DIDÁCTICA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Ricardo Marín Viadel

Ed. Person. Prentice Hall

Colección Didáctica. Primaria.

Aprender a dibujar para aprender a vivir

Introducción: ¿Vemos todo lo que miramos?

La mayoría de las personas, de los animales, ciudades y paisajes, artefactos y objetos que conoce el alumnado y el profesorado, las conoce a través de imágenes. Algunas de estas imágenes tiene un significado simple y unívoco, otras un alto contenido simbólico, o son descriptivas, poéticas, funcionales-->[Author:.], públicas y estandarizadas..., pero todas ellas directa o indirectamente forman parte de nuestra vida cotidiana y modelan y configuran nuestras actitudes y valores.

Los niños y niñas adquieren rápidamente ideas sobre lo que es bonito y atractivo o feo y desagradable y utilizarán esos criterios en sus decisiones cotidianas. Manifestarán una evolución muy notable en su manera de representar la figura humana, los árboles o las casas durante sus años escolares, y serán capaces de fantásticos juegos simbólicos en los que cualquier objeto podrá representar o transformarse, de acuerdo con sutiles normas y acuerdos, en el escenario o el instrumento de la acción deseada.

De entre la variedad y multiplicidad de imágenes, objetos o artefactos con los que convivimos, algunos adquieren una gran relevancia social: las obras de arte, en el ámbito del lenguaje verbal con la literatura, en el dominio sonoro con la música o en la actividad corporal con la danza.

Hay que señalar una serie de ideas básicas que se van a exponer, desarrollar y argumentar más adelante:

Los lenguajes y las artes visuales son un conocimiento instrumental.

La compresión y creación de imágenes son dos caras de la misma moneda visual.

Las artes visuales nos muestran y descubren quiénes y cómo somos los seres humanos.

Todas las personas tienen derecho a conocer y reconocerse y a ser reconocidas y comprendidas por sus propias señas de identidad visual.

Dominar y usar habitualmente los diferentes lenguajes visuales y procesos de construcción y creación requiere una formación adecuada y una experiencia sistemática, que debe proporcionar la escuela

Índice temático y objetivos de aprendizaje.

Índice temático.

• ¿Qué es Educación Artística?

• ¿Qué no es la Educación Artística?

• ¿Por qué y cómo se ha enseñado dibujo en la escuela?

• Principales teorías y modelos en Educación Artística en la escuela durante el siglo XIX.

• Debates contemporáneos: las artes visuales como modelo de conocimiento.

• Criterios de calidad para una teoría de la Educación Artística.

Objetivos de aprendizaje.

• Comprender cuál es el territorio propio de la Educación Artística.

• Descubrir la amplitud y variedad, los tipos y cualidades de las imágenes y artefactos que configuran nuestros modos de entender el mundo, nuestras creencias, actitudes, valores, nuestra imaginación y deseos.

• Experimentar cuál es el modo propio de conocimiento de las imágenes y acontecimientos visuales; las capacidades y conceptos que ponen en juego, así como su interacción con otros lenguajes.

• Relacionar las ideas y teorías sobre Educación Artística con las concepciones educativas y los movimientos artísticos.

• Reconocer los principales temas y autores en los debates contemporáneos en Educación Artística.

• Aplicar criterios de calidad para valorar el interés y la coherencia de diferentes teorías y modelos curriculares para la Educación Artística.

Contenidos: del dibujo a la cultura visual.

¿Qué es la Educación Artística? Definición y delimitación del campo disciplinar y del tipo de conocimiento distintivo de la Educación Artística.

La Educación Artística es una materia o asignatura obligatoria del curriculo de Primaria y Secundaria y una de las áreas de actividades en la Educación Infantil. El alumnado entiende que la Educación Artística o plástica consiste en pintar y dibujar. Actualmente, la estructura conceptual, el campo de conocimientos, y el desarrollo de capacidades, destrezas, saberes y valores que son propios de esta materia más diversos y complejos. Incluye muy variadas estrategias y sistemas de creación de imágenes y objetos, como la fotografía, el vídeo y la computadora; comporta el uso de materiales como la madera, los tejidos, las piedras, los plásticos.

Tradicionalmente, esta materia se llamó dibujo. A partir de mediados del siglo XX comenzaron a utilizarse un nuevo tipo de denominaciones: artes pláticas, expresión plástica, educación visual,... que siguen cambiado con motivo de las habituales reformas educativas. La asignatura de Educación Artística no incluye todas las manifestaciones artísticas sino que se refiere principalmente a las artes visuales. La Educación Artística no debería llamarse así, sino simplemente artes visuales ya que en la escuela damos por descontado que siempre se trata de educación.

