Renacimiento en Italia y España

Historia del Arte. Arquitectura, pintura y escultura renacentista. Autores renacentistas italianos y españoles. Brunelleschi. Alberti. Sangallo. Donatello. Ghiberti. Verochio

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TEMA 8. EL RENACIMIENTO

1.En el umbral del Renacimiento.

Es necesario iniciar el estudio del Renacimiento en el arte a partir de aquellas obras y autores,que si bien se incluyen cronológicamente con anterioridad al siglo XV,manifiestan en cambio numerosas caracterísitcas que al tiempo que se desentienden del tradicional lenguaje del arte medieval,están anunciando otras conquistas e innovaciones.Ése sería el umbral del Renacimiento.Un momento en la evolución del arte que no suele incluirse en ese período concreto porque todavía tiene muchos resabios medievales,pero que sin embargo posee otros tantos valores que permiten identificarlo con los primeros pasos del nuevo renacer.Sería el caso principalmente del arte realizado por ciertos artistas del Trecento italiano,como Giotto.

En el siglo XV,se advierte ,especialmente en Italia,una eclosión artística,novedosa además,que permite hablar de un período preciso en la evolución del Renacimiento:Quattrocento,etapa de experimentación en la mayoría de los ámbitos artísticos.Su evolución posterior perseverará en la conquista del clasicismo pleno,hasta constituir un segundo período renacentista que suele hacerse coincidir con las primeras décadas del siglo XVI:es lo que llamamos Cinquecento.Pero es un momento efímero.Hay una constante evolución renovadora que tendrá como consecuencia principal,la ruptura del lenguaje clásico.Se siguen aprovechando recursos plásticos y los elementos formales característicos del clasicismo,aunque empleados ahora al margen de las normas y criterios tradicionales.Es un momento de rebeldía,pero de gran creatividad,que solemos encuadrar en el período denoaminado Manierismo.

Desde Italia,el Renacimiento se proyectará hacia otros puntos de Europa,pero con matices locales y diferencias constituyendo otra forma de "renacimientos".

2.Los componentes culturales.

EL Renacimiento es esencialmente un fenómeno italiano,el Renacimiento significa el deseo de recuperar la cultura y la ciencia clásicas,no nos puede extrañar que el hecho comience en Italia y que allí germine con esplendor.Lo característico es la rentable vida comercial de una incipiente burguesía.

Desde el punto de vista cultural el factor determinante de la nueva era sería la afirmación intelectual de lo que se ha dado en denominar Humanismo,se resume una nueva concepción del mundo,guiada por un sentimiento antropomórfico y por una interpretación de historia en la que se exaltan con entusiasmo los valores y criterios de Antigüedad clásica.Consideraciones que tendrán reflejo en el arte.La primera es la restauración de los temas,de los principios y de las características formales de la Antigüedad clásica.

Se trata de recuperar un mundo,una cultura y una manera de vivir"clásicas".Al fin y al cabo ,el peso del cristianismo seguía siendo enrome en esta época,hasta el punto que podríamos afirmar que la Antigüedad sirve,en realidad,para aportar modelos en los que inspirarse para configurar un nuevo hombre cristiano.

Consecuencias:en pintura revivir un arte verosímil y naturalista; en escultura,la vuelta a cánones clásicos,al ideal de belleza humana,el sentido de la armonía y del equilibrio clásicos;y en arquitectura,una violenta ruptura con los modelos arquitectónicos medievales y la vuelta a los elementos y técnicas romanas de cosntrucción.

Los temas de la mitología renacen,aunque habitualmente entremezclados con los de la hagiografía cristiana.

El Renacimiento reivindica la Antigüedad,no es un movimiento de paganización.Se trata de un movimiento de carácter antropocéntrico,contrario al teocentrismo medieval.Se produce por ello un retorno a la medida humana como referencia.El hombre se convierte en referencia universal,en medida de todas las cosas,y todo además debe ser representado según la propia visión del hombre.Lo cual desde un punto de vista artístico desembocará en un lógico naturalismo.

El concepto de belleza es,un término definido por la coincidencia de la visión antropocéntrica del mundo y de la valoración de la naturaleza y de sus leyes.El sentido de la belleza renacentista recupera el cánon clásico de la proporcionalidad,un naturalismo idealizado,reflejo siempre de virtudes morales cívicas;y una insistencia en el sentido de la armonía y del equilibrio,que no resultará contradictorio con la preocupación constante por la plasmación del movimiento.

otra característica del arte renacentista es la continua indagación e investigación en las leyes de la naturaleza,por ello un especial interés en el estudio de la óptica, de la perspectiva ,primero geométrica o artificial,y después aérea.

Otro cambio importante en el ámbirto cultural con respecto a la Edad Media:el artista ya no se va a considerar a sí mismo un artesano.Con el período renacentista la actividad de los artistas se ocupan en gran medida de la reflexión,el estudio y sobre todo la experimentación.

El arte desde ese momento se puede considerar una ciencia más,una actividad intelectual.

2.1Quattrocento italiano:

Arquitectura:

1.Brunelleschi: 1.1.Basílica de San Lorenzo.

1.2.Cúpula de Santa María de las Flores.

2.Alberti: 2.1.Santa María La Novella.

2.2.La iglesia de San Andrés.

2.3.Palacio Ruccelai.

3.Sangallo"El Viejo": 3.1.Villa Médicis.

Escultura:

1Donatello:1.1.David de bronce.

2.1.Profeta Habacib.

2Ghiberti: 2.1Puertas del Baptisterio de la Catedral Florencia..

3.Verochio:.1.Condatiero.

Pintura:

1.Fray Angelico:1.1.Anunciación del Museo del Prado.

2.Masaccio:2.1.El tributo de la moneda.

2.2.Trinidad.

3.Uccello:3.1.Batalla de San Romano.

4.P.Francesca:4.1.Sueño de Constantino.

4.2.Virgen con niño y duque de Montefeltro.

5.Mantegna:5.1.Cristo muerto.

5.2.Tránsito de la Virgen.

6.Boticelli:6.1.Nacimiento de la Venus.

6.2.La primavera.

2.1.1.La introducción:

Durante este período habrá una explosión de obras tanto en arquitectura como en escultura y pintura,todo ello gracias a unas familias con ciertas inquietudes filosóficas.

En Florencia se produjo esta explosión durante Quattrocento,la familia más importante será la de los Médicis.

Durante el Cinquecento,en cambio Roma va a ser el centro cultural y el papado será el que promoverá ese período.

Elementos que entran en juego:

1.En estos momentos hay un interés por la Antiqüedad clásica,por eso se llama Renacimiento,volverá a nacer lo clásico.Lo que se intentará será conciliar las ideas de la Antigüedad clásica con las ideas de la religión crostiana.De este interés surgirán temas mitológicos que se recuperarás en estos momentos ;se recuperarán privilegios clásicos:el equilibrio,módulos,etc.Todo eso resulta de la idea de la belleza que en Grecia era la proporcionalidad.Los arquitectos también invesitigan.miran,teorizan y explican las obras.Hay una gran investigación acerca de lo clásico.Todo esto nos lleva a que el hombre renacentista es muy seguro de sí mismo:el arte refleja esto,es un arte por lo tanto antropocéntrico.

2.Hay autores que tienen algo del gótico o medieval.Lo importante que los autores no se van a limitar a copiar sino se inspirarán en ello.

Arquitectura:características generales:

El primer Renacimiento supone un ruptura radical con e lenguaje característico de la Edad Media.Dos principios asientan su nueva formulación:

1)la utilización de elementos constructivos tomados de la Antigüedad clásica.

2)la búsqueda de la unidad espacial.

De este modo vuelven a utilizarse el arco de medio punto,columnas y pilastras con los órdenes clásicos;entablamentos;decoración de casetones,etc.Lo cual permite a su vez la utilización de diferentes modelos de plantas.Se resucitan las plantas centralizadas pero también siguen utilizándose las longitudinales.Se valora la utilización de las cúpulas.El muro recupera su función tectónica aunque revestido siempre en su decoraci;on con mármoles de colores,rústicos espejos,etc.Característica frecuente:la plena libertad ornamental,en la que predomina la fantasía,con motivos grotescos; de temas animales,vegetales y humanos entremezclados;enriqueciendo los capiteles corintios o compuestos.

No sólo hay edificios religiosos,hay una burguesía fuerte que va a promover la construcción de edificios religiosos y otros como capillas privadas y por último los palacios y templos.Palacios son edificios típicamente de la ciudad y villas habitual de los campos.

Con lo cual hay tipologías nuevas para las villas y palacios;sale un interés clásico.

1.Brunelleschi:

El primer arquitecto del Renacimiento porque:

1)utiliza una planta ligeramente basilical con 3 naves pero remata la nave central con una cúpula de tal manera que establece un equilibrio entre espacio longitudinal y el espacio centralizado sobre el crucero.Ha unido dos concepciones espaciales que se encontraban en la Antigüedad pero que él las une.

2)Para el alzado,la influencia clásica es evidente.La nave central es más alta que las otras.Con casetones de sabor clásico y las naves laterales están cubiertas por bóvedas vaídas.Las nave central es doble de ancho que las laterales,para superar las naves utiliza un repercutorio clásico:columnas corintias que sostienen arcos de medio punto que se corresponden con las pilastras.

3)Utiliza la proporción en su edificio.Todas las proporciones de los edificios siguen una serie de módulos.De las naves laterales dependen capillas,pero todo siguiendo proporciones.

4)Utiliza un recurso que caracteriza su arquitectura:el bicromatismo,utiliza el cromatismo pero lo utiliza con un sentido muy riguroso y con una estética distinta,todos los elementos sustentantes de mismo color(oscuro)y los elementos sustentados con colores más claros.

1.1.Basílica de San Lorenzo.

En cuanto a la contrucción de las iglesias hay que partir de la base de que la interpretación de los espacios interiores inspirados en la Antigüedad resultaba díficil,pues los templos antiguos no se habían pensado como un espacio interno para los fieles.

La primera,iglesia de San Lorenzo fue una idea propuesta en 1418 por ocho familias florentinas,que deseaban un templo en el que se abriera una capilla para cada una.Fue la familia de los Médicis quien adjudica el encargo a Brunelleschi en tiempos de Cosme de Médicis,el mecenas del arquitecto y quien además consigue a cambio de una cantidad de dinero que la iglesia sólo se quede para su familia.Buen ejemplo éste de mecenazgo artístico renacentista con un componente importante de ostentación social.

La planta de la iglesia es una planta de cruz latina,que a pesar de ser especialmente longitudinal,produce un cierto efecto visual de centralización en la zona del crucero,por efecto de la luz proveniente de la cúpula.

Este doble juego de concepción espacial se complementa además con un diseño en la planta a base de ejes ortogonales.Es decir,un modelo de planta a base de cuadrículas,formadas por la relación que existe entre las naves y el crucero,y las sucesivas capillas abiertas junto a las naves laterales,en el crucero o en la cabecera.Un trazado que no puede ser más racional,por su geometrismo y su estudiada proporción.

Al interior,el lenguaje recupera todo el contenido clásico:las naves se separan por columnas y arcos de medio punto.Se utiliza el plinto,la basa ática,el fuste liso,el capitel corintio,y sobre el capitel,un núcleo de entablamento que realza el arco.

igualmente importante es el efecto espacial creado por la luz y el color.La luz cenital,contribuye la unidad del espacio,y el bicromatismo,a resaltar la perfección geométrica y el sentido ortogonal del edificio.

Las cubiertas también siguen modelos clásicos.Son planas en la nave central,con decoración de casetones,y vaídas en las naves laterales.

No falta tampoco en San Lorenzo un módulo de proporcionalidad,ya visto en planta,y que a si mismo se respeta en el conjunto de los elemenetos formales.Concretamente se establece a aprtir de la medida de la columna,que retoma de esta forma el protagonismo que tuviera en la Antigüedad.

Se crea así una concepción espacial armoniosa y elegante,diáfana y de gran unidad,sobria y grandiosa,que a pesar de su modernidad evoca las grandes obras clásicas.

1.2.Cúpula de Santa María de las Flores.

Entre las numerosas obras realizadas por Brunelleschi destaca por su importancia técnica e histórica la cúpula que había de cubrir la catedral de Florencia.Un edificio ya terminado y que contaba además con el campanile de Giotto como un símbolo del edificio dífil de sustituir.Es un edificio gótico dede finales deXIII su construcción se prolonga y sale el concurso.El problema que hubo era que tenía que cubrir el crucero con una cúpula acorde con nuevas ideas y con una estructura previa.La base no estaba diseñada para tener una cúpula.Solución:construye una cúpula y contruir otra encima con los empujes para que contrarresta los empujes .

No sólo por estas razones la obra suponía un reto,lo era sobre todo desde un punto de vista técnico,ya que se trataba de cubrir un diámetro de 42m y había que hacerlo con un método de autosostén durante la construcción,pues no era posible la construcción de cimbras hasta la clave de semejante tamaño.

Se falla el concurso de adjudicación,que curiosamente vuelve a unir en un mismo destino los nombres de Ghisberto y Brunelleschi,si bien en esta ocasión,aunque el encargo hubiera de compartirse,prevaleció siempre el criterio preeminente de Brunelleschi.

Éste contruye finalmente una cúpula de perfil apuntado que cabalga sobre tambor octogonal de ocho paños.

