La época de la historia de la música que yo he elegido para hacer mi trabajo es la del Clasicismo.

En mi trabajo voy a tratar los siguientes puntos.

1.Introducción

2.El Clasicismo, un estilo universal

3.Génesis del clasicismo

4.Aportaciones del clasicismo

5.El nacimiento de la sinfonía

6.La ópera

7.Haydn y Mozart

8.El clasicismo hispano

9.Beethoven y Schubert

10.Resumen

INTRODUCCIÓN

Clasicismo (música), lenguaje musical desarrollado por Joseph Haydn, Wolfgang, Amadeus, Mozart y Ludwig van Beethoven, que se caracteriza por un perfecto equilibrio entre forma y contenido musical.

EL CLASICISMO, UN ESTILO UNIVERSAL

El término clásico se aplica a la música de Haydn y Mozart incluso desde los útimos años del siglo XVIII. Poco después de la muerte de Mozart en 1791, su primer biógrafo observó que sus óperas, conciertos, cuartetos y otras obras eran dignas de alabanza dado que podían escucharse una y otra vez sin que llegaran a cansar. Incluso antes de 1800 se reconocía ya que las obras de Mozart serían objeto de un estudio continuado, por analogía con las obras maestras del arte griego y romano. Durante el clasicismo, el objetivo era alcanzar la universalidad del lenguaje musical, tal como ya señaló el teórico Johann Joachim Quantz en 1752: "Una música que es aceptada y reconocida como buena no sólo por un país... sino por muchos pueblos... debe, dado que se basa tanto en la razón como en el sentimiento del sonido, ir más allá de toda discusión y ser considerada la mejor". Si bien el estilo clásico trascendió de forma efectiva los límites nacionales, sus más célebres exponentes estaban asociados al nombre de la ciudad de Viena.
Los autores contemporáneos han recalcado que esta música debería agradar a todo oyente sensible y estar libre de cualquier tipo de complicación técnica innecesaria. Pero, por su poder de conmover y estimular, debería llegar más allá del mero entretenimiento. Esta música es el reflejo de la emergencia de la clase media a una posición de influencia durante el Siglo de las Luces. La filosofía, la ciencia, la literatura y las bellas artes comenzaron entonces a tener en cuenta al público general, en lugar de a un selecto grupo de expertos. La música se vio afectada de un modo similar: a medida que iba desapareciendo el mecenazgo, éste iba siendo reemplazado por un público de melómanos. El compositor alemán Carl Philipp Emanuel Bach dedicó intencionadamente a un mercado de amateurs y connoisseurs el título de una de sus colecciones de música para teclado. En una carta al padre de Mozart, Haydn señala como cualidades complementarias y dignas de elogio el conocimiento musical y el buen gusto presentes en la música de su hijo.

GÉNESIS DEL CLASICISMO

Ya en 1814 el escritor Ernst Theodor Amadeus Hoffmann reconoció la originalidad e integridad del nuevo lenguaje y señaló que el nuevo arte de Haydn, Mozart y Beethoven tuvo sus orígenes a mediados del siglo XVIII. Hacia la década de 1720 apareció un nuevo estilo muy influyente, el rococó (o estilo galante), cultivado principalmente en Francia. El llamado estilo expresivo (empfindsamer Stil) surgió algo más tarde, y estuvo básicamente asociado a los compositores alemanes. Ambos estilos se desarrollaron a partir de la práctica difundida en el barroco de poner el mayor interés melódico en las voces superiores. La importancia de la voz del bajo disminuyó de forma radical, dado que su papel quedó relegado al de mero soporte de la línea melódica principal en la voz superior.

Rococó fue un termino utilizado, en un principio, para designar los elaborados ornamentos en materia de decoración e interiorismo empleados en Francia durante el periodo de la Regencia. Galante era el término popularmente utilizado para indicar lo moderno, elegante y sofisticado. En la música, el estilo del rococó estaba asociado a la aristocracia, mientras que el estilo expresivo pertenecía a la clase media y estaba fundado sobre los sentimientos individuales. Ambos lenguajes fueron absorbidos más adelante dentro del clasicismo.

