Velázquez; José Rogelio Buendía y Ana Ávila

Arte barroco español. Pintura barroca española. Estilo pictórico. Términos artísticos. Tema y personajes. Obras

  • Enviado por: Julian Lopez Martinez
  • Idioma: castellano
  • País: España España
  • 9 páginas
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'Velázquez; José Rogelio Buendía y Ana Ávila'
'Velázquez; José Rogelio Buendía y Ana Ávila'

'Velázquez; José Rogelio Buendía y Ana Ávila'

'Velázquez; José Rogelio Buendía y Ana Ávila'

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INDICE

  • FICHA DEL LIBRO

  • RESUMEN DEL CONTENIDO DEL LIBRO

  • OBRAS:

    • LAS MENINAS

    • LAS HILANDERAS

    • LA RENDICIÓN DE BREDA

    • LOS BORRACHOS

    • LA VIEJA FRIENDO HUEVOS

    • EL PAPA INOCENCIO X

    • VENUS FRENTE AL ESPEJO

  • TÉRMINOS ARTÍSTICOS

- BIBLIOGRAFÍA

FICHA DEL LIBRO

Titulo: VELÁZQUEZ. Historia del mundo para jóvenes

Serie: Biblioteca básica de Arte- Monografías

Director: Jose Rogelio Buendía y Ana Ávila

Cubierta: Las Meninas. Velázquez .1656

Ediciones Anaya, 1991. Madrid- España

Impreso por ORYMU, S.A., Pinto- Madrid

COMENTARIOS DE SU OBRAS

  • Las Meninas, 1656 - Estilo Barroco, óleo sobre lienzo en el que se superponen varios cuadros en uno sólo. Este cuadro supone dentro de la obre de Velázquez la síntesis de todos sus conocimientos pictóricos, su obras y sus propias aspiraciones como pintor y como persona. La escena recoge el momento en que en una estancia del palacio de Felipe IV, Velásquez está pintando un cuadro, en un primer término aparece un grupo compuesto por la infanta Doña Margarita, Las Meninas Maria Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco, la deforme Maria Barbola y el niño Nicolasito Pertusano, que apoya el pie sobre un perro que parece dormitar. En un segundo plano aparece Velásquez en actitud de pintar. Detrás de este grupo aparece Doña Marcela Ulloa, dama del palacio y un guardadamas vestido de negro. Al fondo de la estancia aparece en un puerta el aposentador Jose Nieto y en un espejo reflejadas las figuras de los Reyes. Los cuadros del fondo, hoy visibles después de la limpieza de la pintura, completan la clave de esta última interpretación, porque en ellos aparece Minerva y Aracne en uno de ellos, y Apolo y Pan en el otro. Cuando ya falleció Velásquez se le pintó sobre la pechera de su autorretrato la Cruz de Santiago, otorgada por el Rey a su valía. La obra también constituye un autorretrato del artista . Se caracteriza por la calidad y la sutileza pictórica de las figuras. El acusado realismo, la profundidad espacial, el reflejo del movimiento detenido ha hecho que se interprete como una instantánea fotográfica. Estas sensaciones se consiguen mediante la reflexión cromática y la representación de una atmosfera que se hace palpable. La luz moldea y crea el espacio, mediante la perspectiva aerea introduciendo dos focos de luz. Técnicamente consigue llegar a la perfección de sus búsquedas lumínicas consiguiendo la plasmación de la perspectiva aérea, en una atmófera tangible y envolvente, consigue pintar el aire. Composición compleja en la que se destaca lo secundario reflejado como anecdótico. Es la primera vez que un pintor aparece retratado junto a un Rey.

  • Las Hilanderas, 1657 - Estilo Barroco, óleo sobre tela. Resultó una síntesis esencial de su estilo maduro. Es considerado como un cuadro de costumbres que representa a unas obreras de tapicería trabajando en el taller, pero se va descubriendo en este cuadro una temática mitológica. La fuente sería La fábula de Aracne, la disputa entre Palas Atenea y Aracne a cerca de sus modos de tejer. En cuánto a la composición aparece un primer plano, las figuras están llenas de realismo. La joven de la derecha con blusa blanca y falda verdosa puede ser interpretada como Aracne, mientras que la de la izquierda, con una pierna descubierta podría encarnar a Palas disfrazada de anciana. Un segundo plano presenta una figura de mujer a contraluz, ocupa el centro del cuadro y es el centro de mayor penumbra. El plano del fondo representa una estancia brillantemente iluminada. Tres damas contemplan un tapiz, el tema del tapiz podría ser el desenlace de la fábula con Palas dirigiendose a la joven tejedora. Velázquez en el lienzo alcanza el máximo desarrollo de su pincelada impresionista, especialmente visible en los planos finales. El cuadro pudo resultar dañado en el incendio del Alcázar en 1734. Tanto este cuadro como el de Las Meninas son considerados por los críticos como prodigios pictóricos.