La cúpula se construye por medio de dos casquetes(el externo e interno:el externo es un casquete apuntado y el otro casquete que es de media naranja es el interior cuyos empujes contrarrestan mutuamente los empujes,lo que permite a la cúpula autosostenerse y resolver el problema)separados entre sí por un espacio hueco,que alivian el peso de la obrasobre el tambor.Ambas paredes se traban por medio de listone de madera y ladrillos engarzados(espina pezze).De esta forma Brunelleschi lo que hace en realidad es ir construyendo la cúpula por medio de anillos concéntricos,que van autososteniéndola mientras se eleva.Método por cierto,deducido del modo de amurallar que habían empleado antiguamente los romanos.

Al exterior,cada uno de los paños del tambor presenta un amplio óculo(recuerdo también de lenguajes clásicos)y planchas de mármol coloreadas.

Los ocho plementos en que se divide la cúpula propiamente dicha,están asimismo divididos por otros tantos nervios,también realizados en mármol y horadados por los mechinales que quedaron como residuo de los sucesivos anillos de cosntrucción.Bicromatismo refuerza la estructura racional del edificio.

La importancia adquirida al exterior por su valor cromático,que al conjugar el blanco y verde de las planchas de mármol,más el rojo de ladrillo en los plementos,anima el exterior arquitectónico desterrando la imagen pétrea de la arquitectura medieval.

Como remate se contruye una linterna.También ésta se adjudica en 1486,¨ex aequo¨a Ghiberti y Brunelleschi,aunque nuevamente se imponen los criterios de este último.Su forma circular y su contraste cromático,actuan como armónica¨coronación¨de toda la cúpula,y contribuyen lógicamente a la iluminación cenital crucero del templo.En este sentido se introduce ya el sentido de unidad que provoca el efecto lumínico en la arquitectura del primer Renacimiento.

2.Alberti:

Es el segundo gran arquitecto del Quattrocento y un teórico de primer orden en este campo.

Encuentra en Brunelleschi el verdadero maestro al que hay que seguir.Quedan en esta ciudad como obras más conocidas el Palacio encargado por la familia Rucellai y la fachada de la iglesia de Santa María Novella.

Construyó las iglesias de San Sebastián y de San Andrés.

Alberti es un típico humanista y hombre de Renacimiento.Poeta,teórico del arte,arquitecto,urbanista,estudioso,encarna el ideal del hombre artista polifacético del Quattrocento.

2.1.Santa María de la Novella.

No es la primera fachada de Alberti.En un templo en Rimini pero era inacabado.

Se coincibe como un arcode triunfo rematado ático,dos volutas y rematado por un frontón triangular,que enlazan las dos partes.Esta fachada crea una nueva tipología .Este nuevo tipo de fachada se pondrá de moda durante el siglo XVI.Sentido de clasicismo:

1.la cominación del arco y dintel.

2.la idea del arquitectura modular donde el módulo sirve a cada uno de los elementos de la fachada.

3.El bicromatismo está destinado para reforzar la idea del módulo.

2.2.La iglesia de San Andrés.

Es una obra de grandes proporciones .La planta es un tipo de planta que la van a adoptar los jesuitas y que lo van a utilizar en todas sus iglesias.Es una planta de cruz latina con una sola nave rectangular cubierta de una bóveda de cañón y casetones.El crucero rematado por una cúpula .Dos naves laterales han sido sustituidas por capillas ornacinas.Cada una de las capillas desarolla una pequeña bóveda de cañón con casetones.Cada una de ellas repite la estructura de la nave central pero a menor escala.Y cada una de ellas están enmarcadas por pilastras corintias.

La fachada:Alberti recurre a la superporsición de arco romano(dintel y pilastra)rematado por un frontón triangular,de la manera que hay una superposición del templo clásico y la iglesia cristiana.El ingreso se hace a través de un gran arcoque establece una continuidad con la parte interna de la iglesia.El arco se enmarca con pilastras corintias,pero hay dos pilastras de orden distino:en una misma fachada introduce dos dieferentes que abarcan con una sola pilastra tres naves a cada lado.

2.3.El palacio Rucellai.

La renovación urbana es la aparición de los ¨palazzi¨o palacios contruidos por las principales familias de las ciudades más florecientes.

Los mismo que las plazas articulan a partir de este momento la estructura urbana,los palacios enmarcan muchas veces esas plazas,buscando en su interrelación módulos de proporcionalidad y efectos visuales en las fachadas.

los palacios son el emblema y el orgullo de esta nueva sociedad,en gran medida porque son la mansión de una nueva clase triunfante que desea sustituir las viejas clases nobiliares.De esta forma los palacios del Quattrocento,ya no serán casas fortificadas,sino por el contrario,palacios abiertos a la ciudad e integrados en su urbanismo.

El palacio de Alberti resulta así de un lenguaje diferente al de los palacios anteriores.En la fachada se advierte una mayor planitud en su almohadillado,con sillares rehundidos en sus aristas.lo cual permite que luces y sombras remarquen el sentido geométrico del conjunto.

Alberti no opta por la gradación del relieve en los paramentos,tal y como ocurría en otros monumentos anteriores.por el contrario,emplea un procedimiento clásico:las superposición de órdenes,que nos recuerda el modelo de Coliseo en Roma.

En el primer piso emplea pilastras adosadas de orden toscano,tal vez el más vigoroso de la tradición clásica.Se acentúa además esta sensación de mayor rigor en la 1ª planta merced a un amplio basamento de aparejo articulado también utilizado por los romanos.

En la 2ª y 3ª planta,emplea pilastras de orden corintio,mucho más finas,también siguiendo esquemas clásicos,separa ambos pisos por medio de entablamentos.

Un elemento muy personal de los palacios de Alberti son las ventanas.Las de palacio Rucellai son las típicas ventanas¨albertinas¨ :ventanas bíforas,rematadas en sendos arcos de medio punto,englobados a su vez en uno mayor,en cuyo tímpano se integra un característico óculo.

3.Sangallo(¨El Viejo¨).

3.1.Villa Médicis.

Las villas son edificios concebidos para las afueras de la ciudad.Es una tipología nueva que se crea en el Renacimiento.La familia de los Médicis encarga a Sangallo la construcción d euna villa.La planta es cuadrada sobre un basamento porticado,donde se situan los servicios,y la planta noble se ordena en torno a un gran salón paralelo a la fachada que ocupa dos pisos de altura y rodeado de cuatro vestíbulos.El salón está rematado por una bóveda.Presenta una simetría tanto en la planta como en el alzado.En el pórtico articuló un frontón,como en un templo griego,por lo tanto supone una ruptura con las villas medievales.las escaleras se corresponden a la época posterior.Sangallo crea por lo tanto un modelo de villas más abiertas a la naturaleza que posteriormente lo remata Palladini.

Escultura:características generales:

Cambios revolucionarios en el período de Quattrocento :la búsqueda de la veracidad en la representación del cuerpo humano explica el interés renacentista por el estudio de la anatomía;renace el sentido de la proporcionalidad;cobra especial vigencia el desnudo,muchas veces relacionado con temas mitológicos,que no obstante suelen encubrir contenidos simbólicos referentes a la iconografía cristiana;también se advierte dentro de los contenidos temáticos una inlinación por la representación de la Naturaleza,que no obstante se ve superada habitualmente por otra influencia clásica más apreciada como era la imitación de modelos de la

1.Donatello:

Con Donatello se introduce el elemento popular en el campo de la escultura.Él mismo es un hombre del pueblo que aprende el oficio trabajando en los talleres.Es amigo de Brunelleschi,si bien existe un abismo de clase social.Si Brunelleschi representa la tendencia intelectual e idealizante,Donatello,la dramática y realista.

1.1.David de bronce.

Es una escultura que estaba destinada al palacio de los Médicis y por lo tanto quiere representar las visrtudes de la ciudad.Al elegir David,se hace por primera vez el desnudo desde los tiempos clásicos.

No debemos olvidar que el símbolo del David es siempre el de la victoria d la inteligencia sobre la fuerza bruta.

Una contraposición de simbolismos a través del tratamiento del cuerpo por un lado,y del estudio psicológico por otro.

Este David muestra toda la fragilidad de un cuerpo en el que destaca su sensualidad y lirismo.Pero por otro lado,muestra también la determinación de una mirada fija y reflexiva,de un espíritu victorioso.

En el tratamiento del cuerpo,Donatello aprovecha magistralmente las calidades que le otorga el bronce y que resultan determinantes en este caso.En efecto,la luz parece que resbala sobre esa superficie,creando brillos juegos de luces y sombras,tactos tersos,que conllevan un fuerte contenido sensual,dulcificado además por un suave contraposto.

Tal vez se trate de la más clasicista de las obras de Donatello,en la que parece enlazar con la gracia clásica de algunos modelos de Ghiberti.En ello tiene que ver también la exaltación de la belleza de cuerpo,su lirismo erótico y la ambigüedad adolescente.

En contraposición,su hondura psicológica,su madurez espiritual;más contrastada si cabe,sobre su rostro igualmente infantil.

1.2.Profeta Habacib.

Donatello es más drámatico que Bruneleschi.Se aprecia bien la personalidad de Donatello:es realista y cómo utiliza la ténica para expresar el dramatismo,se aleja de lo medieval.Presenta a un hombre viejo y cansado.Con toda la intención de aproximarse a la realidad.Un referente sería David, con realismode la escultura romana,sobre todo de la República.

Donatello es capaz de trabajar con dos referentes:romano y griego.

2.Ghiberti:

Lorenzo Ghiberti fue orfebre,escultor,arquitecto y teórico del arte.

Si bien empezó trabajando como orfebre,pronto adquirió renombrada fama al resuultar vencedor en el famoso concurso de adjudicación de los relieves del baptisterio de Florencia frente a Brunelleschi.

También hubo de compartir con él la construcción de la cúpula de Florencia,aunque en este caso se impusieron los criterios de su rival.

Algunos años más tarde realizará las segundas puertas del Baptisterio y en 1425,las Terceras,las que Miguel Ángel denominó "Del Paraíso".

No obstante,también demosotró su interés por la Antigüedad clásica y la innovaciones de su época.Asií se desprende del contenido de los tres libros que escribió al final de su vida,y que podemos considerar como la primera historia del arte moderno,en la que no faltan alusiones agudas y precisas a las grandes obras de los mejores artistas del Trecento y del Quattrocento.

2.1.Puertas del Baptisterio de la Catedral Florencia

Son las últimas cronológicamente.Escultura claramente renacentista;cambio de marco:se ha elegido una forma cuadrada..

Una de las preocupaciones es la profundidad y la perspectiva.Ghiberti lo intepreta más con el criterio pictórico.Cómo consigue el volumen:establece varios niveles de profundidad de la talla de los personajes:en el 1er plano personajes de alto relieve y 2º plano un relieve medio y al fondo un relieve prácticamente plano.Además utiliza una perspectiva geométrica( a través de la arquitectura consigue formas geométricas de perspectiva lineal y distinta gradación del bulto).El resultado es un espacio real y racional.Al trabajar estas figuras con distinto bulto, establece un juego de luces y sombras.Cuanto más plano es el relieve menos está el contraste.Ghiberti muestra la madurezz de su proceso creativo.Es su perfección y es lo que llevará a Miguel Ángel a decir que son puertas del Paraíso.Hay referencias arquitectónicas clásicas y personajes de sabor clásico.

3.Verochio:

3.1.Condatiero.

Condatieri eran personajes importantes en la vida política;es un jefe militar que tiene a su servicio unas tropas y con ellas asegura la independencia,el dominio de la repúblicarespecto a otras.Son mercenarios que tenían mucho poder,fuerza militar a servicio de familias.Son muy frecuentes las representaciones ecuestres durante el Renacimiento ;el precedente directo es Marco Aurelio.Este modelo se remata para representar a los condatieris.La actitud del condatieri es más arrogante,representa mucho mejor a los personajes que el condatieri de Donatello.El giro del torso representa mucho más el perfil psicológico de estos guerreros.

Pintura: características generales:

También la pintura participa de las novedades de la época.

Se trata de una pintura preocupada por la representación visual de la Naturaleza,que asimismo encuentra en la Antigüedad su inspiración.por ello será una preocupación constante en este primer Renacimiento la representación de la perspectiva,no exenta por ello de múltiples experimentaciones que desembocarán principalmente en la formulación de la perspectiva geométrica o lineal.

Hay por la misma razón un marcado interés por la representación naturalista,por la percepción de los volúmenes y la introspección psicológica.

Si bien todo ello dentro de un contexto clásico,que es lo que explica la idealización figurativa¨naturalismo idealizado¨;la armonía en las composiciones (normalmente cerradas y de disposiciones triangulares);la utilización de una luz diáfana y repartida de una forma homogénea en la obra(luz normalmente cenital),y colores igualmente armoniosos,sin estridencia alguna,buscando siempre la complementariedad cromática.

Los temas son variados:religiosos o alegóricos; y las técnicas variadas también:fresco,temple,óleo;sobre soportes fijos(muros)o portátiles(tablas,lienzos).

1.Fra Angélico:

Uno de los artistas de la primera generación de pintores renacentistas que más deudas mantiene con la tradición inmediatemente anterior.La utilización de arquitecturas goticistas,como marco de expresiones plásticas,así como el empleo de color,intenso y rutilante.

1.1.La Anunciación.

Es muy medieval,de vez en cuando adopta lo que hacen otros artistas.Tanto por el tema como por la manera de abordar el tema(colores,luz)es muy gótico.Hay temas anecdóticos dentro del gótico.

Él se da cuenta que en algunos casos introduce marcos arquitectónicos clásico,pero todo es muy medieval.Usa el arco del medio punto,etclas proporciones no están presentes.Hay líneas para dar profundidad al cuadro.

Hay dos partes diferentes: la anunciación y el paraíso.

