CARACTERÍSTICAS.

• Rechazo del Expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.

• Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

• Temática extraída de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo.

• Ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

• Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles.

• Representación del carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

• Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra: flores de plástico, botellas… en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (Neodadaísmo).

• Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton).

• Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).

• Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático.

TÉCNICAS.

Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas como Andy Warhol (que hizo famosas en todo el mundo las latas de sopas Campbell). Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein mezclaron diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.

Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más industrializada.

Incluyeron además esculturas, así como tiras de cómic, latas de sopa, cerveza o señales de tráfico. Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.

ARTISTAS DE DIFERENTES PAÍSES.

EE.UU.:

Robert Rauschenberg: Pintor estadounidense que representó un papel importante en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop Art. Entre sus primeros trabajos destacan unas cajas que contienen cianotipos, pinturas en blanco y negro y algunos objetos. A principios de 1950 realizó pinturas collage, en las que los lienzos expresionistas libremente pintados fueron cubiertos con fragmentos textiles, fotografías y recortes de periódicos rasgados. En 1955 hizo sus primeras Asociaciones, ensamblajes tridimensionales en los que las pinturas se combinaron con imágenes encontradas, como fotografías y objetos de la cultura popular tales como señales de tráfico, focos, bombillas, botellas de Coca-Cola o aparatos de radio, que creaban unos efectos irónicos o ridículos. Estos trabajos híbridos, enfatizando los objetos fabricados en serie, tuvieron una fuerte influencia en el Arte Pop de la década de 1960. A partir de 1962, Rauschenberg experimentó con la estampación por serigrafía, primero en blanco y negro y más tarde en color. La mayor parte de su obra artística de las décadas de 1970 y 1980 la dedicó a los collages, las litografías y otras formas de las artes gráficas, incluyendo la fotografía. En 1981 aparecieron las Fotografías Rauschenberg.

Jasper Johns: Se instala en un estudio de Manhattan y se gana la vida diseñando escaparates. En 1955 Jasper Johns pinta su primera bandera americana, un gran panel blanco totalmente dominado por la evidencia de las barras y estrellas.

La textura, matérica y de notables calidades táctiles, es fruto de una peculiar técnica (la encáustica) que Johns rescata de la antigüedad clásica y consiste en diluir los pigmentos en cera caliente.

En 1958 algunos objetos se añaden materialmente a los lienzos. Los objetos añadidos a sus cuadros se integran siempre en un marco de relaciones esencialmente pictóricas, gobernado por principios de textura y contraste de color. Johns recuerda a los collages y tableaux-objet de los cubistas. No importa si lo que aparece en los cuadros son objetos encontrados o palabras y letras esparcidas; Johns los arrima en todo caso al ascua de la pintura, disciplina cuyos límites aspira a ampliar al máximo, pero manteniéndose siempre dentro de ella.

Paralelamente debe resaltarse la gran importancia de su obra gráfica -litografías y serigrafías en su mayor parte-, desarrollada a partir de 1960 sobre los mismos temas y objetivos recurrentes de su pintura.

Ed Ruscha:

Las diferentes escuelas de la vanguardia histórica y posteriormente, la gran diversidad de tendencias abstractas ampliaron todavía más la distancia entre el campo de la representación y el mundo de los objetos representados. Entendido como un espacio simbólico que vincula ambos elementos a través de una imagen plástica reconocible y familiar.

A finales de la década del 50 el arte Pop propone una serie de imágenes que reproducen elementos de la vida cotidiana urbana y que se trasforman en iconos de los objetos manufacturados por la sociedad industrial.

Ed Ruscha forma parte de esta compleja manifestación del arte Pop haciendo uso del tema de las autopistas y las gasolineras para ir articulando un lenguaje que se transforma en una imagen que rechaza los referentes naturalistas y se instala en una ficción autónoma como producto de su imaginación personal.

Otro de los ingredientes más característicos de su trabajo es la utilización de rótulos en el que fija sobre un fondo monocromo una palabra o una frase. Las mismas no pueden ser consideradas como texto porque carecen de un significado preciso; se encuentran descontextualizadas y funcionan como una forma ambigua que tiene valor iconográfico en lugar de un valor semántico.

Mel Ramos: En 1962-63 comenzó una serie de súper héroes en colores chillones sacados de las tiras cómicas usando un denso pigmento oleaginoso.

En 1965 desarrolló un tipo específico de iconografías de Pop Art combinando chicas en top-less de las revistas americanas y anuncios de marcas de productos.

Roy Lichtenstein (1923-1997): Pintor estadounidense del Pop Art, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick Remington.

A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso.

También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Realizó, también, obras en cerámica.

Andy Warhol (1928-1987): Fue un pintor estadounidense y una figura destacada del movimiento pop art.

Warhol nació como Andrew Warhola, hijo de inmigrantes eslovacos. Demostró tener un talento artístico desde muy joven y estudió arte comercial. Después de su graduación en 1949, se mudó a Nueva York y comenzó una carrera exitosa como ilustrador de publicidad y revistas como Vogue y Harper's Bazaar. En 1956 gana un premio por logros destacados de parte del MoMA Museo de Arte Contemporánea de Nueva York.

