EL CUBISMO

Definición

Es difícil dar una definición general del Cubismo válida para todas las obras y todos los pintores. Podríamos intentarlo, pero siempre hallaríamos obras que no encajen en la definición o que la contradijeran, sin dejar por ello de ser cubistas.

Esa dificultad para definir el Cubismo nos indica que se dan en él contradicciones y paradojas. Cada artista tiene su forma personalísima de entender y expresar el Cubismo.

l cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por Braque y Picasso en el periodo de 1907a 1914 y que rápidamente fue adoptado y adaptado por muchos otros artistas. Surge así un amplio movimiento artístico que, si bien está originalmente centrado en París, será de ámbito internacional.

El cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representación desde el Renacimiento, pues abandona el punto de vista único y fijo que dominó la pintura europea durante siglos por una multiplicidad de puntos de vista que, simultáneamente, representan los objetos y figuras en la misma pintura. Esta nueva forma de representación no es, evidentemente, de imitación, sino de concepción, es decir que aborda la realidad, no bajo aspectos visuales como hace el impresionismo o el fauvismo, sino bajo aspectos intelectuales (de carácter intuitivo).

La denominación se debe al crítico Louis Vauxcelles quien bautizó de "cubistas" a los artistas de esta tendencia en el Gil Blas de 25 de Mayo de 1909.

La presentación pública del cubismo, como movimiento pictórico, tuvo lugar en 1910 en el Salón de Otoño donde muchos artistas mostraron trabajos con este planteamiento estético.

Al año siguiente varios de esos artistas, que a diferencia de Picasso y Braque no tenían acceso regular a una galería privada, decidieron exponer juntos en el XXVII Salón de los Independientes celebrado en Abril de 1911, donde se les asignó una sala (la 41) dedicada enteramente a ellos. Estos artistas, practicantes de un cubismo herético o más torpe que el de los grandes maestros (Picasso, Braque, Gris), serán llamados "cubistas de salón".

Características generales:

• Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio.

• Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.

• Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto vien dado por la descomposición del volumen.

• Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos

• Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. Cézanne ya redujo sus composiciones a las formas geométricas, por eso ejercerá tanta influencia en el Cubismo.

• Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Esta es una experiencia que constituye la base intelectual. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente. El cubismo se pregunta por los problemas del volumen y del espacio. Se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro

El Color y La Forma

Si exceptuamos los primeros cuadros cubistas (los de la etapa llamada Cezaniano) y los de la última época, podemos afirmar que el Cubismo se caracteriza por una gran austeridad en cuanto al uso del color. A menudo los cuadros son prácticamente monocromos con dominio de los tonos apagados, grises, pardos,ocres. Son colores neutros y suaves (1). Los pintores cubistas manifiestan una gran desconfianza hacia los colores brillantes de los impresionistas y de sus contemporáneos, los fauves. En cambio, están obsesionados por la forma, por la geometría. R.HUYGHE, (tras afirmar que el impresionismo supuso un radical y exclusivo dominio del color y la total eliminación del dibujo), explica la obción cubista a favor de la forma como "un empuje en la dirección opuesta aunque no fuera más que para restablecer el equilibrio. Lo ha subrayado JUAN GRIS: " Por reacción contra los elementos fugitivos empleados por los impresionistas en sus representaciones, tuvimos deseo de buscar en los objetos representados elementos menos inestables". Pero si el color es el lugar de infinitas transiciones, la forma por el contrario, tiende a deducir la fijeza de las estructuras. Este afán compensador la ha sentido el Cubismo como una orden terminante y solo cuando hubo precedido a la depuración reclamada, no vacilará en reabrir las puertas al color, tras esa severa lección que lo había despojado de sus prerrogativas, de las que había abusado.

Etapas del Cubismo

El Precubismo de Picasso " PERIODO NEGRO " (1906-1907)

A partir de 1906 Picasso se encarrila por la vía que, poco a poco, le conduce a la ruptura con la pintura tradicional, o pintura de imitación (recordamos que de 1901a 1906 Picasso estaba en la que se llamaría "época azul" y "época rosa").