Para describir el marco de conocimientos y aprendizajes distintivos de la Educación Artística recurriremos a cinco categorías diferentes:

Dominio	Descripción
1. Hechos, objetos y situaciones que estudia la Educación Artística	Todas las imágenes visuales, las obras de arte, los símbolos y señales visuales, la publicidad visual, los objetos, artefactos, construcciones y edificios, los paisajes, animales, materiales y fenómenos naturales, todo lo visible y tangible.
2. Tipos de conocimiento característicos	Pensamiento visual y creativo. Intencionalidad artística y estética. Función imaginativa y emancipatoria.
3. Campos del conocimiento y actividades profesionales de los que emanan los contenidos de la materia.	Las artes visuales. Las disciplinas o ciencias que estudian esas imágenes y objetos. Las ciencias y tecnologías implicadas en los fenómenos de la luz y el color y en la construcción, reproducción, transmisión y conservación de imágenes.
4. Conductas y capacidades básicas que pone en juego.	Percepción visual, táctil y cinestésica, creatividad, inteligencia espacial, pensamiento visual, memoria visual, sensibilidad estética...
5. Lenguajes, sistemas notacionales, materiales y acciones distintivas en Educación Artística.	Dibujo y sistemas de representación objetiva del espacio. Pigmentos, arcillas, papeles y cartones, telas, maderas, plásticos, piedras, espacios y luces, reutilización de objetos y de imágenes. Creación de imágenes, objetos y construcciones.

• El universo de la mirada y del tacto, la presencia propia de los materiales, y los significados y valores sociales de las imágenes, los objetos y las construcciones.

La Educación Artística trabaja tanto los fenómenos de la naturaleza, los colores del arco iris o la ductilidad de la arcilla, como los objetos, artefactos, utensilios, construcciones e imágenes que constituyen la cultura material.

Se pueden distinguir cinco zonas visuales de máximo interés para la Educación Artística:

La espectacularidad y seducción visual de los fenómenos naturales.

Las cualidades sensibles, la presencia visual y las posibilidades constructivistas de los materiales naturales y artificiales.

Las cualidades formales, semánticas y pragmáticas de los objetos, artefactos y construcciones que constituyen la cultura material antigua y contemporánea. Todo lo artificial, lo construido y transformado por los seres humanos está sometido a decisiones sobre su forma, su tamaño, su color y textura final. Muchas de estas decisiones vienen determinadas por las características propias del material, por el uso y función que deba tener ese objeto, por los significados y valores que le otorguemos.

Un tipo de objetos de especial relevancia para la Educación Artística son las imágenes, ya sean bidimensionales o tridimensionales. Son objetos prioritariamente visuales y su función es básicamente representativa. Las imágenes de cualquier tipo y condición nos remiten, como el lenguaje verbal, a otros ámbitos y aluden a otras realidades, a través de estrategias, convenciones y claves de representación, muy variadas y diversas, que tenemos que aprender a reconocer e interpretar.

Las obras de arte, que son los objetos e imágenes, realizados con una intención abiertamente artística y estética. Algunas obras, por su innovación u originalidad, exactitud y perfección, o por su repercusión posterior, adquieren o se les atribuye una importancia excepcional. Son las que llamamos grandes obras de arte.

• El tipo de conocimiento propio de la educación Artística.

Las actividades artísticas y estéticas se distinguen no tanto por el tipo de objetos, o materiales que estamos manejando, sino por el modo como pensamos y por el sentido o intenciones que dirigen nuestra actividad.

Los tipos de conocimiento característicos del aprendizaje artístico, vienen definidos por tres rasgos:

Discurren en las zonas de pensamiento visual y creativo: los lenguajes por los que circula el aprendizaje en Educación Artística son los de las imágenes y la visión.

La intencionalidad del conocimiento en Educación Artística es abiertamente artística y estética. Sumergirnos en el dominio artístico y estético exige una apertura y predisposición hacia ese modo característico de sentir y experimentar el mundo y de descubrirnos a nosotros mismos.

La función del conocimiento artístico es imaginativa y emancipatoria.

En el campo de las artes visuales los modos de conocimiento no son exactamente iguales que en el campo científico. En el domino artístico el asunto que más nos interesa es la experiencia vital de los seres humanos, especialmente sobre las situaciones que nos hacen sentir, conocer y desear e ilusionarnos más intensamente. Las artes visuales producen las imágenes y objetos que deseamos ver. Cuando una niña o niño dibujan nos están contando cómo son y cómo experimentan el mundo.

• Campos del conocimiento y actividades profesionales vinculados con los contenidos de la Educación Artística.

La Educación Artística organiza sus aprendizajes y contenidos a partir de tres dominios fundamentales:

Las artes visuales es una denominación reciente para reunir una amplia variedad de actividades artísticas y prácticas profesionales. Los límites o fronteras de las artes visuales son muy amplios y poco estrictos. Lo que tienen en común las artes visuales es que en ellas predominan los aspectos relativos a la mirada y a la visión. Actualmente, las nuevas especialidades visuales se producen en interacción con sonidos, lenguaje verbal, movimientos corporales, produciéndose una fusión e interactividad muy marcas: videojuegos, páginas web, etc.