Participaron colaboradores en la realización de este cuadro,la escena del Paraíso no es suya.Ésta se desarrolla enmarcada en una loggia de formas arquitectónicas, en este caso ya ¨brunelleschianas¨,donde se advierte una gran preocupación por la cuestión de la perspectiva geométrica.Tanto la actitud como la solución gestual de los protagonistas nos recuerda aún la pintura gótica más sensual,vincualada a la escuela de Siena.no obstante este tratamiento de la luz y de la utilización del color,lo que da un sello especial a esta obra.

La luz diáfana y critalina está anunciando ya lo que va a ser la nitidez característica en la pintura de autores como Boticelli o Piero della Francesca.

El color, en el que destacan los tonos violáceos,anaranjados y amarillos de las bóvedas de la arquitectura o del manto de la Virgen,envuelven la escena de una atmósfera ingrávida,radiante y plena,que nos transmite así su contenido divino.

2.Masaccio:

La importancia de Masaccio es enorme por su capacidad innovadora,su labor resulta en cualquier caso revolucionaria y solo comparable a la realizada en su momento por Giotto.

Los verdaderos inductores de la nueva pintura de Masaccio son el arte de Brunelleschi y Donatello.

Masaccio es capaz de combinar cierta idealización tardo- gótica;la armonía en la composición y el tratamiento cromático como consecuencia de la referencia clásica,y la aportación personal de una pintura robusta,maciza,solemne,de una enorme fuerza expresiva.

2.1.El tributo de la moneda.

La obra narra el episodio evangélico en el que Cristo convencido de que "hay que dar al César lo que es del César",manda a Pedro que cumpla con esta obligación,primero recogiendo el óbolo que hay que pagar de la boca de un pez(ahí el milagro) y después pagándolo al recaudador.

La escena por tanto tiene tres momentos bien diferenciados y los tres se representan en el cuadro:

-en primer término,el momento en el que el recaudador pide el impuesto y Cristo imperativamente manda a Pedro a cumplir con esta obligación.

-el segundo,a la izquierda cuando Pedro recoge el óbolo del pez muerto,hecho que en sí constituye el milagro de este episodio evangélico,pero que aquí se trata de modo bastante marginal.

-el tercero,a la derecha,cuando Pedro accede a pagar al recaudador.

Pero las tres escenas no siguen un orden cronológico,porque como se ha descrito,el primer hecho se halla en el centro,el segundo a la izquierda y el tercero a la derecha.

La razón de esta aparente contradicción introduce ya un lenguaje nuevo en el campo de la pintura.No se trata de exaltar el milagro en sí,como hubiera sido normal en el arte medieval,sino sobre todo de exaltar una actitud,una postura de ética,en este caso la de Cristo,que manda a pagar el impuesto y cumplir así con las obligaciones cívicas de una manera decidida.

No hay sucesión cronológica porque las tres escenas están en realidad hilvanadas por un mismo significado moral,si bien se conserva aún la tradición medieval de representar al unísono las distintas escenas de un mismo hecho.

Desde el punto de vista plástico,también la obra resulta revolucionaria.Destacan en primer luagr el grupo central,que adquiere una apariencia de masa compacta de bloque.Ello destaca a su vez el sentido de solidaridad y de unidad de los apóstoles con su maestro.¿Pero cómo se adquiere esa sensación de núcleo cerrado?en primer lugar a través del tratamiento de los volúmenes,que Masaccio resuelve de modo similar a Giotto,es decir,prescindiendo de lo secundario o de lo anecdótico;con un tratamiento de las figuras monumental,pesado y con matices"escultóricos".Además, la luz incide con toda la rotundidad en Cristo y en el grupo,con lo que se reafirma su protagonismo;sin olvidar la importancia adquirida de nuevo por la interrelación psicológica de los personajes que relaciona a todos ellos entre sí ya todos con el gesto imperativo de Cristo.Por si esto fuera poco,se recurre a una solución también medieval,pero que adquiere ahora nuevas intenciones.El grupo muestra una evidente isocefalia,si bien los pies están a distinto nivel.En realidad lo que ha hecho Masaccio es bajar la línea del horizonte.Con ello en última instancia se consigue insistir en la idea de unidad y de grupo compacto de todo el conjunto.

A pesar de todo lo dicho,no existe tampoco el aislamiento entre las escenas representadas.Al contrario,la escena de la derecha se coordina perfectamente con la principal gracias al efecto de la perspectiva lineal logrado por las arquitecturas que enmarcan la escena.De nuevo una arquitectura "brunelleschiana",sirve de marco a la acción de Pedro pagando al recaudador,y sirve no solo para introducir la profundidad,sino para unir la escena con el grupo principal gracias a las lineas que en diagonal nos llevan de uno a otro.De la misma manera los brazos de Cristo y de Pedro en el grupo principal nos dirigen visualmente de modo directo hacia la escena del milagro propiamente dicho,es decir el tercer hecho,situando a la izquierda de la composición.

El paisaje del fondo,que también nos recuerda a Giotto,practicamente desierto,insiste en la idea plástica más característica de su autor,la rotundidad de sus imágenes, su plena volumetría llena de fuerza expresiva y vigor.

Es ésta ya una pintura humana y no divina.Lo prueba la importancia dada al gesto ético de Cristo exaltado en el grupo principal,y no al milagro en sí representada de forma marginal.Y lo prueba también la variedad de gestos y actitudes de los apóstoles,más humanos así ante el hecho moral y menos idealizados ante el milagro divino.

2.2.Trinidad

El tema es clásico dentro del mundo medieval también están los donantes,todo es muy medieval aparentemente.Pero todo lo demás es novedoso.¿Cómo son las figuras?Son figuras monumentales que responden a la volumetría (recuerdan a Giotto) parecen pirámides,insertado en un marco arquitectónico muy clásico.Se representa en una arquitectura clásica ,esta arquitectura permite marcar los ejes de la perspectiva .Un espacio articulado para espacio de 3ª dimensión.El interés por el estudio de la anatomía.Nuevamente Masaccio utiliza un punto de vista más bajo.Busca el equilibrio,la simetría y aquí el cuadro es muy simétrico y equilibrado.

3.Ucello:

Además de pintor fue escultor,oficios todos ellos que influirán en su obra pictórica,especialmente en el valor "arquitectónico"que le otorga objetos representados,el valor dado a sus formas volumétricas y estructurales.Es igualmente singular peculiar sentido de la perspectiva lineal ni el sentido teatral de todas sus representaciones.

3.1.La batalla de San Romano.

Destaca en primer lugar el estudio innovador de perspectiva lineal,creado a base de una trama de lineas de fuga formadas por la disposición de los caballos caídos y algunos en escorzo,los guerreros muertos ,las lanzas,los restos de armaduras,etc.

Como además no hay articulación entre el suelo del primer plano y el fondo dela composición,se crea un efecto visual continuado,ininterrumpido que contribuye al efecto perspectivo.

De nuevo el conjunto de la representación recrea una representación teatral,de hecho, las figuras "taraceadas";la rigidez de los caballos,embarados en sus movimientos,como si fueran de madera;la volumetría d elos demás elementos,de una rigidez ficticia,casi abstracta;la luz artificiosa;los colores espectrales,nocturnos.Todo en fin,más parece el tablado de un escenario enn el que se representa un torneo,un juego,una fiesta,que una batalla real.

4.Piero Della Francesca.

También él sigue en cierto modo la línea de experimentación sobre la perspectiva lineal y de rotundidad en la representación de las formas y los volúmenes.

A ello añade este su dominio de los recursos de la luz y el color.De tal forma que la luz representada no parece que porvenga del exterior,que sea extraña al objeto,sino que por el contrario irradie del mismo identificándose plenamente luz y el color,pues los colores son luminosos y la luz proviene de ellos.

Este dominio de la iluminación es precisamente el que sirve para determinar los volúmenes y la representación del espacio.Surge así un mundo de ambientes irreales y en cierto modo fantásticos,nacido no solo del efecto extraño de la luz,y de la geometrización del espacio en perspectiva,sino también de la corporeidad de sus figuras,rotundas,icónicas,casi arquitectónicas.

4.1.Sueño de Constantino.

Este fresco representa el momento previo a la Batalla de Puente Milvio en la que Constantino vencerá a Majencio después de serle revelada la clave de entra en la composición alto del cielo surge la leyenda,que le conducirá después de la batalla a la conversión a la religión cristiana.

La obra es ante todo un prodigioso ejercicio de virtuosismo en el tratamiento de la luz y el color.De hecho se trata de uno de los primeros"nocturnos"en la historia de la pintura del Quattrocento.Tanto es así que los volúmenes parecen traslúcidos gracias al efecto que produce la luz al surgir del propio color.La tienda de Constantino parece ella misma una lámpara que irradia luz dentro del cuadro.

A ello habría que añadir un modernismo contraluz del ángel y el soldado de primer plano,o la misma imagen del segundo soldado cuyo casco parece totalmente de cristal.Una vez más en la obra de este pintor,la atmósfera creada por efecto de la luz resulta mágica y excepcional.

A pesar de ello,los solúmenes rotundos y geométricos característicos de Piero se siguen manifestando en elementos como por ejemplo la propia tienda convertida en este caso en un perfecto cilindro.

4.1.Virgen con el niño y duque de Montefeltro.

Un pintor que utiliza a la Vírgen y duques.El donante es el duque Montefeltro,el cual aparece como soldado.El poder que tenían esos hombres en la república italiana y ademásquiere aparecer como mecenas.Ese donante nos da la clave para entender la nueva sciedad como condatieri y mecenas.

El tema y la manera de abordarlo tienen cosas novedosas: es una composición equilibrada ,en la que la Virgen hace de eje de simetría con el niño dormido en sus rodillas y elevados en un estrado.Al primero que se ve es al duque ,eso significa que el donante está en el mismo espacio que la Virgen y que los santos.Rodeando a esos personajes,tenemos a los santos formando un semicírculo,eso semicírculo se prolonga por la arquitectura.La escena transcurre con una arquitectura plenamente renacentista:bóvedas de medio punto con casetones,etc La concha es la novedad: hay tratamiento de la luz muy renacentista y entra en la composición para contribuir a la perspectiva.Hay otros elemntos misterioros:cuelga algo de la concha (huevo,perla,etc)puede ser un símbolo de la perfección o de lo divino ,etc.

5.Mantegna.

Todos los pintores del Quattrocento eran florentinos y se caracterizaban por la intención de representar la perspectiva.

Mantegna enfoca en Venecia,a su vez está en contacto con la pintura flamenca y por lo tanto presenta una serie de características propias de la pintura flamenca:detallismo,los paisajes en el fondo,el realismo de la pintura,etcMantegna es una fusión entre la pintura renacentista y la pintura flamenca.

En Mantegna predominará la línea sobre el color ,sin olidar su aportación a los estudios de la perspectiva que cuentan en él a un destacado innovador.

5.1.Cristo muerto.

Como los pintores del Quattrocento eran interesados por la persperctiva,Mantegna pinta un cuadro con Cristo tumbado y de una estructura geométrica.En este ecorzo,la luz juega un papel importante ,no solo hay un estudio en el plano con las líneas,también el cuerpo con los volúmenes .Es un punto racional y responde a la tradición de la idealización pero hay un realismo de la virgen que no es propio del renacimiento clásico.

Obra realmente espectacular por lo que supone de innovador en el tratamiento de la perspectiva,se puede hablar además de una obra autenticamente clásica por su sobriedad,austeridad,detalle y claridad.Se trata en última estancia del escorzo más valiente y atrevido realizado hasta entonces.

Al representar a Cristo con los pies por delante se ve obligado a utilizar una perspectiva con la linea de horizonte muy baja "perspectiva de rana",lo que si bien resulta una temeridad plástica crea una tremenda profundidad.

La realización es por otra parte rotunda también en este caso.Con una gran dureza de perfiles y contornos y una delineación total.la línea evidentemente prevalece,reafrimando el sentido escultórico de todos los elementos,de las sábanas de pliegues hirsutos y aristados,o las mismas yagas que parecen huecos.

A ello debe sumarse también el dramatismo de la escena, no solo conseguida con la monumentalidad de los personajes,sino por su tratamiento expresivo,muy próximo al de la pintura flamenca.

5.2.Tránsito de la Virgen.

La escena está remarcada en un arquitectura clásica , de un equilibrio matemático.Un arquitectura definiendo el espacio y la perspectiva.Todo esto le da claridad.A cada lado de la virgen en vez de casetones,los azulejos del suelo refuerzan las líneas.Las líneas se prolongan en un espacio de fondo.Una linea horizontal con la Virgen dormida ,el marco de la ventana y luego la linea del fondo.Es un campo clásico absolutamente equilibrado.Elige un punto de vista un poco bajo,pero esto está hecho para que miremos a la virgen.

Las figuras también son clásicas por sus proporciones ,vestiduras,el dramatismo que no está representado,etc

El paisaje de fondo tiene su origen en la pintura flamenca.

6.Boticelli.

Su pintura representa una vía de plena idealización platónica en medio de la experimentación renacentista.Uno de los seguidores más significados de la corriente filosófica neoplatónica.

Es ésta una corriente estetizante y en parte por ello se considera también a Boticelli un puro esteta,un místico de la belleza.Su pintura será por tanto delicada,sútil de lineas definidas y ritmos danzarines,de luces diáfanas y tonos cristalinos que convierten en poemas sus pinturas.

5.1.Nacimiento de Venus.

La novedad es la temática.Hsta ahora la temática fue totalmente religiosa mientras que Boticelli introduce temas mitológicos,que se les van a dar una interpretación religiosa.Desde el punto de vista de los temas es avanzado,luego se aparta en cuanto a la perspectiva;es bastante contradictorio el resultado.Quizá la clave está en el acontecimiento ,la crisis religiosa.Pero la crisis se supera rápidamente.

