EL BARROCO

Durante el siglo XVII, triunfa en España un movimiento cultural que empezó a apuntar durante los últimos lustros del siglo XVI y que se denomina Barroco.

Los principales tratadistas señalan cómo dicho movimiento es, en gran parte, consecuencia de la Contrarreforma y del Concilio de Trento. Por eso, su huella es más visible en los países donde la Reforma no triunfó, entre ellos España. El Barroco ha dejado profundísima huella en nuestra cultura.

El término Barroco procede del francés baroque <<extravagante>>, que resultó de la fusión de dos palabras: Barocco, nombre de una figura del silogismo, censurada como prototipo del razonamiento alambicado y absurdo; y del portugués barroco, <<perla irregular>>. Sus orígenes son, pues, peyorativos; pero hoy su significado es neutral: designa simplemente ese período histórico.

Se ha afirmado que el Barroco supone, en muchos aspectos, una vuelta a la Edad Media. Cesa, en efecto, la neta separación renacentista entre lo natural y lo sobrenatural. A consecuencia de las impensadas consecuencias a que se había llegado durante el Renacimiento, la Inquisición vigila cualquier actividad intelectual que olvide o evite lo trascendente. De ese modo, Gracia y Naturaleza vuelven a religarse. Terminan, prácticamente, en España la investigación científica y la filosofía racional, y su lugar lo ocupa la Teología. Nuestro país se cierra a todo contacto cultural con Europa. La superstición suplanta en las gentes a la religiosidad y florecen los supuestos milagros.

El carácter <<medieval>> del Barroco se advierte en otros síntomas. Así, en política, gobiernan ciertos ministros (los validos), como a fines del siglo XV. En lo social, frente al aristocratismo del Renacimiento, vuelve a alzarse una mayor presencia del pueblo; esto tiene consecuencias literarias, como la reaparición del gusto por los romances. El pensamiento desilusionado y estoico ante la vida, en el XV, vuelve a darse en el XVII (hay en este siglo autos sacramentales que son parecidos a las medievales danzas de la muerte).

EL BARROCO Y LA LITERATURA

Paradójicamente, este siglo que conoce la decadencia política y militar de nuestro país, alumbra un prodigioso mundo de arte. En todas las artes, España figura a la cabeza. Y ello puede explicarse en parte si pensamos que el genio español, imposibilitado de crear intelectualmente en otros terrenos, se refugia en el quehacer estético.

La Literatura conoce el esplendor, cuando aún vive Cervantes, escriben Lope de Vega, Góngora y Quevedo; poco después de su muerte, empezarán a hacerlo Calderón de la Barca y Gracián.

TENDENCIAS ESTILÍSTICAS

Es ley continuamente observable en el desarrollo de la Literatura que las épocas en que los escritores gozan de menor libertad para expresarse, se compensa tal limitación por un aumento de los artificios y de las exageraciones en el estilo. Ello es especialmente perceptible en el Barroco: nuestros autores, utilizando la lengua literaria creada durante el Renacimiento, la someten a una intensa elaboración -ya perceptible en el Manierismo de fines del XVI-, que da origen a los dos grandes movimientos estilísticos de la época: el culteranismo y el conceptismo.

No pensemos que todos los escritores del seiscientos deben repartirse entre ambas escuelas. Los hay que siguen una dirección equilibrada entre estilo y pensamiento. El barroquismo se manifiesta en ellos por su normal escepticismo ante la vida, por su pesimismo, por la tendencia moralizadora de sus obras.

LOS GÉNEROS LITERARIOS EN EL SIGLO XVII

Durante este segundo Siglo de Oro de nuestra literatura que es el XVII, la lírica llega a cumbres excelsas por obra de Lope, Góngora y Quevedo, los cuales cultivan también otros géneros.

La novela alcanza gran desarrollo. Desaparecen los libros de caballerías, tras el éxito fulminante del Quijote que los satirizó. Pero siguen escribiéndose novelas pastoriles, moriscas y, sobre todo, picarescas.

En el género didáctico se alza la excepcional figura de Baltasar Gracián, cuyas obras alcanzaron una gran difusión europea.

Por fin, el teatro conoce su apogeo, gracias a la fórmula de la comedia creada por Lope de Vega. Siguiendo sus pasos, grandes autores dramáticos triunfan en el seiscientos: Tirso de Molina (seudónimo literario del fraile mercedario, Gabriel Téllez), Juan Ruiz de Alarcón, Pedro Calderón de la Barca.

EL PROBLEMA DE LA AUTORÍA

Hasta el siglo pasado la cuestión de la autoría de El burlador de Sevilla no se había planteado. Hasta muy entrada la segunda mitad del siglo las ediciones y traducciones de la obra seguían el texto de alguna de las ediciones sueltas del siglo XVII, incluidas en volúmenes de comedias más o menos fraudulentas, entre 1653 y 1673. El texto de estas sueltas era muy similar, y todas ellas, copiadas o ligeramente modificadas durante el siglo XVIII, coincidían en el nombre del autor: Tirso de Molina. Obviamente resultaba un poco sorprendente que El burlador no hubiera sido incluido por Tirso en ninguno de los cinco volúmenes de sus Comedias.