Los contenidos en Educación Artística derivan de las ciencias o disciplinas que estudian, analizan y explican las imágenes, los objetos y las obras de arte. La más desarrollada de estas disciplinas es la historia del arte, que describe, clasifica y explica cuáles han sido las manifestaciones artísticas desde la prehistoria hasta nuestros días, relacionando las obras con la época, la sociedad y la cultura en que fueron realizadas. La estética y la teoría del arte, son especialidades de la filosofía dedicadas a la elaboración de los conceptos de arte, belleza, experiencia estética, representación, su veracidad y relaciones con el conjunto del pensamiento y del conocimiento.

Algunos conceptos básicos en Educación Artística proceden de las ciencias y tecnologías implicadas en los fenómenos de la luz y el color, óptica y colorimetría, y en la construcción, reproducción, transmisión y conservación de las imágenes.

• Las conductas y capacidades básicas.

Las conductas y capacidades básicas que ponen en juego las actividades y tareas propias de la Educación Artística son las relacionadas con la percepción visual, táctil y cinestésica, la creatividad, la inteligencia espacial, el pensamiento visual, la imaginación y la memoria visual, la capacidad de valoración y evaluación cualitativa de imágenes y objetos, y la sensibilidad estética. La mayoría de las escuelas y paradigmas en psicología se han interesado por estos fenómenos pero han sido principalmente las teorías de la “gestalt”, la psicología cognitiva y el psicoanálisis.

• Los lenguajes y sistemas notacionales.

Los lenguajes y sistemas notacionales, los materiales y las actividades distintivas del aprendizaje artístico son los propios de las Artes Visuales.

En Educación Artística se trabaja fundamentalmente con los lenguajes visuales, con el dibujo y los sistemas de representación objetiva del espacio. Los materiales son los pigmentos, las arcillas, los papeles y cartones, las telas, maderas, plásticos, piedras, los espacios y las luces, y en general cualquier material que nos atraiga manipular o transformar.

Las acciones y actividades básicas en Educación Artística son la creación de imágenes, de objetos y construcciones, así como el conocimiento y comprensión de las obras que hacen o han hecho otros.

Prejuicios que hay que evitar: ¿qué no es Educación Artística?

• La Educación Artística no es una materia diferente a las otras del curriculo escolar, ni menos académica que las demás. La mayoría de los aprendizajes más valiosos y decisivos en Educación Artística no son de tipo memorístico, ni hay una única respuesta correcta para la mayoría de las preguntas y problemas. Los conocimientos y aprendizajes del alumnado en Educación Artística pueden y deben organizarse y evaluarse de la misma forma que en cualquier otra materia del curriculo.

• En todas las materias y actividades escolares hay personas que destacan por su interés y resultados, pero eso no significa que el resto del alumnado deba desentenderse de esos aprendizajes. La Educación Artística no es solo para los que tienen cualidades artísticas.

• El hecho de que los conocimientos y aprendizajes más relevantes en Educación Artística no discurran en el lenguaje verbal ni en el matemático sino a través de imágenes y lenguajes visuales, no significa que se trata de una mera habilidad manual o perceptiva.

• La Educación Artística no puede quedar reducida a ejercicios de dibujo libre y de dibujo geométrico o técnico.

• La Educación Artística no consiste en hacer imitaciones de cosas bonitas que parezcan obras artísticas o decorativas. Los niños y niñas tienen sus formas y modos de expresión propia con valor por sí mismas.

• La Educación Artística debe abordar la resolución de todo tipo de imágenes con el grado de complejidad adecuado a cada curso o nivel.

• La Educación Artística no debe reproducir sino por el contrario desactivar los prejuicios habituales sobre el arte en nuestra sociedad. En Educación Artística hay que lograr un cambio de actitud que valore positivamente los esfuerzos creativos por descubrir nuevas imágenes, formas y conceptos visuales.

• En Educación Artística es muy importante la creatividad, pero no única y exclusivamente la creatividad.

• La Educación Artística no puede quedar encerrada en los límites de la escuela. Hay que salir a ver y recorrer el entorno. Hay que abrir la clase a profesionales y artistas para que muestren su obra, hablen y dialoguen sobre su actividad.

• Los enfoques, metodologías, aprendizajes y contenidos en Educación Artística no constituyen un cuerpo de conocimientos cerrados y concluidos sino que se trata de una materia abierta.