En adelante le interesará un arte más conceptual: desaparece la imitación de la realidad, no existiendo otra realidad que la del propio cuadro.

Con frecuencia se habla de la influencia de la escultura negra (máscaras polinésicas o sudanesas) sobre este período de Picasso. Aunque él lo negó en varias ocasiones, es indiscutible que conocía las máscaras y las esculturas negras, muy de moda por entonces entre los artistas de Montmartre. Este hecho explica el que a este periodo se le llame también "período negro".

Durante este periodo transitorio, Picasso realiza una intensa búsqueda llegando a crear poco a poco, un universo nuevo a base de formas geométricas, tan original, que acabará en esa

colusión de la pintura de la que surgirá el Cubismo.

Picasso se impone una estricta disciplina de orden puramente constructivo; una incipiente geometrización de las formas que le permite evocar -y no representar- su estructura en

su verdadera identidad, despreciando la mera apariencia (que es cambiante y efímera). Son ejemplos de lo que decimos;

"Autorretrato" (1906)

"Retrato de Gertrude Stein" (1906)

"Busto de mujer desnuda" (1906)

"Dos mujeres desnudas" (1906)

Una larga serie de estudios de cabezas de mujeres(1906-1907) nos encamina hacia la gran tela que constituye el manifiesto de la gran revolución cubista: "Les demoiselles

d`Avignon" (1906-1907), que representan unas prostitutas de la calle Avinyó en Barcelona.

Picasso muestra en esta obra una cara de frente con la nariz de perfil, con lo que adapta con originalidad a su nueva visión del mundo, la ley de frontalidad de los egipcios. Las

figuras de las mujeres son tan ambiguas que es como si el pintor se hubiera movido con entera libertad alrededor de su tema, reuniendo información desde distintos puntos y ángulos de vista.

Son esos planos geometrizados, resultado de diferentes puntos de observación los que dan ambigüedad a las figuras y, al mismo tiempo, permiten expresar el volumen sobre la superficie plana de la tela.

"Esa estilización de las formas ese riguroso análisis de los planos reducidos a puros elementos geométricos, ese sentido del ritmo y de la armonía de cada una de las partes en función de la composición de conjunto, confieren a esta obra una amplitud monumental -escultural y arquitectónica- que hace suponer que su auto es heredero de los egipcios y de los escultores románicos".

Son también del mismo periodo y con la mismas intención:

"Le nu á la serviette" (1907)

"Le nu á la draperie" (1907)

El Cubismo Cezaniano (1908-1909)

Braque pasó el verano de 1908 en L `Estaque, pintando los mismos paisajes que había pintado insaciablemente Cezanne y que reflejan claramente la gran influencia del maestro de Aix. También Picasso pinta paisajes muy semejantes a los de Braque.

"Si los planos -todavía bastante anchos- son claramente delimitados y modelan poderosamente la forma, ya aparecen los "passages" que recuerdan las "modulaciones" cezianas, permitiendo a ambos artistas no caer en el escollo de la pintura no escesivamente geométrica y decorativa. Los personajes, paisajes y objetos, aunque "cubificados" en volúmenes estrictamente definidos en el espacio, a pesar de todo, continúan pintados según una realidad aparente, o sea, vinculados aún al mundo visible, pero quedan reducidos a sus principios constructivos esenciales. El color, elemento sensorial, que era una de las bases de la pintura de Cezanne, queda limitado a algunos coloridos seleccionados en

función de sus relaciones armónicas, los pardos, ocres, sienas, grises muy variados, y finalmente los verdes, cuyas relaciones y combinaciones recuerdan la pintura de Cezanne; pero los coloridos son muy diferentes de los del maestro de Aix, que tenía una gran predilección por los azules, evocadores de la atmósfera")

Ejemplos de obras de ambos artistas:

PICASSO:

"Nature morte au compotier" (1908)

"Nature morte au bouquet de fleurs" (1908)

Retratos;

"La mujer del abanico" (1908)

"Familia de arlequines" (1908)

"La femme en vert" (1909)

Paisajes;