En 1878, aparece una nueva suelta que, respetando el 80 por 100 de los versos, ofrece lecciones alternativas superiores en casi todos los pasajes dudosos. El problema es que esta suelta lleva un título diferente, Tan largo me lo fiáis, y da como autor a Calderón.

La atribución a Tirso de Molina empieza a discutirse. Eminentes hispanistas, apuntan que la obra no encaja dentro del estilo de Tirso. De no ser por la aparición de su nombre en la portada, se diría que la obra parece más bien típica de Lope de Vega, <<de las escritas más aprisa>>. La evidencia de que Tan largo y El burlador provienen del mismo tronco, y que aun admitiendo la prioridad de

El burlador en la cronología editorial, el Tan largo mejora y restituye pasajes dudosos.

El texto de TL es de gran valor como recurso enmendatorio de El burlador, aunque parece una refundición tardía, que por el tipo de papel y la tipografía utilizada en su impresión debe de ser de 1660.

Esta opinión es rechazada por doña Blanca de los Ríos que considera al Tan largo como la versión original de la obra, escrita por Tirso hacia 1616, y luego alterada por copistas o por mala restitución a partir de representaciones tardías.

Así pues, hacia los años 30 tenemos dos cuestiones importantes relacionadas con la primera versión del mito de Don Juan Tenorio: quién es su autor y cuál es el texto que debe seguirse preferentemente.

Por una parte, parece claro que varios pasajes de TL no han podido proceder de El burlador, sino de una versión previa más cercana al original perdido de Tirso; por otra, parece claro que el texto del Tan largo, presenta, al menos, cortes editoriales en tres pasajes del acto tercero. Los estudios tipográficos efectuados han aclarado que El burlador era una edición de comedias desglosables, impreso en Sevilla, seguramente entre 1627 y 1629. En cuanto al Tan largo, procede del periodo 1632-35 (probablemente 1634-35), también de Sevilla.

Así pues, la principal base de la idea de refundición para el texto conocido como Tan largo me lo fiáis, que era la distancia temporal de unos treinta años, cae por tierra. Si ambos textos han sido impresos con una diferencia de unos cinco o seis años, parece claro que se trata de versiones de la misma obra que se han transmitido por vías diferentes.

El título Tan largo me lo fiáis parece corresponder bien a la idea original de la obra, que, al igual que muchas otras de la época, desarrolla dramáticamente un dicho de carácter paremiológico.

El problema, en cuanto a la autoría de Tirso, es el siguiente: si Tirso fuera el autor de ese manuscrito que representa el estado inicial de composición, ¿qué interés habría tenido el editor en sustituir su nombre por el de Calderón? La costumbre de sustituir los nombres de los autores por otros de mayor relieve, era muy frecuente en Sevilla, según sabemos por testimonio de Rojas Zorrilla, pero precisamente Tirso era un nombre que en el periodo 1630-35 aseguraba la venta de cualquier comedia. La falsa atribución a Calderón se entiende sólo si el autor de la obra era alguien menos notorio que Tirso. Por otra parte, esta atribución a Calderón de la suelta Tan largo me lo fiáis ilumina las condiciones de la atribución anterior a Tirso en la desglosada de El burlador. Tirso había publicado en Sevilla, en 1627, su Primera Parte en la imprenta de Francisco de Lyra, la misma imprenta donde aparece el volumen original que tiene El burlador como desglosable. Está claro que la edición de ese volumen de desglosables, y, por lo tanto, la atribución a Tirso se hace sin conocimiento del mercedario, que en el supuesto de que la obra hubiera sido suya, o bien la habría incluido en esa primera parte, o bien, caso de haber aprobado su publicación posterior, no habría dejado de corregir y revisar un texto que está absolutamente estragado, y a veces de forma grave, en bastantes pasajes.

En estas condiciones, la atribución clásica a Tirso de esta obra, basada en la autoridad de un impresor fraudulento en la Sevilla de 1630, choca con el testimonio de los contemporáneos, resumido en la observación de Rojas Zorrilla: <<editan en Sevilla las obras de los ingenios menos conocidos a nombre de los que han escrito más; si es buena la comedia, robándole al autor su fama>>. Choca también con las apreciaciones críticas, basadas tanto en cuestiones de estilo como en análisis métricos o léxicos, que evidencian la disparidad entre la manera componer comedias que tiene el fraile mercedario, y las características del estilo del primer Don Juan. Ahora bien, si la obra no es de Tirso, ¿de quién puede ser?

LA ATRIBUCIÓN A CLARAMONTE

Los datos documentales y críticos en torno a Claramonte permiten proponer la hipótesis de que es él el autor de la versión inicial de la comedia, frente a la hipótesis de que existe un original perdido, obra de Tirso, que luego fue refundido o alterado por Claramonte. Se trata de cotejar ambas hipótesis y de evaluar cuál de ellas concuerda con el aparato crítico y documental de que disponemos para analizarlas.