Venus está empujada hacia la playa por el soplo.Una ninfa le va a cubrir con una manta.Hay un interés por la temática mitolológica.La idea sería concordatio:encajar ideas mitológica con las cristianas.interpretaciones que se la puede dar a la obra:Esta Venus representaría la fusión entre el espíritu y la energía ,engendrada por la Naturaleza.Otra interpretación:ya que Boticelli está en el círculo de los Médicis,el deseo de volver de tener un desnudo femenino en su colección.Otra interpretación relacionada con la corte de los Médcis,esta figura presenta las virtudes de la familia.

Es una comoposición simétrica,el eje es Venus.A ambos lados para equilibrar la composición están las figuras aladas por un lado y por otro está la ninfa.El único elemento de perspectiva sería la diagnal de la playa.Es un tratamiento convencional.El tratamiento de los dos responde a una idea en la representación veraz.

Caída muy pronunciada de los hombros.El brazo izquierdo lo cuelga de una manera antinatural,nos indica que Boticelli no ha buscado la realidad sino fue una búsqueda de la belleza.Es una Venus anticlásica,pero resulta bonita.Las figuras han perdido volumen,prevalece la linea sobre el color.Es como haber vuelto al gótico final.Produce sentimiento.no es una representación de la realidad.

5.2.La primavera.

En el centro de la imagen aparece Venus y sobre ella Cupido con flechas apuntando hacia las Tres Gracias.Por medio de este amplio y complejo relato temático,se crea un círculo neoomplatónico del Amor :el Amor que surge en la Tierra como pasión ,regresa al Cielo como Contemplación .Es decir que el amor sensual y el carnal,que no es el verdadero debe convertirse para ser real en un amor contemplativo ,espiritual,profundo ,idealizado en fin,y por tanto platónico.

El perfecto simbolismo temático reitera su mensaje a través de un estilo pictórico particular como el de toda la pintura de Boticelli.

De nuevo el ambiente nostálgico y melancólico de este mundo neoplatónico e ideal se refuerza con la ausencia de la perspectiva;con el protagonismo de la línea ,que de nuevo marca los ritmos suaves y danzarines de las figuras,que flotan en un mundo que no es el nuestro ;con un detallismo minucioso ,que hace de esta tabla entre otras cosas un inventario de botánica;y finalmente,esos rostros delicados casi de porcelana,tan característicos de Boticelli.

Pervive también la composición triangulada del perfecto equilibrio,la luz blanquecina y homogénea y el color suave con predominio de tonos complementarios,verde y rojo.

2.2.Cinquecento italiano.

Clasicismo:

Arquitectura:

1.Bramante: 1.1.S.Pietro in Montorio.

1.2.Proyecto para la construcción de San Pedro Vaticano.

2.Miguel Ángel.

Pintura:

1.Leonardo da Vinci:1.1.La anunciación de los Uffizi.

1.2.La virgen de las rocas.

1.3.La Giaconda.

1.4.La santa cena.

2.Miguel Ángel:2.1. La bóveda de la capilla sixtina

3.Rafael:3.1.Desposorio de la Virgen.

3.2.Virgen del jilguero.

3.3.Estancias vaticanas:Escuela de Atenas.

Escultura:

1.Miguel Ángel: 1.1.La Piedad

1.2.David.

1.3.Moisés.

2.2.1.La introducción

El Cinquecento alude al segundo ciclo del Renacimiento,siglo XVI.Esta segunda etapa se dividía en Alto y Bajo Renacimiento,tomando como sepración la magnífica aportación de Miguel Ángel y la decadencia que le siguió.La decadencia llamada Manierismo.

De esta forma cuando se habla en actualidad de Cinquecento nos estamos refiriendo a un período de Renacimiento pleno,de apogeo en las novedades introducidas por el Quattrocento,pero que apenas dura las dos primeras décadas del siglo XVI.(20 años)

Durante el Cinquecento se mantuvieron ciertos aspectos característicos,propios del primer Renacimiento,el apego a las pautas clásicas.No obstante se producen también ciertas transformaciones que alteran el universo general que definió el arte del Quattrocento y la repcuperación política del papado,cuyo nuevo mecenazgo convertirá a Roma en la capital artística dle mundo en esta época.Florencia conserva todavía su importancia artística,pues sigue siendo cuna de grandes creadores como Migue Ángel o Leonardo,y de mecenas como los Médicis,si bien pierden en este siglo el protagonismo que habían tenido durante el Quattrocento.

Roma por su parte cuenta con el mecenazgo principal de los papas Julio I,León X y Clemente VII.

Sigue existiendo un interés por los restos arqueológicos conservados de la Antigüedad clásica,que también en este siglo se enriquecen por ejemplo con el descubrimiento de Laoconte,que tanta repercusión tendría en el arte del momento.

Sigue existiendo un modelo antropocéntrico,aunque las obras especialmente en arquitectura y también en escultura adquieren una mayor monumentalidad.

Se potencia el carácter científico y de investigación de la obra de arte,siendo en este sentido las mayores aportaciones las de Leonardo y especialmente su concepción de la perspectiva aérea.

Por último es también creciente el prestigio de los grandes artistas cuya cotización aumenta continuamente.Fenómeno este que va transformando al mismo tiempo el modelo de formación de los artistas,que del aprendizaje del taller y con el maestro se transforma ahora en una docencia más regulada y sistematizada.

En escultura continúa el sentido clasicista:equilibrado y armónico y cuya temática conserva la perfecta simbiosis entre motivos sacros y mitología;la monumentalidad.

La pintura aunque igualmente equilibrada y estática se encuentra muy pronto con aportaciones revolucionarias como el sfumato y la perspectiva aérea leonardesca.

La creciente influencia de la pintura veneciana,que añade una fuerza colorista al Clasicismo del primer Tiziano o de Giorgione.

1.Bramante.

Le conocemos por la obra de San Pietro y es el primer arquitecto al que se dirigió el papa para reconstruir San Pedro Vaticano.En 1500 llega a Roma y tiene el afán por estudiar los edificios de la Antigüedad Clásica

1.1.S.Pietro in Montorio.

Es un espacio cerrado.Él soluciona este pequeño espacio respondiendo como un arquitecto clásico.La belleza reside en las proporciones en cada una de las partes respecto a todo.Entonces está el edificio pequeño sin embargo es monumental precisamente por eso,por el riguroso sistema de proporciones que tiene.Hay una idea que predomina,el equilibrio,¿cómo se consigue?los edificios de planta central , en el período clásico Bramante utilizará la planta central y los artistas posteriores le van a seguir.Se levanta a su vez unos escalones circulares(tholos griego)se levantan columnas de orden dórico y toscano con sabor soberbio.El friso con triglifos y metopas,las metopas coinciden con columnas balustradas.Tambor y sobre el tambor lo remata con una cúpula.consiguió combinar la arquitectura adintelada con arquitectura abovedada(planta central rematada con una cúpula).Simplemente detrás de las columnas hay en el muro unas pilastras dóricas y en el tambor va alternando nichos semicirculares con otros rectangulares.

1.2.Proyecto de San Pedro Vaticano.

Presenta un edificio de planta central,en este caso una planta central de cruz griega enmarcada en un cuadrado y el crucero rematado por una cúpula de media naranja sobr eun alto tambor rodeado de columnas y luego todo el conjunto rematado por una linterna también rematada de columnatas menores.El contrarresto de cúpulas se hallaría a lo bizantino a través de las cúpulas menores en los bisectrices y cuatro torres en las esquinas.Los brazos de la cruz desarrollan bóveda de cañón rematados por ábsides semicirculares.Además del equilibrio,Bramante lo dirigió porque:1.Se supone que la basílica de San Pedro,según la tradición cristiana y los lugares de los martirios de remataban con plantas centrales.2.Hasta ahora en el mundo occidental cristiano se utilizaban plantas alargadas/basilicales,sin embargo Bramante quiere mostrar la iglesia de San Pedro como símbolo de tradición cristiana.

Solo se consigue construir los cuatro machores para soportar en parte los empujes de la cúpula.

2.Miguel Ángel.

Es el siguiente de hacerse el cargo,incluso hay etapas.León X le encarga que continue la obra que inició Bramante .Miguel Ángel cambia e introduce algunos cambios respecto al modelo que presentó Bramante.

2.1.San Pedro Vaticano.

La solución definitiva de Miguel Ángel:éste recupera la idea primigenia de Bramante y respeta la planta centralizada.Se mantiene la planta en forma de cruz griega,ahora abre una sola entrada principal,y no una en cada brazo como Bramante.

Ésta de 42 m de diámetro,requiere además para su sostén del contrarresto de otras cuatro cúpulas menores detrás de los pilares,tal como se había concebido en Santa Sofía.

La cúpula se sienta sobre un tambor circular que presenta parejas de columnas gemelas destacadas del plano de muro.Sobre el tambor se eleva un sobrecuerpo o segundo tambor,con decoración de guirnaldos,y sobre éste la cúpula en sí,apuntada,de nervios destacados y vibrantes,por ello en sus juegos de luz y sombra.Sobre la cúpula se eleva una linterna abierta a la luz también entre pares de columnas.

La cúpula del Vaticano se convierte así en un símbolo universal de un enorme efectismo tectónico,tanto al interior,que llena de luz creando una concpeción espacial,como al exterior por su perfecta concepción volumétrica.

El interior destaca por su luminosidad y su unidad espacial.Al exterior,toda la fuerza expresiva de la labor escultórica de Miguel Ángel se expresa también aquí en plenitud,gracias a un juego de masas y tensiones.

Pintura:

El siglo XVI supone en el ámbito de la pintura la conquista plena de clasicismo.La pintura alcanza un nivel de plenitud incomparable,gracias a la coincidencia dgeneracional de algunos talentos universales

1.Leonardo Da Vinci.

Leonardo fue un hombre de una inquietud y una curiosidad inagotables,y en su afán por ser consecuente con su propio principio de que el artista debía lograr la experiencia más basta y profunda posible de la realidad que lo circunda,fue un ejemplo universal de síntesis entre la personalidad del artista y del científico.

Inicia su formación en la propia Florencia,en el taller de Verrochio,con el que colaboró tempranamente en varias obras.

Gran parte de su actividad científica se desarrolló en Milán donde trabajó para Ludovico el Moro realizando entre otras obras,el modelo del caballo,trabajos de hidraúlica y de saneamiento de desagües,sistematizaciones arquitectónicas,etc

La última década de su vida estuvo absorbido por sus estudios de geofísica,anatomía,botánica y matemáticas,lo que no le impidió desplazarse hasta Roma,finalmente se trasladó a Francia.

Fruto de esta experimentción propondrá un nuevo sistema de perspectiva: deducen en primer lugar que a)la perspectiva lineal falsea la visión natural de las cosas;b)que todo en la Naturaleza es mudable y fugaz,lo que debe reflejarse también en la obra.

La consecuencia será una nuev fórmula de perspectiva aérea que tiene en cuenta la bifocalidad de la visión humana y la existencia del aire entre los objetos y el observador,y asimismo una pintura de aire misterioso,aparentemente inacabada y de perfiles difuminados SFUMATOque recrea ese aire de fugacidad antes mencionado.

Desde un punto de vista pictórico la aportación de la nueva perspectiva aérea supondrá la utilización sistemática del sfumato;la difumación de los colores;su variable cromática según se trate de primeros y segundos planos,la acumulación de azules en los fondos,consecuencia de la existen cia del aire entre los objetos,también ,la utilización de una luz tibia y difusa en sus cuadros,de contrastes suaves habitualmente de tono crepuscular,que contribuye a recrear el aire distante y misterioso tan peculiar de sus cuadros.

1.1.La anunciación de los Uffizi.

es el primer pintor del renacimiento.lo interesante es la presentacion de elementos quatrocentistas en el primer plano y elementos renacentistas en el segundo plano.

primer plano:el tema es la anunciacion y la representa al modo quatrocentista:arqutectura marcando una linea diagonal y nos está construyendo la perspectiva lineal. arquitectura reforzada por la linea del sarcofafo,paralelo a esta arqutectura sirve de paso de referencia a la antiguedad clasica.

si miramos al fondo del cuadro,leonardo esta profundizando en la idea de perspectiva y se da cuenta que no solo existe una perspectiva lineal por lo tanto disminuye los objetos en funcion de alejamiento y pierde nitidez difuminandose.el aire tambien existe en este espacio,la representacion del aire es la tecnica que introduce Leonardo:Sfumato.de tal modo q vemos un paisaje q pierde nitidez y tambien los colores.la linea de separacion d los dos planos seria la linea d los arboles.da una sensacion mucho mas real,mucho mas natural y coincidente con nuestra percepcion visual.

1.2.la virgen de las rocas.

Una virgen con el niño y san juanito y un ángel.

estan situados en una arquitectura equilibrada de planta centralizada y en la pintura el estilo piramidal sera la presentacion equilibrada. con sus brazos la virgen abre la piramide.

el marco donde ubica el cuadro:refuerza la composicion equilibrada y prescinde d las arquitecturas como referencia y sustituye por fondos d rocas en unos paisajes imaginados por Leonardo.añade la perspectiva aerea a medida q un lemento se aleja se hace mas pequeño con contornos inidentificados una mano d virgen q avanza hacia nosotros con un escorzo muy interesante.anteriormente los pintores queria representar diferentes escorzos los niños señalan a la virgen formando una unidad.

Es un perfecto ejemplo de armonía renacentista,con su equilibrada composición englobando a las figuras en cuyo vértice logicamente está la virgen,mientras los lados vienen dados por Jesús y San Juan niño y por un pequeño ángel al otros lado.

