Arte Barroco

Etimológicamente puede proceder de:

• Baroque, término francés que significa extravagante.

• Baroco, es un silogismo, una argumentación, algo artificioso.

• Barrôco, palabra portuguesa que significa perla irregular.

• Baros, palabra griega que significa pesadez

• Barocci, apellido de un pintor italiano que dio nombre a este movimiento

Es el movimiento artístico y cultural, que se extiende de los Ss. xvii y xviii, y se caracteriza por el recargamiento de las formas

El artista del barroco intenta representar temas que no hayan sido utilizados ya en otros movimientos artísticos y llenan de elementos decorativos, recargando excesivamente.

Según el crítico de arte José Pijuán que resume las ideas de los principales críticos del Barroco del S. xix, nos dice “Que es un movimiento en el que predomina el movimiento, es dinámico".

En arquitectura se desplazan las líneas, las fachadas en vez de ser rectas se hacen cóncavas o convexas. En escultura y en pintura parece que los personajes no pueden contenerse en un lugar fijo, que salen del marco, todo es agitación.

El barroco no es un arte de abstracción, aprovecha la naturaleza, las columnas se retuercen, parecen no ocuparse del trabajo que van a desempeñar, en el barroco dan la sensación de que sólo decoran. Se producen contrastes siempre que sean posibles, para llamar la atención, producir sorpresa, atraer al espectador, pretende crear curiosidad y sorpresa, utiliza materiales ricos, y cuando no los hace, les deforma para obtener bellos efectos, y así atraer la atención.

Arquitectura del Barroco

En el S. xvii, se inicia el urbanismo barroco, se comienza en Roma con la reforma de Sixto V, que pretende convertir a la ciudad en el triunfo y poder de la religión Cristiana. Para ello elaboró un trazado de las calles, convirtiendo a la ciudad en un centro espectáculo religioso. Todas las vías de Roma tenían la función de comunicar entre sí todas las basílicas, para facilitar el recorrido de los peregrinos que iban a Roma con motivo del año Jubilar (1600). Esta planificación de la ciudad, fue reconocida como urbanismo religioso.

Características

• Es la expresión del pensamiento de la contrarreforma, que hace un arte espectacular, llamativo y sorprendente, que vincule al espectador mediante la persuasión y la participación.

• Predominio de las líneas curvas y retorcidas.

• Arte dinámico

• Rico en elementos y colorido

• Tiene una exuberancia decorativa, tanto en el exterior como en el interior

• Integra los edificios en el paisaje, tanto rural como urbano.

• Se planifican y reforman las ciudades a las nuevas necesidades.

• Utiliza todo tipo de arcos para producir sorpresa, belleza,...

• Utiliza varios tipos de bóvedas

• Utiliza la columna Salomónica, cuyo creador fue Bernini, y la crea en el Badaquiro de la Basílica de San Pedro

• Utiliza la columna clásica en los tres órdenes

• Utilizó el Estípite, que es una columna muy estilizada, en forma de cono invertido.

• Es muy rico en elementos decorativos, motivos vegetales, medallones con bustos, escudos heráldicos, los frontones partidos, abiertos, cóncavos, convexos, y combinación de todos a la vez.

• Rompe las cornisas, entablamentos y utiliza molduras superfluas innecesarias.

• Los interiores buscan efectos escenográficos, que llaman la atención, tanto en la arquitectura civil, como en la religiosa.

• En la arquitectura civil se saca gran partido al entorno, con fuentes, jardines,...

Principales autores

Bernini (1598-1680)

La creación del magnífico baldaquino (1624-1633), dosel sobre el altar mayor de la basílica de San Pedro, que fue un encargo del papa Urbano VIII, primero de los siete pontífices para los que trabajó. Este proyecto, obra maestra de ingeniería, arquitectura y escultura, fue la primera de una serie de obras monumentales para la basílica de San Pedro.

Dentro de las obras arquitectónicas no religiosas de Bernini se incluyen proyectos para diversos palacios: el palacio Ludovisi (actualmente palacio Montecitorio, 1650) y el palacio Chigi de Roma (1664), así como unos diseños para el Louvre, proyecto que no llegó a ejecutarse y que presentó a Luis XIV en 1665, durante una estancia de cinco meses en París.