El primer paso consiste en someter a escrutinio el principio de escolios establecido por Blanca de los Ríos para demostrar <<con certeza casi matemática>> que El burlador es obra de Tirso. Este escrutinio evidencia que lo que a Blanca de los Ríos le había parecido típico del autor de El burlador no es más que un conjunto de fórmulas comunes a todos los dramaturgos de la época.

De hecho, se descubre que existen algunos rasgos que son típicos del autor de El burlador, y que no aparecen en el teatro de Tirso, y sí lo hacen en la obra de Andrés de Claramonte. Estos rasgos afectan a veces al léxico, cuantitativo y cualitativo, a citas concretas, a metáforas constantes que aparecen no de manera aislada, sino engarzadas en redes más complejas, al uso de nombres de personajes y, naturalmente, a principios de composición escénica.

La consistencia de la autoría de Claramonte para El burlador de Sevilla se fundamenta en dos grandes principios: la verificación de fuentes y el análisis temático-crítico de su obra teatral. En cuanto a verificación de fuentes, en lo que atañe a Tirso, parece claro que las pruebas para sostener su autoría eran insuficientes y no resisten el cotejo crítico; en lo que atañe a Claramonte, las reticencias mostradas para aceptar su autoría alternativa estaban basadas en errores documentales procedentes de Menéndez y Pelayo y Hartzenbusch. En ambos casos las conjeturas han sido desmentidas documentalmente y la evidencia de que el estilo de la obra corresponde al de Claramonte desbarata la construcción hipotética y conjetural de ambos eruditos del siglo pasado. En cuanto al análisis temático y crítico de la obra de Claramonte, por fin podemos disponer de algunas ediciones fiables de parte de su producción teatral que, en su mayor parte, había permanecido inédita o editada de manera muy poco cuidadosa. En principio, los análisis de crítica interna avalan esta nueva atribución, frente al valor que se quiera dar a la doble atribución a Tirso y Calderón en las dos ediciones sevillanas del XVII. La publicación del resto de la obra dramática de Claramonte y los previsibles estudios críticos ulteriores servirán para esclarecer la identidad del creador del primer gran mito teatral español.

EL MITO DE DON JUAN

ANTECEDENTES LITERARIOS

Don Juan Tenorio es, sin duda, el personaje más universal del teatro español.

La exploración sociológica y antropológica nos ofrece algunos asideros para entender la obra: hay dos tipos de estructuras míticas sólidas, conservadas por la tradición occidental, en las que el mito de Don Juan parece entenderse bien: la historia de un burlador, que practica engaños de muy diversa índole, y que finalmente es burlado por alguien que está por encima de él. Los engaños se suelen circunscribir a comida o bienes, pero no faltan variantes de carácter sexual.

La segunda estructura en donde encaja la historia de El burlador de Sevilla es la de la doble invitación. El tipo mitológico más próximo al modelo de El burlador es el que alude a la historia del rey Diomedes de Tracia: Diomedes invita a sus huéspedes a un banquete en su palacio, y, una vez allí, los hace devorar por sus yeguas; como castigo al impío, los dioses le envían a Hércules, y éste hace que Diomedes termine siendo devorado por sus propias yeguas. Una variante paralela del mismo esquema mítico apunta dentro del tronco de mitos que derivan de Ixión. La oposición entre physis y nomos, y la ruptura de la philía, el vínculo sagrado que une a personas cercanas por parentesco o por contrato son elementos configuradores de este tipo de mito, y sin duda son parte de la construcción moral de El burlador: no en vano la familia Tenorio se ve implicada en una cuestión grave que afecta a la philía. La ruptura del nomos del orden de la sociedad, por parte de Don Juan, tiene una forma jurídica que se proyecta en dos niveles diferentes: la traición (acusación que varios personajes de su propio entorno social le hacen), y la burla del juramento, que culmina en el caso de Arminta, cuando Don Juan jura que se no cumple la palabra, acepta que le dé muerte un hombre muerto, creyendo que así se libra del castigo. El muerto, efectivamente, vuelve del Más Allá, como Embajador de las potencias ultraterrenas para restablecer el orden alterado por Don Juan.

En cuanto a la propia sociedad del Barroco, no parece difícil hallar el fondo social que hace posible la emergencia de Don Juan. Entre 1600 y 1617, podemos seleccionar una buena docena de obras que desarrollan temas y motivos próximos al de Don Juan.