También en esta obra Leonardo desarrolla ya la experiencia de su sfumato,lo que unido a la luz tenebrosa surgida de la cueva crea ese ambiente característico de luces difusas y entornos ambiguos,que a aprte de ganar en profundidad,le otorga al cuadro un aire exatrño y misterioso.

1.3.La Gioconda.

Se atribuye a la esposa del florentino Francesco del Giocondo,Monna Lisa.Es un típico retrato renacentista,de busto prolongado en los brazos;equilibrado en la composición mesurado en la apariencia gestual.Lo que ocurre es que algunos elementos de la representación lo hacen muy distinto:1)típico tratamiento leonardesco de la luz:el sfumato que rodea a la figura difumina sus perfiles contribuyendo a que qede envuelta en un aura de misterio.

2)el paisaje que la enmarca también es una consecuencia directa de la perspectiva aérea,pero es también un elemento de inquietud formal.Porque el paisaje carece independiente del rostro,porque la linea del horizonte no es coincidente a la derecha y a la izquierda de la figura,lo que engaña la composición,crea dos planos de visión y aumenta su sentido enigmático.

3)el dominio leonardesco de la expresión,se debe en parte al trabajo preciso del claroscuro en los ojos y en la comisura de los labios elementos básicos de la expresión,que de esta forma quedan imprecisos en su ambigüedad como si el tiempo ciertamente se hubiera detenido en su mirada.

1.4.La Santa Cena.

convento d santa maria d las gracias:adorna el comedor d este convento.leonardo en vez d aplicar la pintura al fresco experimento con otras pinturas y por eso no llego a conservarse plenamente.

el cuadro lo enmarca con una arquitectura q responde a la perspectiva lineal:piramide lineal.al fondo abre la arqiotectura para q se prolongue donde pedomina la perspectiva.la composicion:el tema responde a los elementos renacentistas;el cuadro es muy convencional:con cristo en medio donde coinciden las lineas d fuga. leonardo se aparta de lo convencional y quiere captar el momento de la traicion de los apostoles esta sorpresa afecta a todos.

hay q proporcionarlos en grupos para q no aparezcan sueltos.hay un elemento de union q puede ser una mirada,brazo,mano,etc.

2.Miguel Angel.

2.1.Capilla Sixtina.

el papa julio II le encarga q acabe d decorar la boveda d la capilla sixtina.

1)sobre esta boveda ya habian frescos y era un espacio muy amplio entonces,Miguel Angel tiene q darle unidad yal conjunto y ademas quiere adornar el conjunto consiguiendolo a traves d las arquitecturas ficticias:prolongan d tal manera q le da unidad al conjunto y organiza asi los temas q responden a un programa iconografico(recoge los dos estados del hombre ante gracia y subgracia,antes y despues d la resureccion d cristo)

2)Miguel Angel revaloriza el desnudo:piensa q el hombre es ser mas importante del mundo,todos esos desnudos remiten a la antiguedad clasica porque parecen esculturas grecolatinas. para ello acentua el dibujo usando colores frios y la luz refuerza esa impresion q esta pintada con esos criterios.

la boveda esta dividida en partes para conseguir una organizacion:entre pilastras aparecen sibilas y apostoles y en la parte central se reserva para temas importantes por ejemplo la creacion d adan:el hombre esta hecho a imagen y semejanza d dios y segun la biblia sobre arcilla.dios sera como un escultor y luego lo dotara d vida y lo hace a travez d los dedos q no llegan a juntarse.ambas figuras aparecen sin referencia espacial.la composicion:los dos forman dos diagonales,dos lineas paralelas.en cuanto a la idealizacion ,si existe y lo refleja en la capilla sixtina.

3.Rafael:

Adquiere renombre y prestigio como magnífico retratista,muerto Bramante,comienza una trepidante actividad como arquitecto que durará hasta su temprana muerte.Como logro más significativo es nombrado arquitecto de la fábrica de San Pedro,alterando en parte el proyecto inicial de Bramante,si bien no podría llevar finalmente acabo.

Rafael,expresión máxima del ideal humanista se le ha considerado también el mejor ejemplo del equilibrio clásico del Cinquecento,de la medida,de la belleza ideal,de la simetría axial,de la claridad compositiva,el encanto colorista y la luminosidad diáfana.Incluso a veces se le ha considerado tan solo un artista sincrético,cuya mayor virtud consistió en asimilar la perfección lo mejor de los grandes maestros.Sobre todo en su primera etapa florentina,Rafael fue también un retratista personal e innovador,de gran penetración psicológica.Un hombre cuyas últimas veleidades pictóricas en algunos frescos de las estancias vaticanas están orientándolo en una vertiente completamente distinta de la puramente clásica.

3.1.Desposorios de la Virgen.

Es una obra temprana de Rafael donde se aprecian influencias quattrocentistas.Se parece muchísimo a Perugno,en cuanto a su campo se aprecia las influencias de su maestro:planta centralizada(planta equilibrada)en la composición:se aprecia la influencia de leonardo:unos personajes femeninos que tenían cierta huella leonardesca.Cuando posteriormente entra en contacto directamente con Leonardo: La virgen de San Juan y Jesús.

3.2.la Virgen del Jilguero.

En la obra se combinan dos influencias hasta cierto punto contrapuestas,de un lado la leonardesca y de otro la miguelangelesca,pero que Rafael sintetiza a la perfección.

El esquema compositivo recuerda las Vírgenes de leonardo.Así las figuras se enmarcan en una disposición piramidal,que a su vez se encuadra una serie de lineas verticales y horizontales,marcadas por los arbolillos que las flanquean y la propia linea del terreno que esta en la moda geometrizante de la compositiva leonardesca.

La influencia del mismo autor se manifiesta también en el tratamiento de la luz difuminada o en las transparencias reflejadas y en los tonos azulados del plano del fondo.

El estudio del modelado en las figuras deriva del estudio de la obra de Miguel Ángel,de lo que es buena prueba el trabajo sobre la rodilla de la Virgen ,prominente,luminosa y sobresaliente hasta tal punto que rompe el plano-límite del cuadro.

La obra conserva el encanto poético del primer Rafael,en los rostros y poses de las figuras;en el tratamiento mesurado del color,con esa característica alternancia clasicista de rojos y azules,siempre persuadido de atemperar los tonos cálidos con sus fríos correspondientes;y por supuesto la luminosidad del cuadro,uniforme,alegre y de una gozosa claridad,en la que no falta tampoco su valor simbólico,pues tratándose de una luz cenital introduce a la identificación con lo divino.

3.3.Estancias Vaticanas: Escuela de Atenas.

dedicadas a la residencia ,le corresponde decorar cuatro estancias,no solo las une la misma arquitectura sino tambien la tematica.estas cuatro estancias conforman un mismo programa iconografico.d estas cuatro estancias la mas famosa es la escuela d atenas.

son salas rectangulares cubiertas d boveda d medio punto,en los lunetos q va a decorar Rafael.la idea q une a las cuatro es el papado.

Rafael quiere representar el tema d la filosofia y le corresponde al frente la teologia q venia representada con la disputa d santo sacramento d tal manera q la teologia representa la verdad revelada frente a la verdad natural d filosofia .concordatio.

desde el punto d vista d la perspectiva aparecen ubicados los personajes en un edificio q remite a la reconstruccion q se hace d san pedro vaticano:planta centralizada con los cuatro brazos formando una boveda d cañon,es un homenaje a Bramante.lesirve para plasmar la perspectiva lineal y explica un leve Sfumato leonardesco.en cuanto a la composicion los personajes van formando grupos contrapuestos en torno a un personaje importante hay cierto movimiento armonico y equilibrado.aprovecha no solo para representar a los principales filosofos sino q a cada uno va a rendir homenaje a otros artistas d su epoca.en centro platon con dedo:retrato leonardesco,matematico:miguel angel y a la derecha inclinado bramante.el mismo se autoretrata.predomina la linea sobre el color pintura al fresco.

Escultura:

de Miguel Ángel:es gran representante del Renacimiento.Pintor,arquitecto,escultor y ante todo y sobre todo era un escultor más que pintor y arquitector.Desde los primers años del cinquecento conseguirá el pleno conocimiento de técnicas y siente preferencia por mármol de Carrara.Características de Miguel Ángel:

1.Escultura monumental,mayor de lo natural.

2.predominio del bulto sobre el relieve.

3.la presencia de los desnudos.

4.La fuerza espiritual que consigue dar a sus esculturas --->Terribilitá.

1.1.La Pietá

Clasicista es el mismo tema de la piedad,que es el más humanista de toda la narración de la pasión de Cristo,a parte que la idealización de la belleza ya mencionada que lleva apareada,hay que enmarcarla en el concepto neoplatónico que de la misma se tiene en el Renacimiento.

Es ésta la razón precisamente de que el rostro de la Virgen sea más joven que el de su propio hijo,anacronía que su autor explica por la necesidad de" mostrarla eternamente virgen".En cualquier caso,el tratamiento del rostro resulta de una belleza delicada y pura,que refuerza aún más su sentido virginal.Su profundo clasicismo se completa con el tratamiento del manto que cae elegante,cincelado con grandes oquedades que provocan contrastes de luz y sombra.En cuanto al cuerpo de Cristo,se desploma inerte sobre el de la madre,con tremendo verismo,no en vano el artista estudió directamente un cádaver al natural para ejecutar la pieza.

El breve desequilibrio del cuerpo del hijo,a punto de resbalar por le manto de la virgen.Pero resulta un detallle que apenas destaca en un conjunto definitivamente clásico también por la composición del grupo,que se enmarca en una equilibrada pirámide.

1.2.David.

La pieza ciertamente suponìa un reto para su autor,especialmente por sus dimensiones(4m),y porque se labra en un solo bloque de mármol.

Pero la realización de Miguel Ángel resulta un éxito tal,que el propio pueblo de Florencia presiona para que se le de otro destino,eso sí como una comisión de la que formaban parte Boticelli,Leonardo,decide situar el coloso ante la portada del palacio viejo,en la plaza de la Señoría.

Tampoco ha de extrañar esta decisión si se tiene en cuenta que el David se considera un símbolo de triunfo de la República sobre los Médicis.De hecho se recordaba como un acontecimiento ciudadano de primer orden el trslado de la escultura desde el taller de Miguel Ángel a la plaza de la Señoría.La obra resulta realmente descomunal,por la fuerza y rotundidad de la talla,que inicia el estilo"heroico" o grandioso característico de Miguel Ángel.

El David tiene toda la belleza helénica del desnudo clásico,la composición equilibrada que transmite el contraposto,pero presenta una energía inusual,claramente manifestada en aspectos como:su potente musculatura;su expresión firme y segura,y un vigor resaltado especialmente por sus manos enormes,que en cierto modo están anunciando ya la tensión manierista y la grandilocuencia miguelangelesca.

1.3.Moisés:

Moisés está representado en un monumento pleno de furia,al bajar del monte Sinaí con las Tablas de la Ley y advertir la traición idólatra de sus seguidores.Todo él se convierte así en una representación de rabia y cólera explosivas.

El tratamiento de los ropajes dispuestos con amplitud de oquedades y elocuente elegancia.Un ejercicio de fuerza expresiva y grandiosidad.Su cuerpo titánico concebido como una masa escultórica compacta y sólida;su anatomía de una robustez natural;su vigor manifestado también a través de la tensión compositiva,con juegos de líneas verticales y horizontales;y la ruptura ya de toda la armonía renacentista a través de la dislocación del contraposto,con la cabeza muy girada,contrabalanceo de piernas,y las lineas de los brazos entrecruzadas.Su expresión trememunda,la mirada furibunda y los contraste de luz y sombra abiertos por el cabello y los huecos oculares;todo ello inicio de la famosa terribilitá miguelangelesca,caracterizada por su grandiosidad formal y su tremenda fuerza expresiva.Es toda ella una composición tan vibrante.

El Manierismo:

Arquitectura:

1.Miguel Ángel: 1.1.La biblioteca laurenciana.

2.Palladio:2.1.Villa Rotonda.

3.Vignola: 3.1.Il gesú

4.G.Romano:4.1.Palacio del Te.

Escultura:

1.Miguel Ángel: 1.1.Tumbas mediceas.

1.2.Piedad rondanini.

2.Bolonio:2.1.Rapto de las Sabinas.

Pintura:

1.Miguel Ángel:1.1.Capilla sixtina: El Juicio Final

1.1 ------------------:El castigo de Anán.

2.El Bronzino:2.1.Venus abrazada a Cupido.

3.El Parmigianino:3.1.Virgen del cuello largo.

4.Pantormo:4.1.Descendimiento de la cruz.

2.3.1.La introducción.

Miguel Ángel va a ser responsable del cambio.Principales características del Manierismo:

1)En el Manierismo hay un perfecto conocimiento del mundo clásico.Se conocen perfectamente,pero la personalidad y la creatividad de cada artista se incluyen en las obras.nueva concepción del artista.¿en qué consiste el Manierismo?En moverse entre las dos cosas:el mundo clásico y la creatividad de los artistas.Siempre habrá palabras como juego,manipulación,recrear,... que nos ayudarán a saber qué lugar ocupan la creatividad,etc.No hay un manierismo,sino hay MANIERISMOS,hay artistas manieristas que están muy próximosal clasicism,pero también los hay anticlásicos;depende de la personalidad de cada artista.Van a trabajar como artistas de una familia.Todavía habrá manieristas que se van a salir hacia lo dinámico y lo explosivo y otros no.

2)Miguel Ángel con su dramatismo es el responsable del Manierismo en arquitectura,escultura y en pintura.

