EL ECLECTICISMO HISTORICISTA

La arquitectura de la ingeniería tiene su desarrollo en plena Revolución Industrial en pleno siglo XIX. Se acrecienta el comercio y se acelera la producción de bienes de consumo. El campo de la construcción es fuertemente influido por el progreso tecnológico propio del momento.

La ciudad se convierte en el punto más favorecido en el que concurren las actividades productivas, las de intercambio, las económicas y las de decisión. La demanda del mercado aumenta constantemente por el mayor nivel  de vida de los habitantes y por el perfeccionamiento de muchos productos debido al empleo de maquinas que trabajan con vapor. Comienzan a aparecer dos clases de productos los tradicionales y los nuevos. Esto define lo que ocurre en numerosos campos, la coexistencia del diseño conservador y los nuevos diseños industrializados. Esto se refleja en la arquitectura donde coexisten las topologías antiguas y las modernas ambas representadas por la Ecole des Beaux-Arts (1806) y la Ecole polytechnique (1794) respectivamente, la de los arquitectos y la de los ingenieros.

La arquitectura de la ingeniería es un fenómeno técnico que marca el paso entre el pasado y el presente. La arquitectura de la ingeniería tiene tres grandes campos de aplicación el de los puentes de hierro, el de las grandes cubiertas de hierro y cristal y el de los grandes edificios de pisos con esqueleto metálico.

Así las hilanderías propias de la época comienzan a utilizar columnas de fundición de hierro para reducir la ocupación de muros de mampostería.El campo de las cubiertas de hierro y cristal tiene precedentes en el siglo XVIII, estas construcciones generan una topología amplia y variada que se desarrolla plenamente en el siglo XIX con los invernaderos, los mercados cubiertos, los grandes almacenes, las estaciones ferroviarias, y las instalaciones para exposiciones. Como ejemplo de grandes exposiciones podemos citar el Palacio de Cristal construido por Joseph Paxton en el 1851 en Londres, La Galerie des Machines de Dutert y Contamin y la Torre Eiffel ambas realizadas para la Exposición Universal de Paris de 1889. Todas estas obras combinan el gigantismo arquitectónico con el que se asocia a la industria y comercio con la confianza optimista hacia el futuro progresista. 

A fines del siglo XVIII se produce un desdoblamiento y separación de la figura del arquitecto de la del ingeniero. La figura del ingeniero prevalece entre las demás, es el realizador de las nuevas estructuras técnicas atrevidas y futuristas. 

NEOCLASICISMO

El neoclasicismo es una corriente historicista que para las nuevas edificaciones utiliza los elementos arquitectónicos de la antigüedad clásica.

NEOGÓTICO

El neogótico es un estilo inspirado en el gótico, cuyo florecimiento debe mucho a las corrientes del romanticismo nacionalista

ESCUELA DE CHICAGO

Esta Escuela de Arquitectura se caracterizará por su arquitectura comercial, cuya tipología más importante es el rascacielos, nuevo género arquitectónico inventado por ellos. La estructura básica característica de sus obras será de acero, lo que permitirá alcanzar grandes alturas sin engrosar excesivamente los muros y pilares. Aparecen nuevos sistemas de cimentación y estructuras y, además, crean el ascensor, como conexión entre plantas. Otra de sus características es que la estructura metálica se apreciará perfectamente en el exterior. Las fachadas no seguirán ningún lenguaje histórico.

EL CRISTAL PALACE
El Arquitecto y paisajista inglés Joseph Paxton, conocido sobre todo por su proyecto para el Crystal Palace. Trabajó como jardinero para el duque de Devonshire en Chatsworth, Derbyshire, y allí se inició en la construcción de grandes invernaderos. Basándose en esta experiencia proyectó una sala de hierro y vidrio para la primera Exposición Internacional celebrada en Londres el año 1851. Este enorme edificio de 600 m de longitud se conoció con el nombre de Crystal Palace (palacio de cristal), y fue la primera estructura construida en su totalidad con piezas prefabricadas. Paxton también fue uno de los arquitectos paisajistas más importantes de su época y entre sus obras se encuentran numerosos jardines públicos y privados, como los de Chatsworth, el Crystal Palace y Birkenhead

LA BOLSA DE AMSTERDAM

El renombrado arquitecto de Amsterdam H.P. Berlage diseñó De Beurs (La Bolsa) en el año 1903, mejor conocida como “Beurs van Berlage”. Con sus sobrias fachadas de ladrillo, su modesta decoración y su tejado de hierro, De Beurs marca el comienzo de la arquitectura moderna en Holanda.
Es una obra de arte creada conjuntamente por varios artistas. La torre revela la admiración que sentía Berlage por la Italia medieval tardía. Es curioso como expresaba Berlage el carácter individual de cada lado del edificio en la fachada.
Después de una restauración, la cual se finalizó en el año 1990, las funciones de Beurs se han convertido en el llamado Palacio Público, o lo que es lo mismo un centro cultural para exposiciones, conciertos y acontecimientos.

ART NOUVEAU

El art nouveau es un estilo nacido a finales del siglo XIX, este es un estilo rebuscado, móvil, con un dinamismo espiral, amante del arabesco fantástico y cuyo mayor mérito consiste en haber adecuado los productos artísticos a la vida moderna y los objetos artísticos modernos al gusto artístico .El modernismo puso fina los eclecticismos reinantes y a los academicismos en boga. En arquitectura, construye (por el empleo de diseños atrevidos y de materiales nuevos como el cemento armado) el punto de partida del quehacer contemporáneo. Destaca su influencia en las artes industriales y decorativas, donde se acusa el empleo de temas florales y de la fauna acuática.