En Los embustes de Celauro (Lope de Vega, manuscrito 1600), el protagonista, Celauro, se vale de todo tipo de mentiras, traiciones y embustes para arruinar el matrimonio de Lupercio y Fulgencia. Algunas escenas concretas y algunos fragmentos textuales presentan bastante paralelismo con escenas o fragmentos de El burlador. Del mismo Lope tenemos La fuerza lastimosa, que coincide con El burlador en varios nombres de personajes (Duque Octavio, Isabela, Don Juan, Fabio) y tiene algunas escenas semejantes, se editó en 1612. La tercera obra de Lope de Vega que tiene mucho que ver con El burlador es El villano en su rincón (impresa en 1617, escrita seguramente hacia 1611-12), no tanto por el paralelismo entre Otón y Don Juan, o la idea de las labradoras que buscan un marido noble, sino por el hecho esencial de que la obra se articula sobre el motivo de la doble invitación, y utiliza como efecto de escena el de la lápida grabada en una estatua, y la idea de que el personaje de la estatua luego aparece en el banquete.

El motivo seducción, promesa incumplida, huida y castigo final del seductor, está expresado de manera drástica en La serrana de la Vera de Luis Vélez (manuscrito, 1613). También presenta grandes similitudes con la historia de Don Juan la obra de Claramonte Deste agua no beberé, en donde coinciden los Tenorio y el nombre de Tisbea, y en donde la conducta del Rey don Pedro es semejante a la de Don Juan Tenorio.

La sexta obra conocida que tiene relación con El burlador es La fianza satisfecha, atribuida a Lope sin mucho fundamento. El parentesco entre Don Juan y Leonido ha sido puesto de manifiesto por la crítica en varias ocasiones. En total, en esos 17 años iniciales del siglo XVII se escriben, representan y/o editan, media docena de obras que tienen algunos, bastantes o muchos puntos de contacto con los motivos que articulan el mito de El burlador.

Hay otras dos obras que guardan una fuerte relación con nuestra obra, pero que hasta ahora han sido desatendidas o ignoradas por la crítica, se trata de El secreto en la mujer y El ataúd para el vivo y el tálamo para el muerto.

En cualquier caso queda claro que hacia el periodo 1612-16, ya sea en la escena, ya en los volúmenes impresos de Lope, el teatro español está tratando los temas y motivos que vemos, articulados como un mito universal, en El burlador de Sevilla.

PERSONAJES

DON JUAN TENORIO, hijo

ISABELA, duquesa

EL REY DE NÁPOLES

EL EMBAJADOR DON PEDRO TENORIO

CATALINÓN, lacayo

RIPIO, criado

EL DUQUE OCTAVIO

TISBEA, pescadora

CORIDÓN, pescador

ANFRISO, pescador

DON GONZALO DE ULLOA

EL REY DE CASTILLA

BELISA, villana

DON DIEGO TENORIO, viejo

EL MARQUÉS DE LA MOTA

DOÑA ANA DE ULLOA

BATRICIO, labrador

ARMINTA, villana

GASENO, labrador

DON JUAN. La primera y más fiable aproximación a Don Juan como personaje la tenemos en los monólogos y en los apartes. El primer monólogo, y el más explícito, es el que sigue a la recepción del billete amoroso de Doña Ana; Don Juan todavía no ha leído el mensaje, pero ya se imagina la posibilidad de traicionar a su amigo burlando a su enamorada. Es él mismo quien habla de engaño y de burla. Más adelante, el acecho de Arminta, insiste: <<yo quiero poner mi engaño por obra, el amor me guía a mi inclinación, de quien no hay hombre que se resista>>. Su inclinación le fuerza a burlar y engañar, y él es consciente de que esta conducta es delictiva.

Don Juan, frente a sus propias vivencias opone la necesidad de ajustarse a su imagen, la imagen que de él tiene Sevilla: un profesional de la burla y un hombre temerario.

Se espera que burle más y mejor que sus posibles rivales, y en ello entra burlar a sus propios rivales; y se espera también que no retroceda ante el miedo, ni siquiera ante el miedo corporeizado en una figura de ultratumba.

Don Juan es el exponente de una clase entera de hidalgos, de jóvenes de buena familia que, protegidos por sus relaciones políticas y por su posición social, afrontan el ordenamiento legal del reino y hacen caso omiso de las reglas morales de la sociedad.

Traición, maldad y delito están en boca de las víctimas de su conducta y son la evidencia objetiva de su conducta. Don Juan se nos presenta como seductor y valiente, pero de hecho es un personaje que no duda en practicar la mentira, el engaño, el delito y la traición como medios para mantener su fama, para certificar que su puesto de número uno de la burla y de la arrogancia está conseguido y mantenido por méritos propios.

El castigo que la obra prepara no tiene contenido teológico alguno. Se trata de la manifestación de una justicia necesaria, que se ejerce sobre un individuo, un Juan Tenorio concreto, que personifica el grado más elevado de corrupción social y moral de todo un plantel de burladores.

CATALINÓN. Por un lado asume la función teatral del gracioso, y, por otro, la sujeción u obediencia que debe a su amo, que representa una serie de valores que Catalinón desaprueba. Frente a las transgresiones, delitos y traiciones del burlador, encarna la conducta social admisible. Simplemente, su status de criado no le permite ir más allá de la reconvención o desaprobación. Como personaje no le es factible oponerse sin infringir el decoro del criado frente a su amo. Ante la evidencia de la actitud de Don Juan, Catalinón actúa como un contrapunto cómico que expresa sus miedos y temores y recurre a la broma o al chiste para ahuyentarlos.