Bernini proyectó también tres iglesias: la de Castelgandolfo (1658-1661) construida sobre planta de cruz griega, y la de Ariccia (1662-1664) con planta circular. La tercera es su mayor logro dentro de la arquitectura religiosa: el templo de San Andrés del Quirinal (1658-1670) de Roma se construyó sobre planta oval con un porche ovoide que se extiende por delante de la fachada, reproduciendo los ritmos interiores del edificio. La magnífica Plaza de San Pedro (diseñada en 1667), que enmarca la entrada a la basílica dentro de un espacio oval dinámico formado por dos columnatas semicirculares.

Borromini (1599-1667)

Arquitecto italiano, uno de los más importantes del siglo XVII. Junto con otras grandes figuras de su época, como Gian Lorenzo Bernini y Pietro da Cortona, y principalmente gracias a sus iglesias, transformó la antigua Roma en una ciudad barroca.

Al contrario que Bernini y Cortona, Borromini tan sólo se dedicó a la arquitectura, llegando hasta la obsesión su empeño heterodoxo de encontrar nuevas formas espaciales. En sus edificios, el vacío y el lleno se combinan en una culminación de la búsqueda barroca de espacios dramáticos.

Su obra más importante es la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane

Juvara (1678-1736)

Arquitecto italiano, el más importante del barroco tardío. Sus espacios buscaron más la luminosidad y la sofisticación grandilocuentes —inspiradas en la elegancia clásica— que la exuberancia dramática de sus predecesores romanos del periodo clásico. Sus obras más importantes se encuentran en Turín, ciudad donde trabajó durante más de veinte años, coincidiendo con su etapa más productiva. Allí edificó innumerables iglesias, palacios, casas de campo y pabellones de caza, aparte de trabajar como diseñador de muebles y otros objetos decorativos.

Las dos obras fundamentales de Juvara son la iglesia-monasterio de Superga (1717-1731), cerca de Turín, y el palacio real de Stupinigi (1729-1733).

Escultura del Barroco

Características

• Es efectivista, trata de aproximarse a la realidad, incluso exagerándola.

• Gran fuerza expresiva, ya que se representan los estados de ánimo y los sentimientos.

• Predomina la asimetría.

• Libertad compositiva.

• Abunda el movimiento, giros, torsiones, hasta el rictus de la cara.

• Se proyecta hacia el exterior, hacia el espectador, se quiere resaltar algo para que se contemple.

• Gran importancia de la luz.

• Abundan los plegados de las ropas.

• Es una escultura eminentemente decorativa, para ser contemplada en un conjunto o marco determinado.

• Utilización de materiales ricos, la piedra, el mármol, el bronce, y cuando utiliza otros más pobres, como la madera, la utiliza estofada, policromada, para producir bellos efectos decorativos.

• Debido al auge del urbanismo, se crea un tipo de escultura dedicada a la ornamentación de la ciudad, como parques, fachadas, jardines,...

• Prolifera la escultura alegórica, y se vuelve a representar la mitología, la fábula, y el cuento.

Pintura Barroca

Características

• Naturalismo no idealizado

• Predominio de la luz sobre el dibujo

• Movimiento

• Por la claridad en la composición

• Por el enriquecimiento d la iconografía

• Por tratar los temas de forma teatral y efectivista

Dentro del Barroco italiano hubo tres tendencias:

Es la concepción pictórica basada en la observación directa de la realidad.

Pretende la representación fiel de todos los aspectos, tanto buenos como malos.

El máximo representante es Caravaggio. Su arte no es una mera reproducción del aspecto externo, sino que está llena de un profundo sentimiento religioso, y establece una relación directa entre los personajes del cuadro y el espectador. Destaca por:

• Sobreescribe sus cuadros sobre planos geométricos

• Predominio del dibujo.

• Claridad compositiva.

• Armonía

• Creador del tenebrismo, que consiste en el empleo de una luz dirigida, que incide sobre la composición creando fuertes contrastes, entre las zonas iluminadas y las oscuras, destacando las figuras y los objetos de entre la penumbra. De esta manera impone la imagen al espectador haciendo que fije su atención.

