Tendencias neoconcretas

Arte contemporáneo del siglo XX. Movimiento artístico. Vanguardia. Pintura neoconcreta. Patrón previsible, matemático. Pop Art. Escultura cinética. Figuras geométricas. Minimalismo. Pintores. Obras

  • Enviado por: Irma Coello
  • Idioma: castellano
  • País: España España
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TENDENCIAS NEOCONCRETAS.

Surgen como contraposición al expresionismo abstracto, pero por otras vías diferentes a las del pop. Tendencias neoconcretas engloban a categorías muy amplias, pero que tienen rasgos en común:

· Frente al pop, que predica la figuración, estas corrientes son no representativas. Recogen la abstracción del constructivismo o de la Bauhaus.

· Se oponen al subjetivismo del expresionismo abstracto. Tendencias que defienden la consecución de la objetividad, borrar las huellas de la presencia del artista.

· Rechazan del desorden de la pintura informalista. No tienen patrón de ordenación visible ahora se basan en patrones de orden previsibles e incluso matemáticos.

1. LA ABSTRACCIÓN POST-PICTÓRICA.

Generación que surge en los años 60. Clement Greenberg le puso el nombre, supone una superación con respecto al expresionismo abstracto. Había sido uno de los mayores defensores de esta tendencia en los años 50, pero en los años 60 cambia de postura porque considera que es una tendencia totalmente superada y se opone a la inevitable superación de la pintura moderna. Defiende la historia la pintura moderna como proceso de depuración que inauguró Manet y que progresivamente se va despojando de todo aquello que no le es propio a la pintura como medio. Primero el lastre del tema, ya no se narra un tema o una historia ya que esta tarea le corresponde la literatura; segundo se va despojando de toda un a serie de cualidades formales que le son propias a otras artes figurativas como por ejemplo la tridimensionalidad, que sería propia de la escultura, renuncia a la perspectiva a la profundidad; tercero, renuncia al tiempo, que es propio de la música o del teatro. La pintura tiene que ser contemplada de un solo vistazo.

El medio pictórico se reduce únicamente e tres cualidades:

· Carácter plano del soporte. La pintura tiene que ser lo más plano posible. Ni hay que simular profundidad. Es la característica distintiva de la arquitectura moderna.

· Forma del soporte.

· Propiedades físicas de los pigmentos, colores y texturas.

La pintura tiene que ir reduciéndose a estas características, todo el resto es prestado de otras artes.

Frank Stella. “Luis Miguel Dominguín”. Voluntad no ilusionista en el caso de Stella se plasma con la idea del cuadro con forma. Lienzos que se recortan con lo que se esta representado, precedente en las dianas de Jasper Jonhs, no representado coincide con el límite del lienzo. Diferencias: elimina por completo al figuración y utiliza bandas más o menos paralelas en blanco y negro.

Búsqueda de la literalidad, que la pintura solo se represente a sí misma, no hay nada más allá. Se va reducir la factura, la textura la pintura al mínimo. Pinturas de gran formato, gran claridad estructural, el módulo que utiliza es el ancho del bastidor, así diseña la anchura de las bandas, serialidad modular.

Kenneth Noland. “Up Cadmium”. Recurre a la idea del cuadro con forma, lienzos romboidales con franjas de color. No parece representar nada externo. Pintura acrílica con bandas delineadas creando sensación de planitud, reduce al mínimo la pasta pictórica.

Morris Louis. “Alpha-pi, ca”. Técnica del color manchado: pintura muy diluida con soporte no preparado. Traslada al óleo la técnica de la acuarela. El lienzo absorbe la pintura como si se tratara de un tela. Prácticamente no existe la capa de pintura como relieve, se funde totalmente con el soporte. Sensaciones táctiles reducidas al mínimo.

Las teorías de Grenberg fueron muy criticadas, imposibilidad de hacer desaparecer la sensación de relieve. Teorías problemáticas por ser excesivamente formalistas, da la impresión de que la obras de arte se crean en el vacío en el que no intervienen ideologías ni política. En el fondo defendía una imagen sesgada y teológica de la pintura. Tenía a una serie de pintores a los que quería defender y así se inventa una teoría una narración de la historia muy particular que obedece a intereses también muy particulares.