  • La Rendición de Breda, 1634 - Estilo Barroco. Pintado para decorar el Palacio del Buen Retiro. Trata del genovés Ambrosio Spinola, Genereal Jefe de los terciaos de Flandes, recoge de manos del gobernador de la plaza las llaves de la ciudad. Resulta asombrosa la interpretación de Velásquez del paisaje holandés sin haberlo visto. Se trata una pintura de historia con la que se supera al resto de los pintores decoradores del salón. Tres aspectos son los más importantes: la Técnica, sabe extraer todas sus posibilidades al óleo, trabajándolo con una pincelada cada vez más suelta que le permite una perfecta captación de las cualidades de los objetos y de la nebulosa apariencia del paisaje; el Espacio, es una de las mejores obras de toda la historia de la pintura representando una agradación progresiva del terreno, desde el primer término, donde se disponen los personajes, hasta la brumosa lejanía donde la vista se pierde pasando por diferentes plano intermedios. Es la máxima expresión de lo que se entiende por perspectiva aérea al “pintar la atmósfera” que se interpone entre la escena principal y el fondo, fundiendo los humos provenientes de las destrucciones con el azulado; el Asunto, Velázquez sobrepasa la mera anécdota histórica para hace runa exaltación moral del tratamiento del vencido, utilizando la alegoría de la Concordia, que se materializa en el abrazo entre Ambrosio de Espinola y Justino. El grupo vencedor sólo difiere del perdedor por su colocación a la derecha y por su mayor altura de las lanzas.

  • Los Borrachos, 1628 - Estilo Barroco. Primer cuadro de tema mitológico en el que se celebraba al Dios griego capaz de liberar al hombre de sus problemas. Crea un a pintura madura, de gran complejidad, fundiendo el tema mitológico con la pintura de género. El dios Baco corona con hojas de vid a un soldado, en presencia de algún miembro de su séquito y un grupo de rústicos contemporáneos a Velázquez. Se trata de una celebración del vino, que Baco trajo a los hombres, liberándolos temporalmente de dolores y preocupaciones. La escena se desarrolla en el campo. Aquí aparece como dios del vino, que hace este regalo a los hombres para hacerles la vida más llevadera.Entre las figuras que acompañan a Baco hay una que resulta más próxima a él, el personaje situado detrás: desnudo, como Baco, y ya coronado, recuerda por sus característica físicas a un fauno o sileno. Baco y él son los únicos que aparecen semidesnudos y esto marca una diferencia importante con el resto de los personajes, que se presentan completamente vestidos y con ropas modernas. El desnudo era uno de los signos de identidad de los dioses.Los otros personajes que completan la escena son gente del pueblo, quizá campesinos por sus ropas sencillas y por sus rostros curtidos al sol. Desde el punto de vista plástico la figura del dios no está muy lejana de los bacos que pintó Caravaggio, como efebos sensuales, ambiguos, pálidos y carnosos, de actitudes relajadas..En cuanto a la inspiración literaria, bien pudo tomarla Velázquez de su propia biblioteca La escena se organiza a partir de dos líneas diagonales, una más marcada que otra. Esta se forma por la espada corta y la espalda del hombre arrodillado, al que corona Baco, el brazo del dios y el contorno del cuerpo y la cabeza del fauno; la otra, menos evidente, está formada por el personaje en sombra a la izquierda, la mano de Baco en la cabeza del soldado, la taza de vino, y el sombrero del que llega por la derecha. Las dos líneas se cruzan en el centro de la tela, en la cabeza del hombre y la mano del dios que le corona, destacando así el punto más importante de la composición.

- La vieja friendo huevos, 1618 - Escena más significativa del Barroco español de absoluta novedad. En primer plano vemos a una anciana cocinando unos huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho que porta un melón de invierno y una frasca de vino. Ambas figuras se recortan sobre un fondo neutro, empleado para destacar aun más los contrastes entre la luz y la sombra, una de las características que le sitúan en la órbita del Naturalismo tenebrista. En la zona de la derecha contemplamos uno de los mejores bodegones del arte español, formado por varios elementos metálicos, vasijas de cerámica y una cebolla colorada. Para que el espectador pueda contemplar con más facilidad estos elementos, el maestro nos levanta el plano de la mesa y el hornillo de barro, empleando de esta manera una doble perspectiva con la que se anticipa a los impresionistas. El realismo de los personajes es digno de mención; la suciedad del paño con el que se cubre la cabeza la anciana o el corte del pelo del muchacho nos trasladan al mundo popular que contemplaba a menudo Velázquez. Incluso se piensa que la anciana podría ser el retrato de su suegra, María del Páramo, mientras que el muchacho sería un ayudante de su taller, posiblemente Diego Melgar. Los tonos empleados indican el conocimiento de obras de Caravaggio, bien a través de copias bien de grabados; así destaca el uso de los tonos ocres y pardos que contrasta con el blanco, reafirmando ese contraste la utilización de tonalidades negras. La minuciosidad de la pincelada, a base de pequeños toques que apenas son apreciables, contrasta con la factura suelta de sus últimas obras como Las Meninas. Iluminación focal en el primer plano y tenebrismo circundante, donde combina con soltura la escena del género