3.3 Historia en Educación Artística

Las ideas, los métodos y los ejercicios de dibujo en la escuela han cambiado de forma notable a lo largo de la historia debido a los cambios y transformaciones que se han producido en el mundo del arte, de la educación y de la sociedad en general.

período	Características	autores
Antigüedad	El dibujo, materia escolar.	Aristóteles
Edad Media	No hay sistema escolar. No hay escuelas de dibujo. Formación en los talleres profesionales.	Teófilo Cennini
Del Renacimiento al Romanticismo	No hay sistema escolar. Se crean las escuelas de dibujo. Manuales y métodos para la formación del artista. El dibujo imita la naturaleza y busca la belleza.	Albeti L. da Vinci Durero Vasari
s. XIX (1803-1886)	El dibujo en la escuela. No se ha descubierto el dibujo espontáneo infantil. Se adaptan y simplifican los métodos de formación del artista para uso escolar. El dibujo se especializa en artístico y técnico. Copia de láminas.	Pestalozzi Schmid Froebel Smith
s. XX (1886-1942)	Se descubre el dibujo infantil. Surgen las primeras orientaciones contrapuestas en torno a la educación artística: aprendizaje del dibujo, desarrollo espontáneo y natural de a evolución creadora, función del buen gusto.	Ricci Cizek Luquet Freinet
s. XX (1942-2000)	Se desarrollan diferentes enfoques de la educación artística en la escuela: autoexpresión creativa, educación visual, enfoque disciplinar, cultura visual. Se organizan las principales asociaciones profesionales y comienzan a publicarse las revistas de investigación.	Dámico Read Lowenfeld Feldman Eisner Gardner

Todo el mundo es un artista.

Creatividad, imaginación, percepción visual y otras conductas artísticas.

1. Introducción

Los seres humanos conocemos el mundo a través de nuestros sentidos. Los procesos y mecanismos de percepción visual pueden explicar el interés de muchas imágenes. En el mundo del arte se han utilizado, deliberadamente, estos mecanismos en múltiples ocasiones.

La investigación sobre la percepción visual ha tenido un gran desarrollo durante el siglo XX. Los dibujos infantiles se caracterizan por su espontaneidad, frescura y libertad, en ellos encontramos la esencia de la creatividad, originalidad, innovación y emoción. Muchos artistas del siglo XX han estudiado los dibujos infantiles, incorporando a sus obras la impronta y cualidades del dibujo infantil. El desarrollo de la creatividad ha sido durante un largo período de tiempo, el objetivo primordial de las propuestas educativas en el campo de la Educación Artística. El pensamiento simbólico define la capacidad que tienen los seres humanos para utilizar diferentes clases de símbolos.

Índice temático y objetivos de aprendizaje.

2.1 Índice temático.

• La percepción y el pensamiento visual.

• Las aportaciones de la Teoría de la forma o Gestalt

• Ilusiones visuales

• La percepción y el reconocimiento de imágenes.

• La inteligencia espacial.

• Educación Artística e inteligencia.

• El pensamiento simbólico.

• Teorías u autores.

• Arte, símbolo y aprendizaje.

• La creatividad.

• La creatividad en las artes visuales.

• Componentes y clases del pensamiento creativo.

• Métodos y técnicas de desarrollo de la creatividad.

• Sentimiento estético, memoria visual, imaginación y otras conductas artísticas.

• La percepción multisensorial y los nuevos medios interactivos.

Objetivos de aprendizaje

• Reconocer las características de la percepción visual y su relación con el pensamiento.

• Contrastar las diversas teorías sobre la percepción visual.

• Apreciar las aportaciones del pensamiento creativo al conocimiento humano.

• Analizar las técnicas de desarrollo de la creatividad y aplicarlas al aprendizaje artístico.

• Distinguir los componentes y fases del pensamiento creativo.

• Familiarizarse con las diferentes teorías sobre el pensamiento simbólico y su repercusión en el arte y en la Educación Artística.

• Valorar el protagonismo de los medios en la percepción multisensorial.

3. Contenidos.

La percepción y el pensamiento visual.

La percepción visual es pensamiento.

En los procesos perceptivos es el sentido de la vista el que tiene mayor protagonismo. Gran parte de la información que recibimos los seres humanos es información visual, de ahí la gran importancia de la percepción visual para el aprendizaje y la construcción del conocimiento. Nuestra visión más allá de la mera captación mecánica. Nuestro sistema perceptivo es capaz de abstraer, generalizar, relacionar ...

¿El arte es importante?

Una afirmación respecto al arte es asegurar que las creaciones artísticas se deben a los sentimientos y transmiten sentimientos, expresan emociones mediante estados emocionales. Armheim analiza el término emoción como un conglomerado de tres componentes: un acto de cognición una lucha motivacional provocada por la cognición, y un despertar causado por ambas.. toda actuación humana de cierta complejidad contiene los tres componentes.

El Grupo  es un equipo multidisciplinar que lleva investigando más de veinte años la hipótesis de una retórica general aplicable a todos los lenguajes, entre ellos el artístico. Según el Grupo  el sistema “Retinex”, compuesto por la retina y la corteza cerebral es el responsable de la decodificación visual. En su libro Tratado del signo visual, consideran la imagen visual como un sistema de significación y plantean la hipótesis de que ese sistema posee una organización autónoma propia.

La fuente de la visión.