La serie de los realizados en Horta de Ebro (1909)

BRAQUE: Paisajes;

Numerosos paisajes de L `Estaque (1908-1909) como:

"Maisons á L `Estaque"

"El año 1909 marca una evolución muy sensible en la

obra de ambos artistas, afirmándose en las nuevas tendencias: las

formas son más analizadas, y se hace más evidente su geometriza

ción; se multiplican los planos que reemplazan a los volúmenes,

así como los "passages"; el modelo no es tan vigoroso; los colo

res y tonos, menos contrastados, tienden a cierta monocromía por

los ocres y los grises, mientras los verdes quedan atenuados. El Cubismo empieza a entrar en su fase analítica..."

(Ej. "Mujer sentada en un sillón" col. part. Paris, de Picasso).

Braque se detendrá un poco más en el estudio de los volúmenes antes de dar el paso decisivo.

EL CUBISMO ANALITICO (1910-1912)

Desde 1910, Picasso y posteriormente Braque, deseosos de evocar en lo sucesivo a la persona humana o al objeto tal como lo pensamos y no como lo vemos, lo representarán a base de descomponerlo en múltiples facetas, es decir en múltiples -e imprecisos- planos. Con esta multiplicación de los planos llegan a romper totalmente los volúmenes que se ven triturados, fragmentados en innumerables pequeñas facetas, con reflejos luminosos que dan a las obras esa apariencia poliédrica confusa que nos recuerda el cristal tallado.

Es la ruptura ya comentada con la tradición clásica y la sustitución de un ángulo único de visión por numerosos ángulos con el fin de lograr, a través de este minucioso análisis, un panorama más completo. De este modo reforman todo un universo plástico, con unas obras que desconciertan. El color queda reducido a una gama de grises o de ocres. (Han desaparecido los verdes de la etapa cezaniana).

Los cuadros resultan de difícil comprensión, se hacen progresivamente herméticos. Hay una gran confusión entre el fondo y la figura representada, pues aquél parece avanzar hacia el

primer plano y, a la inversa, la figura parece diluirse y difundirse por todo el espacio del cuadro por medio de las facetas, que son como fragmentos revoloteantes. (Todo esto hablando en

términos convencionales -figura, fondo, representación, etc...- y a sabiendas que es un lenguaje inadecuado para una pintura cuyo fin no es "representar" la realidad.

Características Principales del Cubismo Sintetico

- Progresiva esquematización de las formas y del espacio: en las primeras obras cubistas de Picasso y Braque, el reducionismo atiende a la composición geométrica latente en los objetos (los objetos eran reducidos a sus formas básicas, descompuestos y reconstruidos según su verdadera estructura), en obras posteriores la esquematización es mayor quedando las formas reducidas a sólo unos pocos trazos básicos convertidos casi en signos (en algunas obras el tema del cuadro resulta difícil de descifrar sin la ayuda del título).
- Línea separando los planos y los objetos.
- Colores quebrados y terrosos, poco brillantes (marrones, beiges, grises, negros, etc).
- Incorporación de elementos gráficos (letras o números).
- Preferencia por las naturalezas muertas (frutas, fruteros, pipas, botellas, vasos, partituras musicales, guitarras).

Representantes del Cubismo:
 

Hay tres artistas principales: Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Y hay otros muchos considerados cubistas, cuya obra difiere notablemente de los anteriores, Gleizes y Metzinger, Marcel Duchamp y Francis Picabia,Robert Delaunay y Fernand Léger
 

• Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del cubismo, y uno de los grandes genios del arte universal. Su obra artística es muy extensa pero su nombre estará siempre ligado al cubismo como su creador y su máximo representante. En 1907 pinta Las señoritas de Aviñón, cuadro que marca el comienzo del cubismo. Otros cuadros cubistas son Mujer sentada en un sillón, Mujer del abanico, La fábrica de Horta del Ebro, Cabeza de mujer, La muchacha de la mandolina, El aficionado, Retrato de Wilhelm Uhde, Retrato de D. H. Kahnweiler, Hombre con sombrero, Cabeza de muchacha, Naturaleza muerta con una silla de rejilla, Guitarra, Naturaleza muerta, estas tres últimas con colage, Las meninas y El Guernica.