LA SECESSION

Viena era la capital del Imperio austro húngaro y una de las grandes potencia europeas. Vivía en un mundo de tradiciones, sin embargo, aparece un grupo de arquitectos que intentaba romper con lo establecido, fundando el movimiento de Secession. Ellos se encargarán de las exposiciones de arte secesionista en las que destacó la labor de Klimt y Moser. Estos arquitectos tienen relaciones con el modernismo francés y con el Arts and Crafts con la idea de la obra completa y bien hecha.

LA ESCUELA DE GLASGOW Mackintosh

Mackintosh quien creó la Escuela de Glasgow cuyo nuevo edificio lo hizo el propio ganando un concurso. Años más tarde se amplia, creando una biblioteca. Los elementos de la portada se articulan de modo abstracto, pero sin recurrir a los historicismos, inventándose un propio lenguaje muy peculiar. La fachada es de granito, su portada está en el centro pero sin simetría, pues hay distinto número de ventanas a sus lados y la propia portada es asimétrica y abstracta, con lo que Mackintosh jugaba con el balance. Sin embargo, había referencias al pasado escocés, como el uso del ladrillo y la piedra y la forma de castillo antiguo, con su torreón. En el interior destaca el diseño de Mackintosh, que influirá en los movimientos posteriores

Después del éxito de la Escuela de Glasgow, Mackintosh recibe de encargos de casas, una de las cuales, la más interesante, la Hill House alrededor de 1901, estará formada por formas que lo harán muy abstracta, aunque usará elementos de influencia bernácula, como las torres de esquina, forma en L, chimeneas, etc.

GAUDI

Antoni Gaudí fue un arquitecto español provenía de una familia de calderos y estudio arquitectura en Barcelona. En esta ciudad realizo la mayoría de sus proyectos, desde la casa Vicens, hasta la madurez de las casas Batlló, Milá, La pedrera, pasando por otras contriciones como el palacio de Güell, el colegio de Santa Teresa, la casa Calvet, la casa de campo Bellesguard y el conjunto urbanístico del parque Güell. Pero el gran proyecto de Gaudí fue el templo expiatorio de la Sagrada Familia, cuyas obras comenzó a dirigir en 1883 y que dejó inacabado a su muerte. Fuera de Barcelona realizó la villa El capricho en Comillas, el palacio episcopal de Astorga, la casa de los Botines en León y la iglesia de la colonia Güell de Santa Coloma de Cervelló. Fue máximo representante del modernismo barcelonés, la obra arquitectónica de Gaudí ha sido valorada internacionalmente como una de las originales de la época contemporánea.

PROTORRACIONALISMO

El rechazo del modernismo a principios del siglo XX por el protorracionalismo significó el advenimiento de las primeras vanguardias y un paso más hacia el arte moderno. En Francia, Auguste Perret (1874-1954) y Tony Garnier (1869-1948) aportaron mucho a la arquitectura protorracionalista. El primero introdujo el cemento armado en las construcciones. El segundo diseñó un nuevo modelo de ciudad. Ambos eran partidarios de abaratar los materiales y de organizar los edificios y las ciudades funcionalmente. Garnier ideó, en 1901, su Cité Industrielle (Ciudad industrial), estructurando las zonas de la ciudad según su función (industria, mercado, viviendas, lugares de ocio) y abriendo amplias vías de tráfico. Hacia 1910 se multiplicaron en Europa los edificios protorracionalistas, la mayoría realizados en hormigón armado.

HOFFMANN

Fue discípulo de Wagner. Tenía un gran interés por las soluciones funcionales y razonables y por la decoración interior. En la decoración hay una predisposición por la línea recta, muy parecido a Mackintosh. El fundó la empresa Wiener Warkstatte (talleres de Viena) junto con Klimt y Moser, destacando su producción en objetos de interior, reformándolos, con lo que recoge la idea del Arts and Crafts.

ADOLF LOSS (1870-1933)

Es un personaje muy importante para la historia de la arquitectura. Es un precursor de la arquitectura moderna y el primero en plantear el problema de la planta libre. Loss es el arquitecto que representa la ruptura con la tradición. Es un gran intento de hacer una arquitectura nueva, distinta a la anterior, lucha buscándola. Para ello se basa en la desornamentación o moderación de la ornamentación. Su arquitectura es muy sencilla y austera en volúmenes, planos y líneas. Todo esto lo consigue años antes que Le Corbusier, padre de la arquitectura moderna. Él pensaba que el verdadero estilo de la época llegaría cuando se eliminase la ornamentación y se apreciase la forma, la proporción. La casa Steiner de Viena es contemporánea de la fábrica de turbinas AEG de Peter Behrens (en Berlín), y ambas representan la misma posición de severidad contra toda ornamentación, a favor de una fría y puritana estereometría constructiva, una arquitectura que quería ser práctica, limpia, social. Es además un gran teórico cuya obra está condensada en dos libros Dicho en el vacío (1897-1900) y Ornamento y delito y otros ensayos.