Todo lo que percibimos de manera visual se debe a la existencia de la luz. La física explica la procedencia y efectos de la luz que se genera a partir del sol o de otra fuente luminosa, de cómo esta luz se propaga e incide en los cuerpos haciendo que éstos reflejen o absorban parte de su espectro, generándose la sensación de color y configurando formas y espacios. Esta capacidad física recibe el nombre de luminancia o reflectancia. Cuando hablamos de iluminación estamos refiriéndonos a un concepto distinto que el de la luminosidad. La iluminación consiste en una imposición de un gran gradiente de luz sobre la luminosidad de los objetos y sus colores. La luz crea espacios y nos ayuda a visualizar la tercera dimensión creando profundidad. Las formas de incidencia de la luz contribuyen en mayor o menor medida a generar sensaciones o ilusiones en el espacio. La utilización de las sombras y el claroscuro genera en el espectador una ilusión de tercera dimensión posibilitando una percepción que se asemeja a la realidad visual.

Percibimos un mundo de color.

La capacidad de apreciar el color es una de las características que definen la percepción de los seres humanos. Existe una estrecha relación entre luz y color. La luz blanca o visible está compuesta de diferentes colores. Haciendo incidir un haz de luz blanca sobre un prisma de cristal se observa como se proyectan siete franjas de diferentes colores: rojo, anaranjado, amarillo, verde azul, añil y violeta. A esta gama de colores que configuran el arco iris se les denomina como espectro de luz visible. Cuando la luz llega a un objeto, una parte de ésta se absorbe y otra se refleja, llegando a nuestros ojos. El color de la luz reflejada determina el color del objeto. Un objeto que absorbe todos los colores es negro y uno que refleja todos los colores será blanco.

Las aportaciones de la Teoría de la forma o “Gestalt”.

El término “Gestalt” puede ser traducido por estructura o configuración. La Gestalt considera la percepción como una experiencia directa y estructurada de la realidad exterior. El movimiento gestáltico se desarrollo en los años 1020-30. la teoría de la Gestalt fue elaborada por tres autores alemanes: Wertheimer, Köhler y Koffka, quienes utilizaron algunas ramas de la ciencia como la psicología, la física, la biología... para elaborar un método que consiste en describir los rasgos estructurales, las cualidades globales de “sistemas”.

La percepción se explica mediante un sistema de organización del material sensorial que permite construir estructuras gestálticas simples y buenas. La Gestalt defiende que la buena forma es una cualidad de la naturaleza orgánica e inorgánica y que por lo tanto los procesos activos de la percepción están en sintonía con el mundo físico. Si aplicamos las teorías gestálticas a la expresión artística descubriremos cómo las cualidades expresivas de las obras artísticas están relacionadas con los aspectos formales.

La experimentación de la Gestalt se orientó a demostrar que el aspecto de cualquier elemento depende de su lugar y función dentro de un esquema global.

Leyes de la Gestalt

• Ley de la proximidad: ante varios estímulos iguales se tiende a agrupar en un conjunto homogéneo aquellos que se encuentran más próximos entre sí.

• Ley de la semejanza: se tiende a agrupar en un conjunto homogéneo aquellos estímulos que son semejantes entre sí.

• Ley de la uniformidad: se tiende a percibir como un todo los objetos o líneas que mantienen una misma dirección.

• Ley del movimiento común: ante un conjunto de elementos percibimos como un todo aquellos que se desplazan a la vez, y en la misma dirección, aún siendo los más próximos entre sí.

• Ley del cierre: al agrupar los elementos se tiende a hacerlo de tal modo que el resultado sea una figura cerrada en sus contornos.

• Ley del contraste: la percepción del tamaño de un elemento resulta influida por la relación que éste guarda con los demás elementos del conjunto.

Ilusiones ópticas

La luz llega a nuestra retina de modo semejante a como llega hasta la película fotográfica. La luz-imagen llega a nuestro ojo-cámara, penetra a través del iris-objetivo, atravesando el cristalino-lente, la cámara oscura-humor vítreo y finalmente se proyecta en la retina-película sensible. La diferencia radica en que la película fotográfica simplemente registra las diferencias luminosas, mientras que el sistema perceptivo-visual humano ve un mundo con el que interactúa, interpretándolo y transformándolo.

Ilusiones de tamaño.

Percibimos el tamaño de los objetos en relación con el contexto. Éste también puede influir de manera que la forma de los objetos se vea alterada. La posición de un objeto en el espacio bidimensional, si está cercano a otro objeto idéntico puede afectar a la forma en que lo percibimos.

Ilusiones de movimiento.

Una ilusión muy frecuente es la del movimiento. Ésta ha tenido una mayor difusión y ha alcanzado altas cotas artísticas en el cine. Los fotogramas son imágenes fijas que pasan a una velocidad de, aproximadamente 25 fotogramas por segundo, produciendo una sensación de movimiento.

La percepción de imágenes.

Si queremos comprender cómo se produce el proceso de la visión debemos reflexionar sobre los mecanismos de la percepción visual: cómo se captan, procesan e interpretan los estímulos visuales.