DON GONZALO DE ULLOA (COMENDADOR). Su largo parlamento sobre Lisboa le permite estar en escena el tiempo suficiente para hacerse ver por el espectador, aunque en todo este tiempo nada nos dice sobre sí mismo.

En el momento brevísimo de su muerte alude al cargo grave que pesa sobre Don Juan: traición y homicidio del honor.

Cuando Don Gonzalo muere, asume la función paterna que nadie es capaz de asumir: la de castigar al perturbador.

TISBEA. Es la figura que simboliza la mujer doncella y orgullosa de serlo; frente a las demás pescadoras que se dejan arrullar por los mozos.

Tisbea representa la entrada de la mujer en el Amor.

De todos modos conviene no idealizarla demasiado. Desde el comienzo está escondiendo una carta en la manga, que es la identidad de su burlador. Tisbea se ha cerciorado bien de sus derechos a través de la promesa, y una vez cumplido el ritual amoroso sus palabras de protesta están perfectamente enmarcadas: <<engañóme el caballero debajo de fe y palabra de mando, y profanó mi honestidad y mi cama... en la presencia del Rey tengo de pedir venganza>>.

Dramáticamente el fondo de este episodio está prefigurando ya el esquema de construcción del mito: quien burla primero, más tarde será burlado.

MARQUÉS DE LA MOTA. Pertenece también a este linaje de nobles burladores, pero, a diferencia de Don Juan, él sí se enamora de manera real. El Marqués no pretende <<burlar>> a Doña Ana, aunque sí verse con ella despreciando la autoridad paterna.

El prendimiento, la condena a muerte y la estancia en la prisión de Triana actúan poéticamente, con una doble función: por un lado, exhiben en escena el castigo que corresponde al delito. El Marqués suplanta a Don Juan en el ritual del castigo: cumple su condena. Por otro lado, sin duda, desde el punto de vista de la construcción de la obra, esta expiación es necesaria para poder justificar el desenlace feliz de los amores entre él y Doña Ana.

En cuanto a su amor por su prima, el rescate del episodio de la torre resulta esencial para entender la función dramática del personaje. El Marqués siente la burla de su falso amigo en la deshonra de su prima. No es propiamente su situación de reo de homicidio lo que más le afecta: es el hecho de haber sido castigado en la única mujer a la que él no hubiera burlado.

OCTAVIO. Es el auténtico antagonista de Don Juan. Es el gran estafado: desde el comienzo lo vemos como enamorado de Isabela, y al mismo tiempo como hombre poco firme (sus dudas y angustias sobre la conducta de ella) y bastante voluble: acepta la boda con Ana de Ulloa y pasa a olvidarse al instante de Isabela. Octavio representa un grado menos que el Marqués de la Mota en cuanto a su estima por las mujeres.

No hay conciencia de que se trate del mismo tipo de alegre crápula que son Don Juan y el Marqués.

La escena del tercer acto, en la que idea una trampa para pillar a Don Juan utilizando a Arminta y Gaseno, no avala sus escrúpulos a la hora de tratar a la gente llana.

BATRICIO. Es el último de los burlados. A través de él descubrimos uno de los ejes de oposición entre Corte y Aldea. Don Juan le vence acudiendo al honor; el honor, como apunta el autor de la obra por boca de Don Juan <<se fue a la aldea, huyendo de las ciudades>>. Don Juan, personaje negativo, se aprovecha precisamente de una virtud de su oponente que él entiende como debilidad. Batricio se nos presenta como la antifigura del burlador. A diferencia de Octavio, del Marqués, o del casi invisible Anfriso, Batricio es un personaje muy cuidadosamente presentado. Escénicamente aparece como <<segunda víctima>>, después de la injusta prisión del Marqués.

Batricio es el primer burlado contra quien Don Juan actúa de manera brutal: la unión ya era un hecho. La llegada de <<un caballero>> en sus bodas se presenta como un mal agüero. Internamente, Batricio está anunciando el desenlace que él intuye para su episodio.

ARMINTA. Es la última burlada, y la única en la que la burla actúa en la esfera sacramental. La burla a Arminta entra en el terreno de lo sagrado, ya que el vínculo matrimonial existe.

Arminta, recién casada, enamorada de Batricio, obediente a su padre, se encuentra en breves instantes, con su universo resquebrajado: una boda rota y un noble caballero en su aposento con la venia de su padre, pero una vez engañada, acepta entrar en la burla bajo promesa de nuevo matrimonio.

ISABELA y ANA. Representan la aventura amorosa antes del matrimonio.

El desparpajo de Isabela es muy notable, y apunta a la integración de la aventura amorosa en un plan más seguro, que incluye el cumplimiento de la obligación.

Ana de Ulloa nos permite precisar que este plan de independencia amorosa implica la oposición a la autoridad paterna y la libertad para usar de su destino y de su amor según su deseo.