PETER BEHRENS

Arquitecto y diseñador alemán. Nació en Hamburgo y, aunque inició su carrera como grafista, dentro de la corriente Art Nouveau, a partir de 1900 comenzó a practicar también la arquitectura. Behrens evolucionó muy pronto hacia un estilo geométrico y austero, que con el tiempo se impondría como el arquetipo de la arquitectura industrial. En 1907 comenzó a trabajar como director artístico de la AEG (Allgemaine Elektricitäts-Gesellschaft), empresa para la que diseñó una gran cantidad de productos, algunas fábricas e incluso las viviendas de sus trabajadores. Behrens fue un pionero en la implantación arquitectónica de nuevos materiales y técnicas constructivas. Entre sus obras fundamentales destaca la nave de turbinas para la AEG (1909) en Berlín, construida en hormigón colado, acero visto y grandes cristaleras de vidrio plano, sin ninguna referencia historicista. En la Höchster Farbwerke (1920-1924), cercana a Frankfurt, construida en ladrillo, se acercó a la corriente expresionista, aunque fue menos radical en el uso de los materiales. En su estudio trabajaron tres jóvenes que más tarde se convirtieron en los maestros del movimiento moderno: Walter Gropius, Ludwig Mies Van der Rohe y Le Corbusier.

AUGUSTE PERRET:

Fue un gran arquitecto francés, uno de los más importantes del movimiento moderno. Fue pionero en el empleo constructivo del hormigón armado, como muestra el edificio de viviendas de la rue Franklin (1902-1903) en París, la primera obra residencial construida en este material. Perret siempre intentó mostrar de una forma expresiva la estructura de sus edificios. Con el tiempo, sus proyectos evolucionaron hacia el estudio de las proporciones clásicas, más relacionadas con sus antecesores, como se observa en la iglesia de Notre Dame du Raincy (1923). Después de la guerra, dirigió la reconstrucción de la ciudad de Le Havre, donde implantó una retícula ortogonal (hipodámica) basada en los modelos clásicos, con un amplio eje central, grandes plazas y viviendas prefabricadas según un prototipo uniforme.

TONY GARNIER

Hijo de un diseñador textil, se educa en el ambiente de Lyón. Alumno de la academia de Francia en Roma, presenta para el concurso del Grand Prix de Rome de 1901, el proyecto de una ciudad industrial, a construir en hormigón armado, hierro y vidrio. En 1903, gana el primer premio con el proyecto de reconstrucción completa de la ciudad de Tuscolo. Completa el proyecto de ciudad industrial para presentarlos en Paris, ha construyó una serie de edificios públicos ejemplares y de barrios de viviendas, encuadrados por un plan unitario, gracias al encuentro de Tony Garnier con E. Herriot, diputado radical, alcalde de Lyón. Construyó una modesta lechería con establos en el parque de la Tete d´Or, en 1904. Luego le siguen obras mayores, el complejo del matadero y del mercado de ganado de la Mouche, convertidos en fábrica de proyectiles durante la guerra y restituido a su función tras la finalización de esta, también construyó un estadio olímpico pero las obras se interrumpieron a causa de la 1ª guerra mundial y luego no se han reanudado. El Hospital de la Grauge-Blanche (1915), dedicado a Edouard Herriot, tras la muerte de este, es un vasto jardín en suave declive, sembrado de pabellones de dos a tres pisos, bastante distanciados entre si. El barrio llamado de los Estados Unidos, se inicio en 1928, bajo un proyecto de 1920. Tony Garnier, había proyectado casas de tres y cuatro pisos, pero luego se construyeron de dos pisos mas, por lo que las relaciones ideadas por el arquitecto se perdieron y el ambiente a primera vista, no difiere mucho de los habituales barrios intensivos. Los edificios se relacionan entre si según un esquema repetitivo, pero no simétrico.

TEATRO DE WERKBUND Henry Van de Velde

La principal obra arquitectónica de Van de Velde fue el Teatro para la Exposición de la Werkbund (Colonia, 1914). Su influencia en el terreno de la arquitectura y el diseño industrial se extendió gracias a las escuelas que fundó en Bélgica y Alemania. Su Escuela de Artes y Oficios de Weimar (1907) fue uno de los gérmenes de la futura Bauhaus.

4.- LA VANGUARDIA FIGURATIVA. LOS “ISMOS”.

EL IMPRESIONISMO.

Nació de la idea de que la realidad no es algo tangible, sino perceptible a la mirada desde condiciones variables. La luz es el elemento configurador de la apariencia visual. Se caracteriza por:

Destacan Eduard Manet, precursor, culmina cierto realismo y empieza el impresionismo.

Claude Monet, emblemático del movimiento. Su obra contiene las fases del movimiento, gestión, auge y disolución. Camile Pissaro, se une a la búsqueda científica junto a Seurat y Signac neoimpresionistas, artistas del puntillismo. Alfred Sisley, solo paisajes. Además Auguste Renoir, color. Edgar Degas, dibujo. Vincent Van Gogh preexpresionista. Paul Gaugin, la profundidad. Paul Cezane, simplificación, síntesis de la realidad. H.Toulouse- Lautrec, dibujo, y en España Sorolla y Regoyos.

EL SIMBOLISMO.

Las conexiones transversales que pusieron en contacto el simbolismo y las artes plásticas se hallaban en numerosas publicaciones y en numerosas asociaciones artísticas. El escritor Sâr Mèrodak Josèfine Pèladan hace real la síntesis en su esotérico universo. Fundó la “Ordre du Temple de la Rose Croix”, una especie del orden del temple y del grial, y escribió en el manifiesto de la primera exposición de los rosacruces: “Artista tu eres rey: el arte es el verdadero reino. Cuando tu mano ha escrito una línea perfecta, los propios querubines bajan del cielo y se miran en ella como en un espejo. Dibujo superespiritualizado, línea llena de alma, forma plena, tú encarnas nuestro sueño”.