La posición en la que vemos una forma o imagen puede cambiar su significado o interpretación por el espectador.

La inteligencia espacial.

Se ha definido la inteligencia como la capacidad de los seres humanos para asimilar conocimientos, recordar acontecimientos, razonar de manera lógica, manipular conceptos, traducir lo abstracto en concreto o lo contrario, analizar y sintetizar formas, enfrentarse y resolver con eficacia los problemas de cualquier tipo y priorizar lo más importante en un conjunto de situaciones.

Se acepta la existencia de un tipo de inteligencia espacial que se utiliza para orientarse en el espacio y reconocer escenas. En lo que se refiere a las artes visuales, la inteligencia espacial es aquella que está relacionada con la percepción, transformación y representación de figura y elementos en el espacio.

Arnheim defiende que existe una interacción estrecha entre ver y pensar, y que por lo tanto la enseñanza de las artes plásticas, al desarrollar la percepción visual es clave del pensamiento. Hasta hace muy poco se pensaba que no existía una vinculación directa entre la inteligencia y las capacidades artísticas. Gardner defiende que existen siete tipos de inteligencia: musical, cinético-corporal, lógico-matemática, lingüística, espacial, interpersonal e intrapersonal. Su proyecto Spectrum trata de identificar las capacidades en un momento en el que el cerebro de los pequeños es especialmente receptivo y flexible. Las cuestiones que interesan de esta investigación son:

• Si los niños están especialmente dotados para determinadas áreas, además de poseer capacidades de carácter global.

• Si existe una correlación entre los resultados obtenidos en las diferentes actividades.

• Si la capacidad de un niño en un área dificulta o facilita sus resultados en otras áreas.

Los resultados de esta investigación llevan aparejados un nuevo enfoque de la enseñanza basado en el aprendizaje precoz.

Educación artística e inteligencia.

La percepción visual tiene una evolución propia en el individuo, que se produce en un medio natural y cultural determinado. La cognición y el aprendizaje conllevan la activación de manera unitaria de procesos como: pensamiento, lenguaje, percepción visual, sensación, memoria, atención, imaginación. Una de las principales teorías sobre la repercusión de la percepción en el conocimiento humano es la “Perspectiva Ecológica” de Gibson, que arguye que las ramas establecidas de la óptica son apropiadas para el estudio de las sensaciones visuales, pero no para el estudio de la percepción visual, pues ésta no se basa en tener sensaciones, sino que en la atención a la información de la luz.

Las teorías de Vigotky defienden el origen histórico y socio-cultural de las funciones psíquicas superiores de los seres humanos. La formación de conceptos es el resultado de una actividad compleja que implica a las funciones intelectuales básicas, coordinadas por el lenguaje.

Lowenfeld defiende que la Educación Artística es la única disciplina que se concentra en el desarrollo de las experiencias sensoriales. La experimentación con las texturas, el color, la forma, son actividades en las que se puede encontrar placer y alegría.

J.A. Marina defiende que la inteligencia es algo más que razonar o resolver problemas formales y señala el modo libre de aprender de los niños como clave del aprendizaje y dominio de las facultades mentales.

El pensamiento simbólico.

El pensamiento es sinónimo de inteligencia. La inteligencia es la capacidad de adaptar el pensamiento a las necesidades que plantea la vida y la facultad para dar sentido a lo que nos rodea, estableciendo conexiones, significaciones y relaciones. La palabra símbolo significa juntar, reunir. Se trata de una representación, gracias a la cual, los seres humanos somos capaces de asociar una realidad a otra cosa. Cuando hablamos de pensamiento simbólico nos referimos a la capacidad de pensar, imaginar o crear por medio de símbolos. Las artes visuales tienen capacidad propia para expresar emociones y sentimientos a través de símbolos que no pertenecen a los ámbitos verbales sino al de las imágenes.

• Teorías y autores

Gardner defiende que la mente humana posee una capacidad para producir sistemas de símbolos que utiliza para producir pensamiento. Estos sistemas son abiertos y creativos y pueden generar una actividad que consiste en crear, rectificar, transformar y recrear productos. En la capacidad de simbolización temprana de los niños, Gardner destaca la existencia de dos interpretaciones:

• el enfoque cognitivo, que plantea la actividad simbólica como una tarea eminentemente intelectual,

• el enfoque afectivo, que trata de explicar la función que cumplen los símbolos en la vida afectiva y emocional de los niños.

Langer define las formas artísticas como las más complejas de las formas simbólicas conocidas. En una buena obra de arte símbolo y significado se presentan unificados ante el espectador quien siente y se emociona frente a ella.

Según Piaget la capacidad de abstracción permite conceptuar los objetos aunque no estén presentes. El pensamiento simbólico de los niños se manifiesta en sus juegos, dibujos y en el uso del lenguaje.