• Tuvo gran influencia sobre Rembrand, Velázquez, Ribera o Zurbarán.

Que parte del deseo de volver a la naturaleza. Pretende una visión razonada y meditada de la realidad. Representa las cosas no como son, sino como deberían ser, buscando un equilibrio.

Emplea la luz más uniformemente, y las tonalidades son más armoniosas, rechaza los contrastes. El movimiento es más sereno, no pretende conmover ni impresionar, sino hacer pensar al espectador.

Los mayores representantes fueron los hermanos Carracci.

Es en la segunda mitad del S. XVII, y su origen se encuentra en el triunfo de la iglesia católica tras el periodo de la contrarreforma y de las monarquias absolutistas tras su periodo de consolidación.

Pinta las grandes bóvedas, retablos, de las grandes iglesias y palacios. Se caracteriza por:

• Pinturas escenográficas y teatrales

• Gran dimensión

• Muy dinámicas

• Riqueza cromática

• Pinturas muy expresivas

• Muy recargadas

Pintura del Barroco en los Países Bajos y Flandes

Los países bajos son la actualmente es Holanda, y Flandes la actual Bélgica. Formaban una unidad política, sin embargo estos se dividen en el S. XVII, a causa de los enfrentamientos entre católicos y protestantes.

Holanda se independiza de los Habsburgo, y se convierte en una comunidad de carácter democrático. Triunfa la burguesía y la reforma.

En Flandes siguen estando ligados a la Corona de España.

Todas estas diferencias repercutieron en las producciones artísticas, en Flandes predominan las obras religiosas, por el triunfo de la monarquía absolutista. Se pintaran grandes lienzos destinados a decorar grandes palacios, iglesias.

Sin embargo en Holanda Va a ser de menor voluminosidad, y los temas no van a ser ni de María, ni de los Santos, sino de Jesús y sociales.

Pintura Flamenca

Rubens

El pintor más famoso es Rubens, y las obras de este están influenciadas por los grandes pintores italianos renacentistas y del primer barroco. Encuadrado dentro del Barroco Decorativo, se caracteriza por:

• Gran vitalidad y dinamismo

• Composiciones en formas geométricas

• Composiciones abiertas, principalmente en diagonal

• Riqueza cromática

• Exultante expresividad

• Empleo de una factura suelta

• Tiene una tonalidad ambiental que difumina n las formas y envuelven a las escenas.

• Dominó todos los géneros, gracias a su capacidad creativa:

• Religioso Ideales de la contrarreforma, dando a sus obras una ardiente espiritualidad

• Mitológico Plasmó sus amplios conocimientos humanísticos. Su libertad imaginativa, plasma su gusto por lo sensual, lo bello, el amor, la belleza femenina.

• Histórico La vida de María de Medici

• Naturaleza Paisajes de plena riqueza.

• El Retrato Donde exalta los valores personales, hace importantes estudios psicológicos del modelo

“La presentación de María Medici a Enrique IV” de Rubens.

Está en el museo del prado y es una colección que estaba destinada a decorar el palacio de Luxemburgo.

Narra uno de los momentos de la vida de María de Medici, el momento en que se le presenta al rey. Cuando se pintó este retrato María Medici ya era viuda, por lo cual se hace para conmemorar ese momento y por eso decimos que es un cuadro histórico.

En esta obra Rubens pasó toda su capacidad creativa. Plasmó toda la belleza de la viuda, intentó adularla y cantó las glorias de la reina como si se tratara de un personaje mitológico.

Lo hizo de manera teatral, y representó al Rey francés con rica armadura, que se deja ser aconsejado por Marte, al tiempo que dos angelitos juguetean con el Yelmo y con la rodela del monarca.

Continuando con la diagonal característica de Rubens, en la zona alta está Júpiter acompañado de Juno, están rodeados por el Aguila que simbolizan a Júpiter, y de dos pavos reales que son el símbolo parlante, que es la mujer de Júpiter.