En Bélgica destaca Mallarme, poeta que proporcionó a este movimiento el sentido de lo misterioso e inefable. Maeterlinck, sus dramas-cuentos (La Pincese Maileine) incitaron a Mackintosh a crear en Viena un salón de música como aposento para la obra de F. Waerndorfer. Khnoppf pintor que trasladó como ningún otro a lo figurativo a los poetas belgas. El mundo de figuras del escultor Minne como el de Khnoppf, parte del simbolismo literario. La simplificación de los contornos de sus figuras hace hablar de manera cifrada al símbolo. En su obra “Pozo con cinco adolescentes arrodillados” expresa en la quíntuple repetición del mismo adolescente el orden que conduce al acorde simbólico.

En Francia el icono del Simbolismo fue Gustave Moreau, profesor de Matisse. Usaba los símbolos buscando el conocimiento intelectivo y la expresión conceptual.

EL FAUVISMO.

Surgió en el Salón de Otoño de París en 1905. Y en 1906 en el Salón de Independientes un crítico se refirió a una escultura de Matisse como “Donatello Parmi les Fauves”, Donatello entre las fieras de ahí su nombre. Su principal representante fue Matisse. Su pintura destacaba por la abstracción cromática, las estridencias y la organización del espacio en planos de color sugiriendo distancias y movimientos.

El movimiento se caracteriza porque sus pintores emplean tonos puros sin relación con la realidad, sin buscar la forma a través de la luz y la sombra. Destacaron también Raoul Dufy, Andre Derain y Maurice de Vlamink (labrador, violinista, escritor, ciclista, pintor, anárquico y desbordante).

EL EXPRESIONISMO.

Los límites geográficos y cronológicos de este movimiento son imprecisos ya que sirve para designar artistas y obras pertenecientes a la todos los momentos de la historia del arte. El aporte de los distintos grupos e individuos es muy diferente al de los otros “ismos” que tienen sus jefes tácitamente reconocidos, ello explica su diversidad estilística y su desarrollo en todas las artes. Su vinculación política-ideológica es confusa y contradictoria (abarca ideas social demócratas, comunistas anarquistas y nazis). Lo importante no era la ideología política sino el contenido tácito del movimiento. A pesar de este complicado mosaico hay algunos caracteres comunes como la primacía de la expresión subjetiva frente a la objetividad del impresionismo.

Destacan tres generaciones en el movimiento. La primera coincide con el despliegue internacional del Art Nouveau, de las tendencias posimpresionistas y del fauvismo. El patriarca es Edvard Munch y su estilo con curvas sinuosas, colorido arbitrario y una evidente sensación opresiva (El grito). James Ensor, su especialidad radicaba en lo absurdo y lo brutal (La entrada del Cristo en Bruselas). Georges Rouault con temáticas religiosas y morales y coloridos oscuros. Emil Nolde, las telas violentas y tumultuosas son lo mejor de su obra. En España destacan Isidro Nonell y Ramón Casas.

La segunda oleada inicialmente la constituyen unos estudiantes de arquitectura. Kirchner, Heckle, Schmidt-Rottluff, Bleyl. Estos artistas se asociaron con el nombre de “Die Brücke” (El puente). Pretendían la unión de todos los elementos agitadores y revolucionarios. Las escisiones sucesivas van produciendo movimientos cada vez más radicales. Se funda la Secesión de Munich (1892) y en su contra surge la “Neue Künstler Vereinigung” (1910), atrayendo a pintores como Picasso, Braque, Rouault, Derain, etc. De la escisión de esta surge en Munich el grupo “Der Blaue Reiter”. Los artistas de este grupo han hecho dos aportaciones al expresionismo; han dado la consistencia teórica al movimiento y han hecho evolucionar a la pintura desde la representación hasta la abstracción. Estas dos conquistas se vincula a Vasily Kandinsky. Otros destacados son Paul Klee, Franz Marc, August Macke y Alexej von Jawlensky.

La tercera generación surge alrededor de la revista “Der Sturm” (La tormenta). Se internacionaliza el movimiento apareciendo grandes personalidades en distintos países europeos. En Viena Gustav Klimt y Egon Schiele con cuadros impregnados de romanticismo apasionado. Chaim Soutine autodestructivo de pincelada incontrolada. Jules Pascin más jovial que el anterior célebre por sus desnudos femeninos. Y en España María López Mezquita, Rodríguez Castelao, Gutierrez Solana y Zuloaga.

EL CUBISMO.

A diferencia de la abstracción representa la realidad distorsionada, la ruptura con la pintura tradicional. Desaparece la perspectiva, la gama de colores más apagados, varias figuras simultaneas y la cuarta dimensión (tiempo). Es muy artificial, científico y geométrico. Es la primera alternativa radical y profunda de un nuevo lenguaje en pintura. Picasso y Braque están inventándose un nuevo lenguaje pictórico. Su estrecha relación y amistad hará surgir y evolucionar al cubismo. Pretendían que se apreciase hasta las mínimas distancias representando objetos desde varios puntos de vista, buscando las líneas o facetas de los objetos, o usando el collage para presentar objetos de la vida cotidiana. Afirman la realidad con independencia de las referencias naturalistas. También destacan Juan Gris, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Fernand Leger, Amèdèe Ozenfant, E. Jeanneret (en el cual insistiremos mucho posteriormente).

EL PURISMO.