Para Gombrich, en lo que se refiere al arte de los niños, señala las diferencias entre la intencionalidad de los dibujos infantiles y las de los adultos. Los niños utilizan fórmulas o equivalentes simbólicos que representan objetos del mundo. La evolución de los dibujos infantiles hacia el realismo obedece a una imitación de las personas adultas.

• Arte, símbolo y aprendizaje.

La comprensión de los símbolos es imprescindible en todos los ámbitos de la vida, de aquí la gran importancia del pensamiento simbólico para la educación. Dorfles dice que, independientemente de la voluntad del artista, toda obra de arte nos comunica algo.

Los símbolos han tenido, históricamente hablando, una desigual presencia en las obras de arte. En el arte egipcio o románico, las obras artísticas se centraban en simbolización de un concepto o idea y buscaban la forma más idónea para representarlo. En el renacimiento, neoclasicismo, la preocupación estaba en acercarse lo más posible a una representación naturalista. La fuerte carga simbólica de los dibujos infantiles, su utilización de esquemas flexibles para representar diferentes figuras y objetos, la utilización del espacio..., son características que nos recuerdan el arte egipcio o románico. Vogotsky plantea que los niños cuando dibujan no trasladan al papel lo que ven, sino todo lo que conocen del objeto representado.

La creatividad.

La creatividad es un término bastante amplio que se vincula a la innovación y la originalidad en muy diversas actividades. La creatividad es uno de los motores que puede llevar a la humanidad al progreso y a la mejora de las condiciones de vida y estamos intentando aplicarla a todos los ámbitos de la vida social.

Hoy, la creatividad es considerada como una cualidad de la inteligencia que puede ser desarrollada a través de la educación.

• La creatividad en las artes visuales.

Se puede considerar la creatividad como cualquier aportación valiosa y novedosa. Concebimos la creatividad como una característica de la persona, como un proceso y una capacidad para la resolución de problemas. El primer pasa para la solución de un problema es la comprensión del mismo y esto en sí ya es un acto creativo. Sin embargo su solución puede ser producto de determinadas habilidades técnicas. El proceso de resolver problemas suele encontrar dificultades, algunas de ellas pueden ser:

• La tendencia a emitir respuestas estereotipadas.

• Convenciones o prejuicios sociales o culturales.

• Problemas emocionales.

• La falta de información o desconocimiento de un tema.

• No haber solucionado en otras situaciones problemas similares.

Dentro de estas investigaciones sobre la creatividad, destacan los del Instituto para la Evaluación e Investigación de la Personalidad en la Universidad de California, que se caracterizan por su sesgo psicoanalítico, cuyos descubrimientos más notables indican que las personas con un grado elevado de creatividad suelen demostrar un gran interés por problemas estéticos y teóricos.

Guiltford descubrió que la presencia del talento creador no se circunscribe a unos pocos seres privilegiados, sino que probablemente, en grados diversos, a través de la población. Las aptitudes que guardan una relación con el pensamiento creativo se establecen en dos categorías:

Aptitudes de producción divergente, que se caracterizan como tipos de flexibilidad, fluidez y aptitudes para la elaboración.

aptitudes de transformación, que permiten revisar lo que se conoce para producir pautas y formas nuevas. Su seña de identidad sería la flexibilidad.

Torrance es autor de un test para medir la creatividad. Se evalúan cuatro descriptores de la creatividad: originalidad, fluidez, flexibilidad y elaboración. Torrance defiende la importancia del pensamiento creativo para el individuo y la sociedad, y apuesta por crear métodos de instrucción y materiales para facilitar el desarrollo y la actuación creativa en las escuelas. También apuesta por ayudar al profesorado a llevar a cabo una enseñanza creativa y a promover el aprendizaje creativo en los niños.

Gardner defiende que el estudio sobre creatividad debe ir unido al estudio de la inteligencia. En su manual Inteligencias creativas ejemplifica su teoría sobre las múltiples inteligencias comentando las circunstancias que se han dado para la aparición a lo largo de la historia de determinadas personas con cualidades creativas excepcionales.

• Componentes y fases del pensamiento creativo.

La originalidad se ha considerado como el rasgo más característico de la creatividad. Nos referimos a lo único o lo irrepetible. A una obra de arte se le ha exigido para considerarla como genuinamente creativa que aporte algo nuevo u original, diferente a todo lo que existía en ese momento.

La flexibilidad es todo lo contrario a la rigidez, del estereotipo, de lo inmovible. La flexibilidad supone una capacidad para dar diferentes respuestas a un problema planteado.

La productividad o fluidez consiste en la capacidad para producir muchas obras o dar respuesta a problemas de la manera más rápida posible.

La elaboración es un indicador característico de las producciones gráficas y artísticas, está relacionada con la capacidad para producir obras o resolver problemas de una forma minuciosa, con detalle.

Estos cuatro indicadores son considerados como los más relevantes de la creatividad. Existen otros indicadores que los investigadores han utilizado ampliamente:

• El análisis o capacidad para descomponer una realidad en partes.