3)Es un arte subjetivo,tiene que ver con la personalidad y esa personalidad se manifiesta en la subjetividad.e van a apartar de las formas idealizadas,van a haber formas antinaturales:proporciones de los cuerpos alargados,apatyándose de los colores arbitrarios,se excluyen los paisajes,se va a perder la preocupación por la perspectiva,hay una ausencia de profundidad,no intentan recrear la Naturaleza,quieren crear algo artificioso.

4)Se busca algo nuevo,eso es lo que mueve a los artistas manieristas;y en eso.muchas veces van a buscar efectos llamativos de tal manera que en las composiciones serán más complicadas, se van a hablar de sperpentinata.

Escorzos,actitudes extrañas,falta de ajuste entre la idea y los gestos que se ven.No tiene nada que haber una concordancia ni unidad.Los ritmos:cortados para llamar la atención,la ornamentación,todo ello se aplica en el manierismo con el objetivo de captar la atención del espectador.

5)obras con mayor complejidad con las formas y en lo intelectual.Estas obras estaban destinadas a un público exquisito,solo ellos estaban capaces de entender lo que quería expresar el artista.

Arquitectura.

1.Miguel Ángel

1.1.La biblioteca laurenciana.

La Biblioteca laurenciana es un pequeño edificio con dos pequeñas habitaciones, que se inicia en 1524, pero sufrira numerosas interrupciones en su ejecucion hasta que se termine definitrivamente en 1559.

Es un tipico ejemplo manierista, que busca la sorpresa, la desconfianza, la inquietud, la desazon y la zozobra en el espectador.

El vestibulo, ya de por si pequeño, se agobia totalmente con una escalera desproporcionada, que indudablemente oprime y crea una sensacion claustrofobica. Su disposicion ademas en cascada, acrecienta dicha sensacion, pues pareciera que se nos viene encima.

Es una solucion arquitectonica que crea de esta forma una tension espacial, que es lo que provoca la opresion y la angustia.Es decir, lo contrario al puro clasicismo, definido por la armonia y el equilibrio espacial.

A ello contribuye tambien la utilizacion de escalones curvos que verdaderamente parecen desparramarse hacia el espectador, y que acentuan la tension del conjunto al combinarse con el estatismo del resto de elementos rectos.

Pero el Manierismo es tambien sorpresa, y por ello, esto que es un interior, se dispone como una fachada exterior, con sus ediculos, entablamentos, pares de columnas y frontones partidos.

En definitiva, se trata de seguir utilizando los elementos formales del lenguaje clasico, pero ahora distorsionados, dislocados, fuera de sitio y fuera de funcion. Buscando asi la ruptura, la tension, la confusion y el engaño. Lo contrario justamente pretendido por el pleno clasicismo, todo armonia, equilibrio y proporcion.

2.Palladio:

2.1.La villa rotonda.

Las villas de Palladio, expresan su respuesta a la demanda creciente de una vida campestre, renacida ahora la economia rural.

Las villas resulran de una interpretacion nueva de la arquitectura clasica, en la que tampoco faltan algunos resabios manieristas.

La Villa Rotonda, presenta en el centro una sala circular cubierta por una cupula, que se inscribe en una planta cuadrada, en cada uno de cuyos extremos se dispones cuatro amplioos porticos a modo de templo romano. Estos se articulan en una estructura prostila, exastila, de orden jonico, con remate en fronton y una amplia escalinata de acceso.

Se combinan de esta forma dos elementos en apariencia contradictorios, como son el eje centralizado de la rotonda mas la planta cuadrada, realzada ademas por la cupula, con los cuatro amplios porticos que crean ejes longitudinales.

Esta disposicion que hay que considerar como un claro rasgo manierista, no le resta sin embargo una p atente elegancia formal y una sencilles monumental, que es lo que la acerca tanto al concepto clasico de la Antigüedad, y lo que explica tambien su enorme difusion posterior, sobre todo en la epoca Neoclasica.

Escultura:

Puede decirse que toda la escultura del S. XVI, y muy especialmente la de su primera mitad, esta dominada popr la ingente obra de Miguel Angel, lo que en gran medida eclipsa al resto de escultores.Tanto es asi, que la mayoria de ellos son pocos conocidos, y que la pleyade de escultores realmente importantes del S. XVI italiano se inscriben en el ambito manieristas por influencia directa de la obra de Miguel Angel.

En la estimulacion de la obra escultorica, no solo de Miguel Angel sino de otros escultores contemporaneos y posteriores, tuvieron destacada importancia tambien algunos factores externos. En primer lugar la coleccion de esculturas antiguas, la mayoria clasicas, atesoradas por Lorenzo el Magnifico, que influirian sin duda en el propio Miguel Angel.

Tambien resultaria aleccionadora la coleccion papal, incrementada por Julio II y los descubrimientos arqueologicos del Laocoonte y sus hjijos en 1506, el Apolo de Belvedere, el Torso de Belvedere o la Venus Calipigia, entre otros.

En Miguel Angel hay que volver a subrayar el caracter manierista d casi toda su obra. No obstante, hay una etapa en su labor escultorica, correspondiente a sus años de primera juventud, que bien podriamos encuadrar en una fase clasicista, aunque ya en ellas queda patente su fuerte personalidad y su particular sentido de la modelacion y de la talla.

1.Miguel Ángel.

1.1.Tumbas de los Médici.

Coincidiendo con la llegada al papado de Leon X, un Medicis, se le encarga a Miguel Angel una nueva sacristia para la Iglesia de S. Lorenzo de Florencia, en la que habrian de situarse las tumbas de dos de los personajes mas representativos de la familia de los Medicis, Giulano y Lorenzo Miguel Angel, una vez mas se encuentra aqui ante el reto de integrar escultura y arquitectura.

Las representaciones de los dos Medicis asumen una figuracion simbolica: Giulano es la representacion del hombre activo. Por el contrario Lorenzo es la representacion de la vida comtemplativa, emblema del hombre reflexivo, melancolico, silencioso. Logico complemento del retrato de este ultimo se colocan a sus pies las representaciones alegoricas de la Aurora y del Crepusculo, es decir, de los dos ciclos temporales de la comtemplacion: la Aurora, como una mujer que se despereza; y el Crepusculo, como un hombre inclinado y meditabundo.

Enfrente, la representacin activa de GIulano conlleva asus pies las representaciones alegoricas de la Noche y el Dia. Aquella como una mujer sensual; y este como un hombre fornido y musculoso en cuyo rostro semioculto parecen incidir los rayos del sol.

1.2.Piedad rondanini.

Es esta la ultima obra en la que trabajo Miguel Angel.

Miguel Angel llega a la culminacion de su interpretacion manierista: el alargamiento de las figuras es extremo, hasta el punto que parecen ahora ingravidas en el espacio, ligeras y flotantes, lejos ya de aquella terribilita que caracterizo toda su obra.

Sigue utilizando el recurso de la composicion sin equilibrio en la que las figuras parecen resbalarse, acentuando asi la dinamicidad de la obra. Igualmente el tratamiento diverso del marmol con unas zonas pulidas y otras sin terminar, conllevan una doble interpretacion; por una parte su despreocupacion de la belleza externa; y por otra, el misterio de su expresividad sin concretar.

Ambas lecturas coinciden en la pretension miguelangelesca de representar en esta obra el sentimiento de la plena esperitualidad: la de la union mas alla de la materia entre madre e hijo.

Pintura:

Tambien Miguel Angel demostro ser un pintor excepcional, genero al que aporto igualmente su formacion manierista.

Como sabemos, Julio II le encarga pintar las bovedas de la Capilla Sixtina, como compensacion al abandono del proyecto de su tumba, que tanto disgusto habia provocado en Miguel Angel. A pesar de sus reticencias, comienza una ardua labor en soledad que le llevara cuatro años, de 1508 a 1512. Algunos años mas tarde, en 1536 se le encargara la decoracion del muro frontal de esta misma Capilla, en el que plasmara su famoso Juicio Final

1.Miguel Ángel:

1.1.Capilla sixtina:

Esta Capilla ya contaba con una decoracion en sus paredes laterales, en las que se narraban dos ciclos religiosos: la Historia desde Moises hasta Cristo ( Sub lege ) y la Historia a partir de Cristo ( Sub gratia). Entiende Miguel Angel que faltaba para completar el ciclo narrativo, la historia desde la Creacion, a la vida de Moisas ( Ante legem). Ese es por tanto el tema que va a desarrollar en cada uno de los tramaos de las bovedas y en los lunetos de la Capilla Sixtina.

A pesar de las dificultades que entraña pintar en " buen fresco" unas bovedas tan elevadas y de las contrariedades que aquellas tarea provoco en Miguel Angel, la obra resulta descomunal. La misma grandeza de sus esculturas se advierte tambien en su pintura, a la que añade ademas un sentido tambien manierista de color.

Plasticamente volvemos a encontrarnos con figuras enormes, poderosas, vigorosas, tremebundas, reflejo exacto de la terribilita miguelangelesca; ademas sus posturas son forzadas, retocidas, desequilibradas, y siempre mostrando un estado de total tension. Esa tension contenida, que en ultima instancia es lo que arrastra esa angustia y desazon general tan propia del Manierismo.

Pero tambiem el color es manierista. Si el clasicismo pleno pintaba con colores suaves que buscaban la armonia, el Mnierismo pretende lo contrario: colores estridentes, fuertes y chillones qu agudicen la sensacion de escandalo y zozobra. Asi son los de Miguel Angel, como ha quedado claro despues del reciente proceso de restauracion y limpieza. Lo mismo ocurre con la luz, de bruscos y violentos contrastes de claroscuro que dinamizan todavia mas unas composiciones, ya de por si movidas y agitadas.

2.El Bronzino

Agnolo di Cosimo, llamado Bronzino fue el discipulo de Pontormo y uno de los manieristas mas representativos del arte intelectual y ristrigido a una elite, que caracterizo buena parte de este movimiento.

2.1.Venus abrazada a Cupido

En el centro de la composicion se representa a Venus abrazada por Cupido, siendo acompañados a la derecha por el Placer y el Engaño, y a la izquierda por los Celos"y otros tormentos del Amor". A sus pies las mascaras pueden ser la alegoria de la Tragedia y la Comedia. Por encima de todo ello, el Tiempo descorre una deslumbrante cortina de azul electrico.

La interpretacion es la conocida y reiterada victoria de Venus sobre Cupido, es decir, la victoria de la belleza sobre el amor, si bien en este caso no lo hace por la fuerza, sino de forma sutil y perversa. Mientras Cupido se siente halagado por el beso de Venus, esta aprovecha para arrebatarle la flecha de su carcaj, con lo que se adueña de sus poderes. Ante ellos la cara vacia que los contempla simboliza el Fraude de ese gesto, que no es amor sino solo mentira. A la derecha de la representacion se completa el lexico simbolico de la escena con la imagen del Placer, representado por una niña de rostro afable en su mitad y de animal en la otra, que porta en una mano un panal de miel, pero en la otra un agudo aguijon. Todo lo cual viene a resumir la dulzura y el dolor añadido qu siempre conlleva el placer, que a su vez es una disposicion mas propia de animal que del hombre. Al mismo tiempo, el Engaño repreentado por un putti feliz, derrama una lluvia de rosas sobre los amantes, igualmente falsa.Pero finalmente se hece justicia. Porque asi como Venus desarma a Cupido con el engaño, asi el Tiempo desarma finalmente a la propia Venus, al alcanzar el manto azul con el que el Fraude estaba a punto de coronar y certificar la maniobra.

La obra por tanto es desde el punto de vista de su lectura iconografica y de la interpretacion de su alegoria, realmente muy compleja y ciertamente reservada solo a unos pocos iniciados.

Desde el punto de vista plastico el cuadro destaca por el tratamiento marmoreo de los cuerpos, de una delicadeza fria y a la vez deslumbrante, aspecto en el que tiene mucho que ver la magistral utilizacion del color.Lo propio puede decirse del tratamiento de los azules tan peculiares de este lienzo, que envuelven la escena de una tonalidad igualmente fria, distante, que en elfondo convierte la lalegoria en algo tan lejano a nosotros.Los mismos gestos, realmente teatrales, y la escenografia de tramoya del conjunto de la repreentacion insisten en la caracterizacion distante, intelectual, idealizada, de esta imagen del amor carnal, que ademas de esta forma se ve reforzada en su interpretacion negativa, pues es la representacion de un gran fiasco, de una perversa mentira.

Finalmente como si se quisiera cerrar el hermetismo de toda la explicacion compleja de la alegoria, la composicion se cierra en un cuadrado central, formado por el juego de lineas qu forman los brazos y piernas de los protagonistas.

No faltan tampoco, los detalles erotizantes, asi como la pincelada fina y exquisita tan caracteristica de su estilo.

3.Parmigianino.

Caracteristicas propias de la pintura del manierismo son la precision en el detalle, siempre de una minuciosidad exquisita y tambien la complejidad en la representacion, en este caso de la figura humana. Se aboga ahora por la idealizacion de las imagenes pues la representacion del natural pierde su interes. La exageracion a la hora de representar algunas anatomias en la pintura de este autor Il Parmigianino, que son tratadas anamorficamente, es decir sin relacion con el resto del cuerpo, aunque siempre en concordancia con el conjunto de la composicion.

3.1.Madonna de cuello largo.

Por eso este cuadro de idealizacion verdaderamente platonica, se combinan elementos antinaturalistas realmente chocantes, con un tratamiento del conjunto de una extraordinaria exquisitez y belleza.