- El Papa Inocencio X, 1650- Estilo Barroco. Este magnífico retrato estaría acabado hacia enero de 1650. Inocencio X tendría 66 años cuando le retrató Velázquez, pero dicen que se conservaba muy bien, siendo famoso por su vitalidad, además de por su fealdad, que algunos pensaban incluso que le descalificaba para ser papa; de todas maneras la fealdad fue bastante suavizada por el pintor. El artista sigue el modelo establecido por Rafael al colocar al papa de media figura, sentado y girado hacia su derecha, con bonete y mantelete rojos, y el roquete blanco. Los ropajes están captados con el mayor realismo, obteniendo una increíble calidad en las telas a pesar de la pincelada suelta, que ofrece toda la gama de rojos existente. Pero sin duda lo mejor es el rostro, donde Velázquez capta el alma del retratado; Inocencio X tenía fama de estar siempre alerta, desconfiado e infatigable en el desempeño de su cargo. Todos estos sentimientos los trasmite el papa cuando le miramos. En la mano izquierda lleva un papel donde el pintor se identifica como el autor de esta excelente obra. "Demasiado real", cuentan que dijo el protagonista cuando vio el cuadro acabado.

  • Venus frente al espejo, 1650 - Estilo Barrroco. Es una de las obras más problemáticas de Velázquez desde el punto de vista cronológico y cronográfico. Desnuda sobre una tela gris verdosa que resalta sobre su nacarada desnudez, Venus contempla, contra todas las leyes de la reflexión, su propio rostro en un espejo que sujeta Cupido. El cuerpo, adquiere forma de guitarra. Su rostro se desdibuja intencionadamente en el espejo, a fin de ocultar su identidad. Es de tema mitológico. Con la introducción del desnudo femenino, enmarcándolo en ricas ropas que potencian su belleza, su postura de espaldas y el rostro en el espejo genera un punto de misterio en la composición. También el espejo es el símbolo de la apariencia, de las Vanitas de un mundo que se transforma con el paso del tiempo. Velazquez le da a su obra un carácter muy personal. Su esplendorosas tonalidades la conforman como una de las obras maestras del Barroco.

TÉRMINOS ARTÍSTICOS

- Veladura : Tinta transparente que se dá para suavizar el tono de lo pintado.

  • Albayalde: Se encuentra en la naturaleza como producto de transformación de la galena. Se emplea como pigmento en pinturas y en vidriados cerámicos. Es muy tóxico.

  • Carmesí : Aplicación al color grana dado por el quermes animal. Aplicación también a lo que es de este color. Polvo del color de la grana quermes. Tela de seda roja.

  • Plein-air : Pintura realizada al aire libre, en plena naturaleza. Se desarrolló en el siglo XIX en el Realismo y en el Impresionismo.

  • Vanitas : Tipo de bodegón generalizado en el siglo XVII en el que se representa objetos, flores y huesos humanos. Con este tipo de pintura se trata de advertir sobre la brevedad de la vida en relación con lo eterno.

  • Impronta: Reproducción de imágenes en hueco de relieve, en cualquier materia blanda o dúctil, como papel humedecido, cera, lacre, escayola.

  • Golilla: Adorno con base de cartón sobre el que se coloca una tela blanca almidonada o engomada.

  • Di sotto in su: De abajo arriba. Sistema perspectivo utilizado desde el Renacimiento.

  • Alegoría: Representación simbólica de ideas abstractas por medio de figuras o atributos.

  • Damasquinado: Embutidos de hilos de metales preciosos en finas ranuras practicadas en una lámina de acero o hierro.

BIBLIOGRAFIA

  • BIBLIOTECA BÁSICA DE ARTE. Monografías. VELÁZQUEZ. Edit. ANAYA ( J.Rogelio Buendía, Ana Avila)

  • HISTORIA DEL ARTE. Edit. ECIR ( Ignacio Martínez, J. Antonio Martínez Prades, Jesús Martínez Verón)

  • MICROSOFT ENCARTA 2005

  • ENCICLOPEDIA SALVAT ( Edición especial de Salvat Editores, S.A y Continental Media S.A)