“Las Tres Gracias” de Rubens

Esta obra se puede contemplar en el Museo del Prado, es una de las obras de la época de madurez del autor y es una obra maestra por la belleza de las figuras, por el colorido del paisaje a pesar de que el canon de belleza femenino flamenco era distinto del latino.

Representa a las hijas de Zeus y Erímone, Aglae, Eufrosina y Talía. Las ha representado en un entrelazado grupo que tiene su fuente de inspiración en Rafael y en la escultura clásica. El modelo femenino de las tres jóvenes es el mismo pero contemplado desde tres puntos de vista distintos. El rostro de la mujer de la izquierda es el de su segunda esposa, Elena Fourment.

La guirnalda que aparece encima de las Tres Gracias y el paisaje con tres cérvidos fue hecho por algún discípulo de este.

El jardín del amor

También está en el Prado, muestra una fiesta celebrada en el pequeño jardín que el artista tenía en su casa de Amberes. Fue pintado tal vez para celebrar el aniversario de su segundo matrimonio con Elena Fourment, en el año 1630. En el cuadro vemos que varias parejas hablan, bailan y escuchan la música rodeados de amorcillos, que arrojan flores o lanzan flechas.

Los críticos de esta obra reconocen que el caballero de la izquierda es el autorretrato del pintor y que la dama, en el centro de la obra, que apoya sobre la rodilla de un caballero su brazo, es el retrato de su mujer.

A revelado su libertad de pincelada, tiene gran belleza cromática, es un ambiente social refinado, que anticipa la galantería y el refinamiento de comienzos del siglo XVIII, del rococó francés plasmadas en las obras de Watteau.

Retrato de María de Médicis

Hace un perfecto estudio psicológico y este cuadro es mandado pintar para recordar su vida.

otros autores importantes

van dyck

Pintor de la corte británica, la mayoría de sus obras van a ser relacionadas con esta. Obra: Retrato de Carlos I

teniers

Obras: Fumadores y bebedores o La conversación, Monos en la cocina.

jordaens

Obra: El rey de la fiesta pintura barroca en los países bajos

Rembrandt

la ronda de noche

Este título no se ajusta a la realidad, ya que su acción se realiza de día en un gran portalón, al que llega un potente rayo de luz que ilumina a los personajes. Estos aparecen captados por Rembrand tal y como él los pudo contemplar en numerosas ocasiones. En uno de los momentos en que la guardia cívica se preparaba para formar y salir a patrullar por las calles de la ciudad. Lo representa en el momento de máximo desorden y centralizan la escena el capitán Baning Cock y el teniente Willen Van Ruytenburch, que dirigen a sus soldados.

Corresponde al momento histórico de la entrada de María de Médicis en la ciudad de Amsterdam. Se mandó pintar este cuadro para conmemorar esta visita.

Esta composición insólita de un retrato corporativo provocó un cierto descontento que unido a la muerte Saskia, su esposa en el año anterior, inició la decadencia del autor.

Saskia aparece en el cuadro en forma espectral, de un color amarillento limón, colgado de su cintura un gallo y con pinceladas de color azul y amarillo que eran los colores de la compañía. Este cuadro es un símbolo nacional para los holandeses.

Los sindicatos de los pañeros de Amsterdam

Es un cuadro corporativo, que representa a los dueños de las fábricas de textiles. Mandedo pintar a Rembrandt y están en el momento que revisan las cuentas. Están representados geométricamente.

Lección de Anatomía

Es un cuadro corporativo, mandado pintar por el gremio de médicos, para conmemorar una lección que había dado el profesor Tulp. Esta lección se hizo con un cadaver de un ajusticiado.

Frans Hals

Obra :“Las regentas del hospicio de Harlem”

Vermer

Es el pintor de la sensibilidad y delicadeza femenina.

Arte Barroco en España

Arquitectura Barroca

En el S. XVII se inició la decadencia del Imperio Español y ello influyó de forma decisiva en la arquitectura de este siglo. La arquitectura no encuentra condiciones favorables para su desarrollo:

Características.

Se emplean materiales pobres, se vuelven a utilizar los yesos, maderas, mampostería,...