En 1960 crea un canal privado llamado WarholTV. En 1962 empieza con su serie de dibujos más famosa, los Campbell's y participa también en uno de los eventos más importantes del llamado pop art. Al próximo año graba su primer filme, de seis horas de duración, llamado Sleep.

En 1965 conoce al grupo de música The Velvet Underground liderado por Lou Reed y en poco tiempo se vuelve manager del grupo, añadiendo a su amiga, la cantante alemana, Nico. En 1967 sale al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, que fue producido por este último. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retira y los servicios de Warhol ya no son necesitados. En 1968, exponiendo en Estocolmo, una mujer le dispara y es herido gravemente.

Desde el 68 hasta 1972 se dedica a hacer retratos de sus amigos, entre ellos Mick Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Carolina Herrera y Elizabeth Taylor. También empieza con su famosa serie "Marilyn" sobre la fallecida Marilyn Monroe.

En 1975 se publica The Philosophy of Andy Warhol, su primer libro. En 1979 exhibe su serie de retratos Portraits of the Seventies. En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Boticcelli y Uccelo. En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung. Muere el 22 de febrero de 1987 durante una cirugía.

Tom Wesselman (1931): En sus principios pinta al estilo del Expresionismo abstracto influido por Kooning. En 1959 comienza a experimentar con pequeños collages abstractos. Un año después cambia a cuadros figurativos y a paisajes.

Realiza diversas exposiciones individuales y colectivas en los más importantes Museos, por ejemplo "Pop Goes The East", "Young America 1965", "American Pop Art", entre otras. También realiza varias muestras itinerarias alrededor de los Estados Unidos. El punto de partida de sus obras lo constituyen los collages, assemblages y enviroments con objetos de uso corriente y prospectos de propaganda, generalmente combinados con una pose exhibicionista del cuerpo femenino.

Mientras trabaja en "Great American Nudes", aumenta el formato de sus cuadros. El colorido y el estilo perfeccionista como en la publicidad conceden a sus obras un irritante carácter llamativo.

James Rosenquit (1933)

UK.:

David Hockney (1937): Pintor, dibujante, fotógrafo y escenógrafo inglés, célebre por sus pinturas satíricas, su obra gráfica, sus dibujos magistrales y sus agudos retratos de personalidades contemporáneas.

Sus obras de la década de 1960, como la serie sobre piscinas de Los Ángeles, están pintadas en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura popular. A Bigger Splash es una de sus pinturas más conocidas.

En 1961 visitó por primera vez Nueva York (Estados Unidos) dispuesto a asumir públicamente su homosexualidad, convirtiéndola en uno de los ejes de su producción.

La ironía y el ingenio de Hockney, junto con su talento para las composiciones y los diseños de fuerte expresividad, le llevaron a finales de la década de 1960 a un estilo más naturalista, en particular en sus retratos. Aunque sin llegar a ser totalmente realistas, estas obras, pintadas en su estilo preferido, superficies planas de pintura acrílica y gran profusión de líneas de esmerado dibujo, son representaciones sensibles que a veces tienden a realzar a sus modelos. Las notables escenografías que realizó para diferentes óperas fueron aplaudidas por público y crítica.

Las fotografías de David Hockney suponen una exploración del medio de la fotografía y un registro parcial de su vida. Sus composiciones hechas con Polaroid, a las que llama ensamblajes, constituyen otro ejemplo de su trabajo fotográfico.

Allen Johns (1937): Precursor y uno de los grandes representantes del pop art europeo, su técnica se basa en la utilización de imágenes fotográficas y del collage y su temática gira alrededor de las más inverosímiles historias cotidianas.

Jim Dine (1935): Pintor, escultor y artista gráfico estadounidense.

Tras su licenciatura se trasladó a Nueva York y se relacionó con un círculo de artistas entre los que estaban Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein, que habían abandonado el Expresionismo abstracto para dedicarse al Pop Art. Al igual que otros artistas, Dine incorpora imágenes cotidianas a su obra, pero se aparta de la frialdad y naturaleza impersonal del pop art al realizar obras que conjugan la pasión personal con las experiencias cotidianas. El uso repetido de objetos conocidos e importantes para el artista (como batas, manos, herramientas o corazones) constituye una marca distintiva de su arte.

En su primera época creó principalmente montajes en los que añadía objetos cotidianos a sus lienzos pintados, como en Zapatos que caminan sobre mi mente (1960).

Entre 1959 y 1960, Dine fue también uno de los pioneros de los happenings, obras de arte que tenían la forma de eventos o manifestaciones teatrales. En 1967 se trasladó con su familia a Londres, donde se dedicó a la obra gráfica y al dibujo. En 1971 regresó a Estados Unidos y su interés se centró en el dibujo figurativo. Dine está considerado como uno de los mejores dibujantes de su generación y es famoso por su serie de autorretratos y retratos de su mujer, Nancy. También se interesó por la escultura a principios de la década de 1980, época en la que realizó obras basadas en conocida esculturas griegas como La Venus de Milo.

Su obra más reciente utiliza una simbología inspirada en objetos griegos, egipcios y africanos.

