Pintura y escultura chilena

Pintores y escultores chilenos. Arte de Chile. Roberto Sebastián Matta Echaurren. Nicanor Plaza

  • Enviado por: Patricio Bustos
  • Idioma: castellano
  • País: España España
  • 4 páginas
publicidad

PINTURA Y ESCULTURA CHILENA

La forma que tiene el hombre de representar sus sentimientos e ideas por medio del arte, y así como la historia se divide en distintas etapas o edades cada una con características propias, el arte a través de la historia se divide en estilos que representan lo que esta viviendo una sociedad determinada en una época especifica.

El arte de construir es intrínsico al ser humano, ya sea por mejorara su calidad de vida o por demostrar su respeto o gratitud por algo superior.

En Chile el arte se comienza a manifestar durante la colonia, los primeros en desarrollar la pintura y la escultura son extranjeros que llegan al país por diversos motivos, aquí se instalan para seguir con su labor creadora pero también para transmitir sus conocimientos, dando origen a los primeros artistas nacionales, los que a su vez siguen enseñando, dando origen a diversas generaciones de artistas.

En lo referente a la pintura y la escultura el número de exponentes es abundante, estos representan por medio de sus obras las tendencias estilísticas y políticas de la época en que se vive.

Para conocer un poca mas de estos artistas nos concentraremos en el análisis de destacados exponentes del arte chileno, uno de ellos es el pintor Roberto Matta, de estilo surrealista de este siglo, otro es Nicanor Plaza, escultor del XIX. Ambos de renombre mundial, se hablara de sus vidas, características estilísticas y obras mas importantes.

ROBERTO SEBASTIÁN MATTA ECHAURREN

Nació el 11 de noviembre de 1911, a las 11 del día según él (11del 11 del 11 a las 11), en Santiago de Chile.

Fue líder del denominado grupo de la generación del 40 donde predominan estudiantes de la Universidad Católica que se destacaron por el arte abstracto.

Sus estudios secundarios los realiza con los jesuitas marianos del Sagrado Corazón de Jesús y de María, continúa estudios superiores en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile.

En 1933 Emigra a Europa, en París trabaja en el taller de Le Corbusier, durante su estadía Gabriela Mistral lo invita a pasar una temporada en Lisboa. Luego de 3 años d su partida de Chile en 1936 viaja a Londres, donde tiene la oportunidad de compartir con Gropius y Moholy Nagy. No había transcurrido 1 año de su viaje a Londres cuando regresa a París para participar en "La Exposición Internacional", trabajando en el pabellón español, allí comparte con Magritte, Picasso y Miró; por intermedio de García Lorca y de Dalí conoce a André Bretón y se incorpora al grupo surrealista.

Era el año 1938 cuando conoce a Marcel Duchamp con quien establecerá una permanente amistad. Mientras reside en París vive con Pablo Neruda en La Roche-Guyon,

Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial en 1939, decide junto con Duchamp y Tanguy abandonar Europa y establecerse en Nueva York, allí ejerce una enorme influencia en los pintores jóvenes que darían vida al fenómeno de la pintura norteamericana de los 50.

El desarraigo buscado por Matta es un salto vital en la demolición de las raíces para descubrir el mundo. Después de 7 años de haber abandonado Chile participa en la exposición Internacional de Surrealismo, que se celebra en la Galería Breaux-Arts de París. Una fecha importante en la vida de Matta es en 1948 donde se establece nuevamente en Europa, donde es expulsado, por insurrecto, del grupo surrealista, será readmitido 11 años más tarde.

Si se pudiera hacer una linea del tiempo en la vida de Matta donde se destacaran fechas relevantes e su vida no se podrían dejar de mencionar los siguientes acontecimientos:

1950 Reside en Roma y Polonia.

1951 Expone en el Institute of Contemporary Art, de Londres.

1956 Pinta para la UNESCO el mural "Las dudas de tres mundos", realiza una serie de retrospectivas de su obra en Nueva York, Estocolmo y París.