2. EL OP ART Y LA ESCULTURA CINÉTICA.

Huyen de la figuración basándose en figuras geométricas.

Victor Vasarely. “Aran”. A diferencia de la abstracción postpictórica estudian las condiciones perceptivas del hombre, el proceso de percepción. Relación de colores y formas, vibración de la retina, se trata de que el cuadro sea un expresión física, rompiendo sus visiones habituales. Obliga a aprender a mirar cada vez que vemos un cuadro, desarrollar nuevas estrategias perceptivas. Rompe con la historia de la percepción. Emplea estructuras seriales, pero introduce la tensión en la percepción, sensación ilusoria de movimiento.

Efectos ópticos mediante técnicas diversas. Cambio de colores que produce sensación ilusoria.

Richard Anuskiewisz. “Luminoso”. Empleo de franjas paralelas provocando sensación ilusoria de movimiento en cascada.

Bridget Riley.”Cataract”. Agrandamiento de módulos seriales que crea efecto de convexidad.

Alexander Calder. “Pequeña araña”.

Basándose en el op art y en los modelos de Calder los escultores cinéticos introducen el movimiento en su obra.

George Rickey. “Seis líneas horizontales”. Necesita la participación del espectador, supone ruptura con la tradicional vista de la escultura estática.

Takis. “Campos magnéticos”. Introduce mecanismos internos que no requieren la participación del espectador.

3. LA ESCULTURA MINIMALISTA.

Etiqueta que los escultores rechazaron porque parecía que no tenía valor, que era una forma simple de llamarlos.

Esculturas minimalistas consisten en volúmenes geométricos fundamentales colocados sobre el suelo o sobre el muro, la escultura renuncia al pedestal.

  • La estructura no es relacional, las partes no se relacionan entre sí, consiste en añadir más módulos. No se trata de un composición unitaria, así se evita que signifique algo.

  • Superficies lisas, sin huellas de proceso de fabricación. Se elimina la huella del artista . Utilización de materiales industriales o prefabricados. A veces encargaban sus obras a taller, el artista solo piensa y diseña objetos, pero se rompe con al idea del escultor que trabaja con las manos.

  • La apariencia física se reduce al mínimo, pero es sinónimo de simplicidad ,todo aquello que no aparece también es importante. Se despoja al objeto de todo aquello que no sea necesario. Conceden importancia a la cualidad de la presencia literal de la obra, presencia rotunda y física, insisten en la idea de la literalidad de la obra, no se representa nada salvo a sí mismo.

Donald Judd. “Sin título”. Crea apilamientos seriados de módulos que son idénticos y la relación entre los módulos es matemática. Coloca las esculturas sobre el muro, pérdida del pedestal. Utiliza como materiales el latón y el plexiglas, se aleja de la tradición escultórica. Acabado liso que está orientado a eliminar la factura, la huella del artista.

Robert Morris. “Instalación en la Green Gallery”. Piezas de madera contrachapada pintadas de gris claro. Se disponen en distintos sitios. Huir de la fórmula del pedestal y de romper con el carácter representativo, por eso utiliza el gris.

Carl André. “Equivalente I-VIII”. Ocho permutaciones de unidad básica. Ladrillos, cal y arena, así los coloca en la galería. Se reduce tremendamente la labor del artista, no es la fabricación de objetos, los piensa y los coloca.

“64 trozos de cobre”;” Cuadrado de magnesio”. Cuadrados de metales industriales en el suelo. Lleva al límite la negación del pedestal, casi se funden con el suelo. Se presenta la escultura como expresión física, para ser recorrida y caminar sobre ella.

Dan Flavin. “La diagonal del 25 de Mayo”. Juega también con la expresión física, con la luz y sus efectos, en la medida en que se transforma el espacio por la intervención de su obra.

“Instalación en la Green Galery”. Explora las posibilidades de exploración artística con la luz. Esculturas realizadas específicamente para el lugar de la exposición. Obra como dimensión arquitectónica, todo lo que rodea a la luz se convierte en obra de arte.