Este movimiento aunque no se ha dedicado principalmente a la pintura ha dado impulsos fundamentales a la técnica y ha ampliado las fronteras del propio arte. Michael Heizer junto con Walter de María y Robert Smithson son unos de los principales representantes del “Land Art” (Sacar el arte del museo). De María con su “Campo de Rayos”, “Los terraplenes” de “Heizer” y “El Dique Espiral” de Smithson. Otros artistas son Nancy Graves, Sol LeWirt (Minimal Art), Richard Tuttle y Mario Merz (Arte Povera). Son los profetas de una nueva sensibilidad, pinturas de escultores, fabricantes de objetos. Van más allá de Picasso y de la dicotomía realismo abstracción.

EL FUTURISMO.

Fue una de las vanguardias más fuertes y violentas. Lanzado públicamente mediante el manifiesto futurista de Marinetti (1909) en el que se glorifica la guerra, la juventud, la velocidad y la máquina. Surge como un movimiento literario pero acaba englobando todas las artes. Aspiran a cambiar la vida, transformar el mundo y nace una nueva concepción política, el orgullo, la energía y la expansión nacional, la palabra Italia dominaba la palabra libertad, e iban en contra de viejos y curas. Otros futuristas como Boccini, Carrá, Russolo, Balla y Severini crean el manifiesto de los pintores futuristas completando el de Marinetti, como esas ideas pueden traducirse en artes plásticas. Utilizan el cubismos, el puntillismo y otras técnicas modernas para crear movimiento, energía, velocidad...

EL DADAÍSMO.

Surgió en Zurich donde varios exiliados políticos se encontraron ,entre ellos Hugo Ball (filósofo, poeta y místico fundo el “Cabaret Voltaire” lugar de reunión del grupo), Tristán Tzara, Marcel Janco y Hans Arp. El dadaísmo intenta representar en un plano estático el movimiento. Su pretensión era la ironía, reírse del arte, opuesto a cualquier programa artístico organizado (solo el rudismo en literatura y simultaneidad y azahar en otros). Utilizan las palabras libres, los ruidos-música, pero se diferencian en su oposición a la política, la guerra, el maquinismo y la lógica racional. Al acabar la guerra el grupo de Zurich se dispersa, aparece el francés Picabia que fundo en Barcelona la revista “391” y contactó en EEUU con Stieglitz, Duchamp y Manray. Destacan Shwitters (pintoescultura) utiliza desperdicios. Duchamp (prefabricados) urinario de la firma Mutt “Fuente”. Arp, collage sobre sus obras. Max Ernst, presurrealista, espeluznantes collages, con Manray y Picabia se unieron al surrealismo. André Breton (surrealista) consiguió la adhesión de muchos dadaístas a lanzar su manifiesto de una nueva revolución: el surrealismo.

EL NEOPLATICISMO.

La revolución cubista tiene una incidencia especial en la constitución del grupo de artistas en torno a la revista “De Stijl” (El Estilo 1917-1916). Su fundador fue Theo van Doesburg y aglutina a arquitectos como Oud, Rietveld o Van Esteren, a pintores como Mondrian, y al escultor Vantongerloo. Esta revista propugna la abstracción y la simplificación hasta el punto de que Doesburg había pensado para ella el título de “Claridad, certidumbre y orden”. La línea recta, los volúmenes prismáticos simples y los colores planos son sus principales características. Más importantes que las obras realizadas son sus fundamentos teóricos. Mondrian disgustado abandono “De Stijl” porque Doesburg buscaba variaciones en las estructuras formales utilizando rectángulos con una inclinación de 45 grados. Mondrian buscaba un estilo puro basado en alguna supuesta ley universal del equilibrio. Sus planteamientos eran idealistas y formalistas, nada trágicos ni emotivos, sus formas buscaban una relación.

EL SUPREMATISMO.

Kasimir Malevith lo fundó con su cuadro “Cuadrado negro sobre fondo blanco”. Su depurada abstracción geométrica culmina con “Cuadrado blanco sobre fondo blanco”. Malevith estaba fascinado por la belleza de las formas matemáticas, deseaba dotarlas de una emoción apasionada, de un sentimiento de lo que llamó “La solemnidad del universo”. Preconiza el empleo del círculo cuadrado, triángulo y cruz como simplificación.

EL CONSTRUCTIVISMO.

Anton Pevsner y Naum Gabo publicaron el manifiesto realista indagando en el espacio-tiempo con términos más o menos idealistas, acercando sus posiciones al neoplasticismo. Meses después como réplica, publican el manifiesto del grupo productivista, Tatlin, Rodchenko y Stepanova, fundamentado en el comunismo científico y basado en la teoría del materialismo histórico. Rechazan el arte y lanzan vivas apasionadas a la técnica que trasforma la realidad. Este manifiesto concluye con “El arte colectivo del presente es la vida constructiva”.

Lenin no veía con simpatía las actividades vanguardistas y la utilidad del arte la vio en términos de propaganda. Entre polémicas y la debilidad de la URSS, el constructivismo realizó más proyectos que obras. El monumento a la tercera internacional de V. Tatlin habría sido una obra descomunal de 395 metros de altura con varios pisos giratorios en revoluciones diaria, mensual y anual.

Difícilmente encuadrable es también El Lissitzky que cumplió un importante papel como puente entre el constructivismo, el grupo de “De Stijl” y la Bauhaus. Sus objetos y espacios “Prounee” espacios de demostración, anticipan los ambientes creados por algunos artistas de nuestros días. En los proyectos de edificios “Estribanubes” reacciona contra los rascacielos imaginando construcciones horizontales sostenidas por pilares-torres.