1968 Visita Cuba y preside el Congreso Cultural de la Habana. Expone un discurso con el título de "La guerra interior".

1970 Realiza una exposición retrospectiva en la National Galerie de Berlín.

1970/1972 Viaja a nuestro país invitado por el Presidente Salvador Allende, trabaja en murales colectivos con la brigada "Ramona Parra".

1971 Los trabajadores de la Peugeot organizan una retrospectiva de Matta en la villa francesa de Sochaux.

1975 Participa en la Exposición itinerante "el gran Burundún-Burunda ha muerto" para apoyar la declaración del tribunal Russell sobre los crímenes de la Junta Militar en Chile, inaugurada en el Museo de Arte Moderno de México.

1982 Viaja a Nicaragua con ocasión del Congreso Interamericano sobre "Autonomía cultural de nuestra América", donde participa junto a Julio Cortázar y García Márquez.

1983 Realiza la exposición retrospectiva "Mediterráneo verbo América" en Valencia y Barcelona en España.

1990 En 27 de Agosto recibe el Premio Nacional de Arte; en Noviembre del mismo año se realiza una retrospectiva de su obra en el Museo de Bellas Artes, actualmente es considerado el mejor pintor vanguardista del mundo aún vivo.

CARACTERÍSTICAS ESTILÍSTICAS

Roberto Matta es considerado uno de los mayores exponentes del estilo surrealista abstracto a nivel mundial. En sus obras usa el óleo como técnica y la tela como soporte.

La primera contribución de Matta al surrealismo, y la mas importante, fue el descubrimiento de regiones del espacio desconocidas hasta entonces en el campo del arte. Matta siguió a los físicos modernos en la búsqueda de un nuevo espacio, espacio que a pesar de describirse en la tela, no debía ser confundido con una nueva ilusión tridimensional

OBRAS

“El Poeta” 1944-45 óleo sobre tela de 94x76 cm.

“El Palacio” 1982 óleo sobre tela de 196x206 cm.

“El profetador” 1954 óleo sobre tela de 199x295 cm.

“Eronisme” 1943 óleo sobre tela de 60x80 cm.

“Ilumina el Tiempo” 1975 óleo sobre tela de 400x500 cm.

DESCRIPCIÓN DE UNA OBRA

La obra mas vista de Matta y mas reproducida fotográficamente en libros y revistas es “El Vértigo de Eros”, óleo sobre tela de 190x251 cm. expuesta permanentemente en el museo de arte moderno de Nueva York, desde su adquisición en 1944, ésta pintura apunta a vivencias humanas que tienen su raíz en la génesis del mundo y del hombre, expresados en la cosmogonías míticas y prolongados en los símbolos creados por la cultura. El mundo se crea, se construye, toma forma, se expande, suscita energías y a la vez provoca antagonismos.

NICANOR PLAZA

Nicanor plaza nació en el Villorrio de Renca, hacia el poniente de Santiago, en 1844. al igual que Blanco, de origen humilde, procedía de una familia de extracción campesina. En aquellos años de su nacimiento todos los terrenos en torno al cerro Renca eran fundos y chacras, dedicados a los cultivos con que se abastecía la ciudad de Santiago, distante algunos kilómetros.

Ingreso a los 14 años a los cursos de M. François a estudiar escultura ornamental y tallada en madera de carácter artesanal, en el primer año.

Nicanor Plaza se destaco desde los comienzos de los estudios y recibió los premios, hasta culminar con la pensión que otorgaba a los alumnos mas destacados el gobierno.

En 1863 se le consiguió una beca de estudios en Europa, ingreso al taller del escultor Jouffroy, donde estuvo 3 años. En los anales de la Universidad de Chile de 1866 se daban noticias de los progresos realizados por un joven escultor llamado Nicanor Plaza.

Mientras era estudiante de Jouffroy, el gobierno de Estados Unidos llamo a un concurso internacional para perpetuar la memoria de “El Ultimo de los Mohicanos”. Participo con un proyecto acabado que puso por titulo “The Last of the Mohicans”, con caracteres góticos. No recibió distinción.