• Georges Braque (1882-1963) es el otro gran creador del cubismo, más intelectual que Picasso. Se mantiene siempre fiel a la estética cubista. Son características sus naturalezas muertas: Naturaleza muerta en mesa de árbol, Casas en el estanque, La Roche-Guyón, El portugués, Ceret: los tejados, El hombre del violín, Violín y jarra, La mesa del músico.

• Juan Gris (1887-1927) es el tercer gran cubista. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Su cubismo es, fundamentalmente, sintético y coloreado. Comienza a poner a sus obras títulos intranscendentes. Composición, El fumador, Las tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El lavabo.

• Fernand Legar (1881-1955) Los cuadros de Legar tienen un aire autónomo compuesto por cilindros y conos que ciertamente interpreta de una manera decorativa. Son también una amalgama de formas tubulares y cónicas donde se utiliza un colorido brillante porque siguiendo los recursos publicitarios combina el dibujo en blanco y negro con áreas fuertemente coloreadas en rojo y amarillo. Obra: Las Tres Mujeres

ANÁLISIS DE: “LAS SEÑORITAS D`AVIGNON” y “EL GUERNICA”

“LAS SEÑORITAS D`AVIGNON”.

La resolución y culminación de la labor de Picasso se ve concentrada en el extraordinario cuadro Las señoritas de Avignon, el que fue pintado mayormente en la primavera de 1907 después de meses de desarrollo y revisión.

Cada una de las 5 figuras en la composición final es un objeto de considerable estudio.

Los cuerpos son similares en estilo a las cabezas de las dos primeras señoritas de la derecha, que a su vez se diferencian de las demás, por lo cual se separan para lograr un análisis.

Obviamente el pintor había perdido interés en modelos escultóricos y los comunes naturales de sus primeros desnudos. El desnudo posterior está dibujado casi todo con líneas rectas que forman planos angulares.

La mitad derecha o mejor dicho dos quintos de Las señoritas de Avignon difieren en carácter del resto del cuadro. Los cafés claros, rosados y colores tierra de la izquierda están relacionados a los colores de 1906, llamado periodo Rosa.

Pero a la derecha, grises y luego azules predominan con acentos de verde y naranjo, los planos son también más chicos y rectos.

La diferencia radical entre el lado derecho e izquierdo de la pintura recae en las cabezas de las dos figuras a la derecha. La cabeza superior no es tan plana, pero tiene frente pequeña con una nariz plana y rígida, barbilla puntiaguda, la boca pequeña y ovalada y sin orejas, todas las características de las

las mascaras africanas Negro del Congo francés. La cara de abajo posee también una frente pequeña que da pie a una mascara totalmente plana donde los ojos, nariz, boca y orejas están descolocados. La mano y brazo que sostienen la cabeza de abajo están más violentamente distorsionados.

Como sus formas, el color y su degradación, las caras parecen inspiradas en general por las mascara del Congo y de la costa (Ivory), más que por otra cosa.

Tradicionalmente Las señoritas de Avignon fueron de todas maneras vistas como el resultado de la influencia de la escultura africana Negro, pero a Picasso al principio lo negaba ya que afirmó que lo que le interesaba era la escultura Ibérica y que no conocía nada del arte Negro durante la creación de Las señoritas de Avignon.

Pero luego Picasso aseguraría que las dos figuras de la derecha de Las señoritas de Avignon fueron terminadas tiempo después de terminada el resto de la composición.

De donde haya sacado la inspiración Picasso, estas dos cabezas de puro expresionismo, violencia y intensidad barbárica sobre pasa la más vehemente invención de los fouvistas. Y de todas maneras la extrañeza chocante de la mascara de más abajo anticipa las caras surrealistas que Picasso pintaría veinte a treinta años después.

IMPORTANCIA DE LAS SEÑORITAS DE AVIGNON.