LA VANGUARDIA ARQUITECTÓNICA Y LA ARQUITECTURA DEL EXPRESIONISMO.

Frente a los avances de racionalismo funcionalista el expresionismo se ofrece como un contrapeso. Si el funcionalismo lo deja todo confiado a la utilidad práctica, el expresionismo cree en las tensiones interiores. Rudolf Steiner proyecta sus edificios en función de creencias teosóficas, como acredita el Goetheanum de Dornach.

Hans Poelzig levanta el gran teatro de Berlín en el que se revela la voluntad de irrepetibilidad de esta tendencia. Hay una voluntad de asombrar. En el vestíbulo surge un pilar central a manera de gigantesca palmera que da forma a la cúpula. La sala está cubierta con un cielo de estalactitas. El espacio se desenvuelve en forma de cueva.

Bruno Taut se aplicó a las bóvedas de cristal como en el Pabellón del Vidrió en la exposición del Werkbund de Colonia (1914). Mas Berg en el salón del centenario de Berslau desplegó una gigantesca cúpula.

Pero uno de los mejores fue Erich Mendelsohn que construye su famosa torre de Einstein en Potsdam, esta torre se ha convertido en un auténtico símbolo de esta tendencia. Frente a las obsesiones de Scheerbart (escritor) y Taut por lo prismático y lo cristalino, Mendelsohn maneja la forma como si fuese algo maleable, con más valor escultórico que arquitectónico.

5.- EL RACIONALISMO.

LA VANGUARDIA Y LA ARQUITECTURA RACIONAL

El racionalismo se apoya en la frase atribuida a Sullivan de que las formas siguen a la función. Puede hablarse de una ley del ahorro. La realidad técnica del edificio y la forma queda subordinado a las necesidades tecnológicas. El fin practicista de esta arquitectura queda patente en la frase de Le Corbusier de que la casa es una máquina para habitar. El racionalismo nació en connivencia con otros movimientos tales como el neoplasticismo y el cubismo coincidiendo con el primero en los espacios cuadrados y rectangulares y con el cubismo en el llamado espacio tiempo. Se valoran todas las visuales. Todos los planos importan. Los volúmenes se incrustan y nada más expresivo para penetrar en el espacio interior que las inmensas cristaleras. El cristal fue el gran asociado del racionalismo.

LA BAUHAUS

Walter Gropius, progenitor de la arquitectura racional, funda la escuela de arquitectura y diseño llamada “La Bauhaus”. Durante la primera etapa (1919-1924) las instalaciones están en Weimar con profesores que se mueven entre sueños de cariz utópico-expresionista. Como realizaciones importantes de esta etapa la de Gropius, Chicago Tribune. Los acontecimientos políticos y la evolución de la escuela determinan otra orientación, además, Van Doesburg da en Weimar un curso rival de “La Bauhaus” y la influencia del neoplasticismo holandés será cada vez más acusada.

En 1925 la escuela se traslada a Dessau iniciándose la segunda etapa, caracterizándose ésta por una voluntad racionalista y el afán de diseñar todos los aspectos del entorno, así como la inserción de la práctica artístico-arquitectónica en los procesos industriales. Gropius construye en Dessau la propia Bauhaus. La planta es geométrica, pero carece de simetría. Desde 1927 a 1930 la escuela es dirigida por Hans Meyer que está contra las formas puras y a favor de una arquitectura que atienda las necesidades populares. Con estas ideas acusaba la influencia del constructivismo ruso adquiriendo una mayor coherencia su unión entre arquitectura, industria y sociedad. Entre las realizaciones de Meyer destaca La Escuela de los sindicatos en Berlín. Meyer fue dimitido de su cargo acusado de izquierdista (1930).

El nuevo director es Mies van der Rohe que había estado en contacto con el grupo expresionista recibiendo también la influencia de El Lissitzky y del grupo De Stijl. M. Van der Rohe afirmaba: “Veo en la industrialización el problema central de la construcción en nuestro tiempo”. El Pabellón de la Exposición Internacional de Barcelona, obra suya, parece confirmarnos sus más célebres aforismos: “Cada cómo procede de un qué” y “Lo menos es lo más”. En 1933 los nazis acceden al poder en Alemania y La Bauhaus, símbolo de la vanguardia alemana, es clausurada. Contra Van der Rohe actuó la persecución nazi. Se le ofreció el cargo de director de la sección de Arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois (Chicago). Planeo todo el campus integrando bloques ortogonales en proporción con el vacío de los espacios libres, su composición recuerda las neoplasticistas. Él y Le Corbusier son los únicos arquitectos del siglo XX que han usado el módulo, que en Mies es el de 7,30. También Van der Rohe hizo rascacielos como Los Gemelos de Chicago o en Nueva York El Seagram Building, el más lujoso.

LE CORBUSIER.

La personalidad más destacada del funcionalismo es Le Corbusier, siendo su verdadero nombre Carlos Eduardo Jeanneret, hijo de un relojero suizo. Arquitecto muy discutido, ahora bien, su programa llega a rebasar las intenciones puramente racionalistas, es ya un portador de las ideas organicistas. Su verdadera realización es un tipo de arquitectura con pretensiones urbanísticas: la unidad de habitación. Viene a ser un rascacielos pero acostado, se levanta sobre pilotes o palafitos de forma cónica, sin estorbar a la circulación. El edifico que construyó para Marsella es el que mejor cumple su programa. Otro de sus edificios emblemáticos es La Villa Savoye, auténtico manifiesto personal donde puso en práctica todos sus principios arquitectónicos.