Salido del taller de Jouffroy, trabajador incansable, hombre de temple y ambición muy fuerte, abrió taller propio en 1866, en la capital de Francia y se dedico al ejercicio profesional.

El mismo año concurrió al salón oficial con el busto de mármol de Francisco Javier Rosales. Al año siguiente el envío fue mas nutrido, recibiendo en 1867 una distinción por Caupolicán, se trataba del mismo proyecto para el ultimo de los mohicanos. Esa obra no representa el tipo característico de los araucanos. Jamás usaron aros en las orejas, tocado de plumas en la frente ni carcaja como la que aparece en el suelo, entre las piernas.

Para el centenario, Richon Brunet fue el que tuvo la iniciativa de que fuera colocada sobre un peñón en el cerro Sta. Lucia . la idea fue excelente porque, incorporaba al paisaje agreste de este jardín, se perpetua el mito de un Caupolicán genuino y de valor artístico. Siendo este, un trabajo de estudiante de arte aun inmaduro.

Entre 1866 y 1871 año en que el gobierno lo llama para que asuma el cargo de M. François.

Los progresos se miden comparando El Jugador de Chueca con Caupolicán. No se trata ya de un estudio ni de una pose típica de academia, sino una escultura de estilo académico que respira naturalidad, equilibrio y lo que se buscaba: belleza adolescente de miembros finos con una musculatura en acción.

La obra maestra de Nicanor Plaza es “La Quimera”, existente en nuestro museo nacional de bellas artes, al igual que “El Jugador de Chueca”.

Esta escultura es un mármol que cabe en la calidad de exquisito desmoldado, por el tratamiento del rostro con los ojos entornados, los senos tan nacientes como castos y la redondez de sus brazos y la suavidad de las manos, fruto de un ensueño cuajado en mármol dócil.

La claridad y el equilibrio estatuario tienden a retorcerse en una forma casi convulsiva que se atenúa por contrastes con los retorcimientos de un dragón con las alas de un arcángel, extraña mezcla de alegorías. También lo son las rosas caídas al pie del peldaño desde el que bajan unos pies perfectos, a punto de pisar los extremos de unas ramas con espinas.

Estos elementos caen en lo literario y perjudican la belleza estatuaria pura, plena de elocuencia con sólo el cuerpo lozano y los sentimientos que lo estremecen. Es una concesión al gusto de la época, mal gusto, diríamos, sino estuviera atenuado por la finura de la técnica y por la destreza del tallado.

En 1891 Nicanor Plaza expresa el drama que vivía el país con la guerra civil en la hermosa composición, escultura pura, de sello romántico, sin alegorías, titulada “Protección”. Los desmanes producidos después del desenlace lo llevaron a ejecutar una obra formada por dos figuras femeninas, una madre y su hija. La primera, en la plenitud, abraza a la segunda, en la nubilidad. Es un juego de contrarios en las formas de las expresiones.

También en la disposición de las cabezas que se orientan en dirección contraria.

Son también el pasado y futuro y dos actitudes sensibles diversas, de la experiencia y la inocencia desgarrada. La madurez no llora y es más estoica.

Bellos los rostros, hermosos los cabellos en sus ensortijados movimientos.

En 1874 tuvo que viajar a Europa por encargo del gobierno para realizar la estatua de Andrés Bello, que ahora se encuentra en la casa central de la Universidad de Chile. Trató de conseguir una beca para su discípulo Arias y llevarlo consigo. Al no conseguirla, le pagó todo al embarcarse en el mes de julio en un viaje largo por el Estrecho de Magallanes.

Al finalizar el siglo Plaza se había trasladado a Florencia donde había instalado su taller. Formado en Europa, sentía en su partida la nostalgia por los ambientes saturados de artes y de historia. Pudo llevar los años finales de su vida su estilo mas amado, pero enfermo de artritis y persistiendo en trabajar con sus manos agarrotadas como un nuevo Aleijadinho, le fueron amputadas. Luego perdió uno de sus brazos, antes de morir en 1917, lejos de su patria, en la Florencia abonadas por las cenizas de los artistas gloriosos de la historia universal del arte.