Al no poderse construir edificios de nueva planta, se intentan mejorar los ya existentes, se añaden a los edificios sacristías, sagrarios, retablos, fachadas.

En la primera mitad del S. XVII aún se observaban reminiscencias herrerianas, y a partir de la segunda mitad la arquitectura tiende a un mayor decorativismo, “Falso esplendor”. Las fachadas ganan en plasticidad, decorativismo y en fantasía, los interiores se recubren con frescos por influencia del barroco italiano. Las iglesias se llenan de retablos exageradamente recargados.

Siglo XVIII, se creó un estilo eminentemente decorativo, pleno de libertad y de fantasía. España no aporta ninguna solución constructiva nueva, casi todo es importado de Francia e Italia, debido al poder borbón en España.

Arquitectos del barroco español

Madrid

Juan Gómez de Mora: surge con total independencia de los modelos de plaza franceses o italianos. Su obra más importante es la Plaza Mayor de Madrid, que será reconstruida por Juan de Villanueva, el mismo que reconstruyó el Alcázar de Madrid. Realizará otras obras civiles en Madrid como la cárcel y el ayuntamiento.

Pedro de Rivera, continúa ya, incluso en el S XVIII, desarrollando en Madrid, las características más dinámicas y decorativas del barroco. El Puente de Toledo, con las estatuas de S. Isidro y Santa María de la Cabeza en los templetes; La ermita de la Virgen del Puerto, la fuente de la Fama, el cuartel de Conde Duque, La fachada de la iglesia de Montserrat, el ajardinamiento de la ribera, y el más importante el hospicio.

Dentro de la arquitectura religiosa, el convento de la Encarnación atribuido a Gómez de Mora. Los conventos, son elementos que caracterizan esta ciudad.

Pedro Sánchez es el arquitecto de la Iglesia del Colegio Imperial de Madrid, que fue acabada por Francisco Bautista.

Pedro de la Torre muestra un original barroquismo en el proyecto de la capilla de S. Isidro. Es una arquitectura de gran efectivismo escenográfico, juegos de luz,, motivos vegetales, que nos preludian el desbordante churrigueresco.

Castilla

Gracias a Felipe III crece, ya que encarga la construcción de un palacio a Francisco de Mora en Lerma, también podemos destacar Salamanca. Estas dos ciudades, al igual que Madrid, se ven enriquecidas gracias a las obras de la familia Churriguera.

Andalucía

La arquitectura barroca tiene los focos principales en Sevilla y Granada. Destacando a Leonardo de Figueroa, autor de la Iglesia de S. Luis y de la del el Salvador, además de la fachada de S. Telmo. La obra más espectacular es la Real Fábrica de Tabacos, que era un proyecto de Ignacio Sala.

En Jaén se concluye la fachada de la catedral, proyectada por López de Rojas, al igual que en Granada, ya que Alonso Cano realiza el proyecto de la catedral y la Sacristía se atribuye a José de Bada.

Galicia

Destacar los arquitectos como Andrade, Fernándo de casas o Ferro Cadueiro. También Don José de Vega y Verdugo es el promotor de renovación barroca de la catedral.

José Peña y Toro termina el pórtico Real de Quintana, siendo el continuador Domingo de Andrade, maestro también de obres en Santiago y de la Torre del Reloj.

La arquitectura del Barroco tardío en España

El churrigueresco

En Castilla las figuras más representativas de la arquitectura barroca son la familia Churriguera. El termino “Churrigueresco” sustituye casi al de barroco. Ornamentalmente integra elementos de tradición hispánica, hasta llegar a una apoteosis final que supera al barroco

Se puede definir el estilo con el Retablo Mayor de la Iglesia del Convento de San Esteban, obra de José Bonito de Churriguera.

Alberto de Churriguera realiza la Plaza Mayor de Salamanca con trazado cerrado.

Joaquín de Churriguera, decorador y tallista, realizó el Colegio de Calatrava y el claustro del Colegio de San Bartolomé, con una profusión que recuerda a la del plateresco

Escultura Barroca

Predominan los retablos y los pasos procesionales hechos de madera esofada y policromada. Los retablos frecuentemente suelen ser dorados.