APORTACIONES DEL CLASICISMO

Los cambios en el lenguaje musical se centraron en los nuevos enfoques de la melodía y la armonía. Durante el periodo del barroco el carácter básico (Affekt) de un movimiento siempre era consistente. Tenía un único tema declarado al comienzo, y luego, en lugar de la cadencia habitual, era desarrollado y articulado por medio de la repetición secuencial de frases. Los compositores preclásicos mantuvieron la estructura basada en tonalidades relativas, pero comenzaron a introducir un grado mucho mayor de contraste dentro de los movimientos. La continuidad de los compositores del barroco fue reemplazada por frases más articuladas, que por primera vez crearon un nuevo problema de fluidez. El material melódico a menudo se basaba en acordes y se caracterizaba por una renovada simplicidad. Se rechazó el vocabulario armónico y tonal de los compositores del barroco y el ritmo armónico se hizo más lento: las progresiones convencionales a menudo soportaban una gran actividad dentro de la estructura.

Los nuevos lenguajes musicales permitieron la aparición de toda una gama de géneros musicales. En la música para teclado, el compositor francés François Couperin fue un ejemplo de estilo galante, y cultivó piezas de género descriptivo así como piezas para clavicordio llamadas ordres, cuyos movimientos de danza suelen tener títulos estrambóticos. De las muchas danzas del barroco, sólo el minué conservó su lugar en la música de cámara y en las composiciones para orquesta clásica. Era característico del rococó, con sus refinados pasos y gestos pequeños, pero demostró ser capaz de un desarrollo sofisticado a manos de Haydn y Mozart. El periodo del clasicismo fue testigo de un cambio radical en el papel de los instrumentos de teclado, a medida que iba desapareciendo de forma gradual la función del bajo continuo. Un hecho simbólico fue la decadencia de la sonata a trío, una de las formas instrumentales básicas del barroco. Ello dio pie al cuarteto de cuerda, cuya espectacular difusión fue uno los mayores logros de Haydn.

Durante el periodo barroco, los instrumentos de tecla sólo desempeñaron un papel importante en las sonatas para dos, tres o más instrumentos, pero en la primera mitad del siglo XVIII surgió la sonata para solista, que luego llegó a conquistar la importante posición que aún conserva. Uno de los compositores que más contribuyó a este género fue el italiano Domenico Scarlatti, cuyas sonatas virtuosas muestran un importante entendimiento del idioma musical y del enfoque experimental, tanto en las progresiones armónicas como en la estructura musical. A menudo introducía contrastes temáticos que podrían considerarse como un rasgo de modernidad.

Si la ligereza de sentimiento de Scarlatti lo conecta con el rococó, C. P. E. Bach es la quintaesencia del Empfindsamkeit (en alemán, 'sentimentalismo'). Fue él quien declaró que los objetivos principales de la música son los sentimientos y por ello era necesario que el músico tocase con el corazón y se viera comprometido emocionalmente. La expresión de Bach sobre las sutiles sombras de la emoción se asocia con el interés por la calidad vocal de sus sonatas y fantasías. La exteriorización de sentimientos y la propensión a las lágrimas y a los suspiros caracterizaron también al movimiento literario conocido como Sturm und Drang (tormenta e impulso), que tomó el nombre de una obra teatral de 1776 escrita por Friedrich Maximilian von Klinger. Este movimiento previo al romanticismo concedía una gran importancia a la libertad personal del artista que se tradujo en la música en una gran intensidad emocional y en un arranque de pasión que caracterizan algunas de las piezas para teclado del propio C. F. E. Bach. También afectó a una parte de la música instrumental y para orquesta del joven Haydn, quien reconoció libremente su deuda con el viejo compositor.