Ana e Isabela representan o simbolizan en esta obra el tiempo de la elección de su pareja y su independencia para defender esa elección frente a la imposición paterna, reflejo de la autoridad del monarca.

POLIMETRÍA EMPLEADA POR EL AUTOR

La tipología teatral de El burlador se puede definir así:

a) el conjunto redondilla + quintilla alcanza un 46%;

b) el conjunto romance + romancillo, un 37%,

c) las décimas están alrededor del 6% y hay un pasaje en cada acto;

d) las formas menores empleadas (todas por debajo del 5%), son las octavas, el sexteto-lira, las letrillas y varias canciones;

e) el uso de quintillas está también por debajo del 5% y sólo aparecen en un acto.

La tipología métrica de El burlador encajaría con el periodo 1613-1616.

ACTO I Versos

Redondillas 1 -120

Romance e-a 121-190

Redondillas 191-278

Romance o-o 279-315

Décimas 316-375

Romancillo heptasílabo o-a 376-517

Redondillas 518-697

Endecasílabos sueltos 698-722

Romance e-a 723-877

Redondillas 878-981

Canción 982-985

Romance a-a 986-1045

ACTO II Versos

Octavas reales 1046-1117

Redondillas 1118-1481

Canción pareada + redondillas 1482-1560

Redondillas 1561-1617

Romance a-a 1618-1683

Canción epitalámica 1684-1687

Letrillas abbaac;cddd 1688-1727

Décimas (una alargada) 1728-1819

Canción epitalámica 1820-1823

ACTO III Versos

Redondillas 1824-1951

Romance i-a 1952-2141

Sexteto-lira aBaBcC 2142-2261

Quintilla 2262-2326

Redondillas + canción 2327-2454

Romance 2455-2542

Octavas reales 2543-2590

Romance a-a 2591-2642

Décimas 2643-2670

Quintillas 2671-2720

Romance a-e + canción 2721-2968

En primer lugar, las formas romanceadas se dividen de muy distinta manera: en el primer acto se usan para relaciones. Don Pedro cuenta al Rey de Nápoles y al Duque Octavio, los sucesos nocturnos por medio del romance; Don Gonzalo cuenta cómo es Lisboa a través de un largo romance, y Tisbea cuenta su vida y carácter en un romance heptasílabo. A partir de aquí el uso del romance no va a tener carácter narrativo, sino preferentemente dramático: utiliza Tisbea el romance para la escena del prendimiento del Marqués en el segundo acto, y se vuelve a utilizar para la seducción nocturna de Arminta, ya en el tercer acto. El dramatismo que cobra el uso del romance se desvela en todo el proceso final del duelo entre Don Juan y la Estatua. A partir de la cena del Comendador en la posada, en el momento mismo en que ha terminado la canción con el último verso premonitorio, iqué largo me lo fiáis!, comienza el romance, que es la forma de base de la segunda mitad del tercer acto: romance agudo en -ó para la escena de la promesa de Don Juan a la Estatua, con el primer apretón de manos, escena de enorme densidad trágica; romance en a-a para la querella de Octavio con el Rey y el padre del Burlador, y finalmente romance en a-e, con el refuerzo del tema cantado, y del refrán quien tal hace, que tal pague, abarcando desde el reencuentro con la Estatua hasta los últimos versos de la obra.

Parece claro que el romance está sirviendo para enlazar las escenas de seducción con las de castigo.

A cambio, lo que es el desarrollo de la historia en sus episodios generales está tratado en redondilla. Las variaciones sobre estos modelos centrales son muy interesantes: los tres pasajes en que hay décimas corresponden a pasajes de quejas de los novios burlados: Octavio en el primer acto, Batricio en el segundo y el Marqués de la Mota en el tercero. Aunque los participantes en cada escena varían, la insistencia es reveladora: la décima se utiliza para quejas de engañados.

Los endecasílabos, sea en sueltos o en octavas reales, corresponden a escenas de personajes que hablan en presencia del Rey de Nápoles o del Rey Alfonso.

A cambio, el endecasílabo combinado con heptasílabo en sextetos-liras se usa para la escena del encuentro entre Isabela y Tisbea, de intenso dramatismo. Teniendo en cuenta que Tisbea tenía su monólogo en romance heptasílabo, se diría que el autor de la obra usa el heptasílabo para voz femenina, y expresa el dramatismo por medio del contraste heptasílabo/endecasílabo. Las letrillas con estribillo de vuelta de canción sirven para la escena alegre de las bodas, y los dos pasajes de quintilla del tercer acto tienen en común el que hacen intervenir a personajes de dos tipos, amo y criado o noble y rústico.

ANÁLISIS EN FUNCIÓN DE PARTICIPANTES

En el primer acto hay un monólogo, el de Tisbea, resuelto en romancillo, al que se podría calificar como monólogo lírico-narrativo, y un parlamento (casi monólogo) dramático de la propia Tisbea al final del acto, en romance octosílabo. En el segundo acto tenemos el primer monólogo de Don Juan después de recibir el papel: 44 versos en redondillas, con una parte central, que es la lectura de la carta.