Efectivamente. El tratamiento de los cuerpos es por una parte primoroso: veanse los dedos delicadisimos de todas las figuras y en especial de la madonna, los rasgos de porcelana, el niño filiforme y hasta la elegancia pristina, virginal, inocente y nubil del cortejo, que por si mismo resume el sentido del ideal de belleza platonico.

Pero por otro, observese en primer termino el tratamiento de los canones, todos ellos alargadisimos, en brazos, piernas y de forma especial en el cuello de la Virgen, tan singular que da el titulo al cuadro. Lo mismo que el niño, que es tratado de una forma desmesurada, hiperbolica, no solo por su enorme dimension, sino tambien por su cabeza grande calva y eliptica.

Por otra parte, sorprenden otros recursos desazonantes por el desconcierto que provocan. Asi la distribucion espacial de las figuras, aglomeradas todas en la parte izquierda del cuadro, dejando asi un espacio vacio, un tipico pasillo visual a la derecha, al fondo del cual aparece una figura pequeñisima, discordante con el resto. Ella, lo mismo que las columnas del fondo, desconectadas del contexto tematico del cuadro, aumentan el equivoco y la sensacion irreal, casi onirica, que nos traslada a un mundo efectrivamente idealizado.

Por otro lado, no falta el erotismo velado igualmente repetido en las obras manieristas, concretado esta vez no solo en la ambigüedad adolescente de las figuras del cortejo y en sus pieles de porcelana o la pierna provocadora de primer plano, sino en la belleza del rostro de la madonna, y sobre todo en sus dedos sobre el pecho y la turgencia prominente del pezon.

4.Pantormo.

Es un contemporaneo de Miguel Angel que desarrolla como el muchas aportaciones manieristas, que constituyen ademas de las primeras manifestaciones del nuevo estilo.

Por eso tal vez, por su atrevimiento, por su modernidad, por su concepcion tan cerebral y distinta de l pintura, unido todo ello tambien a un actitud personal poco socialble e igualmente distanciada del resto de pintores, es por lo que sus coetaneos no letributaron el favor que su pintura merecia.

4.1El descendimiento de la cruz.

Sorprende en primer lugar la ausencia de cualquier referencia espacial de tipo perspetivo. Toda la composicion se resuelve a partir de la figura humana que queda flotando en medio de un espacio irreal .

En todo caso, ello no es impedimento para que el cuadro tenga una perfecta sollucion espacial, resuelta como deciamos por la disposicion compleja y singular de todas las figuras.Predomina un formato vertical en el que las figuras se superponen en altura, al ser vistas desde un punto de vista muy bajo. Por otra parte, el conjunto del grupo crea por si mismo profundidad, colocando al personaje de primer plano practicamente fuera del cuadro, en realidad mas proximo al espectador, con el que se comunica por la mirada, en una caracterstica "presion hacia el exterior", y las figuras superiores en un sfumatto que finge su lejania.

No queda ahi la complejidad del estudio copmsitivo, porque tal vez lo mas sorprendente sea la disposicion general de todo el grupo en un movimiento circular, contrario al sentido de las agujas de un reloj, en el que intervienen las posturas de los cuerpos, el juego de miradas y sibre todo en un recurso de prodigioso talento, el anudamiento de las manos hacia el centro, hasta completar el torbellino en el que se convierte todo el cortejo. Torbellino de una enorme dinamicidad, aun mas destacada si cabe a traves de las actitudes serpentinadas, inestables y danzarinas de todos sus miembros.

Desde el punto de vista del tratamiento de las formas se advierte claramente la coincidencia con Miguel Angel, porque predomina el tratamiento voluminoso, de claridad escultorica de las figuras, sin perder por ello la minuciosidad o la exquisitez en el detalle, que se advierte sobre todo en el trabajo de los dedos.

El color finalmente es otra prueba de novedad y valentia. Es un color irreal, de una brillantez rutilante, de unas tonalidades finisimas, a base de rosaceos, violetas, amarillos, verdes suaves, que ademas carecen de sombreado. Algo denunciado asperamente por Vasari, pero que curiosamente se convertira en el gran descubrimiento de la pintura impresionista mucho tiempo despues.

No podia faltar un apunte al tratamiento expresivo de la obra, a la intensidad de la emocion y del sentimiento que transmite el oleo en su conjunto y que no se concreta exclusivamente en el tratamiento gestual de los personajes, sino como ha apuntado algun autor, en la atmosfera irreal, abstracta, misteriosa, inerte, celestial en fin, que logra transmitir la pieza en su conjunto.

Pintura veneciana.

CLASICISMO:

1.Giorgione:La tempestad.

2.Tiziano:2.1.Amor divino y amor profano.

2.2.La Bacanal.

2.3.Carlos V a caballo.

MANIERISMO:

1.Tiziano:La coronación de las espinas.

2.Tinoretto:El rapto del cuerpo de San Marcos.

3.Veronés:3.1.comida en casa de Simón.

3.2.Bodas de Canáa.

2.4.1.La introducción

A la vez que Miguel ANgel y Rafael estan desarrollando su labor en Roma, surge en Venecia otro importante foco renacentista, que renueva totalmente la pintura de este siglo. Primero Giovani Bellini y despues Giorgione y Tiziano inician la hegemonia pictorica de Venecia en el S. XVI, sustentada en una serie de transformaciones.

En primer lugar se perfecciona la tecnica al oleo; se sustituye paulatinamente la tabla como soporte por el lienzo de tela, mucho mas ductil y manejable; se profundiza en la perspectiva aerea, pero sobre todo se revoluciona la utilizacion del color.

A partir de este momento se puede considerar sinonimo de pintura veneciana la utilizacion de colores luminosos; de gruesa pasta y que hacen surgir la luz de si mismos. De esta forma la luz adquiere apariencia espiritual y el color , protagonismo plastico. La atmosfera caracteristica que envuelve las imagenes de la pintura veneciana es desde entonces eterea y rutilante.

CLASICISMO

1.Giorgione.

En realidad Giorgio Zorzi o Giorgio de Castelfranco, es uno de los mas importantes heraldos de esta nueva avanzada de la ppintura veneciana.

Poco sabemos de el a pesar de que gozo en vida de una enorme fama. Problablemente se formo con Giovani Bellini de quien aprendio la claridad de las nuevas tonalidades, a lo que agregaria el mensaje clasico recibido de Rafael y del mismo Leonardo, con quien debio de coincidir en Venecia en 1500.

Podemos por tanto seguir hablando de lenguaje clasico, aunque tambien en Giorgione se den importantes novedades, ya no solo la comentada de la utilizacion de una luz cristalina, radiante de color, sino tambien sus modales tecnicos, poco ortodoxos con la tradiccion, pues Giorgine prescindia de bocetos y dibujos previos, aplicando color directamente soble la tabla o el lienzo. Con ello su pintuira adquiria gran frescura y espontaneidad, aunque ello acarreara a veces incorrecciones y pentimenti, que todavia se advierten en algunos de sus cuadros mas conocidos.

Su colaboracion con el joven discipulo Tiziano, terminara de abrir las puertas del protagonismo para la pintura veneciana, que el, a pesar de su temprana merte a los treinta años, supo renovar sin perder la referencia del sustrato clasico.

1.1La tempestad

Lo mas significativo de este cuadro es la nueva relacion entre Hombre y Naturaleza. Si hasta ahora el paisaje era un simple aditamento complementario de la figuracion, que era siempre protagonista, ahora nos encontramos con una perfecta interrelacion entre ambos, exaltando asi la necesaria union entre Humanidad y Naturaleza, la humanitas et natura, heredada por el pleno Rencimiento del panteismo clasico.

De esta forma el cuadro eleva a protagonista tematico el medio natural, concretamente la atmosfera turbia y opresiva que preludia la tormenta y que parece imponerse sobre las actitudes de los personajes.

Estos a su vez, parecen desconectados entre si.

Todavia quedan lagunas en relacion al verdadero argumento del cuadro, ya no solo por su dificultal intrinsica, sino porque loos analisis radiologicos han desvelado el arrepentimiento sobre la figura masculina del primer plano, que en origen era otra figura femenina desnuda. Se ha relacionado con las pastorales caracteristicas del S. XVI; con la repreentacion de Paris amamantado por su nodriza; con una referencia a la Arcadia; incluso, con la expulsion de Adan y Eva del Paraiso.

El verdadero valor del cuadro radica en la fuerza expresiva otorgada a la representacion del paisaje. El juego de luces y sombras, el tratamiento magistral de un color embaucador, la precisa tecnica del sfumato y la capacidad de aprehender el tiempo en su instantaneidad a traves de la representacion insuperable del rayo que rasga la atmosfera, es lo que otorga a la obra toda su carga sugestiva, ensoñadora y poco menos que surreal.

2.Tiziano

Tiziano Vecellio. No se sabe exactamente cuando nacio. El mismo decia cuando era mayor que en 1475, fecha que no obstante desmentiria Vasari debiendola retrasar

Tiziano es el maximo representante iniciado por su maestro Giorgione y que el renovo con composiciones mas monumentales y colores mas suntuosos y brillantes. Tambien abrio nuevos cauces en ambito tematico, destacando los argumentos mitologicos, la pintura alegorica, asimismo la iconografia cristiana, y por supuesto el retrato, del que fue un consumado maestro.

Es esta ultima actividad precisamente la qie aumento su fama entre las cortes europeas, llegando incluso a la de los Austrias. Su prestigio como diplomatico emcumbro aun mas su condicion de artista.

Si bien en ningun momento de su vida podemos considerarle como pintor propiamente manierista, si es cierto que la critica moderna ha desvelado ciertas influencias de cese tenor, especialmente despues de su viaje a Roma en 1540, donde conoce las obras de Miguel Angel. Se advierte entonces un Tiziano de anatomias mas suaves, composiciones mas alargadas y colores mas rutulantes, aunque sin perder jamas el brillo luminoso de la paleta veneciana. En cualquier caso esta vinculacion maniertista no paso de ser una tendencia esporadica, que no llegaria a cuajar plenamente en el trascursode su obra.

Lo que si se dvierte con la edad es su libertad plena en la utilizacion del color, mas esplandido cada vez, y creciente expresionismo, sobre todo e sus magnificos retratos.

2.1.el amor divino y el amor profano.

Entre las hipotesis mas conocidas destaca en primer lugar la que lo vincula al tema de Jason y los Argonautas, en cuyo caso narraria el episodio en el que Venus trata de convencer a Medea de sus propositos de venganza contra Jason.

Otros, consideran el cuadro vinculado al "Sueño de Polifilio", de modo que las figuras femeninas encarnarian a Afrodita y Polia. En tal caso el niño estaria en trance de realizar la tincion de las rosas que se describe en ese pasaje.

Tambien se ha propuesto que junto a Venus estuviera representada Violante, hija de Palma el Viejo y amante de Tiziano.

En cualquier caso la interpretacion consensuada por todos es que se trata de una representacion del amor divino simbolizado por su pureza en el desnudo femenino, y el amor profano, simbolizado en la figura vestida. Ambas se asocian logicamente a la figura de un putti o amorcillo y a la fuente de la vida, identifidada en este caso con un sarcofago. Para mayor contenido simbolico, la figura desnuda se asocia a un paisaje del que sobresale una iglesia al fondo, mientras que la vestida se superpone a una inexpugnable fortaleza.

En este sentido detaca el juego de contradicciones diversas que se advierten: la vitalidad de la mujer desnuda, contra la reserva de la vestida; humanidad en primer plano y paisaje al fondo; el sarcofago que es simbolo de muerte, pero que aqui representa la fuente de la vida.

Tambien a nivel compositivo, contrastan las figuras erectas de las mujeres, y las horizontales del paisaje y el sarcofago.

Incluso por sus valores cromaticos: entre el gris metalico del vestido y el rojo fuego del manto volado sobre la carne desnuda, y entre los verdes oscuros del paisaje y el cielo rojizo del crepusculo.

Sin duda, qu todo este contenido simbolista y contradictorio es herencia de Giorgione, como lo es tambien a nivel tecnico, en el que se advierte ya la maestria de Tiziano pese a ser esta una obra de juventud,. Sobre todo en las texturas conseguidas en los objetos; en la morbidez de los cuerpos; en el tratamiento evanescente de la luz y sobre todo en la voluptuosidad del color veneciano.

Por lo demas la obra no puede estar mas vinculada a la tradicion mas puramente clasica, tantopor la tematica mitologica, como por su interpretacion neoplatonica, como por su armonia forma.

MANIERISMO

2Tintoretto.

Uno de los grandes pintores del momento es Giacoppo Robusti, llamado el Tntoretto. parece ser que se formo en el taller de Tiziano, del que tomaria la intensidad del color veneciano.

21.El rapto del cuerpo de San Marcos.

Las composiciones de Tintoretto, crean en general amplias profundidades con elementos arquitectonicos laterales, y el desplazamiento de las figuras hacia alguno de los lados. Crea asi autenticos escenarios teatrales, donde las luces tenebrosas y fantasmales, la atmosfera tormentosa y los espacios arquitectonicos extraños e irreales, definen un mundo extravagante, como ensoñado, que llegaria a influir muchos siglos despues a los autores Surrealistas.

Tambien aqui la composicion queda ladeada por la situacion de los protagonistas, creando el tipico pasillo vacio tan habitual en las obras manieristas. San Marcos se dispone en violento escorzo, y ademas en esa tipica situacion manierista de inestabilidad.

Otros elementos resultan igualmente paradojicos: la situacion de un personaje tumbado en segundo plano; la de una cortina y un brazo interrumpido en primerisimo plano; o la curiosa irrealidad de unas figuras que como antorchas entre los porches, se refugian en ritmico paralelismo. No podia faltar la disposicion habitual en posturas forzadas y retorcidas, con canones alargados en exceso; o la figura del camello, un exotismo, en primer plano.