EL NACIMIENTO DE LA SINFONÍA

Italia era uno de los principales centros musicales en el periodo del clasicismo y fue allí donde brotaron las primeras semillas para el desarrollo de la sinfonía. La obertura de ópera se estableció en Italia alrededor de 1700, pero no fue hasta mucho más tarde cuando sus tres secciones fueron separadas del teatro para ser interpretadas aparte. Los primeros compositores italianos de sinfonías fueron Guiseppe Tartini y Giovanni Battista Sammartini. Sin embargo, pronto se impuso el predominio alemán en ese campo, especialmente en Mannheim, donde se hizo famosa la orquesta dirigida por Johann Stamitz bajo el patrocinio del elector Karl Theodor por su disciplinada precisión, que causó una gran impresión en Mozart. La escuela de Mannheim combinó el lirismo italianizante con la fuerza dramática de recursos instrumentales tales como el crescendo y el trémolo. El desarrollo de la orquesta clásica también debe mucho a los compositores austriacos Georg Matthias Monn y Georg Christoph Wagenseil, cuyo eclecticismo moderó la simplicidad del nuevo estilo y mantuvo los instintos de la experiencia contrapuntística. Las bien documentadas distinciones de los estilos nacionales a mediados del siglo XVII, dieron pie a una perspectiva verdaderamente internacional durante la época de Haydn y Mozart. Johann Christian Bach, hijo menor de Johann Sebastian Bach, tras estudiar en Alemania e Italia, comenzó con éxito una carrera como compositor e intérprete en Londres después de haber sido organista de la catedral de Milán. La gracia, elegancia y a veces melancolía de su lenguaje musical muestran la influencia inmediata del joven Mozart.

LA ÓPERA

El desarrollo de la comedia tuvo una importante influencia en el terreno de la ópera a lo largo del siglo. Los intermedios cómicos, que se representaban entre los actos de las óperas serias, introdujeron personajes, intrigas y situaciones extraídas de la vida real. La opera buffa pronto se independizó en obras como La serva padrona (1733), de Giovanni Battista Pergolesi. El género comenzó a adquirir una enorme influencia, que no perdió hasta las tres colaboraciones de Mozart con el libretista Lorenzo da Ponte: Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790).

Durante el clasicismo también se produjo un movimiento de reforma de la ópera seria que trajo consigo una reducción de la importancia del aria y un incremento de los valores dramáticos, de los recitativos acompañados y de los coros. Invocando la razón y el buen gusto, Christoph Willibald Gluck describió así el virtuosismo vocal o los ritornelli orquestales interminables: "... siempre me he esforzado en mi música por destacar el texto de una manera simple y natural por medio de la expresión y la declamación adecuadas". La insistencia de Gluck de que toda ópera debía poseer un significado moral y expresar las emociones humanas, le han convertido en una figura destacada del clasicismo. Pero, a finales del siglo XVIII, la enorme influencia de la ópera seria italiana decaería, y los últimos exponentes de su refinada elegancia fueron compositores como Johann Adolf Hasse y Niccolò Jommelli.

HAYDN Y MOZART

Más que cualquier otro compositor, Haydn logró sintetizar durante la década de 1770 los lenguajes anteriores, combinando lo culto y lo popular, lo cómico y lo serio. Entre los elementos más importantes del principio del clasicismo está la articulación de formas a gran escala y el empleo de la modulación entre la tensión y el relajamiento, que cultivaron tanto Haydn como Mozart. Si bien la interacción de forma y contenido implica una variedad de proporciones tonales dentro de cada movimiento individual, algunos elementos de la relación entre materia y tonalidad han dado lugar a la aparición del término, a veces confuso, de forma sonata. Se trata en este caso del desarrollo de la estructura binaria del barroco que puede verse, sobre todo, en los primeros movimientos de las obras clásicas. El término "principio de la sonata" describe de manera más adecuada un procedimiento que refleja el lenguaje musical natural de la época y que podía fácilmente combinarse con otros elementos como el rondó e incluso la fuga. El desarrollo de los motivos de Haydn a partir de su material, suele contrastar con la vena italianizante de la lírica de Mozart, incluso aunque las estructuras de sus respectivas formas musicales se parezcan en lo superficial. La universalidad alcanzada por Haydn se vio reforzada en su música por ciertos toques de folclore, uno de los medios con los que pretendió responder a las expectativas de su público. Sus doce Sinfonías de Londres (nº 93-104, 1791-1795) ilustran con efectividad el alcance de su estilo orquestal de la madurez.

Mozart también fue consciente de la necesidad de ser accesible, pero al mismo tiempo en la década de 1780 se sintió atraído por la realización de un fructífero estudio de los complejos procedimientos de J. S. Bach. El contrapunto siguió existiendo a partir de entonces no sólo en contextos sinfónicos como la Sinfonía nº 41 en do mayor, Júpiter (1788), sino también en géneros menos obvios, como los conciertos para piano. También supuso la profundización de las posibilidades dramáticas de la música de Mozart para el teatro, sobre todo en el trazado de personajes individuales dentro de conjuntos. Sus finales operísticos demuestran una organización magistral de las estructuras tonales a gran escala. El lenguaje musical de Mozart reconcilia influencias opuestas. La yuxtaposición instintiva de elementos italianos y vieneses queda especialmente reflejada en sus grandiosos logros en la ópera seria, la opera buffa y en el Singspiel alemán. En la música religiosa de este periodo se puede observar un enfoque menos integrador, que coloca las arias de estilo italiano de ópera seria muy cerca de elaboradas fugas corales.