Un breve monólogo dramático del Marqués, tras la muerte del Comendador, que deriva en su prendimiento. En este caso la escena entera, definida por la presencia del Marqués, consta de monólogo y diálogo, y está enteramente en romance.

El tercer acto comienza con el monólogo de Batricio (64 versos en redondillas), continúa con el diálogo dramático Batricio-Don Juan, y termina con un breve monólogo de Don Juan (20 versos). La escena total son 128 versos, íntegramente en redondillas, y anuncia ya el cambio de tono en ese verso final temático, tan largo me lo guardáis. La escena siguiente consta de cinco secuencias, y el cambio de tono lo da la primera, un breve diálogo entre Arminta y Belisa. El tema ¿qué caballero es este que de mi esposo me priva? Va a ser desarrollado manteniendo como nexo de unión el romance.

TRASCENDENCIA E INFLUENCIA POSTERIOR DE LA OBRA

En España, a mediados del XVII surge ya una primera y muy interesante variación: La venganza en el sepulcro, de Alonso de Córdova y Maldonado. A primeros del XVIII Antonio de Zamora escribe su obra No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague, que pervive en los escenarios hispánicos hasta el Don Juan Tenorio de Zorrilla. Después, versiones más o menos afortunadas, como las de Villaespesa o Jacinto Grau, o variantes narrativas como el Don Juan de Torrente Ballester, han mantenido una constante en la reaparición del mito, en el campo de las letras españolas. Las versiones de Marañón, con su interpretación nueva y original, desde un punto de vista clínico; la de Azorín (Don Juan y Doña Inés) dentro de la ficción novelesca, y la obra teatral de Salvador de Madariaga, La Don Juanía, en la que los personajes son todos autores de <<Don Juanes>>: Tirso, Molière, Byron, Mozart, Zorrilla y Pushin...Por supuesto, no se puede olvidar la pervivencia del simbolismo donjuanesco en figuras literarias típicas, como las del Don Juan Manuel de Montenegro, de Valle-Inclán, o las recreaciones de Enrique Jardiel Poncela que llegó a crear un Don Juan femenino en Pero...¿hubo alguna vez once mil vírgenes?

En Europa el personaje ha tenido, si cabe, aún mayor vigencia y vitalidad que en España. Los primeros esbozos de Andreini culminarán el siglo siguiente en el libreto italiano escrito por Lorenzo de Ponte para la ópera inmortal de Mozart. Variantes de las versiones italianas dan los burladores de Dorimond y Villiers, que servirán de base al Don Juan de Molière, pieza esencial en el teatro francés, sin olvidar el más moderno Don Juan de Montherlant. En Inglaterra el Don Juan de Byron se constituye en la pieza clave del romanticismo, e influye sin duda en las variaciones románticas que aparecen en Les âmes du purgatorie, de Mérimée, en donde entremezcla la leyenda de Don Juan Tenorio y la de un Don Juan del siglo XVII, Don Juan de Mañara. Este motivo lo retomará en España Antonio Machado.

En Centroeuropa la figura de Don Juan se asocia frecuentemente al otro gran mito romántico: Fausto. El Don Juan y Fausto de Christian Grabbe (1829) precede al del austrohúngaro Lenau, y coexiste con las piezas de E.T.A. Hoffman. Todo un siglo de variaciones de Don Juan en la escena centroeuropea culminarán en la obra de Max Frisch, Don Juan o el amor a la geometría (1952), replanteamiento del mito a partir de consideraciones más modernas y problemáticas de la esencia del personaje.RESUMEN

ACTO I

Don Juan, un joven noble español desterrado en Nápoles, tras seducir a la duquesa Isabela, suplantando la identidad de su novio, es descubierto, pero consigue escapar sin ser conocido, con la complicidad de su tío.

De regreso a España, el barco en el que viajaba, naufraga, y en las costas de Tarragona, Don Juan vuelve a seducir a una doncella, en este caso, una humilde pescadora llamada Tisbea, bajo promesa de matrimonio.

Una vez que ha gozado de ella, la abandona y vuelve a Sevilla.

ACTO II

El Rey de Castilla, que ya se ha enterado del incidente ocurrido en Nápoles, pretende aplacar los ánimos de las víctimas, casando a la Duquesa con Don Juan, y al Duque Octavio, el novio engañado, con Doña Ana de Ulloa, hija del Comendador de Calatrava.

Estando Don Juan ya en Sevilla, sucede, que Doña Ana, hace llegar un papel a su primo por medio de Don Juan, para que la rapte y la despose; Don Juan, amigo del Marqués, le traiciona y repite el engaño de Nápoles, pero es descubierto por el Comendador. Don Juan lo mata, y consigue hacer aparecer al Marqués como culpable. Acto seguido huye hacia Dos Hermanas, donde tiene lugar una boda de aldeanos, Arminta y Batricio.