Luego, a pesar del interés hacia estas cabezas y la fama de la vívida pintura de las frutas en el fondo, Las señoritas de Avignon es más importante como el conjunto que por los detalles.

Las señoritas de Avignon fue llamada la primera pintura cubista, por la ruptura de la forma natural; cubismo en un estado rudimentario. Las señoritas es un cuadro de transición, un laboratorio, pero es también un formidable trabajo dinámico y jamás superado por el arte Europeo de la época. Junto con el cuadro Alegría de vivir de Matisse que es del mismo año, comienza un nuevo periodo de la historia del arte moderno.

LA COMPOSICIÓN DE LAS SEÑORITAS DE AVIGNON.

Para juzgar su trabajo, fue en Gosol en el verano del 1906 cuando Picasso empezó a planear una larga composición de desnudos, pero ninguno se acercaba a lo que sería Las señoritas de Avignon.

Picasso explicó en 1939, que la figura central del primer estudio de la obra era un marinero sentado y rodeado de mujeres desnudas, flores y comida. Entrando a esta placentera compañía desde la izquierda esta un hombre con una calavera en su mano.

Aunque su relación hacia la realidad es remota, este estudio llama al origen del romántico titulo de la pintura Las señoritas de Avignon el cual fue inventado años más tarde por un amigo de Picasso en una anónima referencia a un cabaret o casa pública en la calle Avignon en Barcelona.

En otro estudio (b) el marino dio lugar a otro desnudo. Las figuras son más chicas en proporción al formato más amplio.

En el estudio final (c) con solo cinco figuras en vez de siete, el hombre situado a la izquierda en los primeros estudios ha sido cambiado a una figura femenina tirando hacia atrás una cortina.

En la pintura misma esta figura pierde sus proporciones en armonía con las otras figuras y el formato más alto y estrecho de la gran tela.

Todas las implicancias de un contraste moral entre virtud (el hombre con la calavera) y el inicio (el hombre rodeado de frutas y mujeres) fueron eliminados a favor de la composición de la figura pura formal, que como se desarrolla se ve que se convierte más y más deshumanizada y abstracta.

REFERENCIA DE LAS SEÑORITAS DE AVIGNON

Tal fue el concentrado estudio dedicado por Picasso por cada una de las formas de Las señoritas de Avignon que no estuvo satisfecho hasta que las retomo en sucesivas ocasiones.

Años después en 1937, durante las semanas posteriores a que Picasso concluyera el mural Guernica, el momento de su emoción lo llevo a realizar series de variaciones y dedicatorias comparables a las que siguieron el despertar de Las señoritas de Avignon.

LA INFLUENCIA NEGRO.

Es extraño que Picasso que conociendo a Matisse (que ya había formado colecciones de la influencia de arte Negro), desde 1906, nunca se influencio por el arte Negro si no hasta 1907, cuando hasta el dice, lo descubrió por el mismo casi accidentalmente mientras visitaba la galería de historia escultórica en el Tracadero.

Picasso afirma que este descubrimiento fue una revelación hacia él y comenzó a usarla inmediatamente.

Muchos de los trabajos de Picasso entre 1907 y 1908 se incorporaron formas africanas y posiblemente colores de la época llamada periodo Negro, en donde se ubican Las señoritas de Avignon.

En ese período la escultura ibérica continuaba interesándolo y varias veces fusionando formas (por los críticos algo confuso) con las del Congo y la costa de Tiriere.

La mujer en amarillo fue considerada una de sus más importantes pinturas durante el periodo Negro de Picasso, pero al parecer esta pintura está más relacionada con la escultura Ibérica.

“EL GUERNICA”

Fue un encargo del Gobierno de la República para el pabellón español de la Exposición Internacional de París del año 1937.

Desde 1939 permaneció en el MoMA de Nueva York, y fue devuelto a España en 1981, una vez restablecidas las libertades democráticas, siguiendo los deseos de Picasso. Concebido y pintado en un mes escaso en su estudio parisino, este mural pretendía ser un grito contra la atroz guerra civil que desangraba España y contra la crueldad del hombre en general. Picasso, a la cabeza de la pintura de vanguardia, estaba política y moralmente ligado a la causa republicana y antifascista, y por ello era inevitable que el cuadro levantara agrias polémicas tanto en el terreno del arte como en el de la política. Pasados 60 años es posible ya juzgar el Guernica con objetividad y afirmar que es una de las obras capitales y controvertidas del siglo XX.