La retórica tuvo una influencia significativa sobre la composición musical de esa época. Las pequeñas dificultades que introducían los compositores clásicos en sus intentos expresivos confieren hoy día un significado más real a la interpretación. Particularmente ricos en información sobre las reglas no escritas de la época y las muchas analogías con la oratoria tienen su origen son los tratados de Quantz (1752), Leopold Mozart (1756), C. P. E. Bach (1753, 1762), Daniel Gottlob Türk (1789) y otros.

EL CLASICISMO HISPANO

 En cuanto a la música española no se puede pasar por alto la estancia en la península del gran compositor italiano Domenico Scarlatti en el periodo inmediatamente anterior al clasicismo. En esa época de tránsito, Scarlatti fue a Lisboa como maestro de capilla de Juan V de Portugal y maestro de la infanta María Teresa Bárbara, para la que escribió la mayor parte de sus 550 sonatas. Scarlatti pasó luego a España como profesor de música de Fernando VI y de su esposa Bárbara de Braganza.

Otro compositor italiano, Luigi Boccherini, se trasladó a Madrid en 1769 con el cargo de compositor y virtuoso de cámara del infante don Luis. Juan Crisóstomo de Arriaga, que nació en Bilbao en 1806, fue discípulo suyo, así como de François Joseph Pétis y de Pierre Baillot. Arriaga escribió tres cuartetos para instrumentos de cuerda, una obertura y sinfonía para gran orquesta, un Stabat mater, una salve, una misa, romanzas y cantatas y también las óperas Edipo, escena para tenor y orquesta (1818) y Los esclavos felices (1820).

En el panorama musical español sobresale el músico valenciano Vicente Martín y Soler. Estrenó con mucho éxito en Italia donde se le conocía como Martini lo Spagnolo. Más tarde en Viena llegó a competir con Mozart. Martín y Soler es autor de Una cosa rara (1786), obra de la que el compositor austriaco recoge un fragmento en el Don Giovanni. También es autor de L'arbore di Diana y de otras óperas. Contemporáneos de Mozart fueron también el padre Antonio Soler, Antonio Eximeno, Juan Andrés y Esteban Arteaga, Blas de la Serna y Jacinto Valledor.

BEETHOVEN Y SCHUBERT

Es discutible hasta qué punto el estilo clásico sobrevivió durante el siglo XIX. La música de Beethoven está muy estructurada y, en ese sentido, es clásica, pero con un concepto más extendido de la estructura armónica. Por otra parte, la accesibilidad dejó de ser prioritaria en su música de madurez. El impacto de la Revolución Francesa tuvo una influencia mayor sobre el romanticismo. El declive en la productividad y el aumento de la conciencia de sí mismo aleja a Beethoven de Haydn y de Mozart

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El compositor vienés Franz Schubert contuvo su impulso lírico en un amplio juego armónico dentro de enormes estructuras, como sus sonatas para piano tardías y la Sinfonía nº 9 en do mayor, La grande (1825). Sin embargo, dentro de los Lieder de Schubert, la preeminencia clásica de la forma se trastoca en imaginación intuitiva, más característica del romanticismo. Si bien las estructuras clásicas mantuvieron una posición importante durante el siglo XIX, fueron las formas, más que los principios, las que han sobrevivido en la obra de muchos compositores románticos.

EN RESUMEN.

Durante el clasicismo, el objetivo era la universalidad del lenguaje musical.

El periodo del clasicismo fue testigo de un cambio radical en el papel de los instrumentos de teclado.

Títulos básicos publicados acerca del Clasicismo (música):

1. Beethoven, Ludwig van. Beethoven en cartas y documentos. Madrid: Editorial Tecnos, 1970. Recopilación de cartas y documentos escritos por Beethoven a través de los cuales nos acercamos a su modo de pensar y de sentir.

2. Berlioz, Hector. Beethoven. Madrid: Espasa-Calpe4ª ed., 1979. . Estudio de la obra de Beethoven en el cual se analizan en profundidad sus sonatas, la ópera Fidelio y sus sinfonías.