ACTO III

Con otro engaño Don Juan convence a Batricio de que Arminta es amante del propio Don Juan desde hace tiempo, y bajo promesa de matrimonio y, con la aprobación del padre de Arminta, la seduce y abandona. Entre tanto, la Duquesa Isabela y la pescadora llegan a Sevilla, tras haber descubierto la argucia de Don Juan; el Duque Octavio y el Marqués claman venganza.

El Rey ya ha decidido una solución, pero Don Juan, en Sevilla, sigue haciendo de las suyas: entra en una iglesia, se burla de la Estatua del Comendador ante su sepulcro, y la invita a cenar. La Estatua acepta la invitación y se presenta en la posada, donde requiere a Don Juan que a su vez vaya a cenar a la iglesia. Don Juan acepta el reto y al día siguiente, en vez de asistir a las bodas preparadas por el Rey, cumple su palabra y devuelve la visita al Comendador.

Una vez allí la Estatua le toma la mano y se lo lleva a los infiernos.

LA DRAMATURGIA DE <<EL BURLADOR>>

Ni Lope, ni Shakespeare, ni el autor del Burlador de Sevilla han respetado la regla de las tres unidades. Muy al contrario, lo que caracteriza a las obras maestras de la escena europea es que los elementos teatrales de espacio, tiempo y acción son formas que la historia dramática utiliza para realizarse. Una historia como la de Don Juan, en la que el vértigo, la inestabilidad y la ruptura son esenciales no necesita para nada la unidad de espacio. En cuanto a la unidad de tiempo, el propio itinerario del protagonista la impide: no hay forma de pasar de Nápoles a Tarragona, luego a Sevilla, pasar a Dos Hermanas, y regresar a Sevilla, todo ello respetando la unidad. En cuanto a la acción, como se sabe, El burlador trabaja sobre una doble tensión dramática, la de quien huye y la de quienes persiguen. El espectador asiste a una huida sistemática, la de Don Juan, que opera según el principio <<Transgresión-Huida>> para evitar la aplicación del orden, que impone la lógica moral <<Transgresión-Castigo>>. El castigo o la venganza es reclamada por los damnificados por el sistema de transgresiones del burlador. Al final, el Castigo, que ha estado siendo diferido por el encadenamiento de las huidas, reaparece a través del mayor damnificado de todos: el Muerto regresa para vengarse de quien lo mató. Hay, por tanto, una relación dialéctica entre los motivos Huida y Persecución, y los temas Transgresión-Castigo. La unidad de acción existe en tanto se admita que dentro de la unidad subyace la complejidad.

EJEMPLOS

Redondilla

a Y con secreto ha de ser,

b que algún mal suceso creo;

b porque si yo aquí los veo 35

a no me queda más que ver.

Romance

No importan fuerzas,

guardas, criados, murallas,

fortalecidas almenas

para Amor, que la de un niño 175

hasta los muros penetra.

Don Pedro Tenorio, al punto

a esa mujer llevad presa

a una torre, y con secreto

haced que al Duque le prendan, 180

que quiero hacer que le cumpla

la palabra o la promesa.

Décima

a Como es verdad que en los vientos

b hay aves, en el mar peces,

b que participan a veces

a de todos cuatro elementos,

a como en la gloria hay contentos, 350

c lealtad en el buen amigo,

c traición en el enemigo,

d en la noche oscuridad

d y en el día claridad,

c así es verdad lo que digo. 355

Endecasílabos sueltos

La mayor ciudad de España.

Y, si mandas que diga lo que he visto

de lo exterior y célebre, en un punto

en tu presencia te pondré un retrato. 720

Canción

A pescar sale la niña,

tendiendo redes,

y en lugar de pececillos

las almas prende. 985

Octava real

A No me parece mal, como no inquiete

B al Duque la pasión que de Isabela,

A con el amor que tuvo, nos promete,

B en cuya confusión hoy se desvela. 1065

A Pues la ocasión tenemos del copete,

B asirla, que es ligera y siempre vuela;

C y viene a ser aqueste el mejor medio,

C que a dos casos como estos da remedio.

Letrillas

a Sobre esta alfombra florida,

b adonde, en campos de escarcha

b el sol sin aliento marcha 1690

a con su luz recién nacida,

a os sentad, pues nos convida

c al tálamo el sitio hermoso.

Canción epitalámica

Lindo sale el Sol de abril 1820

por trébol y toronjil,

y aunque le sirve de estrella

Arminta sale más bella.

Sexteto-lira

a ¡Que me robase el sueño

B la prenda que estimaba y más quería...

a ¡Oh, riguroso empeño

B de la verdad, oh máscara del día! 2145

c ¡Noche al fin tenebrosa,

C antípoda del Sol, del Sueño esposa!

Quintilla

No pregunto

si lo son. Cuando me mate 2280

Octavio, ¿estoy difunto?

¿No tengo manos también?

¿Dónde me tienes posada?