El valor de este cuadro no está en su pintura, ya que no tiene nada de especial: es como casi todas las del periodo cubista de Picasso: colores monocromos…. Sin embargo, este cuadro es el que más valor simbólico tiene de los que pintó, por eso es uno de los más importantes.

Picasso quiere reflejar en su cuadro la tristeza y el horror de la guerra civil española, en especial lo que pasó en Guernica. Las figuras son alargadas y parezca que tienen vida.

Picasso, antes de pintar el cuadro, realizó más de 150 estudios previos. El 3 de Enero de 1936 comenzó a realizar los primeros bocetos del cuadro, y hasta mucho más tarde no empezó a pintarlo sobre el lienzo.

Picasso tuvo un encargo de una revista francesa de llamada “Minotauro”. Este encargo consiste en pintar las portadas de esta revista: un minotauro. Un minotauro es un animal de la mitología griega cuya cabeza es de un toro y el cuerpo mezcla entre humano y toro.

Sus medidas son 7,28 x 3,51. Se encuentra en el museo reina Sofía de Madrid. El Guernica tiene forma de pirámide.

El 15 de Octubre de 1981 el “Guernica” quedó instalado en el Casón del Buen Retiro de Madrid. Se encontraba en una sala para él solo y tenía un cristal antibalas muy grueso (19 mm.) colocado delante de él. Las medidas del cristal eran 7,5 x 2,5 de ancho. El techo estaba acorazado, las vigas eran de acero y las medidas de seguridad muy altas. La pared donde se encontraba el cuadro era blindada. Toda esta obra de seguridad costó entre 20 y 30 millones de pesetas. Entre 1992-93 lo llevaron al Museo Reina Sofía, donde se encuentra actualmente. Sin embargo, las personas del País Vasco querían llevarse el cuadro a el País Vasco, porque decían que les pertenecía. Bernard, uno de los administradores del cuadro y nieto de Olga Koklova afirmó en una declaración que el cuadro no debería de moverse del Museo Reina Sofía.

Las figuras:

- La mujer con los brazos en alto:

Esta figura representa a la parte de la población que murió a causa del bombardeo de la legión de aviones. El cuerpo de esta figura es de madera y da la impresión de que está saliendo de una ventana que está ardiendo, en la que dentro hay bombas, con los brazos estirados. Alarga las manos para expresar el movimiento de la caída. Picasso coloca algunas partes del cuerpo: ojos, dedos y manos en forma de remolina dando la impresión de movimiento.

Larrea, un escritor que ha estudiado a Picasso, dice que esta figura representa a la comunidad de Cataluña porque en este momento se esta hundiendo. Es una afirmación no muy segura, como la mayoría de sus afirmaciones.

- La mujer con forma de diagonal:

Esta figura representa a las personas que intentaban escapar del horror de la guerra. No todo el mundo fue capaz de escapar. Parece que está intentando marchar del cuadro, salir hacia fuera. Las manos y los pies de esta figura son my grandes. La línea diagonal forma el talón, el brazo y el cuello.

- La mujer del quinqué:

Esta figura está situada en el cuadro encima de la anterior. Es una mujer que lleva en sus manos una lámpara de aceite y mete sus manos en la casa por la ventana. Sus brazos son muy largos y llegan hasta el centro del cuadro. El rayo de luz que despide la lámpara de aceite se ciñe con la diagonal de la figura anterior. La cabeza de esta figura tiene la forma de los bocadillos que aparecen en los T.B.O. Toda la figura representa un grito: el horror del bombardeo. Lo curioso es que no esté tremendamente emocionada.. la luz que empuña está junta a una luz y no alumbra. Con esto está diciendo que con el esfuerzo de todos se puede descubrir la verdad. Esta figura tiene unos bocetos previos llamados “Sueño y mentira de Franco”, a esto se refiere con el quinqué. Se cree que esta mujer representa a Dora Maar que iba por las noches a ver si Picasso estaba trabajando.