Peter Blake (1932): Pintor inglés perteneciente a la primera generación de artistas pop británicos.

Desde su época de estudiante su obra refleja un gran interés por el arte popular y el folclore. Sus primeras obras, realizadas en la década de 1950, sobre todo en paneles de madera envejecida, retratan niños con cómics y chapas, como por ejemplo, Niños leyendo cómics, con un estilo deliberadamente naïf. La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna” siguen presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.

A diferencia de otros artistas de vanguardia de la época, Blake presentaba imágenes ready-made sin alterar en obras como Fragmento de arte y Tengo novia.

En Autorretrato con chapas se retrató como coleccionista. Diseñó la cubierta del disco de The Beatles, Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band (1967). Desde la década de 1970 abandonó los motivos de la cultura popular para dedicarse a temas tradicionales del siglo XIX, como las hadas y otras figuras del mundo de la fantasía, sobre todo entre 1975 y 1979, época en la que vivió en Bath. Continuó trabajando en la misma línea durante las décadas de 1980 y 1990.

En cuanto a la exposición retrospectiva de su obra, tenemos sesenta y cuatro, que organizó la National Gallery de Londres en 1996, poniendo de relieve el interés que su obra sigue despertando.

ESPAÑA:

Oscar Mariné: Si la mejor tarjeta de presentación de un diseñador gráfico es su firma, la de Oscar Mariné (Madrid 1951) estuvo en los cines de todo el mundo gracias al cartel de la película Todo Sobre Mi Madre, Oscar al mejor film en habla no inglesa.

En esa «chica Almodóvar» (uno de los signos creados en España más vistos en el mundo) está también sintetizado el trabajo de un creador que ha llegado a expresar muchas ideas con pocos trazos.

La historia de Oscar Mariné discurre paralelamente a la movida de Madrid, en los años ochenta, un movimiento de agitación urbana en el que su personal concepción del diseño alimentó aventuras como la revista contracultural Madrid Me Mata. Estilo y experiencia urbanos que trasladó a Nueva York, donde fue seleccionado para desarrollar como artista original una de las campañas para Absolut Vodka. Absolut Mariné sigue siendo una de las mejores creaciones de la marca y puede verse en prestigiosas revistas americanas.

En España, Mariné ha ido afianzando su toque original dentro de la cartelística cinematográfica y algunas de las más selectas películas han sido promocionadas a través de una comunicación gráfica muy alejada de los estándares habituales del medio.

Al público rock tampoco le resulta extraño reconocerse en esa descarga de signos radicales. Portadas para músicos como Andrés Calamaro y Los Rodríguez, Brian Eno, Kevin Ayers, Siniestro Total o, más recientemente, la jazz-fusión entre Mamilo y Tomatito para el sello Lola Records, han salido de su factoria madrileña.

Mariné ha sabido combinar su talento más creativo y radical con la faceta profesional y corporativa de OMB. Clientes como Swatch o Hugo Boss entre los internacionales, son clientes habituales. Mención especial merece Camper, la marca española con mayor difusión internacional para la que Mariné planificó toda su exitosa imagen actual.

La trayectoria de Oscar Mariné goza de varios prestigiosos reconocimientos como los Hispanic Creative Awards o los Premios AEPD del 97, 98 y 2000. También, una de sus obras fue seleccionada por AIGA (American Institut of Graphic Arts) para formar parte de su exposición en Nueva York y que recorrerá los Estados Unidos. Acaba también de recibir The Creativity Award of Distinction por un trabajo que formará parte de una exposición que se publicará en el próximo anuario de Creativity.

Isidro Ferrer: Llega al mundo del diseño de forma un tanto inesperada.

Su primera incursión en el sector tiene lugar en el rotativo El Heraldo de Aragón (1988), donde ejerce como diagramador e ilustrador, aunque será al año siguiente cuando cobre un rumbo definitivo tras el stage en el estudio de Peret, quien ejercerá una poderosa y saludable influencia en el conjunto de la obra posterior de Ferrer.

Desde el Estudio Camaleón, que funda junto con otros tres profesionales en 1990, su labor comienza a despuntar públicamente: es distinguido con el Primer premio de Diseño Gráfico Jovenews (1991) organizado por la revista Ardi; recibe el encargo del montaje del espacio dedicado a Goya en el Pabellón aragonés de la Expo 92 y su libro El Vuelo de la Razón es galardonado por el Ministerio de Cultura en 1993.

Se suceden a partir de entonces trabajos de gran notoriedad, ya desde su propio estudio en Huesca, que se reparten entre el cartelismo, el diseño editorial y la ilustración, la dirección artística de exposiciones y también algunas series de animación, mayoritariamente para fines publicitarios. Diseños para el Diario El País y para las editoriales Santillana y Alfaguara, cortinillas de continuidad para Canal Plus, la imagen gráfica del centenario de Luis Buñuel o el anuncio televisivo para el New Beetle de Volkswagen constituyen algunas de las creaciones de Isidro Ferrer durante estos últimos años, objeto de exposiciones individuales y colectivas, dentro y fuera de nuestras fronteras.