La obra de Le Corbusier es gigantesca. Desde proyectos como el Palacio de las Naciones de Ginebra o el Palacio de los Soviets en Moscú a ambiciosas tentativas urbanísticas como el Plan Obus para la reestructuración de Argel. También trabajo en India, Brasil, EEUU, etc. En Brasil ideo el “rompesol” (brise-soleil), persiana que permite la entrada de la luz pero no de los rayos solares.

Su mayor influencia la ejercerá a través de sus numerosos artículos y libros. Destacan: “Hacia una arquitectura”, “Urbanismo” y “La cuidad resplandeciente”. Sus opiniones penetraron en los arquitectos de todo el mundo gracias a la creación en 1928 de Los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna (CIAM). El racionalismo arquitectónico se impone en todas parte. En Italia con el MIAR (Movimiento Italiano por la Arquitectura Racional), cuyo representante es Giuseppe Terragni cuya obra maestra es “La Casa del Fascio de Como”. En España José Luis Sert, colaborador de Le Corbusier formó el GATCPAC (Grupo de Artistas y Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea). Esto, y la participación de Mercadal y Juan Zavala en el CIAM, conduce a la creación del GATEPAC (Grupo de Artistas y Técnicos Españoles para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea).

J.L. Sert realizó el Dispensario Central Antituberculoso de Barcelona, Torres Clavé y Subirana. Así mismo Eduardo Torroja utilizó el hormigón armado en el Hipódromo de la Zarzuela de Madrid, obra atrevida que anticipó las posibilidades del hormigón armado.

LA ESCUELA HOLANDESA.

La búsqueda de soluciones objetivas y el rechazo del individualismo, que se crea en torno a la revista “De Stijl” es lo mas destacado del neoplasticismo holandés.

La obra arquitectónica de H.P. Berlage (Bolsa de Ámsterdam con su reloj y las torres) preparo el terreno para la aceptación de las vanguardias posteriores. J.J. Pieter Oud fue uno de los pocos arquitectos del neoplasticismo que pudo construir numerosos edificios. Fue arquitecto municipal de Rótterdam, teniendo facilidades para llevar a la práctica sus ideas. Sus obras más destacadas son: “Escuela de Verano” en Noordwijkerhout, “Residencia de Trabajadores Hoek Van Holland”. En Rótterdam “La Casa Estatal” y “El Café Uni” donde destaca la sencillez con un plano blanco cortado por las líneas amarrillas de las ventanas y las azules de las columnas.

Theo van der Doesburg y Cornelius van Eesteren realizaron con colores y angulaciones regulares en sus proyectos, como si de auténticos cuadros se tratase. En la casa particular de Doesburg destaca el cubismo, la perpendicularidad y la sencillez.

G.T. Rietveld realiza la obra arquitectónica más típica del neoplasticismo, es la Villa de Schröder en Utrech. Utiliza paredes completamente lisas, volúmenes planos, articulación asimétrica, paneles de madera móviles mecanizados, el color como elemento que subraya aspectos de la estructura, etc. En mobiliario realizó el incunable de D Stijl “La silla azul-rojo” celebrada como el manifiesto de los puros objetos de uso.

La arquitectura orgánica

Este movimiento, basado en una ideología naturalista, surgió entre algunos arquitectos de principio del siglo XX como F.L.Wright, Hugo Häring, Alvar Aalto, Mendelsohn, o Taut y fue criticado por los racionalistas. Los orgánicos creían en una arquitectura al servicio de la naturaleza y de la persona, buscaban integrar armónicamente la construcción humana y la naturaleza, constituyendo dos aspectos complementarios de un único organismo. Así surgió una arquitectura con formas sinuosas y llenas de colorido; en contraposición de los arquitectos racionalistas.

La contribución de F.L.wright

Frank Lloyd Wright (1876-1959) es considerado el mejor arquitecto Norteamericano y uno de los fundadores y el padre de la arquitectura moderna, Rechazaba la metrópoli urbana moderna.

Desde los inicios de su carrera rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos que imperaban a finales del siglo XIX. Siempre se opuso a la imposición de cualquier estilo; estaba convencido de que la forma de cada edificio debe estar vinculada a su función, el entorno y los materiales empleados en su construcción. Su aportación fundamental a la arquitectura moderna fue el dominio de la planta libre, con la que obtuvo impresionantes espacios que surgen de una estancia a otra. Wright fue el pionero en la utilización de nuevas técnicas constructivas, como los bloques de hormigón armado prefabricados y las innovaciones en el campo del aire acondicionado, la iluminación indirecta y los paneles de calefacción.

Hacia 1910, en Oak Park, Chicago, Wright, construyó las llamadas Prairie Houses, las casas de la pradera. Estas casas buscaban que el individuo viviera en estrecho contacto con la naturaleza. Estas construcciones "de la pradera" eran básicamente viviendas unifamiliares, con algún que otro edificio de oficinas. Pretendía un espacio continuo, de carácter abstracto, armonizado con la naturaleza. Uno de sus ejemplos máximos es la Casa Robie, realizada para Mister Robie. Su modernidad influirá a los arquitectos europeos del movimiento moderno. Los elementos compositivos están proyectados para enfatizar la horizontalidad ilimitada del edificio y parece continuar con el paisaje de la llanura.

En 1936, Wrigt construye la casa de la "cascada" (Fallingwater) su obra maestra. Ha sido juzgada por la AIA (American Institute of Architects) como "el mejor trabajo de un arquitecto americano”.