El escritor Larrea dice que esta mujer representa a la mujer inteligente española. Es otra de sus afirmaciones que probablemente no sean ciertas.

- La lámpara del techo

Esta lámpara tiene una bombilla potente pero los rayos de luz aparecen cortados. No ilumina la estancia.

- El caballo

Es la figura central del cuadro. Todo el cuerpo está recubierto de piel menos la parte delantera que está iluminada. Es una figura que está aguantando el equilibrio. Las patas traseras son las que se mueven, mientras que las delanteras permanecen dobladas por las rodillas. Es un animal de guerra, igual que el animal que aparece encima, el toro. Estos dos animales en cierta manera están ligados. Este cuadro se une también a la mujer que llora. El caballo está malherido por una lanza que le está atravesando la panza. Esta lanza representa un acto de liberación: exorcismo. El mal era la guerra civil española. La lengua de este noble animal esta apuntando como si se dispusiera a matar. Tiene una herida abierta en la panza y por eso gira la cabeza como expresando dolor. Representa a las víctimas que padecen los efectos de la guerra.

Larrea afirma que este animal representa al fascismo de Franco. Es una afirmación incorrecta.

Picasso en unas declaraciones de 1945 afirmaba que esta figura representaba la libertad. Larrea le preguntó si representaba el franquismo y Pablo le dijo que sí. En otras declaraciones, Picasso afirmó que representaba a la libertad.

- El toro

Esta figura aparece de perfil. El símbolo que representa es la constancia del pueblo, su capacidad de insistir o de sobrevivir a los ataques del hombre. La cola del toro está agitándose con furia, y su figura forma un edificio que cobija a una madre con su hijo.

- La madre con el niño

Una mujer está debajo del toro y lleva colgado del brazo a su hijo muerto, cuya cabeza cae sin resistencia. Se ve que está muerto: los ojos están quietos, simétricos, sin vida, la boca la tiene cerrada. La madre no está herida pero grita porque la muerte de su hijo le produce tal dolor como si la hubieran herido a ella. Su lengua es como la del caballo, y su boca abierta se relaciona con la del caballo y con la de la paloma que hay al lado del toro.

Larrea afirma que esta figura es la central, y que representa a Madrid, aunque no es cierto. Dice que “Madrid” se parece a la palabra “madre”.

- La paloma

Está entre el toro y el caballo. Se encuentra sobre una mesa y apoyada sobre un ala. Es el símbolo de la paz y se encuentra al fondo del mural: la paz siempre viene al final. Es oscura, y sus alas caídas tienen un paralelismo con los brazos caídos del niño, ellos son lo más indefenso. Tiene un aire de desesperación, y su pico está entreabierto en un grito de angustia porque es una paz truncada.

Larrea mantiene que se parece más a un pájaro o a un pato pero que Picasso quiere que sea una paloma y de esa forma la relaciona con la paz. Larrea en última instancia la relaciona con el Espíritu Santo.

- El guerrero muerto con el puñal roto

Está debajo del caballo. Es el último personaje y es el único hombre, porque los hombres son los que van a la guerra y no están por las calles, pero también le han matado cuando iba a defenderse. Picasso nos lo presenta de forma fragmentada y a trozos. Está decapitado y parece una escultura. La forma de estar decapitado sugiere que se trata de una escultura de un héroe. A diferencia de los ojos del niño muerto, los de este hombre están distorsionados y abiertos. La boca abierta indica que ha muerto luchando y también el brazo expresa su lucha: tiene un puñal en su mano y ese puñal está roto. Sin embargo de su puño sale una delicada flor que queda situada en el centro del parte baja del cuadro, lo mismo que la luz de la parte superior. Esta situación central nos habla de que la voluntad y la capacidad del hombre pueden sobrevivir a cualquier destrucción, lo que nos indica que Picasso creía ilimitadamente en el hombre.