Utilizan materiales pobres, son muy efectivistas, como consecuencia de los ideales de la Contrarrefoma . Destacamos tres escuelas:

La castellana, cuyo centro será Valladolid y sus dos mayores representantes serán Gregorio Hernández y Manuel Pereida. Características:

• Reminiscencias renacentistas

• Enlaza con la escultura de Berruguete y Juan de Juny

• Obras de realismo exagerado

• Expresión del dolor, sufrimiento de los valores personales y spirituales de los representados.

• Los Cristos representados por Gregorio Hernández, son Cristos que sufren y sangran en los umbrales de la muerte, expresión de la trajedia.

• Influjo de la austeridad castellana.

La Andaluza, cuyos centros serán Sevilla y Granada, y en la que destacaron Juan Martínez Montañés, Juan de Mesa, Alonso Cano y Pedro de Mora. Características:

• Son obras más idealizadas, tiernas, clásicas

• Cánones más bellos

• Realismo menos exagerado y más idealizado.

• Los Cristos son misericordiosos, que perdonan, más humanos

Levantina, cuyo centro es Murcia, y el escultor más representativo es Francisco Salcillo. Características:

• Influencias italianas, pero que enlazan con el Rococó francés.

• Muy Clásicas

• Expresan muy bien los pensamientos de las clases sociales

• No son ni tan crueles como los de la escuela castellana, ni tan tiernos como los de la andaluza.

Ejemplos:

• El Cristo Yacente del Pardo, de Gregorio Hernández

• El Cristo crucificado

• La Piedad, de Gregorio Hernández

• San Bruno, de Manuel Pereida

• El Cristo de la Clemencia de la Catedral de Sevilla

Pintura Barroca

Velázquez

Nace en Sevilla, de ascendencia noble, nació en 1599 y murió en 1660. Aprendió a pintar en el taller de Francisco Pacheco y en 1618 se casa con su hija. Influye en su obra ya que posa como modelo para él.

En su primera etapa pintó en Sevilla y sus modelos fueron gentes de la calle. En 1622 llegó a Madrid y en 1629 hizo su primer viaje a Italia.

Hará temas religiosos y sociales pero enmascarando uno mitológicos, como “los Borrachos” que representa el triunfo de Baco o “Las Hilanderas” que representa lafábula de Aracne.

Velázquez destacó por:

• Supo valorar la autonomía de la pincelada

• Realiza sus retratos como simples personas, expresando sentimientos

• Sus obras son realistas, menos en los sentimientos donde los idealiza

• No ironiza con sus personajes, sino que tiende a la compasión del público

• En los cuadros religiosos supo hacer brotar el ansia de lo religioso

• Pinta lo cotidiano lo popular.

• Tiene una gran predilección por captar los pequeños detalles.

• Posee una gran claridad compositiva y espacial

• En los bodegones humaniza los objetos

• En sus paisajes el cielo y la tierra se juntan en el horizonte

• Los retratos de bufones y enanos de Felipe VI reflejan melancolía

• Crea fondos con un espacio neutro y abstracto

• En los temas mitológicos nunca tiene un carácter burlesco

• Identifica y fusiona espacio con luz

• Es el perfeccionador de la perspectiva aérea, y es capaz de pintar el aire existente entre el ojo y el objeto que pinta.

• En su primera etapa se caracterizó por el tenebrismo.

“Las Lanzas” o “La rendición de Breda”

Con este cuadro Velázquez gana un concurso. En el cuadro se refleja la rendición de esta ciudad de los Países bajos ante España.

En la parte de la izquierda están las tropas españolas, en el centro Justino de Nasau dando las llaves de la ciudad a Ambrosio de Espino. Lo importante de la obra es la llave, además de los dos personajes.

Velázquez no pinta la euforia de los vencedores, sino el respeto sde los vencidos.

Al fondo, los campos de la ciudad de Breda, con las tiendas de los vencidos humeantes. Este cuadro lo pintó Velázquez 10 años después del acontecimiento.