Diseñada entre 1934-1935 y construida durante 1936-1937 en Pensilvania, Fallingwater fue la casa de campo para Edgar Kaufmann su esposa y su hijo.

Hoy en día es un monumento nacional en USA que funciona como museo y pertenece al Western Pennsylvania Conservancy. La casa, rodeada de árboles, se levanta junto a las rocas y a la pequeña cascada de un arroyo.

Todos estos elementos hacen que el edificio parezca parte de la naturaleza.

La Price Tower de Bartlesville, en Oklahoma (1953-1956), su único edificio alto.

La aportación de Alvar Aalto

Aalto fue uno de los primeros y el más importante arquitecto de Finlandia. Su obra abarcó desde edificios y diseños ciudadanos, a muebles, cristal, joyería y otras formas de arte. Desde 1930 se dio a conocer a nivel mundial, en particular por su trabajo de planeación y reconstrucción de pueblos como Saynatsalo, en épocas de pos guerra. El funcionalismo fue una fase de su carrera, y como organicista buscaba la forma de unir a la persona, la naturaleza y la construcción. En su madurez, su obra se caracteriza por un contraste entre masas anchas horizontales y superficies estriadas verticales que puede ser visto como una abstracción del paisaje Finlandés, en general su idea era tratar el interior como una metáfora del paisaje y la naturaleza. Sus planos, son generalmente combinaciones de dos o más sistemas geométricos. En las bibliotecas y auditorios, elementos ortogonales y en forma de abanico son yuxtapuestos.

Durante su época en Turku, en 1933, diseñó el Sanatorio Paimio, fue aclamado internacionalmente como su mayor logro y rápidamente lo elevó al estatus de maestro del funcionalismo heroico. En Paimio podemos ver indicios de muchas de las claves del estilo de madurez de Aalto: composiciones integradas por intencionadas formas y materiales, la yuxtaposición de lo recto y lo libre, una geometría orgánica personificada en su gusto por la contraposición de líneas rectas y ondulantes y una muy exigente atención a los detalles. El interés de Aalto  hacia "el lado humano", era algo evidente en sus construcciones; Las habitaciones de los pacientes, con un sistema de calefacción, luz y mobiliario especialmente diseñado, permanecen como modelos de lo que podríamos denominar hoy "diseño ambiental integrado", y la clásica silla Paimio, con madera curvada, tenía como objetivo facilitar  la respiración a los pacientes al mismo tiempo que daba una sensación más acogedora que el típico mobiliario moderno. Mas tarde el mobiliario creado por Aalto comenzó a ser distribuido mundialmente.

Las ideas que nacieron en Paimio llegaron plenamente desarrolladas en otros proyectos realizados durante la década de los 30. La ondulante línea del techo de acústica de madera, del auditorio de la biblioteca Viipuri (1927-34), supuso toda una innovación en la concepción de lo que es la arquitectura bibliotecaria. Fue absolutamente novedosa en su tiempo; el edificio en sí mismo, su concepción de los espacios y de su distribución, su mobiliario y el estudio de los condicionantes medioambientales, de decoración, Aalto obtiene el primer premio en el concurso de la construcción de esta biblioteca. En el corazón del edificio se encuentra la sala de lectura y préstamos, y el área de control en el punto mas elevado.

Esta forma curva alcanzó su plenitud en algo más pequeño, en el exquisito Vaso Savoy, diseñado para un restaurante

La curva de Aalto alcanzó una forma magistral en la abombada y suspendida pared de tres plantas del Pabellón Finlandés en la Feria Internacional de Nueva York, de 1939, donde dejaba muy clara su relación con el paisaje de Finlandia. aclamado como el interior más brillante de la feria, el Pabellón Finlandés solidificó la reputación de Aalto en Estados Unidos y le llevó a la realización de lo que sería su mayor onda, la curva serpentiforme para la  Residencia de Estudiantes Baker House del Instituto de Tecnología e Massachussets

Un código virtual

El Nuevo empirismo

Se basa en las formas dadas por el sentido común. Abarca todos los campos.

Obra: Biblioteca municipal de Estocolmo.

La Englishnees

Es la última arquitectura inglesa. Una corriente de esta es: townscape cuida todos los detalles del paisanismo. Se realizaron una gran cantidad de edificios universitarios.

Neorrealismo y neoliberty

Neorrealismo, estrechamente relacionado con la arquitectura orgánica.

Neoliberty, es una crítica a la vez que recopila aspectos del movimiento moderno.

Surgió en Italia al término de la Segunda Guerra Mundial

Empieza con las artes figurativas, con el choque entre artistas abstractos y realistas para llegar a las galerías de arte más frecuentadas de Roma, el diseño y la arquitectura, la literatura.

La unite d'habitación

Iniciada en 1947, por el arquitecto Le Corbusier, La unite d'habitación, se encuentra en Marsella y se trata de un edificio de apartamentos dúplex.

Con su sistema de viviendas colectivas, el arquitecto se opone a la desurbanización o, como él le decía, a la "manía de las casas unifamiliares".

"Con la 'Unité', L e Corbusier revela la debilidad humana por un efecto monumental y estético.

Laboratorio Richard de la universidad

Construidos por Lowis Kahn en Philadelphia, en 1957, son cuatro edificios. Tiene rasgos clásicos y a la vez es moderno.

La facultad de Historia de Cambridge

Por James Stirling en 1965. Pretende identificar volúmenes y espacios. La cubierta es de cristal, la forma del edificio es en “L”.