va adelgazando , tomando aspecto alámbrico ( la Jirafa, Mujer peinándose, el angel ,etc)
Ultima novedad estilística fue la serie de figuras provistas de puntas, de que ejemplifica el HOMBRE CACTUS,ultima evolución del pensamiento cubista.

PABLO GARGALLO 1881-1934

Gran forjador y el hierro su material predilecto; esto aflora ensu hogar, que era el de unherrero.
La marcha a Barcelona le pone en contacto con el modernismo. El gran uso del hierro que este movimiento proclama no hace más qu favorecer su vocación.
Mediante un beca se traslada a París .allí se obsesiona con Rodin , y sus obras se tornan tiernas y realistas.Su maganifco dominio de la técnica del hierro no impide su aplicación a la piedra, en la que obtiene volúmenes de un clasicismo rotundo .Hace un retrato de Picasso , en que sabe recoger la sonrisa irónica del gran artista.
Pero su verdadero camino estaba en el empleo de los metales: plomo y hierro .La técnica modernista de la chapa recortada y la tendencia a los volúmenes netos de Brancussi abocan a un arte de una originalidad plena.
Su material predilecto será la chapa, recortada, horadada y alabeada, Su BUEY VASCO, está inspirado en los bisontes de Altamira. ANTINOO reclama los modelos imperiales romanos. La expresión aflora : la gracia de la bailaora ,el arlequín, el flautista, el gallo.
Los perfiles aprisionan la esencia del personaje, comoen ese retrato de GRETE GARBO.
Y de pronto surge la chispa genial: EL PROFETA, síntesis asombrosa de todas sus pesquisas . Una respuesta, conchapa solamente, al problema de la forma , al macizo , a las sombras al volumen interior, y por añadidura un mensaje espiritual, en esa boca que es la vocación del hombre entregado a la misión apostólica.
El dominio de la técnica de los metales constituye una de las singularidades de la aportación española a la escultura actual.

VENANCIO BLANCO 1923.

Prefiere el bronce y la figura de tamaño pequeño. Toros y toreros constituyen lo esencial de su temática.Planos curvos , formas horadadas, un arte menudo y gracioso, con el encanto del colorido rojizo de la materia

EXPRESIONISMO.

PABLO SERRANO1919

La materia se hace mas expresiva
En su temperamento hay la voluntad del hombre de oficio, del herrero. La soldadura autógena , será uno de sus recursos técnicos
En el fondo es un clásico por su aplicación virtuosa de la forma.
Primeros exitos en tierras de America del sur . Le reclaman para fabricar monumentos. Por entonces se ha acreditado ya como un gran escultor en chapa.
En 1956 realiza un viaje por Europa. Entra en contacto con Julio Gonzalez .
1957 con otros maestros españoles, funda el movimiento titulado “El paso”, que agrupa a un núcleo de maestros inconformistas. Pero su rebeldía se manifiesta pronto, rompiendo con este movimiento.
Durante su viaje a Italia ,tuvo la ocasión de visitar el Vesubio. Toda su producción se ahora en adelante va a ser un intento por traducir a la imagen artística este amasijo de objetos torturados. Acomete la realización de series formales, que él llama “bóvedas para el hombre “, “hombres con puerta “, “yuntas”, con que pretende ordenar la materia, definir el espacio, el hueco, lo que hay de unión en la materia.
También tiene su proyección en objetos más concretos. Es magnifico retratista, y gran escultor de monumentos públicos. Como retratista lo acredita en figuras tan sobrias y expresivas como CAMON AZNAR Y GAYA NUÑO. Así aparece FRAY JUNIPERO SERRA, en figura evangelizadora, que parece abrazar el mundo con el amor de sus brazos. Serrano trabaja en concavidades, que sumergen el personaje en un mar de ondas. Así están PEREZ GALDÓS EN las Palmas, EL DOCTOR MARAÑON en la ciudad Universitaria de Madrid, y UNAMUNO EN Salamanca. La tensión ha ido subiendo de grados; Unamuno parece proyectar su alma atormentada en esa escultura salmantina. Sus Cristos parecen la condensación de todos los horrores y sufrimientos de la humanidad.

LA ESCULTURA ORGANICA

Este movimientos pretende indagar en las fuerzas orogénicas y embriológicas de la naturaleza, cuenta asimismo en España con buenos cultivadores.

EDUARDO GREGORIO 1904, trabaja la materia con una ductilidad táctil , que hace recordar la forma escurridiza de los seres embrionarios. MADRE E HIJO se funden en apretado abrazo, como imagen del estado placentario. En su haber hay que señalar el haber sabido incorporar los temas en su plástica.
CARLOS FERREIRA emplea modelos ovoides, cuerpos simples celulares, que nos hablan de la génesis de los seres vivos. Sus cuerpos suaves y redondeados brillan con una fuerza de pulimento que destella vida
JOAQUIN MIRO 1893 Y ANGEL FERRANT,
ALBERTO SÁNCHEZ.1895-1962, Se trata de un artista nato, sin formación académica, que hace vibrar sus formas al compás de un lírica infusa. Un escultor poeta, que presta títulos a sus obras bajo el vuelo de la fantasía. Pretendía plasmar en la masa blanda el piar de los pájaros, el susurro del viento, el vagar de las horas del día. Su oficio panadero , diriase un escultor de miga , y así son sus formas de hechizo popular, con aire de inusitada poesía. Su obra se dio a conocer en la Exposición Nacional de Artistas Ibéricos , de 1952.Había empezado como cubista , para enderezarse hacia el surrealismo. Se van sucediendo los títulos:

TRES FORMAS FEMENINAS PARA ARROYOD DE JUNCOS
VOLUMEN QUE VUELA EN LA NOCHE DEL SILENCIO
MONUMENTO A LOS PÁJAROS
EL PUEBLO ESPAÑOL TIENE UN CAMINO QUE CONDUCE A UNA ESTRELLA. Esta obra fue presentada en la exposición internacional de París en 1937 y tiene un significado esperanzador, en medio de la guerra civil española.
Pero en el fondo su escultura responde al llamamiento de lo orgánico :” ESCULTURAS DE LOS TRONCOS DE LOS ARBOLES DESCORTEZADOS DEL RESTREGAR DE LOS TORSO , ENTRE CUERPOS DE MADERA BLANCA COMO HESOS DE ANIMALES ANTEDILUVIANOS , ARRASTRADOS POR LOS RÍOS DE TIERRAS ROJAS...
En 1938 emigró a la Unión soviética , donde acabaría sus días tras una fecunda producción artística, sin paralelo por su imaginación.
Su proyecto de Monumento de la Paz es un buen testimonio de su imagen portentosa.

ESCULTURA ABSTRACTA

CONSTITUYE LA TENDENCIA DOMINANTE

ANGEL FERRANT 1891-1961, tuvo su primera etapa barcelonesa, para después afincarse definitivamente en Madrid. Ya aparece distinguido en la exposición de 1952, de Artistas Ibéricos. Observa la belleza sencilla de los mil objetos que nos rodean. A él corresponde ponerlos en orden, pues descubre un principio orgánico, integrador, en la naturaleza. Fue su aportación al Salón de los Once, en 1945, en representó u elenco de conchas, guijarros, trozos de madera, etc. Recogidos en una playa gallega. Estos objetos , dispersos en la naturaleza, fueron por él recompuestos hasta formar unidades. Esta humilde naturaleza fue siempre su preocupación. Y es admirable este gusto, por cuanto en él latía una conciencia clásica, como la prueban esos relieves de toros y desnudos, que le entroncan con la gran corriente mediterránea. El movimiento fue otro de sus motivos. Integrando objetos diversos, compuso su MANIQUIES, que permiten obtener AD LIBITUM las más variadas posturas. La juguetería actual de la razón a Ferrant por este invento. Y un ultimo derivativo fue la escultura móvil, a base de cuerpos macizos unidos por hilos o filamentos rígidos, que hacen entrar en movimiento al conjunto a la menor aproximación. El país vasco ha sido siempre proclive a la forja
EDUARDO CHILLIDA 1924 maestro del hierro, Incluso la misma forma del yunque reaparece en sus creaciones plásticas. Es sin duda la figura de mayor cotización española . En rigor Chillida pretende una racionalización de las formas. El hierro y el hormigón son su materiales preferidos. No puede dudarse que el desarrollo industrial de la zona en que se desenvuelve le arrastra a crear estas formas autonómicas, desgajadas de la producción serial. El golpe de martillo ,el impacto rugoso del encofrado en el hormigón, producen efectos de una grandeza indiscutible. Hay algo en sus obras de cristalográfico, de formas máclicas , de naturaleza que busca sus leyes .Emplea alabastros y otros materiales traslúcidos , que permiten intuir mejor su génesis. Y lo mismo acontece en la madera, que se asocia mediante listones de superficies desnudas, de suerte que forma y textura se asocian en combinaciones originales.

ESTELA A PABLO NERUDA incorpora una visión antropológica de la escultura en la que el espacio y la relación entre vacío y lleno adquieren un papel protagonista.

JORGE OTEYZA 1908 posee un sentido abstracto de la formas geométricas, hiperboloides, formas fusiformes, una geometría dinámica, se encargan de expresar el contenido de ideas abstractas.
JOSE MAIA SUBIRACHS 1927 se mueve entre el expresionismo y el abstractismo.. en 1957 con una escultura abstracta, colocada en los Hogares Mundet en Barcelona , inauguraba en la vía publica el gran movimiento abstracto. El ha provocado , con valentía y escándalo, el derch a las verdades universales del abstractismo. En ocasión de los Juegos Olímpicos de Méjico en 1968 realiza en la ruta de acceso un gigantesco monumento , que no deja de poseer un significado simbólico. Dos grandes pirámides opuestas, representantes de la culturas americana y española , coinciden en un eje horizontal, decorado con elementos aztecas y los aros de la olimpiada. Este significado trascendente de sus elementos abstractos aparece patente en la decoración de SANTUARIO DE NUESTRA SEÑORA DEL CAMINO EN LEÓN. Se le pidió un programa simbólico , que el resolvió con elementos abstractos y expresionistas. En la fachada acomete el tema del Pentecostés, a base de grandes figuras que reciben sobre sus cabezas las llamas del Espíritu a manera de doseletes góticos .Más abstracta es la puerta principal, en bronce como las demás esculturas, donde una iconografía más misteriosa que real, desenvuelve una temática llena de misticismo. En este santuario se da cita , el mayor conjunto de escultura cristiana de la España contemporánea.

Pequeña ventana en forma de O

Hueco coronado por un cuarto de esfera. Nicho

buhardilla

arco que cubría el sepulcro de un mártir

el artista selecciona los puntos de vista más esenciales del objeto y procede a hacer una síntesis de los mismos, de manera que el tema se haga reconocible.

La obtención de una tal imagen foble ha sido posible gracias a la violencia del pensamiento paranoico que se ha servido con astucia y habilidad de la cantidad necesaria de pretextos, coincidencias, etc.,aprovechando para hacer aparecer la segunda imagen que, en este caso, ocupa el lugar de la idea obsesiva”.

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Enviado por:	Roony
Idioma:	castellano
País:	España

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