Retrato del Conde-Duque de Olivares

El fondo son los parajes de la Sierra de Madrid. Velázquez le ha retratado con un orgullo muy grande, debido al estado político del retratado.

“Las Meninas” o “Familia de Felipe IV”

Es un retrato y a su vez un cuadro histórico. Centraliza la escena la Infanta Margarita, que está representada pálida, sonrisa triaste, el mantón pronunciado, los labios carnosos.

Al lado de la Infanta están las meninas, Isabel de Velasco (Derecha) y María Agustina Sarmiento (Izquierda), la última le está dando un vaso de agua hecho de barro, que recibe el nombre de vúcaro.

Acompañando a las meninas y a la Infanta, la ama de llaves, Marcela de Ulloa y D. Diego Ruíz de Azcona.

En la puerta del fondo aparece el aposentador de palacio D. José Nieto. En el ángulo inferior derecho del cuadro aparecen dos bufones de la corte, Maribárbara y Nicolasito de Pertusato. También aparece el Perro y Velázquez que se autorretrata con la cruz de Santiago.

Descripción de “la Venus Desnuda” por Ortega y Gasset

Acostada sobre sábanas de seda gris, de un lecho protegido por una sábana de Carmesí, una mujer desnuda vista de espaldas, parece embebecida con la contemplación de su rostro, en

un espejo ornado de cintas azules, que le sujeta un niño al lado y desnudo, de rodillas en la misma cama. El gris y el rojo ponen de manifiesto la maravillosa encarnación de la mujer y de ese niño. Las alas de este no permiten dudas sobre su condición sobrehumana, se trata de Cupido y su madre Venus.

“Las Hilanderas”

Es una de las últimas obras de Velázquez. Está echo en dos planos distintos, el primero sería el trabajo de unas mujeres en un taller textil, y en segundo plano pero más importante, la visita de la Infanta al taller y están contemplando un tapiz al fondo, el cual refleja una escena de la fábula de Aracne. En esta escena mitológica se ve como Minerva, diosa de las artes, convierte a Aracne en araña por tejer mejor que ella.

Zurbarán

“San Hugo visitando el refrtorio”

Son monjes cartujos. Es una pintura del S. XVIII, que pertenece al barroco, por lo tanto exalta los valores de la contrarreforma y los valores propios de la orden. Lo pintó para la Cartuja de Sevilla, y relata el capítulo en que el antiguo obispo S. Hugo, reprende a los Cartujos que no han guardado la abstinencia.

Los monjes quedan sumidos en el sopor, mientras que la carne de sus platos se convierte milagrosamente enceniza. La escena recuerda a los monjes sus severas obligaciones. Similar función recuerda el cuadro que aparece en el fondo, la austeridad de Juan Bautista en el desierto y la resignación de la Virgen tras la huida de Egipto, que son ejemplos a seguir por los monjes.

Sobre la mesa, los objetos, representan un auténtico bodegón, género en el destacó el autor. Los platos, panes, jarras, vasos, se disponen de forma ordenada.

El sobrio naturalismo de los objetos nos comunica el silencio que comunica la escena.

Los blancos hábitos dominan una gran parte del lienzo, y la sobriedad de éstos refuerza el clima de recogimiento y de piedad ante el sorprendente milagro.

La religiosidad de la pintura de Zurbarán, responde a la mentalidad austera del primer barroco (primera mitad del S. XVII)

Los episodios religiosos son contemplados desde serena reflexión. Los personajes del autor se inspiran en los grabados de la escuela d Durero, lo que explica el estatismo un tanto renacentista. El autor no teme representar de forma incompleta algunos elementos del cuadro, como el Cartujo de la izquierda o la ventana.

Francisco Zurbarán es conocido como pintor de monjes, por los numerosos encargos que recibió de las órdenes monásticas. En todos ellos supo representar perfectamente la religiosidad monacal a través de una sencilla representación

• “Aparición del ángel al monje Nolasco”

• “La exposición del cuerpo de Buenaventura”

• “La Virgen de las cuevas”

• “La visita de S. Hugo al Papa”

• “La apoteosis de Sto. Tomás de Aquino”

• “La visión del padre de Alonso Rodriguez”