3. Grout, Donald Jay y Palisca, Claude V. Historia de la música occidental. 2 vols. Madrid: Alianza Editorial2ª ed., 1995. . Amplia obra escrita por una de las máximas autoridades en la materia, asequible a lectores con conocimientos elementales de música.

4. Herriot, Edouard. Vida de Beethoven. Barcelona: Aguilar, 1988. Amena biografía ilustrada sobre la vida de Beethoven que lo sitúa dentro del contexto histórico-artístico de su época.

5. Poggi, Amedeo y Vallora, Edgar. Beethoven. Repertorio completo. Madrid: Ediciones Cátedra, 1995. Obra musical de Beethoven ordenada según su número de catálogo con información técnica e histórica.

6. Sadie, Stanley y otros. The New Grove Dictionary of Music and Musicians. 20 vols. Londres: Macmillan Publishers Limited6ª de., 1980. . Se trata de la obra enciclopédica más completa que existe en el mercado. Contiene más de 22.500 entradas escritas por 2.300 colaboradores.

Los compositores más importantes son:

• Haydin

• Mozart

• Beethoven

• Schubert

Las obras más importantes son:

Mozart.

Concierto para troma nº4.

A diferencia de los conciertos barrocos en los que se alternan la parte solista y la orquestal, en los conciertos del compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart se combinan ambas partes para formar un todo. Sus cuatro conciertos para trompa fueron decisivos para la aceptación de ésta como instrumento solista.

Così fan tutte, k5BB

La ópera del compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart Così fan tutte (1790) fue escrita por encargo del emperador José II. Se estrenó en Frankfurt y Leipzig en 1791, pero el éxito no llegó hasta después de la muerte del compositor.

Beethoven

Cuarteto en sol mayor para cuerda.

para cuerda (1801) del compositor alemán Ludwig van Beethoven revela un estilo individualista, modulaciones poco convencionales y motivos expresivos característicos. Este fragmento del allegro está dominado por un ambiente animado con diferentes variaciones sobre los motivos del movimiento.

Sonata para piano nº32

La última sonata para piano del compositor alemán Ludwig van Beethoven tiene un primer movimiento rápido y vibrante, y un segundo formado por una serie de variaciones de gran serenidad. En este fragmento se escucha el tema que se va deshaciendo en notas cada vez mas breves.

Haydn

Cuarteto de cuerda nº3, El emperador.

El compositor austriaco Joseph Haydn compuso 83 cuartetos de cuerda en 40 años. Este movimiento del Cuarteto de cuerda opus 76 está basado en cuatro variaciones de El himno del emperador (1797).

Sinfonía de los adioses.

La Abschiedssymphonie o Sinfonía de los adioses (1772) es el nombre por el que se conoce a la Sinfonía nº 45 en fa sostenido menor del compositor austriaco Joseph Haydn. El título procede del adagio con el que termina la obra durante el cual todos los instrumentos, excepto dos violines, van acallando su música de forma progresiva hasta el silencio final.

Schubert.

Quinteto de cuerda en do mayor, D 956

En los intervalos en los que gozó de salud, en su último año de vida (1828), Franz Schubert continuó componiendo a gran velocidad: tres sonatas para piano, una misa, varios lieder, y este quinteto. El lirismo e intimidad de esta obra, junto con la serenidad que transmite, sorprenden a pesar de las circunstancias de pobreza y enfermedad en que fue escrita.

Sinfonía inacabada.

En el momento de su fallecimiento a la edad de 31 años, Franz Schubert había compuesto, entre otras, 9 sinfonías, 22 sonatas para piano, 35 obras de cámara y más de 600 lieder (canciones). Su octava sinfonía, llamada Inacabada por constar solamente de dos movimientos, está considerada como la primera sinfonía romántica.

También hay una obra muy importante de Gluck, llamada Eco y Narciso.

El compositor alemán Christoph Willibald Gluck (1714-1787) comenzó el proceso de reforma de la ópera que dominaría el estilo de composición de los siglos XVII y XVIII. Aunque sus primeras óperas son de estilo italiano, las posteriores se vieron influidas por las ideas mas radicales y los movimientos reformistas de su época. La ópera Eco y Narciso se estrenó en 1779 en París.