En conjunto recrean entre todos un doble efecto de perspectiva, geometrica a traves del enlosado y las arquitecturas, y aerea en el entorno del cielo y la incertidumbre de los fondos.

La luz es una luz encendida y en violento claroscuro, que anuncia ya el Barroco. Lo mismo que el color, intenso y acido. Una luz y un color que recrean por si solos otro elemento protagonista de la obra: la atmosfera que envuelve la escena, preludio de tormenta y cargada de la misma tension que antecede al rasgamiento del primer relampago

EL MANIERISMO EN ESPAÑA.

El estudio del arte del Renacimiento en España resulta complejo porque desde un principio previven en nuestro pais las tecnicas y tradiciones goticas cuando no las influencias eslamicas, y porque la vigencia del mecenazgo eclesiastico impide el infujo civil. Ademas la propia influencia italianizante, puramente clasicista, se dio de forma muy minoritaria,el Renacimiento resulta un fenomeno complicado, donde conviven diversas influencias, antiguas tradiciones, y pocas veces puede hablarse de puro clasicismo

Buena prueba de esta dificultad por definr el Renacimiento español es su propia terminologia, porque para denominar nuestro estilo renacentista se han barajado todo tipo de denominaciones. Al primer Renacimiento se le ha llamdo estilo Reyes Catolicos, imitando la terminologia francesa de aunar arte y monarqui; tambien se le ha llamado estilo Isabel, por la misma razon y ser Castilla su principal representante, o incluso Cisneros por igual motivo y buscando la figura de mayor relevancia politica del momento. Aunque el termino mas utilizado para denominar este primer Renacimiento es acuñado pos Camon Aznar, que lo denomina Plateresco, en virtud de su prolija decoracion, que recuerda el trabajo minucioso de los plateros y orfebres.

Con el Manierismo español ocurre otro tanto. Siendo El Escorial su obra mas representativa, al estilo en su conjuntose le ha denominado Herreriano o Esculariense, incluso Purista. El mismo Camon Aznar llego a llamarle Trentino por ser el arte de la Conyrarreforma o lo que es lo mismo, del Concilio de Trento.

Hubo no obstante artistas italianos que trabajaron en nuestro pais (Pedro Torrigiano, Fancelli), y hubi tambien artistas españoles que se formaron en Italia (Pedro Berruguete, Diego de Siloe) pero a pesar de esta influencia italianizante, el Renacimiento español estuvo siempre demasiado mediatizado por la tradicion gotica, el mecenzago eclesiastico y una vena expresionista de ampulosidad decorativa, que aleja la mayoria de nuestras obras de los criterios puros Quattrocentistas o Cinquecentistas.

A partir de la construccion de ElEscorial ca,bia en gran medida esta situacion, iniciandose un camino nuevo mucho mas purista y al mismo tiempo de clara influencia manierista, al menos en el campo de la arquitectura. Lo mismo ocurrira con la aportacion de Alonso Berruguete en el de la escultura, o con la figura de El Greco en pintura.

Arquitectura:

1.Monasterio de San Lorenzo en el Escorial.

El Escorial es, en esencia, una obra manierista, aunque ya hemos dichoque su influencia marca el comienzo del estilo herreriano cuyo predominio en el primer barroco español sera determinante.

Su proyectista fue Juan Bautista de Toledo, pero al morir a los cuatro años de iniciarse la obra, es sustituido por Juan de Herrera, que concluye la obra en un estilo muy personal. Su construccion se plantea como conmemoracion de la Batalla de S. Quintin, ganada precisamente el dia de S. Lorenzo, admitiendo al mismo tiemo una finalidad multiple: palacio, iglesia, panteon real, y centro destinado a las artes y las ciencias.

La planta del Monasterio es un amplio rectangulo del que solo sobresale al fondo el edificio dedicado a los aposentos reales o Palacio, configurando asi una forma de parrilla en la planta, recuerdo simbolico del instrumento de martirio de S. Lorenzo.

A la entrada se abren en ambos lados sendos patios cuadrangulares, saubdivididos a su vezs en cuatro partes, en un esquema muy manierista de situar los patios no directamente como prolongacion de la entrada, sino a los lados, lo que resulta una solucion que invita a la confusion del espectador y es totalmente anticlasista. De los dos es famoso el de la derecha, el de Los Evangelistas, ornado en su centro por una fuente con un ediculo central.

Integrada en el centro del rectanmgulo se eleva la iglesia, con planta a su vez centrralizada, de cruz griega, sbrayada ademas por el remate de su magnifica cupula. En su interior se situa un presbiterio elevado, y bajo este Panteon Real, de planta octogonal, decorado con marmoles jaspeados que crean un ambiente realmente sobrecogedor. Su espacial es igualmente sobria y monumental, con repeticion de arcos, pilastras toscanas acanaladas, de gran ritmicidad, y bobedas de cañon con lunetos.

Al exterior destaca especialmente el aire sobrio y austero de todo el conjunto, sin ornamento alguno y del que sobresale el sentido robusto del muro desnudo de granito, y como unico elemento dinamizador, las series repetitivas de ventanas, muy sencillas, adinteladas e igualmente carentes de decoracion. Se crea asi un ritmo reiterativo de volumenes exteriores ad infinitum que resulta tambien tipicamente manierista

Esta solidez externa adquiere elegancia gracias alos remates superiores de toda la edificacion, destacando las cuatro torres de los angulos, tipicos de las arquitecturas de las Austrias, a base de tejedos de pizarra o dos vertientes muy anguladas buhardillas, y chapiteles rematando las torres.

Igualmente caracteristicas de eta arquitectura herreriana seran las piramidiones o remates de piramides con bolas, que coronan tambien los elementos altos de la construccion-

SOlo la fachada propiamente deicha de entrada al edificio rompe ese sentido de severa austeridad escurialense. Esta formada por un amplio portico de dos cuerpos. IEl inferior presenta ocho columnas doricas; y el superior, cuatro jonicas, un nicho en el centro que cobija la imagen de S. Lorenzo y un remate superior en fronton.

En conjunto la solemne austeridad del edificio de El Escorial es la imagen perfecta del concepto de Estado y de Imperio de Felipe II: frio y tremendamente racional. Sin que falte en la concepcion de la planta y del conjunto de las edificaciones un cuadro de relaciones matematicas con todo su simbolismo hermetico, magico e incluso de caracter esoterico para algunos.

Escultura:

Alonso Berrueguete:

Alonso Berruguete, hijo del pintor Pedro Berruguete es, sin duda, uno de los representantes mas ilustres de la escultura del siglos XVI en nuestro pais. A principios de siglo marcha a Italia para aprender de los maestros del Renacimiento italiano. Alli vivio durante doce años, que le permitieron conocer a los autores mas famosos del Ciquecento e incluso asistir a hecho tamn significativos como el descubrimiento del Laocoonte.

Vuelto a España se instalo definitivamente en Valladolid. Sus obras denotan su formacion italiana, con influencias manieristas, en concreto sus soluciones agitadas y dinamicas y su expresion plastica, llena de delicadeza, emociones contenidas e intimismo religioso.

Entre sus obras mas conocidas destacan el famoso Sepulcro del Cardenal Tavera realizado en marmol asi como el Retablo de San Benito de Valladolid.

1.1.San Sebastian

En este caso concreto la obra es de un dinamismo porpiamente manierista, porque la imagen se retuerce en una caracteristica serpentinata de multiples puntosde vista, de ritmo helicaidal, en torbellino que es de una enorme dinamicidad. Obsrevese la disposicion abierta de la composicion, en vortice pleno, configurando un giro absoluto de piernas, torso y brazos, hasta fundirse estos sobre el tronco posterior.

Es ademas una figura de canon muy estilizado y de formas delicadas, todo ello igualmente manierista, lo mismo que su actitud danzarina, resbaladiza, en juego de desequilibrio totalmente inestable. La obra asi en conjunto, consu composicion centrifuga y su inestabilidad, parece recorrer el espacio en un espasmo, como en un chispazo fugaz que resulta electrizante.

No obstante, y a pesar de todo lo dicho, este S. Sebastian guarda un cierto respeto clasico al mantener el contraposto en medio de su espiral, y sobre todo a traves de su solucion expresiva, muy atemperada, muy serena y equilibrada, sin ningun exceso dramatico, sino todo lo contrario. Se produce asi un evidente contrase entre la concepcion plastica muy movida y agitada, y la expresiva, muy moderada y paciente, en un efecto de intimismo religioso, de armonia psicologica, que enlazaria con la linea mas clasica de Renacimiento

Pintura.

El Greco

Domenikos Theotocopuli, El Greco, debe considerarse uno de los grandes maestros de de nuestra historia de la pintura y el hombre que con su obra llena por si solo el contexto de la pintura española del S:XVI. Su asenyamiento en Toledo desde 1576, ciudad de la que ya no se movera, permitan considerarlo como un pintor, si no de formacion , se de raigambre española. Curiosamente y a pesar de exito personal nunca llego a ser pintor de Felipe II.

Tres grandes influencias deben considerarse a la hora de estudiar su evolucion pictorica:

a) La bizantina, caracteristica de su lugar de origen, que explicaria el caracter rigido, iconico, que en cierto modo caracteriza a sus figuras.

b) La veneciana, lugar donde recala el pintor antes de llegar a Esapaña, y que permite enlazar su pintura con las de Tiziano y Tintoretto, explicando la utilizacion de colores acidos, morbidos, de tonos fatuos y encendidos.

c) La propiamente hispanica, que inunda su obra de cierto misticismo, asi como de un expesionismo dramatico muy español.

En cualquier caso se trata de un pintor tipicamente manierista, ya que su pintura presenta todas sus caracteristicas: figuras desproporcionadas, actitudes heterodoxas o ambiguas, sensacion compositiva de inseguridad y desequilibrio, distorsion de las figura, provocacion y zozobra en el espectador, y colores encendidos e irreales. En cualquier caso, y tratandose de un autentico genio de la pintura, su arte escapa a la simple delimitacion estilistica.

1.1.La Trinidad.

La obra tiene claras reminiscencias miguelangelescas, ya que la corporeidad de las figuras y la composicion general recuerdan la Piedad de Sta. Maria dei Fiore y la Rondanini.

Teniendo en cuenta tal referencia no puede extrañar que la pintura tenga evidentes elementos manieristas.

Asi la escurridiza postura de Cristo; su posicion forzada y desequilibrada, realmente inquietante para el espectador; asi como el agitado dinamismo de toda la composicion; en la que prevalecen las lineas quebradas y en zig-zag. Tambien el tratamiento anatomico, fornido y musculoso en general, lo que no deja de ser otra ironia manierista tratandose de figuras eminentremente espirituales, como es el caso de Cristo y de los angeles. Por ultimo resultan igualmente significativos los canones muy alargados, filiformes, estilizados, igualmente caracteristicos de su estilo personal.Otro requiebro manierista que choca asimismo en el espectador seria la irrespetuosa postura del angel de primer plano, de espaldas y enseñandonos la planta de los pies.

Tambien los colores son muy manieristas, caracteristicos del pintor, acidos, incandescentes, morbidos, lo que en cierto modo contribuye al contexto mistico con el que El Greco impregna la atmosfera de sus cuadros.

Adviertase igualmente el juego de luces que con sus contrastes de luz y sombra, no solo acentuan la instabilidad de la figura de Cristo, sino que ademas configuran un efecto dinamico en toda la composicion

Entierro del Conde de Ogaz

Se representa en esta obra el hecho milagroso que acontecio durante el entierro de Gonzalo Ruiz, Conde de Orgaz, personaje que vivio en el S. XIV: concretamente la aparicion de San Esteban y San Agustin.

El cuadro, como muchos otros de El Greco se articula magistralmente en dos niveles: el terrenal y el de Gloria, unidos compositivamente por un angel en violento escorzo.

En la zona baja o nivel de tierra,el Greco aprovecha para pintar con el maximo realismo: las imagenes de ambos Santos, de una meticulosidad en los detalles, preciosista; la del cadaver, con su tono cetrino, tan real; y sobre todo la galeria de retratos excepcionales de contemporaneos suyos, incluido su hijo, a la izquierda mirando al espectador, y el mismo mirando tambien al contemplador.

En el nivel de Gloria, estan representados junto al propio protagonista de la obra, Cristo con la Virgen, S. Juan, S. Pedro y los bienaventurados, entre los que incluye a Felipe II, no se sabe si por fidelidad o con ironia. Pero lo mas sorprendente es que en esta zona cambia por completo su maniera pictorica: frente a la zona de tierra y real, la parte alta, la de Gloria, por vser una zona del mundo ideal, la pinta con una tecnica completamente distinta, en este caso siguiendo todos los canones manieristas; pincelada suelta y vaporosa; colores calidos e intensos; figuras alargadas; luces fantasmales; figuras ingravidas, sin soporte material alguno; y co una autonomia figurativa sin precedentes en la pintura occidental.

En resumen, como dos cuadros bien diferentes en uno solo, magistralmente hilvanados por el angel colocado en un escorzo inverosimil.

Luis de Morales

Luis de Morales "El Divino" es un caso distinto al de otros pintores renacentistas españoles porque tambien lo es el ambito en el que se forma, en la sobria austeridad extremeña. La suya es por ello una pintura de enorme perfeccion tecnica, exquisita en los detalles y muy elaborada, y cuyo manierismo es mas que patente en muchos aspectos. Todo ello no impide un aire general en sus cuadros de enorme sencillez y misticismo rligioso, que definen asi esta escuela pictorica hasta confirmarla posteriormente en la figura de uno de sus autores mas representativos y conocidos, Zurbara

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