• La síntesis o capacidad para resumir, esquematizar u organizar.

• La comunicación o capacidad de trasladar un mensaje convincente a los demás.

• La sensibilidad para los problemas. O capacidad para ver en todo su lado perfectible o su vertiente superadora.

• La redefinición o capacidad parea encontrar usos, funciones o aplicaciones diferentes a las habituales.

• El nivel de inventiva o capacidad para llevar a cabo invenciones o proyectos.

Wallas propuso cuatro etapas en el proceso creativo:

Preparación: recolección de información enfocando los detalles del problema.

Incubación: nuestro inconsciente trabaja en el problema.

Iluminación: soluciones intuitivas aparecen espontáneamente o como resultado de un esfuerzo consciente.

Verificación: las soluciones son organizadas y probadas lógicamente.

• Métodos y técnicas de desarrollo de la creatividad.

Podemos definir los métodos de desarrollo de la creatividad como modos de proceder lógicos, procesos mentales o modos generales de conducirse.

Foustier y de la Torre proponen tres métodos para desarrollar la creatividad, que pueden aplicarse a la enseñanza.

1.El método analógico, emplea las relaciones de semejanza. El método consiste en descubrir cuáles son las relaciones analógicas que existen entre objetos, situaciones, etc. para facilitar la resolución de problemas planteados.

2.El método antitético persigue la liberación mental mediante ejercicios que nos permitan despegarnos de las reglas establecidas social y personalmente. Se trata de construir algo aportando soluciones mejores que las que ya existen.

3.El método aleatorio consiste en la posible asociación de dos conceptos generando un nuevo concepto. Las asociaciones pueden provocarse relacionando una lista de objetos que aparente e inicialmente no guarden ninguna relación explícita entre ellos. El encuentro entre ellos podrá suscitar un descubrimiento.

4. El método proyectual define que entre la identificación de un problema y su solución existe una serie de acciones que nos lleva a un proceso realmente creativo.

Fases de la metodología de la proyección

Bruno Murani PROBLEMA definición del problema elementos del problema recopilación de datos análisis de los datos creatividad materiales y tecnología experimentación modelos verificación dibujos constructivos SOLUCIÓN

Las técnicas para el desarrollo de la creatividad las definimos como las estrategias concretas o modos de proceder sistemáticos y organizados para estimular el pensamiento creativo.

En las técnicas intuitivas interviene nuestra imaginación. Se valora más la espontaneidad y la capacidad de improvisación que el análisis.

Las técnicas analíticas son las que parten de la revisión y descomposición del problema en sus elementos, para integrarlos posteriormente.

Las técnicas asociativas tratan de combinar conceptos ya sabidos para obtener otros resultados nuevos.

Las técnicas metamórficas ejercitan aptitudes para redefinir, convertir y transformar.

Las técnicas inferentes buscan la descomposición o el desarrollo del problema planteado.

Las técnicas de sensibilización y expresión tienen como objetivo favorecer el desarrollo sensorial, la capacidad perceptiva, la apertura al medio y la actuación espontánea.

Las técnicas heurísticas se utilizan fundamentalmente en el campo científico.

Las técnicas de representación y autorreferenciales recurren al lenguaje simbólico para profundizar en el subconsciente a través de estados alterados de conciencia, los sueños, etc.

Sentimiento estético, memoria visual, imaginación y otras conductas artísticas.

En el aprendizaje artístico participan aspectos relacionados con la experimentación de sensaciones y sentimientos. La educación estética supone una educación de las emociones y los sentimientos.

Vigotsky distingue dos tipos de conductas en los seres humanos, una de carácter reproductivo y otra creativa o imaginativa. En la actividad artística se utiliza un tipo de memoria que denominamos “memoria visual” que es utilizada en actividades miméticas o reproductivas. La memoria visual puede ser educada o desarrollada a través de determinadas actividades o ejercicios sistemáticos. La Educación Artística quizás sea el área del conocimiento que más se ha preocupado de despertar la imaginación en los niños.

La percepción multisensorial y los nuevos medios interactivos.

Las manifestaciones artísticas que se desarrollan en la actualidad no se limitan a la expresión de un solo lenguaje sino que utilizan transferencias múltiples, difuminando las fronteras tradicionales de los medios de expresión artísticos.

Esta ruptura de fronteras ha ido evolucionando hasta nuestros días en una búsqueda de percepción total. La interrelación de lenguajes genera infinitas posibilidades expresivas y comunicativas. Es la Educación Artística la que mejor se presta para posibilitar este tipo de percepción en la escuela. La Educación Artística que, tradicionalmente. Se ha centrado en la educación del sistema visual, hoy necesita abrirse a la incorporación de capacidades que se desarrollan a través de otros sentidos para dar respuesta a las exigencias de la sociedad multicultural, multimedia, que apuesta por la hibridación de los lenguajes.